Estrada: co je to v obecném chápání termínu? Historie jeviště. Historie masových svátků Čím je scéna podobná dramatickému umění divadla

Ze souboru specifických rysů pop-artu jsou pro diváka nejvýznamnější jednoduchost a dostupnost a umělecká jasnost. Častý návštěvník varietních programů se vždy přiklání k očekávání, že s ním účinkující naváže silný a přirozený kontakt již od prvních minut.

Klavírista, houslista nebo vokalista se může spolehnout na to, že postupně, od pasáže k pasáži, jak předvádějí svá díla, si dokáže získat publikum. „Bavič naváže bezprostřední, upřímný, otevřený kontakt. Divákovo zdvořilé pozorování toho, co se děje na jevišti, se rovná neúspěchu." 34

V dějinách vývoje pop-artu existuje mnoho příkladů ztráty jednoduchosti vnímání, vedoucí k rozpadu otevřeného a upřímného kontaktu s publikem, který stojí celé žánry draho. To se týká především tohoto typu pop artu, kterým je jazzová hudba. V předválečných desetiletích byl jazz u nás (a nejen u nás - podobné procesy lze pozorovat v zahraničí, ve své domovině v USA) velmi úzce spjat s lehkou hudbou, s masovou písní. Naši populární zpěváci, včetně Leonida Utesova, předvedli své slavné písně za doprovodu jazzových souborů. Také jazzová instrumentální hudba (A. Tsfasman, V. Knushevitsky) byla postavena na melodiích a rytmech, které byly dostupné běžnému posluchači.

Postupně se jazzová hudba stala komplexnější a vypůjčila si výdobytky moderního symfonismu v harmonii a melodicko-rytmických strukturách. Počínaje stylem „be-bop“ v poválečných letech až po moderní „fusion“ se jazz vlastně vyvíjí v souladu s „vážnou“ hudbou, zaměřuje se na připraveného posluchače, těší se porozumění a lásce ne každého, jak tomu bylo dříve. Specifikem jazzového umění je dnes to, že úzké propojení jazzu s písní a „lehkou“ hudbou se oslabilo, ne-li přerušilo.

Specifické rysy pop-artu – dostupnost a jednoduchost – úzce souvisí s dalším specifikem – jeho masovou přitažlivostí 35 . Dnes již nelze pominout skutečnost, že drtivá většina diváků zná tvorbu jejích nejlepších mistrů pouze prostřednictvím „absenčních“ setkání. „I bez přesných sociologických dat můžeme s jistotou říci, že minimálně 90 procent veřejnosti, která miluje a zná repertoár Ally Pugačevové nebo Valerije Leontyeva, nikdy nebylo na jejich vystoupení v koncertním sále. Pro ně je hlediště, co do velikosti neomezené, televizní obrazovka“ 36 .

Televizní rozmanitost umění- speciální studijní předmět hodný zvláštního zřetele. Proces sociální regulace moderního publika nelze plně pochopit, aniž bychom vzali v úvahu procesy probíhající v televizním zábavném vysílání 37 .

Mnoho autorů píšících o problémech televizních zábavných pořadů si stěžuje na nedostatečný počet takových pořadů. Literaturnaya Gazeta, která provedla průzkum mezi mladými lidmi o jejich postoji k televizi, poznamenala, že „návrhy diváků („Jaké pořady pro mladé by se podle vás mohly v televizi objevit?“) jsou jednoznačně podřízeny dvěma duchům – duchu zábava a duch poznání" Jeviště si přitom žádá 91 procent (!!) publika! A dokonce i ti, kteří mají rádi současné rozmanité programy: prostě nemají dost – potřebují více“ 38 .

Je třeba říci, že kvantitativní odhady televizního varietního umění nejsou zcela správné. Badatelé berou v úvahu pouze speciální varietní programy, zatímco v mnoha jiných programech jsou všechny umělecké „vložky“ (a není jich málo) ve skutečnosti hudební varietní čísla. Dnes lze v pop artu zaznamenat dva trendy: vznik speciálních zábavných programů - jako je „Poslední hrdina“, kde se spolu s úzkým okruhem popových „hvězd“ účastní i neznámí umělci z „Star Factory“. programy. Mezi specifické rysy pop artu je třeba vyzdvihnout módu. Móda může být pro určitý žánr, pro interpreta, dokonce i pro externí techniky prezentace představení nebo pro vystoupení umělce v estrádním programu. Je velmi obtížné stanovit vzorce vývoje módy a ještě obtížnější je připravit „zakázkový“ kousek, který si získá univerzální oblibu a začne „udávat tón“.

Značnou újmu estetické výchově obyvatelstva (zejména mládeže) způsobuje bezmyšlenkovité využívání obliby některých varietních programů ze strany správců koncertních organizací. V tisku byla citována řada faktů o tom, jak jednotliví ředitelé filharmonických společností „propagují“ pořady pořadů na úkor symfonických či komorních koncertů. Výsledkem je, že v mnoha městech, která byla dříve známá svými koncertními tradicemi, se nyní ukázalo, že všechna místa jsou zcela odevzdaná moci showbyznysu 39 .

I když je snadné si všimnout, že se tento okruh rozšířil o mladé talentované hudebníky a zpěváky, kteří uspokojují nejrozmanitější vkus širokého publika.

Jako příklad můžeme připomenout práci vynikajícího jazzového souboru „Arsenal“ pod vedením A. Kozlova: při hledání silnějšího kontaktu s publikem šli tito umělci do odvážné a nečekané teatralizace svých vystoupení a vytvořili nový žánrová struktura v pop-artu, která podněcuje představivost diváka-posluchače. Při zahájení experimentu hudebníci samozřejmě riskovali, že příznivci jazzové improvizace jejich vystoupení odmítnou. Vše určovala estetická kategorie míry a umělecký vkus – takové zdánlivě pomíjivé, těžko měřitelné pojmy.

To vše naznačuje, že pop-art má i přes svou širokou distribuci svá specifika. Teoretické chápání tohoto umění ukazuje, že v každé kreativitě existuje nevyhnutelná propast mezi ideálem a skutečností, touhou a skutečností, záměrem a realizací, a analýza této okolnosti má zásadní význam pro pochopení vyhlídek uměleckého rozvoje reality. Jak poznamenal I.G. Sharoev, „interakce různých druhů umění v naší době získává mnohohodnotový charakter a dynamika porušování jejich hranic se zvyšuje. Klasifikace typů a žánrů se dnes stává nesmírně obtížnou záležitostí, protože typy a žánry jsou spolu natolik propojené, složitě provázané, že určení jejich hranic je často zcela libovolné“ 40.

Podobný proces vede ke vzniku a etablování nových žánrů v různých formách umění, zvláště patrný je na scéně, která vždy velmi citlivě reagovala na nové trendy. Vznikaly tak nové žánry a formy, neobyčejně rozmanité a flexibilní: rocková opera, zong opera, rocková mše, rocková suita a další, kde jsou přítomny prvky opery a baletu, dramatického a pop artu.

Jedním ze specifických rysů námi analyzovaného druhu umění je sjednocení různých žánrů, jejich všestrannost.

„Různorodé umění svou povahou kombinuje různorodé žánrové charakteristiky jiných druhů umění, jejichž společný rys spočívá ve snadné adaptabilitě na různé podmínky veřejného předvádění, v krátké době působení, v koncentraci jeho uměleckých výrazových prostředků, což přispívá k živé identifikaci tvůrčí individuality interpreta a v oblasti žánrů spojených s živým slovem - v aktuálnosti, akutní společensko-politické aktuálnosti řešených témat, v převaze prvků humoru, satiry a publicistiky“ 41.

Dalším specifikem pop-artu je, že rozmanitost žánrů a pozadí diktuje jak časové, tak prostorové ztělesnění myšlenky a významu v samostatném čísle, které tvoří základ popového představení.

Představuje jednotlivá dokončená vystoupení jednoho nebo více umělců a trvá pouze 3-5 minut.

Při tvorbě představení mohou, ale nemusí interpreti vyhledat pomoc režiséra, dramatika, umělce, skladatele, choreografa, přičemž o jeho obsahu rozhodují sami. Výrazové prostředky aktu jsou podřízeny jeho myšlence a v tomto ohledu by mělo být vše v naprostém souladu: kostým, make-up, kulisy, přítomnost na jevišti.

Kombinace různých čísel tvoří estrádní program, kde se soustředí všechny druhy scénických umění: zpěváci, kejklíři, fejetonisté, scénáristé, trenéři, kouzelníci, zpěváci, akrobaté, tanečníci, hudebníci, demonstranti psychologických experimentů, vzduchoplavci a jezdci. Tato šíře možností dělá pop art rozmanitým, živým, originálním, se svými specifickými rysy.

Obvykle jsou čísla v popovém koncertu sjednocena komparací nebo dějovým základem. Na pódiu pak probíhá varietní recenze, která je různorodá jak v tématech, tak ve struktuře.

Dalším specifikem pop artu je, že jeho umělci téměř vždy komunikují přímo s veřejností. K.S. Stanislavski formuloval zákon jeviště, podle kterého herec jedná v podmínkách „veřejné samoty“. „Když si herec uvědomí, že se na něj dívají stovky diváků, musí na ně zároveň umět zapomenout. Herec by neměl napodobovat osobu, kterou ztvárňuje, ale stát se jím a žít téměř skutečný život jevištního člověka za okolností, které nabízí hra a představení“ 42.

Takže bavič, veršovaný zpěvák nebo zpěvák oslovuje publikum přímo. Publikum se ukazuje jako partner umělců, kteří živě reagují na dění na jevišti, dávají interpretům podněty a předávají poznámky. I během dialogu se umělci obracejí nejen k sobě navzájem, ale i k publiku.

Jak poznamenal A.V. Lunacharsky: „...ve své živosti, ve schopnosti bezprostředně reagovat na aktuální události, ve své politické vyhrocenosti má jeviště velké výhody oproti divadlu, filmu, vážné literatuře“, neboť „... ta vyžaduje mnoho čas na přípravu svých produktů, v základní podobě podstatně těžší než lehkokřídlý a bodavý, jako vosa, popová píseň nebo kupletová kronika“ 43 .

Výše uvedené kvalitativní charakteristiky pop-artu sloužily jako kritérium při výběru různých fenoménů, které charakterizují jeho tvůrčí zkušenost.

Během svého vývoje se styly popu mnohokrát změnily. Pochopit styl znamená proniknout do skrytých mechanismů technologie. Tady je totiž důležitý nejen jakýkoli popový žánr, ale dokonce i samostatná intonace, náhodné gesto. Jsou to metafory, které do složitého uměleckého uzlu spojují nitky života utkané v každodenním životě. Pouze, na rozdíl od jiných umění, popové metafory nejsou odlitky dlouhých, nikoli prodloužených časových úseků; zde se počet neuvádí v letech, ale v měsících, dnech a dokonce i minutách. Variety je kronikou současných událostí.

Samozřejmě, že historické období čtvrt století je obrovské období pro každé umění. Ale ani v literatuře, dokonce ani v divadle a kině čas nepřinesl tak dramatické změny jako v pop-artu. A nejde o to, že by noví idoly vytlačili ty staré jak z jeviště, tak z paměti diváků, ale v něčem jiném, důležitějším. Změny zasáhly samotnou podstatu tohoto typu, vnitřní strukturu jeho forem a žánrů.

Ani v 60. letech neznal pop art například galapředstavení jakéhosi „divadla písní“ soustředěného kolem jedné „hvězdy“ s baletním sborem a velkolepým spektakulárním doprovodem, který nyní vytvořila A. Pugačeva, V. Leontyev, S. Rotaru, L. Vaikule, ani vokální a instrumentální soubory 70. let nebo rockové kapely 80. let.

Programy jazzových orchestrů zmizely z jeviště moderní scény ne proto, že by zemřeli zakladatelé a idoly - L. Utesov, B. Renskij, E. Rosner. Jejich nástupcům se nepodařilo prodloužit životnost jazzu. Zemřel samotný žánr - divadelní zpestření, které bylo znovu vytvořeno za doprovodu a účasti jazzových hudebníků.

