Jaký hudební nástroj se původně používal ve Francii na konci 17. století? Hudební nástroje ve středověku Jak se objevil akordeon ve Francii.

Odpovědi: 8

Otázka pro odborníky: Jaká hudba existovala? nástroje ve Francii 17. století a jaké tam byly tance?

S pozdravem, YULCHIK

Nejlepší odpovědi

[odkaz zablokován rozhodnutím administrace projektu]
historicdance.spb /index/articles/general/aid/2 - jde o tanec
Sedmnácté století bylo praotcem těchto tanců: rigaudon, menuet, gavotte, anglaise, ecosaise, country tanec, bourre, kanár, sarabande. Kromě nich se stále používají tance, které se staly populárními v minulém století: allemande, passacaglia, chaconne, zvonkohra, gig (nebo jig). Na konci sedmnáctého století se objevil i paspier a quadrille.
.orpheusmusic /publ/322-1-0-28 - o bicích nástrojích
.orpheusmusic /publ/322-1-0-26 - o dechových nástrojích
.orpheusmusic /publ/322-1-0-24 - o loutně
.orpheusmusic /publ/322-1-0-27 - o smyčcových nástrojích
Kytara, samozřejmě

Klávesy, varhany, smyčce.

Čekám na tramvaj:

ano, skoro vše, co nyní existuje, kromě některých dechových nástrojů .. jen mírně modernizované verze toho, co bylo tehdy... a tance s menuetami, gavoty .. snad mazurky (bratr francouzského krále byl polským králem) . .. podívejte se na stránky o historii tance ..

Marina Belaya:

Ve Francii v 17. století byly stejné nástroje jako v jiných evropských zemích: cembalo, klavichord, housle, loutna, flétna, hoboj, varhany a mnoho dalších.
A slavné francouzské tance té doby byly menuet (tanec s luky, tanec „malého kroku“), gavota, bourrée, paspier, rigaudon, lur a mnoho a mnoho dalších.

Videoodpověď

Toto video vám pomůže přijít na to

Odpovědi od odborníků

Viktorich:

Varhanní orgán.
A historie jeho vzhledu a vylepšování je velmi zajímavá.

Pár slov o designu tohoto nástroje. Sudové varhany mají s varhanami mnoho společného: zvuk vzniká, když vzduch vstupuje do speciálních znějících trubic. Kromě těchto trubic jsou uvnitř sudových varhan umístěny vzduchové měchy v dřevěném nebo kovovém válečku s čepy. Otočením kliky, která se nacházela vně nástroje, otevírala varhanní bruska přístup vzduchu k trubkám a zároveň aktivovala měchy. Sudové varhany se objevily ve Francii na konci 17. století a zpočátku sloužily jako nástroj pro výuku zpěvu pěvců a již v 18. století se staly nepostradatelným společníkem potulných hudebníků. Jedním z prvních mistrů na výrobu sudových varhan byl Ital Giovanni Barberi (odtud francouzský název tohoto nástroje - orgue do Barbarie, doslova „varhany ze země barbarů“, zkomoleně orgue do Barbcri). Německý a anglický název tohoto nástroje obsahuje také kořenový morfém „organ“. A v ruštině „varhany“ často fungují jako synonymum pro „mlýnek na varhany“: „V místnosti byl také chlapecký mlýnek na varhany s malými ručními varhanami...“ (Dostojevskij. Zločin a trest).
V Holandsku je ve městě Utrech celé národní muzeum sudových varhan a jukeboxů. Je to zvláštní věc, nějakým ne vědeckým, ale přímo magickým způsobem, tyto zvonící, rachotící a znějící stroje zvednou náladu člověka.
Pokud vstoupíte do muzea, první dojem bude, jako by byl sál zasvěcen historii architektury - sloupy, balkony, štukové lišty, basreliéfy. Ale ukazuje se, že to všechno jsou dekorace velmi velkých sudových varhan a říká se jim taneční varhany.
Bohužel sudové varhany hrály stále stejnou melodii a to už začínalo být nudné. A jistý G. Gavioli vynalezl děrné štítky pro hudební zařízení. Byly sbírány do knih, pouze kniha se nelistovala, ale byla složena nebo srolována do tubusu. Takové knihy umožnily, aby se z přístrojů stal nástroj, který hrál mnoho melodií. Jednalo se o valčíky, polky, foxtroty atd.
Později byl tento princip vylepšen, protože lidem hudba vždy chyběla. Zrodily se kovové disky pro jukeboxy. Princip je stále stejný, oškubaný.
A pak Ital Barberi (neplést se značkou Burberry) přišel s dalším typem sudových varhan. A nebyl to drnkací nástroj, ale dechovka, jakési malé varhany. V Evropě byli velmi populární, pamatujte, dokonce i Carlův táta byl brusičem varhan.

Staré sudové varhany se točily, kolo života se točilo.
Pil jsem víno pro tvou milost a pro minulost za všechno.
Za to, že se v minulosti na bitevním poli nestalo,
A co je rozbité, je rozbité, proč úlomky zvoní?

Varhanní brusič měl na sobě ošuntělý kabát, byl někde v hudbě.
Mým dlaním nataženým směrem k tobě nepřikládal žádný význam.
Miloval jsem tě, ale přísahal jsem na minulost a on objal hlavní varhany,
Poslouchal má slova, pozemská a vulgární, s nepřítomnou melancholií.

Ta píseň plynula jako silnice, bez spěchu posledních pár let.
Všechny zvuky v ní byly od Boha - od ní nepatřila ani patetická poznámka.
Ale ubohá slova padla a zničila živou hudbu:
Od Boha byla jen jedna věc, všechno ostatní bylo od něho samého.

Bulat Šalvovič Okudžava, 1979

rusmir.in /rus/247-poyavlenie-sharmanki-na-rusi
.liveinternet /users/anna_27/post112104116//
transantique /

Buka Vuka:

Varhany se nazývají různé malé automatické natahovací hudební nástroje. „Když jsem se blíže podíval na bednu, která ležela přede mnou, uvědomil jsem si, že v ní jsou v jednom rohu malé varhany, které mohou hrát jednoduché hudební skladby. »
Z historie otevření vitebského nádraží: „Dne 30. října 1837 došlo ke slavnostnímu otevření železnice a ta se okamžitě stala turistickou atrakcí - na přijíždějící parní lokomotivu se přicházely dívat davy lidí a zacpávali si uši v strach, když uslyšeli jeho pískání. Brzy byly signální píšťaly nahrazeny malými varhanami a příjemné melodie začaly lahodit uším těch, kteří je zdravili. "

Daria:

Ano, jsou to sudové varhany.
Tohle všechno musíte vědět.
Vše bylo napsáno z internetu.
A vím to, protože to potřebuješ vědět.

Tatiana:

Cembalo je praotcem klavíru. Má klavírní klaviaturu. Tento nástroj se ale od klavíru zásadně liší způsobem zvukové produkce a zabarvením. První jednoduchá klávesnice se objevila v první polovině 3. století před naším letopočtem. E. - vodní orgán. Za jeho tvůrce je považován inženýr z Alexandrie Ctesibius.
V důsledku vylepšení hydraulického systému - nahrazení vodního zařízení měchem - se objevily pneumatické varhany. Ve 14. století byly varhany zdokonaleny: klávesy se zmenšily.
V 15. století byla klaviatura kombinována se strunami. Nejstarší zmínka o tom, že jistý Hermann Poll zkonstruoval nástroj zvaný „clavicembalo“ pochází z roku 1397. Známá klavírní klávesnice se objevila v hudebním nástroji zvaném klavichord. V 16. století se objevilo cembalo. Nyní nelze říci, kdo tento nástroj vytvořil. Je známo pouze to, že první zmínky o něm se nacházejí v dokumentech a dopisech z roku 1511. Jeho zařízení bylo na svou dobu revoluční. Měl struny různých délek a každá odpovídala určitému klíči. Při stisknutí klávesy brk zachytil strunu a ozval se trhaný hudební zvuk. Zvuk byl slabý, a aby jej zesílili, začali používat dvojité a trojité struny. Postupem času bylo vynalezeno speciální zařízení na drnkací na struny – plektrum.
Na přelomu XVII-XVIII století. Aby zvuk zpestřili, vynalezli cembalo se dvěma a třemi klaviaturami nebo manuály (z latinského manus - „ruka“). „Hlas“ jednoho manuálu byl hlasitější, druhého tišší. Tento nástroj (a jeho variace) se ve Francii nazýval cembalo. V Itálii dostal jiný název - činel, v Anglii - virginel, v Německu - keelfugel atd. Mnoho skladatelů konce 17.-18. století psalo cembalovou hudbu.
Zvenčí je cembalo velmi zajímavé, byly tam nástroje různých tvarů: čtvercové, pětiúhelníkové, ve tvaru ptačího křídla a obdélníkové. Víko a boční panely mohly být zdobeny řezbami, malovány umělci a vykládané drahými kameny. Po mnoho let to byl nejoblíbenější nástroj v mnoha zemích po celém světě.

Od 16. do 18. století si cembalo udrželo svou oblibu. I po vynálezu klavíru, na který se hrálo snadněji a pohodlněji, hudebníci pokračovali v používání cembala. Trvalo asi sto let, než hudebníci zapomněli na cembalo a přešli na klavír.
Od poloviny 18. století začalo cembalo ztrácet na oblibě a brzy zmizelo z pódií koncertních sálů úplně. Teprve v polovině 19. století si na to hudebníci vzpomněli a nyní mnoho hudebních škol začalo připravovat interprety, kteří hrají na cembalo.
Cembalo dokázalo zázračně spojit monumentální („varhanní“) styl s ladným („loutnovým“) stylem miniatur. Syntéza různých zvukových kvalit umožnila, aby se cembalo stalo nástrojem sólovým, souborovým i orchestrálním.

Lika:

Cembalo je praotcem klavíru.

Dechové nástroje jsou nejstarším typem hudebního nástroje, který se dostal do středověku ze starověku. V procesu vývoje a formování středověké západní civilizace se však rozsah použití dechových nástrojů značně rozšířil: některé, jako například oliphant, patří ke dvorům urozených pánů, jiné - flétny - se používají jak mezi lidmi, tak mezi profesionálními hudebníky se další, např. trubka, stávají výhradně vojenskými hudebními nástroji.

Za nejstaršího zástupce dechových nástrojů ve Francii bychom pravděpodobně měli považovat fretel neboli „Pánovou flétnu“. Podobný nástroj můžeme vidět na miniatuře z rukopisu z 11. století. v Národní knihovně v Paříži (obr. I). Jedná se o vícehlavňovou flétnu sestávající ze sady trubek (rákosových, rákosových nebo dřevěných) různých délek, s jedním koncem otevřeným a druhým uzavřeným. Fretel je často zmíněn spolu s jinými typy fléten v románech 11.-12. století. Avšak již ve 14. stol. O fretelu se mluví pouze jako o hudebním nástroji, na který se hraje na vesnických slavnostech, stává se nástrojem prostých lidí.

Flétna naopak zažívá „vzestup“: od běžného nástroje k nástroji dvorskému. Nejstarší flétny byly nalezeny ve Francii v gallo-římské kulturní vrstvě (I-II století našeho letopočtu). Většina z nich jsou kostní. Až do 13. století. flétna je obvykle dvojitá, jako u miniatury z rukopisu z 10. století. z Národní knihovny v Paříži (obr. 3) a trubky mohou mít stejnou nebo různou délku. Počet otvorů na hlavni flétny se může lišit (od čtyř do šesti nebo sedmi). Na flétny hráli obvykle ministranti a kejklíři a často jejich hra předcházela vystoupení slavnostního průvodu nebo nějakého vysokého úředníka.

