Socha Madony s dítětem za války. Božský Michelangelo

Tondo Doni z galerie Uffizi je stejným mistrovským dílem Michelangela, kde se malba stává téměř sochou, naplněnou tím nejhlubším smyslem.

Tondo Doni (nebo Madonna Doni) je jediným nemonumentálním Michelangelovým obrazem, který je považován za dokončený a o jehož autorství není pochyb.

Tondo je kus obrazu nebo sochy v kulatém formátu, o průměru asi metr. Obrazy a reliéfy ve tvaru kruhu byly ve Florencii během rané renesance extrémně běžné. V průběhu 15. století pracovali s tondy nejpozoruhodnější a nejživější umělci a tradičně na nich zobrazovali náboženská témata. Bohatí Florenťané objednávali tonda jak pro své paláce, tak jako drahé dárky na svatby a svátky.

V roce 1504 žije a pracuje Michelangelo Buonarroti ve Florencii. Jehobyl právě instalován na náměstí Piazza della Signoria, v srdci mladé republiky. Zpráva o obří soše dokonale krásného nahého muže obletěla celou Evropu. A nebyla žádná hvězda jasnější než Michelangelo!

Mladý sochař původem z Florencie, který proslavil své město... se stal skutečnou celebritou a nejvyhledávanějším mistrem. Brzy se zvěsti o jeho genialitě dostanou k samotnému papeži Juliovi II., který ho s velkou úctou pozve do Říma. Ale zatím je Michelangelo zavalen objednávkami od bohatých Florenťanů: každý chtěl získat jeho dílo.

Ani Agnolo Doni nemohl zůstat stranou. Obchodník, bohatý obchodník s textilem, filantrop, sběratel starověkého i „moderního“ umění, byl jedním z nejosvícenějších, nejslavnějších a nejváženějších lidí ve městě.

V roce 1504 se ve Florencii koná velkolepá svatba: Agnolo Doni se ožení s Maddalenou Strozzi, představitelkou bohaté rodiny florentských bankéřů.

Je docela možné, že právě na počest této oslavy se Doni obrátila na Michelangela a objednala si u něj obraz Panny Marie ve formátu tondo, s jehož vytvořením je spojen fascinující příběh, který se k nám dostal v Životech. od Giorgia Vasariho.

Když Michelangelo dokončil tondo, poslal ho s poslem do Agnolova domu se vzkazem, aby za to dostal 70 dukátů. Doni, filantrop a znalec umění, si okamžitě uvědomil, že Michelangelova práce je tak dobrá, že stojí mnohem víc. Protože však byl prozíravým obchodníkem, rozhodl se, že umělci bude stačit 40 dukátů, které podal poslu. Agnolo si byl plně jistý, že se umělec neodváží hádat a smlouvat s tak mocnou a respektovanou osobou. Ale Michelangelo, známý svou obtížnou povahou, se skutečně rozzuřil a poslal zpět 40 dukátů a nařídil poslu, aby se vrátil buď s obrazem, nebo s dvojnásobnou cenou. Agnolo, již připravený na 70, jak se říká o lakomém, byl nucen poslat Michelangelovi 140 dukátů.

O rok později se obrátí Agnolo Doni a objedná si u něj dvojportrét se svou mladou ženou. A musíte souhlasit, Raphael dokonale vystihl postavu Agnola Doniho, tohoto chytrého, ale vypočítavého Florenťana.

Co tak ohromilo Agnola Doniho, který byl připraven i na dvojnásobnou cenu?

Michelangelo umisťuje do středu kompozice intimní rodinnou scénu: Panna Maria předává Josefovi svého syna, miminko Ježíše Krista.

Dochoval se popis Giorgia Vasariho: „Michelangelo zde v otočení hlavy Kristovy matky a v jejích očích, upřených na nejvyšší krásu svého syna, vyjadřuje své úžasné uspokojení a vzrušení<…>Ale protože to nestačilo, aby Michelangelo ještě ve větší míře ukázal velikost svého umění, namaloval na pozadí tohoto díla mnoho nahých těl - nakloněných, vzpřímeně stojících a sedících a dokončil to tak pečlivě a tak jasně, že ze všech jeho obrazů na dřevě, a není jich mnoho, jsou právem považovány za nejúplnější a nejkrásnější.“

Svatá rodina je oddělena malou zdí a v pozadí jsou nazí mladíci, kteří připomínají starověké sochy, které tolik miloval Michelangelo. A figurka miminka Jana Křtitele je umístěna tak, že jakoby tyto scény spojovala.

Existuje několik způsobů, jak toto dílo číst.

Podle jednoho je Tondo Doni kontrastem mezi starým, pohanským světem a novou dobou křesťanství a příchodem Spasitele. Možná, že tato skupina nahých lidí, shromážděných v půlkruhu na způsob starověku, jsou pohané čekající na křest, jehož svátost je tradičně spojována s postavou Jana Křtitele.

A podle jiné verze nazí muži symbolizují homosexuální vztahy, které byly často připisovány Michelangelovi a které křesťanská církev odsuzovala.

Technika, kterou Michelangelo dílo dokončil, udivovala a udivuje všechny bez výjimky. Neobvykle pevná kompozice a bohaté barevné schéma činí tondo expresivní, jasné a nezapomenutelné. Není možné uvěřit, že se jeho tvůrce vůbec nepovažoval za umělce. Naopak Michelangelo neměl rád malování, dláto a kladivo považoval za své nástroje.

Přitom právě s těmito nástroji úžasně dokázal pracovat, jako se štětcem (vzpomeňte si jen na Pietu). A malovat obrazy, jako by je tesal z mramoru: vždyť obnažené ruce Panny Marie se zdají úplně živé!

Živá plasticita postav je další bezpodmínečnou výhodou Tonda Doniho. Michelangelo byl umělec a sochař, kterého nesmírně přitahovalo lidské tělo. Ztvárňování éterických obrazů ho vůbec nezajímalo. Samozřejmě, že nahé mužské tělo v pohybu je hlavní věcí v Michelangelově umění. Ale i při zobrazování oděných postav, Marie a Josefa, dosahuje Michelangelo maximální autenticity pohybů a póz. Ostatně on, zapálený pro anatomii, jako žádný jiný umělec, zná všechna tajemství a polohy lidského těla.

Panna Maria předávající Josefovi dítě Ježíše Krista je zobrazena v neobvyklém pohybu. Zdá se, že tento obrat stáčí celou kompozici do spirály, takže je integrální a expresivní.

Pózu Panny Marie našel Michelangelo jistě během přípravných prací. Michelangelo ostatně pro každý svůj projekt vytvořil desítky kreseb ze života. Právě tato situace neobvykle inspirovala Raphaela Santiho, mladého a temperamentního umělce, který v té době přijel do Florencie a chtěl studovat u Michelangela a Leonarda.