Četné druhy miniaturních divadel - od „divadla dvou herců“ - M. Mironové a A. Menakera, L. Mirova a M. Novického nebo divadla A. Raikina až po obrovské množství studentských popových skupin konce 50. let - počátkem 60. let - jeden po druhém z různých důvodů zanikly nebo byly proměněny k nepoznání, jako např. Divadlo Ermitáž - duchovní dítě Vl. Polyakova. Poslední divadlo miniatur zaniklo spolu s úmrtím A. Raikina. Jejich místo zaujali R. Kartsev a V. Ilchenko, M. Žvanetsky, stejně jako „divadla jednoho muže“ - G. Khazanov, E. Petrosjan, E. Shifrin, V. Vinokur...

Divadelní estrádní programy přežily v nějaké podobě i dnes, ale značně se odlišily od předchozích.

Číslo jako měrná jednotka v některých pořadech narostlo na velikost epizody, což je zcela přirozené, protože pop art ovládl nová místa – arény sportovních paláců a stadionů. Velké prostory vyžadovaly konsolidaci všech prvků pop-artu a technologie pro tvorbu a reprodukci nových forem popových programů.

V posledních letech stále častěji nahrazují komorní představení rozsáhlé varietní programy. Estrádní koncert, který byl donedávna hlavní formou pop-artu, podobně jako divadelní představení, film v kině, byl vytlačen na periferii zábavní praxe. A samotný popový koncert se změnil k nepoznání.

V historickém retrospektivě byl základ koncertu určen principem diverzity, podle kterého bylo vystoupení jednoho žánru nahrazeno jiným: čtenář - kejklíř, iluzionista - hráč na akordeon, kytarista atd.

Za uplynulé čtvrtstoletí jaksi nepostřehnutelně vypadli z celostátní pop koncertní scény interpreti hudebních fejetonů, kupletů, skečů, meziher, miniatur, čítanek, vypravěčů, instrumentalistů atd.

Individuální výkon na pódiu vyžaduje vysokou sebekontrolu. Pro zajištění vysoké úrovně aktivity pro scénáristu, režiséra nebo performera je důležitý podrobný systém každodenní kreativní kontroly, protože zábavě se můžete věnovat pouze tehdy, když ovládáte filozofickou kategorii „měřit“.

Stanislavskij napsal: „Neříkejme, že divadlo je škola. Ne, divadlo je zábava. Není pro nás výhodné ztratit tento důležitý prvek z našich rukou. Ať se lidé vždy chodí do divadla bavit. Ale přišli, zavřeli jsme za nimi dveře (...) a můžeme do jejich duší vlít, co chceme“ 44. To zcela souvisí s fungováním pop-artu. Na popovém koncertu, kde je nádherná scéna, úžasní interpreti, brilantní, jiskřivé osvětlení, vše diváka aktivuje a omráčí.

Zde je třeba poznamenat, že specifikem pop-artu je otevřenost performance. Jevištního umělce neodděluje od publika ani opona, ani jeviště, je jakoby „rodák z lidu“ a je s publikem úzce spjat. Vše dělá otevřeně před veřejností, vše je blízko k publiku, kde účinkující vidí a slyší publikum a přicházejí s ním do přímého kontaktu.

Výsledkem výše diskutovaných specifických rysů pop-artu je pouze jemu vlastní percepčně-komunikační proces, v němž těsné sblížení interpreta s publikem dává vzniknout zcela zvláštnímu systému komunikace, respektive komunikace. Popový interpret během představení promění pozorné diváky a posluchače v aktivní partnery, což jim hodně umožní, pokud jde o odezvy. Sám popový interpret dokáže mnohem více, než se nabízí na klasickém koncertě nebo divadelním představení. Tento interpret zaujímá pozici maximální důvěry a otevřenosti vůči veřejnosti.

Stručně řečeno, hlavním rozdílem mezi pop-artem je specifičnost percepčně-komunikačního procesu, který je veřejností snadno vnímán a pomáhá vytvářet jedinečná díla.

Percepčně-komunikační proces v pop-artu se i přes šíři žánrové palety a vliv mnoha sociálních a kulturních faktorů vyznačuje vnitřní dynamikou kreativity.

Umělecké žánry zahrnují mnoho hudebních a poetických děl tzv. milostných textů, které přinášejí na jeviště dojemný vhled: vyznačují se zábavou a humorem.

Odpověď je třeba hledat tam, tedy v systému vztahů mezi dvěma stranami – performerem a divákem, i ve vlastní životní pozici performera, v percepčně-komunikačním procesu. Milostné texty, vtělené do estrádního programu, předpokládají velmi vysokou míru důvěry interpreta v publikum, což umožňuje vznik jakési zpovědi, když člověk potřebuje někomu říct o něčem docela intimním - o svém štěstí nebo o svých strastech.

Specifickým rysem pop artu je efektivita, schopnost reagovat na „horká“ témata dne, formovat a posilovat pozitivní emocionální tón diváka podle principu: ráno - v novinách, večer - ve verši.

Není náhodou, že všechny společensky vyhrocené situace podnítily vznik především nových děl malých forem, které zase posloužily jako zdroj síly a inspirace pro publikum.

Proto je nejdůležitějším rysem pop artu jeho sociální orientace. Spolu s tím se populární hudba vyvíjela jako umění svátečního volna, které vedlo k rozmanitosti popových žánrů, k nezvyklosti jejich vnímání a odpovídalo na touhy lidí naplnit prázdninový volný čas, svůj odpočinek novými dojmy, uměleckými objevy. a pozitivní emoce. Právě tyto vlastnosti odlišují dovolenou od každodenního života. Jas a originalita sloužily a slouží k tomu, aby přitáhly pozornost publika ke každému číslu, protože varietní program, byť krátký, nutně obsahuje moment soutěživosti čísel, protože každé z nich musí hájit své právo na přátelský přístup publika.

Publikum na popovém koncertu nebo hře očekává od každého čísla, od každé epizody nějakou novinku, nečekaný obrat v ději, v technice provedení. „Diváci, kteří přijdou na varieté, si většinou myslí, že všechno vědí dopředu – teď se bude hrát prolog, pak se na jevišti objeví komper, ale musíme se snažit je v dobrém slova smyslu „zklamat“, potěšit ( více než jednou) veselé překvapení, „vyhodit do povětří“ měřený tok programu“ 45.

Herec, který se objeví na jevišti před publikem naladěným na slavnostní podívanou, musí při uspokojování jeho tužeb odhalit všechny své individuální schopnosti a prokázat se jako „všechny řemeslník“. K tomu byste měli neustále aktualizovat svůj repertoár, nacházet nový obrat v řešení aktu, zohledňovat specifika percepčně-komunikačního procesu pop-artu, vymýšlet vtipný začátek, vrchol a konec představení. Proto dochází k obnově známých žánrů díky vytvoření nečekaného uměleckého obrazu a charakteru jeho provedení.

Nejproduktivnější a umělecky nejpřesvědčivější pokusy byly vždy zkomplikovat varietní žánr, ve kterém interpret obvykle vystupuje. Svého času se na pódiu objevil divadelní jazzový orchestr v čele s Leonidem Utesovem. Vystoupení čtenářů se začala proměňovat v „divadla jednoho muže“, tančit sóloví zpěváci a pozorovat zrod zcela nových, dříve neznámých žánrů.

Specifikem pop-artu je sváteční atmosféra, která odpovídá charakteru samotného tvůrčího procesu. Ze zpěvu a dramatického umění se zrodil divadelní zpěv, který se přidal k umění záložních tanečníků (tanec s malými amplitudami pohybů) a moderní popový zpěv se stal strukturou ještě složitější.

Dnes je velmi běžné najít varietní představení, kde jeden účinkující zpívá, tančí, vede monolog a působí jako parodista. Pop instrumentalisté jsou schopni hrát na několik různých nástrojů, čímž vzbuzují další zájem o svůj výkon.

Popový umělec tedy na rozdíl od akademického umělce dokáže dokonale ovládat mnoho odborných dovedností, které jsou „na průsečíku“ několika druhů umění, ale nezapomínat na tento stav. V tomto případě performer diváky pobaví i zaujme a vzbuzuje v nich pozitivní emoce nejen obsahem díla, ale také jeho „festivalitou“, s přihlédnutím ke specifikům percepčně-komunikačního procesu pop-artu.

Pocit slavnosti lze vytvořit i čistě vnější zábavou. Nejčastěji se setkáváme s představeními hudebních síní revue, hra světla, změna malebných kulis, změna tvaru jevištního prostoru před zraky diváků vyvolává radostné vzepětí a dobrou náladu v hledišti.

Ano, mnohé žánry pop-artu přitahují s lehkostí a stručností vnímání určitým zjednodušením struktury díla, odlehčením jeho obsahu i formy. To ale nelze považovat za ústup do malicherných témat. Zvolené (pokryté) téma může být velmi rozsáhlé a významné. Protože se ale objevuje v díle oproštěné od složitého prolínání jiných témat, bude dílo snáze vnímatelné. Dalším způsobem, jak asimilovat obsah, je vybrat témata, která nepředstírají, že jsou velká co do rozsahu a hloubky, ale jsou osobní, firemní a mohou být zajímavá pro určitý okruh lidí.

Pojem „rozmanitost“ je tedy interpretován jako specifický jazyk výrazových prostředků, který patří pouze tomuto druhu umění.

Rozmanitost je charakteristická pro techniku a umění performera vystupujícího na popové scéně.

Popový umělec je především mistrem v jednom žánru a teprve poté může prokázat svůj talent v různých žánrech pop-artu.

Specifikem pop-artu je tedy jeho multižánrový charakter, který spojuje hudbu, tanec, zpěv, konverzaci, cirkus atd. Navzdory multižánrové povaze má každý performer své umělecké charakteristiky a výrazové prostředky, otevřená scéna (scéna), na které herec vystupuje, diktuje své podmínky: přímý kontakt s publikem, „otevřenost“ dovednosti, schopnost okamžitě transformovat atd. Hlavní „stavební kámen“ Varietní program, neboli koncert, je číslo – krátké představení (jednoho nebo více účinkujících), postavené podle zákonů dramatu. Krátký film předpokládá extrémní koncentraci výrazových prostředků, „přitažlivost“, použití grotesky, biflování a excentricity. Zvláště důležitá je přítomnost jasné individuality, úspěšně nalezený obraz hercem (někdy maska) a vnitřní energie.

To jsou podle nás hlavní specifika moderního pop-artu.

- 135,00 kb

Variety umění. Předpoklady pro vznik a historii vývoje pop-artu……………………………………………………………… 3
Cirkus. Specifika cirkusového umění………………………………………16

Seznam referencí………………………………………………………..20

Variety umění. Předpoklady pro vznik a vývoj historie pop artu pop art žánrového režiséra

Kořeny pop artu sahají do vzdálené minulosti, vysledované v umění Egypta a Řecka. Kořeny pop artu sahají do daleké minulosti, vysledované v umění Egypta, Řecka, Říma; jeho prvky jsou přítomny v představeních kočovných komiků-bubáků (Rusko), shpilmanov (Německo), kejklířů (Francie), dandies (Polsko), maškarních (Střední Asie) atd.

Hnutí trubadúrů ve Francii (konec 11. století) působilo jako nositel nové společenské myšlenky. Jeho zvláštností bylo psaní hudby na zakázku, žánrová rozmanitost písní od zápletek milostných textů až po oslavu vojenských hrdinských činů vojevůdců. Najatí zpěváci a cestující umělci šířili hudební kreativitu. Kořeny pop artu sahají do daleké minulosti, vysledované v umění Egypta, Řecka, Říma; jeho prvky jsou přítomny v představeních kočovných komiků-bubáků (Rusko), shpilmanov (Německo), kejklířů (Francie), dandies (Polsko), maškarních (Střední Asie) atd.

