holandská škola malby. Nizozemská malba Nizozemská malba černé barvy
Holandsko. 17. století Země zažívá nebývalý rozkvět. Takzvaný „zlatý věk“. Na konci 16. století dosáhlo několik provincií země nezávislosti na Španělsku.
Nyní se protestantské Nizozemsko vydalo vlastní cestou. A katolické Flandry (dnešní Belgie) pod křídly Španělska jsou své.
V nezávislém Holandsku náboženskou malbu téměř nikdo nepotřeboval. Protestantská církev neschvalovala luxusní výzdobu. Ale tato okolnost „hrála do karet“ sekulární malbě.
Doslova každý obyvatel nové země se probudil k lásce k tomuto druhu umění. Nizozemci chtěli na obrazech vidět svůj vlastní život. A umělci jim ochotně vyšli vstříc.
Ještě nikdy nebyla okolní realita tolik vykreslována. Obyčejní lidé, obyčejné pokoje a nejobyčejnější snídaně obyvatele města.
Realismus vzkvétal. Až do 20. století bude důstojnou konkurencí akademismu s jeho nymfami a řeckými bohyněmi.
Těmto umělcům se říká „malí“ Holanďané. Proč? Obrazy byly malé velikosti, protože byly vytvořeny pro malé domy. Téměř všechny obrazy Jana Vermeera tedy nemají více než půl metru na výšku.
Ale víc se mi líbí ta druhá verze. V Nizozemsku žil a pracoval v 17. století velký mistr, „velký“ Holanďan. A všichni ostatní byli ve srovnání s ním „malí“.
Mluvíme samozřejmě o Rembrandtovi. Začněme s ním.
1. Rembrandt (1606-1669)
Rembrandt. Autoportrét ve věku 63 let. 1669 Národní galerie v Londýně
Rembrandt zažil během svého života širokou škálu emocí. Proto je v jeho rané tvorbě tolik zábavy a odvahy. A existuje tolik komplexních pocitů - v těch pozdějších.
Zde je mladý a bezstarostný na obraze „Marnotratný syn v krčmě“. Na kolenou mu leží jeho milovaná manželka Saskia. Je oblíbeným umělcem. Objednávky se hrnou.
Rembrandt. Marnotratný syn v krčmě. 1635 Galerie starých mistrů, Drážďany
To vše ale za cca 10 let zmizí. Saskia zemře na konzumaci. Popularita zmizí jako kouř. Velký dům s unikátní sbírkou bude odebrán pro dluhy.
Ale objeví se stejný Rembrandt, který zůstane po staletí. Holé pocity hrdinů. Jejich nejhlubší myšlenky.
2. Frans Hals (1583-1666)
Frans Hals. Autoportrét. 1650 Metropolitan Museum of Art, New York
Frans Hals je jedním z největších portrétistů všech dob. Proto bych ho také zařadil mezi „velkého“ Holanďana.
V Holandsku v té době bylo zvykem objednávat skupinové portréty. Tak se objevilo mnoho podobných děl zobrazujících lidi pracující společně: střelci jednoho cechu, lékaři jednoho města, vedoucí pečovatelského domu.
V tomto žánru vyčnívá Hals nejvíce. Většina z těchto portrétů ostatně vypadala jako balíček karet. Lidé sedí u stolu se stejným výrazem tváře a jen se dívají. S Halsem to bylo jiné.
Podívejte se na jeho skupinový portrét „Arrows of the Guild of St. Jiří."
Frans Hals. Šípy Cechu sv. Jiří. 1627 Frans Hals Museum, Haarlem, Nizozemsko
Zde nenajdete jediné opakování v póze nebo výrazu tváře. Přitom zde není žádný chaos. Postav je hodně, ale nikdo nepůsobí nadbytečně. Díky úžasně správnému uspořádání figurek.
A dokonce i v jediném portrétu byl Hals lepší než mnoho umělců. Jeho vzory jsou přirozené. Lidé z vyšší společnosti na jeho obrazech postrádají strojenou vznešenost a modelky z nižších vrstev nevypadají poníženě.
A jeho postavy jsou také velmi emotivní: usmívají se, smějí se a gestikulují. Jako například tento „Cikán“ s potutelným pohledem.
Frans Hals. Cikán. 1625-1630
Hals, stejně jako Rembrandt, skončil svůj život v chudobě. Ze stejného důvodu. Jeho realismus byl v rozporu s vkusem jeho zákazníků. Kteří chtěli, aby jejich vzhled byl vyšperkovaný. Hals nepřijal přímé lichotky, a tak podepsal svou vlastní větu - „Oblivion“.
3. Gerard Terborch (1617-1681)
Gerard Terborch. Autoportrét. 1668 Královská galerie Mauritshuis, Haag, Nizozemsko
Terborch byl mistrem každodenního žánru. Bohatí i nepříliš bohatí měšťané si v klidu povídají, dámy čtou dopisy a kupčí sleduje námluvy. Dvě nebo tři těsně vedle sebe umístěné postavy.
Byl to tento mistr, který vyvinul kánony každodenního žánru. Kterou si později vypůjčili Jan Vermeer, Pieter de Hooch a mnoho dalších „malých“ Holanďanů.
Gerard Terborch. Sklenice limonády. 60. léta 17. století. Státní muzeum Ermitáž, Petrohrad
„Sklenka limonády“ je jedním ze slavných Terborchových děl. Ukazuje to další přednost umělce. Neuvěřitelně realistický obraz látky šatů.
Terborch má také neobvyklá díla. Což vypovídá o jeho touze jít nad rámec požadavků zákazníků.
Jeho "The Grinder" ukazuje život nejchudších lidí v Holandsku. Na obrazech „malých“ Holanďanů jsme zvyklí vídat útulné dvorky a čisté pokoje. Terborch se ale odvážil ukázat nevzhledné Holandsko.
Gerard Terborch. Bruska. 1653-1655 Státní muzea v Berlíně
Jak jste pochopili, taková práce nebyla poptávka. A jsou vzácným výskytem i mezi Terborchem.
4. Jan Vermeer (1632-1675)
Jan Vermeer. Umělecká dílna. 1666-1667 Kunsthistorisches Museum, Vídeň
Není jisté, jak Jan Vermeer vypadal. Je jen zřejmé, že na obraze „Umělcova dílna“ zobrazil sám sebe. Pravda zezadu.
Je proto s podivem, že nedávno vyšla najevo nová skutečnost z mistrova života. Je spojena s jeho mistrovským dílem „Delft Street“.
Jan Vermeer. Delftská ulice. 1657 Rijksmuseum v Amsterdamu
Ukázalo se, že Vermeer strávil své dětství na této ulici. Dům na obrázku patřil jeho tetě. Vychovala tam svých pět dětí. Možná sedí na prahu a šije, zatímco její dvě děti si hrají na chodníku. V protějším domě bydlel sám Vermeer.
Častěji ale zobrazoval interiér těchto domů a jejich obyvatele. Zdálo by se, že zápletky obrazů jsou velmi jednoduché. Tady je hezká dáma, bohatá obyvatelka města, která kontroluje fungování své váhy.
Jan Vermeer. Žena s váhy. 1662-1663 Národní galerie umění, Washington
Proč Vermeer vyčníval mezi tisíci dalších „malých“ Holanďanů?
Byl nepřekonatelným mistrem světla. V obraze „Žena s váhami“ světlo jemně zahaluje hrdinčinu tvář, látky a stěny. Dát obrazu neznámou spiritualitu.
A kompozice Vermeerových obrazů jsou pečlivě ověřeny. Nenajdete jediný zbytečný detail. Stačí odstranit jeden z nich, obrázek se „rozpadne“ a kouzlo zmizí.
To vše nebylo pro Vermeera snadné. Taková úžasná kvalita vyžadovala pečlivou práci. Pouze 2-3 obrazy za rok. V důsledku toho neschopnost uživit rodinu. Vermeer také pracoval jako obchodník s uměním a prodával díla jiných umělců.
5. Pieter de Hooch (1629-1884)
Pieter de Hooch. Autoportrét. 1648-1649 Rijksmuseum, Amsterdam
Hoch je často přirovnáván k Vermeerovi. Pracovali ve stejnou dobu, dokonce bylo období ve stejném městě. A to v jednom žánru – každodenní. V Hoch také vidíme jednu nebo dvě postavy v útulných holandských dvorech nebo místnostech.
Otevřené dveře a okna dělají prostor jeho obrazů vrstveným a zábavným. A postavy do tohoto prostoru velmi harmonicky zapadají. Jako například v jeho obrazu „Služka s dívkou na nádvoří“.