Ministři hráli také na dvojitou flétnu s píšťalami různých délek. Taková flétna je zobrazena na vinětě z rukopisu ze 13. století. (obr. 2). Na miniaturním obrázku můžete vidět orchestr tří ministrů: jeden hraje na violu; druhý na podobnou flétnu, podobnou modernímu klarinetu; třetí udeří do čtvercové tamburíny z kůže natažené přes rám. Čtvrtá postava nalévá muzikantům víno, aby je osvěžila. Podobné orchestry flétny, bubnu a houslí existovaly ve vesnicích ve Francii až do začátku 19. století.

V 15. stol Začaly se objevovat flétny vyrobené z vařené kůže. Navíc samotná flétna může být v průřezu buď kruhová, nebo osmihranná, a nejen rovná, ale také zvlněná. Podobný nástroj je zachován v soukromé sbírce pana Fo (obr. 4). Jeho délka je 60 cm, v nejširším místě má průměr 35 mm. Tělo je vyrobeno z černé vařené kůže, ozdobná hlavice je lakovaná. Tato flétna sloužila jako prototyp pro vytvoření serpanovy trubky. Flétny Serpan byly používány jak při bohoslužbách v kostelech, tak při světských slavnostech. Příčné flétny, stejně jako harmonické, jsou poprvé zmíněny v textech ze 14. století.

Dalším typem dechového hudebního nástroje jsou dudy. Ve středověké Francii jich bylo také několik typů. Jedná se o chevretu - dechový nástroj skládající se z kozího vaku, přívodní trubice vzduchu a dýmky. Hudebník hrající na tento nástroj (obr. 6) je vyobrazen v rukopisu ze 14. století. „Romance o růži“, z Národní knihovny v Paříži. Některé zdroje rozlišují chevrette od dud, zatímco jiné nazývají chevrette jednoduše „malé dudy“. Nástroj, který svým vzhledem velmi připomíná chevrette, byl vyroben již v 19. století. nalezený ve vesnicích ve francouzských provinciích Burgundsko a Limousin.

Dalším typem dud bylo horo nebo chorum. Podle popisu nalezeného v rukopisu z opatství sv. Vlasiya (IX. století), jedná se o dechový nástroj s trubicí pro přívod vzduchu a trubkou a obě trubice jsou umístěny ve stejné rovině (zdá se, že jsou vzájemným pokračováním). Ve střední části studny je vzduchojem, vyrobený z vyčiněné kůže, dokonalého kulovitého tvaru. Protože kůže „sáčku“ začala vibrovat, když hudebník foukal do chora, zvuk byl poněkud chrastivý a drsný (obr. 6).

Dudy (coniemuese), francouzský název pro tento nástroj pochází z latinského corniculans (rohatý) a nachází se v rukopisech až ze 14. století. Svým vzhledem ani použitím ve středověké Francii se nelišily od nám známých tradičních skotských dud, jak lze vidět při studiu vyobrazení z rukopisu ze 14. století. (obr. 9).

Rohy a rohy (rohovky). Všechny tyto dechové nástroje, včetně velkého hornového oliphanta, se od sebe liší jen málo designem a použitím. Byly vyrobeny ze dřeva, vařené kůže, slonoviny, rohoviny a kovu. Obvykle se nosí na opasku. Škála zvuků lesních rohů není široká, ale lovci 14. století. hráli jednoduché melodie složené z určitých signálů. Lovecké rohy, jak jsme již řekli, se nosily nejprve u opasku, poté až do 16. století na závěsu přes rameno; podobný přívěsek se často nachází na vyobrazeních, zejména v „Knize lovu od Gastona Phoebus“ (obr. 8). Lovecký roh urozeného pána je vzácná věc; Siegfried z „Nibelungů“ tak s sebou při lovu nosil jemně opracovaný zlatý roh.

Samostatně je třeba říci o oliphantovi (alifant) - obrovském rohu s kovovými kroužky vyrobenými speciálně tak, aby mohl být oliphant zavěšen z pravé strany svého majitele. Olifanty byly vyrobeny ze sloních klů. Používá se při lovu a během vojenských operací k signalizaci přiblížení nepřítele. Charakteristickým rysem oliphanta je, že mohl patřit pouze suverénnímu pánovi, pod jehož podřízeností jsou baroni. Čestnost tohoto hudebního nástroje potvrzuje sochařství z 12. století. z opatského kostela ve Vaselles, kde je vyobrazen anděl s oliphantem na boku, zvěstující Narození Spasitele (obr. 13).

Lovecké rohy se lišily od těch, které používali pěvci. Ten používal nástroje pokročilejšího designu. Na hlavici sloupu ze stejného opatského kostela ve Vaselles je vyobrazen ministrant (obr. 12) hrající na lesní roh, jehož otvory byly vytvořeny nejen podél píšťaly, ale i na zvonu, což umožnilo modulovat zvuk a dát mu větší či menší hlasitost.

Dýmky představoval samotný trompe a více než metr dlouhé zakřivené dýmky - busines. Bezové fazole se vyráběly ze dřeva, vařené kůže, ale nejčastěji z mosazi, jak je vidět na miniatuře z rukopisu ze 13. století. (obr. 9). Jejich zvuk byl ostrý a hlasitý. A protože to bylo slyšet daleko, armáda používala beuziny k rannímu vstávání, dávaly signály k odstranění tábora a k odjezdu lodí. Oznámili také příchod královské rodiny. Tak byl v roce 1414 za zvuků zvonů oznámen vstup Karla VI. do Paříže. Kvůli zvláštní hlasitosti zvuku se ve středověku věřilo, že andělé hraním na starší zvěstují začátek Soudného dne.

Trubka byla výhradně vojenským hudebním nástrojem. Sloužil ke zvýšení morálky v armádě a ke shromažďování vojáků. Dýmka je menší velikosti než bezová a je to kovová trubka (rovná nebo několikrát zahnutá) se zvonem na konci. Samotný termín se objevil koncem 15. století, ale nástroj tohoto typu (rovné píšťaly) se v armádě používal již od 13. století. Do konce 14. stol. tvar dýmky se mění (její tělo se prohýbá) a dýmka samotná je nutně ozdobena praporcem s erbem (obr. 7).

Speciální typ trubky - had - sloužil jako prototyp pro mnoho moderních dechových nástrojů. Ve sbírce pana Fo je serpan (obr. 10), vyrobený z vařené kůže, jeho výška je 0,8 m, celková délka je 2,5 m. Hudebník držel nástroj oběma rukama, zatímco levou rukou držel ohyb část (A) a prsty pravé ruky se dotýkaly otvorů vytvořených v horní části serpanu. Serpan měl silný zvuk, tento dechový nástroj se používal jak ve vojenských kapelách, tak při bohoslužbách.

Varhany (orgue) stojí poněkud stranou od rodiny dechových nástrojů. Tento klávesovo-pedálový nástroj se sadou několika desítek píšťal (registrů), ozvučených vzduchem vynuceným měchem, je v současnosti spojen pouze s velkými stacionárními varhanami - kostelními a koncertními (obr. 14). Ve středověku byl ale možná rozšířenější jiný typ tohoto nástroje - ruční varhany (orgue de main). Jedná se v podstatě o „Pan flétnu“, nastavenou na zvuk pomocí stlačeného vzduchu, který vstupuje do potrubí z nádrže s otvory uzavřenými ventily. Již ve starověku, v Asii, starověkém Řecku a Římě však byly známy velké varhany s hydraulickým ovládáním. Na Západě se tyto nástroje objevily až v 8. století a už tehdy jako dary západním panovníkům od byzantských císařů (Konstantin V. Kopronym poslal takové varhany jako dar Pepinovi Krátkým a Konstantin Kuropolat - Karlu Velikému a Ludvíkovi dobrý).

Vyobrazení ručních orgánů se ve Francii objevuje až v 10. století. Pravou rukou se hudebník dotýká kláves a levou mačká měchy, které pumpují vzduch. Samotný nástroj je obvykle umístěn na hudebníkově hrudi nebo břiše. Ruční varhany mají obvykle osm píšťal a podle toho osm kláves. Během XIII-XIV století neprošly ruční orgány prakticky žádnými změnami, ale počet píšťal se mohl lišit. Teprve v 15. století se v manuálních varhanách objevila druhá řada píšťal a dvojitá klávesnice (čtyři rejstříky). Trubky byly vždy kovové. Manuální varhany vyrobené v Německu v 15. století. k dispozici v mnichovském Pinoteku (obr. 15).

Ruční varhany se rozšířily mezi cestujícími hudebníky, kteří mohli zpívat při doprovodu na nástroj. Zněly na náměstích, o vesnických svátcích, ale nikdy v kostelech.

Varhany, menší než kostelní, ale více ruční, byly svého času instalovány na zámcích (např. na dvoře Karla V.) nebo mohly být instalovány na pouliční pódia při obřadech. Několik podobných varhan tedy zaznělo v Paříži, když Isabella Bavorská slavnostně vstoupila do města.

Pravděpodobně neexistuje civilizace, která by nevynalezla hudební nástroj podobný bubnu. Usušená kůže natažená přes hrnec, nebo vydlabané poleno – to je buben. Přestože jsou bubny známé již od dob starověkého Egypta, v raném středověku se používaly jen málo. Teprve od křížových výprav se zmínka o bubnech (tambour) stala pravidelnou a počínaje 12. stoletím. Pod tímto názvem se objevují nástroje nejrůznějších tvarů: dlouhé, dvojité, tamburíny atd. Do konce 12. století. tento nástroj, který zní na bojišti i v hodovní síni, již přitahuje pozornost hudebníků. Navíc je tak rozšířený, že ve 13. stol. Trouvères, kteří tvrdí, že ve svém umění zachovávají dávné tradice, si stěžují na „nadvládu“ bubnů a tamburín, které vytlačují „ušlechtilejší“ nástroje.

Tamburíny a bubny doprovázejí nejen zpěv a vystoupení trouvères, ale také cestujících tanečníků, herců a kejklířů; ženy tančí, doprovázejí své tance hrou na tamburíny. Tamburína (tambour, bosquei) se drží v jedné ruce a druhá, volná, je rytmicky udeřena. Někdy se ministranti, hrající na flétnu, doprovázeli na tamburíně nebo bubnu, který si připevňovali na levém rameni páskem. Ministr hrál na flétnu a její zpěv doprovázel rytmickými údery na tamburínu, kterou dělal hlavou, jak je vidět na soše ze 13. století. z průčelí Domu hudebníků v Remeši (obr. 17).

Saracénské neboli dvojité bubny známe i ze sousoší Domu hudebníků (obr. 18). V době křižáckých válek se v armádě rozšířily, protože se snadno instalovaly na obě strany sedla.

Dalším typem bicího hudebního nástroje, běžného ve středověku ve Francii, byl timbre (cembel) - dvě polokoule, a později - činely, vyrobené z mědi a jiných slitin, používané k úderu času a rytmickému doprovodu tanců. V rukopise Limoges z 12. stol. z Národní knihovny v Paříži je tanečník vyobrazen přesně s tímto nástrojem (obr. 14). Do 15. stol odkazuje na fragment plastiky z oltáře z opatského kostela v O, na kterém je použit témbr v orchestru (obr. 19).