Satira na městský život a morálku, ostré vtipy na politická témata, kritický postoj k moci, kuplety, komické scénky, vtipy, hry a hudební výstřednosti byly počátky budoucích popových žánrů, které se zrodily v hluku karnevalu a náměstí. Předchůdci baviče se později stali Barkeři, kteří pomocí vtipů, vtipů a vtipných kupletů prodávali jakýkoli produkt na náměstích a trzích. To vše bylo masivního a srozumitelného charakteru, což bylo nezbytnou podmínkou existence všech popových žánrů. Všichni středověcí karnevaloví účinkující nepředvedli vystoupení. Základem představení byla miniatura, která je odlišovala od divadla, jehož hlavním znakem jsou prvky spojující děj dohromady. Tito umělci nezobrazovali postavy, ale vždy jednali svým jménem a přímo komunikovali s publikem. To je stále hlavní, výrazný rys moderního showbyznysu.

O něco později (polovina a konec 18. století) se v cizích zemích objevily různé zábavní podniky - hudební sály, estrády, kabarety, ministerské show, které spojovaly veškeré zážitky z pouťových a masopustních představení a byly předchůdci moderních zábavních organizací. . S přechodem mnoha pouličních žánrů do vnitřních prostor se začala formovat zvláštní úroveň scénického umění, protože nové podmínky vyžadovaly koncentrovanější vnímání ze strany diváka. Činnost kaváren - chantanů, kaváren - koncertů, určených pro malý počet návštěvníků, zformovaných ve 2. polovině 19. století, umožnila rozvoj takových komorních žánrů jako lyrický zpěv, bavič, sólový tanec, výstřednost. Úspěch takových kaváren způsobil vznik větších, velkolepějších podniků - kavárenských koncertů, jako "Ambassador", "Eldorado" a další.

Tato forma předvádění se vyznačovala takovými kvalitami, jako je otevřenost, lakonicismus, improvizace, slavnost, originalita a zábava. V této době získává Francie statut kulturního a zábavního centra. "Theatre Montassier" (estráda) - spojuje hudební, divadelní a cirkusové umění. V roce 1792 se divadlo Vaudeville stalo velmi populární. Repertoár divadla tvoří komediální hry, které střídají dialogy s kuplety, písněmi a tanci. Velké oblibě se těšily kabarety (zábavní místo, které kombinuje písňové a taneční žánry zábavného charakteru) a opereta.

Pop music, která se vyvíjela jako umění svátečního volného času, vždy usilovala o originalitu a rozmanitost. Pocit slavnosti vznikl díky vnější zábavě, hře světla, změně malebné scenérie a změně tvaru jeviště.

Pop music je od 20. let minulého století středem pozornosti kulturních a uměleckých osobností, badatelů v různých oblastech poznání, působí jako předmět polemik na stránkách periodik a sporů ve vědeckých kruzích. V průběhu historie ruského pop artu se postoje k němu opakovaně měnily. „V domácí vědě je tradicí považovat pop art, v tomto kontextu jazz a posléze rockovou hudbu za projevy masové kultury, které se staly předmětem studia v rámci sociologie, sociální psychologie a dalších sociálních Zájem kulturních vědců a politologů o problémy moderní populární hudby a sociálně-kulturní fenomény, které z ní generuje, trvá dodnes.

Rozvoj kinematografie měl ohromující účinek po celém světě a následně se stal bezprostředním atributem každé společnosti. Od konce 80. a počátku 19. století těsně sousedí se vznikající domácí scénou, jako instituce i jako podívaná přímo navazuje na stánek. Pásky z města do města převáželi podnikatelé v dodávkách spolu s promítací technikou. Nedostatek elektřiny brzdil rozvoj kinematografie v rozsáhlých oblastech země. S ohledem na tuto skutečnost podnikatelé pořizují malé přenosné elektrárny, které výrazně rozšířily možnosti distribuce filmů.

V Rusku se původ popových žánrů projevil v bubácké zábavě, zábavě a masové kreativitě, lidových festivalech. Jejich představiteli jsou vtipálci Rausovi s obligátním plnovousem, kteří bavili a zvali diváky z horní plošiny Rausova stánku, petrželáři, raeshniky, vůdci „naučených“ medvědů, šaškoví herci předvádějící „skeče“ a „reprízy“ mezi dav, hraní na dýmky, harfu, šňupání a pobavení lidí.

Variety umění se vyznačuje takovými kvalitami, jako je otevřenost, lakonicismus, improvizace, slavnost, originalita a zábava.

Variety jako syntetizované umění pohltily různé žánry – instrumentální hudbu a zpěv, tanec a kino, poezii a malbu, divadlo a cirkus. To vše, smíchané jako amalgám, začalo žít vlastním nezávislým životem, přecházelo do jasných ucelených žánrových forem, které se nikdy neunaví syntetizováním a dodnes rodí něco nového, co nemělo kde být. Pop art je jako obrovský strom s mnoha větvemi – žánry, které rostou a sílí a vysílají nové styly výhonků.

„Různorodé umění spojuje různé žánry, jejichž společný rys spočívá ve snadné adaptabilitě na různé akce veřejného předvádění, v krátkém trvání akce, v koncentraci svých uměleckých výrazových prostředků, což přispívá k živé identifikaci tvůrčí individuality. interpreta a v oblasti žánrů spojených s živým slovem - v aktuálnosti akutní sociální a politické relevance probíraných témat, v převaze prvků humoru, satiry a publicistiky. Tato kvalita je obzvláště cenná a zároveň specifická pro jeviště.“

Navzdory skutečnosti, že jeviště se vyznačuje různými formami a žánry, lze jej rozdělit do tří skupin:

Koncertní scéna (dříve nazývaná „divertissement“) spojuje všechny typy vystoupení v estrádních koncertech;

Divadelní scéna (komorní představení miniaturních divadel, kabaretních divadel, kavárenských divadel nebo velkých koncertních revuí, hudebních sálů, s velkým hereckým obsazením a prvotřídní jevištní technikou);

Slavnostní scéna (lidové slavnosti, svátky na stadionech, plná sportovních a koncertních vystoupení, ale i plesů, karnevalů, maškar, festivalů atd.).

Existují také tyto:

1. Varietní divadla

2. Hudební sály

Je-li základem varietního představení dokončené číslo, pak recenze jako každá dramatická akce vyžadovala podřízení všeho dění na jevišti ději. To se zpravidla organicky neslučovalo a vedlo k oslabení jedné ze složek představení: buď čísla, nebo postav, nebo děje. Stalo se tak během výroby „Zázraků 20. století“ – hra se rozpadla na řadu nezávislých, volně propojených epizod. Divácky úspěšný byl pouze baletní soubor a několik prvotřídních cirkusových vystoupení. Baletní soubor v nastudování Goleizovského předvedl tři čísla: „Hey, let’s whoop!“, „Moskva in the rain“ a „30 English girls“. Obzvláště působivé bylo vystoupení "Snake". Mezi cirkusovými počiny byli nejlepší: Tea Alba a „Australian Lumberjacks“ Jackson a Laurer. Alba současně pravou a levou rukou psala křídou různá slova na dvě tabule. Na konci místnosti se dřevorubci předháněli, aby pokáceli dvě silná polena. Vynikající balancování předvedl na drátě Němec Strodi. Předváděl kotrmelce na drátě. Ze sovětských umělců měli jako vždy velký úspěch Smirnov-Sokolskij a dítky V. Glebová a M. Darskaja. Mezi cirkusovými počiny vynikl počin Zoe a Marthy Kochových na dvou paralelních drátech.

V září 1928 došlo k otevření Leningradské hudební síně.

3. Divadlo miniatur - divadelní skupina, která pracuje především na malých formách: drobné hry, skeče, opery, operety spolu s varietními čísly (monology, kuplety, parodie, tance, písně). Repertoáru dominuje humor, satira, ironie a nevylučuje se ani lyrika. Soubor je malý, je možné divadlo jednoho herce nebo dvou herců. Lakonická představení jsou koncipována pro relativně malé publikum a představují jakési mozaikové plátno.

4. Konverzační žánry na jevišti - symbol pro žánry spojené především se slovy: bavič, vedlejší show, scénka, skeč, příběh, monolog, fejeton, mikrominiatura (inscenovaný vtip), pohřeb.

Bavič - bavič může být párový, samostatný, nebo hromadný. Konverzační žánr vybudovaný podle zákonů „jednoty a boje protikladů“, tedy přechodu od kvantity ke kvalitě podle satirického principu.

Popový monolog může být satirický, lyrický nebo humorný.

Mezihra je komická scéna nebo hudební skladba s humorným obsahem, která se hraje jako samostatné číslo.

Skica je malá scéna, kde se rychle rozvíjí intriky, kde nejjednodušší děj je postaven na nečekaných vtipných, drásavých situacích, obratech, umožňujících během akce vzniknout celé řadě absurdit, ale kde vše zpravidla končí šťastným rozuzlení. 1-2 znaky (ale ne více než tři).

Miniatura je nejoblíbenějším mluveným žánrem na jevišti. Na jevišti dnes populární vtip (nepublikovaný, netištěný - z řečtiny) je krátký aktuální ústní příběh s nečekaným vtipným koncem.

Slovní hříčka je vtip založený na komickém použití podobně znějících, ale odlišně znějících slov k rozehrání zvukové podobnosti ekvivalentních slov nebo kombinací.

Repríza je nejběžnější krátký konverzační žánr.

Párky jsou jedním z nejsrozumitelnějších a nejoblíbenějších typů konverzačního žánru. Kuptista se snaží zesměšnit ten či onen jev a vyjádřit svůj postoj k němu. Musí mít smysl pro humor

Mezi hudební a konverzační žánry patří kuplet, ditty, chansonette a hudební fejeton.

Parodie běžná na pódiu může být „konverzační“, vokální, hudební nebo taneční. Kdysi mezi řečové žánry patřily recitace, melodické recitace, literární montáže a „umělecké čtení“.

Není možné podat přesně zaznamenaný seznam řečových žánrů: neočekávané syntézy slov s hudbou, tancem, původními žánry (transformace, ventrologie atd.) dávají vzniknout novým žánrovým útvarům. Živá praxe neustále dodává nejrůznější odrůdy, není náhodou, že na starých plakátech bylo zvykem přidávat ke jménu herce „v jeho žánru“.

Každý z výše uvedených řečových žánrů má své vlastní charakteristiky, svou historii a strukturu. Vývoj společnosti a společenských podmínek diktoval vznik nejprve toho či onoho žánru. Za „pestrý“ žánr lze považovat pouze baviče narozeného v kabaretu. Zbytek pocházel ze stánků, divadel a ze stránek humoristických a satirických časopisů. Žánry řeči, na rozdíl od jiných, které inklinují k zahraničním inovacím, se vyvíjely v souladu s domácí tradicí, v úzkém spojení s divadlem a humoristickou literaturou.

Vývoj řečových žánrů je spojen s úrovní literatury. Za hercem stojí autor, který v performerovi „umírá“. A přesto vnitřní hodnota herectví neubírá na důležitosti autora, který do značné míry určuje úspěch aktu. Autory se často stávali sami umělci. Tradice I. Gorbunova převzali pop vypravěči - Smirnov-Sokolskij, Afonin, Nabatov a další si vytvořili vlastní repertoár Herci, kteří neměli literární talent, se obraceli o pomoc na autory, kteří psali s očekáváním ústního podání, přičemž v úvahu zohlednit masku umělce. Tito autoři zůstávali zpravidla „bezejmenní“. Po mnoho let se v tisku diskutuje o tom, zda lze dílo napsané pro divadelní představení považovat za literaturu. Počátkem 80. let vznikl Všesvaz a poté Všeruské sdružení popových autorů, které pomohly legitimizovat tento typ literární činnosti. Autorská „anonymita“ je minulostí, na scénu navíc nastoupili sami autoři. Koncem 70. let vyšel program „Za scénou smíchu“, komponovaný jako koncert, ale výhradně z vystoupení popových autorů. Jestliže v minulých letech uváděli vlastní programy pouze jednotliví autoři (Averčenko, Ardov, Laskin), nyní se tento fenomén rozšířil. K úspěchu velkou měrou přispěl fenomén M. Žvaneckého. Začínal v 60. letech jako autor Leningradského divadla miniatur a obcházel cenzuru a začal číst své krátké monology a dialogy po uzavřených večerech v Domech kreativní inteligence, které se stejně jako Vysockého písně rozšířily po celé zemi.

