Objevil se umělec holandské galerie. Královská galerie Mauritshuis, Nizozemsko

Zlatý věk nizozemského malířství je jednou z nejvýznamnějších epoch v historii celého světového malířství. Je považován za zlatý věk holandského malířství 17. století. Právě v této době vytvářeli svá nesmrtelná díla nejtalentovanější umělci a malíři. Jejich obrazy jsou dodnes považovány za nepřekonatelná mistrovská díla, která jsou uchovávána ve slavných muzeích po celém světě a jsou považována za neocenitelné dědictví lidstva.

Nejprve 17. století V Holandsku stále vzkvétalo spíše primitivní umění, které bylo ospravedlněno všedním vkusem a preferencemi bohatých a mocných lidí. V důsledku politických, geopolitických a náboženských změn se nizozemské umění dramaticky změnilo. Pokud se předtím umělci snažili podbízet se holandským měšťanům, líčili jejich život a způsob života, prostý jakéhokoli vznešeného a poetického jazyka, a také pracovali pro církev, která pověřila umělce, aby pracovali v poněkud primitivním žánru s dlouho opotřebovanými poddaných, pak počátek 17. století byl skutečným průlomem. V Holandsku zavládla převaha protestantů, kteří prakticky přestali u umělců objednávat obrazy s náboženskou tematikou. Holandsko se osamostatnilo od Španělska a prosadilo se na historickém pódiu. Umělci přešli od dříve známých témat k zobrazování každodenních scén, portrétů, krajin, zátiší a tak dále. Zde, v novém oboru, umělci zlatého věku jakoby nabrali nový dech a ve světě se začali objevovat skuteční géniové umění.

Holandští umělci 17. století zavedli do módy realismus v malbě. Obrazy ohromující kompozicí, realismem, hloubkou a nevšedností se začaly těšit obrovskému úspěchu. Poptávka po obrazech prudce vzrostla. V důsledku toho se začalo objevovat stále více nových umělců, kteří úžasně rychlým tempem rozvinuli základy malby, vyvinuli nové techniky, styly a žánry. Někteří z nejznámějších umělců Zlatého věku byli: Jan Vermeer, Cornelis Trost, Matthias Stom, Pieter Bruegel starší, Esaias van de Velde, Frans Hals, Adrian Brouwer, Cornelis de Man, Anthony van Dyck a mnoho dalších.

Obrazy holandských malířů

Cornelis de Man - manufaktura na velrybí olej

Cornelis Trost - Zábava v parku

Ludolf Backhuizen – Východoindický dok kampaně v Amsterdamu

Pieter Bruegel starší – Alchymistova katastrofa

Rembrandt - Andries de Graef

Holandsko. 17. století Země zažívá nebývalý rozkvět. Takzvaný „zlatý věk“. Na konci 16. století dosáhlo několik provincií země nezávislosti na Španělsku.

Nyní se protestantské Nizozemsko vydalo vlastní cestou. A katolické Flandry (dnešní Belgie) pod křídly Španělska jsou své.

V nezávislém Holandsku náboženskou malbu téměř nikdo nepotřeboval. Protestantská církev neschvalovala luxusní výzdobu. Ale tato okolnost „hrála do karet“ sekulární malbě.

Doslova každý obyvatel nové země se probudil k lásce k tomuto druhu umění. Nizozemci chtěli na obrazech vidět svůj vlastní život. A umělci jim ochotně vyšli vstříc.

Ještě nikdy nebyla okolní realita tolik vykreslována. Obyčejní lidé, obyčejné pokoje a nejobyčejnější snídaně obyvatele města.

Realismus vzkvétal. Až do 20. století bude důstojnou konkurencí akademismu s jeho nymfami a řeckými bohyněmi.

Těmto umělcům se říká „malí“ Holanďané. Proč? Obrazy byly malé velikosti, protože byly vytvořeny pro malé domy. Téměř všechny obrazy Jana Vermeera tedy nemají více než půl metru na výšku.

Ale víc se mi líbí ta druhá verze. V Nizozemsku žil a pracoval v 17. století velký mistr, „velký“ Holanďan. A všichni ostatní byli ve srovnání s ním „malí“.

Mluvíme samozřejmě o Rembrandtovi. Začněme s ním.

1. Rembrandt (1606-1669)

Rembrandt. Autoportrét ve věku 63 let. 1669 Národní galerie v Londýně

Rembrandt zažil během svého života širokou škálu emocí. Proto je v jeho rané tvorbě tolik zábavy a odvahy. A existuje tolik komplexních pocitů - v těch pozdějších.

Zde je mladý a bezstarostný na obraze „Marnotratný syn v krčmě“. Na kolenou mu leží jeho milovaná manželka Saskia. Je oblíbeným umělcem. Objednávky se hrnou.

Rembrandt. Marnotratný syn v krčmě. 1635 Galerie starých mistrů, Drážďany

To vše ale za cca 10 let zmizí. Saskia zemře na konzumaci. Popularita zmizí jako kouř. Velký dům s unikátní sbírkou bude odebrán pro dluhy.

Ale objeví se stejný Rembrandt, který zůstane po staletí. Holé pocity hrdinů. Jejich nejhlubší myšlenky.

2. Frans Hals (1583-1666)

Frans Hals. Autoportrét. 1650 Metropolitan Museum of Art, New York

Frans Hals je jedním z největších portrétistů všech dob. Proto bych ho také zařadil mezi „velkého“ Holanďana.

V Holandsku v té době bylo zvykem objednávat skupinové portréty. Tak se objevilo mnoho podobných děl zobrazujících lidi pracující společně: střelci jednoho cechu, lékaři jednoho města, vedoucí pečovatelského domu.

V tomto žánru vyčnívá Hals nejvíce. Většina z těchto portrétů ostatně vypadala jako balíček karet. Lidé sedí u stolu se stejným výrazem tváře a jen se dívají. S Halsem to bylo jiné.

Podívejte se na jeho skupinový portrét „Arrows of the Guild of St. Jiří."

Frans Hals. Šípy Cechu sv. Jiří. 1627 Frans Hals Museum, Haarlem, Nizozemsko

Zde nenajdete jediné opakování v póze nebo výrazu tváře. Přitom zde není žádný chaos. Postav je hodně, ale nikdo nepůsobí nadbytečně. Díky úžasně správnému uspořádání figurek.

A dokonce i v jediném portrétu byl Hals lepší než mnoho umělců. Jeho vzory jsou přirozené. Lidé z vyšší společnosti na jeho obrazech postrádají strojenou vznešenost a modelky z nižších vrstev nevypadají poníženě.

A jeho postavy jsou také velmi emotivní: usmívají se, smějí se a gestikulují. Jako například tento „Cikán“ s potutelným pohledem.

Frans Hals. Cikán. 1625-1630

Hals, stejně jako Rembrandt, skončil svůj život v chudobě. Ze stejného důvodu. Jeho realismus byl v rozporu s vkusem jeho zákazníků. Kteří chtěli, aby jejich vzhled byl vyšperkovaný. Hals nepřijal přímé lichotky, a tak podepsal svou vlastní větu - „Oblivion“.

3. Gerard Terborch (1617-1681)

Gerard Terborch. Autoportrét. 1668 Královská galerie Mauritshuis, Haag, Nizozemsko

Terborch byl mistrem každodenního žánru. Bohatí i nepříliš bohatí měšťané si v klidu povídají, dámy čtou dopisy a kupčí sleduje námluvy. Dvě nebo tři těsně vedle sebe umístěné postavy.

Byl to tento mistr, který vyvinul kánony každodenního žánru. Kterou si později vypůjčili Jan Vermeer, Pieter de Hooch a mnoho dalších „malých“ Holanďanů.

Gerard Terborch. Sklenice limonády. 60. léta 17. století. Státní muzeum Ermitáž, Petrohrad

„Sklenka limonády“ je jedním ze slavných Terborchových děl. Ukazuje to další přednost umělce. Neuvěřitelně realistický obraz látky šatů.

Terborch má také neobvyklá díla. Což vypovídá o jeho touze jít nad rámec požadavků zákazníků.

Jeho "The Grinder" ukazuje život nejchudších lidí v Holandsku. Na obrazech „malých“ Holanďanů jsme zvyklí vídat útulné dvorky a čisté pokoje. Terborch se ale odvážil ukázat nevzhledné Holandsko.

Gerard Terborch. Bruska. 1653-1655 Státní muzea v Berlíně

Jak jste pochopili, taková práce nebyla poptávka. A jsou vzácným výskytem i mezi Terborchem.

4. Jan Vermeer (1632-1675)

Jan Vermeer. Umělecká dílna. 1666-1667 Kunsthistorisches Museum, Vídeň

Není jisté, jak Jan Vermeer vypadal. Je jen zřejmé, že na obraze „Umělcova dílna“ zobrazil sám sebe. Pravda zezadu.

Je proto s podivem, že nedávno vyšla najevo nová skutečnost z mistrova života. Je spojena s jeho mistrovským dílem „Delft Street“.

Jan Vermeer. Delftská ulice. 1657 Rijksmuseum v Amsterdamu

Ukázalo se, že Vermeer strávil své dětství na této ulici. Dům na obrázku patřil jeho tetě. Vychovala tam svých pět dětí. Možná sedí na prahu a šije, zatímco její dvě děti si hrají na chodníku. V protějším domě bydlel sám Vermeer.

Častěji ale zobrazoval interiér těchto domů a jejich obyvatele. Zdálo by se, že zápletky obrazů jsou velmi jednoduché. Tady je hezká dáma, bohatá obyvatelka města, která kontroluje fungování své váhy.

Jan Vermeer. Žena s váhy. 1662-1663 Národní galerie umění, Washington

Proč Vermeer vyčníval mezi tisíci dalších „malých“ Holanďanů?

Byl nepřekonatelným mistrem světla. V obraze „Žena s váhami“ světlo jemně zahaluje hrdinčinu tvář, látky a stěny. Dát obrazu neznámou spiritualitu.

A kompozice Vermeerových obrazů jsou pečlivě ověřeny. Nenajdete jediný zbytečný detail. Stačí odstranit jeden z nich, obrázek se „rozpadne“ a kouzlo zmizí.

To vše nebylo pro Vermeera snadné. Taková úžasná kvalita vyžadovala pečlivou práci. Pouze 2-3 obrazy za rok. V důsledku toho neschopnost uživit rodinu. Vermeer také pracoval jako obchodník s uměním a prodával díla jiných umělců.

5. Pieter de Hooch (1629-1884)

Pieter de Hooch. Autoportrét. 1648-1649 Rijksmuseum, Amsterdam

Hoch je často přirovnáván k Vermeerovi. Pracovali ve stejnou dobu, dokonce bylo období ve stejném městě. A to v jednom žánru – každodenní. V Hoch také vidíme jednu nebo dvě postavy v útulných holandských dvorech nebo místnostech.

Otevřené dveře a okna dělají prostor jeho obrazů vrstveným a zábavným. A postavy do tohoto prostoru velmi harmonicky zapadají. Jako například v jeho obrazu „Služka s dívkou na nádvoří“.

Pieter de Hooch. Služka s dívkou na nádvoří. 1658 Londýnská národní galerie

Až do 20. století byl Hoch velmi ceněn. Málokdo si ale všiml drobných děl jeho konkurenta Vermeera.

Ale ve 20. století se všechno změnilo. Hochova sláva pohasla. Je však těžké nepoznat jeho úspěchy v malířství. Jen málokdo dokázal tak kompetentně skloubit prostředí a lidi.

Pieter de Hooch. Hráči karet ve slunné místnosti. 1658 Royal Art Collection, Londýn

Vezměte prosím na vědomí, že ve skromném domě na plátně „Hráči karet“ visí obraz v drahém rámu.

To opět ukazuje, jak populární byla malba mezi obyčejnými Holanďany. Obrazy zdobily každý domov: dům bohatého měšťana, skromného městského obyvatele a dokonce i rolníka.

6. Jan Steen (1626-1679)

Jan Steen. Autoportrét s loutnou. 70. léta 17. století Muzeum Thyssen-Bornemisza, Madrid

Jan Steen je možná nejveselejší „malý“ Holanďan. Ale milující morální učení. Často zobrazoval krčmy nebo chudiny, ve kterých existovaly neřesti.

Jeho hlavními postavami jsou milovníci a dámy s lehkou ctností. Chtěl diváka pobavit, ale latentně ho varovat před zlomyslným životem.

Jan Steen. To je nepořádek. 1663 Kunsthistorisches Museum, Vídeň

Sten má také tišší práce. Jako například „Ranní toaleta“. Ale i zde umělec překvapuje diváka příliš odhalujícími detaily. Jsou tam stopy punčochové gumičky a ne prázdný nočník. A jaksi není vůbec vhodné, aby pes ležel přímo na polštáři.

Jan Steen. Ranní toaleta. 1661-1665 Rijksmuseum, Amsterdam

Ale přes veškerou lehkomyslnost jsou Stenova barevná schémata velmi profesionální. V tom převyšoval mnoho „malých Holanďanů“. Podívejte se, jak dokonale se červená punčoška hodí k modré bundě a zářivě béžovému koberci.

7. Jacobs Van Ruisdael (1629-1882)

Portrét Ruisdaela. Litografie z knihy z 19. století.

"Měšťanské" baroko v holandském malířstvíXVII PROTI. – zobrazení každodennosti (P. de Hooch, Vermeer). "Luxusní" zátiší od Kalfa. Skupinový portrét a jeho rysy od Halse a Rembrandta. Výklad mytologických a biblických scén od Rembrandta.