Tondo Doni bude pro Rafaela nekonečným zdrojem inspirace. Tento kroutivý pohyb používá v obraze „Pohřeb“: dívka v této poloze podpírá Pannu Marii, která omdlela žalem.

A po letech v Římě, kde Raphael dosáhl mimořádné slávy, stal se předním umělcem, hlavním architektem baziliky svatého Petra a strážcem starožitností, nezapomněl na Tonda Doniho. V roce 1512 vytvoří oltářní obraz „Madonna di Foligno“ a jeho Ježíš Kristus bude vypadat tolik jako dítě z Tondo Doni. Přesně tak, inspirován a vstupující do dialogu, vyjádřil Raphael svůj hluboký obdiv ke genialitě Michelangela Buonarrotiho, „prostého sochaře z Florencie“.

Po návratu do Florencie "David", Michelangelo vytvořil tzv "Madonna z Brugg" malé (1,27 m vysoké) sousoší Madony s dítětem, dokončené v roce 1504. Následně socha skončila v kostele Notre Dame v holandském městě Bruggy.

Podle typu se tato mladá, jemná a přemýšlivá Madonna podobá Madonně "Nářek Krista" z katedrály svatého Petra. Na tomto umyvadle však sochař vyřezal tradičnější kompozici zobrazující Ježíše v podobě Dítěte. V tomto skromném díle, které odhaluje řadu obrazů v Michelangelově díle, poznamenané rysy svébytné lyriky, je přitažlivá především sama Madonna, v níž se snoubí klasická krása a vnitřní síla osobnosti s jemnou poezií a noblesou. Můžete cítit ruku mistra, který vyřezal Římana "Pieta".

Madona s dítětem z Brugg je jednou z Michelangelových nejkrásnějších a duchovních Madon. Smutná žena, vyvolená a odsouzená k záhubě, předvídá utrpení svého syna na kříži. Její pohled směřuje do dálky, na tváři jí zamrzne výraz nevyhnutelného smutku. Miminko, veselé a zvídavé, s velkou kudrnatou hlavou, vzbuzuje úplně jiné pocity. Zdá se, že svou dětskou spontánností a vyrovnaností zdůrazňuje nesmírnost budoucího smutku své matky.

„Proto se bránila, nechtěla pustit toho krásného, ​​silného a mrštného chlapce, který ji svou ručičkou chytil za ochrannou ruku. A proto zakryla svého syna okrajem svého pláště. Chlapec, který vycítil matčinu náladu, měl také v očích skrytý smutek. Byl plný síly a odvahy, brzy seskočil z matčina klína a opustil toto bezpečné útočiště, ale nyní, v tuto chvíli, jednou rukou popadl matčinu ruku a druhou jí přitiskl na stehno. Možná teď myslí na ni, na svou matku, zarmoucený nevyhnutelným odloučením: její syn, který se tak důvěřivě drží na kolenou, bude brzy bloudit světem sám.“ Kámen Irving.

Panna Maria se ukázala jako živá a uvěřitelná, něžná a čistá. Ještě chvilku mačkání a víčka se zachvějí, ruka dítě zvedne, hrudník se nadechne. Je živá, cítí. Mistr si již Mariinu tvář neidealizoval, jako ve svých dřívějších dílech. Po vytvoření římského „Pieta“ a „Davida“ hledá cit, uvěřitelnost: skromné ​​oblečení s vlajícími záhyby obkresluje silné tělo mladé matky, tvář s těžkými víčky od neprolitých slz, dlouhý nos, husté vlasy jednoduchý účes pokrytý těžkou kapucí, jak toto dílo připomíná "Pietu." Tělo miminka, i když dětské, dává pocit skryté síly, ale je dětsky roztomilé - baculaté tváře a brada, kudrnatá hlava. Na kolenou své matky, držíc ji za ruku, se cítí chráněn a připraven prozkoumat svět. Poloha těl sousoší je velmi přirozená – co může být věrohodnějšího než Matka s dítětem z Brugg?

David (1501-1504)

