Mytologická zápletka v různých typech umění. Mytologické náměty v uměleckých dílech

Mýty starověkého Řecka jsou vzrušujícími dobrodružstvími bohů, hrdinů a zlých tvorů. Jsou zajímavé ve všech směrech.

Tohle je zábava horší než hollywoodské trháky. A možnost pochopit úplně jiný světonázor lidí předkřesťanské civilizace.

O mýtech víme nejen díky antickým autorům.

Umělci, kteří žili před naším letopočtem, také aktivně vytvářeli fresky s mytologickými náměty. A některé z nich přežily dodnes.

Dionýsos (Bacchus) se setkává s Ariadnou na ostrově Naxos. Freska ve Stabiae, vila Ariadne, 1 př.nl.

Ale na téměř 1,5 tisíce let z umění zmizely mýty.

V malbě se znovu objevily až v . V 15. století se v Římě začaly kopat sochy z dob římské říše (kopie děl starořeckých mistrů). Zájem o starověké Řecko začal růst. Stalo se módním a tehdy povinným čtením antických autorů.

A již v 16. a 17. století byly mýty jedním z nejoblíbenějších námětů v malířství.

Mytologické obrazy pro moderního diváka

Když jste v muzeu, je nepravděpodobné, že byste se dlouho zdrželi před obrazy s mytologickými náměty. Z jednoho prostého důvodu.

My jsme málo obeznámeni s mýty starověkého Řecka.

Ano, známe Herkula. Slyšeli jste o Perseovi a Andromedě? A jmenujme pár starověkých bohů jako Zeus a Athéna.

Ale kdo se nyní může pochlubit, že četl alespoň Homérovu Odysseu? Sám jsem ji četl, až když mi bylo 30 let.

A pokud nerozumíte zápletce obrázku, bude těžké si to užít. Protože se objeví bariéra ve formě zmatku: "Kdo jsou všichni tito lidé?"

Ale pokud je zápletka jasná, pak se před našima jasnýma očima okamžitě odhalí malebné rysy obrazu.

Tento článek je malou sbírkou mytologických obrazů.

Pomohu vám nejprve pochopit jejich hrdiny a symboly. A pak si společně vychutnáme všechny přednosti těchto mistrovských děl.

Botticelli. Jaro (průvodce obrazem). 1482 Galerie Uffizi, Florencie

Botticelli jako první v historii evropského malířství (po starověkých Řekech a Římanech) zobrazil mytologické hrdiny.

Botticelliho mytologické obrazy jsou někdy nelichotivě nazývány obrazovým komiksem. Hrdinové stojí v řadě. Navzájem se nestýkají. Zbývá pouze přidat bubliny.

Ale byl to Botticelli, kdo jako první, o 1,5 tisíce let později, ztvárnil mýty. Takže může.

Navíc toto uspořádání v řadě nebrání tomu, aby stejné „Jaro“ od Botticelliho bylo jedním z nejkrásnějších obrazů na světě.

„Jaro“ je také jedním z nejzáhadnějších obrazů. Existuje mnoho jeho výkladů. Vybral jsem ten, který mi osobně připadá nejvěrohodnější. A doplnila to vlastními myšlenkami.

2. Tizian. Bakchus a Ariadna

Tizian. Bakchus a Andromeda (průvodce obrazem). 1620 Národní galerie v Londýně

Po Botticellim mnoho umělců zobrazilo mýty během renesance. Ale nejplodnější byl Tizian.

Jeho mýty jsou úplně jiné. To jsou již konkrétní příběhy, jako „Setkání Bakcha a Andromedy na ostrově Naxos“.

Jsou to také prudké pohyby, jako je skok boha vína z vozu na nohy krásky. Jsou to emoce vyjádřené v pózách, jako je Andromedino překvapení a strach. A také realistická krajina, která je pro hrdiny pozadím.

3. Rubens. Perseus a Andromeda

Peter Paul Rubens. Perseus zachrání Andromedu (průvodce k obrázku). 1622 Ermitáž, Petrohrad

Po Tizianovi konečně přišly do módy mytologické obrazy. Umělci následujících generací se naučili všechny lekce velkého mistra. Ty ale kompozice značně zkomplikovaly.

Tentýž Rubens doslova „tlačil“ těla svých hrdinů k sobě. A před námi je neuvěřitelné propletení rukou, hlav a nohou.

Proto je pro nás tak těžké vychutnat si mytologické obrazy 17. století. Nejen, že zápletky nejsou vždy známé, ale také je potřeba vidět všechny postavy.

Zlatou dobou mytologických obrazů je tedy 16.–17. století.

V 18. století je mírně vytlačily docela pozemské a sladké krásy rokoka.

A koncem 19. století je vystřídal realismus a impresionismus. Mýty konečně vyšly z módy.

Ale mytologické obrazy stále visí v muzeích. Jsou přece velmi důležitou kulturní vrstvou. A jen malé mezery v našich znalostech nám brání plně si je užít.

Odeslat svou dobrou práci do znalostní báze je jednoduché. Použijte níže uvedený formulář

Studenti, postgraduální studenti, mladí vědci, kteří využívají znalostní základnu ve svém studiu a práci, vám budou velmi vděční.

Vloženo na http://www.allbest.ru/

Městský vzdělávací ústav „Lyceum č. 11 pojmenované po. T.I. Alexandrova, Yoshkar-Ola"

Výzkum

Na téma: „Mytologické předměty v malbě“

Vědecký poradce:

Kosova Světlana Ivanovna, učitelka

kresba a výtvarné umění první kvalifikační kategorie.

Žák 11 třídy "A":

Shparber Ksenia

Yoshkar-Ola 2015

Úvod

Mýtus je legenda, která ztělesňuje představy starých národů o původu světa a různých přírodních jevech. Mýty vyprávějí příběhy o bozích, duších, zbožštěných hrdinech a předcích. Vznikly během primitivní společnosti, na úsvitu lidské existence. Starověký člověk nemohl pochopit důvody výskytu různých přírodních jevů. V jeho hlavě se objevilo mnoho otázek: jak se lidé objevili na zemi? Proč hřmí a prší? z jakého důvodu fouká vítr? atd. Protože lidé nebyli schopni přistupovat k těmto otázkám z vědeckého hlediska, přicházeli s vlastními odpověďmi, které mu byly srozumitelné. Tyto odpovědi se staly mýty.

Tato práce je relevantní, protože mýty a umění jsou nedílnou součástí kultury. Smyslem práce je dokázat tvrzení, že mýty jsou nevyčerpatelným zdrojem kreativity umělců různých dob a epoch. Cíle výzkumu: odhalit pojem mýtus, ukázat historii vývoje mýtu v umění, dokázat hypotézu. Objekty: Sandro Botticelli „Zrození Venuše“, Santi Raphael „Vision of Izzekiel“, Nicolas Poussin „Království Flory“, Francois Boucher „Jupiter a Callisto“, Karl Bryullov „Poslední den Pompejí“.

1. Hlavní část

Mýtus je nejen historicky první formou kultury, ale mění i duševní život člověka. Podstatou mýtu je, že představuje spojení člověka se silami existence přírody nebo společnosti. Vše se oživuje a příroda se jeví jako svět impozantních, ale s člověkem spojených mytologických stvoření – démonů a bohů.

Paralelně s mýtem existovalo a působilo v dějinách kultury umění. Umění je vyjádřením potřeby člověka po figurativním a symbolickém vyjádření a prožívání významných okamžiků v jeho životě. Umění vytváří pro člověka „druhou realitu.“ Zapojení do tohoto světa, sebevyjádření a sebepoznání v něm tvoří jednu z nejdůležitějších potřeb lidské duše.

Umělci různých epoch a stylů neignorovali starověkou řeckou mytologii. A přestože se ve středověku malba zaměřovala především na křesťanské náměty, v období renesance začali malíři s velkým nadšením zobrazovat na svých plátnech náměty mytologické. V moderní době, na pozadí obecných změn ve výtvarném umění, zájem o klasická mytologická témata poněkud vyschl, ale zájem o mýtická monstra, jejichž obrazy se aktivně používají v moderním umění, ožil. Ruští malíři se tradičně obraceli k tématu slovanské mytologie a na svých obrazech zobrazovali jak epické hrdiny, tak mytické bytosti slovanské mytologie.