Nizozemské umění 17. století

V 17. stol Holandsko se stalo vzorovou kapitalistickou zemí. Prováděla rozsáhlý koloniální obchod, měla silnou flotilu a stavba lodí byla jedním z předních průmyslových odvětví. Protestantismus (kalvinismus jako jeho nejtvrdší forma), který zcela vytlačil vliv katolické církve, vedl k tomu, že duchovenstvo v Holandsku nemělo takový vliv na umění jako ve Flandrech, a zejména ve Španělsku nebo Itálii. V Holandsku církev nehrála roli odběratele uměleckých děl: kostely nebyly vyzdobeny oltářními obrazy, protože kalvinismus odmítal jakýkoli náznak luxusu; Protestantské kostely byly architektonicky jednoduché a uvnitř nebyly nijak zdobené.

Hlavní výdobytek holandského umění 18. století. - v malířském stojanu. Člověk a příroda byli předmětem pozorování a zobrazování holandských umělců. Malování pro domácnost se stává jedním z předních žánrů, jehož tvůrci v historii dostali jméno „malí Holanďané“. Zastoupeny jsou i obrazy na motivy evangelia a biblických témat, ale ne v takové míře jako v jiných zemích. V Holandsku nikdy nebylo spojení s Itálií a klasické umění nehrálo takovou roli jako ve Flandrech.

Ovládnutí realistických trendů, rozvíjení určitého okruhu témat, diferenciace žánrů jako jeden proces byly završeny ve 20. letech 17. století. Dějiny nizozemského malířství 17. století. dokonale demonstruje vývoj práce jednoho z největších portrétistů v Holandsku Franse Halse (cca 1580-1666). V 10-30 letech Hals hodně pracoval v žánru skupinových portrétů. Z pláten těchto let vykukují veselí, energičtí, podnikaví lidé, jistí svými schopnostmi a budoucností („Střelecký cech sv. Adriana“, 1627 a 1633;

„Střelecký cech sv. Jiří", 1627).

Badatelé někdy nazývají Halsovy jednotlivé portréty kvůli zvláštní specifičnosti obrazu žánrovými. Hulseův útržkovitý styl, jeho odvážné psaní, kdy tah štětcem vyřezává tvar i objem a vyjadřuje barvu.

V portrétech Halse pozdní doby (50-60. léta) mizí bezstarostná zdatnost, energie a intenzita v postavách zobrazovaných osob. Ale bylo to v pozdním období kreativity, kdy Hals dosáhl vrcholu mistrovství a vytvořil nejhlubší díla. Barevnost jeho obrazů se stává téměř monochromní. Dva roky před svou smrtí, v roce 1664, se Hals znovu vrátil ke skupinovému portrétu. Maluje dva portréty regentů a regentů pečovatelského domu, v jednom z nich sám našel na sklonku života útočiště. V portrétu vladařů není duch kamarádství předchozích skladeb, modelky jsou nejednotné, bezmocné, mají tupé pohledy, ve tvářích je napsaná zkáza.

Halsovo umění mělo na svou dobu velký význam, ovlivnilo vývoj nejen portrétů, ale i každodenních žánrů, krajiny a zátiší.

Zvláště zajímavý je krajinářský žánr Holandska 17. století. Holandsko zobrazuje Jan van Goyen (1596-1656) a Salomon van Ruisdael (1600/1603-1670).

Rozkvět krajinomalby v holandské škole spadá do poloviny 17. století. Největším mistrem realistické krajiny byl Jacob van Ruisdael (1628/29-1682), jeho díla jsou obvykle plná hlubokého dramatu, ať už zobrazuje lesní houštiny („Forest Swamp“),

krajina s vodopády („Vodopád“) nebo romantická krajina se hřbitovem („Židovský hřbitov“).

Ruisdaelova povaha se objevuje v dynamice, ve věčné obnově.

Animalistický žánr úzce souvisí s nizozemskou krajinou. Oblíbeným motivem Alberta Cuypa jsou krávy u napajedla („Západ slunce na řece“, „Krávy na břehu potoka“).

Zátiší dosahuje brilantního vývoje. Holandské zátiší je oproti vlámskému obrazem intimního charakteru, skromného co do velikosti i motivů. Pieter Claes (asi 1597-1661), Billem Heda (1594-1680/82) nejčastěji zobrazovali tzv. snídaně: pokrmy se šunkou nebo koláčem na poměrně skromně prostřeném stole. Khedovy „snídaně“ jsou nahrazeny Kalfovými luxusními „dezerty“. Jednoduché nádobí nahrazují mramorové stolky, kobercové ubrusy, stříbrné poháry, nádoby z perleťových mušlí, křišťálové sklenice. Kalf dosahuje úžasné virtuozity při přenášení textury broskví, hroznů a křišťálových povrchů.

Ve 20-30 letech 17. stol. Holanďané vytvořili zvláštní typ drobné malby malých figur. 40.-60. léta byla rozkvětem malby, oslavující klidný měšťanský život Holandska, měřenou každodenní existenci.

Adrian van Ostade (1610-1685) zpočátku zobrazuje stinné stránky života rolnictva („Boj“).

Od 40. let jsou satirické poznámky v jeho díle stále více nahrazovány humornými („Ve vesnické krčmě“, 1660).

Někdy jsou tyto malé obrazy kolorovány s velkým lyrickým cítěním. Ostadeův „Malíř v ateliéru“ (1663), v němž umělec oslavuje tvůrčí práci, je právem považován za mistrovské dílo Ostadeho malby.

Hlavním tématem „malých Holanďanů“ ale stále není život selský, ale život měšťanský. Obvykle se jedná o obrazy bez fascinující zápletky. Nejzábavnějším vypravěčem ve filmech tohoto druhu byl Jan Stan (1626-1679) („Revelers“, „Game of Backgammon“). Ještě většího mistrovství v tom dosáhl Gerard Terborch (1617-1681).

Interiér „malých Holanďanů“ se stává obzvláště poetickým. Skutečným zpěvákem tohoto tématu byl Pieter de Hooch (1629-1689). Jeho pokoje s pootevřeným oknem, s náhodně pohozenými botami nebo zanechaným koštětem, jsou často zobrazovány bez lidské postavy.

Nová etapa žánrové malby začíná v 50. letech a je spojena s tzv. delftskou školou se jmény takových umělců jako Carel Fabricius, Emmanuel de Witte a Jan Wermeer, známý v dějinách umění jako Wermeer z Delftu (1632-1675 ). Zdá se, že Vermeerovy obrazy nejsou nijak originální. Jsou to stejné obrazy zamrzlého měšťanského života: čtení dopisu, rozmlouvání gentlemana s dámou, služebné vykonávající jednoduché domácí práce, výhledy na Amsterdam nebo Delft. Tyto obrazy jsou jednoduché v akci: „Dívka čte dopis“,

"Pán a dáma u spinetu"

"Důstojník a smějící se dívka" atd. - jsou plné duchovní jasnosti, ticha a míru.

Hlavní přednosti Vermeera jako umělce jsou v přenosu světla a vzduchu. Rozpouštění předmětů ve světlovzdušném prostředí, schopnost vytvořit tuto iluzi, předurčilo především uznání a slávu Vermeera právě v 19. století.

Vermeer udělal něco, co v 17. století nikdo neudělal: maloval krajiny ze života („Ulice“, „Výhled na Delft“).

Lze je nazvat prvními ukázkami plenérové malby.

Vrcholem nizozemského realismu, výsledkem obrazových výdobytků nizozemské kultury v 17. století, je Rembrandtovo dílo. Harmens van Rijn Rembrandt (1606-1669) se narodil v Leidenu. V roce 1632 odešel Rembrandt do Amsterdamu, centra umělecké kultury v Holandsku, což mladého umělce přirozeně přitahovalo. 30. léta byla dobou jeho největší slávy, cestu k níž malíři otevřel velký objednaný obraz z roku 1632 – skupinový portrét, známý také jako „Anatomie doktora Tulpa“ nebo „Lekce anatomie“.

V roce 1634 se Rembrandt oženil s dívkou z bohaté rodiny, Saskiou van Uylenborch. Začíná nejšťastnější období jeho života. Stává se slavným a módním umělcem.

Celé toto období je zahaleno romancí. Rembrandtův pohled na svět těchto let nejzřetelněji vyjadřuje slavný „Autoportrét se Saskiou na kolenou“ (kolem roku 1636). Celé plátno je prostoupeno upřímnou radostí ze života a jásotem.

Barokní jazyk má nejblíže k vyjádření vysokých nálad. A Rembrandt byl v tomto období do značné míry ovlivněn italským barokem.

Postavy na obraze z roku 1635 „Abrahámova oběť“ se před námi objevují ze složitých úhlů. Kompozice je vysoce dynamická, postavená podle všech pravidel baroka.

Ve stejných 30. letech se Rembrandt poprvé začal vážně zabývat grafikou, především leptem. Rembrandtovy lepty jsou převážně biblické a evangelické náměty, ale ve svých kresbách se jako správný holandský umělec často obrací k žánru. Na přelomu raného období umělcovy tvorby a jeho tvůrčí zralosti se před námi objevuje jeden z jeho nejslavnějších obrazů, známý jako „Noční hlídka“ (1642) – skupinový portrét střelecké roty kapitána Banninga Cocka.

Rozšířil záběr žánru a podal spíše historický obraz: na poplachový signál se Banning Cockův oddíl vydává na kampaň. Někteří jsou klidní a sebevědomí, jiní jsou nadšeni očekáváním toho, co přijde, ale všichni nesou výraz všeobecné energie, vlasteneckého nadšení a triumfu občanského ducha.

Skupinový portrét namalovaný Rembrandtem se vyvinul do hrdinského obrazu éry a společnosti.

Obraz již potemněl natolik, že byl považován za zobrazení noční scény, odtud jeho nesprávný název. Stín, který vrhá postava kapitána na poručíkovo světlé oblečení, dokazuje, že není noc, ale den.

Se smrtí Saskie ve stejném roce 1642 došlo k Rembrandtově přirozenému rozchodu s patricijskými kruhy, které mu byly cizí.

40. a 50. léta jsou dobou tvůrčí zralosti. V tomto období se často obrací k předchozím dílům, aby je předělal novým způsobem. Tak tomu bylo například u „Danae“, kterou namaloval již v roce 1636. Tím, že se umělec obrátil k obrazu ve 40. letech, umocnil svůj emocionální stav.

Ústřední část s hrdinkou a služebnou přepsal. Dal Danae nové gesto zdvižené ruky a zprostředkoval jí velké vzrušení, výraz radosti, naděje, přitažlivosti.

Ve 40-50 letech Rembrandtovo mistrovství neustále rostlo. K interpretaci si vybírá ty nejlyričtější, nejpoetičtější aspekty lidské existence, onoho lidství, které je věčné, všelidské: mateřská láska, soucit. Písmo svaté mu poskytuje nejvíce materiálu az něj - výjevy ze života Svaté rodiny. Rembrandt zobrazuje jednoduchý život, obyčejné lidi, jako v obraze „Svatá rodina“.

Posledních 16 let je nejtragičtějšími roky Rembrandtova života; je zničený a nemá žádné příkazy. Ale tato léta byla plná úžasné tvůrčí činnosti, v jejímž důsledku vznikaly malebné obrazy, výjimečné svým monumentálním charakterem a duchovností, hluboce filozofická díla. I drobná Rembrandtova díla z těchto let vytvářejí dojem mimořádné velkoleposti a skutečné monumentality. Barva získává zvučnost a intenzitu. Jeho barvy jako by vyzařovaly světlo. Portréty pozdního Rembrandta se velmi liší od portrétů 30. a dokonce 40. let. Jedná se o extrémně jednoduché (poloviční či generační) obrazy lidí blízkých umělci svou vnitřní strukturou. Rembrandt dosáhl největší jemnosti charakterizace ve svých autoportrétech, kterých se k nám dostalo asi sto. Posledním dílem v historii skupinových portrétů bylo Rembrandtovo zobrazení starších soukenické dílny - tzv. „Sindics“ (1662), kde Rembrandt skrovnými prostředky vytvořil živé a zároveň odlišné lidské typy, ale co je nejdůležitější, dokázal zprostředkovat pocit duchovní jednoty, vzájemného porozumění a propojení mezi lidmi.

Během svých zralých let (převážně v 50. letech) vytvořil Rembrandt své nejlepší lepty. Jako lept nemá ve světovém umění obdoby. Ve všech mají obrazy hluboký filozofický význam; vyprávějí o záhadách existence, o tragédii lidského života.

Hodně kreslí. Rembrandt po sobě zanechal 2000 kreseb. Patří sem skici ze života, skici k obrazům a přípravy na lepty.

V poslední čtvrtině 17. stol. Začíná úpadek holandské malířské školy, ztráta její národní identity a od počátku 18. století začíná konec velké éry holandského realismu.

Úvod

1. Malý Holanďan

holandská škola malířství

Žánrová malba

4. Symbolismus. Stálý život

Rembrandt van Rijn

Vermeer z Delft Jan

Závěr

Úvod

Účelem kontrolní práce je:

· V rozvoji tvůrčího potenciálu;

· Formování zájmu o umění;

· Upevňování a doplňování znalostí.

Nizozemské umění se zrodilo v 17. století. Toto umění je považováno za nezávislé a nezávislé, má určité formy a vlastnosti.

Až do 17. století nemělo Holandsko vlastní významné umělce v umění, protože patřil státu Flandry. V tomto období je však oslavováno jen málo umělců. Toto je umělec a rytec Luca Leydensky (1494-1533), malíř Dirk Bouts (1415-1475), umělec Skorele (1495-1562).