„Někteří jeho přátelé mu napsali z Florencie, aby tam přijel, protože mramor, který ležel zkažený v péči katedrály, by neměl chybět. Tento mramor, Pier Soderini, který byl tehdy jmenován gonfaloniérem pro život města, opakovaně nabízel přepravu Leonarda da Vinciho a nyní se jej chystal předat mistru Andreu Contuccimu z Monte Sansovino, vynikajícímu sochaři, který ho hledal; Michelangelo, který si ji oblíbil již před mnoha lety, se ji pokusil získat po příjezdu do Florencie, i když bylo obtížné z ní vyřezat celou sochu bez přidání kousků a nikdo kromě něj neměl odvahu ji dokončit. bez takových dodatků. Bohužel jistý mistr Simone z Fiesole začal z tohoto mramoru tesat obra o velikosti devíti brakcií a udělal to tak špatně, že si udělal díru mezi nohama a všechno zničil a zmrzačil, takže svěřenci Santa Maria del Fiore kteří měli dílo na starosti, nepřemýšleli o tom, vzdali to, jak to dokončit, a tak to stálo mnoho let a stálo dál. Michelangelo to znovu změřil, přemýšlel o tom, jakou rozumnou sochu by bylo možné z tohoto bloku vytesat, a když se přizpůsobil póze, kterou mu dal mistr Simone, který ho zničil, rozhodl se vyprosit si to od důvěrníků a Soderiniho, kdo mu ji dal jako nepotřebnou věc v domnění, že ať už s ní udělá cokoli, bude lepší, než v jakém byla tehdy, neboť rozbít ji na kusy nebo nechat v poškozeném stavu, stejně by to k ničemu nebylo. pro stavbu. Michelangelo proto vyrobil model z vosku a plánoval v něm zobrazit jako palácový znak mladého Davida s prakem v ruce, aby stejně jako David bránil svůj lid a spravedlivě mu vládl, vládci tohoto města odvážně bránit je a vládnout jim spravedlivě. Začal pracovat v poručenství Santa Maria del Fiore, kde ohradil prostor kolem bloku proti zdi a neustále na něm pracoval, aby ho nikdo neviděl, dovedl mramor do poslední dokonalosti.
Mramor už byl poškozen a zmrzačen mistrem Simonem a na některých místech ho nebylo dost na to, aby Michelangelo mohl udělat to, co zamýšlel; na. na povrchu mramoru musel zanechat první řezy mistra Simone, takže některé z nich jsou vidět i nyní, a samozřejmě Michelangelo provedl skutečný zázrak, oživil to, co bylo mrtvé.
Po dokončení se socha ukázala být tak obrovská, že se začalo diskutovat o tom, jak ji dopravit na náměstí Piazza della Signoria. A pak Giuliano da Sangallo a jeho bratr Antonio postavili velmi pevnou dřevěnou věž, z níž sochu zavěsili na provazy, aby se při tlačení nepoškodila, ale rovnoměrně se houpala; táhli jej na lanech pomocí navijáků po hladkých kmenech a pohybem jej uložili na místo. Lanová smyčka, na které socha visela, velmi snadno klouzala a utahovala se pod tlakem gravitace: byla vynalezena tak krásně a důmyslně, že vlastní kresbu uchovávám v naší Knize jako něco úžasného, ​​spolehlivého a trvanlivého na svazování závaží.
Mezitím se stalo, že Pier Soderini vzhlédl k soše, která se mu velmi líbila, a řekl Michelangelovi, který ji v té době tu a tam dokončoval, že podle jeho názoru má nos velký:
Michelangelo si všiml, že Gonfaloniere stojí přímo pod obrem a jeho pohled ho klame, vylezl na lešení u ramen sochy, aby ho potěšil, a dlátem vypáčil trochu mramorového prachu z plošiny lešení. držel v levé ruce, začal postupně sypat prach dolů, pracoval jakoby s jinými řezáky, ale nedotkl se nosu. Pak se sklonil ke gonfaloniérovi, který ho sledoval, a řekl: „Pojď, podívej se na něj teď. "Teď se mi to líbí víc," řekl Gonfalonier, "oživil jsi ho." Michelangelo pak sestoupil z mostu, tiše se mu smál a litoval lidí, kteří se chtějí ukázat jako odborníci a říkají věci, kterým sami nerozumí. Když byla socha konečně instalována, otevřel ji a skutečně tento výtvor zastínil všechny známé sochy, nové i starověké, ať řecké nebo římské; a dá se říci, že ani římský Marforius, ani Tiberský nebo Nilský Belvedere, ani obři z Montecavalla se s tím nemohou nijak srovnávat: Michelangelo to dokončil s takovou proporcí a krásou, s tak dobrou kvalitou. Neboť obrysy jejích nohou jsou nesmírně krásné a spojení a štíhlost jejích boků jsou božské a póza tak půvabná nebyla nikdy viděna, žádná půvab nesrovnatelná s ničím, žádné ruce, žádné nohy, žádná hlava, která by tak vyhovovala všem. členem tohoto orgánu svou dobrou kvalitou, svou dovedností a důsledností, nemluvě o jejich provedení. A skutečně, každý, kdo to viděl, by se neměl dívat na žádnou sochu od žádného našeho mistra ani jindy." Vasari.

Kolosální socha Davida (1501-1504, Florencie, Art Academy) výška cca. 5 m spolu se základnou dává vzniknout myšlence impozantní síly (současníci tuto vlastnost Michelangelových děl nazývali terribilita), hrdinského pudu zadržovaného mocným napětím vůle. Kolosální postava měla stát u katedrály.

„David“ se stal jedním z nejslavnějších děl italské renesance. Tato socha byla již současníky vnímána jako symbol Florentské republiky. Vasari napsal, že Michelangelo „stvořil Davida jako znamení, že chrání svůj lid a vládne mu spravedlivě – takže vládci města by je měli odvážně chránit a spravedlivě jim vládnout“. Není náhodou, že otevření sochy v roce 1504 se stalo slavnostní událostí pro celé město.

Michelangelo se v Davidovi vypořádal s velmi obtížným úkolem - vytvořit sochu z mramorového kvádru, který byl poškozen již v 15. století, a složitého tvaru. A zvládl to bravurně. Zde se projevila jeho vynikající schopnost vydolovat z kamene maximální expresivitu. Později to formuloval v jednom ze svých sonetů: dílo je již zasazeno do kamene samotného, ​​jen je potřeba ho odtud umět vydolovat.

Před několika desetiletími byl v Carraře vytěžen obrovský blok mramoru, který ležel na nádvoří kostela Santa Maria del Fiore, určený pro kolosální sochu biblického hrdiny Davida. Blok byl devět stop vysoký. 16. srpna 1501 byla uzavřena smlouva. Sochař mluvil dva roky, počítaje od 1. září. V pondělí 13. září brzy ráno začal Michelangelo pracovat. Michelangelo připravil více než sto skic budoucí sochy, zhotovil malý hliněný model, který nasypal do nádob s mlékem, s jehož pomocí určil sled prací na mramorovém bloku.

Kvůli těžkému poškození mramoru bylo nutné budoucí sochu označit extrémně přesně, až na centimetr. Nejprve řemeslník vyřezal Davidovu levou ruku. Jedna paže obří postavy musela být zobrazena ohnutá v lokti - kvůli výmolům v mramorovém bloku.

4 měsíce po zahájení intenzivní práce na „Davidovi“ přišla toskánská zima; vítr, sníh a déšť znesnadňovaly Michelangelovu práci; musel kovat nástroje, které z intenzivní práce rychle otupěly. Ale Michelangelo si nemohl dovolit odpočívat, často dokonce spal v noci na svém pracovišti. Podle Vasariho je každý, kdo si ve Florencii dovolí odpočinout od práce, odsouzen k zapomnění, vzduch byl tak naplněn touhou po slávě a žízní po uznání, konkurence mezi mistry byla velmi vysoká. Potíže a nepokoje ve Florencii čas od času zabránily správné práci a socha byla dokončena až v roce 1504.

Říká se, že po dokončení sochy ji Michelangelo ozdobil korunou z měděného plechu. V té době to nebylo nic neobvyklého, mnoho antických soch, které sloužily jako zdroj inspirace pro renesanční mistry, bylo pokryto zlatem nebo pestře zdobené.

Obraz Davida byl ve Florencii tradiční. Donatello a Verrocchio vytvořili bronzové sochy mladého muže, který zázračně zabil obra, jehož hlava leží u jeho nohou. Michelangelo nezobrazil Davida jako křehkého teenagera, který šlape po useknuté hlavě Goliáše, jak to dělali mistři 15. století, ale jako krásného, ​​atletického obra v okamžiku před bitvou, plného sebevědomí a impozantní síly (současníci tomu říkali terribilita – děsivé). Naproti tomu Michelangelo zobrazil okamžik předcházející boji. David stojí s prakem přehozeným přes rameno a v levé ruce svírá kámen. Pravá strana postavy je napjatá, zatímco levá je mírně uvolněná, jako atlet připravený k akci. Hrdinu Starého zákona Michelangelo zobrazuje jako pohledného, ​​svalnatého, nahého mladíka, který se úzkostlivě dívá do dálky, jako by hodnotil svého nepřítele – Goliáše, se kterým musí bojovat. Živý, intenzivní výraz Davidovy tváře je charakteristický pro mnoho Michelangelových děl – to je známka jeho individuálního sochařského stylu.