Pieter de Hooch. Služka s dívkou na nádvoří. 1658 Londýnská národní galerie
Až do 20. století byl Hoch velmi ceněn. Málokdo si ale všiml drobných děl jeho konkurenta Vermeera.
Ale ve 20. století se všechno změnilo. Hochova sláva pohasla. Je však těžké nepoznat jeho úspěchy v malířství. Jen málokdo dokázal tak kompetentně skloubit prostředí a lidi.
Pieter de Hooch. Hráči karet ve slunné místnosti. 1658 Royal Art Collection, Londýn
Vezměte prosím na vědomí, že ve skromném domě na plátně „Hráči karet“ visí obraz v drahém rámu.
To opět ukazuje, jak populární byla malba mezi obyčejnými Holanďany. Obrazy zdobily každý domov: dům bohatého měšťana, skromného městského obyvatele a dokonce i rolníka.
6. Jan Steen (1626-1679)
Jan Steen. Autoportrét s loutnou. 70. léta 17. století Muzeum Thyssen-Bornemisza, Madrid
Jan Steen je možná nejveselejší „malý“ Holanďan. Ale milující morální učení. Často zobrazoval krčmy nebo chudiny, ve kterých existovaly neřesti.
Jeho hlavními postavami jsou milovníci a dámy s lehkou ctností. Chtěl diváka pobavit, ale latentně ho varovat před zlomyslným životem.
Jan Steen. To je nepořádek. 1663 Kunsthistorisches Museum, Vídeň
Sten má také tišší práce. Jako například „Ranní toaleta“. Ale i zde umělec překvapuje diváka příliš odhalujícími detaily. Jsou tam stopy punčochové gumičky a ne prázdný nočník. A jaksi není vůbec vhodné, aby pes ležel přímo na polštáři.
Jan Steen. Ranní toaleta. 1661-1665 Rijksmuseum, Amsterdam
Ale přes veškerou lehkomyslnost jsou Stenova barevná schémata velmi profesionální. V tom převyšoval mnoho „malých Holanďanů“. Podívejte se, jak dokonale se červená punčoška hodí k modré bundě a zářivě béžovému koberci.
7. Jacobs Van Ruisdael (1629-1882)
Portrét Ruisdaela. Litografie z knihy z 19. století.
První léta 17. století jsou považována za zrod nizozemské školy. Tato škola patří k velkým školám malby a je nezávislou a nezávislou školou s jedinečnými a nenapodobitelnými vlastnostmi a identitou.
To má z velké části historické vysvětlení – současně vznikl nový pohyb v umění a nový stát na mapě Evropy.
Až do 17. století se Holandsko nevyznačovalo množstvím národních umělců. Možná právě proto lze v této zemi v budoucnu napočítat takové množství umělců, a to konkrétně holandských. Zatímco tato země byla jedním státem s Flandry, originální umělecká hnutí se intenzivně vytvářela a rozvíjela především ve Flandrech. Ve Flandrech pracovali vynikající malíři Van Eyck, Memling, Rogier van der Weyden, kteří se v Holandsku nenašli. Na počátku 16. století lze zaznamenat pouze ojedinělé výbuchy génia v malbě, jde o umělce a rytce Lukáše z Leidenu, který je stoupencem bruggské školy. Luke z Leidenu ale žádnou školu nevytvořil. Totéž lze říci o malíři Dirku Boutsovi z Haarlemu, jehož výtvory na pozadí stylu a způsobu vzniku vlámské školy jen stěží vynikají, o umělcích Mostertovi, Skorelovi a Heemskerkem, kteří přes všechen svůj význam nejsou individuální talenty, které je charakterizují svou originalitou země.
Poté se italský vliv rozšířil na každého, kdo tvořil štětcem – od Antverp po Haarlem. To byl jeden z důvodů, proč byly hranice rozmazané, školy smíšené a umělci ztratili svou národní identitu. Jana Skorela nepřežil ani jeden student. Poslední, nejslavnější, největší portrétista, který je spolu s Rembrandtem pýchou Holandska, umělec nadaný mocným talentem, skvěle vzdělaný, stylově pestrý, od přírody odvážný a flexibilní, kosmopolita, který ztratil vše stopy jeho původu a dokonce i jeho jméno - Antonis Moreau, (byl oficiálním malířem španělského krále) zemřel po roce 1588.
Přeživší malíři v duchu své tvorby téměř přestali být Holanďany, chyběla jim organizace a schopnost obnovit národní školu. Byli to představitelé holandského manýrismu: rytec Hendrik Goltzius, Cornelis z Haarlemu, který napodoboval Michelangela, Abraham Bloemaert, následovník Correggia, Michiel Mierevelt, dobrý portrétista, zručný, přesný, lakonický, na svou dobu trochu chladný, moderní , ale ne národní. Je zajímavé, že jen on nepodlehl italskému vlivu, který si podmanil většinu tehdejších projevů v malířství Holandska.
Koncem 16. století, kdy portrétisté již vytvořili školu, se začali objevovat a formovat další umělci. Ve druhé polovině 16. století se zrodilo velké množství malířů, kteří se stali fenoménem v malířství, to bylo téměř probuzení nizozemské národní školy. Široká škála talentů vede k mnoha různým směrům a cestám pro vývoj malby. Umělci se testují ve všech žánrech, v různých barevných schématech: někteří pracují světlým způsobem, jiní temně (byl zde cítit vliv italského umělce Caravaggia). Malíři jsou oddaní světlým barvám a koloristi tmavým barvám. Začíná hledání obrazové manýry a vyvíjejí se pravidla pro zobrazování šerosvitu. Paleta se stává uvolněnější a volnější, stejně jako linie a plasticita obrazu. Objevují se Rembrandtovi přímí předchůdci – jeho učitelé Jan Pace a Peter Lastman. Žánrové postupy se také stávají svobodnějšími – historicita není tak povinná jako dříve. Vzniká zvláštní, hluboce národní a téměř historický žánr - skupinové portréty určené pro veřejná místa - radnice, korporace, dílny a komunity. Touto událostí, formou nejdokonalejší, končí 16. století a začíná 17. století.
Toto je jen začátek, zárodek školy, škola samotná ještě neexistuje. Je mnoho talentovaných umělců. Mezi nimi jsou zruční řemeslníci, několik skvělých malířů. Morelse, Jan Ravestein, Lastman, Frans Hals, Pulenburg, van Schoten, van de Venne, Thomas de Keyser, Honthorst, Cape the Elder a nakonec Esayas van de Velde a van Goyen – ti všichni se narodili na konci 16. století. Tento seznam zahrnuje i umělce, jejichž jména uchovala historie, ti, kteří představovali pouze jednotlivé pokusy o dosažení mistrovství, a ti, kteří se stali učiteli a předchůdci budoucích mistrů.
To byl kritický okamžik ve vývoji nizozemského malířství. Při nestabilní politické rovnováze vše záviselo jen na náhodě. Ve Flandrech, kde bylo podobné probuzení pozorováno, naopak již existoval pocit důvěry a stability, který v Holandsku ještě nebyl. Ve Flandrech už byli umělci, kteří se zformovali nebo k tomu měli blízko. Politické a společensko-historické poměry v této zemi byly příznivější. Existovala pružnější a tolerantnější vláda, tradice a společnost. Potřeba luxusu vyvolala trvalou potřebu umění. Obecně byly pro Flandry vážné důvody, aby se podruhé staly velkým centrem umění. K tomu chyběly jen dvě věci: několik let klidu a mistr, který by byl tvůrcem školy.
V roce 1609, kdy se rozhodovalo o osudu Holandska – Filip III. se dohodl na příměří mezi Španělskem a Nizozemskem – se objevil Rubens.
Vše záviselo na politické nebo vojenské náhodě. Poraženo a podrobeno by Holandsko muselo zcela ztratit svou nezávislost. Pak samozřejmě nemohly existovat dvě nezávislé školy – v Holandsku a ve Flandrech. V zemi závislé na italsko-vlámském vlivu by se taková škola a talentovaní originální umělci nemohli rozvíjet.
Aby se Nizozemci zrodili a holandské umění s nimi spatřilo světlo, byla zapotřebí revoluce, hluboká a vítězná. Zvláště důležité bylo, aby revoluce byla založena na spravedlnosti, rozumu, nutnosti, aby si lidé zasloužili to, čeho chtěli dosáhnout, aby byli rozhodní, přesvědčení, že mají pravdu, pracovití, trpěliví, zdrženliví, hrdinští a moudří. Všechny tyto historické rysy se následně projevily při formování holandské malířské školy.