Postupně se různé školy mísily a mistři ztratili charakteristické rysy svých škol a zbývající umělci z Holandska přestali mít ducha národní tvořivosti. Vzniká mnoho různých a nových stylů. Umělci se snaží malovat ve všech žánrech, hledají individuální styl. Žánrové metody byly vymazány: historicita není tak nutná jako dříve. Vzniká nový žánr – skupinoví vrátní.

Na počátku 17. století, kdy se rozhodovalo o osudu Holandska, se Filip III. dohodl na příměří mezi Španělskem a Nizozemskem. Byla potřeba revoluce, politická nebo vojenská situace. Boj za nezávislost sjednotil lid. Válka posílila národního ducha. Podepsané smlouvy se Španělskem daly Holandsku svobodu. To podnítilo vytvoření vlastního a osobitého umění, vyjadřujícího podstatu Holanďanů.

Zvláštností holandských umělců bylo vytvořit skutečný obraz do nejmenšího detailu - projev pocitů a myšlenek. To je základ holandské školy. Stává se realistickým uměním a do poloviny 17. století dosahuje vrcholů ve všech oblastech.

Pro Holandsko je typické dělení nejen na žánry, ale i na četné podtypy. Někteří mistři malují výjevy ze života měšťanů a důstojníků - Pieter de Hooch (1495-1562), Gerard Terborch (1617-1681), Gabriel Metsu (1629-1667), jiní - z rolnického života - Adrian van Ostade (1610-1685 ), třetí - výjevy ze života vědců a lékařů - Gerrit Dou (1613-1675); krajináři - Jan Porcellis (1584-1632), Simon de Vlieger (1601-1653), zobrazovači lesních zákoutí - Meindert Hobbema (1638-1609), interiéroví mistři - Pieter Janssens (1623-1682). Čas od času se na uměleckých školách stane určitý žánr tradiční. Například harlemští malíři zátiší tzv. „snídaní“ - Pieter Claes (1598-1661), Willem Heda (1594-1680).

Umělci ukazují mravy a zvyky, etické a morální normy lidského chování. Často jsou zobrazovány rodinné události. Krajináři a malíři zátiší zprostředkovávají světlo pod širým nebem a mistrovsky zobrazují texturu předmětů v uzavřených prostorách. Domácí malba je na vrcholu zásluhou Jana Steena (1626-1679), Gerharda Terborcha (1617-1681), Pietera de Hooch (1629-1624).

1. Malý Holanďan

Malí Holanďané jsou skupinou umělců 17. století, která „spojuje“ malíře maloformátové krajinomalby a každodenní žánrové malby (odtud název). Takové obrazy byly určeny pro skromný interiér obytných budov. Kupovali je měšťané a rolníci. Takové obrazy se vyznačují pocitem pohodlí v obraze, jemností detailů, blízkostí mezi osobou a interiérem.

P. de Hooch, J. van Goyen (1596-1656), J. a S. van Ruisdael (1628-1682) a (1602-1670), E. de Witte (1617-1692), P. Claes, W. Heda, W. Kalf (1619-1693), G. Terborch, G. Metsu, A. van Ostade, J. Steen (1626-1679), A. Kuyp (1620-1691) atd. Každý specializovaný, zpravidla , v jednom konkrétním žánru. „Malí Holanďané“ navázali na tradice nizozemských mistrů renesance, kteří tvrdili, že umění má nejen přinášet potěšení, ale také připomínat hodnoty.

Kreativita umělců se dá rozdělit do 3 skupin:

30. léta 17. století - etablování realismu v národním malířství (vůdčím uměleckým centrem byl Haarlem, důležitým faktorem byl vliv F. Halse);

1640-1660 - rozkvět umělecké školy (centrum umění se stěhuje do Amsterodamu, přitahuje umělce z jiných měst, vliv Rembrandta se stává relevantním 2. holandská škola malířství

Po tři čtvrtě století pokračoval vzestup umění na severu Nizozemska, v republice Spojených provincií, zvané Holandsko. V roce 1609 získala tato republika státní status. Vznikl zde buržoazní stát.

Významnou roli v renesančním malířství měl italský umělec Caravaggio (1571-1610). Maloval své obrazy velmi realisticky a objekty a postavy měly vysokou techniku šerosvitu.

Bylo mnoho umělců a žili v malých městech: Haarlem, Delft, Leiden. Každé z těchto měst vyvinulo svou vlastní školu s vlastními žánrovými tématy, ale nejdůležitější roli ve vývoji nizozemského umění sehrál Amsterdam.

3. Žánrová malba

V Holandsku se spolu s popularitou krajinného žánru objevují nové: marina - přímořská krajina, městská krajina - veduta, obrazy zvířat - malba zvířat. Díla Pietera Bruegela měla významný vliv na krajinu (1525-1529). Holanďané malovali svou vlastní jedinečnou krásu přírody své rodné země. V 17. století se holandská malířská škola stala jednou z předních v Evropě. Okolí lidí se pro umělce stalo zdrojem inspirace. V umění této doby bylo dokončeno formování systému žánrů, které začalo v renesanci. V portrétech, každodenních obrazech, krajinách a zátiších umělci zprostředkovávali své dojmy z přírody a každodenního života. Žánr každodenní malby začal mít nový pojem – žánrová malba. Žánr všedního dne se vyvíjel ve dvou variantách – selském a měšťanském (městském) žánru. Žánrové obrazy zachycovaly život soukromé osoby: radovánky, hospodářské aktivity, muzicírování. Umělci věnovali pozornost vzhledu, pózám a kostýmům. Součástí útulnosti se staly předměty: mahagonový stůl, šatní skříň, křeslo čalouněné kůží, karafa a sklo z tmavého skla, ovoce. Tento žánr odrážel chování a komunikaci lidí z různých tříd.

Díla Gararda Dowa byla v té době velmi populární. Maluje skromné výjevy ze života maloměšťáka. Často zobrazuje starší ženy sedící u kolovrátku nebo čtení. Dowova zřejmá tendence je zobrazovat na svých malých obrázcích povrchy předmětů - vzory látek, vrásky na starých tvářích, rybí šupiny atd. (příloha; obr.

Žánrová malba ale prošla evolucí. V období svého vzniku nově byly distribuovány příběhy na témata rekreace, zábavy a scén ze života důstojníků. Takové obrázky se nazývaly „snídaně“, „bankety“, „společnosti“, „koncerty“. Tento obraz se vyznačoval pestrostí barev a radostnými tóny. Původním žánrem byly „snídaně“. Jedná se o typ zátiší, ve kterém byl charakter jejich majitelů přenesen prostřednictvím zobrazení pokrmů a různých pokrmů.

Žánr všedního dne je nejvýraznějším a nejoriginálnějším fenoménem nizozemské školy, který světovému umění otevřel každodenní život soukromé osoby.

Jan Steen také psal na žánrové téma umění. Se smyslem pro humor si všímal detailů každodenního života a vztahů mezi lidmi. V obraze „Revelers“ se sám umělec dívá na diváka vesele a potutelně, sedí vedle své ženy, která usnula po veselé hostině. A ve filmu skrze mimiku a gesta postav Jan Steen dovedně odhaluje zápletku imaginární nemoci.

Začátkem 30. let bylo formování nizozemského žánrového malířství dokončeno. Žánrová malba byla rozdělena podle sociálních kritérií: náměty na témata ze života buržoazie a výjevy ze života rolníků a městské chudiny.

Jedním ze slavných umělců, kteří malovali v „rolnickém žánru“, byl Adrian van Ostad. V raném období kreativity bylo zobrazení rolníků komické. Na obrázku tedy bojovníci, osvícení ostrým světlem, jako by nebyli živí lidé, ale loutky. Kombinace studených a teplých barev, ostré kontrasty světla vytvářejí masky s rozzlobenými emocemi na tvářích.

Později umělec maluje obrazy s klidnějšími náměty, zobrazující člověka při jeho obvyklých činnostech, nejčastěji ve chvílích odpočinku. Například interiérový obraz „Vesničtí hudebníci“. Ostade vyjadřuje koncentraci „hudebníků“ a zobrazuje děti, které je s jemným humorem sledují oknem. Adrianův bratr Isaac van Ostade, který zemřel brzy, také pracoval v „rolnickém žánru“. Líčil život na venkově v Holandsku. Obraz „Zimní pohled“ představuje typickou krajinu s šedou oblohou visící nad zemí, zamrzlou řeku, na jejímž břehu se nachází vesnice.

V 50.-60. letech 17. století se náměty žánrových obrazů zužovaly a měnila jejich struktura. Stávají se klidnějšími, lyričtějšími, přemýšlivějšími. Tato etapa je zastoupena tvorbou takových umělců jako: Pieter de Hooch, Gerard Terborch, Gabriel Metsu, Peter Janssens. Jejich díla se vyznačují idealizovaným obrazem života nizozemské buržoazie. Na vnitřním obraze „Pokoj v holandském domě“ od Pietera Janssense je tak útulný pokoj plný slunečních paprsků zobrazen se slunečními paprsky hrajícími na podlaze a stěnách. Volba kompozice zdůrazňuje jednotu člověka a jeho prostředí.

Nizozemští žánroví malíři se ve svých dílech snažili reflektovat vnitřní svět člověka. V pravidelně se vyskytujících situacích dokázali ukázat svět zážitků. Gerard Terborch tak ve filmu „Sklenka limonády“ zobrazil jemný jazyk gest, doteků rukou, očního kontaktu, který odhaluje celou řadu pocitů a vztahů mezi postavami.

Jemnost a pravdivost v obnovování reality spojují nizozemští mistři s nenápadnou a každodenní krásou. Tato vlastnost se zřetelněji projevila v zátiší. Nizozemci tomu říkali „stilleven“. V tomto chápání viděli mistři v neživých předmětech skrytý život spojený s životem člověka, s jeho způsobem života, zvyky a vkusem. Nizozemští malíři vytvořili dojem přirozeného „nepořádku“ v uspořádání věcí: ukázali nakrájený koláč, oloupaný citron s kůrou visící ve spirále, nedopitou sklenku vína, hořící svíčku, otevřenou knihu - vždy se zdá že se těchto předmětů někdo dotkl, pouze že byly použity, je cítit neviditelná přítomnost člověka.

Předními mistry holandského zátiší v první polovině 17. století byli Pieter Claes 1a Willem Hed. Oblíbeným tématem jejich zátiší jsou takzvané „snídaně“. Ve „Snídani s humrem“ od V. Khedy (příloha; obr. 16) předměty nejrůznějších tvarů a materiálů - konvička na kávu, sklenice, citron, stříbrný talíř. Předměty jsou uspořádány tak, aby ukazovaly přitažlivost a zvláštnost každého z nich. Pomocí různých technik Heda dokonale vyjadřuje materiál a specifičnost jejich textury; Odlesky světla tedy hrají na povrchu skla a kovu jinak. Všechny prvky kompozice jsou sjednoceny světlem a barvou. V „Zátiší se svíčkou“ od P. Klasse je pozoruhodná nejen přesnost reprodukce materiálních kvalit předmětů, ale kompozice a osvětlení jim dodává velkou emocionální expresivitu. Zátiší Klasse a Khedy jsou si podobná - jsou náladou intimity a pohodlí, klidu v životě měšťanského domu, kde je blahobyt. Zátiší lze považovat za jedno z důležitých témat holandského umění – téma života soukromé osoby. Své hlavní rozhodnutí dostala v žánrovém filmu.

Symbolismus. Stálý život

Všechny předměty v holandském zátiší jsou symbolické. Sborníky vydané v průběhu 18. století rozdrobené okvětní lístky poblíž vázy jsou známkami křehkosti;

Ó uschlý květ je náznakem mizení citů;

Ó kosatce jsou znamením Panny Marie;

Ó červené květy jsou symbolem Kristovy smírné oběti;

Ó Bílá lilie je nejen krásným květem, ale také symbolem čistoty Panny Marie;

Ó karafiát - symbol prolité krve Kristovy;

Ó bílý tulipán - falešná láska.

Ó granátové jablko - symbol vzkříšení, symbol cudnosti;

Ó jablka, broskve, pomeranče připomínaly podzim;

Ó víno ve sklenici nebo džbánu představovalo Kristovu obětní krev;

Ó oliva - symbol míru;

Ó nahnilé plody jsou symbolem stárnutí;

Ó klasy pšenice, břečťan - symbol znovuzrození a koloběhu života.

Ó sklo je symbolem křehkosti;

Ó porcelán - čistota;

Ó láhev je symbolem hříchu a opilosti;

Ó rozbité nádobí je symbolem smrti;

Ó obrácená nebo prázdná sklenice znamená prázdnotu;

Ó nůž - symbol zrady;

Ó stříbrné nádoby jsou zosobněním bohatství.

Ó přesýpací hodiny – připomínka pomíjivosti života;

Ó lebka - připomínka nevyhnutelnosti smrti;

Ó klasy pšenice - symboly znovuzrození a koloběhu života;

Ó chléb je symbolem těla Páně;

Ó zbraně a brnění jsou symbolem moci a moci, označení toho, co si nelze vzít s sebou do hrobu;

Ó klíče - symbolizují sílu;

Ó dýmka je symbolem prchavých a prchavých pozemských radostí;

Ó karnevalová maska - je známkou nepřítomnosti člověka; nezodpovědné potěšení;

Ó zrcadla, skleněné koule jsou symboly marnosti, znamení odrazu, neskutečnosti.