5. Jazz na pódiu

Pojem „jazz“ je běžně chápán jako: 1) druh hudebního umění založený na improvizaci a zvláštní rytmické intenzitě, 2) orchestry a soubory provozující tuto hudbu. Pro označení skupin se také používají výrazy „jazzová kapela“, „jazzový soubor“ (někdy označující počet účinkujících – jazzové trio, jazzové kvarteto, „jazzový orchestr“, „velká kapela“).

6. Píseň na pódiu

Vokální (vokálně-instrumentální) miniatura, hojně využívaná v koncertní praxi. Na jevišti se často řeší jako jevištní „herní“ miniatura pomocí plastik, kostýmů, světla, mizanscény („divadlo písní“); Velký význam má osobnost, vlastnosti talentu a dovednosti interpreta, který se v některých případech stává „spoluautorem“ skladatele.

Stručný popis

Vstupenka číslo 30. Variety. Moderní funkce a trendy.

Ukázat - jde o zvláštní okouzlující podívanou, jejíž sémantická a dějová stránka mizí ve prospěch velkolepé prezentace dojmů (zápletka je v efektech „rozmazaná“), program show by měl být postaven na neustálé změně dojmů a jasné spektakulární techniky výrazových prostředků.

Showbyznys jako pojem se v odborné literatuře objevuje od poloviny 80. let. XX století a nahradila dříve existující koncept „sovětského jeviště“. Pojem „rozmanitost“ vznikl v ruských dějinách umění na začátku minulého století a sjednotil všechny druhy umění snadno vnímatelných žánrů.

Variety umění se vyznačuje otevřenost, lakonismus,

improvizace, slavnost, originalita, zábava. Pop music, která se vyvíjela jako umění svátečního volného času, vždy usilovala o originalitu a rozmanitost. Pocit slavnosti byl vytvořen vnější zábavou, hrou světla, změnou malebné scenérie, proměnou jeviště atd.

V kontextu přechodu k otevřené demokratické společnosti má spotřebitel možnost volby. Trend moderní show je toto: rychle se měnící vkus veřejnosti vyžaduje tvrdou práci manažerů, umělců a producentů.

Produkt kulturní činnosti je již předmětem „nákupu a prodeje“, tzn. vznikají ekonomicky oprávněné vztahy, a protože jeviště vstupuje do světa byznysu, potřebuje k tomu profesionály, lidi, kteří vědí, jak zorganizovat obchod tak, aby přinášel zisk nejen umělci, skupině, firmě, ale i státu ( ve formě daní). V současnosti se showbyznys rozvíjí podle zákonitostí trhu. Velký význam má řešení otázek spojených s personálním řízením a využíváním jeho potenciálu, který předurčuje úspěch v dosažení cíle.

Tak, moderní show je velkolepá jevištní podívaná za účasti popových hvězd, cirkusu, sportu, jazzového orchestru, ledního baletu atd. Důraz show se posouvá směrem k externím efektům navrženým tak, aby zkrášlily obsah odehrávajících se událostí.

V řízení showbyznysu se používá mnoho různých metod, přístupů a technik, směřujících k vytváření podmínek pro efektivní práci. Můžeme tedy zdůraznit vlastnosti moderní show:

1. Přítomnost „hvězdy“.

Pojem „hvězda“ vznikl v éře kinematografie, kdy byli filmoví herci bezejmenní a diváci nazývali postavy, které se jim líbily, podle názvů filmů i podle jejich vnějších charakteristik („muž se smutnýma očima“, „ dívka s kadeřemi“ atd.). Diváci začali napadat filmové produkční společnosti, ptali se na příjmení, křestní jméno a různé životopisné údaje herců, které měli rádi. Šéf americké společnosti IMP Carl Laemmle jako první využil obliby herečky Florence Lawrence k přilákání diváků do kin šířením fám o její smrti. Vzbudil tak velký zájem veřejnosti a přes noc z herečky udělal americkou filmovou hvězdu.

Tak byl položen začátek „hvězdného systému“. Další filmové společnosti následovaly příkladu IMP. Počet „hvězd“ začal rychle růst. Stávají se pokladní návnadou pro kino i hudební průmysl, divadlo, modelingové show atd.

Podstatou konceptu „hvězda“ je, že interpret, který se jim líbí, vyvolává mezi diváky sympatie, a proto ho chtějí vidět, chtějí být jako on. Konzument (divák, posluchač) se neomezuje pouze na to, že modlu vidí, chce o něm vědět vše, včetně podrobností z jeho osobního života. Tento aspekt je velmi užitečný při vytváření „hvězd“, protože je považován za známku velké popularity, což znamená, že poplatky „hvězdy“ rostou. Přilákat „hvězdu“ k účasti na show, modelingové show, filmu, muzikálu, divadelní produkci nebo nahrávání alba je zárukou poptávky a plného sálu.

Pop music zaujímá v ruské masové kultuře důležité místo a události posledních desetiletí ukazují, že pop music jako nejpopulárnější forma umění hraje velkou roli ve veřejném životě a stává se oblíbeným prostředkem k vyjádření kulturních potřeb a hodnoty různých vrstev společnosti. Vzhledem k tomu, že pop music je jednou ze sociálně nejcitlivějších a nejmobilnějších forem umění, studium tohoto fenoménu pomůže lépe porozumět duchovním procesům probíhajícím ve společnosti.

Počátkem minulého století gramofonový byznys v Rusku nabíral na síle - rostl počet továren a továren vyrábějících desky, zlepšovala se jejich kvalita, rozšiřoval se repertoár. V podstatě se objevil nový průmysl, na rozdíl od jakéhokoli jiného známého odvětví. Úzce prolíná problémy technické a kreativní, obchodní a právní povahy. Na nahrávání desek, organizovaném prodejci gramofonů, se podíleli skladatelé, básníci, zpěváci, orchestry a sbory, kuptisté a vypravěči. Atmosféra ateliérů připomínala zákulisí divadla se všemi divadelními atributy. Slavným zpěvákům - hrdým a nedosažitelným, kteří znají svou hodnotu - byly nabídnuty smlouvy se zdvořilostí charakteristickou pro každého výrobce-podnikatele, předpokládající úspěch u veřejnosti a dobrou sbírku. Hvězdy druhé velikosti a napůl vyhladovělí koncertní umělci byli vítáni jinak. Kolem lesního rohu vřely vášně a byly splétány intriky – to byla spodní stránka gramofonového byznysu.
Sbírání záznamů se začalo stávat módou: v domácnostech bohatých občanů byly knihovny záznamů se stovkou a více místností.

Nejčastějším pojmem, který se objevil dávno před pojmem pop music, bylo „variety show“, nikoli však jako název koncertní instituce, ale jako označení celé škály umění. Pokud se podíváme do historie vzniku konceptu „variety show“, pak jeho počátky najdeme v programech zábavních aktů předváděných v kavárnách a restauracích v průmyslových oblastech Anglie na konci 18. století. Samotné slovo „rozmanitost“ přeložené z francouzštiny znamená rozmanitost, rozmanitost. Tento termín začal spojovat všechny umělecké a zábavní formy. Je to skutečně rozmanitost, která charakterizuje vystoupení umělců na veletrzích, v hudebních sálech, v koncertních kavárnách, v kabaretních divadlech, i když, jak lze na základě další analýzy zjistit, není to vůbec to hlavní a charakteristické. tento obor umění.

Počátkem 20. století se v Rusku otevíraly všechny druhy malých divadel a na tomto pozadí se začal používat jiný koncept - varietní scéna, která označovala zábavná koncertní představení na otevřených prostranstvích. Dnes, jako obecný pojem, který spojuje všechny druhy umění snadno vnímatelných žánrů, bychom měli přijmout pojem „variety art“ (nebo zkráceně varietní umění), který se v ruských dějinách umění používá již sto let.
Již v prvním desetiletí 20. stol. termín „rozmanitost“ se začíná objevovat v tisku nejen v tehdy obecně přijímaném smyslu – „platforma, vyvýšenina, například pro hudbu“ – ale také v rozšířeném pojetí, včetně všech, herců, spisovatelů, básníků, kteří se objevují na této „platformě“. Na stránkách autoritativního časopisu „Golden Fleece“ z roku 1908 vyšel článek „Estrada“. Jeho autor bystře viděl antinomii, která vyvstává před každým, kdo jde na jeviště:

a) jeviště je nezbytné pro rozvoj a udržení schopností a pro formování osobnosti umělce;

b) jeviště škodí oběma.

Autor spatřoval „zhoubnost“ v touze herců po úspěchu za každou cenu, sladění se s vkusem masové veřejnosti a proměně umění v prostředek obohacení, zdroj životního požehnání. Podobné fenomény jsou moderní pop music vlastní, proto v naší práci zavádíme takový koncept jako „variety performance“, tedy hraní „veřejnosti“, touha za každou cenu upoutat divákovu pozornost, která v absence interpretů skutečného talentu, vkusu a smyslu pro proporce často vede ke zhoubnosti, o níž mluvil autor výše zmíněného článku. Objevily se další články, které zkoumaly jeviště jako fenomén nové městské kultury. Ostatně právě v tomto období město postupně oslabuje závislost člověka na přírodních podmínkách (především na střídání ročních období), což vede k zapomnění kalendářního a rituálního folklóru, k posunu v načasování svátků, jejich desemantizaci a deritualizaci, k jejich přechodu do „ceremoniální“ formy. “, slovy P.G. Bogatyreva, k rozhodující převaze tvarů slovesných nad neverbálními. Během stejných let (1980-1890) došlo v Rusku ke vzniku masové kultury, která naopak reprodukuje mnoho generických vlastností tradičního folklóru, které se vyznačují sociálně-adaptivním významem děl, jejich převládajícím anonymita a dominance stereotypu v jejich poetice; sekundární dějové motivace v narativních textech atd. Masová kultura se však od tradičního folklóru výrazně liší svou ideologickou „polycentricitou“, zvýšenou schopností tematické a estetické internacionalizace svých produktů a „on-line“ reprodukcí v podobě identických kopií nemyslitelných pro orální kreativitu.
Obecně platí, že v Rusku je městská etapa konce 19. – počátku 20. století charakterizována závislostí na publiku, na které je zaměřena. V souladu s tím je škála popových forem - od „salonů“ po ty „nejdemokratičtější“ – extrémně široká a lišila se jak povahou „scény“, tak typem interpretů, nemluvě o repertoáru. A přesto můžeme konstatovat, že pojem „variety“ byl na počátku 20. století používán ještě čistě funkčně: jako „varietní repertoár“ či „popový zpěv“ apod., tedy nejen jako definice platformou, kde se akce odehrává, ale také jako prvek hudebně zábavné podívané.

V důsledku potřeby, která vyvstala po říjnu znárodnit „všelijaké varieté“ a malé soukromé podniky, mnoho samostatných aktérů, ale i malé, často rodinné skupiny atd., se pojem varieté ustálil jako označení samostatné umění. V průběhu desetiletí se v Sovětském Rusku a poté v SSSR budou vyvíjet a měnit systémy řízení tohoto umění, vznikat různá sdružení a složité vícestupňové formy samostatné podřízenosti. V sovětské estetice zůstala otázka nezávislosti pop-artu kontroverzní. Odrůdovou praxi regulovaly různé předpisy a společnosti. „Zápas“ se satirou, ruskou a cikánskou romantikou, s jazzem, rockem, stepem atd. uměle narovnal vývojovou linii jeviště, ovlivnil vývoj žánrů i osudy jednotlivých umělců.