Situace dopadla tak, že válka Holanďany nezruinovala, ale obohatila, boj za nezávislost jejich síly nevyčerpal, ale posílil a inspiroval. Při vítězství nad nájezdníky prokázal lid stejnou odvahu jako v boji proti živlům, nad mořem, nad zaplavováním zemí, nad klimatem. To, co mělo lidi zničit, jim dobře posloužilo. Smlouvy podepsané se Španělskem daly Holandsku svobodu a posílily jeho pozici. To vše vedlo k vytvoření vlastního umění, které oslavovalo, zduchovňovalo a vyjadřovalo vnitřní podstatu Holanďanů.
Po smlouvě z roku 1609 a oficiálním uznání Spojených provincií nastal okamžitý klid. Bylo to, jako by se blahodárný teplý vánek dotkl lidských duší, oživil půdu, našel a probudil klíčky, které byly připraveny kvést. Je úžasné, jak nečekaně a v jakém krátkém časovém úseku - ne více než třicet let - se na malém prostoru, na nevděčné pouštní půdě, v drsných životních podmínkách, objevila nádherná plejáda malířů, a k tomu velkých malířů.
Objevily se okamžitě a všude: v Amsterodamu, Dordrechtu, Leidenu, Delftu, Utrechtu, Rotterdamu, Haarlemu, dokonce i v zahraničí – jako ze semen, která padla mimo pole. Nejstaršími jsou Jan van Goyen a Wijnants, narozený na přelomu století. A dále, v intervalu od začátku století do konce jeho první třetiny - Cuyp, Terborch, Brouwer, Rembrandt, Adrian van Ostade, Ferdinand Bohl, Gerard Dau, Metsu, Venix, Wauerman, Berchem, Potter, Jan Steen , Jacob Ruisdael.
Tím ale kreativní šťávy neskončily. Dále se narodil Pieter de Hooch, Hobbema. Poslední z velikánů, van der Heyden a Adrian van de Velde, se narodili v letech 1636 a 1637. V té době bylo Rembrandtovi třicet let. Přibližně tato léta lze považovat za dobu prvního rozkvětu holandské školy.
Vzhledem k tehdejším historickým událostem si lze představit, jaké by měla být aspirace, charakter a osud nové malířské školy. Co mohli tito umělci napsat v zemi, jako je Holandsko?
Revoluce, která dala Nizozemcům svobodu a bohatství, je zároveň připravila o to, co tvoří životně důležitý základ velkých škol všude. Změnila přesvědčení, změnila zvyky, zrušila obrazy antických i evangelijních scén a zastavila tvorbu velkých děl - církevních a dekorativních maleb. Vlastně každý umělec měl alternativu – být originální nebo nebýt vůbec.
Pro národ měšťanů bylo nutné vytvořit umění, které by je oslovovalo, zobrazovalo je a bylo pro ně relevantní. Byli to praktičtí podnikatelé, kteří neměli sklony ke snění, s porušenými tradicemi a protiitalskými náladami. Dá se říci, že Nizozemci měli jednoduchý a odvážný úkol – vytvořit svůj vlastní portrét.
Nizozemská malba byla a mohla být pouze výrazem vnějšího vzhledu, věrným, přesným, podobným portrétem Holandska. Byl to portrét lidí a terénu, měšťanských zvyků, náměstí, ulic, polí, moře a nebe. Hlavními prvky holandské školy byly portréty, krajiny a každodenní scény. Takový byl tento obraz od počátku své existence až do úpadku.
Může se zdát, že nic nemůže být jednodušší než objev tohoto obyčejného umění. Ve skutečnosti je nemožné si představit něco, co by se mu vyrovnalo v šíři a novosti.
Okamžitě se vše změnilo ve způsobu chápání, vidění a předávání: úhel pohledu, umělecký ideál, volba přírody, stylu a metody. Italské a vlámské malířství ve svých nejlepších projevech je pro nás stále srozumitelné, protože je stále baví, ale to jsou již mrtvé jazyky a nikdo je už nebude používat.
Kdysi existoval zvyk myslet vznešeně a obecně, existovalo umění, které spočívalo v dovedném výběru předmětů. V jejich výzdobě, opravě. Rád ukazoval přírodu, jak ve skutečnosti neexistuje. Vše zobrazené víceméně odpovídalo osobnosti člověka, záviselo na ní a podobalo se jí. V důsledku toho vzniklo umění, ve kterém je člověk středem a všechny ostatní obrazy vesmíru byly buď ztělesněny v lidských podobách, nebo byly vágně zobrazeny jako sekundární prostředí člověka. Kreativita se vyvíjela podle určitých vzorců. Každý předmět si musel vypůjčit svou plastickou podobu ze stejného ideálu. Muž musel být zobrazován častěji nahý než oblečený, dobře stavěný a hezký, aby mohl hrát roli, která mu byla přidělena, s patřičnou vznešeností.
Nyní je úkol malování jednodušší. Bylo nutné dát každé věci nebo jevu její pravý význam, umístit člověka na jeho správné místo a v případě potřeby se bez něj úplně obejít.
Je čas méně přemýšlet, pozorně se dívat na to, co je nejblíže, lépe pozorovat a psát jinak. Toto je obraz davu, občana, pracujícího člověka. Bylo třeba se uskromnit ke všemu skromnému, malému k malému, nenápadnému k nenápadnému, vše přijmout, aniž bych čímkoli zavrhoval či pohrdal, pronikat do skrytého života věcí, láskyplně splývajících s jejich existencí, bylo třeba být pozorný , zvídavý a trpělivý. Genialita nyní spočívá v nemít žádné předsudky. Není třeba nic přikrášlovat, zušlechťovat nebo odhalovat: to vše je lež a zbytečná práce.
Holandští malíři, tvořící v některém koutě severské země s vodou, lesy, mořskými horizonty, dokázali v miniaturách odrážet celý vesmír. Malá země, pečlivě prozkoumaná podle vkusu a instinktu pozorovatele, se promění v nevyčerpatelnou pokladnici, bohatou jako život sám, tak bohatou na vjemy, jako je na ně bohaté lidské srdce. Nizozemská škola takto roste a funguje už celé století.
Holandští malíři našli náměty a barvy, aby uspokojily jakékoli lidské sklony a náklonnosti, pro drsné a jemné povahy, vášnivé a melancholické, zasněné a veselé. Zatažené dny ustupují veselým slunečným dnům, moře je někdy klidné a jiskřivé stříbrem, jindy bouřlivé a ponuré. Podél pobřeží se tísní mnoho pastvin s farmami a mnoho lodí. A téměř vždy cítíte pohyb vzduchu nad rozlohami a silné větry od Severního moře, které vrší mraky, ohýbají stromy, roztáčí křídla mlýnů a ženou světlo a stíny. K tomu je třeba připočítat města, domácí a pouliční život, slavnosti na poutích, zobrazení různých mravů, nouzi chudých, hrůzy zimy, zahálky v krčmách s tabákovým kouřem a korbely piva. Na druhou stranu - bohatý životní styl, svědomitá práce, kavalkády, odpolední odpočinek, lov. Navíc - veřejný život, civilní obřady, rauty. Výsledkem bylo nové umění, ale s tématy starými jako čas.
Vznikla tak harmonická jednota ducha školy a nejúžasnější rozmanitost, která kdy vznikla v rámci jediného uměleckého hnutí.
Obecně se holandské škole říká žánrová škola. Rozložíme-li jej na dílčí prvky, pak v něm můžeme rozlišit krajináře, mistry skupinových portrétů, námořní malíře, malíře zvířat, umělce, kteří malovali skupinové portréty nebo zátiší. Když se podíváte podrobněji, můžete rozlišit mnoho žánrových odrůd – od milovníků malebnosti po ideology, od opisovačů přírody po její interprety, od konzervativních domácích pocestných, od těch, kteří milují a cítí humor, až po umělce, kteří se vyhýbají komedii. Vzpomeňme na obrazy Ostadeho humoru a vážnosti Ruisdaela, vyrovnanosti Pottera a výsměchu Jana Steena, vtipu Van de Veldeho a ponuré zasněnosti velkého Rembrandta.
S výjimkou Rembrandta, který musí být považován za výjimečný fenomén, jak pro svou zemi, tak pro všechny doby, se pak všichni ostatní nizozemští umělci vyznačují určitým stylem a metodou. Zákony pro tento styl jsou upřímnost, přístupnost, přirozenost a expresivita. Pokud z nizozemského umění odeberete to, co lze nazvat poctivostí, přestanete chápat jeho zásadní podstatu a nebudete schopni určit ani jeho morální charakter, ani jeho styl. V těchto umělcích, kteří si z velké části vysloužili pověst krátkozrakých opisovačů, cítíte vznešenou a laskavou duši, věrnost pravdě a lásku k realismu. To vše dává jejich dílům hodnotu, kterou věci na nich vyobrazené samy jakoby nemají.