V témbru by měl být činel (cymbalum) - nástroj, což byl prsten s připájenými bronzovými trubičkami, na jejichž koncích při zatřesení zvoní zvony, vyobrazení tohoto nástroje je známé z rukopisu ze 13. století. z opatství Saint-Blaise (obr. 20). Cimbál byl v raném středověku ve Francii běžný a používal se jak ve světském životě, tak v kostelech – dostávaly znamení pro začátek bohoslužby.

Mezi středověké bicí nástroje patří také zvony (chochettes). Byly velmi rozšířené, zvony se ozývaly při koncertech, přišívaly se na oděvy, zavěšovaly se v domácnostech ke stropu - o používání zvonů v kostelech nemluvě... Tance doprovázelo i zvonění zvonů a jsou ukázky např. toto - obrázky na miniaturách, pocházející z počátku 10. století! V Chartres, Sens v Paříži na portálech katedrál najdete basreliéfy, ve kterých žena bijící na zavěšené zvony symbolizuje hudbu v rodině svobodných umění. Král David byl zobrazen, jak hraje na zvony. Jak je vidět na miniatuře z Bible ze 13. století, hraje na ně kladívky (obr. 21). Počet zvonů se mohl lišit - obvykle od pěti do deseti nebo více.

Ve středověku se zrodily i turecké zvony - vojenský hudební nástroj (někteří nazývají turecké zvony cimbál).

Ve 12. stol. Rozšířila se móda zvonů nebo rolniček šitých na oděvy. Používaly je dámy i pánové. Ten se navíc s touto módou dlouho nerozešel, až ve 14. století. Tehdy bylo zvykem zdobit oděvy tlustými zlatými řetězy a muži na ně často věšeli zvonky. Tato móda byla znakem příslušnosti k vysoké feudální šlechtě (obr. 8 a 22) - pro drobnou šlechtu a měšťanstvo bylo nošení zvonů zakázáno. Ale již v 15. stol. rolničky zůstávají jen na šatech šašků. Orchestrální život tohoto bicího nástroje pokračuje dodnes; a od té doby se změnil jen málo.

Ze všech středověkých smyčcových nástrojů je viola nejušlechtilejší a pro interpreta nejobtížnější. Podle popisu dominikánského mnicha Jeronýma Moravského ve 13. stol. viola měla pět strun, ale dřívější miniatury zobrazují třístrunné i čtyřstrunné nástroje (obr. 12 a 23, 23a). V tomto případě jsou struny napínány jak na „hřebenu“, tak přímo na rezonanční desce. Soudě podle popisů nezněla viola hlasitě, ale velmi melodicky.

Zajímavá plastika z průčelí Domu hudebníků znázorňuje hudebníka v životní velikosti (obr. 24) hrajícího na třístrunnou violu. Vzhledem k tomu, že struny jsou napnuty v jedné rovině, smyčec, vytahující zvuk z jedné struny, se může dotýkat ostatních. Zvláštní pozornost si zaslouží „modernizované“ pro polovinu 13. století. tvar luku.

Do poloviny 14. stol. ve Francii se viola svým tvarem blíží moderní kytaře, což pravděpodobně usnadnilo hru smyčcem (obr. 25).

V 15. stol objevují se velké violy - viola de gamba. Hráli na ně s nástrojem drženým mezi koleny. Koncem patnáctého století se viola de gamba stala sedmistrunnou. Později violu de gamba vystřídá violoncello. Všechny druhy viol byly ve středověké Francii velmi rozšířené, jejich hraní provázelo oslavy i intimní večery.

Viola se od crutu odlišovala dvojitým upevněním strun na rezonanční desce. Bez ohledu na to, kolik strun má tento středověký nástroj (na nejstarších kruzích tři struny), jsou vždy připevněny k „hřebenu“. Samotná ozvučná deska má navíc dva otvory umístěné podél strun. Tyto otvory jsou průchozí a slouží k tomu, abyste jimi prostrčili levou ruku, jejíž prsty střídavě přitlačují struny k ozvučnici a následně je uvolňují. Umělec obvykle držel v pravé ruce smyčec. Jeden z nejstarších obrazů krutu se nachází na rukopisu z 11. století. z limogesského opatství sv. Martial (obr. 26). Nutno však zdůraznit, že kurt je především anglický a saský nástroj. Počet provázků na kruhu se časem zvyšuje. A přestože je považován za předchůdce všech smyčcových nástrojů, kurt ve Francii nikdy nezapustil kořeny. Mnohem častěji po 11. stol. Guma nebo přípravek se nachází zde.

Jig (gigue, gigle) zřejmě vynalezli Němci, tvarem připomíná violu, ale nemá odposlech na rezonanční desce. Jig je oblíbeným nástrojem ministrantů. Výkonové schopnosti tohoto nástroje byly výrazně horší než u violy, ale také vyžadovaly méně dovedností ve výkonu. Soudě podle obrázků hráli hudebníci na jig (obr. 27) jako na housle a éru položili na rameno, jak je vidět na vinětě z rukopisu „Kniha divů světa“, pocházející z r. počátku 15. století.

Rubère je smyčcový strunný nástroj připomínající arabský rebab. Tvarově podobná loutně má ruber pouze jednu strunu napnutou na „hřebenu“ (obr. 29), jak je miniaturně vyobrazena v rukopisu z opatství sv. Blasius (IX století). Podle Jeronýma Moravského v XII - XIII století. Ruber je již dvoustrunný nástroj, používá se v souborové hře a vždy vede „spodní“ basovou linku. Zhig je tedy „top“. Ukazuje se tedy, že monokord (monocorde), smyčcový strunný nástroj, který sloužil do jisté míry jako prapředek kontrabasu, je zároveň druhem ruberu, neboť se v souboru používal i jako nástroj nastavující basový tón. Někdy bylo možné hrát na monokord bez smyčce, jak je vidět na soše z průčelí opatského kostela ve Vaselles (obr. 28).

Navzdory širokému použití a četným odrůdám nebyl ruber považován za nástroj rovnocenný viole. Jeho sférou jsou spíše pouliční, oblíbené svátky. Není však zcela jasné, jaký byl zvuk ruberu ve skutečnosti, protože někteří badatelé (Jerome Moravsky) hovoří o nízkých oktávách, jiní (Aymeric de Peyrac) tvrdí, že zvuk ruberu je ostrý a „hlučný“. podobné "ženskému" ječení." Možná však mluvíme o nástrojích z různých dob, například 14. nebo 16. století...

Diskuse o tom, který nástroj je starší, by pravděpodobně měly být považovány za irelevantní, vždyť emblémem hudby byl koneckonců strunný nástroj, lyra, kterou začneme vyprávění o drnkacích nástrojích.

Starobylá lyra je strunný nástroj se třemi až sedmi strunami napnutými vertikálně mezi dvěma stojany upevněnými na dřevěné ozvučnici. Na struny lyry se drnkalo buď prsty, nebo se hrálo pomocí rezonátoru-plectrum. V miniatuře z rukopisu 10.-11. století. (Obr. 30), uchovávané v Národní knihovně v Paříži, můžete vidět lyru s dvanácti strunami, shromážděnou ve skupinách po třech a nataženou v různých výškách (Obr. 30a.) Takové lyry mají obvykle na obou stranách krásné tvarované rukojeti, kterým se dal zapnout pásek, což muzikantovi evidentně usnadnilo hru.

Lyra byla ve středověku zaměňována se sitarem (cithare), který se objevoval i ve starověkém Řecku. Původně to byl šestistrunný drnkací nástroj. Podle Jeronýma z Moravy měl sitár ve středověku tvar trojúhelníku (přesněji měl tvar písmene „delta“ řecké abecedy) a počet strun na něm kolísal od dvanácti do dvaceti čtyř. Sitar tohoto typu (9. století) je vyobrazen v rukopise z opatství sv. Vlasiya (obr. 31). Tvar nástroje se však mohl lišit, je znám obrázek sitaru nepravidelného zaobleného tvaru s rukojetí pro znázornění hry (obr. 32). Hlavní rozdíl mezi sitarem a žalteriem (viz níže) a ostatními drnkacími nástroji je však v tom, že struny jsou jednoduše nataženy na rám, nikoli na nějaký druh „zvukové nádoby“.

Středověká kytara má také svůj původ v sitáru. Tvar těchto nástrojů je také rozmanitý, ale většinou připomíná buď mandolínu, nebo kytaru (citeru). Zmínky o takových nástrojích se začínají objevovat ve 13. století a hrají na ně ženy i muži. Gitern doprovázel zpěv interpreta a hráli ho buď s pomocí rezonátoru-plektra nebo bez něj.V rukopise „Romance z Tróje“ od Benoita de Saint-Maur (13. století) zpívá minstrel při hře na hyterna bez prostředníka (obr. 34) . V jiném případě, v románu „Tristan a Isolda“ (polovina 13. století), je miniatura, která zobrazuje minstrela doprovázejícího tanec svého druha hrou na hyternu (obr. 33). Struny na kytaře jsou nataženy rovně (bez „klisničky“), ale na těle je díra (rozeta). Prostředníkem byla kostěná hůl, která se držela palcem a ukazováčkem, což je dobře patrné na plastice hudebníka z opatského kostela v O (obr. 35).

Gitern, soudě podle dostupných obrázků, by mohl být také souborovým nástrojem. Známé je víko od rakve ze sbírky muzea Cluny (14. století), kde sochař vyřezal na slonovinu půvabnou žánrovou scénu: dva mladíci, kteří si hrají na zahradě a lahodí uším; jeden má v rukou loutnu, druhý má gittern (obr. 36).

Někdy byl gittern, stejně jako dříve sitár, ve středověké Francii nazýván rote, měl sedmnáct strun. Richard Lví srdce hrál v zajetí.

Ve století XIV. Je zde také zmínka o dalším nástroji podobném gitternu – loutně. Do 15. stol jeho tvar se již konečně formuje: velmi konvexní, téměř půlkruhové tělo s kulatým otvorem na palubě. „Krk“ není dlouhý, „hlava“ je k němu umístěna v pravém úhlu (obr. 36). Mandolína a mandora, které se používaly v 15. století, patří do stejné skupiny nástrojů. nejrozmanitější forma.

Harfa (harfa) se může pochlubit i svým starobylým původem - její vyobrazení se nachází již ve Starém Egyptě. U Řeků je harfa jen obměnou sitaru, u Keltů se jí říká sambuk. Tvar harfy je konstantní: je to nástroj se strunami různých délek nataženými přes rám ve více či méně otevřeném úhlu. Starověké harfy jsou třináctistrunné, laděné v diatonické stupnici. Na harfu hráli ve stoje nebo vsedě, oběma rukama a posilovali nástroj tak, aby jeho svislý stojan byl u hrudníku interpreta. Ve 12. století se objevily malé harfy s různým počtem strun. Charakteristický typ harfy je zastoupen na plastice z průčelí Domu hudebníků v Remeši (obr. 37). Kejklíři při svých vystoupeních používali pouze je a mohly vznikat celé soubory harfistů. Irové a Bretonci byli považováni za nejlepší harfisty. V 16. stol harfa ve Francii prakticky zmizela a objevila se zde až o staletí později, ve své moderní podobě.

Zvláštní zmínku zasluhují dva drnkací středověké nástroje. Jedná se o žaltář a sifonii.