Ve Velké sovětské encyklopedii z roku 1934 vyšel článek věnovaný tomu, že pop music je oblastí malých forem umění, ale nedotýkal se problematiky žánrové skladby pop music. Pozornost proto nebyla věnována ani tak estetice, jako spíše morfologickému obsahu tohoto termínu. Tyto formulace nejsou náhodné, odrážejí obraz rešerší 30. a 40. let, kdy se záběr jeviště téměř neomezeně rozšiřoval. Během těchto let, jak píše E. Gershuni, „popová scéna hlasitě volala po rovnoprávnosti s „velkým“ uměním...“. Především je to způsobeno tím, že se v sovětském Rusku objevil předchůdce moderního umění PR – sociální technologie řízení mas. V podstatě masový bavič (obvykle místní odborový aktivista) ideologicky ovládl nejen svátky, ale i každodenní život. Ani jeden svátek se samozřejmě neobešel bez popového koncertu. Je třeba poznamenat, že samotný masový bavič měl v každodenním životě zpravidla smysl pro rozmanitost. Vždy totiž potřebuje být středem pozornosti, bavit a bavit publikum.

V procesu rozvoje sovětského umění se obsah pojmu „odrůda“ nadále měnil. Objevil se pojem pop art, který byl definován jako „druh umění, který spojuje tzv. drobné formy dramaturgie, dramatické a vokální umění, hudba, choreografie, cirkus.“

Ruský nahrávací průmysl se začal rozvíjet v roce 1901. Ve skutečnosti to nebyl úplně ruský, ale spíše francouzský průmysl v Rusku: společnost Pathé Marconi otevřela svou pobočku v Rusku a začala lisovat záznamy. Stejně jako v Evropě byl prvním zaznamenaným zpěvákem Enrique Caruso, v Rusku byl prvním také světoznámý operní pěvec Fjodor Chaliapin. A první ruské desky, stejně jako v Evropě, byly s klasickou hudbou.

Hudební obraz předrevolučního Ruska byl celistvý. Akademická hudba a pop music koexistovaly organicky v jednom kulturním prostoru, kde se pop music vyvíjela v obecném hlavním proudu romantických textů (odrážejících jejich rozmanitost a vývoj) a taneční kultury své doby. Zvláštní místo zaujímala folklorní část jeviště - Pjatnický sbor, interpreti lidových písní - L. Dolina, lidové písně - Krivopolenova a Prozorovskaja. Po porážce první revoluce (1905) byly populární písně z vězení, těžké práce a exilu. V žánru aktuálních veršů a hudební parodie umělci vystupovali v různých rolích: „fraky“ - pro módní veřejnost, „lapotniky“ - pro rolníky, „umělce otrhaného žánru“ - pro městské dno. Oblíbené taneční rytmy pronikly do povědomí lidí pomocí salonních a městských dechovek, které se specializovaly na provozování taneční hudby. Tanga, foxtrots, shimmy a dvoukroky se učily v salonech a studiích. První představení A. Vertinského v žánru hudebních a poetických povídek se datují do roku 1915.

Rozkvět ruské scény se odehrával na pozadí nebývalého růstu nového prostředku „hromadné informace“, jako jsou gramofonové desky. V letech 1900 až 1907 se prodalo 500 tisíc gramofonů a roční náklad desek dosáhl 20 milionů kusů. Spolu s lehkou hudbou zazněla i spousta klasiků (Chaliapin, Caruso).
Sólistům konkurovaly oblíbené pěvecké sbory D. Agreneva-Slavjanského, I. Juchova a dalších, které přednesly písně v „ruském stylu“ („Slunce vychází a zapadá“, „Ukhar obchodník“ atd.). Orchestry soutěžili s ruskými sbory hráči na balalajku, hornisty, guslaristy.

V 10. letech se proslavili první skutečně folklorní interpreti, např. soubor M. Pjatnického. V divadlech a kabaretech v Petrohradě a Moskvě vystupují umělci s „intimním“ stylem francouzských šansoniérů (A. Vertinsky). Na konci 19. století došlo k jasnému rozdělení písně na „Philharmonic“ (klasická romance) a vlastní „Variety“ (cikánská romance, stará romance, náladové písně). Na počátku 20. století se začaly šířit masové písně, které se zpívaly na politických shromážděních a demonstracích. Tato píseň je předurčena stát se předním typem sovětské popové písně na řadu desetiletí.

Po roce 1917 se situace začala měnit. Ideologický stav je fenomén, který ještě není plně realizován a není plně prozkoumán. Revoluce byla duchovně založena na myšlence, která byla násilně implantována do společnosti, zbavovala lidi práva volby a dělala tuto volbu za ně. Ale člověk je tak konstruován, že jeho vědomí navzdory všemu vzdoruje tomu, co je mu vnucováno, i při těch nejlepších úmyslech. Stát se rozhodl, že „potřebuje“ klasiku, „potřebuje“ sovětskou píseň, „potřebuje“ folklór. A nevědomky začala být i mistrovská díla klasické hudby vnímána jako součást státní ideologické mašinérie zaměřené na neutralizaci jednotlivce, rozpuštění individuálního „já“ v monolitické „my“.

Pop music je u nás nejméně ideologickou součástí hudebního procesu. Nevědomky se stala jediným odbytištěm pro sovětský lid, něco jako závan svobody. Tato hudba v myslích prostého člověka nenesla nic povznášejícího, oslovujícího přirozené city, nepotlačující, nemoralizující, ale prostě komunikující s člověkem jeho jazykem.

Odeslat svou dobrou práci do znalostní báze je jednoduché. Použijte níže uvedený formulář

Studenti, postgraduální studenti, mladí vědci, kteří využívají znalostní základnu ve svém studiu a práci, vám budou velmi vděční.

Vloženo na http://www.allbest.ru/

Úvod

3. Žánry pop-artu

Závěr

Seznam použité literatury

Úvod

režisér varietního uměleckého žánru

Kořeny pop artu sahají do vzdálené minulosti, vysledované v umění Egypta a Řecka. Ve vystoupeních cestujících byly přítomny prvky jeviště - bubáci (Rusko), shpilmani (Německo), žongléři (Francie) a tak dále. Hnutí trubadúrů ve Francii (konec 11. století) působilo jako nositel nové společenské myšlenky. Jeho zvláštností bylo psaní hudby na zakázku, žánrová rozmanitost písní od zápletek milostných textů až po oslavu vojenských hrdinských činů vojevůdců. Najatí zpěváci a cestující umělci šířili hudební kreativitu.

Rozvoj hudební kultury tak není možný bez realizace celé řady manažerských úkolů, jejichž řešení vyžaduje přípravu kvalifikovaného personálu v souladu s moderními sociokulturními podmínkami.

Existuje i opačný proces – komercializace (bez negativní konotace) jeviště. Ceny fanoušků za koncerty Madonny v Londýně v srpnu 2007 se tedy pohybovaly od 80 do 160 liber (od 140 do 280 dolarů) plus 13 liber za rezervaci. Turné Re-Invention, se kterým před dvěma lety absolvovala turné po Spojených státech a Evropě, vyneslo 125 milionů dolarů, více než kterákoli jiná show toho roku. Vstupenky na koncerty v Londýně pak stojí až 150 liber.

Madonna je ve skutečnosti jedním z hlavních příjemců změn, které do zábavního průmyslu přinesly mocné ekonomické síly.

1. Číslo - hlavní složka pop-artu

Představení je samostatné, kompletní představení jednoho nebo více umělců. Je to základ pop-artu – „číslo Jeho Veličenstva“ – řekl N. Smirnov-Sokolsky. Posloupnost, „montáž“ čísel je podstatou koncertu, divadelního programu nebo varietního představení. Zpočátku se pojem „číslo“ používal v doslovném smyslu, určoval pořadí umělců jdoucích za sebou: první, druhý, pátý... v estrádním (či cirkusovém) programu (také střídání jednotlivých scén v opera - „číslová opera“, v baletu).

Pro umělce vystupujícího na jevišti je číslo malým představením s vlastním začátkem, vyvrcholením a rozuzlením. Krátká délka představení (ne více než 15-20 minut) vyžaduje extrémní koncentraci výrazových prostředků, lakonismus a dynamiku. Režiséři a někdy i skladatelé, choreografové a umělci, včetně kostýmních a světelných designérů, jsou přizváni na jevištní představení.

Ve skriptu lze číslo definovat jako samostatný segment akce, který má svou vnitřní strukturu.

Struktura čísla je totožná se strukturou jakékoli dramatické akce. K akci by měl být jakýsi expoziční moment, nezbytná zápletka. Představení nemůže existovat bez vývoje, jehož intenzita závisí na konkrétních úkolech režiséra. Vrchol v aktu je nejčastěji vyjádřen jako kontrastní bod obratu, bez kterého se nemůže uskutečnit potřebná úplnost vývoje celého scénáře. Číslo je zpravidla zakončeno okamžikem rozuzlení, který dovede akci k relativní úplnosti.

Počet by měl být co do intenzity relativně krátký, ale ne krátký. Jeho trvání je přímo závislé na jeho funkci, účelu, úkolu v celkovém řešení tématu: ne méně a nic víc, než co mu přisuzuje výtvarná logika.

Dalším požadavkem na akt je vysoká koncentrace obsahu: v extrémně krátkém čase je třeba poskytnout maximum informací, a to nejen předat divákovi, ale umělecky je uspořádat za účelem emocionálního a estetického působení.

Každý hudební žánr má svou vlastní formu existence. V divadle opery je toto představení celistvým, uceleným, umělecky dotaženým dílem. Pro symfonii, dechový orchestr, lidový orchestr, komorní soubory a sólisty je touto formou koncert, který zahrnuje provedení jednoho nebo více děl. Pro hudební scénu je to také koncert, ale zvláštního druhu. Vychází z hudebních čísel různých žánrů a stylů. Například, když se zpívá za doprovodu orchestru ruských lidových nástrojů, jde o akademický koncert, v doprovodu instrumentálního souboru také lidových nástrojů jde o popový koncert. Tento rozdíl je určen specifickou výkonnostní charakteristikou každého žánru. Jedním z hlavních rysů hudebně varietního aktu, vokálního nebo instrumentálního, je specifičnost komunikace s publikem. Jevištní umělec vždy oslovuje publikum, publikum. Tento rys hudební scény má historické kořeny. I bubáci na lidových slavnostech vstupovali do přímé komunikace s posluchači. V současné době se přímá komunikace s divákem stala složitější a mnohostrannější. A. Alekseev vyjádřil tuto myšlenku velmi přesně a zajímavě ve své knize „Serious and Funny“. Na pódiu, na rozdíl od akademického koncertu, „vždycky cítíte, že to neříkají za vás, ale že mluví k vám...“.

Tento rys divadelního umění – ať už jde o hudební fejeton, verše, píseň, instrumentální skladbu – určuje podstatu a rozdíl mezi popovým číslem a akademickým výkonem. Když sólista-instrumentalista nebo zpěvák přijde na okraj jeviště, zazpívá píseň nebo zahraje hudební skladbu - není to jen představení, ale hluboce osobní, upřímný apel na ty, kdo sedí v sále, na všechny najednou a každému jednotlivci.

Různorodost je s divadlem velmi úzce spjata, formy divadelní a popové tvorby se liší. Jestliže v prvním, jak poznamenal A. Anastasyev, toto je performance, pak v umění varieté je to performance, která slovy Yu.Dmitrieva „je základem varietního umění“.

Zároveň existuje mezera ve vědě o pop music. Jednomyslné uznání, že základem a „měrnou jednotkou“ umění odrůdy je na jedné straně číslo, a na druhé straně faktická absence teorie pro vytvoření aktu odrůdy vytváří určitý druh "paradox o odrůdovém aktu." Dominantní postavení aktu ve struktuře pop-artu nás nutí k následujícímu zásadnímu závěru: právě umělecké přednosti pop-artu nakonec určují vektor vývoje pop-artu jako celku. Proto lze analýzu umělecké struktury varietního aktu v těsném spojení s metodologií jeho tvorby označit za jeden z hlavních problémů varietních studií, který vyžaduje důkladný výzkum.