Základy holandské realistické krajiny vznikly na počátku 17. století. Umělci zobrazili svou oblíbenou přírodu s dunami a kanály, domy a vesnicemi. Snažili se vykreslit národnost krajiny, atmosféru vzduchu a charakteristiku ročního období. Mistři stále více podřizovali všechny složky obrazu jedinému tónu. Měli bystrý smysl pro barvy a dovedně předávali přechody od světla ke stínu, od tónu k tónu.

Největším představitelem nizozemské realistické krajiny byl Jan van Goyen (1596-1656). Působil v Leidenu a Haagu. Umělec rád zobrazoval údolí a vodní hladinu řek na plátnech malých rozměrů. Goyen nechal hodně prostoru pro oblohu s mraky. Jedná se o obraz „Výhled na řeku Waal u Nijmegenu“, navržený v jemné hnědošedé škále barev.

Později se charakteristická podstata krajin mění. Stává se trochu širší, emocionálnější. Specifičnost zůstává stejná - zdrženlivá, ale tóny získávají hloubku.

Všechny nové rysy krajinářského stylu vtělil do svých obrazů Jacob van Ruisdael (1629-1682). Tím, že stromy a keře byly zobrazeny jako objemné, vytvořilo pocit, že se posouvají do popředí a stávají se mocnějšími. S vynikajícím smyslem pro perspektivu Ruisdael dovedně zprostředkoval široké pláně a okolí Holandska. Výběr tónu a osvětlení evokuje pozornost. Ruisdael také miloval ruiny jako dekorativní detaily, které vypovídají o zkáze a křehkosti pozemské existence. „Židovský hřbitov“ představuje zanedbanou oblast. Ruisdael ve své době nebyl úspěšný. Realističnost jeho obrazů neodpovídala vkusu společnosti. Umělec, který se nyní zaslouženě těší celosvětové slávě, zemřel jako chudý muž v harlemském chudobinci.

Portrétní malba. Frans Hals

Jedním z velkých nizozemských umělců byl Frans Hals (asi 1580-1666). Narodil se v 17. století v Antverpách. Jako velmi mladý umělec přišel do Haarlemu, kde vyrůstal a formoval se ve stylu školy Karla Van Mandera. Haarlem byl na svého umělce hrdý a do jeho studia přivedli významné hosty – Rubense a Van Dycka.

Hals byl téměř výhradně portrétistou, ale jeho umění znamenalo hodně nejen pro nizozemskou portrétní tvorbu, ale i pro formování jiných žánrů. V Halsově díle lze rozlišit tři typy portrétních kompozic: skupinový portrét, individuální portrét na zakázku a speciální typ portrétních obrazů, podobný žánrové malbě.

V roce 1616 Hals namaloval „Rutan důstojníků roty střeleckého pluku svatého Jiří“, ve kterém se zcela rozcházel s tradičním vzorem skupinového vrátného. Tím, že vytvořil velmi živé dílo, spojoval postavy do skupin a dával jim různé pózy, jako by spojil portrétování s žánrovou malbou. Práce byla úspěšná a umělec byl zavalen objednávkami.

Jeho postavy stojí na portrétu přirozeně a volně, jejich držení těla a gesta působí nestabilně a výraz jejich tváří se chystá změnit. Nejpozoruhodnějším rysem Halsova kreativního způsobu je schopnost vyjádřit charakter prostřednictvím jednotlivých výrazů obličeje a gest, jako by byl zachycen za letu – „Veselý společník při pití“, „Mulat“, „Smějící se důstojník“. Umělec miloval emocionální stavy plné dynamiky. Ale v tomto okamžiku, který Hals zachytil, to nejpodstatnější, je vždy zachyceno jádro obrazu „Cikánka“, „Malle Baba“.

V Halsových obrazech ze samého konce 30. a 40. let se však objevuje zamyšlenost a smutek, cizí jeho postavám z portrétu Willema Heythuisena, někdy v autorově postoji k nim proklouzne lehká ironie. Z umění khalsy se postupně vytrácí radostné přijímání života a člověka.

V malbě khalsy nastaly zlomy. V portrétech Halse, namalovaných v 50. a 60. letech, se snoubí hluboké zvládnutí charakterizace s novým vnitřním významem. Jedním z nejmocnějších děl zesnulého Halse je portrét muže z Metropolitního muzea umění v New Yorku (1650-1652). Kompozice portrétu je generačním obrazem postavy, jejího zasazení do jasného průčelí, pohledu směřovaného přímo na diváka, je cítit význam osobnosti. Mužův postoj odhaluje chladnou autoritu a arogantní pohrdání všemi. Sebeúcta se v něm snoubí s nesmírnou ctižádostí. Zároveň se v pohledu nečekaně zachytí nádech zklamání, jako by v tomto člověku číhala lítost nad minulostí - nad jeho mládím a mládím jeho generace, jejíž ideály jsou zapomenuty a životní pobídky vybledly.

Halsovy portréty 50. a 60. let odhalují mnohé o nizozemské realitě těchto let. Umělec žil dlouhý život a měl příležitost být svědkem degenerace nizozemské společnosti a mizení jejího demokratického ducha. Není náhodou, že umění Khalsa nyní vychází z módy. Halsova pozdní díla citlivě odrážejí ducha doby, mistrovi tak cizí, ale je v nich slyšet i jeho vlastní zklamání z okolní reality. V některých dílech z těchto let je zachycena ozvěna osobních pocitů starého umělce, který ztrácel svou bývalou slávu a již viděl konec své životní cesty.

Dva roky před svou smrtí, v roce 1664, Hals namaloval portréty regentů a regentů (správců) pečovatelského domu Haarlem.

V "Portrait of the Regents" všechny spojuje pocit zklamání a zkázy. V regentech není žádná vitalita, jako v raných skupinových portrétech Halse. Každý je osamělý, každý existuje sám za sebe. Černé tóny s červenorůžovými skvrnami vytvářejí tragickou atmosféru.

„Portrét regentů“ se rozhoduje v jiném emocionálním klíči. V téměř nehybných pózách bezcitných stařenek, které neznají soucit, je cítit mistrova autorita a zároveň ve všech žije hluboká deprese, pocit bezmoci a zoufalství tváří v tvář blížící se smrti.

Hals si až do konce svých dnů zachoval neomylnost svého umění a umění osmdesátiletého malíře získalo nadhled a sílu.

6. Rembrandt van Rijn

Rembrandt (1606-1669) je největším představitelem zlatého věku nizozemského malířství. Narozen v Leidenu v roce 1606. Aby získal umělecké vzdělání, umělec se přestěhoval do Amsterdamu a vstoupil do dílny Pietera Lastmana a poté se vrátil do Leidenu, kde v roce 1625 zahájil samostatný tvůrčí život. V roce 1631 se Rembrandt konečně přestěhoval do Amsterdamu a zbytek mistrova života byl spojen s tímto městem.

Rembrandtovo dílo je prodchnuto filozofickým chápáním života a vnitřního světa člověka. Jedná se o vrchol vývoje holandského umění 17. století. Rembrandtovo umělecké dědictví se vyznačuje řadou žánrů. Maloval portréty, zátiší, krajiny, žánrové výjevy, obrazy na historická, biblická a mytologická témata. Největší hloubky však umělcovo dílo dosáhlo v posledních letech jeho života. Uffizi má tři díla velkého mistra. Jedná se o autoportrét v mládí, autoportrét ve stáří, portrét starého muže (rabína).V mnoha svých pozdějších dílech umělec ponoří celou plochu plátna do tmy a soustředí pozornost diváka na obličeji.

Takto se Rembrandt ztvárnil ve 23 letech.

Období stěhování do Amsterdamu bylo v Rembrandtově tvůrčí biografii poznamenáno vytvořením mnoha mužských a ženských skic. V nich zkoumá jedinečnost každé modelky, její mimiku. Tato malá díla se později stala skutečnou školou Rembrandta jako portrétisty. Právě portrétní malba tehdy umělci umožnila získat zakázky od bohatých amsterdamských měšťanů a dosáhnout tak komerčního úspěchu.

V roce 1653, který se dostal do finančních potíží, umělec převedl téměř veškerý svůj majetek na svého syna Tita, načež v roce 1656 vyhlásil bankrot. Po prodeji svého domu a majetku se umělec přestěhoval na okraj Amsterdamu, do židovské čtvrti, kde strávil zbytek života. Nejbližší osobou k němu v těch letech byl zřejmě Titus, protože jeho obrazy jsou nejpočetnější. Smrt Tita v roce 1668 byla pro umělce jednou z posledních ran osudu; sám o rok později zemřel. "Matouš a anděl" (1661). Možná byl Titus vzorem pro anděla.

Poslední dvě desetiletí Rembrandtova života se stala vrcholem jeho umění portrétního malíře. Modely jsou umělcovi soudruzi (Nicholas Breuning, 1652; Gerard de Leresse, 1665; Jeremias de Dekker, 1666), vojáci, starci a ženy - všichni ti, kteří stejně jako autor prošli léty strastiplných zkoušek. Jejich tváře a ruce jsou osvětleny vnitřním duchovním světlem. Umělcův vnitřní vývoj je zprostředkován řadou autoportrétů, které divákovi odhalují svět jeho nejniternějších zážitků. Sérii autoportrétů doprovázejí snímky moudrých apoštolů. Ve tváři apoštola lze rozeznat rysy samotného umělce.

7. Vermeer z Delft Jan

Holandská umělecká malba zátiší

Vermeer z Delftu Jan (1632-1675) – holandský malíř, největší mistr nizozemského žánru a krajinomalby. Vermeer pracoval v Delftu. Jako umělec se rozvíjel pod vlivem Karla Fabritiuse, který tragicky zahynul při výbuchu skladu střelného prachu.

Vermeerovy rané obrazy mají vznešené obrazy ( Kristus s Martou a Marií ). Vermeerovo dílo bylo silně ovlivněno tvorbou mistra žánrové malby Pietera de Hoocha. Styl tohoto malíře byl dále rozvinut v obrazech Vermeera.

Od druhé poloviny 50. let maloval Vermeer ve stříbřitém světle interiéru domu drobné obrazy s jednou nebo více postavami ( Dívka s dopisem Pokojská se džbánem mléka ). Na konci 50. let Vermeer vytvořil dvě mistrovská díla krajinomalby: oduševnělý obraz ulice se zářivými, svěžími, čistými barvami a obrazy Pohled na město Delft . V 60. letech se Vermeerova tvorba zjemnila a jeho malba ochladla. ( Dívka s perlovou náušnicí).

Koncem 60. let umělec často zobrazoval bohatě zařízené pokoje, kde dámy a pánové muzicírovali a galantně mluvili.

V posledních letech Vermeerova života se jeho finanční situace velmi zhoršila. Poptávka po obrazech prudce klesla, malíř byl nucen vzít si půjčky, aby uživil jedenáct dětí a další členy rodiny. To pravděpodobně urychlilo příchod smrti. Není známo, co se stalo - akutní nemoc nebo deprese kvůli financím, ale Vermeer byl pohřben v roce 1675 v rodinné kryptě v Delftu.

Vermeerovo individuální umění po jeho smrti nebylo oceněno jeho současníky. Zájem o něj byl obnoven až v 19. století díky práci kritika umění a historika umění Etienna Théophila Thorého, který Vermeera „objevil“ pro širokou veřejnost.

Závěr

Apel na realitu pomohl rozšířit umělecké možnosti nizozemského umění a obohatil jeho žánrové téma. Jestliže až do 17. století měla v evropském výtvarném umění velký význam biblická a mytologická témata a ostatní žánry byly málo rozvinuté, pak se v nizozemském umění vztah mezi žánry dramaticky mění. Dochází k vzestupu takových žánrů jako: každodenní život, portrét, krajina, zátiší. Samotné biblické a mytologické náměty v holandském umění do značné míry ztrácejí své předchozí formy ztělesnění a jsou nyní interpretovány jako každodenní malby.

Přes všechny své úspěchy neslo nizozemské umění také některé specifické rysy omezení – úzký okruh námětů a motivů. Další nevýhoda: jen někteří mistři se snažili najít svůj hluboký základ v jevech.

Ale v mnoha kompozičních obrazech a portrétech jsou obrazy nejhlubší přírody a krajiny ukazují pravou a skutečnou povahu. To se stalo charakteristickým rysem holandského umění. Malíři tak učinili velké průlomy v umění, když zvládli obtížnou a komplexní dovednost malovat obrazy vnitřního světa a prožitků člověka.

Test mi dal možnost vyzkoušet si své tvůrčí schopnosti, doplnit si teoretické znalosti a dozvědět se více o holandských umělcích a jejich dílech.

Doučování

Potřebujete pomoc se studiem tématu?

Naši specialisté vám poradí nebo poskytnou doučovací služby na témata, která vás zajímají.
Odešlete přihlášku uvedením tématu právě teď, abyste se dozvěděli o možnosti konzultace.

Nizozemská malba ve výtvarném umění

holandská malba, jeho vznik a počáteční období splývají natolik s prvními etapami vývoje vlámského malířství, že nejnovější historici umění oba považují za celou dobu až do konce 16. století. neoddělitelně pod jedním obecným názvem „holandská škola“.

Oba, kteří jsou potomky rýnské větve, jsou němí. malířství, jehož hlavními představiteli jsou Wilhelm z Kolína nad Rýnem a Stefan Lochner, považují za své zakladatele bratry van Eyckové; oba se již dlouhou dobu ubírají stejným směrem, jsou oživováni stejnými ideály, sledují stejné úkoly, vyvíjejí stejnou techniku, takže se holandskí umělci neliší od svých vlámských a brabantských bratří.

