Moderní grafici světa. Školní encyklopedie

Dlouho jsme plánovali udělat papírové hodnocení nejdražších děl umělců na oběžné dráze ruského umění. Nejlepším motivem pro nás byl nový rekord ruské grafiky – 2,098 milionu liber za kresbu Kazimíra Maleviče 2. června

Při zveřejňování našich hodnocení velmi rádi přidáváme různé druhy vyloučení odpovědnosti, abychom předešli možným otázkám. Takže první zásada: pouze originální grafika. Zadruhé: používáme výsledky otevřených aukcí pro díla umělců zařazených na orbitu ruského umění podle databáze webu (možná byly galerijní prodeje za vyšší ceny). Za třetí: Samozřejmě by bylo lákavé dát 3,7 milionu dolarů Arshile Gorkého na první místo na Housatonic. On sám, jak známo, se všemi možnými způsoby snažil být považován za ruského umělce, aniž by se vyhýbal mystifikaci, vzal si pseudonym na počest Maxima Gorkého atd.; v roce 2009 Gorkova díla ukázala Ruské muzeum a Treťjakovská galerie na výstavě „Američtí umělci z Ruské říše“, zařadili jsme ho do databáze výsledků aukcí AI, ale začínat s ním hodnocení ruské grafiky je nespravedlivé z formálních důvodů. Za čtvrté: jeden list – jeden výsledek. Pro toto hodnocení jsme vybrali pouze práce skládající se z jednoho listu papíru; formální přístup by nás přinutil vzít v úvahu další tři položky, z nichž každá byla prodána jako jedna šarže: 122 originálních kreseb tuší pro „Knihu markýzy“ od Konstantina Somova, dvě složky s 58 kresbami a kvaše pro „Knihu markýzy“ Bratři Karamazovi“ od F. M. Dostojevského od Borise Grigorjeva a část sbírky Jakov Peremen. Za páté: jeden autor – jedno dílo. Pokud bychom formálně vzali prvních 10 podle ceny (bez Gorkových výsledků a prefabrikovaných šarží), pak by bylo pět listů Kandinského, tři Chagall a po jednom Malevič a Serebryakova. Nudný. Za šesté: analyzujeme období od roku 2001 do současnosti. Za sedmé: cenový rating byl sestaven v dolarech, výsledky v jiných měnách byly převedeny na dolary směnným kurzem v den obchodování. Za osmé: všechny výsledky jsou uvedeny s ohledem na provizi prodejce.

Kresba Kazimíra Maleviče „Hlava rolníka“, která je přípravným náčrtem pro ztracený obraz „Pohřeb rolníků“ z roku 1911, se zcela očekávaně stala vrcholem ruské aukce v Sotheby’s 2. června 2014 v Londýně. Malevichova díla se na trhu s uměním objevují velmi zřídka; „Hlava rolníka“ je prvním dílem uvedeným do aukce od prodeje „Suprematist Composition“ za 60 milionů dolarů v Sotheby's v roce 2008 a jedním z posledních významných soukromých děl umělce. sbírky. Tato skica byla jedním ze 70 děl vystavených umělcem v Berlíně v roce 1927 a poté ponechána v Německu, aby je zachránila před zákazem a umělým zapomněním, které je v Rusku nevyhnutelně čeká. Dílo přišlo do aukce Sotheby’s z mocné německé soukromé sbírky ruské avantgardy. Téměř všechny položky v této sbírce přesáhly jejich odhad, ale Malevichova kresba byla prostě mimo konkurenci. Dali tomu trojnásobek odhadu – 2,098 milionu liber. Jde o zdaleka nejdražší grafické dílo ruského umělce.

Seznam nejdražších grafických děl Wassily Kandinsky zahrnuje až 18 originálních kreseb v hodnotě více než milion dolarů. Jeho akvarely nejsou ve svém abstraktním poselství v žádném případě horší než jeho obrazy. Připomeňme, že právě z Kandinského grafického díla – „První abstraktní akvarel“ z roku 1910 – se obvykle počítá historie moderního abstraktního umění. Jak praví legenda, jednoho dne Kandinskij, sedící v pološeru svého mnichovského ateliéru a hledící na své figurální dílo, na něm nemohl rozeznat nic kromě barevných skvrn a tvarů. A pak si uvědomil, že se musí vzdát objektivity a pokusit se zachytit „pohyby duše“ prostřednictvím barev. Výsledkem bylo dílo bez jakéhokoli spojení s vnějším světem – „První abstraktní akvarel“ (Paříž, Centre Georges Pompidou).

Kandinského plátna jsou na trhu vzácná a jsou velmi drahá, ale grafika skvěle zapadne do každé kolekce a bude v ní vypadat decentně. Oběhovou grafiku si můžete dovolit za několik tisíc dolarů. Za originální kresbu, která je například skicou ke slavnému obrazu, si ale budete muset připlatit mnohonásobně více. Dosud nejdražší akvarel „Untitled“ z roku 1922 byl prodán během uměleckého boomu v roce 2008 za 2,9 milionu dolarů.