Starověký žaltář je strunný nástroj trojúhelníkového tvaru, který matně připomíná naši harfu. Ve středověku se tvar nástroje změnil – v miniaturách jsou zobrazeny i čtvercové žaltáře. Hráč jej držel na klíně a prsty nebo plektrem drnkal na dvacet jedna strun (rozsah nástroje jsou tři oktávy). Za vynálezce žaltáře je považován král David, který podle legendy používal ptačí zob jako plektrum. Miniatura z rukopisu Gerarda z Landsbergu ve Štrasburské knihovně znázorňuje biblického krále hrajícího si se svým duchovním dítětem (obr. 38).

Ve středověké francouzské literatuře se žalteriony začaly zmiňovat od počátku 12. století, tvar nástrojů mohl být velmi odlišný (obr. 39 a 40), hráli na ně nejen ministranti, ale i ženy - urozené dámy a jejich družina. Do 14. stol Žalterion postupně opouští scénu a ustupuje cembalu, ale cembalo nedokázalo dosáhnout chromatického zvuku, který byl charakteristický pro žaltérie s dvojitými strunami.

Sádrování je do jisté míry podobný i další středověký nástroj, který prakticky zanikl již v 15. století. Toto je sifonie (chifonie) - západní verze ruské kolové harfy. Kromě kolečka s dřevěným kartáčkem, které se při otáčení rukojetí dotýká tří rovných strun, je však sifon vybaven i klávesami, které také regulují jeho zvuk.Na sifonu je sedm kláves a jsou umístěny na konci opačném, než na kterém se kolo otáčí. Na sifonii hráli většinou dva lidé a zvuk nástroje byl podle zdrojů harmonický a tichý. Podobný způsob hry demonstruje kresba ze sochy na hlavici jednoho ze sloupů v Bocheville (12. století) (obr. 41). Sifonie se nejvíce rozšířila v 11.–12. století. V 15. stol Oblíbený byl malý sifon, na který hrál jeden muzikant. V rukopisu „Romance Gerarda de Nevers a krásné Ariany“ z Národní knihovny v Paříži je miniatura zobrazující hlavní postavu oblečenou jako pěvec s podobným nástrojem po boku (obr. 42).

Původ francouzské hudby.

Lidové počátky francouzské hudby sahají do raného středověku: v 8.–9. století existovaly taneční melodie a písně různých žánrů – pracovní, kalendářní, epické a další.
Koncem 8. století byl založen Gregoriánský chorál.
V V 11.-12. století vzkvétalo na jihu Francie rytířské hudební a básnické umění trubadúrů.
V Ve 12. a 13. století byli pokračovateli trubadúrské tradice rytíři a měšťané severní Francie – trouvères. Mezi nimi je nejznámější Adam de la Al (zemřel 1286).

Adam de la Al "Hra Robin a Marion".

Ve 14. století se ve francouzské hudbě objevilo hnutí Nového umění. Hlavou tohoto hnutí byl Philippe de Vitry (1291-1361) - hudební teoretik a skladatel, autor mnoha světských moteta. Ke konci 16. století, v době Karla 9, se však povaha francouzské hudby změnila. Začala éra baletu, kdy tanec doprovázela hudba. Během této éry se rozšířily tyto nástroje: flétna, cembalo, violoncello, housle. A tuto dobu lze nazvat dobou zrodu skutečné instrumentální hudby

Philippe de Vitry "Pán lordů" (motet).

17. století je novou etapou ve vývoji francouzské hudby. Velký francouzský skladatel Jean Baptiste Lully (Jean-Baptiste de Lully 28.11.1632, Florencie - 22.3.1687, Paříž) tvoří své opery. Jean Baptiste je vynikající tanečník, houslista, dirigent a choreograf italského původu, považovaný za uznávaného tvůrce francouzské národní opery. Jsou mezi nimi opery jako: Theseus (1675), Isis (1677), Psyché (1678, Perseus (1682), Phaethon (1683), Roland (1685) a Armida. (1686) a další.V jeho operách, které byly Jean Baptiste Lully, nazývaný „tragédie mise en musique“ („tragédie na hudbě“), se snažil umocnit dramatické efekty hudbou. Díky umění inscenace a spektakulárnosti baletu vydržely jeho opery na jevišti asi 100 let. ve stejné době začali operní pěvci poprvé vystupovat bez masek a ženy začaly tančit v baletu na veřejné scéně.
Rameau Jean Philippe (1683-1764) - francouzský skladatel a hudební teoretik. S využitím výdobytků francouzské a italské hudební kultury výrazně upravil styl klasicistní opery a připravil operní reformu Christopha Willibaldiho Glucka. Napsal lyrické tragédie „Hippolytus a Arisia“ (1733), „Castor a Pollux“ (1737), operu-balet „Gallant India“ (1735), hry na cembalo a další. Jeho teoretické práce jsou významnou etapou ve vývoji nauky o harmonii.
Francois Couperin (1668-1733) – francouzský skladatel, cembalista, varhaník. Z dynastie srovnatelné s německou dynastií Bachů, protože v jeho rodině bylo několik generací hudebníků. Couperin dostal přezdívku „velký Couperin“ částečně kvůli svému smyslu pro humor a částečně kvůli jeho charakteru. Jeho dílo je vrcholem francouzského cembalového umění. Couperinova hudba se vyznačuje melodickou nápaditostí, grácií a precizností detailů.

1. Jean Baptiste Lully sonáta a moll, 4. věta „Gigue“.

2. Jean Philippe Rameau "Kuře" - hraje Arkady Kazaryan.

3. Francois Couperin "Budík" - hraje Ayan Sambuev.

V 18. století – na konci 19. století se hudba stala skutečnou zbraní v boji za vlastní přesvědčení a touhy. Objevuje se celá galaxie slavných skladatelů: Maurice Ravel, Jean-Philippe Rameau, Claude Joseph Rouget de Lisle, (1760-1836) francouzský vojenský inženýr, básník a skladatel. Psal hymny, písně, romance. V roce 1792 napsal skladbu „Marseillaise“, která se později stala hymnou Francie.

Hymna Francie.

Gluck Christoph Willibald (1714-1787) - slavný francouzsko-německý skladatel. Jeho nejznámější aktivity jsou spojeny s pařížskou operní scénou, pro kterou napsal svá nejlepší díla s francouzskými slovy. Proto ho Francouzi považují za francouzského skladatele. Četné jeho opery: "Artaserse", "Demofonte", "Fedra" a další byly uvedeny v Miláně, Turíně, Benátkách, Cremoně. Poté, co obdržel pozvání do Londýna, napsal Gluck pro divadlo Hay-Market Theatre dvě opery: „La Caduta de Giganti“ (1746) a „Artamene“ a smíšenou operu (pasticcio) „Pyram“

Melodie z opery „Orfeus a Eurydika“.

V 19. století - skladatelé Georges Bizet, Hector Berlioz, Claude Debussy, Maurice Ravel a další.

Ve 20. století se objevili skuteční profesionální umělci. Byli to oni, kdo proslavil francouzské písně a vytvořil celý směr francouzského šansoniéra. Dnes jejich jména stojí mimo čas a módu. Jsou to Charles Aznavour, Mireille Mathieu, Patricia Kass, Joe Dassin, Dalida, Vanessa Paradis. Všichni jsou známí svými krásnými lyrickými písněmi, které si získaly posluchače nejen ve Francii, ale i v jiných zemích. Mnoho z nich bylo pokryto jinými účinkujícími.

Naučit se hrát na hudební nástroj je jednou z nejúžasnějších věcí, které kdy budete dělat. Ať už právě končíte školu a rozhodli jste se, že byste chtěli hrát v kapele, nebo jste se rozhodli naučit se hrát hudbu teď, když jsou děti velké, je to zábavné a obohacující a mělo by to být hotovo. Pokud ještě nevíte, co chcete hrát, jste ve skvělé formě – to znamená, že je pro vás možné všechno! Užitečné tipy pro výběr správného nástroje naleznete v kroku 1.

Kroky

Výběr z rozmanitosti

Začněte s klavírem. Klavír je pro začátek běžný nástroj, protože je snadné hudbu skutečně vidět. Klavíry a klávesy, které jsou společné mnoha kulturám a stylům hudby, jsou skvělou volbou, pokud se chcete naučit hrát na nástroj bez ohledu na váš věk. Možnosti klavíru, které můžete později přidat do svého repertoáru, mohou zahrnovat:

• Orgán
• Akordeon
• Syntetizér
• Cembalo
• Harmonium

Užijte si kytaru. Od klasiky po metal, učení se hře na kytaru otevírá všechny dveře novým stylům hudby. Kytara měla vliv na pop kulturu možná větší než jakýkoli jiný nástroj a stala se nejoblíbenější volbou pro začátečníky po celém světě. Vezměte si akustickou kytaru, abyste byli mobilní, nebo se podívejte na elektrickou verzi a začněte dovádět se svými sousedy a hrát nějaké opojné lízání. Jakmile zvládnete základy kytary, můžete přidat další nástroje od společnosti se šesti strunami:

• Baskytara
• Mandolína
• Bendžo
• Cimbál

Francouzská hudba, kterou slyšíme, má hluboké kořeny. Objevuje se z lidového umění rolníků a měšťanů, náboženské a rytířské poezie a z tanečního žánru. Tvorba hudby závisí na epochách. Keltská víra a následně regionální zvyky francouzských provincií a sousedních národů tvoří zvláštní hudební melodie a žánry, které jsou vlastní hudebnímu zvuku Francie.

Hudba Keltů

Galové, největší keltský národ, ztratili jazyk, mluvili latinsky, ale získali keltské hudební tradice, tance, eposy a hudební nástroje: flétnu, dudy, housle, lyru. Galská hudba je zpěvná a je nerozlučně spjata s poezií. Hlas duše a projev emocí zprostředkovali potulní bardi. Znali mnoho písní, měli hlas a uměli hrát a také používali hudbu v tajemných rituálech. Ve francouzském folklóru jsou známy dva druhy hudebních děl: balady a texty – lidová poezie s refrénem, ​​který nahradil hudbu. Všechny písně jsou napsány ve francouzštině, přestože obyvatelé různých částí Francie mluvili svými vlastními dialekty. Jazyk střední Francie byl považován za slavnostní a poetický.

Epické písně

Baladické písně se mezi lidmi těšily velké úctě. Německé legendy vzaly talenty od lidí jako základ pro své legendární písně. Epický žánr předvedl kejklíř - lidový zpěvák, který jako kronikář zvěčňoval události v písni. Později se jeho hudební zkušenosti přenesly do středověkých potulných zpěváků – trubadúrů, minstrelů, truvérů. Mezi legendárními písněmi tvoří významnou skupinu píseň - stížnost, jako reakce na tragické nebo neférové ​​události. Náboženský nebo světský příběh je obvykle smutný, s převládající mollovou tóninou. Stížnost mohla být romantická nebo dobrodružná, v nichž hlavní zápletkou byl milostný příběh s tragickým koncem nebo scény vášně, někdy plné krutosti. Píseň-stížnost se rozšířila hluboko do vesnic a postupně získala komický a satirický charakter. Zpěvem stížností mohly být církevní chorály nebo vesnické zpěvy – dlouhé příběhy s pauzami. Klasickým příkladem narativních zpěvů je „Song of Reno“, která má rytmus v durové tónině. Melodie je klidná a dojemná.

Písňovou baladu s keltskými motivy zazní v tvorbě Nolwen Leroy, folkové zpěvačky z Bretaně. První album „Bretonka“ (2010) oživilo lidové písně. Balady zní i rockově-folková klasika – „Tri Yann“. Příběh o prostém námořníkovi a jeho přítelkyni je uznáván jako hit a perla folklóru. Skupinu založili tři hudebníci jménem Jean v roce 1970. Nasvědčuje tomu i název skupiny, který se z bretonštiny překládá jako „tři džíny“. Další baladická píseň „In the Prisons of Nantes“ o uprchlém vězni s pomocí dcery žalářníka je populární a známá po celé Francii.