Nejprve se podívejme na obraz z 15. století. Slavný obraz umělce Sandra Botticelliho „Zrození Venuše“. Botticelli je italský malíř rané renesance, představitel florentské školy, jeden z nejvýraznějších umělců italské renesance. Umělec napsal „Zrození Venuše“ pro Lorenza di Pierfrancesco Medici. Děj tohoto obrázku je založen na mýtu o tom, jak se bohyně lásky zrodila z pěny moře.

Venuše, stojící ve skořápce, se vznáší, naléhána Zephyrem a Chloris, a Ora, jedna z bohyniných společnic, jde k ní a drží závoj, aby ji zahalil. Rozmarné záhyby přehozů a šatů vlající ve větru, vlny na moři, přerušovaná čára pobřeží, „vlnitá“ skořápka mušle a nakonec létající vlasy Venuše – to vše vytváří hladké obrysy tělo bohyně a umocňuje pocit nejvyšší harmonie, kterou její vzhled navozuje. Ruce postav se téměř sevřou nad Venušinou hlavou a zdá se, jako by ji zastínil oblouk, který se odráží od zaobleného dna skořápky. Postava bohyně je tak uzavřena do pomyslného oválu. Venuše je zde středem, ke kterému vše směřuje.

Krásná tvář hrdinky připomíná tváře Madon na Botticelliho obrazech, a proto v tomto díle zaznívá křesťanská tematika skrze antické téma, právě toto spojení antického humanismu a křesťanství dalo vzniknout fenoménu italské renesance .

Další obraz od Raphaela Santiho, „Vize Ezechiela“, pochází ze 16. století. Toto malé plátno bylo namalováno pro soukromého klienta. Pozadí obrazu plně odpovídá biblickému popisu tohoto vidění: „...od severu přišel bouřlivý vítr, veliký mrak a vířící oheň a záře kolem něj“ (Ezechiel 1:4). V samotném vidění je Bůh zobrazen, jak se vznáší vzduchem, podporovaný „podobami čtyř zvířat“. tradice se svými čtyřmi okřídlenými tvory: člověkem nebo andělem, lvem, býkem a orlem, které ve výtvarném umění symbolizují čtyři evangelisty. Touto křesťanskou tradicí, a nikoli skutečným popisem Ezechielova vidění, se Rafael řídil, když maloval tento obraz. Obraz je malý, ale dává představu o Raphaelově dovednosti při řešení tak složité kompozice. Umělec v něm rozvíjí úkol výjimečný svou obtížností – ukázat rychlý let. Postava samotného Boha zástupů je podána z velmi komplexní perspektivy. Obraz Boha je plný tak titánské síly a pohyb je zprostředkován tak dokonale, že divákovi připadá, jako by „Vize Ezechiela“ bylo velké plátno, a ne drobný obraz, jehož rozměry jsou sotva větší než miniatura. Obraz je založen na jednom z nejbohatších biblických námětů na mytickou symboliku.

Další na řadě je obraz ze 17. století, konkrétně „Království flóry“ od slavného francouzského umělce Nicolase Poussina. Mistr zobrazil antiku tak, jak si ji představoval. Na jeho plátnech znovu ožili hrdinové starověku, aby předváděli činy, šli proti vůli bohů nebo prostě zpívali a bavili se. Poussinův obraz „Království Flory“ byl vytvořen na základě starověké legendy, kterou vyprávěl římský básník Ovidius. Jedná se o poetickou alegorii původu květin, která zobrazuje hrdiny antických mýtů proměněné v květiny

Hrdinové, kteří zemřou v rozkvětu života, se po smrti promění v květiny a ocitnou se v království Flora. Lidský život je interpretován v jeho neoddělitelnosti s životem přírody. Ve vesmíru vládne přísný řád, jeho zákony jsou rozumné. To je také cítit v Poussinově malbě, která se vyznačuje vyvážeností kompozice a krásou postav, inspirovaných obrazy antického sochařství. Logika a poezie na tomto plátně harmonicky koexistují. Zde zobrazuje svůj ideál – člověka žijícího jediný šťastný život s přírodou.

Poussin ve všech svých dílech vyjádřil estetický ideál klasicismu, který je založen na napodobování „zdobené přírody“. To znamená, že umělec odrážel v člověku a životě jen to vznešené, krásné a dokonalé, přičemž ignoroval to základní, ošklivé a ošklivé.

"Království Flory" je jedním z Poussinových obrazů, který se vyznačuje jemným a bohatým vývojem barev.

Příkladem mytologických námětů v malbě 18. století je plátno Francoise Bouchera „Jupiter a Callisto“. V obraze se umělec obrátil k „Metamorfózám“ římského spisovatele Ovidia, který převyprávěl mýtus o bohu Jupiterovi, který se zamiloval do nymfy Callisto a chtěl ji svést a přijal podobu bohyně Diany. . Umělec interpretoval smyslnou epizodu antické mytologie v povrchním, hravém duchu. Ladné, ladné postavy jeho antických hrdinek vypadají jako porcelánové figurky. Boucher miloval malbu světlem a preferoval elegantní modré, růžové a zelené tóny. V dílech samotného Bouchera se každou chvíli objevují nymfy a Venuše. A názvy děl mluví samy za sebe - „Triumf Venuše“, „Záchod Venuše“, „Dianina koupání“. Uměl si užívat krásy života a povzbuzoval ostatní, aby dělali totéž. Rokokový styl byl jeho rodným prvkem, cítil se zde jako ryba ve vodě – přirozeně a organicky. Dekorativnost, půvabná intimita, budoárová atmosféra, pastelové barvy – to jsou hlavní rysy uměleckého stylu Francoise Bouchera.

A konečně jeden z nejslavnějších obrazů 19. století, obraz Karla Pavloviče Bryullova „Poslední den Pompejí“, také patří do mytologického žánru malby. Karl Bryullov je slavný malíř, akvarelista a kreslíř. Studoval na Petrohradské akademii umění. Jeho tvorba vnesla do malby akademického klasicismu svěžest romantiky, vitalitu a vášeň pro krásu reality, což přispělo k rozvoji realismu v ruské malbě. Obraz „Poslední den Pompejí“ přinesl umělci celosvětovou slávu. Smrt Pompejí z pohledu Bryullova je smrtí celého starověkého světa, jehož symbolem se stává ústřední postava plátna - krásná žena, která zemřela pádem z vozu. Bryullov je šokován vnitřní krásou a obětavostí těchto lidí, kteří tváří v tvář nevyhnutelné katastrofě neztrácejí lidskou důstojnost. V těchto hrozných chvílích nemyslí na sebe, ale snaží se pomoci svým blízkým, ochránit je před nebezpečím. Umělec se vidí mezi obyvateli Pompejí s krabicí barev a štětců na hlavě. Je tady vedle nich, aby jim pomohl, podpořil jejich ducha. Ale ani před smrtí umělcovo bystré pozorování neopouští - v záblescích blesků jasně vidí lidské postavy dokonalé v jejich plastické kráse. Jsou krásné nejen díky mimořádnému osvětlení, ale také proto, že samy jakoby vyzařovaly světlo duchovní vznešenosti a velikosti. Téměř šest let uplynulo od onoho památného dne, kdy Bryullova napadlo v ulicích neživých Pompejí namalovat obraz o smrti tohoto starobylého města. V posledním roce umělec pracoval tak zběsile, že byl nejednou vyveden z ateliéru v naprostém vyčerpání.

Závěr

mýtus umělecká malba Bryullov

Práce, kterou jsme odvedli, potvrzuje hypotézu, že mýty jsou nevyčerpatelným zdrojem kreativity umělců různých staletí a epoch. Za tímto účelem byla zkoumána díla mistrů z různých století. Proběhl také průzkum.