V „Davidovi“ byl odhalen titánismus, který zbohatl Michelangelo. V krásné tváři mladého hrdiny, v jeho pohledu, kterým se setkává s nepřítelem, zachytíme onu impozantní expresivitu, kterou současníci považovali za nedílnou vlastnost Michelangelových výtvorů. Aniž by se uchýlil k silné kompoziční dynamice nebo složitému pohybu, vytvořil mistr typ hrdiny plného odvahy, síly a připravenosti k akci.

Michelangelo zobrazuje Davida nahého, na základě starověkých ideálů lidské krásy, překládá do mramoru starověké představy o souvztažnosti fyzické krásy, síly a odvahy.

Stojí klidně, je si jistý svou správností a blížícím se vítězstvím. Má neúměrně velké končetiny a těžkou hlavu, což podtrhuje mladistvý charakter jeho tělesné stavby. Krásná, odvážná tvář se vyznačuje puncem mimořádné ušlechtilosti, mohutný trup a skvěle modelované paže a nohy vyjadřují nejen fyzickou sílu, ale zdůrazňují i ​​sílu ducha. David je zobrazen před bitvou s Goliášem. Je celý soustředěný a očekávání. Vždyť se zatím nic nestalo. Tak, Davide, Michelangelovo dílo není konečným řešením problému člověka, ale pouze formulací otázky – odpověď na tuto otázku najdeme v Michelangelově dalším díle.

V roce 1504 byly práce dokončeny, 25. ledna byla svolána komise odborníků, na které se řešila otázka, kam sochu umístit. Při jednání komise o otázce sochy se Michelangelo a Leonardo da Vinci poprvé setkali. Nebyl to vhodný okamžik pro přátelské setkání. Leonardovi bylo v té době přes 50 let, již vytvořil „Poslední večeři“ a „Monu Lisu“ a v sochařství byl pod Michelangelem. Jedinému Da Vinciho rivalovi, Michelangelovi, v té době nebylo ani 26 let. Jeho „David“, jak řekli jeho současníci, „byli ohromeni i nevědomí“. Na žádost Michelangela se jej rozhodli umístit u vchodu do Palazzo Signoria, kde stál tři století.

Instalace této sochy měla zvláštní politický význam: v této době, na samém počátku 16. století, byla Florentská republika poté, co vyhnala své vnitřní tyrany, rodinu Medici, odhodlána vzdorovat nepřátelům, kteří ji ohrožovali zevnitř a bez. Chtěli věřit, že malá Florence může vyhrát, stejně jako kdysi mladý, mírumilovný pastýř David porazil obra Goliáše.

Přesun kolosální sochy z dílny a její instalace před Palazzo Vecchio, sídlo úřadů Florentské republiky, se mění ve slavnostní událost. Dopravit mramorového obra na místo určení trvalo tři dny. Není známo, proč byly na mramorového obra házeny kameny. Snad to byla práce jednotlivých vandalů. Podle jiné verze útok zorganizovali příznivci rodiny Medici na protest proti symbolu moci nové republikánské vlády.

Poté, co byla socha instalována na své trvalé místo, Michelangelo pravděpodobně provedl závěrečné práce, provedl konečné úpravy a vyleštil povrch „kůže“ do zrcadlového lesku. Konečně byly všechny práce dokončeny.Začátkem září nastal čas na odhalení sochy, na které Michelangelo strávil tři roky neúnavné práce.

Otevření Davida proběhlo 8. září a Florenťané byli z dokončeného pohledu šokováni. Socha Davida přinesla Michelangelovi slávu a vytvořila jeho pověst prvního italského sochaře. Michelangelo touto sochou dokázal svým spoluobčanům, že předčil nejen všechny současné umělce, ale i mistry starověku. Jestliže dosud bylo jméno Michelangelo známé po celé Itálii, po dokončení Davida byl prohlášen za největšího z italských sochařů a Michelangelo si právem tento titul udržel až do konce svého života.

V roce 1873 musela být socha Davida přemístěna na florentskou akademii výtvarných umění, aby byla chráněna před ničivými účinky větru, deště a slunce. Od té doby stála na původním místě přesná kopie mistrovského díla.

"Nářek Krista" nebo "Pieta" (asi 1498-1500)

Po příjezdu do Říma v roce 1496 dostal Michelangelo o dva roky později objednávku na sochu Panny Marie a Krista. Vytesal nesrovnatelné sousoší, včetně postavy Matky Boží truchlící nad tělem Spasitele sňatým z kříže. Tato práce nepochybně naznačuje začátek mistrovy tvůrčí zralosti. Skupina Oplakávání Krista byla původně určena pro kapli Panny Marie v bazilice svatého Petra v Římě a dodnes je umístěna v bazilice svatého Petra, v první kapli vpravo.

Zakázka na sousoší byla přijata díky záruce bankéře Jacopa Galliho, který získal sochu „Baccha“ a některá další Michelangelova díla do své sbírky. Smlouva byla uzavřena 26. srpna 1498, objednatelem byl francouzský kardinál Jean de Villiers Fesanzac. Podle smlouvy byl mistr povinen dokončit dílo za rok a dostal za to 450 dukátů. Dílo bylo dokončeno kolem roku 1500, po smrti kardinála, který zemřel roku 1498. Možná byla tato mramorová skupina původně určena pro budoucí hrobku zákazníka. V době, kdy Oplakávání Krista skončilo, bylo Michelangelovi pouhých 25 let.

Smlouva obsahuje slova ručitele, „Já, Jacopo Galli, slibuji Vaší Eminenci, že výše zmíněný Michelangelo dokončí práci, kterou potřebujete, do roka a že to bude nejlepší mramorové dílo, jaké v naší době existuje, a že to žádný mistr v naší době nevyrobí. lepší.". Čas potvrdil slova Galliho, který se ukázal jako prozíravý a subtilní znalec umění. „Plačení Krista“ stále působí neodolatelně svou dokonalostí a hloubkou výtvarného řešení.

Tento grandiózní řád otevírá novou etapu v životě mladého sochaře. Otevřel si vlastní dílnu a najal tým asistentů. V tomto období opakovaně navštěvoval lomy Carr, kde si sám vybíral mramorové bloky pro své budoucí sochy. Pro „Pietu“ byl vyžadován krátký, ale poměrně široký blok mramoru, protože podle jeho plánu bylo tělo jejího dospělého Syna uloženo na klín Panny Marie.