Marc Chagall byl na svou dobu neobvykle produktivním umělcem. Dnes Damienu Hirstovi a Jeffu ​​Koonsovi pomáhá armáda asistentů a Mark Zakharovich během 97 let svého života sám vytvořil tisíce originálních grafických děl, nemluvě o sériově vyráběných dílech. Naše databáze výsledků aukce Chagall obsahuje více než 2000 originálních děl na papíře. Tento umělec neustále roste na ceně a investiční vyhlídky na nákup jeho děl jsou zřejmé – hlavní je, že pravost díla potvrzuje Chagallův výbor. Jinak by dílo mohlo málem spálit (přesně tím Chagallův výbor vyhrožuje majiteli, který nedávno poslal do Paříže na zkoumání obraz, který se ukázal jako padělek). Volba by tedy měla být provedena pouze ve prospěch bezpodmínečně autentické grafiky. Jeho cena může dosáhnout 2,16 milionu dolarů - tolik zaplatili v květnu 2013 za kresbu „Riders“ (papír na kartonu, kvaš, pastel, barevné tužky).

Pastel „Ležící akt“ je nejen nejdražším grafickým dílem Zinaidy Serebryakové, ale také jejím nejdražším dílem vůbec. Téma nahého ženského těla bylo jedním z hlavních v umělcově díle. Akty Serebrjakové se vyvinuly od snímků koupajících se a ruských krásek v lázních v ruském období kreativity až po ležící akty více v duchu evropského umění v pařížském období. Při pohledu na krásné, smyslné, idealizované akty Serebryakové je těžké si představit, jak tragický byl osud umělkyně - její manžel zemřel na tyfus a nechal ji se čtyřmi dětmi v náručí; Musel jsem žít z ruky do úst a nakonec emigrovat do Paříže (jak se později ukázalo, navždy) a nechat děti v Rusku (jen dvě byly později převezeny do Francie, další dvě musely být na delší dobu odděleny než 30 let).

Zinaida Serebryakova ve svých dílech pěstovala dokonalou, věčnou, klasickou krásu. Pastel v některých ohledech lépe vyjadřuje lehkost a vzdušnost jejích ženských obrazů, ve kterých je téměř vždy něco z umělkyně samotné a jejích dětí (dcera Káťa byla jednou z jejích oblíbených modelek).

Poměrně velký pastel, Ležící akt, byl zakoupen během uměleckého boomu v červnu 2008 za 1,07 milionu liber (2,11 milionu dolarů). Žádnému jinému dílu se od té doby nepodařilo tento rekord překonat. Zajímavé je, že v top 10 aukčních prodejích Zinaidy Serebryakové jsou pouze akty a tři díla jsou pouze pastely.

Na aukci Sotheby’s v Londýně dne 27. listopadu 2012, věnované obrazům a grafice ruských umělců, nehrál hlavní roli obraz, ale kresba tužkou na papíře – „Portrét Vsevoloda Meyerholda“ od Jurije Annenkova. Osm účastníků se o práci dohadovalo v sále a po telefonech. Výsledkem je, že kresba, odhadovaná na 30–50 tisíc liber, stála nového majitele několik desítekkrát více, než byl odhad. Výsledek 1,05 milionu liber (1,68 milionu dolarů) přes noc udělal z „Portrétu Vsevoloda Meyerholda“ autorovu nejdražší grafiku a obsadil třetí místo v seznamu nejvyšších aukčních cen za Annenkovova díla obecně.

Proč byl o portrét tak silný zájem? Annenkov je skvělý portrétista, který zanechal obrazy nejlepších postav té doby - básníků, spisovatelů, režisérů. Navíc byl velmi nadaný v grafice: jeho styl spojoval techniky klasické kresby s avantgardními prvky kubismu, futurismu, expresionismu... Uspěl jako divadelní a filmový výtvarník, jako ilustrátor knih. Pozornost veřejnosti jistě upoutala i osobnost modelky na portrétu – slavného režiséra Vsevoloda Meyerholda. No a ke všemu tato kresba pochází ze sbírky skladatele Borise Tyomkina, rodáka z Kremenčugu, který emigroval do USA a stal se slavným americkým skladatelem, čtyřnásobným držitelem Oscara za hudební tvorbu ve filmu.

Jeden z hlavních umělců sdružení World of Art, Lev (Leon) Bakst, samozřejmě měl být na našem seznamu komerčně nejúspěšnějších grafiků. Jeho sofistikovaná divadelní díla – návrhy kostýmů pro nejlepší tanečníky té doby, výpravy k inscenacím – nám dnes dávají představu, jak luxusní podívanou byly Ďaghilevovy ruské sezóny.

Bakstovo nejdražší grafické dílo „Žlutá sultána“ vzniklo v roce, kdy Diaghilevův balet poprvé vyjel na turné po Spojených státech. V té době byl Bakst již známým umělcem, rozpoznatelný styl jeho divadelních děl se stal značkou a jeho vliv byl cítit v módě, interiérovém designu a špercích. Smyslný akt "Yellow Sultana", který vyrostl z jeho divadelních skečů, vyvolal urputnou bitvu mezi dvěma telefony na aukci Christie's 28. května 2012. Ve výsledku dosáhly hodnoty 937 250 liber ( 1 467 810 dolarů) s přihlédnutím k provizi, přestože odhad byl 350–450 tisíc liber.

Svět vznešených hnízd upadajících v zapomnění, zamlžené zámecké parky a půvabné mladé dámy procházející se uličkami se objevuje v dílech Viktora Elpidiforoviče Borisova-Musatova. Někteří jeho styl nazývají „elegie v malbě“, vyznačuje se zasněností, tichou melancholií a smutkem po minulé době. Pro Borisova-Musatova byly šlechtické statky světem současnosti, ale v jeho úvahách o tomto světě je něco nadpozemského: o těchto parcích, verandách a rybnících se zdá, že si umělec vysnil. Jako by tušil, že tento svět brzy přestane existovat a on sám přestane existovat (umělce vzala v 35 letech těžká nemoc).