Milostné texty

Ve všech formách lidové hudby vznikl milostný příběh. V eposu jde o příběh o lásce na pozadí nějakých vojenských nebo každodenních událostí. V komické písni se jedná o ironický dialog, kde se jeden partner směje druhému, neexistuje jednota milujících srdcí a vysvětlení. Dětské písně hovoří o svatbě ptáků. Lyrická francouzská píseň v klasickém smyslu je pastorální, která vznikla z venkovského žánru a přešla do repertoáru trubadúrů. Jeho hrdiny jsou pastýřky a páni. Společenští zpěváci upřesňují i ​​čas a místo působení – většinou je to příroda, vinice nebo zahrada. Regionálně se lidové písně o lásce liší tónem. Bretonská píseň je velmi citlivá. Vážná, vzrušená melodie hovoří o vznešených pocitech. Alpská hudba je čistá, plynoucí, naplněná horským vzduchem. Ve střední Francii - „prosté písně“ ve stylu romantiky. Provence a jih země skládaly serenády, v jejichž středu byl zamilovaný pár a dívka byla přirovnávána ke květině nebo hvězdě. Zpěv byl doprovázen hrou na tamburínu nebo francouzskou dýmku. Trubadúrští básníci skládali své písně v jazyce Provence a opěvovali dvorskou lásku a rytířské činy. Ve sbírkách lidových písní 15. stol. obsahuje mnoho humorných a satirických písní. Milostné texty postrádají sofistikovanost charakteristickou pro žhavé písně Itálie a Španělska, vyznačují se nádechem ironie.

Rozhodující roli hraje procítěnost lidových písní a láska k tomuto žánru se rozšířila i k tvůrcům šansonu a dodnes žije ve Francii.

Hudební satira

Galský duch se projevuje ve vtipech a písních. Plná života a posměchu tvoří charakteristický rys francouzské písně. Městský folklór, velmi blízký lidovému umění, vznikl v 16. století. Pak pařížská šansoniérka, která bydlela poblíž Pont Neuf, zpívala o aktuálních problémech a tady prodávali své texty. Do módy se dostaly ohlasy na různé společenské akce satirickými kuplety. Dojemné lidové písně určovaly vývoj kabaretu.

Taneční hudba

Klasická hudba také čerpala inspiraci z kreativity rolníků. Lidové melodie se odrážejí v dílech francouzských skladatelů – Berlioze, Saint-Saense, Bizeta, Lullyho a mnoha dalších. Starověké tance - farandole, gavotte, rigaudon, menuet a bourre - úzce souvisí s hudbou a jejich pohyby a rytmus jsou založeny na písních.

• Farandola se objevil v raném středověku v jižní Francii z vánočních melodií. Tanec byl doprovázen zvuky tamburíny a jemné flétny. Jeřábí tanec, jak se mu později říkalo, se tančil o svátcích a hromadných oslavách. Farandole zazní v Bizetově Suite Arlesienne po pochodu Tří králů.
• Francouzský tanec- starověký tanec obyvatel Alp - gavoty a v Bretani. Původně kulatý tanec v keltské kultuře se hrál v rychlém tempu podle principu „krok – dej nohu“ pod dudy. Dále se pro svou rytmickou formu proměnil v salonní tanec a stal se prototypem menuetu. Gavotu v její pravé interpretaci můžete slyšet v opeře Manon Lescaut.
• Rigodon- v baroku byl oblíbený veselý tanec sedláků z Provence na hudbu houslí, zpěv a údery dřevěných dřeváků. Šlechta si ho zamilovala pro jeho lehkost a temperament.
• Bourret- energický lidový tanec se skákáním vznikl ve střední Francii v 15. století. V 17. a 18. století se objevil ladný tanec dvořanů, vycházející z lidového prostředí provincie Poitou. Menuet se vyznačuje pomalým tempem s malými kroky, úklony a klony. Hudbu menuetu tvoří cembalo v rychlejším tempu než pohyby tanečníků.

Zazněly různé hudební a písňové skladby – lidové, pracovní, sváteční, ukolébavky, počítací písně.

Počítání lidových melodií „The Mare from Michao“ (La Jument de Michao) dostalo moderní výraz v Leroyově albu „Bretonka“. Jeho hudebním původem je kulatý taneční zpěv. Lidové písně obsažené na albu „Bretonka“ byly napsány pro svátky Fest-noz a na památku lidových tanečních a písňových tradic Bretaně.

Francouzská píseň absorbovala všechny rysy lidové hudební kultury. Vyznačuje se upřímností a realismem, nejsou v něm žádné nadpřirozené prvky ani zázraky. A v naší době, ve Francii a ve světě, jsou francouzští pop zpěváci, pokračovatelé nejlepších lidových tradic, velmi populární.

Hudební nástroje jsou navrženy tak, aby vydávaly různé zvuky. Pokud hudebník hraje dobře, pak se tyto zvuky dají nazvat hudbou, ale pokud ne, pak kakofonií. Existuje tolik nástrojů, že jejich učení je jako vzrušující hra horší než Nancy Drew! V moderní hudební praxi se nástroje dělí do různých tříd a rodin podle zdroje zvuku, materiálu výroby, způsobu výroby zvuku a dalších vlastností.

Dechové hudební nástroje (aerofony): skupina hudebních nástrojů, jejichž zdrojem zvuku jsou vibrace vzduchového sloupce v hlavni (trubce). Jsou klasifikovány podle mnoha kritérií (materiál, design, způsoby zvukové produkce atd.). V symfonickém orchestru se skupina dechových hudebních nástrojů dělí na dřevěné (flétna, hoboj, klarinet, fagot) a žesťové (trubka, lesní roh, pozoun, tuba).

1. Flétna je dřevěný dechový hudební nástroj. Moderní typ příčné flétny (s ventily) vynalezl německý mistr T. Boehm v roce 1832 a má varianty: malá (neboli pikolová flétna), altová a basová flétna.

2. Hoboj je dřevěný dechový jazýčkový hudební nástroj. Známý od 17. století. Odrůdy: malý hoboj, hoboj d'amour, anglický roh, heckelphone.

3. Klarinet je dřevěný dechový plátkový hudební nástroj. Postaveno na počátku 18. století V moderní praxi se používají sopránové klarinety, pikoloklarinet (italsky pikola), alt (tzv. basetový roh), basklarinety.

4. Fagot - dřevěný dechový hudební nástroj (převážně orchestrální). Vznikl v 1.pol. 16. století Odrůda basů je kontrafagot.

5. Trubka - dechově měděný nátrubkový hudební nástroj, známý již od starověku. Moderní typ ventilové trubky se vyvinul do šedé. 19. století

6. Lesní roh - dechový hudební nástroj. Objevil se na konci 17. století v důsledku zdokonalení loveckého rohu. Moderní typ rohoviny s ventily vznikl v první čtvrtině 19. století.

7. Pozoun - žesťový hudební nástroj (převážně orchestrální), u kterého se výška zvuku reguluje speciálním zařízením - skluzavkou (tzv. posuvný pozoun nebo zugtrombon). Existují také ventilové pozouny.

8. Tuba je nejníže znějící žesťový hudební nástroj. Navrženo v roce 1835 v Německu.

Metalofony jsou typem hudebního nástroje, jehož hlavním prvkem jsou talířové klávesy, na které se udeří kladivem.

1. Samozvučné hudební nástroje (zvonky, gongy, vibrafony apod.), jejichž zdrojem zvuku je jejich elastické kovové tělo. Zvuk se vyrábí pomocí kladívek, tyčí a speciálních perkusistů (jazyků).

2. Nástroje jako xylofon, na rozdíl od nich jsou metalofonové desky kovové.

Smyčcové hudební nástroje (chordofony): podle způsobu výroby zvuku se dělí na smyčcové (například housle, violoncello, gidzhak, kemancha), drnkací (harfa, gusli, kytara, balalajka), perkuse (cimbál), perkuse -klávesy (klavír), drnkací -klávesy (cembalo).

1. Housle jsou 4strunný smyčcový hudební nástroj. Nejvyšší rejstřík v rodině houslí, který tvořil základ klasického symfonického orchestru a smyčcového kvarteta.

2. Violoncello je hudební nástroj z rodiny houslí bastenorového rejstříku. Objevil se v 15.-16. Klasické příklady vytvořili italští mistři v 17. a 18. století: A. a N. Amati, G. Guarneri, A. Stradivari.

3. Gidžak - strunný hudební nástroj (tádžický, uzbecký, turkmenský, ujgurský).

4. Kemancha (kamancha) - 3-4strunný smyčcový hudební nástroj. Distribuováno v Ázerbájdžánu, Arménii, Gruzii, Dagestánu a také v zemích Středního východu.

5. Harfa (z němčiny Harfe) je vícestrunný drnkací hudební nástroj. Rané obrazy - ve třetím tisíciletí před naším letopočtem. Ve své nejjednodušší podobě se vyskytuje téměř u všech národů. Moderní pedálová harfa byla vynalezena v roce 1801 S. Erardem ve Francii.

6. Gusli je ruský drnkací strunný hudební nástroj. Žaltérie ve tvaru křídla („kroužkované“) mají 4-14 nebo více strun, helmové - 11-36, obdélníkové (ve tvaru stolu) - 55-66 strun.

7. Kytara (španělsky guitarra, z řeckého cithara) je drnkací strunný nástroj typu loutna. Ve Španělsku je znám od 13. století, v 17. a 18. století se rozšířil do Evropy a Ameriky, mimo jiné jako lidový nástroj. Od 18. století se začala běžně používat 6strunná kytara, 7strunná se rozšířila především v Rusku. Mezi odrůdy patří tzv. ukulele; Moderní popová hudba používá elektrickou kytaru.

8. Balalajka je ruský lidový 3-strunný drnkací hudební nástroj. Známý od začátku. 18. století Vylepšeno v 80. letech 19. století. (pod vedením V.V. Andreeva) V.V. Ivanov a F.S. Paserbsky, kteří navrhli rodinu balalajky, a později - S.I. Nalimov.

9. Činely (polsky cimbaly) - vícestrunný bicí hudební nástroj starověkého původu. Jsou členy lidových orchestrů Maďarska, Polska, Rumunska, Běloruska, Ukrajiny, Moldavska atd.

10. Piano (italsky fortepiano, od forte - hlasitý a piano - tichý) - obecný název pro klávesové hudební nástroje s kladívkovou mechanikou (klavír, pianino). Na začátku byl vynalezen klavír. 18. století Vznik moderního typu klavíru – s tzv. dvojitá zkouška – pochází z 20. let 19. století. Doba rozkvětu klavírního hraní - 19-20 století.

11. Cembalo (francouzsky clavecin) - strunný klávesový drnkací hudební nástroj, předchůdce klavíru. Známý od 16. století. Byla tam cembala různých tvarů, typů a variet, včetně činelu, virginelu, spinetu a clavicytheria.

Klávesové hudební nástroje: skupina hudebních nástrojů, které spojuje společný rys - přítomnost klávesové mechaniky a klaviatury. Jsou rozděleny do různých tříd a typů. Klávesové hudební nástroje lze kombinovat s jinými kategoriemi.

1. Struny (bicí a drnkací klávesy): klavír, celesta, cembalo a jeho varianty.

2. Žesť (klávesové-dechové a plátkové): varhany a jejich odrůdy, harmonium, knoflíková harmonika, akordeon, melodika.