Seznam informačních zdrojů

· http://citaty.su/

· http://muzei-mira.com

· http://jivopis.org

· http://www.miifyrima.ru/

· https://ru.wikipedia.org

Publikováno na Allbest.ru

Podobné dokumenty

Místo a význam K. Bryullova ve vývoji ruského výtvarného umění. Cesta vývoje K. Bryullova jako umělce, osobnosti a intelektuála. Historie vytvoření hlavního plátna umělce "Poslední den Pompejí". Analýza umělcova portrétu.

abstrakt, přidáno 29.08.2011

Umění umělce Karla Pavloviče Bryullova. Pokyny v práci umělce. Žánrové scény z italského života. Obraz "Poslední den Pompejí". Galerie Karla Bryullova. Autoportrét z roku 1848. Portrét spisovatele Nestora Vasiljeviče Kukolnika.

abstrakt, přidáno 31.01.2012

Začátek tvůrčí cesty italského renesančního umělce Sandro Botticelliho. Studium v dílně Fra Filippa Lippiho, vliv díla Andrea Verrocchio a první díla. Předměty umělcových obrazů: „Jaro“, „Narození Venuše“, „Madona s granátovým jablkem“.

abstrakt, přidáno 05.06.2009

Malba Sandro Botticelliho, jemnost a výraznost jejího stylu. Výrazné okrové stíny vyjadřující tělovou barvu jako charakteristický rys umělcova stylu. Smyslný začátek ve třech obrazech zobrazujících Venuši, oslavující čistotu a čistotu.

abstrakt, přidáno 28.01.2011

Akademická léta a raná díla Bryullova. Italské tvůrčí období. Vlastnosti žánrové malby a inovace v portrétním umění. Kritika současníků na obraz "Poslední den Pompejí". Umělecká a pedagogická činnost.

práce v kurzu, přidáno 19.02.2010

Studie o životní cestě a tvůrčí činnosti Karla Pavloviče Bryullova, skvělého ruského umělce. Umělec má mimořádný úspěch v realistických, psychologických portrétech. „Poslední den Pompejí“ je Bryullovovým nejvýznamnějším dílem.

prezentace, přidáno 11.12.2011

„Muzikálnost“ malby v dílech romantických malířů. „Poslední den Pompejí“ jako shoda opery D. Paciniho s obrazem K. Bryullova. Hudební a umělecké aktivity M.K. Ciurlionis. Zobrazování hudby v obrazech a obrazů v symfoniích.

abstrakt, přidáno 29.09.2009

Analýza životní cesty a tvůrčí činnosti Sandro Botticelliho, slavného italského umělce. Složení a rysy obrazu „Spící Venuše“, který je spojen jak s křesťanským tématem křtu, tak se zápletkou „Korunovace Panny Marie“.

abstrakt, přidáno 05.04.2011

Životopisné informace o životě a díle Sandro Botticelliho, italského malíře rané renesance, představitele florentské školy. Jeho nejznámější obrazy jsou „Jaro“, „Uzdravení malomocného a pokušení Krista“, „Zrození Venuše“.

prezentace, přidáno 11.7.2014

Pojem, struktura a funkce mýtu. Kosmogonické mýty a mýty o původu. Mýty o obnově a konci světa. Mýty a doba. Mytologie, ontologie, historie. Velikost a úpadek mýtů.