Viktor Borisov-Musatov dával přednost pastelu a akvarelu před olejomalbou, dodávaly mu potřebnou lehkost štětce a oparu. Objevení jeho pastelu „Poslední den“ na ruské aukci v Sotheby’s v roce 2006 bylo událostí, protože hlavní díla Borisova-Musatova jsou v muzeích a na otevřených aukcích bylo v průběhu let nabízeno jen asi tucet děl. Pastel „Poslední den“ pochází ze sbírky V. Napravnika, syna ruského dirigenta a skladatele Eduarda Napravnika. Tento pastel byl vyobrazen na „Portrétu Marie Georgievny Napravnik“ od Zinaidy Serebryakové, který je nyní uložen v Chuvash Art Museum. V monografii „Borisov-Musatov“ (1916) N. N. Wrangel zmiňuje „Poslední den“ v seznamu umělcových děl. Takže, jak se očekávalo, nepochybně pravý předmět dosáhl pro umělce rekordní ceny 702 400 liber, neboli 1 314 760 dolarů.

Alexander Deineka byl geniální grafik, grafika ho v počátečních fázích jeho tvůrčí dráhy přitahovala ještě více než malba, především pro svůj propagandistický potenciál. Umělec hodně pracoval jako ilustrátor knih a časopisů a vytvářel plakáty. Později ho tato „časopisná plakátová práce“ unavila, začal se stále více věnovat malbě, monumentálnímu umění, ale získané dovednosti kreslíře se ukázaly jako velmi užitečné – například při tvorbě přípravných skic k obrazům. „Dívka, která si váže stuhu na hlavu“ - náčrt k obrazu „Bather“ (1951, sbírka Treťjakovské galerie). Toto dosud nejdražší dílo Deineky pochází z pozdního období kreativity, kdy se již umělcův styl z avantgardních rešerší 20.–30. let minulého století silně rozvinul směrem k socialistickému realismu. Deineka byl ale také upřímný v socialistickém realismu. Síla a krása zdravého lidského těla je jedním z Deinekových oblíbených témat v jeho tvorbě. „Dívka váže stuhu“ nás odkazuje na jeho akty, podobné řeckým bohyním – sovětským Venuším, které nacházejí štěstí v práci a sportu. Jedná se o kresbu z učebnice Deineka, a proto není divu, že se na aukci Sovcom prodala za rekordních 27 500 000 rublů (1 012 450 USD).

Boris Dmitrievich Grigoriev emigroval z Ruska v roce 1919. Stal se jedním z nejznámějších ruských umělců v zahraničí, ale zároveň byl ve své vlasti na dlouhá desetiletí zapomenut a jeho první výstavy v SSSR se konaly až koncem 80. let. Dnes je ale jedním z nejžádanějších a vysoce ceněných autorů na ruském uměleckém trhu, jeho díla, malby i grafiky, se prodávají za statisíce a miliony dolarů. Umělec byl mimořádně výkonný, věřil, že zvládne jakékoli téma, jakoukoli zakázku.

Asi nejznámější jsou jeho cykly „Rasa“ a „Tváře Ruska“ - duchem velmi blízké a liší se pouze tím, že první vznikl před emigrací a druhý již v Paříži. V těchto cyklech se nám předkládá galerie typů („tváří“) ruského rolnictva – staří muži, ženy i děti na diváka zasmušile hledí, přitahují pohled a zároveň ho odpuzují. Grigorjev v žádném případě neměl sklon idealizovat nebo přikrášlovat ty, které maloval, naopak někdy vnáší obrazy do grotesky. Jedna z „tváří“, provedená kvašem a akvarelem na papíře, se stala nejdražším grafickým dílem Borise Grigorjeva: v listopadu 2009 za ni v aukci Sotheby’s zaplatili 986 500 dolarů.

A konečně desátým autorem na našem seznamu nejdražších děl ruské grafiky je Konstantin Somov. Syn kurátora sbírek Ermitáž a hudebníka mu byla od dětství vštěpována láska k umění a všemu krásnému.Po studiích na Akademii umění u Repina se Somov brzy ocitl ve společnosti Svět umění, která propagovala kult krásy, který mu byl blízký. Tato touha po dekorativnosti a „kráse“ byla patrná zejména v jeho četných kresbách vycházejících z obrazů galantní doby, zájem o ně byl pozorován v dílech jiných světových umělců (Lanceret, Benois). „Somovští“ markýzi a galantní pánové na tajných schůzkách, scény společenských recepcí a maškar s harlekýny a dámami v parukách nás odkazují k estetice baroka a rokoka.

Ceny Somovových děl na uměleckém trhu začaly od roku 2006 růst fenomenálním a ne vždy pochopitelným tempem, některé jeho obrazy překonaly odhad 5krát nebo dokonce 13krát. Jeho obrazy stály miliony liber. Pokud jde o grafiku, Somovův dosavadní nejlepší výsledek je 620 727 $ - to je jen jedna z kreseb „galantní“ série „Masquerade“.

Dne 22. dubna 2010 bylo v aukční síni Sotheby's v New Yorku prodáno 86 děl - obrazů a grafik - od téměř dvou desítek autorů jako jediná položka č. 349. Tento prodej mimochodem vytváří zmatek v aukčních statistikách těch umělců, jejichž díla byla zařazena do této položky. Ano, sbírka je sama o sobě velmi cenná, má za sebou dlouhou, složitou a tragickou historii a na jednu stranu je dobře, že se sbírka dostala do stejných rukou. Ale na druhou stranu, pokud se jednoho dne majitel rozhodne jednotlivá díla prodat, pak pro většinu autorů prostě neexistuje žádná cenová hladina. Po ohlušující „výtvarné přípravě“, která předcházela prodeji sbírky, se mohla objevit, ale ne a při dalším prodeji by to bylo obrovské mínus.