3. Elektromechanické: elektrické piano, clavinet

4. Elektronika: elektronické piano

piano (italsky fortepiano, od forte - hlasitý a piano - tichý) je obecný název pro klávesové hudební nástroje s kladívkovou mechanikou (klavír, pianino). Byl vynalezen na počátku 18. století. Vznik moderního typu klavíru – s tzv. dvojitá zkouška – pochází z 20. let 19. století. Doba rozkvětu klavírního hraní - 19-20 století.

Bicí hudební nástroje: skupina nástrojů sjednocená způsobem tvorby zvuku – úderem. Zdrojem zvuku je pevné těleso, blána, struna. Existují nástroje s určitou (timpány, zvonky, xylofony) a neurčitou (bubny, tamburíny, kastaněty) tónovou výškou.

1. Timpani (timpani) (z řeckého polytaurea) je kotlový bicí hudební nástroj s blánou, často párový (nagara aj.). Distribuováno od starověku.

2. Zvony - orchestrální bicí libozvučný hudební nástroj: sada kovových desek.

3. Xylofon (z xylo... a řecky telefon - zvuk, hlas) - bicí, libozvučný hudební nástroj. Skládá se ze série dřevěných bloků různých délek.

4. Buben - bicí membránový hudební nástroj. Odrůdy se nacházejí u mnoha národů.

5. Tamburína - bicí membránový hudební nástroj, někdy s kovovými přívěsky.

6. Kastaněty (španělsky: castanetas) - bicí hudební nástroj; dřevěné (nebo plastové) destičky ve tvaru mušlí, upevněné na prstech.

Elektrohudební nástroje: hudební nástroje, ve kterých se zvuk vytváří generováním, zesilováním a přeměnou elektrických signálů (pomocí elektronických zařízení). Mají jedinečné zabarvení a dokážou napodobit různé nástroje. Mezi elektrické hudební nástroje patří theremin, emiriton, elektrická kytara, elektrické varhany atd.

1. Theremin je první tuzemský elektrohudební nástroj. Navrhl L. S. Theremin. Výška zvuku v thereminu se mění v závislosti na vzdálenosti pravé ruky umělce k jedné z antén, hlasitosti - od vzdálenosti levé ruky k druhé anténě.

2. Emiriton je elektrický hudební nástroj vybavený klaviaturou klavírního typu. Navrhli v SSSR vynálezci A. A. Ivanov, A. V. Rimskij-Korsakov, V. A. Kreitzer a V. P. Dzeržkovič (1. model v roce 1935).

3. Elektrická kytara - kytara, obvykle dřevěná, s elektrickými snímači, které přeměňují vibrace kovových strun na vibrace elektrického proudu. První magnetický snímač vyrobil v roce 1924 inženýr Gibson Lloyd Loehr. Nejběžnější jsou šestistrunné elektrické kytary.

Francouzská hudební kultura se začala formovat na bohaté vrstvě lidových písní. Ačkoli nejstarší spolehlivé záznamy písní, které se dochovaly dodnes, pocházejí z 15. století, literární a umělecké materiály naznačují, že hudba a zpěv zaujímaly přední místo v každodenním životě lidí již od římských dob.

S křesťanstvím se církevní hudba dostala do francouzských zemí. Původně latinská se postupně měnila pod vlivem lidové hudby. Církev při svých bohoslužbách používala materiál, který byl pro místní obyvatele srozumitelný. Mezi 5. a 9. stoletím se v Galii vyvinul jedinečný druh liturgie – galský obřad s gallikánským zpěvem. Mezi autory církevních hymnů proslula Hilary z Poitiers. Gallikánský obřad je znám z historických pramenů, což naznačuje, že se výrazně lišil od římského. Nezachovala se, protože ji zrušili francouzští králové usilující o získání císařského titulu z Říma a římská církev se snažila dosáhnout sjednocení bohoslužeb.

Od 9. do 12. století se dochovaly „písně činů“ (chansons de geste).

lidová hudba

Díla francouzských folkloristů zkoumají četné žánry lidových písní: lyrické, milostné, žalující písně (complaintes), taneční písně (rondes), satirické, řemeslné písně (chansons de metiers), kalendářní písně, např. vánoční písně (Noel); pracovní, historické, vojenské atd. Písně spojené s galskou a keltskou věroukou také patří k folklóru. Mezi lyrickými žánry zaujímá zvláštní místo pastorále (idealizace venkovského života). V dílech milostného obsahu převládají témata neopětované lásky a odloučení. Mnoho písní je věnováno dětem - ukolébavky, hry, počítání říkanek (fr. comptines). Jsou zde různé dělnické (písně ženců, oráčů, vinařů atd.), vojácké a rekrutské písně. Zvláštní skupinu tvoří balady o křížových výpravách, písně odhalující krutost feudálních pánů, králů a dvořanů, písně o selských povstáních (tuto skupinu písní badatelé nazývají „básnický epos dějin Francie“).

Středověk

Církevní hudba

Nejlépe byl vývoj církevní hudby doložen ve středověku. Rané gallikánské formy křesťanské liturgie byly nahrazeny gregoriánskou liturgií. Šíření gregoriánského chorálu za vlády karolínské dynastie (751-987) je spojeno především s činností benediktinských klášterů. Katolická opatství Jumièges (na Seině, také v Poitiers, Arles, Tours, Chartres a dalších městech) se stala centry církevní hudby, buňkami profesionální duchovní i světské hudební kultury. Aby se studenti naučili zpívat, byly v mnoha opatstvích vytvořeny speciální pěvecké školy (metrizy). Vyučovali tam nejen gregoriánský chorál, ale i hru na hudební nástroje a schopnost číst noty. V polovině 9. stol. Objevila se neměnná notace, jejíž postupný vývoj vedl po mnoha staletích ke vzniku moderní notové osnovy.

V 9. stol Gregoriánský chorál byl obohacen o sekvence, kterým se ve Francii také říká v próze. Vytvoření této formy bylo připisováno mnichovi Notkerovi z kláštera St. Gallen (dnešní Švýcarsko). Notker však v předmluvě ke své „Knize hymnů“ uvedl, že informace o sekvenci obdržel od mnicha z opatství Jumièges. Následně se ve Francii proslavili zejména prozaici Adam z opatství Saint-Victor (12. století) a tvůrce slavné „Oslí prózy“ Pierre Corbeil (počátek 13. století). Další novinkou byly tropy – vsuvky do středu gregoriánského chorálu. Jejich prostřednictvím začaly do chrámové hudby pronikat světské nápěvy.

Od 10. stol v Limoges, Tours a dalších městech se v hloubi samotné bohoslužby objevilo liturgické drama zrozené z dialogizovaných tropů se střídáním „otázek“ a „odpovědí“ dvou antifonálních skupin sboru. Postupně se liturgické drama stále více vzdalovalo kultu (spolu s obrazy z evangelia byly zařazovány realistické postavy).

Od starověku se lidové písně vyznačovaly polyfonií, zatímco gregoriánský chorál vznikal jako jednohlasý chorál. V 9. století začaly do chrámové hudby pronikat i prvky polyfonie. V 9. století vznikly příručky o organum polyfonii. Za autora nejstarší z nich je považován mnich Huckbald ze Saint-Amand u Tournai ve Flandrech. Polyfonní styl, který se vyvinul v církevní hudbě, se však liší od lidové hudební praxe.

Světská hudba

Spolu s kultovní hudbou se rozvíjela i hudba světská, znějící v lidovém životě, na dvorech franských králů i na hradech feudálů. Nositeli lidových hudebních tradic středověku byli především potulní muzikanti – kejklíři, kteří byli mezi lidmi velmi oblíbení. Zpívali moralizující, komické a satirické písně, tančili za doprovodu různých nástrojů, včetně tamburíny, bubnu, flétny a drnkacího nástroje jako je loutna (to přispělo k rozvoji instrumentální hudby). Kejklíři vystupovali o svátcích na vesnicích, na feudálních dvorech a dokonce i v klášterech (účastnili se některých rituálů, divadelních průvodů věnovaných církevním svátkům, tzv. Carole). Byli pronásledováni církví jako představitelé sekulární kultury jí nepřátelské. Ve 12.-13.stol. Mezi kejklíři nastala sociální stratifikace. Někteří z nich se usadili na rytířských hradech, čímž se stali zcela závislí na feudálním rytíři, jiní pobývali ve městech. A tak se z kejklířů, kteří ztratili tvůrčí svobodu, stali usedlí pěvci na rytířských hradech a městští hudebníci. Tento proces však zároveň přispěl k pronikání lidového umění na hrady a do měst, které se stalo základem rytířského a měšťanského hudebního a básnického umění.

V pozdním středověku se v souvislosti s všeobecným vzestupem francouzské kultury začalo intenzivně rozvíjet hudební umění. Na feudálních hradech, založených na lidové hudbě, vzkvétalo světské hudební a básnické umění trubadúrů a truvérů (11.-14. století). Mezi slavné trubadúry patřili Marcabrun, Vilém IX - vévoda z Akvitánie, Bernard de Ventadorn, Joffrey Rudel (konec 11.-12. století), Bertrand de Born, Guiraut de Borneil, Guiraut Riquier (konec 12.-13. století). Ve 2.pol. 12. století V severních oblastech země vznikl podobný trend - umění trouvères, které bylo nejprve rytířské, a poté se stále více přibližovalo lidovému umění. Mezi Trouvèry se následně spolu s králi proslavila aristokracie - Richard Lví srdce, Thibaut ze Champagne (král Navarry), představitelé demokratických vrstev společnosti - Jean Bodel, Jacques Bretel, Pierre Mony a další.

V souvislosti s růstem měst jako Arras, Limoges, Montpellier, Toulouse a dalších se ve 12. a 13. století rozvíjelo městské hudební umění, jehož tvůrci byli básníci a zpěváci z městských vrstev (řemeslníci, obyčejní měšťané, popř. navíc buržoazie) . Do umění trubadúrů a truvérů vnesli vlastní charakteristiky, vzdali se jeho vznešeně rytířské hudební a poetické představě, osvojili si lidová témata, vytvořili charakteristický styl a vlastní žánry. Nejvýraznějším mistrem městské hudební kultury 13. století byl básník a skladatel Adam de la Halle, autor písní, motet a kromě toho populární hry „Hra Robina a Marion“ (kolem 1283). , plné městských písní a tanců (Už samotná myšlenka na vytvoření světského divadelního představení prostoupeného hudbou byla neobvyklá). Tradiční jednomyslné hudební a básnické žánry trubadúrů interpretoval novým způsobem pomocí polyfonie.

Škola Notre Dame

Více informací: Škola Notre Dame

Ke vzrůstající úloze přispělo posílení hospodářského a kulturního významu měst, vznik univerzit (včetně pařížské univerzity na počátku 13. století), kde byla hudba jedním z povinných předmětů (součást quadrivia). hudby jako umění. Paříž se ve 12. století stala jedním z center hudební kultury a především její Pěvecká škola katedrály Notre Dame, která sdružovala největší mistry – zpěváky-skladatele, vědce. Tato škola vzkvétala ve 12. a 13. století. ikonická polyfonie, vznik nových hudebních žánrů, objevy na poli hudební teorie.