Tato kompozice se stala klíčovým dílem Michelangelova raného římského období a znamenala začátek vrcholné renesance v italském sochařství. Někteří badatelé srovnávají význam mramorové skupiny „Nářek Krista“ s významem slavné „Madony v jeskyni“ od Leonarda da Vinciho, která otevírá stejnou etapu malby.

„... Tyto věci probudily touhu kardinála sv. Dionýsia, zvaného francouzský kardinál z Rouenu, zanechat prostřednictvím umělce tak vzácného na sebe důstojnou vzpomínku v tak slavném městě, a nařídil mu mramorová, zcela kulatá plastika s nářkem Krista, která byla po dokončení umístěna v katedrále sv. Petra v kapli Panny Marie, léčitelky horečky, kde býval Martův chrám. Ať žádného sochaře, i kdyby byl vzácným umělcem, nikdy nenapadlo, že by mohl k takovému návrhu a k takové milosti přidat něco a díky své práci by jednou mohl dosáhnout takové jemnosti a čistoty a řezat mramor s takovou dovedností jako Michelangelo ukázala se v této věci, neboť se v ní odhaluje veškerá síla a všechny možnosti umění vlastní. Mezi krásami zde kromě božsky vyrobených rouch poutá pozornost zesnulý Kristus; a ať nikoho ani nenapadne vidět nahé tělo vyrobené tak dovedně, s tak krásnými údy, se svaly, cévami a žilami, které jeho kostru tak jemně ořezávají, nebo vidět mrtvého muže podobného mrtvému ​​muži než tento mrtvý muž. Zde je nejněžnější výraz obličeje a jistá důslednost ve svazování a spárování paží a ve spojení trupu a nohou a takové ošetření cév, že jste skutečně uvrženi do úžasu, jak umělcova ruka mohla v nejkratším možném čase tak božsky a bezvadně vytvořit tak úžasnou věc; a samozřejmě je zázrak, že kámen, zpočátku postrádající jakoukoli formu, mohl být kdy doveden k dokonalosti, kterou příroda jen s obtížemi uděluje tělu.

Michelangelo vložil do tohoto stvoření tolik lásky a práce, že pouze na něj (což ve svých jiných dílech nedělal) napsal své jméno podél opasku stahujícího hruď Matky Boží; Ukázalo se, že jednoho dne se Michelangelo přiblížil k místu, kde bylo dílo umístěno, uviděl tam velké množství návštěvníků z Lombardie, kteří si ho velmi pochvalovali, a když se jeden z nich obrátil na druhého s otázkou, kdo to udělal, odpověděl : "Náš milánský Gobbo." Michelangelo mlčel a zdálo se mu přinejmenším zvláštní, že jeho díla jsou připisována jinému. Jednou v noci se tam zamkl s lampou, vzal s sebou dláta a na sochu vyryl své jméno. A skutečně je, jak o ní řekl jeden nejkrásnější básník, jako by oslovovala skutečnou a žijící postavu:

Důstojnost a krása
A smutek: nad tím mramorem budeš sténat!
Je mrtvý, žije a je sňat z kříže
Dejte si pozor na zvyšování svých písní,
Aby nevolali z mrtvých, dokud nepřijde čas
Ten, kdo přijal smutek sám
Pro každého, kdo je naším pánem,
Nyní jste otec, manžel a syn,
Ó ty, jeho žena, matka a dcera." Vasari.

Tato krásná mramorová socha zůstává dodnes památníkem plné zralosti umělcova talentu. Toto sousoší vytesané do mramoru ohromuje odvážným zpracováním tradiční ikonografie, lidskostí vytvořených obrazů a vysokou řemeslnou zručností. Jedná se o jedno z nejslavnějších děl v dějinách světového umění.

„A ne nadarmo získal pro sebe největší slávu, a přestože někteří, ale stále neznalí lidé říkají, že jeho Matka Boží je příliš mladá, nevšimli si nebo nevědí, že panny, které nebyli nijak zdiskreditováni dlouho se držet zpátky a zachovat si nezkreslený výraz obličeje, ale u těch zatížených žalem, jako byl Kristus, je pozorován opak? Proč takové dílo přineslo jeho talentu více cti a slávy než všechna předchozí dohromady.“ Vasari.

Mladá Marie je zobrazena s mrtvým Kristem na klíně, obraz vypůjčený ze severoevropského umění. Nejstarší verze Piety obsahovaly také postavy sv. Jana Křtitele a Máří Magdalény. Michelangelo se však omezil na dvě klíčové postavy – Pannu a Krista. Někteří badatelé naznačují, že Michelangelo v sousoší zobrazil sebe a svou matku, která zemřela, když mu bylo pouhých šest let. Historici umění poznamenávají, že jeho Panna Maria je v době své smrti stejně mladá jako sochařova matka.

Téma truchlícího Krista bylo oblíbené jak v gotickém umění, tak v renesanci, zde je však pojednáno spíše zdrženlivě. Gothic znal dva druhy takového truchlení: buď za účasti mladé Marie, jejíž ideálně krásná tvář není schopna zatemnit zármutek, který na ni dolehl, nebo se zestárlou Matkou Boží, sevřenou strašlivým, srdceryvným zoufalstvím. Michelangelo ve své skupině rozhodně vybočuje z obvyklých postojů. Marii zobrazil jako mladou, ale zároveň je nekonečně vzdálena konvenční kráse a citové nehybnosti gotických madon tohoto typu. Její pocit je živou lidskou zkušeností, ztělesněnou s takovou hloubkou a bohatostí odstínů, že zde poprvé můžeme hovořit o vnesení psychologického prvku do obrazu. 3 a vnější zdrženlivost mladé matky odhaluje plnou hloubku jejího zármutku; truchlivá silueta skloněné hlavy, gesto rukou, které vyznívá jako tragické tázání, vše doplňuje obraz osvíceného smutku.

Maryin pohled není tak smutný, jako vážný. To je nejvyšší bod díla mladého Michelangela. V obrazu Madony, mladé a krásné, je s úžasnou silou zprostředkován obrovský lidský cit - smutek matky za ztraceného syna. Podle subtilního pozorování V. Lazareva „Z její krásné tváře dýchá smutek, ale není v ní ani stín zoufalství. Smrt svého syna vnímá jako naplnění toho, co jí osud určil. A její zármutek je tak nezměrný a velký, že přerůstá z osobního zármutku do zármutku celého lidstva.“.