To pokračuje po celou dobu vlády země, nejprve burgundským a poté rakouským domem, dokud nepropukne brutální revoluce, která skončí úplným triumfem Nizozemců nad Španěly, kteří je utlačovali. Od této éry se každá ze dvou větví nizozemského umění začíná pohybovat odděleně, i když se někdy stane, že se dostanou do velmi těsného kontaktu.

Holandská malba okamžitě získává originální, zcela národní charakter a rychle dosahuje jasného a bohatého rozkvětu. Příčiny tohoto fenoménu, který v dějinách umění jen stěží najdeme, spočívají v topografických, náboženských, politických a sociálních okolnostech.

V této „nízké zemi“ (holland), skládající se z bažin, ostrovů a poloostrovů, neustále omývané mořem a ohrožované jeho nájezdy, muselo obyvatelstvo, jakmile shodilo cizí jho, vytvořit vše znovu, počínaje fyzickými podmínkami půdy a konče mravními a intelektuálními podmínkami, protože vše bylo zničeno předchozím bojem za nezávislost. Díky jejich podnikavosti, praktickému smyslu a vytrvalé práci se Holanďanům podařilo proměnit bažiny v úrodná pole a luxusní pastviny, dobýt obrovské rozlohy země z moře, získat materiální blahobyt a vnější politický význam. Dosažení těchto výsledků bylo značně usnadněno federálně-republikánskou formou vlády zavedenou v zemi a moudře implementovaným principem svobody myšlení a náboženského přesvědčení.

Jakoby zázrakem se všude, ve všech oblastech lidské práce, náhle začala vřít horlivá činnost v novém, původním, ryze lidovém duchu, mimo jiné i v oblasti umění. Z těch druhých měl na půdě Holandska štěstí hlavně v jednom - malbě, která zde v dílech mnoha více či méně talentovaných umělců, kteří se objevovali téměř současně, nabrala velmi všestranný směr a zároveň doba zcela odlišná od směřování umění v jiných zemích. Hlavním rysem, který tyto umělce charakterizuje, je jejich láska k přírodě, touha reprodukovat ji v celé její jednoduchosti a pravdivosti, bez sebemenšího přikrášlování, aniž by ji podřazovali do jakýchkoli podmínek předem vytvořeného ideálu. Druhá výrazná vlastnost Golla. malíři se skládají z jemného citu pro barvu a pochopení toho, jaký silný, okouzlující dojem lze kromě obsahu obrazu vyvolat pouze věrným a mocným přenosem barevných vztahů určovaných v přírodě působením světla paprsky, blízkost nebo rozsah vzdáleností.

Mezi nejlepšími představiteli nizozemského malířství je tento smysl pro barvu, světlo a stín rozvinutý do té míry, že světlo se svými nesčetnými a rozmanitými nuancemi hraje v obraze, dalo by se říci, roli hlavní postavy a dodává mu vysokou zájem o nejnepatrnější děj, nejnelegantnější formy a obrazy. Pak je třeba poznamenat, že většina Goll. umělci nehledají zdlouhavě materiál pro svou kreativitu, ale spokojí se s tím, co nacházejí kolem sebe, ve své rodné přírodě a v životě svých lidí. Typické rysy význačných krajanů, fyziognomie obyčejných Holanďanů a Holanďanek, hlučná zábava běžných svátků, selské hody, kulisy venkovského života či intimního života měšťanů, rodné duny, poldry i rozlehlé pláně křižované kanály, stáda pasoucí se v bohatých louky, chatrče, uhnízděné na okraji bukových nebo dubových hájů, vesnice na březích řek, jezer a hájů, města s čistými domy, padací mosty a vysoké věže kostelů a radnic, přístavy přeplněné loděmi, obloha plná stříbřité nebo zlaté páry - to vše se pod štětcem holandských mistrů prodchnutých láskou k vlasti a národní hrdostí mění v obrazy plné vzduchu, světla a přitažlivosti.

I v případech, kdy se někteří z těchto mistrů uchýlí k námětům k Bibli, starověké historii a mytologii, i tehdy, aniž by se starali o zachování archeologické věrnosti, přenesou dění do prostředí Holanďanů a obklopí ho holandským prostředím. Pravda, vedle přeplněného davu takových vlasteneckých umělců stojí falanga dalších malířů, kteří hledají inspiraci za hranicemi své vlasti, v klasické zemi umění, v Itálii; v jejich dílech jsou však i rysy, které odhalují jejich národnost.

Konečně, jako rys nizozemských malířů, lze poukázat na jejich zřeknutí se uměleckých tradic. Marně bychom mezi nimi hledali přísnou kontinuitu známých estetických principů a technických pravidel, a to nejen ve smyslu akademického stylu, ale i ve smyslu studentské asimilace charakteru jejich učitelů: s snad s výjimkou samotných Rembrandtových studentů, kteří více či méně úzce šli ve stopách svého geniálního mentora, téměř všichni malíři v Holandsku, jakmile pominuli svá studentská léta, a někdy i během těchto let, začali pracovat v svou vlastní cestou, v souladu s tím, kam je zavedl jejich individuální sklon a čemu je naučilo přímé pozorování přírody.

Holandské umělce proto nelze dělit do škol, stejně jako to děláme s umělci z Itálie nebo Španělska; je obtížné z nich dokonce sestavit striktně definované skupiny a samotný výraz „nizozemská malířská škola“, který vstoupil do běžného užívání, je třeba brát pouze v podmíněném smyslu jako označení sbírky kmenových mistrů, nikoli však skutečná škola. Mezitím ve všech hlavních městech Holandska existovaly organizované společnosti umělců, které, jak se zdá, měly ovlivňovat komunikaci jejich aktivit jedním obecným směrem. Avšak takové spolky, nesoucí jméno cechů sv. Luke, pokud k tomu přispěl, tak činil ve velmi umírněné míře. Nejednalo se o akademie, opatrovníky známých uměleckých tradic, ale o svobodné korporace, podobné jiným řemeslným a průmyslovým cechům, od nich se strukturou příliš nelišící a zaměřené na vzájemnou podporu svých členů, ochranu jejich práv, péči na jejich stáří, péči o osud svých vdov a sirotků.

Každý místní malíř, který splňoval požadavky mravní kvalifikace, byl do cechu přijat po předběžném potvrzení svých schopností a znalostí nebo na základě již nabyté slávy; hostující umělci byli do cechu přijímáni jako dočasní členové na dobu pobytu v daném městě. Příslušníci cechu se scházeli, aby pod předsednictvím děkanů diskutovali o svých společných záležitostech nebo k vzájemné výměně myšlenek; ale na těchto setkáních nebylo nic, co by připomínalo kázání určitého uměleckého směru a co by mělo tendenci omezovat originalitu některého z členů.

Naznačené rysy nizozemské malby jsou patrné již v jejích počátcích – v době, kdy se neodmyslitelně rozvinula od vlámské školy. Jejím povoláním, stejně jako posledně jmenované, bylo tehdy hlavně zdobit kostely náboženskými malbami, paláce, radnice a šlechtické domy portréty státních úředníků a aristokratů. Díla primitivních holandských malířů se k nám bohužel dostala jen ve velmi omezeném množství, protože většina z nich zahynula v oné neklidné době, kdy reformace zdevastovala katolické kostely, rušila kláštery a opatství a podněcovala „lámače ikon“ (beelstormery), aby ničili maloval a vyřezával posvátné obrazy a lidové povstání zničilo všude portréty nenáviděných tyranů. Mnoho umělců, kteří předcházeli revoluci, známe jen podle jména; Ostatní můžeme posuzovat pouze podle jedné nebo dvou ukázek jejich práce. Pokud jde o nejstaršího z nizozemských malířů Alberta van Ouwatera, neexistují žádné pozitivní údaje, kromě informace, že byl současníkem van Eycků a působil v Harlemu; Neexistují o něm žádné spolehlivé obrazy. Jeho žák Gertjen van Sint-Jan je znám pouze ze dvou panelů triptychu („Svatý hrob“ a „Legenda o kostech sv. Jana“), který napsal pro harlemskou katedrálu, uložený ve vídeňské galerii. Mlha, která nás halí v počáteční éře školy G., se začíná rozplývat s tím, jak se na scéně objevil Dirk Bouts, přezdívaný Stuerboat († 1475), původem z Haarlemu, který však působil v Lovani, a proto je mnohými považován za být součástí vlámské školy (jeho nejlepšími díly jsou dva obrazy „The Wrongful Trial of Emperor Otto“ jsou v bruselském muzeu), stejně jako Cornelis Engelbrechtsen (1468-1553), jehož hlavní zásluhou je, že byl učitelem slavný Lukáš z Leidenu (1494-1533). Tento všestranný, pracovitý a vysoce talentovaný umělec uměl jako nikdo před ním přesně reprodukovat vše, co ho zaujalo, a proto jej lze považovat za skutečného otce nizozemského žánru, ačkoliv musel malovat především náboženské obrazy a portréty. V dílech jeho současníka Jana Mostaerta (kolem 1470-1556) se snoubí touha po naturalismu s nádechem gotické tradice, vřelostí náboženského cítění se zájmem o vnější eleganci.

Kromě těchto vynikajících mistrů si za počáteční éru nizozemského umění zaslouží zmínku: Hieronymus van Aken, přezdívaný Hieronymus de Bosch (asi 1462-1516), který položil základy satirické každodenní malby svými komplexními, složitými a někdy extrémně podivné kompozice; Jan Mundain († 1520), známý v Harlemu zobrazením ďábelství a biflování; Pieter Aertsen († 1516), pro svou vysokou postavu přezdívaný „Dlouhý Petr“ (Lange Pier), David Ioris (1501-56), zručný malíř skla, který byl unesen blouzněním anabaptistů a představoval si sebe jako proroka Davida a syna Boha, Jacob Swarts (1469? - 1535?), Jacob Cornelisen (1480? - později 1533) a jeho syn Dirk Jacobs (dva obrazy druhého jmenovaného, zobrazující střelecké spolky, jsou v Ermitáži).

Fascinace Italem, která v přechodné éře nizozemské malby často sahala až do extrému, však přinesla určitý přínos, protože do této malby vnesla lepší, učenější kresbu a schopnost svobodněji a odvážněji spravovat kompozici. Spolu se staronizozemskou tradicí a bezmeznou láskou k přírodě se stal italismus jedním z prvků, z nichž se formovalo původní, vysoce rozvinuté umění vzkvétající éry. Počátek této éry, jak jsme již řekli, by se měl datovat na počátek 17. století, kdy Holandsko, když získalo nezávislost, začalo žít nový život. Dramatickou proměnu utlačované a chudé země právě včera v politicky významnou, pohodlnou a bohatou unii států provázela stejně dramatická revoluce v jejím umění.

Ze všech stran téměř současně v nesčetném množství vystupují úžasní umělci, povoláni k činnosti vzestupem národního ducha a potřebou jejich tvorby, která se ve společnosti rozvinula. K původním uměleckým centrům, Haarlemu a Leidenu, přibývají nová - Delft, Utrecht, Dortrecht, Haag, Amsterdam atd. Všude se staré úkoly malby rozvíjejí novým způsobem pod vlivem měnících se požadavků a názorů. , a její nové pobočky, jejichž počátky byly v předchozím období sotva patrné.

Reformace vyhnala náboženské obrazy z kostelů; nebylo třeba zdobit paláce a šlechtické komnaty obrazy antických bohů a hrdinů, a proto historická malba, která uspokojila vkus bohaté buržoazie, zavrhla idealismus a obrátila se k přesné reprodukci skutečnosti: začala interpretovat dávno minulé události jako události dne, které se odehrály v Holandsku, a zejména se ujal portrétování a zvěčnil v něm rysy tehdejších lidí, buď v jednotlivých postavách, nebo v rozsáhlých, vícefigurových kompozicích zobrazujících střelecké spolky (schutterstuke), které hráli tak významnou roli v boji za osvobození země - manažeři jejích charitativních institucí (regentenstuke), předáci obchodů a členové různých korporací.

Pokud bychom se rozhodli hovořit o všech talentovaných portrétistech vzkvétající éry holandského umění, pak by pouhý výčet jejich jmen s uvedením jejich nejlepších děl zabral mnoho řádků; Proto se omezujeme na zmínku pouze o těch umělcích, kteří jsou zvláště vynikající z obecných řad. Jsou to: Michiel Mierevelt (1567-1641), jeho žák Paulus Morelse (1571-1638), Thomas de Keyser (1596-1667) Jan van Ravesteyn (1572? - 1657), předchůdci tří největších portrétistů Holandska - černokněžník šerosvitu Rembrandt van Rijn (1606-69), nesrovnatelný kreslíř, který měl úžasné umění modelovat figury světlem, ale poněkud chladným charakterem a barvou, Bartholomew van der Gelst (1611 nebo 1612-70) a údery fugou jeho štětce Frans Gols starší (1581-1666). Z nich jméno Rembrandt září zvláště jasně v dějinách, které si jeho současníci nejprve velmi vážili, pak jimi zapomněli, potomstvo málo doceněné a teprve v současném století povýšeno, ve vší férovosti, na úroveň světa. génius.