Začátkem tohoto upřímného stylu a prvním výsledkem tohoto poctivého přístupu je dokonalá kresba. Mezi nizozemskými malíři je Potter projevem génia v přesných, ověřených měřeních a schopnosti vysledovat pohyb každé linie.
V Holandsku obloha často zabírá polovinu a někdy i celý obraz. Proto je nutné, aby se nebe na obrázku pohybovalo, přitahovalo a neslo nás s sebou. Aby byl cítit rozdíl mezi dnem, večerem a nocí, aby bylo cítit teplo a chlad, aby byl divák mrazivý a užíval si to a cítil potřebu se soustředit. I když je asi těžké nazvat takovou kresbu nejvznešenější ze všech, zkuste na světě najít umělce, kteří by namalovali nebe, jako Ruisdael a van der Neer, a svým dílem by řekli tolik a tak skvěle. Nizozemci mají všude stejný design - zdrženlivý, lakonický, přesný, přirozený a naivní, zručný a ne umělý.
Holandská paleta je docela hodná jejich kresby, odtud dokonalá jednota jejich malířské metody. Jakýkoli holandský obraz je snadno rozpoznatelný podle vzhledu. Je malé velikosti a vyznačuje se silnými, přísnými barvami. To vyžaduje od umělce velkou přesnost, pevnou ruku a hluboké soustředění, aby se dosáhlo soustředěného účinku na diváka. Umělec musí jít hluboko do sebe, aby mohl živit svou myšlenku, divák musí jít hluboko do sebe, aby pochopil plán umělce. Jsou to holandské malby, které dávají nejjasnější představu o tomto skrytém a věčném procesu: cítit, myslet a vyjadřovat. Na světě neexistuje bohatší obraz, protože jsou to Holanďané, kdo zahrnuje tolik obsahu na tak malý prostor. Proto zde vše nabývá přesné, stlačené a zhuštěné podoby.
Každý holandský obraz je konkávní, skládá se z křivek popsaných kolem jednoho bodu, který je ztělesněním konceptu obrazu a stínů umístěných kolem hlavního světelného bodu. Pevná základna, běžící vršek a zaoblené rohy směřující ke středu - to vše je zvýrazněné, barevné a nasvícené v kruhu. Výsledkem je, že obraz získává hloubku a objekty na něm zobrazené se vzdalují od oka diváka. Divák je jakoby veden od popředí k poslednímu, od rámu k horizontu. Zdá se, že obýváme obraz, pohybujeme se, díváme se hluboko, zvedáme hlavu, abychom změřili hloubku oblohy. Přísnost letecké perspektivy, dokonalá korespondence barev a odstínů s místem v prostoru, které objekt zaujímá.
Pro úplnější pochopení holandské malby je třeba podrobně zvážit prvky tohoto pohybu, vlastnosti metod, povahu palety a pochopit, proč je tak chudá, téměř monochromatická a tak bohatá na výsledky. Ale všechny tyto otázky, stejně jako mnohé jiné, byly vždy předmětem spekulací mnoha historiků umění, ale nikdy nebyly dostatečně prostudovány a objasněny. Popis hlavních rysů nizozemského umění nám umožňuje odlišit tuto školu od ostatních a vysledovat její původ. Expresivním obrazem ilustrujícím tuto školu je obraz Adriaana van Ostadeho z amsterdamského muzea „Artist's Atelier“. Toto téma patřilo mezi oblíbené nizozemské malíře. Vidíme pozorného muže, mírně shrbeného, s připravenou paletou, tenkými, čistými štětci a průhledným olejem. Píše za šera. Jeho tvář je soustředěná, jeho ruka je opatrná. Jen snad byli tito malíři odvážnější a uměli se bezstarostněji smát a užívat si života, než lze usoudit z dochovaných obrazů. Jak by se jinak jejich genialita projevila v atmosféře profesionálních tradic?
Základ nizozemské školy položili van Goyen a Wijnants na začátku 17. století, když stanovili některé zákony malby. Tyto zákony byly předávány z učitelů na studenty a nizozemští malíři jimi žili po celé století, aniž by se odchýlili na stranu.
Holandská manýristická malba
Úvod
1. Malý Holanďan
holandská škola malířství
Žánrová malba
4. Symbolismus. Stálý život
Rembrandt van Rijn
Vermeer z Delft Jan
Závěr
Úvod
Účelem kontrolní práce je:
· V rozvoji tvůrčího potenciálu;
· Formování zájmu o umění;
· Upevňování a doplňování znalostí.
Nizozemské umění se zrodilo v 17. století. Toto umění je považováno za nezávislé a nezávislé, má určité formy a vlastnosti.
Až do 17. století nemělo Holandsko vlastní významné umělce v umění, protože patřil státu Flandry. V tomto období je však oslavováno jen málo umělců. Toto je umělec a rytec Luca Leydensky (1494-1533), malíř Dirk Bouts (1415-1475), umělec Skorele (1495-1562).
Postupně se různé školy mísily a mistři ztratili charakteristické rysy svých škol a zbývající umělci z Holandska přestali mít ducha národní tvořivosti. Vzniká mnoho různých a nových stylů. Umělci se snaží malovat ve všech žánrech, hledají individuální styl. Žánrové metody byly vymazány: historicita není tak nutná jako dříve. Vzniká nový žánr – skupinoví vrátní.
Na počátku 17. století, kdy se rozhodovalo o osudu Holandska, se Filip III. dohodl na příměří mezi Španělskem a Nizozemskem. Byla potřeba revoluce, politická nebo vojenská situace. Boj za nezávislost sjednotil lid. Válka posílila národního ducha. Podepsané smlouvy se Španělskem daly Holandsku svobodu. To podnítilo vytvoření vlastního a osobitého umění, vyjadřujícího podstatu Holanďanů.
Zvláštností holandských umělců bylo vytvořit skutečný obraz do nejmenšího detailu - projev pocitů a myšlenek. To je základ holandské školy. Stává se realistickým uměním a do poloviny 17. století dosahuje vrcholů ve všech oblastech.
Pro Holandsko je typické dělení nejen na žánry, ale i na četné podtypy. Někteří mistři malují výjevy ze života měšťanů a důstojníků - Pieter de Hooch (1495-1562), Gerard Terborch (1617-1681), Gabriel Metsu (1629-1667), jiní - z rolnického života - Adrian van Ostade (1610-1685 ), třetí - výjevy ze života vědců a lékařů - Gerrit Dou (1613-1675); krajináři - Jan Porcellis (1584-1632), Simon de Vlieger (1601-1653), zobrazovači lesních zákoutí - Meindert Hobbema (1638-1609), interiéroví mistři - Pieter Janssens (1623-1682). Čas od času se na uměleckých školách stane určitý žánr tradiční. Například harlemští malíři zátiší tzv. „snídaní“ - Pieter Claes (1598-1661), Willem Heda (1594-1680).
Umělci ukazují mravy a zvyky, etické a morální normy lidského chování. Často jsou zobrazovány rodinné události. Krajináři a malíři zátiší zprostředkovávají světlo pod širým nebem a mistrovsky zobrazují texturu předmětů v uzavřených prostorách. Domácí malba je na vrcholu zásluhou Jana Steena (1626-1679), Gerharda Terborcha (1617-1681), Pietera de Hooch (1629-1624).
1. Malý Holanďan
Malí Holanďané jsou skupinou umělců 17. století, která „spojuje“ malíře maloformátové krajinomalby a každodenní žánrové malby (odtud název). Takové obrazy byly určeny pro skromný interiér obytných budov. Kupovali je měšťané a rolníci. Takové obrazy se vyznačují pocitem pohodlí v obraze, jemností detailů, blízkostí mezi osobou a interiérem.
P. de Hooch, J. van Goyen (1596-1656), J. a S. van Ruisdael (1628-1682) a (1602-1670), E. de Witte (1617-1692), P. Claes, W. Heda, W. Kalf (1619-1693), G. Terborch, G. Metsu, A. van Ostade, J. Steen (1626-1679), A. Kuyp (1620-1691) atd. Každý specializovaný, zpravidla , v jednom konkrétním žánru. „Malí Holanďané“ navázali na tradice nizozemských mistrů renesance, kteří tvrdili, že umění má nejen přinášet potěšení, ale také připomínat hodnoty.
Kreativita umělců se dá rozdělit do 3 skupin:
30. léta 17. století - etablování realismu v národním malířství (vůdčím uměleckým centrem byl Haarlem, důležitým faktorem byl vliv F. Halse);
1640-1660 - rozkvět umělecké školy (centrum umění se stěhuje do Amsterdamu, přitahuje umělce z jiných měst, vliv Rembrandta se stává relevantním<#"justify">2. Nizozemská malířská škola
Po tři čtvrtě století pokračoval vzestup umění na severu Nizozemska, v republice Spojených provincií, zvané Holandsko. V roce 1609 získala tato republika státní status. Vznikl zde buržoazní stát.