V dílech skladatelů školy Notre Dame doznal gregoriánský chorál změn: dříve rytmicky volný, pružný chorál získal větší pravidelnost a hladkost (odtud název takového chorálu cantus planus). Komplikace polyfonní tkaniny a její rytmické struktury si vyžádaly přesné označení trvání a zdokonalení notace – v důsledku toho se zástupci pařížské školy postupně dostali k menzurální notaci, která nahradila nauku o modech. V tomto směru významně přispěl muzikolog John de Garlandia.

Polyfonie dala vzniknout novým žánrům církevní i světské hudby, včetně dirigování a moteta. Dirigování se zpočátku hrálo především při slavnostní bohoslužbě, ale zároveň se později stalo ryze světským žánrem. Mezi autory chování je Perotin.

Na základě dirigenta z konce 12. století. Ve Francii vznikl nejdůležitější žánr vícehlasé hudby – motet. Její rané příklady patří také mistrům pařížské školy (Pérotin, Franco z Kolína nad Rýnem, Pierre de la Croix). Moteto umožňovalo svobodu kombinovat liturgické a světské melodie a texty, což je kombinace, která vedla ke zrodu moteta ve 13. století. hravé moteto. Žánr motet se v podmínkách směru dočkal výrazné aktualizace ve 14. století ars nova, jehož ideologem byl Philippe de Vitry.

V umění ars nova byl velký význam přikládán interakci „každodenní“ a „vědecké“ hudby (tj. písně a moteta). Philippe de Vitry vytvořil nový typ moteta - izorytmické motet. Inovace Philippa de Vitry ovlivnily i nauku o konsonanci a disonanci (oznámil konsonance tercie a sexty).

Myšlenky ars nova a zejména izorytmického moteta se dále rozvíjely v díle Guillauma de Machauta, který spojil umělecké úspěchy rytířského hudebního a poetického umění s jeho jednohlasnými písněmi a vícehlasou městskou hudební kulturou. Vlastní písně lidového stylu (lay), virele, rondo a jako první rozvinul žánr vícehlasé balady. V motetu používal Machaut hudební nástroje důsledněji než jeho předchůdci (pravděpodobně nižší hlasy byly dříve instrumentální). Machaut je také považován za autora první francouzské vícehlasé mše (1364).

renesance

Čtěte více: Francouzská renesance

V 15. stol během stoleté války vedoucí postavení v hudební kultuře Francie v 15. století. obsazené představiteli francouzsko-vlámské (nizozemské) školy. Po dvě století působili ve Francii nejvýraznější skladatelé nizozemské polyfonní školy: uprostřed. 15. století - J. Benchois, G. Dufay, ve 2.pol. 15. století - J. Okegem, J. Obrecht, v kon. 15 - začátek 16. století - Josquin Despres, ve 2. poločasu. 16. století - Orlando di Lasso.

Na konci 15. stol. Renesanční kultura je založena ve Francii. Vývoj francouzské kultury byl ovlivněn takovými faktory, jako je vznik buržoazie (15. století), boj za sjednocení Francie (skončil koncem 15. století) a vytvoření centralizovaného státu. Významný byl i nepřetržitý rozvoj lidového umění a činnost skladatelů francouzsko-vlámské školy.

Role hudby ve společenském životě roste. Francouzští králové vytvářeli na svých dvorech velké kaple, pořádali hudební festivaly a královský dvůr se stal centrem profesionálního umění. Byla posílena role dvorní kaple. V roce 1581 schválil Jindřich III. místo „hlavního intendanta hudby“ u dvora, prvním, kdo tuto funkci zastával, byl italský houslista Baltazarini de Belgioso. Vedle královského dvora a kostela byly významnými centry hudebního umění i šlechtické salony.

Rozkvět renesance, spojený s formováním francouzské národní kultury, nastal v polovině 16. století. V této době se světská vícehlasá píseň - šanson - stala výrazným žánrem profesionálního umění. Její polyfonní styl dostává novou interpretaci, v souladu s myšlenkami francouzských humanistů - Rabelaise, Clementa Marota, Pierra de Ronsarda. Za předního autora šansonů této doby je považován Clément Janequin, který napsal více než 200 vícehlasých písní. Šansony se proslavily nejen ve Francii, ale i v zahraničí, a to především díky hudebnímu tisku a upevňování vazeb mezi evropskými zeměmi.

Během renesance vzrostla role instrumentální hudby. Viola, loutna, kytara a housle (jako lidový nástroj) byly široce používány v hudebním životě. Instrumentální žánry pronikly do hudby všední i profesionální, částečně církevní. Mezi dominanty v 16. století patřily loutnové taneční kusy. polyfonní práce s rytmickou plasticitou, homofonní skladbou, průhledností textury. Charakteristickým znakem bylo spojení dvou a více tanců na principu rytmického kontrastu do jedinečných cyklů, které se staly základem budoucí taneční suity. Varhanní hudba také získala nezávislejší význam. Vznik varhanické školy ve Francii (konec 16. století) je spojen s působením varhaníka J. Titlouze.

V roce 1570 byla Jean-Antoine de Baif založena Akademie poezie a hudby. Účastníci této akademie usilovali o oživení starověké poetické a hudební metriky a hájili princip nerozlučného spojení hudby a poezie.

Významná vrstva v hudební kultuře Francie v 16. století. byla hudba hugenotů. Hugenotské písně využívaly melodie populárních každodenních a lidových písní a přizpůsobovaly je přeloženým francouzským liturgickým textům. O něco později se z náboženského boje ve Francii zrodily hugenotské žalmy s jejich charakteristickým přenesením melodie do horního hlasu a odmítnutím vícehlasých složitostí. Největší hugenotští skladatelé, kteří skládali žalmy, byli Claude Gudimel a Claude Lejeune.

Vzdělání

Přečtěte si více: Age of Enlightenment

17. století

Francouzská hudba 17. století byla silně ovlivněna racionalistickou estetikou klasicismu, která kladla požadavky na vkus, rovnováhu krásy a pravdy, jasnost provedení, harmonii kompozice. Ve Francii se v 17. století objevil klasicismus, který se rozvíjel současně s barokem. kompletní výraz.

V této době světská hudba ve Francii převažuje nad duchovní hudbou. Se vznikem absolutní monarchie nabylo velkého významu dvorské umění, které určovalo směr vývoje nejdůležitějších žánrů francouzské hudby té doby - opery a baletu. Léta vlády Ludvíka XIV. se vyznačovala mimořádnou nádherou dvorského života, touhou šlechty po luxusu a rafinovaných zábavách. V tomto ohledu byla velká role přidělena dvornímu baletu. V 17. stol Italské trendy u dvora zesílily, k čemuž přispěl zejména kardinál Mazarin. Seznámení s italskou operou posloužilo jako podnět k vytvoření vlastní národní opery, první zkušenost v této oblasti patřila Elisabeth Jacquet de la Guerre (Triumf lásky, 1654).

V roce 1671 byl v Paříži otevřen operní dům s názvem Royal Academy of Music. Šéfem tohoto divadla byl J.B.Lully, který je dnes považován za zakladatele národní operní školy. Lully vytvořil řadu komedií-baletů, které se staly předchůdcem žánru lyrické tragédie a později - opery-baletu. Lullyho přínos pro instrumentální hudbu je významný. Vytvořil typ francouzské operní předehry (termín se ustálil ve 2. polovině 17. století ve Francii). Četné tance z jeho děl velkých forem (menuet, gavota, sarabanda aj.) ovlivnily další formování orchestrální suity.

Na konci 17. - 1. polovině 18. století psali pro divadlo skladatelé jako N. A. Charpentier, A. Campra, M. R. Delalande, A. K. Detouch. Mezi Lullyho nástupci zesílily konvence dvorního divadelního stylu. V jejich lyrických tragédiích vystupují do popředí dekorativně-baletní, pastýřsko-idylické aspekty a dramatický začátek je stále více oslaben. Lyrická tragédie ustupuje opeře-baletu.

V 17. stol ve Francii se vyvinuly různé nástrojové školy - loutna (D. Gautier, který ovlivnil styl cembala J. A. Angleberta, J. C. de Chambonnière), cembalo (Chambonnière, L. Couperin), viola (M. Marin, který jako první ve Francii představil tzv. kontrabas do operního orchestru místo kontrabasové violy). Největšího významu nabyla francouzská škola cembalistů. Raný styl cembala se vyvíjel pod přímým vlivem loutnového umění. Chambonnièrova díla odrážela způsob zdobení melodie charakteristický pro francouzské cembalisty. Množství dekorací dodávalo dílům pro cembalo jistou propracovanost i větší soudržnost, „melodii“, „délku“ a strmý zvuk tohoto nástroje. V instrumentální hudbě se hojně používal od 16. století. sjednocení párových tanců (pavane, galliard aj.), které vedlo v 17. století ke vzniku instrumentální suity.

XVIII století

V 18. století se se sílícím vlivem buržoazie formovaly nové formy hudebního a společenského života. Postupně koncerty překračují hranice palácových sálů a šlechtických salonů. V roce 1725 A. Philidor (Danican) pořádal v Paříži pravidelné veřejné „Duchovní koncerty“ a v roce 1770 François Gossec založil společnost „Amatérské koncerty“. Večery akademické společnosti „Přátelé Apollonovy“ (založené v roce 1741) byly spíše v ústraní, každoroční série koncertů pořádala „Královská hudební akademie“.

Ve 20-30 letech 18. stol. Cembalová suita dosahuje nejvyššího vrcholu. Mezi francouzskými cembalisty patří hlavní role F. Couperinovi, autorovi volných cyklů založených na principech podobnosti a kontrastu her. Spolu s Couperinem k rozvoji programově charakteristické cembalové suity velkou měrou přispěli i J. F. Dandré a především J. F. Rameau.

V roce 1733 zajistila úspěšná premiéra Rameauovy opery Hippolyte a Arisia tomuto skladateli přední místo ve dvorní opeře – Královské hudební akademii. V Rameauově tvorbě dosáhl svého vrcholu žánr lyrické tragédie. Jeho vokální a deklamační styl byl obohacen o melodický a harmonický projev. Jeho dvoudílné předehry se vyznačují velkou rozmanitostí, ale zároveň jsou v jeho tvorbě zastoupeny i třídílné předehry blízké italské operní „sinfonii“. V řadě oper Rameau předjímal mnohé pozdější úspěchy na poli hudebně dramatu, připravoval půdu pro operní reformu K. V. Glucka. Rameau vlastní vědecký systém, jehož řada ustanovení sloužila jako základ pro moderní doktrínu harmonie („Pojednání o harmonii“, 1722; „O původu Harmony“, 1750 atd.).

V polovině 18. století přestaly hrdinsko-mytologické opery Lullyho, Rameaua a dalších autorů vyhovovat estetickým potřebám buržoazního publika. Jejich popularita je nižší než ostře satirická pouťová představení známá od konce 17. století. Tato představení mají za cíl zesměšnit morálku „vyšších“ vrstev společnosti a také parodovat dvorní operu. Prvními autory takových komických oper byli dramaturgové A. R. Lesage a S. S. Favara. V útrobách pouťového divadla dozrál nový francouzský operní žánr - operní komika. Posílení její pozice napomohl příchod italského operního souboru do Paříže v roce 1752, který zde uvedl řadu operních nadšenců, včetně Pergolesiho „Služky a paní“, a polemiky o otázkách operního umění, které se rozhořely mezi příznivci (buržoazně-demokratické kruhy) a odpůrci (představitelé aristokracie) italské opery buffa, - t. zv. "Válka Buffoonů."