V jeho charakteristické umělecké osobnosti se jakoby v ohnisku soustřeďují všechny nejlepší kvality nizozemského malířství a jeho vliv se odrážel ve všech jejích typech – v portrétech, historických obrazech, všedních výjevech i krajině. Nejznámější z Rembrandtových studentů a následovníků byli: Ferdinand Bol (1616-80), Govert Flinck (1615-60), Gerbrand van den Eckhout (1621-74), Nicholas Mas (1632-93), Art de Gelder (1645- 1727), Jacob Backer (1608 nebo 1609-51), Jan Victors (1621-74), Carel Fabricius (asi 1620-54), Salomon a Philips Koningovi (1609-56, 1619-88), Pieter de Grebber, Willem de Porter († později 1645), Gerard Dou (1613-75) a Samuel van Googstraten (1626-78). Kromě těchto umělců, abychom doplnili seznam nejlepších portrétistů a historických malířů sledovaného období, jmenujme Jana Lievense (1607-30), Rembrandtova přítele ze studií u P. Lastmana, Abrahama van Tempela (1622). -72) a Pieter Nazon (1612-91), pracující zřejmě pod vlivem V. d. Gelsta, napodobitel Halse Johannese Versproncka (1597-1662), Jana a Jacoba de Braev († 1664, † 1697), Cornelis van Zeulen (1594-1664) a Nicholas de Gelta-Stokade (1614-69). Domácí malba, jejíž první pokusy se objevily ve staré holandské škole, se ocitla v 17. století. zvláště úrodná půda v protestantském, svobodném, buržoazním, samolibém Holandsku.

Malé obrázky, neuměle znázorňující zvyky a život různých vrstev místní společnosti, se dost lidem zdály zábavnější než velká díla seriózní malby a spolu s krajinkami vhodnější pro výzdobu útulných soukromých domů. Celá horda umělců uspokojuje poptávku po takových obrázcích, aniž by dlouho přemýšleli nad výběrem námětů pro ně, ale svědomitě reprodukovali vše, s čím se ve skutečnosti setkáváme, a zároveň projevují lásku k vlastnímu, milému, dobrosrdečnému humoru, přesně charakterizující zobrazené polohy a tváře a vytříbené v mistrovství technologie. Zatímco někteří se zabývají životem obyčejných lidí, scénami selského štěstí a smutku, pitím v krčmách a krčmách, setkáními před hostinci u cest, venkovskou dovolenou, hrami a bruslením na ledu zamrzlých řek a kanálů atd., jiní se náplň pro svá díla z elegantnějšího okruhu - malují půvabné dámy v jejich intimním prostředí, námluvy dandy gentlemanů, hospodyňky rozkazující svým služkám, salonní cvičení v hudbě a zpěvu, radovánky zlaté mládeže v domech rozkoše atd. V dlouhé řadě umělců první kategorie excelují Adrian a Izak v. Ostade (1610-85, 1621-49), Adrian Brouwer (1605 nebo 1606-38), Jan Stan (asi 1626-79), Cornelis Bega (1620-64), Richart Brackenburg (1650-1702), P. v. Lahr, v Itálii přezdívaný Bambocchio (1590-1658), Cornelis Dusart (1660-1704), Egbert van der Poel (1621-64), Cornelis Drohslot (1586-1666), Egbert v. Gemskerk (1610-80), Henrik Roques, přezdívaný Sorg (1621-82), Claes Molenaar (dříve 1630-76), Jan Minse-Molenar (asi 1610-68), Cornelis Saftleven (1606-81) a někteří. atd. Ze stejně významného počtu malířů, kteří reprodukovali život střední a vyšší, obecně dostačující třídy, Gerard Terborch (1617-81), Gerard Dou (1613-75), Gabriel Metsu (1630-67), Peter de Gogh (1630-66), Caspar Netscher (1639-84), Francie c. Miris starší (1635-81), Eglon van der Naer (1643-1703), Gottfried Schalcken (1643-1706), Jan van der Meer z Delftu (1632-73), Johannes Vercollier (1650-93), Quiring Brekelenkamp ( †1668). Jacob Ochtervelt († 1670), Dirk Hals (1589-1656), Anthony a Palamedes Palamedes (1601-73, 1607-38) aj. Do kategorie žánrových malířů patří umělci, kteří malovali výjevy z vojenského života, nečinnosti vojáků ve strážnicích , kempy, jezdecké šarvátky a celé bitvy, drezúra koní, stejně jako sokolnické a lovecké scény podobné bitevním scénám. Hlavním představitelem tohoto malířského odvětví je slavný a neobyčejně plodný Philips Wouwerman (1619-68). Kromě něj její bratr tohoto mistra Petr (1623-82), Jan Asselein (1610-52), kterého brzy potkáme mezi krajináři, zmíněný Palamedes, Jacob Leduc (1600 - později 1660), Henrik Verschuring (1627-90), Dirk Stop (1610-80), Dirk Mas (1656-1717) atd. Pro mnohé z těchto umělců hraje krajina stejně důležitou roli jako lidské postavy; ale paralelně s nimi pracuje masa malířů, kteří si to stanovili jako svůj hlavní nebo výhradní úkol.

Obecně platí, že Nizozemci mají nezadatelné právo být hrdí na to, že jejich vlast je rodištěm nejen nejnovějšího žánru, ale také krajiny v tom smyslu, jak je dnes chápána. Ve skutečnosti v jiných zemích, např. v Itálii a Francii se umění o neživou přírodu zajímalo pramálo, nenacházelo v ní ani jedinečný život, ani zvláštní krásu: krajinu vnášel malíř do svých obrazů jen jako vedlejší prvek, jako dekoraci, mezi něž patřily epizody lidského dramatu resp. komedie se hrají, a proto ji podrobují scéně, vymýšlejí malebné linie a spoty, které jsou pro ni přínosné, ale bez kopírování přírody, aniž by byly prodchnuty dojmem, který vzbuzuje.

Stejně tak „komponoval“ přírodu v těch vzácných případech, kdy se pokoušel namalovat čistě krajinomalbu. Holanďané jako první pochopili, že i v neživé přírodě vše dýchá životem, vše je přitažlivé, vše je schopno vyvolat myšlenku a vzrušit pohyb srdce. A to bylo zcela přirozené, protože Holanďané tak říkajíc vytvořili přírodu kolem sebe vlastníma rukama, vážili si ji a obdivovali ji, jako otec poklady a obdivuje své vlastní duchovní dítě. Kromě toho tato příroda, navzdory skromnosti svých forem a barev, poskytla koloristům, jako byli Holanďané, díky klimatickým podmínkám země hojný materiál pro rozvíjení světelných motivů a leteckou perspektivu - její parou nasycený vzduch, zjemňující obrysy objektů, produkujících gradaci tónů v různých půdorysech a pokrývajících vzdálenost oparem stříbřité nebo zlaté mlhy, stejně jako proměnlivost vzhledu oblastí určovaných roční dobou, denní hodinou a povětrnostními podmínkami.

Mezi krajináře období rozkvětu patří Holanďané. zvláště respektovány jsou školy, které byly tlumočníky své domácí povahy: Jan V. Goyen (1595-1656), který spolu s Esaiasem van de Velde (asi 1590-1630) a Pieterem Moleynem starším. (1595-1661), považovaný za zakladatele Goll. krajina; pak tento student magistra, Salomon. Ruisdael († 1623), Simon de Vlieger (1601-59), Jan Wijnants (asi 1600 - později 1679), milovník efektů lepšího osvětlení Umění. d. Nair (1603-77), poetický Jacob v. Ruisdael (1628 nebo 1629-82), Meinert Gobbema (1638-1709) a Cornelis Dekker († 1678).

Mezi Holanďany bylo také mnoho krajinářů, kteří se vydávali na cesty a reprodukovali motivy cizí povahy, což jim však nebránilo v tom, aby si v malbě zachovali národní ráz. Albert V. Everdingen (1621-75) zobrazoval pohledy na Norsko; Jan Both (1610-52), Dirk v. Bergen († později 1690) a Jan Lingelbach (1623-74) - Itálie; Ian V. d. starosta mladší (1656-1705), Hermann Saftleven (1610-85) a Jan Griffir (1656-1720) - Reina; Jan Hackart (1629-99?) - Německo a Švýcarsko; Cornelis Pulenenburg (1586-1667) a skupina jeho následovníků malovali krajiny inspirované italskou přírodou, s ruinami starověkých budov, koupacími nymfami a výjevy imaginární Arkádie. Ve zvláštní kategorii můžeme vyčlenit mistry, kteří ve svých obrazech kombinovali krajinu s obrazy zvířat, upřednostňovali buď první, nebo druhou, nebo zacházeli s oběma částmi se stejnou pozorností. Nejznámějším z takových malířů venkovské idyly je Paulus Potter (1625-54); Kromě něj by sem měl být zařazen i Adrian. d. Velde (1635 nebo 1636-72), Albert Cuyp (1620-91), Abraham Gondius († 1692) a četní umělci, kteří se pro témata obraceli přednostně nebo výhradně do Itálie, jako např.: Willem Romain († později 1693), Adam Peinaker (1622-73), Jan-Baptiste Vanix (1621-60), Jan Asselein, Claes Berchem (1620-83), Karel Dujardin (1622-78), Thomas Wieck (1616?-77) Frederic de Moucheron (1633 popř. 1634 -86) atd. S krajinomalbou úzce souvisí malba architektonických pohledů, které se holandští umělci začali věnovat jako samostatnému uměleckému odvětví až v polovině 17. století.

Někteří z těch, kteří od té doby pracovali v této oblasti, byli důmyslní v zobrazování městských ulic a náměstí se svými budovami; jsou to mimo jiné méně významní Johannes Bärestraten (1622-66), Job a Gerrit Werk-Heide (1630-93, 1638-98), Jan v. d. Heyden (1647-1712) a Jacob v. vesnice Yulft (1627-88). Jiní, z nichž nejvýznamnější jsou Pieter Sanredan († 1666), Dirk v. Delen (1605-71), Emmanuel de Witte (1616 nebo 1617-92), malované vnitřní pohledy na kostely a paláce. Moře mělo v životě Holandska takový význam, že s ním její umění nemohlo zacházet jinak než s největší pozorností. Z mnoha jejích umělců, kteří se zabývali krajinou, žánrem a dokonce i portréty, se na chvíli odpoutali od svých obvyklých námětů, se stali námořními malíři, a pokud bychom se rozhodli uvést všechny malíře holandské školy, kteří zobrazovali klidné nebo rozbouřené moře, lodě houpání na něm, přeplněné přístavní lodě, námořní bitvy atd., pak bychom dostali velmi dlouhý seznam, který by zahrnoval jména Ya. Goyen, S. de Vlieger, S. a J. Ruisdaelovi, A. Cuyp a další již zmínění v předchozích řádcích. Omezíme-li se na poukázání na ty, pro které bylo malování mořských druhů specialitou, musíme jmenovat Willem v. de Velde starší (1611 nebo 1612-93), jeho slavný syn V. v. de Velde mladší (1633-1707), Ludolf Backhuisen (1631-1708), Jan V. de Cappelle († 1679) a Julius Parcellis († později 1634).

Konečně realistický směr nizozemské školy byl příčinou, že se v ní formoval a rozvíjel druh malby, který se v jiných školách do té doby nepěstoval jako zvláštní, samostatný obor, totiž malba květin, ovoce, zeleniny, živí tvorové, kuchyňské náčiní, stolní náčiní atd. – jedním slovem to, čemu se dnes běžně říká „mrtvá příroda“ (nature morte, Stilleben). V této oblasti mezi Nejznámějšími umělci vzkvétající éry byli Jan-Davids de Gem (1606-83), jeho syn Cornelis (1631-95), Abraham Mignon (1640-79), Melchior de Gondecoeter (1636-95), Maria Osterwijk (1630). -93), Willem V. Aalst (1626-83), Willem Geda (1594 - později 1678), Willem Kalf (1621 nebo 1622-93) a Jan Waenix (1640-1719).

Namísto přímého vztahu k přírodě, lásky k tomu, co je přirozené a upřímnosti, dominance předpojatých teorií, konvence a napodobování Poussina, Lebruna, Cl. Lorrain a další významní představitelé francouzské školy. Hlavním šiřitelem tohoto politováníhodného trendu byl v Amsterodamu usazený Vlám Gerard de Leresse (1641-1711), ve své době velmi schopný a vzdělaný umělec, který měl obrovský vliv na své současníky i nejbližší potomky, a to jak svými vychovanými pseudonymy. -historické obrazy a díla jeho vlastního pera, z nichž jedna, Velká kniha malíře ('t groot schilderboec), sloužila jako kód pro mladé umělce padesát let. K úpadku školy přispěl i slavný Hadrián. de Werff (1659-1722), jehož uhlazená malba s chladnými postavami, jakoby vyřezávanými ze slonoviny, s matnou, bezmocnou barvou, se kdysi zdála vrcholem dokonalosti. Mezi následovníky tohoto umělce se Henryk v. proslavil jako historici malíři. Limborg (1680-1758) a Philip V.-Dyck (1669-1729), přezdívaný "Malý V.-Dyck".

Z dalších malířů dané doby, obdařených nepochybným talentem, ale nakažených duchem doby, je třeba poznamenat Willem a France v. Miris mladší (1662-1747, 1689-1763), Nicholas Vercollier (1673-1746), Constantine Netscher (1668-1722), Isaac de Moucheron (1670-1744) a Carel de Maur (1656-1738). Nějaký lesk dodal škole umírání Cornelis Trost (1697-1750), především kreslíř, přezdívaný Holanďan. Gogarth, portrétista Jan Quincgard (1688-1772), dekorativní a historický malíř Jacob de Wit (1695-1754) a malíři mrtvé přírody Jan V. Geysum (1682-1749) a Rachel Reisch (1664-1750).

m národů, obrátili svůj pohled k jejich starobylosti, a tedy ke slavné minulosti jejich malby.

Touha dát mu znovu lesk, s nímž zářila v 17. století, začala inspirovat nejnovější umělce a vrátila je k zásadám dávných národních mistrů - k přísnému pozorování přírody a vynalézavému, upřímnému přístupu k úkolům v ruka. Nesnažili se přitom zcela eliminovat cizího vlivu, ale když odjeli studovat do Paříže nebo Düsseldorfu a dalších uměleckých center v Německu, odvezli si domů jen seznámení s úspěchy moderní techniky.