Významnou roli v renesančním malířství měl italský umělec Caravaggio (1571-1610). Maloval své obrazy velmi realisticky a objekty a postavy měly vysokou techniku šerosvitu.
Bylo mnoho umělců a žili v malých městech: Haarlem, Delft, Leiden. Každé z těchto měst vyvinulo svou vlastní školu s vlastními žánrovými tématy, ale nejdůležitější roli ve vývoji nizozemského umění sehrál Amsterdam.
3. Žánrová malba
V Holandsku se spolu s popularitou krajinného žánru objevují nové: marina - přímořská krajina, městská krajina - veduta, obrazy zvířat - malba zvířat. Díla Pietera Bruegela měla významný vliv na krajinu (1525-1529). Holanďané malovali svou vlastní jedinečnou krásu přírody své rodné země. V 17. století se holandská malířská škola stala jednou z předních v Evropě. Okolí lidí se pro umělce stalo zdrojem inspirace. V umění této doby bylo dokončeno formování systému žánrů, které začalo v renesanci. V portrétech, každodenních obrazech, krajinách a zátiších umělci zprostředkovávali své dojmy z přírody a každodenního života. Žánr každodenní malby začal mít nový pojem – žánrová malba. Žánr všedního dne se vyvíjel ve dvou variantách – selském a měšťanském (městském) žánru. Žánrové obrazy zachycovaly život soukromé osoby: radovánky, hospodářské aktivity, muzicírování. Umělci věnovali pozornost vzhledu, pózám a kostýmům. Předměty se staly součástí komfortu: mahagonový stůl, šatní skříň, křeslo čalouněné kůží, karafa a sklo z tmavého skla, ovoce. Tento žánr odrážel chování a komunikaci lidí z různých tříd.
Díla Gararda Dowa byla v té době velmi populární. Maluje skromné výjevy ze života maloměšťáka. Často zobrazuje starší ženy sedící u kolovrátku nebo čtení. Dowova zřejmá tendence je zobrazovat na svých malých obrázcích povrchy předmětů - vzory látek, vrásky na starých tvářích, rybí šupiny atd. (příloha; obr.
Žánrová malba ale prošla evolucí. V období svého vzniku nově byly distribuovány příběhy na témata rekreace, zábavy a scén ze života důstojníků. Takové obrázky se nazývaly „snídaně“, „bankety“, „společnosti“, „koncerty“. Tento obraz se vyznačoval pestrostí barev a radostnými tóny. Původním žánrem byly „snídaně“. Jedná se o typ zátiší, ve kterém byl charakter jejich majitelů přenesen prostřednictvím zobrazení pokrmů a různých pokrmů.
Žánr všedního dne je nejvýraznějším a nejoriginálnějším fenoménem nizozemské školy, který světovému umění otevřel každodenní život soukromé osoby.
Jan Steen také psal na žánrové téma umění. Se smyslem pro humor si všímal detailů každodenního života a vztahů mezi lidmi. V obraze „Revelers“ se sám umělec dívá na diváka vesele a potutelně, sedí vedle své ženy, která usnula po veselé hostině. A ve filmu skrze mimiku a gesta postav Jan Steen dovedně odhaluje zápletku imaginární nemoci.
Začátkem 30. let bylo formování nizozemského žánrového malířství dokončeno. Žánrová malba byla rozdělena podle sociálních kritérií: náměty na témata ze života buržoazie a výjevy ze života rolníků a městské chudiny.
Jedním ze slavných umělců, kteří malovali v „rolnickém žánru“, byl Adrian van Ostad. V raném období kreativity bylo zobrazení rolníků komické. Na obrázku tedy bojovníci, osvícení ostrým světlem, jako by nebyli živí lidé, ale loutky. Kombinace studených a teplých barev, ostré kontrasty světla vytvářejí masky s rozzlobenými emocemi na tvářích.
Později umělec maluje obrazy s klidnějšími náměty, zobrazující člověka při jeho obvyklých činnostech, nejčastěji ve chvílích odpočinku. Například interiérový obraz „Vesničtí hudebníci“. Ostade vyjadřuje koncentraci „hudebníků“ a zobrazuje děti, které je s jemným humorem sledují oknem. Adrianův bratr Isaac van Ostade, který zemřel brzy, také pracoval v „rolnickém žánru“. Líčil život na venkově v Holandsku. Obraz „Zimní pohled“ představuje typickou krajinu s šedou oblohou visící nad zemí, zamrzlou řeku, na jejímž břehu se nachází vesnice.
V 50.-60. letech 17. století se náměty žánrových obrazů zužovaly a měnila jejich struktura. Stávají se klidnějšími, lyričtějšími, přemýšlivějšími. Tato etapa je zastoupena tvorbou takových umělců jako: Pieter de Hooch, Gerard Terborch, Gabriel Metsu, Peter Janssens. Jejich díla se vyznačují idealizovaným obrazem života nizozemské buržoazie. Na vnitřním obraze „Pokoj v holandském domě“ od Pietera Janssense je tak útulný pokoj plný slunečních paprsků zobrazen se slunečními paprsky hrajícími na podlaze a stěnách. Volba kompozice zdůrazňuje jednotu člověka a jeho prostředí.
Nizozemští žánroví malíři se ve svých dílech snažili reflektovat vnitřní svět člověka. V pravidelně se vyskytujících situacích dokázali ukázat svět zážitků. Gerard Terborch tak ve filmu „Sklenka limonády“ zobrazil jemný jazyk gest, doteků rukou, očního kontaktu, který odhaluje celou řadu pocitů a vztahů mezi postavami.
Jemnost a pravdivost v obnovování reality spojují nizozemští mistři s nenápadnou a každodenní krásou. Tato vlastnost se zřetelněji projevila v zátiší. Nizozemci tomu říkali „stilleven“. V tomto chápání viděli mistři v neživých předmětech skrytý život spojený s životem člověka, s jeho způsobem života, zvyky a vkusem. Nizozemští malíři vytvořili dojem přirozeného „nepořádku“ v uspořádání věcí: ukázali nakrájený koláč, oloupaný citron s kůrou visící ve spirále, nedopitou sklenku vína, hořící svíčku, otevřenou knihu - vždy se zdá že se těchto předmětů někdo dotkl, pouze že byly použity, je cítit neviditelná přítomnost člověka.
Předními mistry holandského zátiší v první polovině 17. století byli Pieter Claes 1a Willem Hed. Oblíbeným tématem jejich zátiší jsou takzvané „snídaně“. Ve „Snídani s humrem“ od V. Khedy (příloha; obr. 16) předměty nejrůznějších tvarů a materiálů - konvička na kávu, sklenice, citron, stříbrný talíř. Předměty jsou uspořádány tak, aby ukazovaly přitažlivost a zvláštnost každého z nich. Pomocí různých technik Heda dokonale vyjadřuje materiál a specifičnost jejich textury; Odlesky světla tedy hrají na povrchu skla a kovu jinak. Všechny prvky kompozice jsou sjednoceny světlem a barvou. V „Zátiší se svíčkou“ od P. Klasse je pozoruhodná nejen přesnost reprodukce materiálních kvalit předmětů, ale kompozice a osvětlení jim dodává velkou emocionální expresivitu. Zátiší Klasse a Khedy jsou si podobná - jsou náladou intimity a pohodlí, klidu v životě měšťanského domu, kde je blahobyt. Zátiší lze považovat za jedno z důležitých témat holandského umění – téma života soukromé osoby. Své hlavní rozhodnutí dostala v žánrovém filmu.
Symbolismus. Stálý život
Všechny předměty v holandském zátiší jsou symbolické. Sbírky vydané v průběhu 18. století<#"justify">Ó rozdrobené okvětní lístky poblíž vázy jsou známkami křehkosti;
Ó uschlý květ je náznakem mizení citů;
Ó kosatce jsou znamením Panny Marie;
Ó červené květy jsou symbolem Kristovy smírné oběti;
Ó Bílá lilie je nejen krásným květem, ale také symbolem čistoty Panny Marie;
Ó karafiát - symbol prolité krve Kristovy;
Ó bílý tulipán - falešná láska.
Ó granátové jablko - symbol vzkříšení, symbol cudnosti;
Ó jablka, broskve, pomeranče připomínaly podzim;
Ó víno ve sklenici nebo džbánu představovalo Kristovu obětní krev;
Ó oliva - symbol míru;
Ó nahnilé plody jsou symbolem stárnutí;
Ó klasy pšenice, břečťan - symbol znovuzrození a koloběhu života.