Pozornost! Veškeré materiály na stránce a databáze výsledků aukcí na stránce, včetně ilustrovaných referenčních informací o dílech prodaných v aukci, jsou určeny k použití výhradně v souladu s čl. 1274 občanského zákoníku Ruské federace. Použití pro komerční účely nebo v rozporu s pravidly stanovenými občanským zákoníkem Ruské federace není povoleno. stránka nenese odpovědnost za obsah materiálů poskytnutých třetími stranami. V případě porušení práv třetích osob si správa stránek vyhrazuje právo na jejich odstranění ze stránek a z databáze na základě žádosti oprávněného orgánu.

Níže představíme umělce, kteří jsou známí po celém světě díky své schopnosti kreslit běžnou břidlicovou tužkou. Každý z nich má svůj vlastní styl, osobnost a také oblíbená témata pro kreativitu. Kromě toho je jméno každého autora také odkazem na autorovu osobní online galerii, kde si můžete podrobněji prostudovat kresby tužkou a biografii každého z nich.
Když si prohlížíte obrázky, všimnete si některých zajímavých rysů na obrazech každého. Některé se vyznačují měkkými liniemi, plynulými přechody světla a stínu a aerodynamickými tvary. Jiní naopak ve své kreativitě používají tvrdé linie a jasné tahy, které vytvářejí dramatický efekt.
Již dříve jsme na našich stránkách zveřejnili snímky některých mistrů. Zde je seznam článků, kde můžete vidět stejně atraktivní kresby tužkou.

• Album neuvěřitelných ilustrací od Mattiase Adolfssona;

JD Hillberry

Přirozené schopnosti a silná touha upoutat pozornost na svou práci se u JD Hillberry objevily již v dětství. Touha a talent udělaly z mistra jednoho z nejlepších umělců kreslení tužkou na světě. Ještě během studií ve Wyomingu začal vyvíjet vlastní techniku, míchal dřevěné uhlí a grafit, aby ve svých kresbách dosáhl fotorealistického efektu. JD používá monochromatické světlo, aby přitáhlo divákovu pozornost prostřednictvím hry světla, stínu a textury. Během své kariéry se snažil jít za hranice realismu a výrazu. Po přestěhování do Colorada v roce 1989 začal Hillberry experimentovat s kresbami trompe l'oeil. Tradičně se tento typ práce provádí v oleji, ale úspěšně zprostředkoval realismus zápletky pomocí tužky. Divák při pohledu na takové obrazy je oklamán a myslí si, že objekt je v rámu nebo v okně, ačkoli ve skutečnosti jsou všechny tyto prvky nakresleny. JD Hillberry, který pracuje ve svém ateliéru ve Westminsteru v Coloradu, svými kresbami nadále rozšiřuje vnímání veřejnosti.

Brian Duey

Brian je jedním z nejúžasnějších umělců s tužkou, který krásně pracuje s tužkou a vytváří inspirativní umělecká díla. Zde je to, co říká o své práci a sobě:
"Jmenuji se Brian Duey. Narodil jsem se a vyrostl jsem v Grand Rapids v Michiganu. Navštěvoval jsem veřejnou školu v malé vesnici jménem Granville, kde jsem se poprvé seznámil s uměním. Nikdy jsem nepřemýšlel o závažnosti svého koníčka, ale zjistil jsem silnou přitažlivostí ke kreslení tužkou ve 20 letech. Seděl jsem sám ve svém domě a z nudy jsem se rozhodl vzít do ruky tužku a začít kreslit. Okamžitě jsem se zamiloval do kreslení a chtěl jsem to dělat pořád S každou kresbou jsem byl lepší a lepší. Během práce jsem si vyvíjel vlastní techniku ​​a originální triky. Snažím se vytvářet realistické kresby a přidávat vlastní konceptuální nápady. Často se mě ptají, co mě inspiruje a kde jsem se naučil kreslit. mohu otevřeně říci, že jsem samouk.
Moje ilustrace byly publikovány v knihách a blahopřáních, na obalech CD a v různých časopisech. Komerční práci se věnuji od roku 2005 a za tuto dobu jsem získal klienty po celém světě. Většina mých objednávek pochází ze Spojených států, Velké Británie a Kanady, ale pracuji také se zákazníky z Irska. Moje obrazy byly vystaveny v galeriích po celých Spojených státech. V roce 2007 jsem byl požádán, abych namaloval portrét Britney Spears, který byl součástí umělecké galerie v Hollywoodu v Kalifornii. Tato událost byla pokryta na MTV a já jsem získal celosvětovou slávu. Nehodlám se tam zastavit a pokračovat v práci. Mám nové nápady a plány. Jedním z mých cílů do budoucna je vydat návod na kreslení.

T. S. Abe

Přestože jsme Abeho děl nenašli mnoho, z jejích ilustrací je zřejmé, že jde o umělkyni vysoké třídy. Umělkyně vyniká tužkou a dovedně zobrazuje složité nápady pomocí vlastních technik. Abeho obrazy jsou harmonické a vyvážené, komplexní a zároveň jednoduše vnímatelné. Je jednou z nejtalentovanějších umělkyň kreslení tužkou naší doby.