Díky tomu všemu znovuobrozená holandská škola dostala opět originální atraktivní fyziognomii a dnes se ubírá cestou vedoucí k dalšímu pokroku. Bez problémů dokáže postavit řadu svých nejnovějších postav do kontrastu s nejlepšími malíři 19. století v jiných zemích. Historická malba v přísném slova smyslu je v ní pěstována jako za starých časů velmi střídmě a nemá vynikajících představitelů; Z hlediska historického žánru se však Holandsko může pyšnit několika významnými mistry poslední doby, jako jsou: Jacob Ekgout (1793-1861), Ari Lamme (nar. 1812), Peter V. Schendel (1806-70), David Bles (nar. 1821), Hermann ten-Cate (1822-1891) a velmi talentovaný Lawrence Alma-Tadema (nar. 1836), který dezertoval do Anglie. Žánr všedního dne, který byl rovněž zařazen do okruhu činnosti těchto umělců (s výjimkou Alma-Tademy), lze poukázat na řadu vynikajících malířů v čele s Josephem Israelsem (nar. 1824) a Christoffelem Bisschopem (nar. 1828); kromě nich jsou hodni jména Michiel Verseg (1756-1843), Elhanon Vervaer (nar. 1826), Teresa Schwarze (nar. 1852) a Valli Mus (nar. 1857).

Nejnovější nizozemská malba je obzvláště bohatá na krajináře, kteří pracovali a pracují různými způsoby, někdy s pečlivým dokončením, někdy s širokou technikou impresionistů, ale věrnými a poetickými interprety své rodné povahy. Patří mezi ně Andreas Schelfgout (1787-1870), Barent Koekkoek (1803-62), Johannes Wilders (1811-90), Willem Roelofs (nar. 1822), Hendrich v. de Sande-Bockhuisen (nar. 1826), Anton Mauwe (1838-88), Jacob Maris (nar. 1837), Lodewijk Apol (nar. 1850) a mnoho dalších. atd. Přímí dědicové Ya. Objevili se D. Heyden a E. de Witte, malíři nadějných názorů, Jan Verheiden (1778-1846), Bartholomews v. Gowe (1790-1888), Salomon Vervaer (1813-76), Cornelis Springer (1817-91), Johannes Bosbohm (1817-91), Johannes Weissenbruch (1822-1880) atd. Mezi nejnovějšími námořními malíři Holandska patří např. dlaň patří Jogovi. Schotel (1787-1838), Ari Plaisir (nar. 1809), Hermann Koekkoek (1815-82) a Henrik Mesdag (nar. 1831). Konečně Wouters Verschoor (1812-74) a Johann Gas (nar. 1832) prokázali velkou zručnost v malbě zvířat.

St. Van Eyden u. van der Willigen, „Geschiedenis der vaderlandische schilderkunst, sedert de helft des 18-de eeuw“ (4 svazky, 1866) A. Woltman u. K. Woermann, "Geschichte der Malerei" (2. a 3. díl, 1882-1883); Waagen, „Handbuch der deutschen und niderländischen Malerschulen“ (1862); Bode, „Studie zur Geschichte der holländischen Malerei“ (1883); Havard, "La peinture hollandaise" (1880); E. Fromentin, „Les maîtres d’autrefois. Belgique, Hollande“ (1876); A. Bredius, „Die Meisterwerke des Rijksmuseum zu Amsterdam“ (1890); P. P. Semenov, „Náčrty k historii nizozemského malířství na základě jeho vzorků umístěných v Petrohradě“. (zvláštní příloha časopisu „Vestn. Fine Arts“, 1885-90).

Obrazy holandských malířů

Cornelis de Man - manufaktura na velrybí olej

Cornelis Trost - Zábava v parku

Ludolf Backhuizen – Východoindický dok kampaně v Amsterdamu

Pieter Bruegel starší – Alchymistova katastrofa

Rembrandt - Andries de Graef

První léta 17. století jsou považována za zrod nizozemské školy. Tato škola patří k velkým školám malby a je nezávislou a nezávislou školou s jedinečnými a nenapodobitelnými vlastnostmi a identitou.

To má z velké části historické vysvětlení – současně vznikl nový pohyb v umění a nový stát na mapě Evropy.

Až do 17. století se Holandsko nevyznačovalo množstvím národních umělců. Možná právě proto lze v této zemi v budoucnu napočítat takové množství umělců, a to konkrétně holandských. Zatímco tato země byla jedním státem s Flandry, originální umělecká hnutí se intenzivně vytvářela a rozvíjela především ve Flandrech. Ve Flandrech pracovali vynikající malíři Van Eyck, Memling, Rogier van der Weyden, kteří se v Holandsku nenašli. Na počátku 16. století lze zaznamenat pouze ojedinělé výbuchy génia v malbě, jde o umělce a rytce Lukáše z Leidenu, který je stoupencem bruggské školy. Luke z Leidenu ale žádnou školu nevytvořil. Totéž lze říci o malíři Dirku Boutsovi z Haarlemu, jehož výtvory na pozadí stylu a způsobu vzniku vlámské školy jen stěží vynikají, o umělcích Mostertovi, Skorelovi a Heemskerkem, kteří přes všechen svůj význam nejsou individuální talenty, které je charakterizují svou originalitou země.

Poté se italský vliv rozšířil na každého, kdo tvořil štětcem – od Antverp po Haarlem. To byl jeden z důvodů, proč byly hranice rozmazané, školy smíšené a umělci ztratili svou národní identitu. Jana Skorela nepřežil ani jeden student. Poslední, nejslavnější, největší portrétista, který je spolu s Rembrandtem pýchou Holandska, umělec nadaný mocným talentem, skvěle vzdělaný, stylově pestrý, od přírody odvážný a flexibilní, kosmopolita, který ztratil vše stopy jeho původu a dokonce i jeho jméno - Antonis Moreau, (byl oficiálním malířem španělského krále) zemřel po roce 1588.

Přeživší malíři v duchu své tvorby téměř přestali být Holanďany, chyběla jim organizace a schopnost obnovit národní školu. Byli to představitelé holandského manýrismu: rytec Hendrik Goltzius, Cornelis z Haarlemu, který napodoboval Michelangela, Abraham Bloemaert, následovník Correggia, Michiel Mierevelt, dobrý portrétista, zručný, přesný, lakonický, na svou dobu trochu chladný, moderní , ale ne národní. Je zajímavé, že jen on nepodlehl italskému vlivu, který si podmanil většinu tehdejších projevů v malířství Holandska.

Koncem 16. století, kdy portrétisté již vytvořili školu, se začali objevovat a formovat další umělci. Ve druhé polovině 16. století se zrodilo velké množství malířů, kteří se stali fenoménem v malířství, to bylo téměř probuzení nizozemské národní školy. Široká škála talentů vede k mnoha různým směrům a cestám pro vývoj malby. Umělci se testují ve všech žánrech, v různých barevných schématech: někteří pracují světlým způsobem, jiní temně (byl zde cítit vliv italského umělce Caravaggia). Malíři jsou oddaní světlým barvám a koloristi tmavým barvám. Začíná hledání obrazové manýry a vyvíjejí se pravidla pro zobrazování šerosvitu. Paleta se stává uvolněnější a volnější, stejně jako linie a plasticita obrazu. Objevují se Rembrandtovi přímí předchůdci – jeho učitelé Jan Pace a Peter Lastman. Žánrové postupy se také stávají svobodnějšími – historicita není tak povinná jako dříve. Vzniká zvláštní, hluboce národní a téměř historický žánr - skupinové portréty určené pro veřejná místa - radnice, korporace, dílny a komunity. Touto událostí, formou nejdokonalejší, končí 16. století a začíná 17. století.

Toto je jen začátek, zárodek školy, škola samotná ještě neexistuje. Je mnoho talentovaných umělců. Mezi nimi jsou zruční řemeslníci, několik skvělých malířů. Morelse, Jan Ravestein, Lastman, Frans Hals, Pulenburg, van Schoten, van de Venne, Thomas de Keyser, Honthorst, Cape the Elder a nakonec Esayas van de Velde a van Goyen – ti všichni se narodili na konci 16. století. Tento seznam zahrnuje i umělce, jejichž jména uchovala historie, ti, kteří představovali pouze jednotlivé pokusy o dosažení mistrovství, a ti, kteří se stali učiteli a předchůdci budoucích mistrů.

To byl kritický okamžik ve vývoji nizozemského malířství. Při nestabilní politické rovnováze vše záviselo jen na náhodě. Ve Flandrech, kde bylo podobné probuzení pozorováno, naopak již existoval pocit důvěry a stability, který v Holandsku ještě nebyl. Ve Flandrech už byli umělci, kteří se zformovali nebo k tomu měli blízko. Politické a společensko-historické poměry v této zemi byly příznivější. Existovala pružnější a tolerantnější vláda, tradice a společnost. Potřeba luxusu vyvolala trvalou potřebu umění. Obecně byly pro Flandry vážné důvody, aby se podruhé staly velkým centrem umění. K tomu chyběly jen dvě věci: několik let klidu a mistr, který by byl tvůrcem školy.

V roce 1609, kdy se rozhodovalo o osudu Holandska – Filip III. se dohodl na příměří mezi Španělskem a Nizozemskem – se objevil Rubens.

Vše záviselo na politické nebo vojenské náhodě. Poraženo a podrobeno by Holandsko muselo zcela ztratit svou nezávislost. Pak samozřejmě nemohly existovat dvě nezávislé školy – v Holandsku a ve Flandrech. V zemi závislé na italsko-vlámském vlivu by se taková škola a talentovaní originální umělci nemohli rozvíjet.

Aby se Nizozemci zrodili a holandské umění s nimi spatřilo světlo, byla zapotřebí revoluce, hluboká a vítězná. Zvláště důležité bylo, aby revoluce byla založena na spravedlnosti, rozumu, nutnosti, aby si lidé zasloužili to, čeho chtěli dosáhnout, aby byli rozhodní, přesvědčení, že mají pravdu, pracovití, trpěliví, zdrženliví, hrdinští a moudří. Všechny tyto historické rysy se následně projevily při formování holandské malířské školy.

Situace dopadla tak, že válka Holanďany nezruinovala, ale obohatila, boj za nezávislost jejich síly nevyčerpal, ale posílil a inspiroval. Při vítězství nad nájezdníky prokázal lid stejnou odvahu jako v boji proti živlům, nad mořem, nad zaplavováním zemí, nad klimatem. To, co mělo lidi zničit, jim dobře posloužilo. Smlouvy podepsané se Španělskem daly Holandsku svobodu a posílily jeho pozici. To vše vedlo k vytvoření vlastního umění, které oslavovalo, zduchovňovalo a vyjadřovalo vnitřní podstatu Holanďanů.

Po smlouvě z roku 1609 a oficiálním uznání Spojených provincií nastal okamžitý klid. Bylo to, jako by se blahodárný teplý vánek dotkl lidských duší, oživil půdu, našel a probudil klíčky, které byly připraveny kvést. Je úžasné, jak nečekaně a v jakém krátkém časovém úseku - ne více než třicet let - se na malém prostoru, na nevděčné pouštní půdě, v drsných životních podmínkách, objevila nádherná plejáda malířů, a k tomu velkých malířů.

Objevily se okamžitě a všude: v Amsterodamu, Dordrechtu, Leidenu, Delftu, Utrechtu, Rotterdamu, Haarlemu, dokonce i v zahraničí – jako ze semen, která padla mimo pole. Nejstaršími jsou Jan van Goyen a Wijnants, narozený na přelomu století. A dále, v intervalu od začátku století do konce jeho první třetiny - Cuyp, Terborch, Brouwer, Rembrandt, Adrian van Ostade, Ferdinand Bohl, Gerard Dau, Metsu, Venix, Wauerman, Berchem, Potter, Jan Steen , Jacob Ruisdael.

Tím ale kreativní šťávy neskončily. Dále se narodil Pieter de Hooch, Hobbema. Poslední z velikánů, van der Heyden a Adrian van de Velde, se narodili v letech 1636 a 1637. V té době bylo Rembrandtovi třicet let. Přibližně tato léta lze považovat za dobu prvního rozkvětu holandské školy.

Vzhledem k tehdejším historickým událostem si lze představit, jaké by měla být aspirace, charakter a osud nové malířské školy. Co mohli tito umělci napsat v zemi, jako je Holandsko?

Revoluce, která dala Nizozemcům svobodu a bohatství, je zároveň připravila o to, co tvoří životně důležitý základ velkých škol všude. Změnila přesvědčení, změnila zvyky, zrušila obrazy antických i evangelijních scén a zastavila tvorbu velkých děl - církevních a dekorativních maleb. Vlastně každý umělec měl alternativu – být originální nebo nebýt vůbec.

Pro národ měšťanů bylo nutné vytvořit umění, které by je oslovovalo, zobrazovalo je a bylo pro ně relevantní. Byli to praktičtí podnikatelé, kteří neměli sklony ke snění, s porušenými tradicemi a protiitalskými náladami. Dá se říci, že Nizozemci měli jednoduchý a odvážný úkol – vytvořit svůj vlastní portrét.

Nizozemská malba byla a mohla být pouze výrazem vnějšího vzhledu, věrným, přesným, podobným portrétem Holandska. Byl to portrét lidí a terénu, měšťanských zvyků, náměstí, ulic, polí, moře a nebe. Hlavními prvky holandské školy byly portréty, krajiny a každodenní scény. Takový byl tento obraz od počátku své existence až do úpadku.