Ó sklo je symbolem křehkosti;
Ó porcelán - čistota;
Ó láhev je symbolem hříchu a opilosti;
Ó rozbité nádobí je symbolem smrti;
Ó obrácená nebo prázdná sklenice znamená prázdnotu;
Ó nůž - symbol zrady;
Ó stříbrné nádoby jsou zosobněním bohatství.
Ó přesýpací hodiny – připomínka pomíjivosti života;
Ó lebka - připomínka nevyhnutelnosti smrti;
Ó klasy pšenice - symboly znovuzrození a koloběhu života;
Ó chléb je symbolem těla Páně;
Ó zbraně a brnění jsou symbolem moci a moci, označení toho, co si nelze vzít s sebou do hrobu;
Ó klíče - symbolizují sílu;
Ó dýmka je symbolem prchavých a prchavých pozemských radostí;
Ó karnevalová maska - je známkou nepřítomnosti člověka; nezodpovědné potěšení;
Ó zrcadla, skleněné koule jsou symboly marnosti, znamení odrazu, neskutečnosti.
Základy holandské realistické krajiny vznikly na počátku 17. století. Umělci zobrazili svou oblíbenou přírodu s dunami a kanály, domy a vesnicemi. Snažili se vykreslit národnost krajiny, atmosféru vzduchu a charakteristiku ročního období. Mistři stále více podřizovali všechny složky obrazu jedinému tónu. Měli bystrý smysl pro barvy a dovedně předávali přechody od světla ke stínu, od tónu k tónu.
Největším představitelem nizozemské realistické krajiny byl Jan van Goyen (1596-1656). Působil v Leidenu a Haagu. Umělec rád zobrazoval údolí a vodní hladinu řek na plátnech malých rozměrů. Goyen nechal hodně prostoru pro oblohu s mraky. Jedná se o obraz „Výhled na řeku Waal u Nijmegenu“, navržený v jemné hnědošedé škále barev.
Později se charakteristická podstata krajin mění. Stává se trochu širší, emocionálnější. Specifičnost zůstává stejná - zdrženlivá, ale tóny získávají hloubku.
Všechny nové rysy krajinářského stylu vtělil do svých obrazů Jacob van Ruisdael (1629-1682). Tím, že stromy a keře byly zobrazeny jako objemné, vytvořilo pocit, že se posouvají do popředí a stávají se mocnějšími. S vynikajícím smyslem pro perspektivu Ruisdael dovedně zprostředkoval široké pláně a okolí Holandska. Výběr tónu a osvětlení evokuje pozornost. Ruisdael také miloval ruiny jako dekorativní detaily, které vypovídají o zkáze a křehkosti pozemské existence. „Židovský hřbitov“ představuje zanedbanou oblast. Ruisdael ve své době nebyl úspěšný. Realističnost jeho obrazů neodpovídala vkusu společnosti. Umělec, který se nyní zaslouženě těší celosvětové slávě, zemřel jako chudý muž v harlemském chudobinci.
Portrétní malba. Frans Hals
Jedním z velkých nizozemských umělců byl Frans Hals (asi 1580-1666). Narodil se v 17. století v Antverpách. Jako velmi mladý umělec přišel do Haarlemu, kde vyrůstal a formoval se ve stylu školy Karla Van Mandera. Haarlem byl na svého umělce hrdý a do jeho studia přivedli významné hosty – Rubense a Van Dycka.
Hals byl téměř výhradně portrétistou, ale jeho umění znamenalo hodně nejen pro nizozemskou portrétní tvorbu, ale i pro formování jiných žánrů. V Halsově díle lze rozlišit tři typy portrétních kompozic: skupinový portrét, individuální portrét na zakázku a speciální typ portrétních obrazů, podobný žánrové malbě.
V roce 1616 Hals namaloval „Rutan důstojníků roty střeleckého pluku svatého Jiří“, ve kterém se zcela rozcházel s tradičním vzorem skupinového vrátného. Tím, že vytvořil velmi živé dílo, spojoval postavy do skupin a dával jim různé pózy, jako by spojil portrétování s žánrovou malbou. Práce byla úspěšná a umělec byl zavalen objednávkami.
Jeho postavy stojí na portrétu přirozeně a volně, jejich držení těla a gesta působí nestabilně a výraz jejich tváří se chystá změnit. Nejpozoruhodnějším rysem Halsova kreativního způsobu je schopnost vyjádřit charakter prostřednictvím jednotlivých výrazů obličeje a gest, jako by byl zachycen za letu – „Veselý společník při pití“, „Mulat“, „Smějící se důstojník“. Umělec miloval emocionální stavy plné dynamiky. Ale v tomto okamžiku, který Hals zachytil, to nejpodstatnější, je vždy zachyceno jádro obrazu „Cikánka“, „Malle Baba“.
V Halsových obrazech ze samého konce 30. a 40. let se však objevuje zamyšlenost a smutek, cizí jeho postavám z portrétu Willema Heythuisena, někdy v autorově postoji k nim proklouzne lehká ironie. Z umění khalsy se postupně vytrácí radostné přijímání života a člověka.
V malbě khalsy nastaly zlomy. V portrétech Halse, namalovaných v 50. a 60. letech, se snoubí hluboké zvládnutí charakterizace s novým vnitřním významem. Jedním z nejmocnějších děl zesnulého Halse je portrét muže z Metropolitního muzea umění v New Yorku (1650-1652). Kompozice portrétu je generačním obrazem postavy, jejího zasazení do jasného průčelí, pohledu směřovaného přímo na diváka, je cítit význam osobnosti. Mužův postoj odhaluje chladnou autoritu a arogantní pohrdání všemi. Sebeúcta se v něm snoubí s nesmírnou ctižádostí. Zároveň se v pohledu nečekaně zachytí nádech zklamání, jako by v tomto člověku číhala lítost nad minulostí - nad jeho mládím a mládím jeho generace, jejíž ideály jsou zapomenuty a životní pobídky vybledly.
Halsovy portréty 50. a 60. let odhalují mnohé o nizozemské realitě těchto let. Umělec žil dlouhý život a měl příležitost být svědkem degenerace nizozemské společnosti a mizení jejího demokratického ducha. Není náhodou, že umění Khalsa nyní vychází z módy. Halsova pozdní díla citlivě odrážejí ducha doby, mistrovi tak cizí, ale je v nich slyšet i jeho vlastní zklamání z okolní reality. V některých dílech z těchto let je zachycena ozvěna osobních pocitů starého umělce, který ztrácel svou bývalou slávu a již viděl konec své životní cesty.
Dva roky před svou smrtí, v roce 1664, Hals namaloval portréty regentů a regentů (správců) pečovatelského domu Haarlem.
V "Portrait of the Regents" všechny spojuje pocit zklamání a zkázy. V regentech není žádná vitalita, jako v raných skupinových portrétech Halse. Každý je osamělý, každý existuje sám za sebe. Černé tóny s červenorůžovými skvrnami vytvářejí tragickou atmosféru.
„Portrét regentů“ se rozhoduje v jiném emocionálním klíči. V téměř nehybných pózách bezcitných stařenek, které neznají soucit, je cítit mistrova autorita a zároveň ve všech žije hluboká deprese, pocit bezmoci a zoufalství tváří v tvář blížící se smrti.
Hals si až do konce svých dnů zachoval neomylnost svých dovedností a umění osmdesátiletého malíře získalo nadhled a sílu.
6. Rembrandt van Rijn
Rembrandt (1606-1669) je největším představitelem zlatého věku nizozemského malířství. Narozen v Leidenu v roce 1606. Aby získal umělecké vzdělání, umělec se přestěhoval do Amsterdamu a vstoupil do dílny Pietera Lastmana a poté se vrátil do Leidenu, kde v roce 1625 zahájil samostatný tvůrčí život. V roce 1631 se Rembrandt konečně přestěhoval do Amsterdamu a zbytek mistrova života byl spojen s tímto městem.
Rembrandtovo dílo je prodchnuto filozofickým chápáním života a vnitřního světa člověka. Jedná se o vrchol vývoje holandského umění 17. století. Rembrandtovo umělecké dědictví se vyznačuje řadou žánrů. Maloval portréty, zátiší, krajiny, žánrové výjevy, obrazy na historická, biblická a mytologická témata. Největší hloubky však umělcovo dílo dosáhlo v posledních letech jeho života. Uffizi má tři díla velkého mistra. Jedná se o autoportrét v mládí, autoportrét ve stáří, portrét starého muže (rabína).V mnoha svých pozdějších dílech umělec ponoří celou plochu plátna do tmy a soustředí pozornost diváka na obličeji.
Takto se Rembrandt ztvárnil ve 23 letech.