Tvorba varietního aktu soustřeďuje kreativitu autora, herce, režiséra a umělce. Některé otázky tvorby autora a umělce jsou v disertační práci zohledněny při rozboru umělecké struktury problematiky, ale hlavní pozornost je zaměřena na práci herce a režiséra.

Při vytváření uměleckého obrazu v varietním aktu zaujímá vedoucí postavení herec, stejně jako v divadle. Ale na jevišti je to zvláště patrné kvůli jeho extrémní personifikaci. Praxe ukazuje, že pop umělci jsou na rozdíl od divadla často autory vlastních uměleckých děl – čísel. Kromě toho improvizační umění herce, které je základem některých popových žánrů, vyžaduje studovat zvláštnosti procesu tvorby čísla přímo v okamžiku jeho představení.

Režie varietního aktu soustřeďuje všechny složky inscenačního aktu ve spolupráci s autorem textu, skladatelem, choreografem, výtvarníkem a hercem. Tento axiom je třeba opakovat, neboť je nutno s politováním konstatovat, že ani základní aspekty teorie a praxe režisérské práce na varietním aktu nejsou téměř formulovány a už vůbec ne zobecněné. "Podle mého názoru se o práci režiséra uvnitř aktu málo hovořilo," správně poznamenala například N. Zavadskaja. "Zatím je to pro umělce nezbytné, i když má všechny odborné dovednosti." Jakékoli, i ty nejvýraznější profesionální dovednosti popového umělce se stávají nesmyslným souborem triků, repríz a jiných výrazových prostředků, pokud nejsou dovedeny ke společnému jmenovateli celistvého uměleckého obrazu, který je jednou z hlavních součástí režisérovy profese. obecně. A není důvod považovat odrůdový zákon za výjimku z tohoto pravidla.

2. Klasifikace varietních aktů podle generických varietních žánrů

Jakákoli klasifikace v umění je neúplná, a proto zde můžeme rozlišovat druhy a žánrové skupiny, přičemž se zaměřujeme pouze na čísla, která se často vyskytují ve scénářích představení. Čísla odrůd jsou klasifikována podle vlastností do čtyř skupin.

První skupina typů zahrnuje hovorová (nebo řečová) čísla. Pak jsou hudební, plasticko-choreografická, smíšená, „originální“ čísla.

Mezi konverzační žánry patří: bavič, repríza, slovní hříčka, mezihra, miniatura, parodie, popový monolog, popový fejeton, hudební fejeton, hudební mozaika, kuplety, písně, parodie.

Žánry plastických choreografických čísel: tanec (folk, charakter, pop, moderna), pantomima a plastická skica.

Žánry typové skupiny „originální akty“: excentricita, kouzelnické triky, biflování, hra na neobvyklé hudební nástroje, zvukomalebnost, populární tisky, tantamoresky, akrobacie, cirkusová představení, sportovní akty.

Zapojení diváků do přímé akce divadelního představení je jedním ze specifických rysů tohoto druhu umění. Proto je zde herní číslo ve svých různých žánrových podobách (souvisejících buď se smíšenými nebo „původními“ čísly) velmi rozšířené.

Do skupiny hudebních čísel řadíme především koncertní hudební číslo. Jeho úplnost je dána samotnou hudební formou. Pokud je úryvek z velkého díla brán jako číslo, pak by měl být relativně úplný a působit celistvým dojmem. Hlavním hudebním žánrem je píseň: lidová, lyrická, popová, městská romance, cikánská romance, hudební fejeton.

Oblíbeným žánrem hudebních čísel je ditty. Jeho rysy jsou aktuálnost, extrémní stručnost, výraznost formy a kapacita obsahu. Dity vytvořené na konkrétním materiálu jsou z hlediska efektivity nepostradatelným žánrem. Řeč znějí vždy individualizovaně, umělecky zdůvodněná, jako řeč určitého člověka nebo jako dialekt charakteristický pro konkrétní oblast, region, okraj.

Lakonicky vyjádřený obsah v ditty odpovídá jasnému složení určenému formou a strukturou čtyřverší. Jedním z charakteristických rysů této formy je organické spojení konverzační intonace s hudební strukturou. Ale obecně je ditty číslo konstruováno jako efektivní prvek programu, který je v něm dokončen.

Čtyřřádková sloka ditty je při zpívání rozdělena na dvě půlsloky s hlubokou pauzou uprostřed. Pauza připravuje na nový, obvykle nečekaný obrat, rozuzlení tématu „deklarovaného“ na začátku. První dvojverší hraje zpravidla roli začátku, dává jakoby začátek lyrického vyprávění; druhé dvojverší je zakončení: rozvinutí tématu a konečný závěr. Právě tato dramatická struktura z ní dělá extrémně výrazný, efektní žánr, snadno vnímatelný posluchači.

Ditties s „rezervacemi“ mají velký emocionální dopad.

3. Žánry pop-artu

Kořeny pop artu sahají do daleké minulosti, vysledované v umění Egypta, Řecka, Říma; jeho prvky jsou přítomny v představeních kočovných komiků-bubáků (Rusko), shpilmanov (Německo), kejklířů (Francie), dandies (Polsko), maškarních (Střední Asie) atd.

Satira na městský život a morálku, ostré vtipy na politická témata, kritický postoj k moci, kuplety, komické scénky, vtipy, hry, klaunská pantomima, žonglování a hudební výstřednosti byly počátky budoucích popových žánrů, zrozených v hluku karnevalu. a čtvercové zábavy.

Předchůdci bavičů se později stali Barkeři, kteří pomocí vtipů, vtipů a vtipných kupletů prodávali jakýkoli produkt na náměstích a trzích. To vše bylo masivního a srozumitelného charakteru, což bylo nezbytnou podmínkou existence všech popových žánrů. Všichni středověcí karnevaloví účinkující nepředvedli vystoupení.

Variety umění se vyznačuje takovými kvalitami, jako je otevřenost, lakonicismus, improvizace, slavnost, originalita a zábava.

Pop music, která se vyvíjela jako umění svátečního volného času, vždy usilovala o nevšednost a rozmanitost. Samotný pocit slavnosti vznikl díky vnější zábavě, hře světla, změně malebné scenérie, změně tvaru jeviště atd. Navzdory skutečnosti, že jeviště se vyznačuje různými formami a žánry, lze jej rozdělit do tří skupin:

Koncertní scéna (dříve nazývaná „divertissement“) spojuje všechny typy vystoupení v estrádních koncertech;

Slavnostní scéna (lidové slavnosti, svátky na stadionech, plná sportovních a koncertních vystoupení, ale i plesů, karnevalů, maškar, festivalů atd.).

Existují také tyto:

1. Varietní divadla

2. Hudební sály

V září 1928 došlo k otevření Leningradské hudební síně.

Popový monolog může být satirický, lyrický nebo humorný.

Mezihra je komická scéna nebo hudební skladba s humorným obsahem, která se hraje jako samostatné číslo.

Scénka je malá scéna, kde se rychle rozvíjí intriky, kde nejjednodušší děj je postaven na nečekaných vtipných, drásavých situacích, obratech, umožňujících během akce vzniknout celé řadě absurdit, ale kde vše zpravidla končí šťastným rozuzlení. 1-2 znaky (ale ne více než tři).

Slovní hříčka je vtip založený na komickém použití podobně znějících, ale odlišně znějících slov k rozehrání zvukové podobnosti ekvivalentních slov nebo kombinací.

Repríza je nejběžnější krátký konverzační žánr.

Páry jsou jednou z nejsrozumitelnějších a nejoblíbenějších odrůd konverzačního žánru. Kuptista se snaží zesměšnit ten či onen jev a vyjádřit svůj postoj k němu. Musí mít smysl pro humor

Mezi hudební a konverzační žánry patří kuplet, ditty, chansonette a hudební fejeton.

5. Jazz na pódiu

6. Píseň na pódiu

Žánry a formy písně jsou rozmanité: romance, balada, lidová píseň, kuplet, písně, šansoneta atd.; Způsoby provedení jsou také rozmanité: sólové, ansámblové (dueta, sbory, vokálně-instrumentální soubory).

Mezi popovými hudebníky existuje i skladatelská skupina. Jde o Antonova, Pugačeva, Gazmanova, Lozu, Kuzmina, Dobrynina, Kornelyuka atd. Předchozí píseň byla především skladatelská, současná je „interpretova“.

Mnoho stylů, způsobů a trendů koexistuje – od sentimentálního kýče a městské romantiky po punk rock a rap. Dnešní píseň je tedy pestrobarevným a mnohostylovým panelem zahrnujícím desítky směrů, od domácích napodobenin folklóru až po nálevy afroamerických, evropských a asijských kultur.

7. Tanec na pódiu

Toto je krátké taneční číslo, sólové nebo skupinové, prezentované na národních popových koncertech, varietních show, hudebních sálech a miniaturních divadlech; doprovází a doplňuje program vokalistů, množství originálních a dokonce i řečových žánrů. Vznikl na základě lidového, každodenního (společenského) tance, klasického baletu, moderního tance, gymnastiky, akrobacie a na křížení všemožných cizích vlivů a národních tradic. Povaha taneční plasticity je diktována moderními rytmy a utváří se pod vlivem příbuzných umění: hudby, divadla, malby, cirkusu, pantomimy.

Lidové tance byly zpočátku zařazovány do vystoupení stoličních souborů. Repertoár zahrnoval divadelní zpestření vesnického, městského a vojenského života, vokální a taneční suity ruských lidových písní a tanců.

V 90. letech se tanec na pódiu ostře polarizoval, jako by se vracel do situace 20. let. Taneční skupiny zapojené do showbyznysu, jako Erotic Dance a další, spoléhají na erotiku – vystoupení v nočních klubech si diktují vlastní zákony.

8. Loutky na jevišti

Od starověku byly v Rusku oceňovány ruční práce, byly milovány hračky a byly respektovány zábavné hry s panenkami. Petruška se vypořádal s vojákem, policistou, knězem a dokonce i se smrtí samotnou, statečně se oháněl kyjem, usmrtil ty, které lid neměl rád, svrhl zlo a potvrzoval lidovou morálku.

Petrželáci se toulali sami, někdy spolu: loutkář a muzikant, sami skládali divadelní hry, sami byli herci, sami byli režiséři - snažili se zachovat pohyby loutek, mizanscény, loutky triky. Loutkáři byli pronásledováni.

Byly i další pořady, ve kterých loutky účinkovaly. Na ruských silnicích byly k vidění dodávky naložené panenkami na provázcích – loutkami. A někdy s krabicemi se štěrbinami uvnitř, kterými se panenky zespodu přemisťovaly. Takovým krabicím se říkalo betlémy. Loutky ovládaly umění napodobování. Rádi se vydávali za zpěváky, kopírovali akrobaty, gymnasty a klauny.

9. Parodie na jevišti

Jedná se o číslo či performance založenou na ironickém napodobování (imitaci) jak individuálního způsobu, stylu, charakteristických rysů a stereotypů předlohy, tak celých směrů a žánrů v umění. Amplituda komiksu: od ostře satirického (hanlivého) po humorný (přátelský kreslený film) určuje postoj parodisty k předloze. Parodie má své kořeny ve starověkém umění, v Rusku je již dlouho přítomná v buvolích hrách a fraškovitých představeních.

10. Malá divadla

Vytvoření kabaretních divadel v Rusku „The Bat“, „Curved Mirror“ atd.

Jak „Křivé zrcadlo“, tak „Netopýr“ byly profesionálně silné herecké skupiny, jejichž úroveň divadelní kultury byla nepochybně vyšší než v četných miniaturních divadlech (z těch moskevských vyčníval Petrovský, jehož ředitelem byl D.G. Gutman, více než jiní Mamonovskij, pěstující dekadentní umění, kde debutoval Alexander Vertinskij za první světové války, Nikolskij - výtvarník a režisér A.P. Petrovskij. Mezi Petrohradem - Troitsky A.M. Fokina - režisér V.R. Rappoport, kde s dítky a jak se bavič úspěšně v podání V. O. Toporkova, pozdějšího umělce uměleckého divadla.).