Smrt a smutek, který ji doprovází, jako by byly obsaženy v mramoru, ze kterého je socha vyrobena. Vztah obrazců je takový, že tvoří nízký trojúhelník, přesněji řečeno, kuželovitou strukturu. Nahé tělo Kristovo kontrastuje s bujným, šerosvitným rouchem Matky Boží. Michelangelo zobrazoval Pannu Marii jako mladou, jako by nebyla Matkou a Synem, ale sestrou truchlící nad předčasnou smrtí svého bratra. Idealizaci tohoto druhu využíval Leonardo da Vinci a další umělci. Michelangelo byl navíc Danteho horlivým obdivovatelem. Na začátku modlitby svatého Bernarda v posledním canzone Božské komedie se říká: "Vergine Madre, figlia del tuo figlio" - "Naše Paní, dcera jejího Syna". Sochař našel ideální způsob, jak vyjádřit tuto hlubokou teologickou myšlenku v kameni.

Tíha kápě Panny Marie, která ji donutila sklonit hlavu ke Kristově ruce ležící blízko jejího srdce, zaměřila pozornost publika na mrtvé tělo natažené na matčině klíně. Držela svého syna a bezpečně ho chytla za ramena, pak vede její pohled ke Kristovu tělu, k jeho tváři, k jeho očím, pokojně zavřeným v hlubokém spánku, k jeho rovnému, ne tak tenkému nosu, k čisté a hladké pokožce na jeho tvářích, k jeho kudrnatým vousům , k ústům zkresleným agónií. Se skloněnou hlavou se Matka Boží podívala na svého syna. Všichni, kdo sochy uvidí, pocítí, že mrtvé tělo jejího syna leží na jejím klíně s nesnesitelnou vahou a že mnohem větší váha spočívá na jejím srdci. Postavy sedící Madony a mrtvého Krista nataženého na kolenou jsou spojeny v nerozlučitelný celek. Pohyb Madony je plný přirozenosti a přísnosti, její skloněná hlava, krásné rysy truchlivého obličeje jsou orámovány měkkými záhyby přehozu. Tázavé gesto její levé ruky je výrazné. Obsahuje jak zoufalství, tak otázku. Zdá se, že odmítá věřit v nenapravitelnou ztrátu. Záhyby jejího dlouhého hábitu spadají dolů. A rytmus těchto záhybů zdůrazňuje ohyb Kristova nehybného těla. Kontrast mezi neživým Kristovým tělem a plným životem Madony je přesně vyjádřen.

Tato sochařská kompozice ještě nemá výraz charakteristický pro pozdější Michelangelova díla, ale působí na diváka silným dojmem, umocněným kontrastem truchlící živé postavy a mrtvého těla Krista. Sloučit dvě postavy v životní velikosti do jedné sochy, položit zcela dospělého muže na ženský klín - to byl odvážně nový, neobvyklý krok v sochařství, který odmítl všechny předchozí představy o „Nářku“.

Michelangelo poprvé a naposled vyřezal na popruh přes levé rameno Madony podpis: „Vystoupil Michelangelo Buonarroti Florenťan“ .

Ve svých ubývajících letech se mistr znovu obrátil k této zápletce a vytvořil kompozici „Sestup z kříže“ nebo „Pieta s Nikodémem“, A "Pieta Rondanini".

Razítko hlubokého vnitřního prožitku, kterým se vyznačuje Michelangelovo „Plakání Krista“, je zřejmě spojeno s pocity, které v sochaři vyvolala poprava Savonaroly (23. května 1498). Mnich byl upálen na hranici právě ve Florencii, která ho zbožňovala, na náměstí, kde hřměly jeho vášnivé projevy a kde lidé, pro které žil a zemřel, nyní strkali hřebíky mezi prkna do cesty mučedníka, který chodil bos. k ohni.

Již po instalaci sousoší Pietà v katedrále sv. Petra se ukázala Michelangelova převaha nad ostatními současnými sochaři. Jméno dosud neznámého mladého sochaře hřmělo po celé Itálii a většině Evropy. Sádrové odlitky Ježíšova těla se posílaly do různých škol a akademií, tak velká byla dokonalost v dodělávání těch nejmenších detailů.

Po dokončení práce na Oplakávání Krista obdržel Michelangelo několik zakázek, ne tak grandiózních. Bankéř Galli uzavřel s Michelangelem smlouvu na vytvoření oltářního obrazu pro kardinálovu hrobku ve Svatém Agostinu, ale dílo nebylo nikdy dokončeno.

Ve věku 25 let skončilo období formování jeho osobnosti a on se vrátil do Florencie v rozkvětu všech možností, které sochař může mít.

Matka a novorozeně je jedním z nejoblíbenějších uměleckých předmětů.

Mimořádné pozornosti se mu dostalo jak ze strany populárních a známých umělců (Leonardo da Vinci a Rafael Santi), tak i těch málo známých široké veřejnosti (Bartolomeo Murillo, di Marcovaldo a další).

Panna Maria di Marcovaldo

Coppo di Marcovaldo je považován za zakladatele sienské školy výtvarného umění. Jeho osud je poměrně zajímavý, neboť v polovině 13. stol. zúčastnil se jedné z bitev na straně florentských přívrženců papeže, v důsledku čehož byl umělec zajat. Ale protože byl velmi talentovaný, dokázal si „vykoupit“ svou svobodu namalováním velmi krásného a docela realistického obrazu Madony s dítětem, který byl poté přenesen do kostela Siena. Tato Madonna byla nazývána "Madonna del Bordone".

Tento obraz divákovi představuje Pannu Marii sedící na trůnu, mírně zvedající jednu nohu, aby bylo pro miminko pohodlnější sedět v jejím náručí. Dojemně ho drží za nohu a on k ní natahuje ruku. Už mají nějakou znatelnou interakci, která nebyla vidět na dřívějších obrazech.

Hlavu Panny obklopuje sotva viditelná svatozář. Za zmínku stojí neuvěřitelně výrazné oči této Madonny. Dívá se na diváka, jako by se dívala do jeho duše. Její oblečení je jednoduchý černý plášť, ale aby to bylo více šik, umělkyně natřela závěsy zlatou barvou. Po stranách, vlevo a vpravo, jsou andělé vyobrazení v plné výšce (to je florentská tradice). Obvykle byly nakresleny stejně, ale když se podíváte pozorně, nejsou úplně totožné: rozdíly jsou v jejich tvářích.

Přejděme od méně známých k populárnějším a pojďme se blíže podívat na nejvýraznější obrazy na toto téma.

"Madonna Litta" od Leonarda da Vinciho

Jednou z nejvíce zobrazovaných Madon s dítětem je obraz „Madonna Litta“ od geniálního Leonarda da Vinciho. Nyní je k vidění mezi mistrovskými díly uloženými v Ermitáži.