Městský rozpočtový vzdělávací ústav doplňkového vzdělávání pro děti "Dětská umělecká škola" r. Rovnoe, Saratovský kraj Všeruská soutěž studentských esejí "Krugozor" "PŘÍBĚHY STAROŘECKÝCH MÝTŮ V MALOVÁNÍ" Abstrakt studenta 8. třídy klavírního oddělení MBOU DOD "Dětská škola umění" r.p. Rovnoe Předmět "Rozhovory o umění" Naděždy Aleksandrovna Ermakové Vedoucí Irina Ivanovna Maslennikova 2013 Obsah I. Úvod………………………………………………………………………………… 3 II. Mýty starověkého Řecka a evropské výtvarné umění……..5 2.1.Řecká mytologie………………………………………………………5 2.2.Náměty starověkých řeckých mýtů v malířství…… …………………8 2.3 Role starověkých řeckých mýtů v životě člověka……………………………………… ......................................................20 III Závěr…………………………………………………………………22 IV.Seznam použité literatury………………………………………………… …………..24 V. Příloha……… ……………………………………………………………….25 2 I. ÚVOD Evropská kultura v podobě, v jaké moderní lidé znají, vděčí za svůj původ antice. Někdy ani netušíme, jak hluboko do našich životů pronikli hrdinové a obrazy dávných mýtů. Úspěchy starých Řeků jsou úžasné ve všech oblastech a je na nich založena celá evropská civilizace. Antika provází evropské lidstvo na celé jeho cestě. „Vidíme očima Řeků a mluvíme jejich řečovými postavami,“ řekl Jacob Burckhardt, švýcarský historik a kulturní filozof. Jedním z nejstarších a nejvýznamnějších prvků starověké kultury je mýtus. Mýtus (z řeckého muthos - slovo, legenda) je příběh o vzniku světa, bozích, hrdinech, různých národech, událostech přírodních a společenských dějin, které vznikly v dávných dobách a předávaly se ústně z generace na generaci. Mýtus je nesmírně důležitým krokem v poznání a pochopení světa kolem nás, v lidském sebepoznání. Mýtus spojuje skutečné a fiktivní, racionální a emocionální, přírodní a kulturní. Mýtus je univerzálním zobecněním lidského života, nedílnou součástí veškeré kultury. Řecké mýty hluboce pronikly do způsobu myšlení moderních lidí a někdy si ani nevšimneme, jak mluvíme o panickém strachu, o olympském klidu, srovnáváme nebojácného muže s Herkulem a odhodlanou ženu s Amazonkou. A výrazy „trojský kůň“, „jablko sváru“, „Ariadnina nit“ a mnoho dalších jsou srozumitelné téměř každému. Mýty po staletí shromažďovaly zkušenosti národů, jejich představy o dobru a zlu, o hodném a nedůstojném chování. Předávaly se z generace na generaci a učily lidi, jak žít. 3 V moderním životě se velmi často setkáváme s tituly a jmény ze starověké řecké mytologie. Mýty starověkého Řecka inspirovaly básníky, umělce, sochaře a skladatele po celém světě po mnoho staletí, což znamená, že bez znalosti zápletek není možné porozumět mnoha uměleckým dílům. O aktuálnosti a významu tohoto tématu rozhoduje i fakt, že starověká řecká mytologie a náboženství sehrály neocenitelnou roli při formování evropské kultury a jejím následném vývoji. Účelem této práce je pochopit duchovní bohatství starověké řecké mytologie, krásu mytologických zápletek a obrazů, které byly ztělesněny v malbě. K dosažení tohoto cíle je nutné zvážit následující úkoly: - podat obecný popis starověké řecké mytologie; - identifikovat zvláštnosti interpretace mytologických námětů a obrazů v malbě; - ukázat roli starověkých řeckých mýtů v životě lidí. Metodologickým základem práce jsou práce J. Burcharda, N.A. Kuna, E.I. Larionová, G.I. Chugunova. 4 II. Mýty starověkého Řecka a evropské výtvarné umění 2.1. Řecká mytologie Řecká mytologie nebo mytologie starověkého Řecka vznikla mnohem později než většina starověkých představ řeckých lidí o světě. Heléni, stejně jako ostatní starověké národy, se snažili nějak rozluštit hrozivé a často nepochopitelné přírodní jevy, pochopit ony tajemné neznámé síly, které řídí lidský život. Fantazie starověkých Řeků dala vzniknout starověké řecké mytologii a zalidnila okolní svět dobrými a zlými pohádkovými bytostmi: dryády se usadily v hájích a stromech, nymfy se usadily v řekách, orady se usadily v horách a oceanidy se usadily v oceánech. a moře. Vzhled přírody, divoké a vzpurné, zosobňovali kentauři a satyři. Při studiu řecké mytologie se ukáže, že světu v té době vládli nesmrtelní bohové, dobří a moudří. Žili na vrcholu obrovské hory Olymp a byli prezentováni jako krásná a dokonalá stvoření, podobající se lidem. Představovali Thunderbolt. jediná rodina, jejíž humanizací byla hlava božských bytostí Zeus - byla charakteristickým znakem řeckého náboženství, což umožnilo přiblížit řeckou mytologii obyčejným lidem. Vnější krása byla považována za nejvyšší míru dokonalosti. Mocné síly přírody, dříve mimo kontrolu člověka, tím méně jeho vliv, se tak staly pochopitelnými, lépe vysvětlitelné představivosti obyčejného člověka. Řecký lid se stal tvůrcem jedinečně barevných mýtů a legend o životech lidí, bohů a hrdinů. Ve starověké řecké mytologii splývaly vzpomínky na vzdálenou, dávno zapomenutou minulost a poetická fikce. Řecká mytologie představuje primitivní pokus o pochopení skutečnosti, o smysluplnost a harmonii celého přírodního obrazu a o rozšíření životní zkušenosti. Je těžké přesně určit, kdy se objevily první řecké mýty a legendy, v nichž byli světu odhaleni humanoidní bohové, a zda jsou dědictvím starověké krétské (3000-1200 př. n. l.) nebo mykénské (před 1550 př. n. l.) kultur. Pověsti, tradice a pověsti si zpěváci – aedové předávali z generace na generaci a nebyly písemně zaznamenány. Aed (z řečtiny - zpěvák) - ve starověkém Řecku profesionální interpret epických písní za doprovodu drnkacího nástroje (jako lyra). Aedové mohli být potulní a ve stálé službě králům a řeckým komunitám, hlavně do 7.-6. století př. n. l. - později byly aedy nahrazeny rapsody. Písně Aedů byly ve své podstatě improvizační a měly významný vliv na vývoj řeckého eposu. První zaznamenaná díla, která nám přinesla jedinečné obrazy a události, byly Homérovy brilantní básně „Ilias“ a „Odyssey“. Jejich záznam se datuje do 6. století před naším letopočtem. Podle historika Hérodota mohl Homér žít o tři století dříve, tedy zhruba v 9.–8. století před naším letopočtem. Ale jako aed využíval díla svých předchůdců, ještě starověkých zpěváků, z nichž nejstarší Orfeus žil podle některých důkazů přibližně v druhé polovině 2. tisíciletí před naším letopočtem. Z této doby se datují mýty o cestě Argonautů za Zlatým rounem, mezi nimiž byl i Orfeus. Moderní věda věří, že velký epos se nemůže objevit nečekaně a náhodou. Homérovy básně jsou proto považovány za završení dlouhého vývoje předhomerských, dávno zaniklých 6 hrdinských písní, jejichž stopy však najdeme v textech samotných Iliady a Odyssey. Nedosažitelný příklad, že homérský epos dodnes zprostředkovává potomkům nejen rozsáhlé znalosti o helénském životě, ale také umožnil získat představu o názorech Řeků na vesmír. Vše, co existuje, bylo vytvořeno z Chaosu, což byl boj živlů. Jako první se objevili Gaia – země, Tartarus – peklo a Eros – láska. Z Gaie se zrodil Uran a poté z Uranu a Gaie - Kronos, Kyklopové a Titáni. Poté, co Zeus porazil Titány, vládne na Olympu a stává se vládcem světa a garantem univerzálního řádu, který po mnoha otřesech konečně přichází na svět. Staří Řekové byli největší evropští tvůrci mýtů. Byli to oni, kdo přišel se slovem „mýtus“ (přeloženo z řečtiny jako „tradice“, „legenda“), kterému dnes říkáme úžasné příběhy o bozích, lidech a fantastických stvořeních. Mýty byly základem všech literárních památek starověkého Řecka, včetně Homérových básní, tak milovaných lidmi. A v našem století se lidé obávají příběhu Oidipa, vraha svého otce, starého jako svět; dobrodružství Jasona, který překročil Černé moře při hledání kouzelného Zlatého rouna; osud Heleny, nejkrásnější z žen, která způsobila trojskou válku; cesty mazaného Odyssea, jednoho z nejstatečnějších řeckých válečníků; úžasné činy mocného Herkula, jediného hrdiny, který si zasloužil nesmrtelnost, stejně jako příběhy mnoha dalších postav. Římané, dědici kulturních tradic egejského světa, kladli rovnítko mezi mnohá božstva v kurzívě s bohy řeckého panteonu. Obecně bylo vytvoření mýtů samo o sobě prvním krokem člověka ke kreativitě a sebepoznání. Staří Řekové byli aktivní, energičtí lidé, kteří se nebáli prozkoumávat skutečný svět, ačkoliv jej obývali tvorové nepřátelští k člověku, kteří v něm vyvolávali strach. Ale bezmezná žízeň po poznání tohoto světa přemohla strach z neznámého nebezpečí. Odysseova dobrodružství, tažení Argonautů za Zlaté