4. Hudební žánry na jevišti. Základní principy, techniky a režie

Popové žánry se rozlišují:

1. Latinskoamerická hudba

Latinskoamerická hudba (španělsky musica latinoamericana) je zobecněný název pro hudební styly a žánry latinskoamerických zemí a také hudbu lidí z těchto zemí, kteří kompaktně žijí na území jiných států a tvoří velké latinskoamerické komunity (např. například v USA). V hovorové řeči se často používá zkrácený název „latinská hudba“ (španělsky musica latina).

Latinskoamerická hudba, jejíž role v každodenním životě Latinské Ameriky je velmi vysoká, je fúzí mnoha hudebních kultur, ale je založena na třech složkách: španělské (nebo portugalské), africké a indické hudební kultuře. Latinskoamerické písně se zpravidla hrají ve španělštině nebo portugalštině, méně často ve francouzštině. Latinskoameričtí umělci žijící ve Spojených státech jsou obvykle bilingvní a často používají anglické texty.

Španělská a portugalská hudba ve skutečnosti k latinskoamerické hudbě nepatří, je však s ní úzce spojena velkým množstvím spojení; Navíc vliv španělské a portugalské hudby na latinskoamerickou hudbu je vzájemný.

Navzdory skutečnosti, že latinskoamerická hudba je extrémně heterogenní a každá země v Latinské Americe má své vlastní charakteristiky, stylově ji lze rozdělit do několika hlavních regionálních stylů:

* andská hudba;

* středoamerická hudba;

* Karibská hudba;

* Argentinská hudba;

* mexická hudba;

* Brazilská hudba.

Je však třeba mít na paměti, že takové dělení je velmi svévolné a hranice těchto hudebních stylů jsou velmi neostré.

Blues (anglicky: blues from blue devils) je hudební žánr, který se rozšířil ve 20. letech 20. století. Je to jeden z výdobytků afroamerické kultury. Vznikla z takových etnických hudebních trendů afroamerické společnosti, jako jsou „pracovní píseň“, „duchovní“ a cholera. V mnoha ohledech ovlivnil moderní populární hudbu, zejména takové žánry jako „pop“ (anglická pop music), „jazz“ (anglický jazz), „rock and roll“ (anglický rock „n“ roll). Převládající forma blues je 4/4, kde se často hrají první 4 takty na tónickou harmonii, po 2 na subdominantu a tóniku a po 2 na dominantu a tóniku. Toto střídání je také známé jako bluesová progrese. Často se používá rytmus osmých trojic s pauzou - tzv. shuffle. Charakteristickým rysem blues jsou „modré tóny“. Hudba je často postavena na struktuře „otázka-odpověď“, vyjádřené jak v lyrickém obsahu skladby, tak v hudebním obsahu, často postaveném na dialogu mezi nástroji. Blues je improvizační forma hudebního žánru, kde skladby často využívají pouze hlavní nosný „rámec“, který hrají sólové nástroje. Originální bluesové téma je postaveno na smyslné sociální složce života afroamerické populace, jejích potížích a překážkách, které se objevují na cestě každého černocha.

Jazz je forma hudebního umění, která se objevila na konci 19. a na začátku 20. století ve Spojených státech jako výsledek syntézy afrických a evropských kultur a následně se rozšířila. Charakteristickými rysy hudebního jazyka jazzu byly zpočátku improvizace, polyrytmus založený na synkopických rytmech a unikátní soubor technik pro provedení rytmické textury - swing. K dalšímu rozvoji jazzu došlo díky vývoji nových rytmických a harmonických modelů jazzovými hudebníky a skladateli.

Country hudba kombinuje dva druhy amerického folklóru – hudbu bílých osadníků, kteří se usadili v Novém světě v 17.–18. století, a kovbojské balady Divokého západu. Tato hudba má silné dědictví z alžbětinských madrigalů a irské a skotské lidové hudby. Hlavními hudebními nástroji tohoto stylu jsou kytara, banjo a housle.

„The Little Old Log Cabin in the Lane“ je první „zdokumentovaná“ country píseň, kterou v roce 1871 napsal Will Heiss z Kentucky. O 53 let později Fiddin John Carson nahrál tuto skladbu na desku. V říjnu 1925 začal fungovat rozhlasový program Grand Ole Opry, který dodnes živě vysílá koncerty country hvězd.

Country hudba jako hudební průmysl začala nabírat na síle koncem 40. let. díky úspěchu Hanka Williamse (1923-53), který nejenže nastavil image country zpěváka pro několik dalších generací, ale nastínil i typická témata žánru - tragickou lásku, osamělost a útrapy pracovního života. Už v té době existovaly v country různé styly: Western swing, který převzal principy aranžmá z dixielandu – zde byl králem žánru Bob Wills a jeho Texas Playboys; bluegrass, kterému dominuje zakladatel Bill Monroe; Styl hudebníků, jako byl Hank Williams, se tehdy nazýval hillbilly. V polovině 50. let 20. století. country hudba spolu s prvky z jiných žánrů (gospel, rhythm and blues) dala vzniknout rokenrolu. Okamžitě se objevil hraniční žánr - rockabilly - s ním začali svou tvůrčí kariéru takoví zpěváci jako Elvis Presley, Carl Perkins a Johnny Cash - není náhoda, že všichni nahrávali ve stejném studiu Memphis Sun Records. Díky úspěchu alba „Gunfighter Ballads and Trail Songs“ (1959) Martyho Robbinse se jako žánr prosadil žánr country a western, kterému dominovaly příběhy ze života Divokého západu.

Chanson (francouzský chanson - "píseň") je žánr vokální hudby; slovo se používá ve dvou významech:

2) Francouzská popová píseň v kabaretním stylu (v ruštině se naklání).

Blatnajská píseň (blatnojský folklór, blatnyak) je písňový žánr oslavující život a zvyky kriminálního prostředí, původně navržený pro prostředí vězňů a lidí blízkých kriminálnímu světu. Vznikl v Ruské říši a rozšířil se v Sovětském svazu a následně v zemích SNS. Postupem času se v žánru kriminální hudby začaly psát písně, které přesahují kriminální tematiku, ale zachovávají si její charakteristické rysy (melodie, žargon, vyprávění, světonázor). Od 90. let 20. století je kriminální píseň v ruském hudebním průmyslu uváděna na trh pod názvem „Ruský šanson“ (srov. rozhlasová stanice a stejnojmenné ceny).

Romance v hudbě je vokální skladba napsaná na krátkou báseň lyrického obsahu, především lásky.

Autorská píseň neboli bardská hudba je písňový žánr, který vznikl v polovině 20. století v SSSR. Žánr se rozrostl v 50. a 60. letech 20. století. z amatérských představení, bez ohledu na kulturní politiku sovětských úřadů, a rychle si získal širokou popularitu. Hlavní důraz je kladen na poezii textu.

6. Elektronická hudba

Elektronická hudba (z anglického Electronic music, hovorově také „elektronika“) je široký hudební žánr, který označuje hudbu vytvořenou pomocí elektronických hudebních nástrojů. Přestože se první elektronické nástroje objevily na počátku 20. století, elektronická hudba jako žánr se rozvíjela v druhé polovině 20. století a na počátku 21. století zahrnuje desítky odrůd.

7. Rocková hudba

Rocková hudba je obecný název pro řadu oblastí populární hudby. Slovo „rock“ - houpat se - v tomto případě označuje rytmické vjemy charakteristické pro tyto pohyby spojené s určitou formou pohybu, analogicky s „koulením“, „kroucením“, „houpáním“, „třesem“ atd. Takové znaky rockové hudby, jako je používání elektrických hudebních nástrojů, tvůrčí soběstačnost (rockoví hudebníci obvykle hrají vlastní skladby) jsou druhořadé a často zavádějící. Z tohoto důvodu je identita některých hudebních stylů jako rocku sporná. Také rock je zvláštním subkulturním fenoménem; subkultury jako mods, hippies, punks, metalheads, goths, emo jsou neoddělitelně spjaty s určitými žánry rockové hudby.

Rocková hudba má velké množství směrů: od lehkých žánrů jako je taneční rokenrol, pop rock, Britpop až po brutální a agresivní žánry – death metal a hardcore. Obsah písní se liší od světlých a ležérních až po temné, hluboké a filozofické. Rocková hudba je často stavěna do kontrastu s pop music a tzv. „pop“, ačkoli mezi pojmy „rock“ a „pop“ není jasná hranice a na hranici mezi nimi balancuje mnoho hudebních fenoménů.

Původ rockové hudby leží v blues, ze kterého vzešly první rockové žánry – rock and roll a rockabilly. První podžánry rockové hudby vznikaly v těsném spojení s tehdejší lidovou a popovou hudbou - především folk, country, skiffle a music hall. Za dobu její existence se objevily pokusy kombinovat rockovou hudbu s téměř všemi možnými druhy hudby - s akademickou hudbou (art rock, objevuje se koncem 60. let), jazzem (jazz rock, objevuje se koncem 60. let - začátkem 70. let -x) , latinská hudba (latinsky rock, objevuje se koncem 60. let), indická hudba (raga rock, objevuje se v polovině 60. let). V 60.-70. letech se objevily téměř všechny největší subžánry rockové hudby, z nichž nejdůležitější jsou kromě uvedených hard rock, punk rock a avantgardní rock. Koncem 70. a začátkem 80. let se objevily takové žánry rockové hudby jako post-punk, nová vlna, alternativní rock (ačkoli raní představitelé tohoto směru se objevili již koncem 60. let), hardcore (velký subžánr punk rocku), např. i brutální subžánry metalu - death metal, black metal. V 90. letech byly široce rozvinuty žánry grunge (objevil se v polovině 80. let), Britpop (objevil se v polovině 60. let) a alternativní metal (objevil se koncem 80. let).

Hlavními centry vzniku a rozvoje rockové hudby jsou USA a západní Evropa (zejména Velká Británie). Většina textů je v angličtině. Nicméně, i když se zpravidla s určitým zpožděním objevila národní rocková hudba téměř ve všech zemích. Ruskojazyčná rocková hudba (tzv. ruský rock) se v SSSR objevila již v 60. – 70. letech 20. století. a svého vrcholu dosáhla v 80. letech 20. století, dále se rozvíjela v 90. letech.

8. Ska, rocksteady, reggae

Ska je hudební styl, který se objevil na Jamajce koncem 50. let. Vznik stylu je spojen [zdroj neuveden 99 dní] s nástupem soundsystémů, které umožnily tančit přímo na ulici.

Zvukové instalace nejsou jen stereo reproduktory, ale zvláštní forma pouličních diskoték, s DJs a jejich mobilními stereo systémy, se zvyšující se soutěží mezi těmito DJs o nejlepší zvuk, nejlepší repertoár a tak dále.

Styl je charakteristický houpavým 2/4 rytmem, kdy kytara hraje na sudé údery bubnu a kontrabas nebo baskytara klade důraz na ty liché. Melodii hrají dechové nástroje, jako je trubka, trombon a saxofon. Mezi ska melodiemi najdete jazzové melodie.

Rocksteady („rock steady“, „rocksteady“) je hudební styl, který existoval na Jamajce a v Anglii v 60. letech 20. století. Základem stylu jsou karibské rytmy ve 4/4 se zvýšenou pozorností na klávesy a kytary.

Reggae (anglicky reggae, jiná hláskování „reggae“ a „reggae“), jamajská populární hudba, byla poprvé zmíněna koncem 60. let 20. století. Někdy se používá jako obecný název pro veškerou jamajskou hudbu. Úzce souvisí s dalšími jamajskými žánry - rocksteady, ska a dalšími.

Dub je hudební žánr, který se objevil na začátku 70. let na Jamajce. Zpočátku byly nahrávky v tomto žánru reggae písně s (někdy částečně) odstraněnými vokály. Od poloviny 70. let se dub stal nezávislým fenoménem, považovaným za experimentální a psychedelickou odrůdu reggae. Hudební a ideologický vývoj dubu dal vzniknout technologii a kultuře remixů a také přímo či nepřímo ovlivnil vývoj nové vlny a takových žánrů jako hip-hop, house, drum and bass, trip-hop, dub-techno , dubstep a další.