Období stěhování do Amsterdamu bylo v Rembrandtově tvůrčí biografii poznamenáno vytvořením mnoha mužských a ženských skic
V roce 1653, který se dostal do finančních potíží, umělec převedl téměř veškerý svůj majetek na svého syna Tita, načež v roce 1656 vyhlásil bankrot. Po prodeji svého domu a majetku se umělec přestěhoval na okraj Amsterdamu, do židovské čtvrti, kde strávil zbytek života. Nejbližší osobou k němu v těch letech byl zřejmě Titus, protože jeho obrazy jsou nejpočetnější. Smrt Tita v roce 1668 byla pro umělce jednou z posledních ran osudu; sám o rok později zemřel. "Matouš a anděl" (1661). Možná byl Titus vzorem pro anděla.
Poslední dvě desetiletí Rembrandtova života se stala vrcholem jeho umění portrétního malíře. Modely jsou umělcovi soudruzi (Nicholas Breuning
7. Vermeer z Delft Jan
Holandská umělecká malba zátiší
Vermeer z Delft Jan (1632-1675) – holandský malíř, největší mistr nizozemského žánru a krajinomalby. Vermeer pracoval v Delftu. Jako umělec se rozvíjel pod vlivem Karla Fabritiuse, který tragicky zahynul při výbuchu skladu střelného prachu.
Vermeerovy rané obrazy mají vznešené obrazy ( Kristus s Martou a Marií ). Vermeerovo dílo bylo silně ovlivněno tvorbou mistra žánrové malby Pietera de Hoocha. Styl tohoto malíře byl dále rozvinut v obrazech Vermeera.
Od druhé poloviny 50. let maloval Vermeer ve stříbřitém světle interiéru domu drobné obrazy s jednou nebo více postavami ( Dívka s dopisem Pokojská se džbánem mléka ). Na konci 50. let Vermeer vytvořil dvě mistrovská díla krajinomalby: oduševnělý obraz ulice se zářivými, svěžími, čistými barvami a obrazy Pohled na město Delft . V 60. letech se Vermeerova tvorba zjemnila a jeho malba ochladla. ( Dívka s perlovou náušnicí).
Na konci 60. let umělec často zobrazoval bohatě zařízené pokoje, kde dámy a pánové hráli hudbu a galantně mluvili.
V posledních letech Vermeerova života se jeho finanční situace velmi zhoršila. Poptávka po obrazech prudce klesla, malíř byl nucen si vzít půjčky, aby uživil jedenáct dětí a další členy rodiny. To pravděpodobně urychlilo příchod smrti. Není známo, co se stalo - akutní nemoc nebo deprese kvůli financím, ale Vermeer byl pohřben v roce 1675 v rodinné kryptě v Delftu.
Vermeerovo individuální umění po jeho smrti nebylo oceněno jeho současníky. Zájem o něj byl obnoven až v 19. století díky práci kritika umění a historika umění Etienna Théophila Thorého, který Vermeera „objevil“ pro širokou veřejnost.
Závěr
Apel na realitu pomohl rozšířit umělecké možnosti nizozemského umění a obohatil jeho žánrové téma. Jestliže až do 17. století měla v evropském výtvarném umění velký význam biblická a mytologická témata a ostatní žánry byly málo rozvinuté, pak se v nizozemském umění vztah mezi žánry dramaticky mění. Dochází k vzestupu takových žánrů jako: každodenní život, portrét, krajina, zátiší. Samotné biblické a mytologické náměty v holandském umění do značné míry ztrácejí své předchozí formy ztělesnění a jsou nyní interpretovány jako každodenní malby.
Přes všechny své úspěchy neslo nizozemské umění také některé specifické rysy omezení – úzký okruh námětů a motivů. Další nevýhoda: jen někteří mistři se snažili najít svůj hluboký základ v jevech.
Ale v mnoha kompozičních obrazech a portrétech jsou obrazy nejhlubší přírody a krajiny ukazují pravou a skutečnou povahu. To se stalo charakteristickým rysem holandského umění. Malíři tak učinili velké průlomy v umění, když zvládli obtížnou a komplexní dovednost malovat obrazy vnitřního světa a prožitků člověka.
Test mi dal možnost vyzkoušet si své tvůrčí schopnosti, doplnit si teoretické znalosti a dozvědět se více o holandských umělcích a jejich dílech.
Doučování
Potřebujete pomoc se studiem tématu?
Naši specialisté vám poradí nebo poskytnou doučovací služby na témata, která vás zajímají.
Odešlete přihlášku uvedením tématu právě teď, abyste se dozvěděli o možnosti konzultace.
Mezitím se jedná o zvláštní oblast evropské kultury hodnou podrobnějšího studia, která odráží původní život obyvatel Holandska té doby.
Historie vzhledu
V 17. století se v zemi začali objevovat významní představitelé uměleckého umění. Francouzští kulturologové jim dali společný název – „malí Holanďané“, který nesouvisí s měřítkem talentu a označuje náklonnost k určitým tématům z každodenního života, na rozdíl od „velkého“ stylu s velkými plátny na historická nebo mytologická témata. Historie vzniku holandského malířství byla podrobně popsána v devatenáctém století a tento termín používali i autoři prací o něm. „Malí Holanďané“ se vyznačovali sekulárním realismem, obraceli se k okolnímu světu a lidem a používali malbu bohatou na tóny.
Hlavní fáze vývoje
Dějiny nizozemského malířství lze rozdělit do několika období. První trvala přibližně od roku 1620 do roku 1630, kdy se v národním umění prosadil realismus. Své druhé období zažilo holandské malířství v letech 1640-1660. To je doba, kdy zdejší umělecká škola skutečně vzkvétala. Konečně třetí období, doba, kdy holandské malířství začalo upadat – od roku 1670 do začátku osmnáctého století.
Stojí za zmínku, že kulturní centra se během této doby změnila. V prvním období působili v Haarlemu přední umělci a hlavním představitelem byl Khalsa. Poté se centrum přesunulo do Amsterdamu, kde nejvýznamnější práce provedli Rembrandt a Vermeer.
Scény každodenního života
Při výčtu nejdůležitějších žánrů nizozemské malby je nutné začít s každodenní - nejživější a nejoriginálnější v historii. Právě Vlámové odhalili světu výjevy z běžného života obyčejných lidí, rolníků i měšťanů či měšťanů. Průkopníky byli Ostade a jeho následovníci Audenrogge, Bega a Dusart. V Ostadeových raných obrazech lidé hrají karty, hádají se a dokonce bojují v hospodě. Každý obraz se vyznačuje dynamickým, poněkud brutálním charakterem. Tehdejší nizozemská malba hovoří o poklidných scénách: v některých dílech si rolníci povídají u dýmky a sklenice piva, tráví čas na pouti nebo se svými rodinami. Rembrandtův vliv vedl k širokému použití měkkého, zlatavě zbarveného šerosvitu. Městské scény inspirovaly umělce jako Hals, Leicester, Molenaar a Codde. V polovině 17. století mistři zobrazovali lékaře, vědce v procesu práce, vlastní dílny, domácí práce nebo Každá zápletka měla být zábavná, někdy až groteskně didaktická. Někteří mistři inklinovali k poetizaci každodenního života, například Terborch zobrazoval scény muzicírování nebo flirtování. Metsu použil jasné barvy a změnil každodenní život v oslavu, zatímco de Hooch se inspiroval jednoduchostí rodinného života, zalitého rozptýleným denním světlem. Pozdější představitelé žánru, mezi něž patřili takoví nizozemští mistři malby jako Van der Werff a Van der Neer, ve snaze o elegantní zobrazení často vytvářeli poněkud okázalá témata.
Příroda a krajina
Holandská malba je navíc hojně zastoupena v krajinářském žánru. Poprvé se objevil v dílech mistrů z Haarlemu jako van Goyen, de Moleyn a van Ruisdael. Právě oni začali venkovské oblasti zobrazovat v určitém stříbřitém světle. V jeho dílech vystoupila do popředí materiální jednota přírody. Samostatně stojí za zmínku mořské krajiny. Marinisté 17. století zahrnovali Porsellis, de Vlieger a van de Capelle. Nesnažili se ani tak o zprostředkování určitých mořských výjevů, jako spíše o zobrazení vody samotné, hry světla na ní a na obloze.