rouno – to všechno jsou tytéž touhy zachycené v poetické podobě dozvědět se co nejvíce o zemi, na níž člověk žije. Při hledání ochrany před strašlivými elementárními silami prošli Řekové, stejně jako všechny starověké národy, fetišismus - víra v spiritualitu mrtvé přírody (kameny, dřevo, kov), která se pak uchovala v uctívání krásných soch znázorňujících jejich mnoho bohů. Staří řečtí bohové byli ve všem podobní lidem: laskaví, štědří a milosrdní, ale zároveň často krutí, pomstychtiví a zrádní. Lidský život nevyhnutelně končil smrtí, bohové však byli nesmrtelní a neznali mezí v naplňování svých tužeb, ale nad bohy stál osud - Moira - předurčení, které nikdo z nich nemohl změnit. Řekové tedy i v osudech nesmrtelných bohů viděli jejich podobnost s osudy smrtelných lidí. Bohové a hrdinové řeckých mýtů byly živé a plnokrevné bytosti, které přímo komunikovaly s pouhými smrtelníky, uzavíraly s nimi milostné svazky a pomáhaly svým oblíbencům a vyvoleným. A staří Řekové viděli v bozích stvoření, v nichž se vše charakteristické pro člověka projevovalo v grandióznější a vznešenější podobě. Řekům to samozřejmě prostřednictvím bohů pomohlo lépe porozumět sami sobě, pochopit své vlastní záměry a činy a adekvátně zhodnotit své síly. 2.2. Náměty starověkých řeckých mýtů v malbě. Zápletky a hrdinové starověkých řeckých mýtů vždy zajímali umělce různých epoch a hnutí. Každý z nich si našel svůj vlastní výklad mytologických obrazů. 8 Stranou nezůstali ani malíři renesance, zejména Sandro Botticelli (italsky Sandro Botticelli, 1445 -1510) – přezdívka florentského umělce Alessandra di Mariano di Vanni Filipepi (italsky Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi). Narodil se v rodině bohatého městského obyvatele a dostalo se mu dobrého vzdělání. Přezdívka Botticelli („barel“) přešla na Sandra od jeho bratra makléře, který byl tlustý muž. Studoval malbu u mnicha Filippa Lippiho a převzal od něj vášeň pro zobrazování dojemných motivů, která odlišuje Lippiho historické malby. Poté pracoval pro slavného sochaře Verrocchia. V roce 1470 zorganizoval vlastní dílnu. Jedním z Botticelliho slavných obrazů je „Zrození Venuše“ (14841486). V „Zrození Venuše“ umělec zobrazil obraz Afrodity Urania - nebeské Venuše, dcery Urana, narozené z moře bez matky. Existují různé příběhy o původu Afrodity. Klasická Afrodita se vynořila nahá ze vzdušné mořské mušle poblíž Kypru – odtud přezdívka „Cypris“ – a vyjela na mušli ke břehu. Oras ve zlatých diadémech ji korunoval zlatou korunou, ozdobil ji zlatým náhrdelníkem a náušnicemi a bohové žasli nad jejími půvaby a byli zapáleni touhou vzít si ji za manželku. Obraz ilustruje mýtus o zrození Venuše (řecky: Afrodita). Nahá bohyně plave ke břehu v otevřené skořápce, poháněna větrem. Na levé straně obrazu fouká Zephyr (západní vítr) v náručí své ženy Chloris (Roman Flora) na mušli a vytváří vítr plný květin. Na břehu bohyni potká jedna z milostí. Obraz nezobrazuje samotný porod, ale okamžik, který následoval, kdy Venuše, hnaná dechem géniů vzduchu, dosáhne břehu. Kromě Venuše je na obraze vyobrazena nymfa Ora, která je ztělesněním přírody, je připravena zakrýt Venuši pláštěm. Ora je jednou ze tří hor, nymf ročních období. Tato hora, soudě podle květů pokrývajících její šaty, zaštiťuje jaro, to roční období, kdy síla 9 Venuše dosahuje svého vrcholu. Možná byl tento obraz inspirován jedním z Homérových hymnů, který popisuje, jak Zefýr, bůh západního větru, přivedl Venuši na ostrov Kypr, kde ji Hory přijaly. V póze Venuše lze zaznamenat vliv klasického řeckého sochařství (držení těla, podepření postavy na jedné noze, gesto rukou). Proporce těla zjevně vycházejí z kánonu harmonie a krásy, který vypracovali Polycletus a Praxiteles. Kompozici obrazu lze díky čelnímu obrazu Venuše ve středu, symetricky umístěným postavám vpravo a vlevo, definovat jako statickou. Tato kompozice činí obraz klidným a majestátním. A linie Orina závoje a Zephyrova pláště, linie jejich těl, Venušiny vlasy, padající květiny a rytmus vln naplňují obraz vnitřním pohybem, pohybem vzduchu. Barevnost obrazu lze definovat jako jemnou, láskyplnou, dokonce i pro Orův plášť zvolila umělkyně tlumený červený tón, umožňující zvýraznění, ale nezpůsobující podráždění. Důležité mezi Botticelliho inovacemi bylo použití plátna spíše než desky pro dílo tak velkých rozměrů. Do pigmentů přidal minimální množství tuku, takže plátno zůstalo dlouho pevné a elastické a barva nepraskala. Bylo také zjištěno, že Botticelli na obraz nanesl ochrannou vrstvu vaječného žloutku, díky které bylo Zrození Venuše dobře zachováno. Zápletky starověkých řeckých bájí zasáhly i dílo severorenesančního umělce Pietera Bruegela staršího (1525-1569), vlámského malíře a grafika, nejslavnějšího a nejvýznamnějšího z umělců, kteří toto příjmení nesli. Mistr krajiny a žánrových scén. Aby nedošlo k záměně Pietera Bruegela s jeho synem, rovněž malířem, byl starší později pokřtěn jako Bruegel z Mužského. Ze všech 10 dochovaných obrazů Bruegela je asi třetina v Kunsthistorisches Museum ve Vídni. Jeho obraz „Krajina s pádem Ikara“ (1555-1558, Museum of Fine Arts, Brusel) vypráví příběh nebojácného Ikara, syna Daidala. Podle prastaré legendy se stavitel Daedalus objevil na ostrově Kréta poté, co ve své domovině Attice zabil svého synovce, kterému záviděl. Ten byl velmi talentovaný a dokázal vytvořit nástroje, které lidstvo potřebovalo: pilu, kružítko, hrnčířský kruh. Na Krétě postavil Daedalus pro krále Minose obrovský palác s podzemními labyrinty. V labyrintu žilo hrozné monstrum - Minotaurus. Obyvatelé Athén byli nuceni vzdát hold Minosovi – poslat mladé muže a ženy pro nenasytného Minotaura. To trvalo, dokud Theseus, uvězněný v labyrintu, nezabil Minotaura. Díky Daedalovi hrdina uprchl z Kréty. Rozzlobený Minos nařídil, aby byl Daedalus uvězněn, ale pro sebe a svého syna Ikara vyrobil křídla z ptačího peří. S pomocí křídel opustili otec a syn ostrov. Daedalus varoval svého syna, aby neletěl příliš vysoko, ale Ikaros svého otce neposlouchal a vznesl se vzhůru, k samotnému slunci. Od žáru slunečních paprsků se rozpustil vosk, který držel peříčka pohromadě, a mladík zbavený křídel spadl do moře a utopil se. Legenda o Ikarovi byla v 16. století varováním pro pyšné a krátkozrací ji vnímali jako přísného povýšence, který zanedbával svůj osud. Bruegel samozřejmě znal i prastarý zdroj legendy – „Metamorfózy“ starověkého římského básníka Ovidia, kde se o Daedalovi a Ikarovi létajícím po obloze říká toto: Každý, kdo je viděl, ať už rybář s třesoucím se rybářským prutem , Nebo pastýř s kyjem, nebo oráč opírající se o pluh, Všichni zkameněli a volně se řítící po obloze spletli s nadpozemskými bohy. 11 Umělec vnesl do svého obrazu postavy pastýře, oráče a rybáře, ale těmto obrazům dal zcela jiný význam. Nevidí Ikara nebo nechtějí vidět: například rybář klidně pokračuje v rybolovu, ačkoli mladý muž spadl do vody přímo před jeho očima. A pastýř se dívá na oblohu, ačkoli jeho ovce jsou na okraji útesu, a oráč a rybář - všichni jsou zaneprázdněni svou prací. „Žádný pluh se nezastaví, když někdo zemře,“ říká holandské přísloví. Obraz je plný klidu a míru. Bruegel interpretuje slavný řecký mýtus velmi nečekaným způsobem. Z nebojácného hrdiny zbyla jen lidská noha mizející v moři. Nikdo si Ikarovy smrti nevšiml: ani pastýř, ani rolník na poli, ani rybář na břehu. Autor filmu udělal vše pro to, aby diváci viděli takzvaný Ikarův pád jako poslední. Náš pohled přitahují dva jasné body - jsou to rolnická košile a žluté slunce nad vodní hladinou. Poté se začneme věnovat drobným světlým detailům - bílé ovečky, bílé hory, loď s bílými plachtami a... plácající se muž vedle této lodi. Hlavní postavou obrazu je slunce a člověk je zrnko písku blikající v jeho paprscích. Další z nejoblíbenějších hrdinů starověké řecké mytologie Apollo je syn Dia a Titanida Leta, dvojče Artemidy, jednoho z nejdůležitějších bohů olympijského panteonu. Žárlivá Hera, manželka Dia, zakázala Letovi vkročit na pevnou zem. Proto se Apollo a jeho sestra Artemis narodili na plovoucím ostrově Asteria, který se po narození dvojčat stal známým jako Delos. Jeden z mýtů vypráví, že jako trest za zabití Kyklopů, kteří ukovali blesk pro Apollónova otce Dia, Zeus udělal ze svého syna pastýře. Apollón měl pást stádo krále Adméta, ale ten byl nedbalý na zadaný úkol a chytrý Merkur (Hermes) mu stádo ukradl. 