Cesar Del Valle

Umělec ve svých dílech používá speciální unikátní techniku ​​kresby tužkou. Caesarovy ilustrace ukazují nejen jeho talent, ale odrážejí i autorovo jemné vnímání prostředí.

Henrik

Henrikovo dílo je vystaveno v Deviant Art Gallery. Jeho kresby jsou zajímavou ukázkou umění tužkou. Mistr zázračně používá černé a bílé tóny k přenosu originálních obrázků a neobvyklých nápadů.

Pokud si myslíte, že všichni velcí umělci jsou minulostí, pak ani netušíte, jak moc se mýlíte. V tomto článku se dozvíte o nejslavnějších a nejtalentovanějších umělcích naší doby. A věřte, že jejich díla zůstanou ve vaší paměti neméně hluboce než díla mistrů z minulých epoch.

Wojciech Babski

Wojciech Babski je současný polský umělec. Dostudoval na Slezském polytechnickém institutu, ale spojil se s. V poslední době maluje především ženy. Zaměřuje se na vyjádření emocí, snaží se jednoduchými prostředky dosáhnout co největšího účinku.

Miluje barvy, ale k dosažení nejlepšího dojmu často používá odstíny černé a šedé. Nebojte se experimentovat s různými novými technikami. V poslední době si získává stále větší oblibu v zahraničí, především ve Velké Británii, kde úspěšně prodává svá díla, která se již nacházejí v mnoha soukromých sbírkách. Kromě umění se zajímá o kosmologii a filozofii. Poslouchá jazz. V současné době žije a pracuje v Katovicích.

Warren Chang

Warren Chang je současný americký umělec. Narodil se v roce 1957 a vyrostl v Monterey v Kalifornii a v roce 1981 s vyznamenáním promoval na Art Center College of Design v Pasadeně, kde získal titul BFA. Během následujících dvou desetiletí pracoval jako ilustrátor pro různé společnosti v Kalifornii a New Yorku, než se v roce 2009 vydal na dráhu profesionálního umělce.

Jeho realistické obrazy lze rozdělit do dvou hlavních kategorií: biografické interiérové ​​obrazy a obrazy zobrazující lidi při práci. Jeho zájem o tento styl malby sahá až k dílu umělce 16. století Johannese Vermeera a sahá do námětů, autoportrétů, portrétů členů rodiny, přátel, studentů, interiérů ateliérů, tříd a domovů. Jeho cílem je vytvořit náladu a emoce ve svých realistických obrazech pomocí manipulace se světlem a použitím tlumených barev.

Chang se proslavil po přechodu na tradiční výtvarné umění. Za posledních 12 let si vysloužil řadu ocenění a vyznamenání, z nichž nejprestižnější je Master Signature od Oil Painters of America, největší komunity olejomaleb ve Spojených státech. Pouze jeden člověk z 50 má příležitost získat toto ocenění. Warren v současnosti žije v Monterey a pracuje ve svém ateliéru a také vyučuje (známý jako talentovaný učitel) na San Francisco Academy of Art.

Aurelio Bruni

Aurelio Bruni je italský umělec. Narozen v Blair, 15. října 1955. Získal diplom ze scénografie na Institutu umění ve Spoletu. Jako umělec je samouk, protože samostatně „postavil dům poznání“ na základech položených ve škole. V 19 letech začal malovat oleji. V současné době žije a pracuje v Umbrii.

Bruniho rané malby mají kořeny v surrealismu, ale postupem času se začíná zaměřovat na blízkost lyrického romantismu a symbolismu a tuto kombinaci umocňuje vynikající propracovaností a čistotou svých postav. Animované a neživé předměty získávají stejnou důstojnost a vypadají téměř hyperrealisticky, ale zároveň se neschovávají za oponu, ale umožňují vám vidět podstatu vaší duše. Všestrannost a sofistikovanost, smyslnost a osamělost, přemýšlivost a plodnost jsou duchem Aurelia Bruniho, živeného nádherou umění a harmonií hudby.

Aleksander Balos

Alkasander Balos je současný polský umělec specializující se na olejomalbu. Narozen v roce 1970 v polských Gliwicích, ale od roku 1989 žije a pracuje v USA, v Shasta v Kalifornii.

V dětství studoval umění pod vedením svého otce Jana, samouka a sochaře, a tak se umělecké činnosti odmala dostávalo plné podpory obou rodičů. V roce 1989, ve věku osmnácti let, Balos odešel z Polska do Spojených států, kde jeho učitelka a umělkyně Cathy Gaggliardi na částečný úvazek povzbudila Alkasandera, aby se přihlásil na uměleckou školu. Balos poté získal plné stipendium na University of Milwaukee ve Wisconsinu, kde studoval malbu u profesora filozofie Harryho Rozina.

Po promoci v roce 1995 s bakalářským titulem se Balos přestěhoval do Chicaga, kde studoval na School of Fine Arts, jejíž metody vycházejí z díla Jacquese-Louise Davida. Figurativní realismus a portrét tvořily většinu Balosovy tvorby v 90. letech a na počátku 21. století. Balos dnes využívá lidskou postavu k vyzdvižení vlastností a nedostatků lidské existence, aniž by nabízel nějaká řešení.

Námětové kompozice jeho obrazů jsou určeny k samostatné interpretaci divákem, teprve pak obrazy získají svůj pravý časový a subjektivní význam. V roce 2005 se umělec přestěhoval do severní Kalifornie, od té doby se námět jeho tvorby výrazně rozšířil a nyní zahrnuje volnější malířské metody, včetně abstrakce a různých multimediálních stylů, které pomáhají vyjádřit myšlenky a ideály existence prostřednictvím malby.