Do druhé poloviny sedmnáctého století se v žánru objevila emotivnější díla s filozofickými myšlenkami. Jan van Ruisdael odhalil krásu nizozemské krajiny na maximum, zobrazil ji v celé její dramatičnosti, dynamice a monumentalitě. Hobbem, který preferoval slunečné krajiny, pokračoval ve svých tradicích. Koninck maloval panoramata a van der Neer vytvářel noční krajiny a vykresloval měsíční svit, východ a západ slunce. Pro řadu umělců je také charakteristické zobrazování zvířat v krajině, například pasoucí se krávy a koně, ale i lov a výjevy s jezdci. Později se umělci začali zajímat o cizí přírodu – Oba, van Laar, Wenix, Berchem a Hackert zobrazovali Itálii koupající se v paprscích jižního slunce. Zakladatelem žánru byl Sanredam, jehož nejlepšími následovníky lze nazvat bratry Berkheidovými a Janem van der Heijdenem.
Obrázek interiérů
Samostatným žánrem, který odlišoval nizozemské malířství v jeho rozkvětu, lze nazvat scény s kostelem, palácem a domácími místnostmi. Interiéry se objevily na obrazech druhé poloviny 17. století mistrů z Delftu - Haukgeest, van der Vliet a de Witte, kteří se stali hlavním představitelem hnutí. Pomocí Vermeerových technik umělci zobrazovali scény zalité slunečním světlem, plné emocí a objemu.
Malebné pokrmy a pokrmy
Konečně dalším charakteristickým žánrem nizozemské malby je zátiší, zejména zobrazování snídaní. Jako první se ho ujali obyvatelé Haarlemu Claes a Heda, kteří natřeli prostřené stoly luxusním nádobím. Malebný nepořádek a osobité provedení útulného interiéru jsou naplněny stříbrno-šedým světlem, charakteristickým pro stříbro a cín. Utrechtští umělci malovali svěží květinová zátiší a v Haagu umělci byli obzvláště dobří v zobrazování ryb a mořských plazů. V Leidenu vznikl filozofický směr žánru, ve kterém lebky a přesýpací hodiny koexistují se symboly smyslného potěšení nebo pozemské slávy, které mají připomínat pomíjivost času. Demokratická kuchyňská zátiší se stala charakteristickým znakem rotterdamské umělecké školy.
Hlavní trendy, fáze vývoje malby a ikoničtí malíři Holandska.
holandská malba
Úvod
Nizozemské malířství 17. století je někdy mylně považováno za umění pro střední třídu, obdivuje vlámské malířství tohoto období a nazývá ho dvorským, aristokratickým. Neméně mylný je názor, že nizozemští umělci se zabývají pouze zobrazováním bezprostředního lidského prostředí, k tomuto účelu využívají krajiny, města, moře a životy lidí, zatímco vlámské umění se věnuje historické malbě, která je v teorii umění považována za vznešenější. žánr. Naproti tomu veřejné budovy v Holandsku, od nichž se očekávalo, že budou mít impozantní vzhled, stejně jako bohatí návštěvníci bez ohledu na jejich náboženské přesvědčení nebo původ vyžadovali obrazy s alegorickými nebo mytologickými náměty.
Jakékoli rozdělení holandské malířské školy na vlámskou a holandskou větev až do počátku 17. století. vzhledem k neustálé tvůrčí výměně mezi oblastmi by to bylo umělé. Například Pieter Aertsen, narozený v Amsterdamu, pracoval v Antverpách, než se v roce 1557 vrátil do svého rodného města, a jeho student a synovec Joachim Bukelaer strávil celý svůj život v Antverpách. V souvislosti s podpisem Utrechtské unie a oddělením sedmi severních provincií mnoho obyvatel po letech 1579–1581. emigroval ze severního Nizozemska do protestantské části uměle rozdělené země.
"Řeznictví". Artsen.
Vývoj umění
Impuls k samostatnému rozvoji nizozemského malířství přišel od vlámských umělců. Bartholomeus Spranger, narozený v Antverpách a vystudovaný v Římě, se stal zakladatelem virtuózního, dvorského, umělého stylu, který se v důsledku Sprangerova dočasného pobytu ve Vídni a Praze stal mezinárodním „jazykem“. V roce 1583 přinesl tento styl do Haarlemu malíř a teoretik umění Karel van Mander. Jedním z hlavních mistrů tohoto haarlemského či utrechtského manýrismu byl Abraham Bloemaert.
Poté Isaiah van de Velde, narozený v Holandsku v rodině emigrantů z Flander a studující v kruhu malířů zaměřených na vlámské umělce David Vinkboons a Gillies Koninksloe, ve svých raných obrazech vyvinul realistický malířský styl, který odkazoval na Jana Bruegela. starší, s jasnými barevnými přechody uměleckých plánů. Kolem roku 1630 se v Holandsku prosadil trend sjednocování uměleckého prostoru a slučování barev z různých vrstev. Od té doby mnohostranná povaha zobrazených věcí ustoupila pocitu prostoru a atmosféře vzdušného oparu, které byly přenášeny postupně rostoucím monochromatickým použitím barev. Isaiah van de Velde ztělesnil tuto stylovou revoluci v umění spolu se svým studentem Janem van Goenem.
Zimní krajina. Velde.
Jedna z nejmonumentálnějších krajin vrcholného baroka, „Velký les“ od Jacoba van Ruisdaela, patří do dalšího období vývoje nizozemského malířství. Divák už nemusí zažít poněkud amorfní vzhled rozlehlého prostoru v šedohnědých tónech s pár nápadnými motivy; nadále působí dojmem pevné, energeticky zdůrazněné struktury.
Žánrová malba
Nizozemská žánrová malba, kterou vlastně jen stěží lze nazvat jen portréty všedního dne, nesoucí často moralistické poselství, je ve Vídni zastoupena díly všech jejích hlavních mistrů. Jeho centrem byl Leiden, kde Gerard Doux, Rembrandtův první žák, založil školu známou jako Leiden School of Fine Painting (fijnschilders).
Figurální malba
Setkání představitelů společnosti. Frans Hals.
Tři největší nizozemští mistři figurativní malby, Frans Hals, Rembrandt a Johannes Vermeer z Delftu, za sebou šli v téměř generačních intervalech. Hals se narodil v Antverpách a pracoval v Haarlemu především jako portrétista. Pro mnohé se stal zosobněním otevřeného, veselého a spontánního virtuózního malíře, zatímco umění myslitele Rembrandta – jak praví klišé – odhaluje původ lidského údělu. To je spravedlivé i nesprávné. Co vás při pohledu na portrét nebo skupinový portrét od Halse okamžitě upoutá, je schopnost zprostředkovat člověka, který je v pohybu přemožen emocemi. K zobrazení prchavého okamžiku používá Hals otevřené, nápadně nepravidelné tahy, protínající se klikatě nebo křížově. Vzniká tak efekt neustále se třpytícího povrchu, jako je skica, která se spojí do jediného obrazu pouze při pohledu z určité vzdálenosti. Po navrácení Rothschildových „darů“ byl do sbírky knížete z Lichtenštejna získán expresivní portrét muže v černém a vrácen tak do Vídně. Kunsthistorisches Museum vlastní pouze jeden obraz od Franze Halse, portrét mladého muže, který byl již ve sbírce Karla VI. jako jeden z mála příkladů „protestantského“ umění v Holandsku. Portréty malované v pozdním období Halsovy tvorby se psychologickou průrazností a chybějící pózou blíží Rembrandtovým dílům.
Díky jemným přechodům odstínů a ploch šerosvitu Rembrandtův šerosvit jakoby zahaluje figury do rezonančního prostoru, ve kterém sídlí nálada, atmosféra, cosi nehmotného a dokonce i neviditelného. Rembrandtovo dílo ve Vídeňské obrazárně je zastoupeno pouze portréty, i když Umělcovu matku a Umělcova syna lze považovat za jednofigurální historické obrazy. Na tzv. „Velkém autoportrétu“ z roku 1652 se před námi umělec objevuje v hnědé blůze s obličejem otočeným na tři čtvrtiny. Jeho pohled je sebevědomý až vyzývavý.
Vermeer
Vermeerovo nedramatické umění, zaměřené výhradně na kontemplaci, bylo považováno za odraz nizozemské střední třídy, nyní nezávislé a spokojené s tím, co měla. Jednoduchost Vermeerových uměleckých konceptů je však klamná. Jejich jasnost a klid jsou výsledkem přesné analýzy, včetně použití nejnovějších technických vynálezů, jako je camera obscura. Za jeho nejambicióznější obraz lze označit "Alegorii malby", vzniklou kolem let 1665-1666, Vermeerovo vrcholné dílo z hlediska práce s barvou. Proces, který inicioval Jan van Eyck, rodák ze severního Nizozemí, pasivní, odtažitá kontemplace nehybného světa, vždy zůstával hlavním tématem nizozemské malby a ve Vermeerových dílech dospěl k alegorické a zároveň skutečné apoteóze.
Aktualizováno: 16. září 2017: Gleb