12 Zeus však Merkurovi nařídil vrátit ukradené krávy, načež dovolil Apollónovi znovu zaujmout jeho místo mezi bohy. Děj tohoto mýtu byl zachycen na obraze „Krajina s Apollónem a Merkurem“ od Clauda Lorraina (1600 – 1682). Lorren se narodil do rolnické rodiny a v raném věku zůstal sirotkem. Poté, co získal počáteční znalosti kreslení od svého staršího bratra, zručného dřevorytce ve Freiburgu v Breisgau, v letech 1613-14. odjel s jedním ze svých příbuzných do Itálie. Při práci jako sluha v domě krajináře Agostina Tassiho se naučil některé technické techniky a dovednosti. Nejprve prováděl zakázkové dekorační práce, t. zv. „krajinářské fresky“, ale později se mu podařilo stát se profesionálním „krajinářem“ a soustředit se na malířské stojany. Kromě toho byl Lorrain vynikajícím leptadlem; Lept opustil až v roce 1642, nakonec si vybral malbu. Umělec s velkou dovedností ztvárnil hru slunečních paprsků v různých denních hodinách, svěžest rána, polední horko, melancholické mihotání soumraku, chladné stíny teplých nocí, lesk klidu nebo mírného pohupování vody, průhlednost čistého vzduchu a vzdálenost pokrytá lehkou mlhou. V jeho tvorbě lze rozlišit dva styly: obrazy z raného období jeho činnosti jsou malovány silně, hustě, v teplých barvách; pozdější - hladší, v chladném tónu. Kompozice obrazu „Krajina s Apollónem a Merkurem“ (kol. 1645) je strukturována tak, aby vtáhla oko diváka hlouběji do obrazu. K tomu jde zakřivená linie pobřeží do dálky. V pozadí je v předúsvitním oparu vidět nádherná idylická krajina s římským akvaduktem. Barevnost malby je typická pro pozdní Lotrinsko a skládá se z převahy studených tónů. Umístění stromů po obou stranách obrazu v popředí vytváří efekt určité teatrálnosti děje, hrdinové mýtu vystupují jako postavy ve hře, kde hlavní postavou je příroda v celé její nádheře. Tuto 13. myšlenku nám napovídá měřítko vyobrazených postav a úhel, pod kterým jsou umístěny (půl otočení směrem k divákovi). Podle záznamu, který udělal Lorrain ve své Knize pravdy, byl tento obraz namalován pro Francescu Aberini. Zřejmě se jednalo o překlep a umělce si objednal buď aristokrat Francesca Alberini, nebo bohatý Říman Francesca Arberini. „Krajina s Apollónem a Merkurem“ je uchovávána v Houlkham Hall od roku 1750. Tehdy jej koupil majitel Houlkham Hall Thomas Coke, první hrabě z Leicesteru. Dalším hrdinou starověké řecké mytologie je Leander. Leander je mladý muž z Abydosu v Troadě, který se zamiloval do Hero, kněžky Afrodity, která žila v Sestě na druhé straně Hellespontu. Gero každou noc čekal, až překročí úžinu, a aby se cítil lehčí, zapálil na věži oheň. Leander doplaval k majáku a dorazil na břeh. Jednoho dne oheň vyhasl a Leander nemohl plavat. Ráno bylo jeho tělo přibito k Gerovým nohám. Když ho Gero uviděla, v zoufalství se vrhla z věže do moře. "Tower of Hero" byl později uveden v Sest. Zápletka tohoto mýtu zajímala Etty William. William Etty (1787-1849) - anglický malíř období romantismu, významný představitel naturalismu a malby aktů William Etty zaujímá mezi anglickými umělci důstojné místo. Umělec neměl v cítění a dovednostech koloristy v Anglii první poloviny 19. století obdoby. Narozen 10. března 1787 v Yorku. Jeho otec byl mlynář a pekař chleba. Budoucí malíř byl v jedenácti a půl letech nucen opustit otcovu střechu; Na naléhání svého otce byl přidělen jako učeň do tiskárny. Po sedmi letech učení a nudné práce v tiskárně odjela Etty do Londýna. Pomoc jeho staršího bratra a záštita jeho bohatého strýce pomohly Williamu Ettymu se přímo rozvíjet jako umělec. Etty začala 14 studií skicováním krajin, kopírováním různých obrázků, grafik a dalších ilustrací; to vše byla první umělecká škola Williama Ettyho. Etty ve Smithfieldu vyrobila kopii starověkého obrazu Cupid a Psyche, který se proslavil a díky němuž byla Etty v roce 1807 přijata jako akademická studentka Somerset House. Etty byla posedlá aktem, který studoval a maloval po celý svůj umělecký život. Jeho obrazy často evokují smyslné vzory a syté barvy děl Tiziana a Petera Paula Rubense. Etty se často pro inspiraci obracela ke klasické mytologii a alegorickým tématům. Jeho díla obdivoval Eugene Delacroix a další romantičtí malíři. Na obraze „Hrdina a Leander“ (1828-1829) jsou hrdinové zobrazeni v okamžiku jejich posledního tragického objetí, kdy je život již opustil. Nahá těla, namalovaná v zářivých, smyslných tónech, vynikají na pozadí temného moře a bouřkových mraků. Gerovy černé vlasy a oblečení jako by splývaly se stínem noci. Přes tragičnost děje je kompozice obrazu spíše dynamická, o čemž svědčí diagonální uspořádání postav v popředí, linie nabíhajících vln a rozbouřená obloha. Kombinace červenohnědých, světlých, tmavě modrých a černých tónů v barvě obrazu umocňuje tragický pocit z toho, co se stalo. Tento děj byl ztělesněn v dílech jiných malířů (P. Rubens „Hrdina a Leander“, D. Fetti „Hrdina a Leander“, I. K. Aivazovskij „Pohled na věž Leander v Konstantinopoli“), v literatuře (Muzeum „Hrdina a Leander“ ” , Ovidius „Leanderovo poselství hrdinovi a její odpověď“, F. Schiller „Hrdina a Leander“, K. Marlowe „Hrdina a Leander“, A. Fet „Hrdina a Leander“, A. Kuprin „Hrdina, Leander a pastýř “, M Pavich „The Inside of the Wind“, J. Van Den Vondel „Hero and Leander“, v hudbě (kantáty G. F. Handela, A. 15 Scarlatti, opera D. Bottesini, symfonická báseň A. Catalani, symfonie č. 4 D Hessa). Jednou z často zobrazovaných řeckých mytologických postav je také Pandora. Pandora – (řecky) „obdarován všemi“. Byla první ženou, kterou z vůle Dia vytvořil Héfaistos jako trest za to, že Prométheus ukradl lidem oheň z nebe. Pandora měla být nástrojem pomsty. Héfaistos vytesal Pandoru ze země a vody, dal svému stvoření podobu podobnou bohyni, lidský hlas a krásu. Afrodita obdařila Pandoru krásou, Hermés vychytralostí, lstí, lstí a výmluvností. Athéna utkala krásné oblečení pro Pandoru. Jiní bohové také dávali dary Pandoře. Zeus dal Pandoru za ženu Prométheovu bratrovi Epithemiovi, kterému porodila dceru Pyrrhu. Epithemy, navzdory varováním Promethea, přijal jako dar od Dia krabici, ve které byly obsaženy všechny lidské neřesti, neštěstí a nemoci. Pandora, zmítaná zvědavostí, ji otevřela a rozpoutala katastrofy, které od té doby sužují lidstvo. Na dně zůstala jen naděje, protože Pandoře se podařilo zabouchnout víko. Alegoricky je Pandořina skříňka nádobou problémů; dárek plný problémů. Obraz „Pandora otevírá rakev“ (1896, soukromá sbírka) namaloval anglický umělec John William Waterhouse (1849 – 1917). Narodil se v Římě v rodině umělce. V 50. letech 19. století se rodina vrátila do Anglie. Před vstupem do Royal Academy School v roce 1870 Waterhouse pomáhal svému otci v jeho studiu. Poměrně často je klasifikován jako prerafaelit anglických malířů a spisovatelů, kteří se řídili estetickými ideály středního (kombinace 19. století, které zahrnovalo středověk, mezinárodní gotiku a ranou italskou renesanci z období Quattrocento - umění „před Rafaelem“ a dalšími umělci „vrcholné renesance“), i když formálně k tomuto hnutí nepatřil. 16 Waterhouse podporoval prerafaelskou myšlenku vypůjčit si témata z poezie a mytologie. Se zvláštní přesností zprostředkoval drama okamžiku a také prokázal brilantní mistrovství kompozice a malířské techniky. Umělec vděčí za svou oblibu kouzlu a šarmu svých promyšlených modelů. Waterhouseovo dílo bylo chváleno kritiky, jeho pověst byla vysoká a mladší umělci ho napodobovali. Za svůj život namaloval přibližně 200 obrazů na mytologická, historická a literární témata. V popředí obrázku je dívka neobyčejné krásy. Její polonahá postava je umístěna ve středu obrazu, ve statické póze, což spolu s absencí diagonálních linií a převahou vertikálních a horizontálních linií vytváří statickou kompozici, která je zde nezbytná pro vytvoření nálady. beznaděje a nezvratnosti toho, co se stalo - potíže pominuly a není cesty zpět. K umocnění tragiky toho, co se děje, použil umělec specifickou barvu (odstíny šedé, hnědé, bažina), proti níž nahé Pandořino tělo přitahuje pozornost a zdá se dojemně nechráněné na pozadí přerušovaných čar temného lesa v pozadí. Čtyři světla blikající v dálce vytvářejí mystické napětí i proto, že dávají prostor fantazii, mohou to být okna, nebo to mohou být oči příšer - les takový předpoklad plně umožňuje. Samotnou Pandoru, která je nepochybně dějovým a kompozičním centrem, zvýrazněným