Alyssa Monksová

Alyssa Monks je současná americká umělkyně. Narozen v roce 1977 v Ridgewood, New Jersey. O malování jsem se začal zajímat, když jsem byl ještě dítě. Studovala na The New School v New Yorku a na Montclair State University a v roce 1999 absolvovala Boston College s bakalářským titulem. Současně studovala malbu na akademii Lorenza de' Medici ve Florencii.

Poté pokračovala ve studiu v magisterském studijním programu na New York Academy of Art, na katedře figurativního umění, kterou absolvovala v roce 2001. Vystudovala Fullerton College v roce 2006. Nějakou dobu přednášela na univerzitách a vzdělávacích institucích po celé zemi, vyučovala malbu na New York Academy of Art a také na Montclair State University a Lyme Academy of Art College.

„Pomocí filtrů, jako je sklo, vinyl, voda a pára, deformuji lidské tělo. Tyto filtry vám umožní vytvořit velké plochy abstraktního designu, skrz které pronikají ostrůvky barev – části lidského těla.

Moje obrazy mění moderní pohled na již zavedené, tradiční pózy a gesta koupajících se žen. Pozornému divákovi by mohly leccos říci o tak zdánlivě samozřejmých věcech, jako jsou výhody plavání, tance a podobně. Moje postavy se tisknou na sklo sprchového okna, deformují svá vlastní těla a uvědomují si, že tím ovlivňují notoricky známý mužský pohled na nahou ženu. Silné vrstvy barvy se mísí tak, aby z dálky napodobovaly sklo, páru, vodu a maso. Zblízka se však projeví úžasné fyzikální vlastnosti olejové barvy. Experimentováním s vrstvami barev a barev nacházím bod, kdy se abstraktní tahy štětcem stávají něčím jiným.

Když jsem poprvé začal malovat lidské tělo, byl jsem jím okamžitě fascinován a dokonce i posedlý a věřil jsem, že své obrazy musím udělat co nejrealističtější. Realismus jsem „vyznával“, dokud se nezačal rozplétat a odhalovat rozpory sám o sobě. Nyní zkoumám možnosti a potenciál stylu malby, kde se střetává reprezentativní malba a abstrakce – pokud mohou oba styly koexistovat ve stejný okamžik, udělám to.“

Antonio Finelli

Italský umělec –“ Pozorovatel času“ – Antonio Finelli se narodil 23. února 1985. V současné době žije a pracuje v Itálii mezi Římem a Campobassem. Jeho díla byla vystavena v několika galeriích v Itálii i v zahraničí: Řím, Florencie, Novara, Janov, Palermo, Istanbul, Ankara, New York a lze je nalézt také v soukromých i veřejných sbírkách.

Kresby tužkou" Pozorovatel času„Antonio Finelli nás vezme na věčnou cestu vnitřním světem lidské dočasnosti as tím spojenou pečlivou analýzou tohoto světa, jejímž hlavním prvkem je průchod časem a stopy, které zanechává na kůži.

Finelli maluje portréty lidí jakéhokoli věku, pohlaví a národnosti, jejichž mimika naznačuje průchod časem, a umělec také doufá, že na tělech svých postav najde důkazy o nemilosrdnosti času. Antonio definuje svá díla jediným obecným názvem: „Autoportrét“, protože ve svých kresbách tužkou nejen zobrazuje člověka, ale umožňuje divákovi kontemplovat skutečné výsledky plynutí času uvnitř člověka.

Flaminia Carloniová

Flaminia Carloni je 37letá italská umělkyně, dcera diplomata. Má tři děti. Dvanáct let žila v Římě a tři roky v Anglii a Francii. Vystudovala dějiny umění na BD School of Art. Poté získala diplom restaurátorky umění. Než našla své povolání a plně se věnovala malování, pracovala jako novinářka, koloristka, návrhářka a herečka.

Flaminiaina vášeň pro malování vznikla v dětství. Jejím hlavním médiem je olej, protože miluje „coiffer la pate“ a také si hraje s materiálem. Podobnou techniku ​​poznala v dílech umělce Pascala Toruy. Flaminia je inspirována velkými mistry malby, jako jsou Balthus, Hopper a François Legrand, a také různými uměleckými směry: street art, čínský realismus, surrealismus a renesanční realismus. Její oblíbený umělec je Caravaggio. Jejím snem je objevit terapeutickou sílu umění.

Denis Černov

Denis Chernov je talentovaný ukrajinský umělec, narozený v roce 1978 v Sambir, Lvovská oblast, Ukrajina. Po absolvování charkovské umělecké školy v roce 1998 zůstal v Charkově, kde v současnosti žije a tvoří. Studoval také na Charkovské státní akademii designu a umění, katedře grafiky, kterou ukončil v roce 2004.

Pravidelně se účastní výtvarných výstav, k dnešnímu dni jich bylo na Ukrajině i v zahraničí více než šedesát. Většina děl Denise Černova je uložena v soukromých sbírkách na Ukrajině, v Rusku, Itálii, Anglii, Španělsku, Řecku, Francii, USA, Kanadě a Japonsku. Některá díla byla prodána v Christie's.

Denis pracuje v široké škále grafických a malířských technik. Kresba tužkou patří k jeho nejoblíbenějším malířským metodám, velmi pestrý je i seznam námětů jeho kresby tužkou, maluje krajiny, portréty, akty, žánrové kompozice, knižní ilustrace, literární a historické rekonstrukce a fantazie.