Hlavní postavou tohoto obrazu je mladá žena, která drží v náručí dítě a kojí ho. Jako ve všech více vyniká oproti pozadí, kde může divák pozorovat klenutá okna, kterými je vidět jasně modrá obloha s nadýchanými bílými mraky. Stojí za zmínku, že Madona s dítětem jsou vykresleny velmi zřetelně, její rysy se zdají být zvýrazněny, jako by byly nakresleny pod bleskem fotoaparátu, ve srovnání s poněkud rozostřeným pozadím - to jsou také výrazné rysy portrétů té doby.

Matka se na dítě dívá s něhou. Někteří lidé si myslí, že se lehce usmívá („Leonardův úsměv“, oblíbený pro umělcovy obrazy), ale ve skutečnosti je Madonna zamyšlená. Dítě se dívá na diváka a v jedné ruce drží ptáka - malého stehlíka.

Stehlík na obraze "Madonna Litta"

Existují různé verze toho, proč je na tomto obrázku zobrazeno kuřátko.

Pták jako symbol budoucího utrpení Krista, kde červená hlava stehlíka symbolizuje krev prolitou Božím Synem. Podle legendy, když Krista vedli na Golgotu, sletěl na něj stehlík, vytrhl Ježíšovi trn z obočí a kapala na něj krev.

Stehlík symbolizuje duši, která po smrti odlétá: toto označení pochází ze starověkého pohanství, ale dochovalo se i v křesťanské sémiotice.

Apokryfní Tomášovo evangelium vypráví trochu jiný příběh: Ježíš oživil mrtvého stehlíka tak, že ho jednoduše držel v rukou, a proto je na mnoha malbách toto kuřátko vyobrazeno spolu s mládětem.

Madony od Raphaela Santiho

Je tu ale ještě jedna, neméně slavná Madonna s dítětem. Napsal ji Rafael Santi. Nebo spíše má na svém kontě poměrně hodně obrazů s takovým dějem: je to známá „Madona z Conestabile“, která je uložena v Ermitáži, a mimořádná „Madona se závojem“, která zobrazuje nejen matku. a dítě, ale celá Svatá rodina.

Raphael namaloval samotný obraz s názvem „Madona a dítě“ v roce 1503. Žena na něm je sofistikovanější a nepochybně mladší než da Vinciho. Je zřejmé, že pouto mezi matkou a dítětem je výraznější. Dívají se na sebe s dojemnou láskou a mírnou zamyšleností, matka podepírá miminko rukou za záda. Už to není úzkostná Panna, kterou lze vidět na umělcových raných obrazech.

Společně si přečetli knihu „Kniha hodin“ - symbol autority církve - ve které jsou zapsány texty modliteb, žalmů a bohoslužeb (mimochodem z této knihy se dříve naučili číst). Podle některých zdrojů je Kniha hodin otevřena na stránce, která odpovídá deváté hodině, což je čas, kdy byl Ježíš ukřižován na kříži.

V pozadí je zakouřená krajina s kostelem a stromy. Mimochodem, tuto krajinu lze také nazvat výraznou charakteristikou Santiho prací na téma matka a dítě. Téměř každý obraz od Raphaela má poměrně detailní krajinné pozadí.

Nemá smysl určovat, čí obraz je lepší: Da Vinci nebo Raphael. Madonna s dítětem vypadá v každém z nich originálně a jedinečně.

Nejen výtvarné umění se zajímalo o téma matky a dítěte, a tak stojí za úvahu, jak se promítlo do jiných forem.

Socha Madony s dítětem

Pozornost každého znalce umění přitahuje socha „Madona s dítětem“, jejímž autorem je slavný mistr Michelangelo.

Toto mistrovské dílo mělo být podle zákazníků ve výšce asi devíti metrů, aby na něj diváci vzhlíželi jako na božstvo. Mimochodem, právě z tohoto důvodu směřuje pohled matky a dítěte dolů.

Existují důkazy, že kardinál Piccolomini (první zákazník) byl s nákresy nespokojený, především proto, že Ježíš byl nahý, takže jejich smlouva s Michelangelem byla porušena. A plastika samozřejmě našla svého majitele. Stal se jím de Mouscron, obchodník z města Bruggy. Poté jej daroval kostelu Panny Marie, kde byl umístěn v tmavém výklenku, který krásně kontrastoval s mramorově bílou barvou samotné sochy.

V tuto chvíli ji kvůli ochraně vedení města umístili za neprůstřelné sklo.

"Madonna Doni" od Michelangela

Kromě toho, že byl Michelangelo vynikajícím sochařem, byl také úžasným umělcem. Ačkoli to nepovažoval za nějaký úspěch a nebyl vůbec hrdý na svůj talent.

Jím nakreslené obrazy udivují diváka svou neuvěřitelnou plasticitou, zdá se, že i při kreslení „tvaruje“ postavy a dodává jim objem. Obraz navíc zobrazuje celou Svatou rodinu, což bylo u obrazů tohoto druhu vzácné. Samozřejmě, v plném slova smyslu je Michelangelo sochař, nikoli umělec. Madonna a dítě je však prostě mistrovské dílo.

Takže si to shrňme. Pokud mluvíme o nejslavnějším obrazu zobrazujícím Pannu Marii, pak je to mistrovské dílo Leonarda da Vinciho „Madonna a dítě“. Pokud se člověk zajímá o jiné druhy umění, pak nejvýraznější a nejpamátnější je bezpochyby dílo Michelangelo.

Jehož díla nepochybně zanechala stopu v historii a ovlivnila vývoj a formování západního umění. Na Západě je považován za největšího sochaře, a přestože se o malbě vyjadřoval nelichotivě, jeho fresky v Sixtinské kapli, Poslední soud a další díla mu pomohly dostat se mezi největší umělce. Michelangelo byl navíc jedním z nejlepších architektů své doby. Tento seznam prací zahrnuje jak sochy a architektonické projekty, tak i obrazy.

10 ikonických děl od Michelangela

10. Madonna Doni.

Typ: Tondo.
Rok sepsání: 1507.

Madonna Doni

Angelo Doni na počátku 16. století pověřil mistra, aby zobrazil „Rodinu svatých“, aby ji později dal své ženě. Na obraz použil mistr kulatý rám (tondo).

Doni Madona zahrnuje Pannu Marii, svatého Josefa, Ježíška a Jana Křtitele. Za nimi je pět nahých mužských postav.

9. Bakchus.

Typ: Mramorová socha.
Rok vytvoření: 1497.

Tuto sochu dokončil sochař ve svých 22 letech. Slavné dílo zobrazuje římského boha vína Bakcha, jak v pravé ruce drží sklenku vína a v levé tygří kůži. Za ním sedí faun, který jí hrozen. Bakchus je jednou ze dvou dochovaných soch z raného období Michelangela v Římě.

8. Madona z Brugg.

Typ: Mramorová socha.
Rok vytvoření: 1504.