Pop music (anglicky: Pop-music from Popular music) je směr moderní hudby, typ moderní masové kultury.

Termín "pop music" má dvojí význam. V širokém slova smyslu se jedná o jakoukoli masovou hudbu (včetně rocku, elektroniky, jazzu, blues). V užším smyslu jde o samostatný žánr populární hudby, pop music sama o sobě s určitými charakteristikami.

Hlavními rysy pop music jako žánru jsou jednoduchost, melodie, spoléhání se na vokály a rytmus s menší pozorností věnovanou instrumentální složce. Hlavní a prakticky jedinou formou kompozice v pop music je píseň. Texty pop music se obvykle zabývají osobními pocity.

Pop music zahrnuje subžánry jako Europop, Latin, disco, electropop, taneční hudba a další.

10. Rap (hip-hop)

Hip-hop je kulturní hnutí, které vzniklo mezi dělnickou třídou v New Yorku 12. listopadu 1974. DJ Afrika Bambaataa byl první, kdo definoval pět pilířů hip-hopové kultury: MCing, DJing, breaking, psaní graffiti a znalost. Mezi další prvky patří beatbox, hip-hopová móda a slang.

Hip-hop, který pochází z jižního Bronxu, se v 80. letech stal součástí kultury mládeže v mnoha zemích po celém světě. Od konce 90. let se hip-hop z pouličního undergroundu s vysoce sociální orientací postupně stal součástí hudebního průmyslu a v polovině prvního desetiletí tohoto století se subkultura stala „módní“ a „ hlavní proud". Navzdory tomu však mnoho postav hip-hopu stále pokračuje ve své „hlavní linii“ - protest proti nerovnosti a nespravedlnosti, opozici vůči mocnostem.

Je známo, že režie varieté se dělí na režii varietního představení a režii varietního aktu.

Metodika práce na varietním představení (koncert, revue, show) zpravidla neobsahuje úkol vytvářet čísla, z nichž se skládá. Režisér spojuje připravená čísla s dějovou linkou, jednotným tématem, buduje děj představení, organizuje jeho temporytmickou strukturu a řeší problémy hudebního, scénografického a světelného designu. To znamená, že stojí před celou řadou uměleckých a organizačních problémů, které vyžadují řešení v programu jako celku a přímo nesouvisejí se samotným varietním aktem. Tuto pozici potvrzuje teze slavného režiséra varietních představení I. Sharoeva, který napsal, že „režisér nejčastěji přijímá akty od specialistů na různé žánry a z nich pak vytváří estrádní program, akt má velkou nezávislost. “

Práce na varietním aktu vyžaduje od režiséra řešení řady specifických problémů, se kterými se při inscenování velkého programu nesetká. To je v prvé řadě schopnost odhalit individualitu umělce, budovat dramaturgii aktu, pracovat s reprízou, trikem, gagem, znát a zohledňovat povahu konkrétních výrazových prostředků aktu a mnoho více.

Mnoho metodologických postulátů pro vytvoření představení je založeno na společných základních principech, které existují v dramatickém, hudebním divadle a cirkusu. Pak se ale na základ staví úplně jiné stavby. Ve scénické režii je patrné specifikum, které je dáno především žánrovou typologií varietního aktu.

Režisér jako tvůrce na jevišti dosahuje v představení nejvyššího cíle každého umění – vytvoření uměleckého obrazu, který tvoří tvůrčí stránku profese. V procesu inscenace však specialista pracuje na technologii výrazových prostředků. Je to dáno samotnou povahou některých žánrů: řekněme, že většina podžánrových variet sportů a cirkusu vyžaduje cvičnou a tréninkovou práci s trenérem na sportovních prvcích a speciálních tricích; práce na vokálním čísle je nemožná bez lekcí od specializovaného učitele zpěvu; V choreografickém žánru je zásadní role choreografa-tutora.

Někdy se tito techničtí specialisté hlasitě nazývají divadelními režiséry, i když jejich činnost je ve skutečnosti omezena pouze na budování speciální kaskadérské nebo technické složky rutiny - nezáleží na tom, zda jde o akrobacii, tanec nebo zpěv. Zde je na místě mluvit o vytváření uměleckého obrazu. Když přední pop mistři (zejména v originálních žánrech) sdílejí tajemství svých dovedností v tištěných dílech, popisují především techniky kouzelnických triků, akrobacie, žonglování atd.

Rád bych ještě jednou zdůraznil, že umělecká struktura varietního aktu je složitá, různorodá a často konglomerativní. Inscenace varietního aktu je proto jednou z nejobtížnějších činností režiséra. "Udělat dobrý výkon, i když trvá jen pár minut, je velmi těžké. A zdá se mi, že se tyto obtíže podceňují. Možná proto si tak vážím a oceňuji umění těch, kterým se někdy poněkud hanlivě říká baviči, kteří jsou baviči." dát jim nepříliš čestné místo v nepsané škále profesí.“ Tato slova S. Yutkeviche opět potvrzují důležitost analýzy umělecké struktury varietního aktu s konečným cílem prostudovat základy metodologie jeho tvorby, zejména z hlediska režijní a produkční práce.

Závěr

Variety art (z francouzského estrade - platforma, elevace) je syntetický druh jevištního umění, který kombinuje malé formy dramatu, komedie, hudby, stejně jako zpěv, umění. četba, choreografie, excentricita, pantomima, akrobacie, žonglování, iluzionismus atd. I přes svou mezinárodní povahu si zachovává své lidové kořeny, které mu dodávají zvláštní národní příchuť. Pocházejí z renesance na pouličním jevišti a počínaje klaunstvím, primitivními fraškami, biflování se vyvíjelo v různých zemích různě, upřednostňovalo ten či onen žánr, ten či onen obraz masky.

V estrádních programech salonů, kroužků a klubů, které vznikly později, ve stáncích, hudebních sálech, kavárnách, kabaretech, miniaturních divadlech a na dochovaných varietních zahrádkách, veselý humor, vtipné parodie a kreslené filmy, sžíravá komunální satira, vyhrocená hyperbola, groteska, groteska, hravá ironie, oduševnělé texty, módní taneční a hudební rytmy. Jednotlivá čísla vícehlasé rozmanitosti zpestření jsou na jevišti často držena pohromadě komparací nebo jednoduchou zápletkou a divadla jednoho či dvou herců, soubory (baletní, muzikálové atd.) - originálním repertoárem, vlastní dramaturgií. Variety umění je orientováno na nejširší publikum a spoléhá se především na dovednost interpretů, na jejich techniku zosobnění, schopnost vytvářet velkolepou zábavu pomocí lakonických prostředků a jasný charakter - častěji komediálně-negativní než pozitivní. . Odhalováním svých antihrdinů se obrací k metaforickým rysům a detailům, k bizarnímu prolínání věrohodnosti a karikatury, skutečného a fantastického, čímž pomáhá vytvářet atmosféru odmítání jejich životních prototypů, opozice vůči jejich prosperitě ve skutečnosti. Populární umění se vyznačuje aktuálností, kombinací v nejlepších příkladech zábavy s vážným obsahem, výchovnými funkcemi, kdy zábavu doplňuje rozmanitá emocionální paleta, někdy i společensko-politický, civilní patos. Showbyznys, generovaný buržoazní masovou kulturou, je zbaven té druhé kvality. Téměř všechny provozní „malé“, „lehké“ odrůdy, včetně běžného „zelí“, se vyznačují relativně krátkou životností, rychlým znehodnocováním masek, což závisí na vyčerpání relevance tématu, realizaci společenských zakázek, změny v zájmu a potřebách publika. Pop-art jako jedna z nejdynamičtějších forem umění a zároveň starodávnější umění podléhá nemoci ražení, poklesu umělecké a estetické hodnoty talentovaných nálezů až po jejich přeměnu v kýč. Vývoj je silně ovlivněn takovými „technickými“ uměními, jako je kino a zejména televize, které do svých programů často zařazují estrády a koncerty. Díky tomu získávají tradiční formy a techniky jeviště nejen větší měřítko a převahu, ale i psychologickou hloubku (využití zblízka, dalších výtvarných a výrazových prostředků obrazovkového umění) a živou zábavu.

V systému múzických umění dnes pop music pevně zaujímá samostatné místo a představuje samostatný fenomén umělecké kultury. Obliba populární hudby mezi nejširším a nejrozmanitějším publikem ji nutí reagovat na protichůdné estetické potřeby různých skupin obyvatelstva sociálním, věkovým, vzdělanostním i národnostním složením. Tento rys pop artu do značné míry vysvětluje přítomnost negativních aspektů v profesionální, estetické a vkusné přednosti popových děl. Masivní velikost popového publika v minulosti i současnosti, jeho heterogenita, potřeba skloubit zábavní a vzdělávací funkce v pop-artu klade na tvůrce pop-artových děl specifické požadavky a klade na ně zvláštní odpovědnost.

...

Podobné dokumenty

Úvaha o životě a rozbor tvůrčí cesty profesora I.G. Sharoeva. Jeho role a význam ve vývoji sovětského hudebního a pop-artu. Vzpomínky na absolventy katedry - zpěvačku Allu Pugachevovou a režiséra Andrei Dennikova.

práce v kurzu, přidáno 04.06.2011

Koncepce, struktura a vlastnosti inscenace představení jako kompletní performance jednoho umělce. Charakteristika čísel hovorových, plasticko-choreografických, hudebních, smíšených a „originálních“. Historie vývoje spektakulárních žánrů pop artu.

práce v kurzu, přidáno 11.11.2010

Tanec jako forma umění, jeho filozofické aspekty. Společenský a pedagogický význam společenských tanců, historické aspekty jejich vývoje. Národní a mezinárodní v choreografickém obrazu. Latinskoamerické a evropské taneční programy.

práce v kurzu, přidáno 25.06.2009

Specifičnost a povaha herectví. Jednota fyzického a duševního, objektivního a subjektivního v jednání. Základní principy výcviku herce. Pojem vnitřní a vnější technologie. Charakteristické rysy práce popového herce.

test, přidáno 29.12.2010

Vývoj různých forem divadelního umění v Japonsku. Rysy představení v divadle Noo. Charakteristika divadla Kabuki, které je syntézou zpěvu, hudby, tance a dramatu. Heroická a milostná představení divadla Kathakali.

prezentace, přidáno 4.10.2014

Historie a modernost čínského cirkusu, čtyři slavné školy cirkusového umění. Vývoj cirkusového umění v Nové Číně, jeho rysy, charakteristické rysy. Slavné soubory, jejich účast na 9. čínském mezinárodním cirkusovém festivalu "Wuqiao".

práce v kurzu, přidáno 05.08.2009

Přední tvůrčí směry ve vývoji sovětského divadla ve 20.–30. letech 20. století. Vliv společensko-politického myšlení na vývoj divadelního umění ve 20. a 30. letech 20. století. Lunacharsky A.V. jako teoretik a ideolog sovětského divadla. Politická cenzura repertoáru.

práce, přidáno 30.04.2017

Poloha Indie v subekvatoriálním a tropickém pásmu, bohatá flóra a fauna, rozmanitost obyvatelstva. Dějiny národností a náboženství. Vývoj literatury, filozofie, umění, dramatu. Význam indických tanců a vznik divadla.

test, přidáno 12.11.2009

Biblické příběhy jako základ figurativního a sémantického systému středověkého umění. Rysy románského a gotického stylu v architektuře. Lyrická rytířská poezie trubadúrů ve středověké Evropě, její vliv na vývoj hudby, tance a divadla.

prezentace, přidáno 23.09.2011

Viscontiho vášeň pro hudbu a divadlo. Pracujte jako asistent režiséra Jeana Renoira. Účast na natáčení filmů "Tosca", "Days of Glory". Činnost divadelního režiséra. Umění pracovat s herci. Vznik uměleckého hnutí - neorealismus.