"Obrazy grafiky"

Grafika je druh výtvarného umění, které využívá čáry, tahy, skvrny a tečky jako hlavní vizuální prostředky.
Grafika obrázků. Barvu lze použít i v grafice, ale na rozdíl od malby zde hraje vedlejší roli.

Grafika obrázků. Při kreslení grafiky obvykle nepoužívají více než jednu barvu (s výjimkou hlavní černé), ve vzácných případech - dvě). Kromě obrysové čáry se v grafice hojně používají tahy a skvrny, kontrastující také s bílým (a v jiných případech i barevným, černým nebo méně často texturovaným) povrchem papíru - hlavním podkladem pro grafické práce. Kombinace stejných prostředků může vytvářet tónové nuance. Nejčastějším výrazným znakem grafiky je zvláštní vztah zobrazovaného předmětu k prostoru, jehož roli z velké části hraje pozadí papíru (slovy sovětského grafického mistra V. A. Favorského „vzduch bílého listu “).

Grafika obrázků. Nejstarším a nejtradičnějším druhem grafiky je kresba, jejíž počátky můžeme vidět v primitivních skalních malbách a ve starověkém vázovém malířství, kde základem obrazu je linie a silueta. Úkoly kresby mají mnoho společného s malbou a hranice mezi nimi jsou plynulé a do značné míry libovolné: akvarelem, kvašem, pastelem a temperou lze vytvářet jak grafická díla, tak díla malířského stylu a charakteru.

Grafika obrázků. Grafika zahrnuje jak kresbu samotnou, tak tištěná umělecká díla (rytina, litografie atd.), vycházející z umění kresby, ale mající své vlastní vizuální prostředky a vyjadřovací schopnosti.
Grafika obrázků. V grafice mají vedle dokončených kompozic také celoplošné skici a skici k dílům malířství, sochařství, architektury (kresby Michelangelo, L. Bernini v Itálii, O. Rodin ve Francii, Rembrandt v Holandsku, V. I. Bazhenov v Rusku). nezávislá umělecká hodnota.. Grafika, která nemá takový objem úplnosti možností jako malba při vytváření prostorové iluze skutečného světa, mění míru prostorovosti a plochosti s velkou svobodou a flexibilitou; Grafická díla se mohou vyznačovat pečlivou objemovou konstrukcí, důkladností ve vývoji nejjemnějších prvků textury a identifikací struktury námětu.

Dědictví grafického umění je rozmanité. Vyznačuje se díly takových světoznámých mistrů jako Albrecht Durer (1471-1528), Francisco Goya (1746-1828), Gustave Dore (1832-1883), japonskí umělci Kitagawa Utamaro (1753-1806), Hiroshige Ando ( 1797-1858) a rytec a kreslíř Hokusai Katsushika (1760-1849), jehož dílo mělo významný vliv na evropské umění konce 19. a počátku 20. století.

Z moderních mistrů grafiky je nejznámější nizozemský umělec Maurice Escher, který jako jeden z prvních ztvárnil fraktály a proslavil se po vydání knihy „Grafiek en Tekeningen“, v níž sám komentoval 76 svých nejlepší díla.
Podívali jsme se tedy na historické kořeny grafiky a moderní grafiky.
Grafické obrazy mohou být samostatnou sekcí výtvarného umění.
Grafické malby daly základ a vývoj tak krásným druhům výtvarného umění, jako je .

Grafika obrázků. Grafická kresba. To je úplné umění. Grafika má dlouhou a bohatou historii. Grafické malby jsou starověkou uměleckou formou. Grafické malby jsou naší modernou. Grafické obrazy jsou respektovány a milovány.

Mnoho lidí se zajímá o grafiku. Sbírejte grafické výkresy. Grafika je zajímavá a fascinující.
Moderní dekorativní umění si také nelze představit bez grafiky a grafických obrázků. Náčrtky, skici a kresby umožňují umělci přemýšlet zajímavým a originálním způsobem. Malby, grafika a kresba jsou základem kreativity každého profesionálního mistra.
Grafiku, kresbu, grafický obrázek, grafický design lze zhotovit na základě různých materiálů. Grafika na papíře. Grafika na dřevě. Grafika na kovu. Grafika na látce. Grafika na skle. Písková grafika.

Dovedný grafický obraz zaujme a uchvátí diváka o nic hůř než pestrobarevné olejomalby nebo akvarelové malby.
Grafika obrázků. Grafika je krásná sama o sobě. Grafika je zajímavá. Grafika je fascinující. Grafické kresby takových mistrů, jako je Michelangelo, jsou považovány za neocenitelná díla kresby a grafiky.

Grafika obrázků. Moderní grafika.
Moderní grafika má své mistry. Mnozí se specializují na grafickou kresbu a grafice se věnují celý život.
Moderní grafika má své fanoušky i své znalce. Grafické kresby si snadno koupí mnoho amatérů a sběratelů. Grafické práce mohou být také velmi drahé. Grafické obrazy nejsou levné a nejsou v umění vyvrhelem. Grafické malby jsou svým vlastním úžasným světem ve výtvarném umění.

Grafika obrázků. Moderní grafika. Naše galerie představuje širokou škálu grafických prací. Jsou zde grafické práce pro každý vkus. Podívejte se blíže na naše grafické práce. Grafika je dobrá víla moderního umění, ale grafika je sama o sobě krásná. Dobrá grafická kresba nebo grafická kompozice může ozdobit každý interiér svou nádhernou aurou. Grafika je úžasná!
Grafika uchvátila nejen umělce. Grafické obrazy se staly múzou i pro mistry moderní poezie.
Veršovaná grafika je zvláštním způsobem záznamu poetického textu ve své odlišnosti od prózy.