Madona z Brugg

„Madona z Brugg“ zobrazuje Marii s dítětem Ježíšem. V této soše se Michelangelo nedrží tradic zobrazování této kompozice. Tvář panny je vzdálená, nehledí na Krista, jako by znala jeho budoucnost. V této době jde miminko do světa bez mateřské podpory.

7. Laurentiánská knihovna.

Typ: Architektura.
Rok vytvoření: 1559.

Laurentiánská knihovna

Laurentiánskou knihovnu navrhl Michelangelo v roce 1524 pro kostel San Lorenzo ve Florencii (Itálie). Celá stavba včetně interiéru areálu byla vyvinuta mistrem v inovativním, na tehdejší dobu, manýrismu.

Toto dílo je jedním z Michelangelových nejvýznamnějších architektonických počinů. Vyznačuje se inovacemi a revolučními způsoby využití prostoru.

6. Mojžíš.

Typ: Mramorová socha.
Rok vytvoření: 1515.

V roce 1505 papež Julius II pověřuje Michelangela, aby pracoval na jeho hrobce. Socha se nachází v Římě (kostel San Pietro in Vincoli). Existuje legenda, že když bylo dílo dokončeno, Michelangelo udeřil kladivem do pravého kolena sochy, když začala mluvit, byl tak realistický.

Typ: Mramorová socha.
Rok vytvoření: 1499.

Pieta zobrazuje Pannu Marii truchlící nad Ježíšovým tělem po ukřižování, která leží na jejím klíně. Socha není založena na skutečném biblickém příběhu, ale stále si získala popularitu v severní Evropě během středověku.

Buonarrotimu bylo v době dokončení díla, které je nyní považováno za jedno z největších světových mistrovských děl sochařství, pouhých 24 let.

4. Poslední soud.

Typ: fresková malba.
Rok vytvoření: 1541.

Poslední soud

V západním umění je „Poslední soud“ jedním z nejvýznamnějších děl. Namalován na oltářní stěně kaple ukazuje druhý příchod Krista na zem. Ježíš je zobrazen uprostřed a obklopen významnými světci, kteří vstali z mrtvých.

Typ: Architektura.
Rok výroby: 1626.

Bazilika svatého Petra se nachází ve Vatikánu a je nejznámějším dílem renesanční architektury. Na jeho vzniku pracovalo mnoho slavných mistrů (včetně Antonia da Sangalla). Přestože ji Michelangelo nevytvořil od nuly, katedrála se dochovala dodnes v podobě, v jaké ji pojal právě Buonarroti.

2. Stvoření Adama.

Typ: fresková malba.
Rok vytvoření: 1512.

Základní kámen renesančního malířství, Stvoření Adama, se nachází na stropě Sixtinské kaple, dal vzniknout řadě následovníků a velkému množství parodií.

1. David.

Typ: Mramorová socha.
Rok vytvoření: 1504.

Asi nejznámějším Michelangelovým dílem je jeho mistrovská socha biblické postavy Davida, který je připraven bojovat s Goliášem. Téma Davida a Goliáše bylo v tehdejším umění docela populární. Caravaggio má například tři díla věnovaná tomuto tématu.

Kolosální socha vysoká 5,17 metru demonstruje Michelangelovy výjimečné technické dovednosti i sílu symbolické představivosti.

10 ikonických děl od Michelangela aktualizováno: 2. října 2017 uživatelem: Gleb

Ve městech tak starobylých a nedotčených časem, jako jsou Bruggy, je život jako sen. Být v Bruggách a snít o tom je tedy téměř totéž. Až po osobním seznámení s tímto úžasným městem však začnete chápat, proč velcí estéti počátku dvacátého století dokázali snést život výhradně v Bruggách. Jednou z hlavních atrakcí města, která je sama o sobě jednou velkou atrakcí, je katedrální kostel Panny Marie. Mohutná stavba, prorážející svou dlouhou věží do pohlednicového vlámského nebe, ohromuje rozmanitostí architektonických stylů, které vstřebala během své 200leté stavební historie.

Historie kostela Panny Marie začíná neméně v 9. století, kdy byla mimo městské hradby postavena malá kaple. Poté byl nahrazen románskou bazilikou a roku 1220 byla zahájena stavba moderního gotického kostela Panny Marie. Jeho 122metrová věž však dodnes zůstává nejvyšší cihlovou budovou v Belgii. Eklektická směs stylů je charakteristická pro všechny vlámské kostely, které byly postaveny před druhou polovinou 16. století. Vzpínající se gotický exteriér katedrály harmonicky splývá s interiérem, navrženým v barokním stylu proloženém rokokem nebo románským stylem. Důvody je třeba hledat v dějinách obrazoborectví, v jehož důsledku byla zničena vnitřní výzdoba téměř všech kostelů v těchto místech. Obnoveny byly mnohem později, když svět ovládlo baroko.

Za mohutnými zdmi kostela Panny Marie se nachází jedna z nejkrásnějších soch na zemi – slavná „Madona s dítětem“, kterou vytvořil velký Michelangelo v roce 1505 a stala se jediným dílem autora, které opustilo Itálii během r. život tvůrce.

1501-1503. Galerie Vrouwekerk, Bruggy. Michelangelo Buonarroti

Výška sochy je 128 cm, mramor. Michelangelo Buonarroti zobrazil klasickou verzi Panny a Dítěte Krista. Tento typ idealizace byl použit mnoha dalšími umělci. Michelangelo byl navíc Danteho horlivým obdivovatelem. Na začátku modlitby svatého Bernarda v posledním kanzonu Božské komedie se říká: „Vergine Madre, figlia del tuo figlio“ - „Naše Paní, dcera jejího Syna“. Sochař našel ideální způsob, jak vyjádřit tuto středověkou teologickou myšlenku v kameni.

Neobyčejně krásná žena, na jejíž tváři lze vyčíst bolest její matky. Matka, která ví, že za pár let bude muset její milovaný syn odčinit hříchy lidstva v hrozné agónii. Opravdu, jen génius dokáže vytvořit tolik emocí na bloku ledového mramoru. Samotná Michelangelova socha si zaslouží nazvat kostel Panny Marie v Bruggách hlavní belgickou atrakcí. Bohatství vlámských obchodníků ale neznalo mezí, a tak si zde můžete prohlédnout i nádherné malby Petera Paula Rubense zdobící kůr. Kromě toho se v kostele Panny Marie nacházejí dva z nejluxusnějších sarkofágů v Evropě ve stylu planoucí gotiky, které patří posledním burgundským panovníkům z rodu Valois – Karlu Smělému a jeho dceři Marii, za jejichž vlády Bruggy dosáhly vrchol své velikosti.