barvou, osvětlením, zvětšením obrazu, je umělkyní líčena jako poněkud odlišná od mýtu, její póza naznačuje, že je sama překvapena tím, co se děje a co udělala. nedělejte to ze zlého úmyslu, její tvář nemůže patřit ženě, kterou Hermes obdařil lstivostí, lstí a lstí. 17 Rakev zobrazená vedle Pandory je neobyčejně krásná, kdyby byla vyrobena ze zlata, přitahovala by pozornost ženy, která nebyla tak slabá (její vzhled působí takovým dojmem) jako Pandora. Mimochodem, jeho umístění na levé straně obrázku plně odpovídá zvláštnostem našeho vidění – díváme se na obrázek zleva doprava a do našeho zorného pole se dostává téměř před Pandorou. Další prvek zobrazený na obrázku vyžaduje pochopení – zdroj, který někde začíná a plyne, zabírající přibližně polovinu prostoru, vpravo od Pandory. V obraze se pohybuje pouze on, zřejmě symbolizující pomíjivost života, navzdory čemuž je Diův plán zdokonalený Pandorou věčný. Oblíbeným námětem ve výtvarném umění je mýtus o únosu Europy. Europa byla dcerou fénického krále Agenora. Zeus, který se do ní zamiloval, se princezně a jejím přátelům, kteří se procházeli po mořském břehu, zjevil v podobě krásného býka. Dívky se bavily hraním s býkem a zdobením jeho rohů květinovými girlandami. Nakonec se Evropa rozhodla posadit na hřbet býka Dia – ten se vrhl do moře a princeznu odvezl na ostrov Kréta, kde se stala manželkou Dia a následně porodila tři hrdinské syny. Jedním z umělců, kteří se tímto mýtem inspirovali, byl Valentin Aleksandrovič Serov (1865 – 1911) - ruský umělec (malíř a grafik), představitel ruského impresionismu a moderny. Narozen v Petrohradě 7. (19. ledna) 1865 v rodině skladatele A.N. Serov a klavírista V.S. Serova (rozená Bergman). V letech 1874-1875 1878-1882 absolvoval soukromé lekce od I.E. Repin, který na něj měl zvláštní vliv; Navštěvoval také kurzy na Petrohradské akademii umění (1880-1885). Serov citlivě vstřebával jak zkušenosti současného zahraničního umění, tak lekce mistrů renesance a baroka (zejména D. Velazqueze). Žil v Petrohradě a Moskvě. Hodně cestoval po Rusku a západní Evropě a v roce 1907 navštívil Řecko. Byl členem Sdružení kočovných a sdružení Svět umění. 18 Plátno „Znásilnění Evropy“ (1910, Treťjakovská galerie, Moskva) je dekorativní; je psáno ve velkých barevných rovinách, které jsou rytmicky sladěny s živou, pružnou linií, vedoucí k harmonii mezi objemem a rovinou. Serov vytváří vysokou linii horizontu, která mu umožňuje zacházet s prostorem jako s rovinou. Bezbřehé moře je psáno konvenčně a zároveň mistr dosahuje pocitu tloušťky nekonečné hloubky vody, kterou úhlopříčně přes plátno řeže mohutná postava býka - Zeus. Na rozdíl od Dia se postava Evropy zdá malá a bezmocná, jako by se nesměle podřizovala osudu. Její tvář připomíná tvář kůry z řeckých archaických časů; je jako maska s nevidomým pohledem. Postava Evropy je přitom prezentována v komplexní perspektivě a živém, expresivním pohybu, jako by všechny její síly směřovaly k tomu, aby zůstala na hřbetě býka. Nečekaně živý a smysluplný pohled býka-Zeus zdůrazňuje ztuhlost nehybné tváře Evropy – masky archaické kůry, jakéhosi symbolu veškerého řeckého umění. Jeden z významů jména „Evropa“ je „rozšířené oči“, což je překvapivě v souladu s obrazem tváře Evropy, který Serov dává. Serov byl prvním z umělců, kteří zobrazili mýtus o únosu Evropy, který se odchýlil od původního zdroje, který vypráví o bílém býkovi se zlatými rohy – hnědého býka připomínají malby váz s červenými postavami. Tuto zápletku ztělesnil ve svém díle V. Tizian, P. Veronese, C. Lorrain, F. Boucher a další umělci. Počínaje renesancí, po staletích zapomnění tak památky a literární díla antické kultury a s nimi i obrazy starověké řecké mytologie opět přitahovaly pozornost autorů všech žánrů. Spisovatelé, výtvarníci a hudebníci z různých evropských zemí si opět začali jako námět svých děl brát epizody ze starověké řecké mytologie. V XVII – XIX století. 19 Rozšířilo se také vypůjčování námětů ze starověké řecké mytologie evropskými umělci. Antika byla a zůstává věčnou školou umělců. 2.3. Role starověkých řeckých mýtů v životě člověka. Mýtus je nejstarší hodnotový systém. Má se za to, že kultura obecně směřuje od mýtu k logu, tedy od fikce a konvence k vědění, k právu. Mýty vznikly z naléhavé potřeby lidí vysvětlovat původ přírody, lidí, strukturu světa a předpovídat osudy lidstva. Samotná metoda vysvětlování má specifický charakter a zásadně se liší od vědecké formy vysvětlování a rozboru světa. Jaké rysy odlišují mytologické vědomí? V mýtu se člověk a společnost neoddělují od okolních přírodních živlů: příroda, společnost a člověk jsou sloučeny do jediného celku, neoddělitelné, sjednocené. V mýtu nejsou žádné abstraktní pojmy, vše je v něm velmi konkrétní, personifikované, animované. Mytologické vědomí myslí v symbolech: každý obraz, hrdina, postava označuje jev nebo koncept, který za tím stojí. Mýtus žije ve svém vlastním, zvláštním čase – době „prvního začátku“, „prvního stvoření“, na které jsou lidské představy o plynutí času nepoužitelné. Mýtus myslí v obrazech, žije emocemi, argumenty rozumu jsou mu cizí, vysvětluje svět nikoli na základě poznání, ale víry. Jakou roli hrály mýty a mýtotvorba v dějinách lidské společnosti a lidské kultury? Vysvětlovali svět, přírodu, společnost, člověka po svém, jedinečnou, velmi specifickou formou navázali spojení mezi minulostí, přítomností a budoucností lidstva.20 Mýty byly kanálem, kterým jedna generace předávala nashromážděné zkušenosti, znalosti, hodnoty, kulturní přínosy, znalosti. 21 III. ZÁVĚR Shrneme-li výše uvedené, můžeme vyvodit následující závěry. Starověké Řecko neocenitelně přispělo k evropské kultuře. Literatura, architektura, filozofie, vědy, státní systém, zákony, umění a mýty starověkého Řecka položily základy moderní evropské civilizace. Starověká kultura měla silný vliv na vývoj moderních evropských národů. Předměty starověkých řeckých mýtů byly široce zastoupeny v malbě. Přestože starověké řecké báje vyprávějí o dnech dávno minulých, obracejí se k nim umělci, aby prostřednictvím známých zápletek reflektovali současnou realitu. Od renesance, po staletích zapomnění, památky a literární díla antické kultury a s nimi obrazy starověké řecké mytologie opět přitahují pozornost autorů všech žánrů. Spisovatelé, výtvarníci a hudebníci z různých evropských zemí si opět začali jako námět svých děl brát epizody ze starověké řecké mytologie. V XVII – XIX století. Rozšířilo se také vypůjčování námětů ze starověké řecké mytologie evropskými umělci. Antika byla a zůstává věčnou školou umělců. Uplynula tisíciletí a lidstvo stále žije ve stejných politických systémech, které se objevily ve starověkém Řecku, vědci používají zákony poprvé formulované starověkými Řeky, architekti se řídí klasickými kánony starověkých chrámů. Moderní sochaři a umělci se učí od mistrovských děl starověkých řeckých mistrů a moderní divadlo znovu a znovu otevírá oči divákům 21. století k věčným problémům, nad kterými přemýšleli jak starověcí řečtí dramatici, tak filozofové. My, moderní lidé, se z mýtů starověkého Řecka učíme být jako silní, vytrvalí, obratní a odolní hrdinové a bohové. Snažíme se dosáhnout výšin v tvůrčí činnosti. Snažíme se v sobě rozvinout ten dar, kterým, jak věřili staří Řekové, bohové obdařili člověka, aby se svět stal jasnějším, čistším a lepším. 23 IV. SEZNAM LITERATURY 1. Burchard J. Kultura Itálie v době renesance. M: Intrada, 2001. 2. Gershenzon - Chegodaeva N.M. Bruegel. M: Sovremennik, 1983. 3. Kun N.A. Legendy a mýty starověkého Řecka. M: Education, 1975. 4. Larionova E.I. K. Lorrain. Album. M: Umění. 1979. 5. Legendy a pověsti starověkého Řecka a starověkého Říma. Ed. A.A. Neihardt. M: Pravda, 1987. 6. Losev A.F. Filozofie, mytologie, kultura. M: Education, 1993. 7. Encyklopedie populárního umění. Ed. V.M. Polevoy. M: Sovětská encyklopedie, 1986 8. Rose - Marie Hagen R. Pieter Bruegel starší. M: Umění - jaro, 2000. 9. Rosenwasser V.B. Valentin Serov. M: Veche, 1990. 10. Chugunov G.I. Valentin Serov v Petrohradě. M: Nauka, 1990. 24 V. PŘÍLOHA 1. S. Botticelli. "Zrození Venuše" (1484 -1486) 2. P. Bruegel. "Krajina s pádem Ikara." (1555-1558) 3. K. Lorrain. "Krajina s Apollónem a Merkurem." (kolem roku 1645) 4. E. Vilém. "Hrdina a Leander." (1828 -1829) 5. D. Waterhouse. „Pandora otevírá rakev“ (1896) 6. V. Serov. „Znásilnění Evropy“. (1910) 25