"Začala ho líbat, celého namazaného marmeládou, na jeho ocas a hřívu."
a do výlohy Eliseevského obchodu s potravinami a do počítače Macintosh
A schválně za ni nahradil tu či onu (lanita) disketu
nezapomeň ji políbit na každou tužku Kohinorov.“

V moderní poezii existuje mnoho termínů z kořenového slova - „grafické obrázky“. Například: speciální poetická grafika, speciální veršovaná grafika, specifická veršovaná grafika.
Grafika. Grafika proniká a prostupuje celým naším životem. Milují grafiku. Obdivují grafiku. Zajímá je grafika. Někomu vadí grafika.
Nejoblíbenějším a nejznámějším typem grafiky je kresba. Každý umělec začíná grafikou a grafickými pracemi.
Grafika. Papír. Tužka. Co jiného je potřeba. Samozřejmě kreativita. Samozřejmě inspirace.

"Vezmu tužku, grafit s písmenem "T",
Začínám kreslit pocity.
A s třesoucí se rukou na bílém prostěradle
Ničím zákony umění."

Grafika obrázků. Grafika proniká a prostupuje celým naším životem. Milují grafiku. Obdivují grafiku. Zajímá je grafika. Mnoho lidí je z grafiky špatně.

„Papír propíchám ostrým hrotem, dokud tam nejsou díry.
A tahy nepadají jako déšť.
Elixír vypitý z duše smrtí
Vrací se skřípěním zubů."

„Tvrdá grafika! Papír na cáry!
Už mi začínají tuhnout prsty.
Kříženec, který nevěřil ve svou vlastní opuštěnost,
Najednou schopný zemřít melancholií."

Grafika obrázků. Obrazy a grafiky zdobí naše životy. Milují grafiku. Obdivují grafiku. Zajímá je grafika. Mnoho lidí je z grafiky špatně.

"Bolest, vina, lítost, zášť, beznaděj,
Naděje, hněv, hříšnost, touha...
A láska, která nepřijala realitu svobody,
V chrámu krouží neodpuštění...“

Grafika. Obrazy a grafiky zdobí naše životy. Milují grafiku. Obdivují grafiku. Zajímá je grafika. Mnoho lidí vidí své štěstí v grafice.

"Co se stalo? Ještě jsem svůj výtvor nedokončil.
Eklekticismus citů se ukázal jako mazanice.
Chtěl bych spálit prolínání těchto řádků,
Oživení Fénixe z ohně...“

Grafika. Moderní grafika.
Moderní grafika má své mistry. Řada umělců se věnuje grafické kresbě a grafice se věnuje celý život.
Moderní grafika má své fanoušky a své znalce. Grafické kresby si snadno koupí mnoho amatérů a sběratelů. Grafické práce mohou být také velmi drahé. Grafické obrazy nejsou levné a nejsou v umění vyvrhelem. Grafické malby jsou svým vlastním úžasným světem ve výtvarném umění!

Grafika obrázků! Moderní grafika! Naše galerie představuje širokou škálu grafických děl umělců. Jsou zde grafické práce pro každý vkus. Podívejte se blíže na naše grafické práce. Grafické obrazy jsou dobrou vílou moderního umění, ale grafika je krásná sama o sobě. Dobrá grafická kresba nebo grafická kompozice může ozdobit každý interiér svou nádhernou aurou!
Grafika obrázků! Grafika je úžasná!

• Kresby klasických umělců Vážení uživatelé, grafiku některých umělců si můžete stáhnout v archivech rar. Velké obrázky. Aktualizace v sekci "Historie grafiky".
• vk.com/site. Zastoupení stránky "Grafika" v kontaktu. V komunitě existuje spousta vzdělávacích videí pro umělce. Neustále přibývají nová alba klasických grafiků.

Díla umělců webu "Graphic".

Grafika- na jedné straně je to forma umění, na druhé je to činnost, která je přístupná všem a všichni lidé se jí věnují již od mládí. K vytvoření grafické kresby potřebujete pouze list papíru a kreslící materiál - tužku nebo barvu. To znamená, že grafika je na jedné straně veřejně dostupná.

Ale na druhou stranu jde o složitou uměleckou formu, kterou je třeba se naučit stejně jako malbu nebo sochařství. V tom spočívá obtížnost a jednoduchost grafiky. Kreslit umí každý, ale jen málokdo se může stát mistrem.
Grafika se dělí na dva typy: tištěný (tisk), určený k replikaci; A unikátní, což znamená vytvoření děl v jedné kopii.

Nejčastějším poznávacím znakem grafiky je zvláštní vztah zobrazovaného předmětu k prostoru, jehož roli z velké části hraje pozadí papíru, „vzduch bílého listu“, slovy sovětského grafického mistra V. A. Favorský. Prostorový vjem nevytvářejí pouze plochy listu, které obraz nezabírá, ale často (např. u akvarelových kreseb) pozadí papíru vystupující pod barevnou vrstvou.

Dáváme do pozornosti sekci: Knihovna pro umělce.
V „Knihovně“ si můžete stáhnout knihy o umění, anatomii, dějinách umění, kreslení a malování pro domácí studium.

A také 100 čísel časopisu Art Gallery ve formátu djvu.