V napjaté atmosféře Paříže nabyla tato kontroverze zvláštní naléhavosti a získala obrovský ohlas veřejnosti. Aktivně se na něm podílely postavy francouzského osvícenství, které podporovaly demokratické umění „buffonistů“ a Rousseauův pastorační „Vesnický čaroděj“ (1752) tvořil základ první francouzské komické opery. Slogan, který hlásali „imitace přírody“, měl velký vliv na formování francouzského operního stylu 18. století. Díla encyklopedistů obsahují i ​​cenná estetická a hudebně teoretická zobecnění.

Porevoluční doba

Jedna z prvních publikací La Marseillaise, státní hymny Francie, 1792

Velká francouzská revoluce přinesla obrovské změny do všech oblastí hudebního umění. Hudba se stala nedílnou součástí všech událostí revoluční doby, nabývala společenských funkcí, což přispělo k etablování masových žánrů – písní, hymny, pochodů a dalších. Divadlo prošlo i vlivem Francouzské revoluce – vznikly takové žánry jako apoteóza a propagandistická představení s využitím velkých sborových mší. Během let revoluce se „opera spásy“ dočkala zvláštního rozvoje, nastolila témata boje proti tyranii, odhalovala duchovenstvo, oslavovala věrnost a oddanost. Velkého významu nabyla vojenská dechová hudba a byl založen orchestr Národní gardy.

Radikálními proměnami prošel i systém hudebního vzdělávání. Metrisy byly zrušeny; Ale v roce 1792 byla otevřena hudební škola Národní gardy pro výcvik vojenských hudebníků a v roce 1793 - Národní institut hudby (od roku 1795 - Pařížská konzervatoř).

Období napoleonské diktatury (1799-1814) a restaurování (1814-15, 1815-30) nepřineslo francouzské hudbě výrazné úspěchy. Na konci doby restaurování došlo k oživení v oblasti kultury. V boji proti akademickému umění napoleonského císařství se formovala francouzská romantická opera, která ve 20.-30. letech zaujala dominantní postavení (F. Aubert). Během stejných let se objevil žánr velké opery s historickými, vlasteneckými a hrdinskými zápletkami. Francouzský hudební romantismus našel své nejživější vyjádření v díle G. Berlioze, tvůrce programového romantického symfonismu. Berlioz je spolu s Wagnerem také považován za zakladatele nové dirigentské školy.

Během let Druhého císařství (1852-70) se hudební kultura Francie vyznačovala vášní pro kavárenské koncerty, divadelní revue a umění šansoniérů. Během těchto let vznikla četná divadla lehkých žánrů, kde se hrály vaudeville a frašky. Francouzská opereta se rozvíjí, mezi její tvůrce patří J. Offenbach a F. Hervé. Od 70. let 19. století v podmínkách třetí republiky ztratila opereta satiru, parodii i aktuálnost, převládaly historické, všední a lyricko-romantické zápletky, v hudbě se do popředí dostávaly lyrické náměty.

V opeře a baletu 2. poloviny 19. století. Dochází k nárůstu realistických tendencí. V opeře se tato tendence projevovala v touze po každodenních tématech, po zobrazování obyčejných lidí s jejich intimními zážitky. Za nejslavnějšího tvůrce lyrické opery je považován Charles Gounod, autor oper jako „Faust“ (1859, 2. vydání 1869), „Mireille“ a „Romeo a Julie“. J. Massenet a J. Bizet se také obrátili k žánru lyrické opery, v jeho opeře „Carmen“ se realistický princip projevuje zřetelněji.

Maurice Ravel, 1912

Koncem 80. - 90. let 19. století vzniklo ve Francii nové hnutí, které se rozšířilo na počátku 20. století - impresionismus. Hudební impresionismus oživil určité národní tradice – touhu po konkrétnosti, programatismu, vytříbenosti stylu, průhlednosti textury. Impresionismus našel své nejucelenější vyjádření v hudbě C. Debussyho a ovlivnil tvorbu M. Ravela, P. Dukase a dalších. Impresionismus zavedl inovace i do oblasti hudebních žánrů. V Debussyho díle ustupují symfonické cykly symfonickým skicám; v klavírní hudbě převládají programové miniatury. Maurice Ravel byl také ovlivněn estetikou impresionismu. V jeho tvorbě se prolínaly různé estetické a stylové směry – romantické, impresionistické, v pozdějších dílech i neoklasické tendence.

Spolu s impresionistickými trendy ve francouzské hudbě na přelomu 19. a 20. století. Tradice Saint-Saënse se dále rozvíjely, stejně jako Frank, jehož dílo se vyznačuje kombinací klasické jasnosti stylu s jasnými romantickými obrazy.

Skladatelé „francouzské šestky“.

Po první světové válce se ve francouzském umění projevovaly tendence k popření německého vlivu, touze po novosti a zároveň po jednoduchosti. V této době se pod vlivem skladatele Erika Satieho a kritika Jeana Cocteaua zformovalo tvůrčí sdružení nazvané „Francouzská šestka“, jehož členové se stavěli nejen proti wagnerismu, ale i proti impresionistické „vágnosti“. Podle jejího autora Francise Poulenca však skupina „nemala jiné cíle než čistě přátelské a už vůbec ne ideologické sdružení“ a od 20. let 20. století její členové (mezi nejznámějšími jsou také Arthur Honegger a Darius Milhaud ) vyvinuli každý jednotlivě.

V roce 1935 vzniklo ve Francii nové tvůrčí sdružení skladatelů – „Mladá Francie“, do kterého patřili skladatelé jako O. Messiaen, A. Jolivet, kteří stejně jako „Šestka“ upřednostňovali oživení národních tradic a humanistických idejí. Odmítli akademismus a neoklasicismus a zaměřili své úsilí na aktualizaci prostředků hudebního vyjádření. Nejvlivnější byly Messiaenovy rešerše v oblasti modálních a rytmických struktur, které byly vtěleny jak do jeho hudebních děl, tak do muzikologických pojednání.

Po druhé světové válce se ve francouzské hudbě rozšířila avantgardní hudební hnutí. Vynikajícím představitelem francouzské hudební avantgardy byl skladatel a dirigent Pierre Boulez, který rozvíjející principy A. Weberna široce využíval kompozičních metod jako pointilismus a serialismus. Speciální „stochastický“ kompoziční systém používá skladatel řeckého původu J. Xenakis.

Francie sehrála významnou roli ve vývoji elektronické hudby – právě zde se koncem 40. let objevila konkrétní hudba, pod vedením Xenakise byl vyvinut počítač s grafickým vstupem informací – UPI a v 70. letech 20. století směr spektrální hudby se narodil ve Francii. Od roku 1977 je centrem experimentální hudby IRCAM, výzkumný ústav otevřený Pierrem Boulezem.

Ve 12.-13. století byli pokračovateli trubadúrské tradice rytíři a měšťané severní Francie - trouvères. Mezi nimi je nejznámější Adam de la Al (zemřel 1286).

Adam de la Al "Hra Robin a Marion".

Ve 14. století se ve francouzské hudbě objevilo hnutí Nového umění. Hlavou tohoto hnutí byl Philippe de Vitry (1291-1361) - hudební teoretik a skladatel, autor mnoha světských moteta. Ke konci 16. století, v době Karla 9, se však povaha francouzské hudby změnila. Začala éra baletu, kdy tanec doprovázela hudba. Během této éry se rozšířily tyto nástroje: flétna, cembalo, violoncello, housle. A tuto dobu lze nazvat dobou zrodu skutečné instrumentální hudby.

Philippe de Vitry "Pán lordů" (motet).

17. století je novou etapou ve vývoji francouzské hudby. Velký francouzský skladatel Jean Baptiste Lully (Jean-Baptiste de Lully 28.11.1632, Florencie - 22.3.1687, Paříž) tvoří své opery. Jean Baptiste je vynikající tanečník, houslista, dirigent a choreograf italského původu, považovaný za uznávaného tvůrce francouzské národní opery.
Jsou mezi nimi opery jako: Theseus (1675), Isis (1677), Psyché (1678, Perseus (1682), Phaethon (1683), Roland (1685) a Armida. (1686) a další.V jeho operách, které byly Jean Baptiste Lully, nazývaný „tragédie mise en musique“ („tragédie na hudbě“), se snažil umocnit dramatické efekty hudbou. Díky umění inscenace a spektakulárnosti baletu vydržely jeho opery na jevišti asi 100 let. ve stejné době operní pěvci poprvé začali vystupovat bez masek a ženy začaly tančit v baletu na veřejné scéně.
Rameau Jean Philippe (1683-1764) - francouzský skladatel a hudební teoretik. S využitím výdobytků francouzské a italské hudební kultury výrazně upravil styl klasicistní opery a připravil operní reformu Christopha Willibaldiho Glucka. Napsal lyrické tragédie „Hippolytus a Arisia“ (1733), „Castor a Pollux“ (1737), operu-balet „Gallant India“ (1735), hry na cembalo a další. Jeho teoretické práce jsou významnou etapou ve vývoji nauky o harmonii.
Francois Couperin (1668-1733) – francouzský skladatel, cembalista, varhaník. Z dynastie srovnatelné s německou dynastií Bachů, protože v jeho rodině bylo několik generací hudebníků. Couperin dostal přezdívku „velký Couperin“ částečně kvůli svému smyslu pro humor a částečně kvůli jeho charakteru. Jeho dílo je vrcholem francouzského cembalového umění. Couperinova hudba se vyznačuje melodickou nápaditostí, grácií a precizností detailů.

1. Jean Baptiste Lully sonáta a moll, 4. věta „Gigue“ Alexey Koptev (klarinet) - Oleg Boyko (kytara).

2. Jean Philippe Rameau "Kuře", na akordeon v podání Arkady Kazaryana.

3. Francois Couperin "Budík", na akordeon hraje Ayan Sambuev.

V 18. století – na konci 19. století se hudba stala skutečnou zbraní v boji za vlastní přesvědčení a touhy. Objevuje se celá galaxie slavných skladatelů: Maurice Ravel, Jean-Philippe Rameau, Claude Joseph Rouget de Lisle, (1760-1836) francouzský vojenský inženýr, básník a skladatel. Psal hymny, písně, romance. V roce 1792 napsal skladbu „Marseillaise“, která se později stala hymnou Francie.

Hymna Francie.

Gluck Christoph Willibald (1714-1787) - slavný francouzsko-německý skladatel. Jeho nejznámější aktivity jsou spojeny s pařížskou operní scénou, pro kterou napsal svá nejlepší díla s francouzskými slovy. Proto ho Francouzi považují za francouzského skladatele. Četné jeho opery: "Artaserse", "Demofonte", "Fedra" a další byly uvedeny v Miláně, Turíně, Benátkách, Cremoně. Poté, co obdržel pozvání do Londýna, napsal Gluck pro divadlo Hay-Market Theatre dvě opery: „La Caduta de Giganti“ (1746) a „Artamene“ a smíšenou operu (pasticcio) „Pyram“

Melodie z opery „Orfeus a Eurydika“.

V 19. století - skladatelé Georges Bizet, Hector Berlioz, Claude Debussy, Maurice Ravel a další.

Ve 20. století se objevili skuteční profesionální umělci. Byli to oni, kdo proslavil francouzské písně a vytvořil celý směr francouzského šansoniéra. Dnes jejich jména stojí mimo čas a módu. Jsou to Charles Aznavour, Mireille Mathieu, Patricia Kass, Joe Dassin, Dalida, Vanessa Paradis. Všichni jsou známí svými krásnými lyrickými písněmi, které si získaly posluchače nejen ve Francii, ale i v jiných zemích. Mnoho z nich bylo pokryto jinými účinkujícími.