Podstatou mýtu je jednota člověka a přírody. Příroda působí jako svět impozantních, ale s člověkem spřízněných mytologických stvoření – démonů a bohů.

A umění je vyjádřením potřeby člověka po obrazném a symbolickém ztělesnění významných okamžiků v jeho životě. To je druhá realita, jedna z nejdůležitějších potřeb lidské duše.

Během renesance začali malíři s nadšením zobrazovat na svých plátnech mytologická témata. V moderní době, na pozadí obecných změn ve výtvarném umění, zájem o klasická mytologická témata poněkud vyschl, ale zájem o mýtická monstra, jejichž obrazy se aktivně používají v moderním umění, ožil. Ruští malíři se tradičně obraceli k tématu slovanské mytologie a na svých obrazech zobrazovali jak epické hrdiny, tak mytické bytosti slovanské mytologie.

15. století Slavný obraz umělce Sandro Botticelli "Zrození Venuše"

Botticelli je italský malíř rané renesance, představitel florentské školy, jeden z nejvýraznějších umělců italské renesance. Umělec napsal „Zrození Venuše“ pro Lorenza di Pierfrancesco Medici. Děj tohoto obrázku je založen na mýtu o tom, jak se bohyně lásky zrodila z pěny moře.

16. století. Malování Raphael Santi "Vize Ezechiela".

Toto malé plátno bylo namalováno pro soukromého klienta. Pozadí obrazu plně odpovídá biblickému popisu tohoto vidění: „...od severu přišel bouřlivý vítr, veliký mrak a vířící oheň a záře kolem něj“ (Ezechiel 1:4). V samotném vidění je Bůh zobrazen, jak se vznáší vzduchem, podporovaný „podobami čtyř zvířat“. tradice se svými čtyřmi okřídlenými tvory: člověkem nebo andělem, lvem, býkem a orlem, které ve výtvarném umění symbolizují čtyři evangelisty. Touto křesťanskou tradicí, a nikoli skutečným popisem Ezechielova vidění, se Rafael řídil, když maloval tento obraz. Obraz je malý, ale dává představu o Raphaelově dovednosti při řešení tak složité kompozice. Umělec v něm rozvíjí úkol výjimečný svou obtížností – ukázat rychlý let. Postava samotného Boha zástupů je podána z velmi komplexní perspektivy. Obraz Boha je plný tak titánské síly a pohyb je zprostředkován tak dokonale, že divákovi připadá, jako by „Vize Ezechiela“ bylo velké plátno, a ne drobný obraz, jehož rozměry jsou sotva větší než miniatura. Obraz je založen na jednom z nejbohatších biblických námětů na mytickou symboliku.

17. století "Království Flora" slavný francouzský umělec Nicolas Poussin.

Na jeho plátnech znovu ožili hrdinové starověku, aby předváděli činy, šli proti vůli bohů nebo prostě zpívali a bavili se. Poussinův obraz „Království Flory“ byl vytvořen na základě starověké legendy, kterou vyprávěl římský básník Ovidius. Jedná se o poetickou alegorii původu květin, která zobrazuje hrdiny antických mýtů proměněné v květiny

Poussin ve všech svých dílech vyjádřil estetický ideál klasicismu, který je založen na napodobování „zdobené přírody“. To znamená, že umělec odrážel pouze to vznešené, krásné a dokonalé v člověku a životě, přičemž ignoroval základní, ošklivé a ošklivé. „Království Flory“ je jedním z Poussinových obrazů, který se vyznačuje jemným a bohatým vývojem barev.

Příkladem mytologických námětů v malbě 18. století je plátno Francois Boucher "Jupiter a Callisto". V obraze se umělec obrátil k „Metamorfózám“ římského spisovatele Ovidia, který převyprávěl mýtus o bohu Jupiterovi, který se zamiloval do nymfy Callisto a chtěl ji svést a přijal podobu bohyně Diany. . Umělec interpretoval smyslnou epizodu antické mytologie v povrchním, hravém duchu. Ladné, ladné postavy jeho antických hrdinek vypadají jako porcelánové figurky. Boucher miloval malbu světlem a preferoval elegantní modré, růžové a zelené tóny. V dílech samotného Bouchera se každou chvíli objevují nymfy a Venuše. A názvy děl mluví samy za sebe - "Triumf Venuše", "Toaleta Venuše", "Dianina lázeň". Uměl si užívat krásy života a povzbuzoval ostatní, aby dělali totéž. Rokokový styl byl jeho rodným prvkem, cítil se zde jako ryba ve vodě – přirozeně a organicky. Dekorativnost, půvabná intimita, budoárová atmosféra, pastelové barvy – to jsou hlavní rysy uměleckého stylu Francoise Bouchera.

19. století. Obraz Karla Pavloviče Bryullova „Poslední den Pompejí“

Smrt Pompejí z pohledu Bryullova je smrtí celého starověkého světa, jehož symbolem se stává ústřední postava plátna - krásná žena, která zemřela pádem z vozu. Bryullov je šokován vnitřní krásou a obětavostí těchto lidí, kteří tváří v tvář nevyhnutelné katastrofě neztrácejí lidskou důstojnost. V těchto hrozných chvílích nemyslí na sebe, ale snaží se pomoci svým blízkým, ochránit je před nebezpečím. Umělec se vidí mezi obyvateli Pompejí s krabicí barev a štětců na hlavě. Je tady vedle nich, aby jim pomohl, podpořil jejich ducha. Ale ani před smrtí umělcovo bystré pozorování neopouští - v záblescích blesků jasně vidí lidské postavy dokonalé v jejich plastické kráse. Jsou krásné nejen díky mimořádnému osvětlení, ale také proto, že samy jakoby vyzařovaly světlo duchovní vznešenosti a velikosti. Téměř šest let uplynulo od onoho památného dne, kdy Bryullova napadlo v ulicích neživých Pompejí namalovat obraz o smrti tohoto starobylého města. V posledním roce umělec pracoval tak zběsile, že byl nejednou vyveden z ateliéru v naprostém vyčerpání.

„Civilizace Kréty“ - Pravděpodobně na Krétě existoval stát podobný starověkým východním despotismům. Starověk. Od 11. století nastalo období temného věku. Krétská civilizace. Středisky života byly paláce. Zemřel v 15. století před naším letopočtem. z vulkanické erupce. Kréta. Paláce byly vybaveny tekoucí vodou a kanalizací. Doba temna 11. – 9. století před naším letopočtem

„Hra založená na starověkém Řecku“ - olympijské hry 30 bodů. Sparta 30 bodů. Co mají společného koza a divadlo? Chytré fráze 20 bodů. zaokrouhluji Odpověď z řecko-perských válek: Bitva o Marathon. Odysseus. 50 bodů. Vysvětlete svůj výběr.

"Starověké Řecko" - frazeologické fráze. 8. Kolem roku 540 př. Kr Starověké Řecko. Gorgon Medusa. Sandro Botticelli. Méně důležité části vázy – noha a hrdlo – byly zdobeny ornamenty. Augeovy stáje Gordický uzel Ariadnina nit Achillova pata. Alabastr. Kráterový kruh Mistra Antimenes Kolem roku 500 př. Kr Legenda o Minotaurovi.

„Zrození demokracie v Aténách“ - SOLON - zvolen archontem v roce 594 př.nl. Změny ve vládě v Aténách. “DEMOS” + “KRATOS” = DEMOKRACIE (lid) (moc) (moc lidu). Zvolen ze šlechty a dema Skládá se ze šlechty a dema Sdílí moc s dema Lidé se podílejí na vládnutí. Zrození demokracie v Aténách. Požadavky na ukázky. Solonovy reformy.

"Athénská demokracie" - Lidové shromáždění. Obchodní lodě. Černofigurová malba. Zlaté náramky. Zdroj dějepisu pro 5. ročník připravila Tamara Petrovna Schrader. Akropole.Sparta. Ve školách se učilo číst a psát, počítat a kreslit. Akropole v Aténách. Amfora. THINK: Proč Athéňané milovali své město? Kráter. Moderní vzhled.

„Demokracie v Aténách“ – přísaha soudců: většinou hlasů. Demokracie je „síla dema“ (síla lidu). Zpevnění materiálu: Dává solonovi velkou sílu. Solon o své reformě: Setkání se zúčastnili všichni občané Atén. Demos se bouří proti šlechtě! Zrození demokracie v Aténách. Poprvé v historii vznikl LIDOVÝ SOUD.

Celkem je 29 prezentací