Může se zdát, že nic nemůže být jednodušší než objev tohoto obyčejného umění. Ve skutečnosti je nemožné si představit něco, co by se mu vyrovnalo v šíři a novosti.

Okamžitě se vše změnilo ve způsobu chápání, vidění a předávání: úhel pohledu, umělecký ideál, volba přírody, stylu a metody. Italské a vlámské malířství ve svých nejlepších projevech je pro nás stále srozumitelné, protože je stále baví, ale to jsou již mrtvé jazyky a nikdo je už nebude používat.

Kdysi existoval zvyk myslet vznešeně a obecně, existovalo umění, které spočívalo v dovedném výběru předmětů. V jejich výzdobě, opravě. Rád ukazoval přírodu, jak ve skutečnosti neexistuje. Vše zobrazené víceméně odpovídalo osobnosti člověka, záviselo na ní a podobalo se jí. V důsledku toho vzniklo umění, ve kterém je člověk středem a všechny ostatní obrazy vesmíru byly buď ztělesněny v lidských podobách, nebo byly vágně zobrazeny jako sekundární prostředí člověka. Kreativita se vyvíjela podle určitých vzorců. Každý předmět si musel vypůjčit svou plastickou podobu ze stejného ideálu. Muž musel být zobrazován častěji nahý než oblečený, dobře stavěný a hezký, aby mohl hrát roli, která mu byla přidělena, s patřičnou vznešeností.

Nyní je úkol malování jednodušší. Bylo nutné dát každé věci nebo jevu její pravý význam, umístit člověka na jeho správné místo a v případě potřeby se bez něj úplně obejít.

Je čas méně přemýšlet, pozorně se dívat na to, co je nejblíže, lépe pozorovat a psát jinak. Toto je obraz davu, občana, pracujícího člověka. Bylo třeba se uskromnit ke všemu skromnému, malému k malému, nenápadnému k nenápadnému, vše přijmout, aniž bych čímkoli zavrhoval či pohrdal, pronikat do skrytého života věcí, láskyplně splývajících s jejich existencí, bylo třeba být pozorný , zvídavý a trpělivý. Genialita nyní spočívá v nemít žádné předsudky. Není třeba nic přikrášlovat, zušlechťovat nebo odhalovat: to vše je lež a zbytečná práce.

Holandští malíři, tvořící v některém koutě severské země s vodou, lesy, mořskými horizonty, dokázali v miniaturách odrážet celý vesmír. Malá země, pečlivě prozkoumaná podle vkusu a instinktu pozorovatele, se promění v nevyčerpatelnou pokladnici, bohatou jako život sám, tak bohatou na vjemy, jako je na ně bohaté lidské srdce. Nizozemská škola takto roste a funguje už celé století.

Holandští malíři našli náměty a barvy, aby uspokojily jakékoli lidské sklony a náklonnosti, pro drsné a jemné povahy, vášnivé a melancholické, zasněné a veselé. Zatažené dny ustupují veselým slunečným dnům, moře je někdy klidné a jiskřivé stříbrem, jindy bouřlivé a ponuré. Podél pobřeží se tísní mnoho pastvin s farmami a mnoho lodí. A téměř vždy cítíte pohyb vzduchu nad rozlohami a silné větry od Severního moře, které vrší mraky, ohýbají stromy, roztáčí křídla mlýnů a ženou světlo a stíny. K tomu je třeba připočítat města, domácí a pouliční život, slavnosti na poutích, zobrazení různých mravů, nouzi chudých, hrůzy zimy, zahálky v krčmách s tabákovým kouřem a korbely piva. Na druhou stranu - bohatý životní styl, svědomitá práce, kavalkády, odpolední odpočinek, lov. Navíc - veřejný život, civilní obřady, rauty. Výsledkem bylo nové umění, ale s tématy starými jako čas.

Vznikla tak harmonická jednota ducha školy a nejúžasnější rozmanitost, která kdy vznikla v rámci jediného uměleckého hnutí.

Obecně se holandské škole říká žánrová škola. Rozložíme-li jej na dílčí prvky, pak v něm můžeme rozlišit krajináře, mistry skupinových portrétů, námořní malíře, malíře zvířat, umělce, kteří malovali skupinové portréty nebo zátiší. Když se podíváte podrobněji, můžete rozlišit mnoho žánrových odrůd – od milovníků malebnosti po ideology, od opisovačů přírody po její interprety, od konzervativních domácích pocestných, od těch, kteří milují a cítí humor, až po umělce, kteří se vyhýbají komedii. Vzpomeňme na obrazy Ostadeho humoru a vážnosti Ruisdaela, vyrovnanosti Pottera a výsměchu Jana Steena, vtipu Van de Veldeho a ponuré zasněnosti velkého Rembrandta.

S výjimkou Rembrandta, který musí být považován za výjimečný fenomén, jak pro svou zemi, tak pro všechny doby, se pak všichni ostatní nizozemští umělci vyznačují určitým stylem a metodou. Zákony pro tento styl jsou upřímnost, přístupnost, přirozenost a expresivita. Pokud z nizozemského umění odeberete to, co lze nazvat poctivostí, přestanete chápat jeho zásadní podstatu a nebudete schopni určit ani jeho morální charakter, ani jeho styl. V těchto umělcích, kteří si z velké části vysloužili pověst krátkozrakých opisovačů, cítíte vznešenou a laskavou duši, věrnost pravdě a lásku k realismu. To vše dává jejich dílům hodnotu, kterou věci na nich vyobrazené samy jakoby nemají.

Začátkem tohoto upřímného stylu a prvním výsledkem tohoto poctivého přístupu je dokonalá kresba. Mezi nizozemskými malíři je Potter projevem génia v přesných, ověřených měřeních a schopnosti vysledovat pohyb každé linie.

V Holandsku obloha často zabírá polovinu a někdy i celý obraz. Proto je nutné, aby se nebe na obrázku pohybovalo, přitahovalo a neslo nás s sebou. Aby byl cítit rozdíl mezi dnem, večerem a nocí, aby bylo cítit teplo a chlad, aby byl divák mrazivý a užíval si to a cítil potřebu se soustředit. I když je asi těžké nazvat takovou kresbu nejvznešenější ze všech, zkuste na světě najít umělce, kteří by namalovali nebe, jako Ruisdael a van der Neer, a svým dílem by řekli tolik a tak skvěle. Nizozemci mají všude stejný design - zdrženlivý, lakonický, přesný, přirozený a naivní, zručný a ne umělý.

Holandská paleta je docela hodná jejich kresby, odtud dokonalá jednota jejich malířské metody. Jakýkoli holandský obraz je snadno rozpoznatelný podle vzhledu. Je malé velikosti a vyznačuje se silnými, přísnými barvami. To vyžaduje od umělce velkou přesnost, pevnou ruku a hluboké soustředění, aby se dosáhlo soustředěného účinku na diváka. Umělec musí jít hluboko do sebe, aby mohl živit svou myšlenku, divák musí jít hluboko do sebe, aby pochopil plán umělce. Jsou to holandské malby, které dávají nejjasnější představu o tomto skrytém a věčném procesu: cítit, myslet a vyjadřovat. Na světě neexistuje bohatší obraz, protože jsou to Holanďané, kdo zahrnuje tolik obsahu na tak malý prostor. Proto zde vše nabývá přesné, stlačené a zhuštěné podoby.

Každý holandský obraz je konkávní, skládá se z křivek popsaných kolem jednoho bodu, který je ztělesněním konceptu obrazu a stínů umístěných kolem hlavního světelného bodu. Pevná základna, běžící vršek a zaoblené rohy směřující ke středu - to vše je zvýrazněné, barevné a nasvícené v kruhu. Výsledkem je, že obraz získává hloubku a objekty na něm zobrazené se vzdalují od oka diváka. Divák je jakoby veden od popředí k poslednímu, od rámu k horizontu. Zdá se, že obýváme obraz, pohybujeme se, díváme se hluboko, zvedáme hlavu, abychom změřili hloubku oblohy. Přísnost letecké perspektivy, dokonalá korespondence barev a odstínů s místem v prostoru, které objekt zaujímá.

Pro úplnější pochopení holandské malby je třeba podrobně zvážit prvky tohoto pohybu, vlastnosti metod, povahu palety a pochopit, proč je tak chudá, téměř monochromatická a tak bohatá na výsledky. Ale všechny tyto otázky, stejně jako mnohé jiné, byly vždy předmětem spekulací mnoha historiků umění, ale nikdy nebyly dostatečně prostudovány a objasněny. Popis hlavních rysů nizozemského umění nám umožňuje odlišit tuto školu od ostatních a vysledovat její původ. Expresivním obrazem ilustrujícím tuto školu je obraz Adriaana van Ostadeho z amsterdamského muzea „Artist's Atelier“. Toto téma patřilo mezi oblíbené nizozemské malíře. Vidíme pozorného muže, mírně shrbeného, s připravenou paletou, tenkými, čistými štětci a průhledným olejem. Píše za šera. Jeho tvář je soustředěná, jeho ruka je opatrná. Jen snad byli tito malíři odvážnější a uměli se bezstarostněji smát a užívat si života, než lze usoudit z dochovaných obrazů. Jak by se jinak jejich genialita projevila v atmosféře profesionálních tradic?

Základ nizozemské školy položili van Goyen a Wijnants na začátku 17. století, když stanovili některé zákony malby. Tyto zákony byly předávány z učitelů na studenty a nizozemští malíři jimi žili po celé století, aniž by se odchýlili na stranu.

Holandská manýristická malba

Holandsko. 17. století Země zažívá nebývalý rozkvět. Takzvaný „zlatý věk“. Na konci 16. století dosáhlo několik provincií země nezávislosti na Španělsku.

Nyní se protestantské Nizozemsko vydalo vlastní cestou. A katolické Flandry (dnešní Belgie) pod křídly Španělska jsou své.

V nezávislém Holandsku náboženskou malbu téměř nikdo nepotřeboval. Protestantská církev neschvalovala luxusní výzdobu. Ale tato okolnost „hrála do karet“ sekulární malbě.

Doslova každý obyvatel nové země se probudil k lásce k tomuto druhu umění. Nizozemci chtěli na obrazech vidět svůj vlastní život. A umělci jim ochotně vyšli vstříc.

Ještě nikdy nebyla okolní realita tolik vykreslována. Obyčejní lidé, obyčejné pokoje a nejobyčejnější snídaně obyvatele města.

Realismus vzkvétal. Až do 20. století bude důstojnou konkurencí akademismu s jeho nymfami a řeckými bohyněmi.

Ale víc se mi líbí ta druhá verze. V Nizozemsku žil a pracoval v 17. století velký mistr, „velký“ Holanďan. A všichni ostatní byli ve srovnání s ním „malí“.

Mluvíme samozřejmě o Rembrandtovi. Začněme s ním.

1. Rembrandt (1606-1669)

Rembrandt. Autoportrét ve věku 63 let. 1669 Národní galerie v Londýně

Rembrandt zažil během svého života širokou škálu emocí. Proto je v jeho rané tvorbě tolik zábavy a odvahy. A existuje tolik komplexních pocitů - v těch pozdějších.

Zde je mladý a bezstarostný na obraze „Marnotratný syn v krčmě“. Na kolenou mu leží jeho milovaná manželka Saskia. Je oblíbeným umělcem. Objednávky se hrnou.

Rembrandt. Marnotratný syn v krčmě. 1635 Galerie starých mistrů, Drážďany

To vše ale za cca 10 let zmizí. Saskia zemře na konzumaci. Popularita zmizí jako kouř. Velký dům s unikátní sbírkou bude odebrán pro dluhy.

Ale objeví se stejný Rembrandt, který zůstane po staletí. Holé pocity hrdinů. Jejich nejhlubší myšlenky.

2. Frans Hals (1583-1666)

Frans Hals. Autoportrét. 1650 Metropolitan Museum of Art, New York

Frans Hals je jedním z největších portrétistů všech dob. Proto bych ho také zařadil mezi „velkého“ Holanďana.

Podívejte se na jeho skupinový portrét „Arrows of the Guild of St. Jiří."

Frans Hals. Šípy Cechu sv. Jiří. 1627 Frans Hals Museum, Haarlem, Nizozemsko

A jeho postavy jsou také velmi emotivní: usmívají se, smějí se a gestikulují. Jako například tento „Cikán“ s potutelným pohledem.

Frans Hals. Cikán. 1625-1630

3. Gerard Terborch (1617-1681)

Gerard Terborch. Autoportrét. 1668 Královská galerie Mauritshuis, Haag, Nizozemsko

Byl to tento mistr, který vyvinul kánony každodenního žánru. Kterou si později vypůjčili Jan Vermeer, Pieter de Hooch a mnoho dalších „malých“ Holanďanů.

Gerard Terborch. Sklenice limonády. 60. léta 17. století. Státní muzeum Ermitáž, Petrohrad

„Sklenka limonády“ je jedním ze slavných Terborchových děl. Ukazuje to další přednost umělce. Neuvěřitelně realistický obraz látky šatů.

Terborch má také neobvyklá díla. Což vypovídá o jeho touze jít nad rámec požadavků zákazníků.

Gerard Terborch. Bruska. 1653-1655 Státní muzea v Berlíně

Jak jste pochopili, taková práce nebyla poptávka. A jsou vzácným výskytem i mezi Terborchem.

4. Jan Vermeer (1632-1675)

Jan Vermeer. Umělecká dílna. 1666-1667 Kunsthistorisches Museum, Vídeň

Není jisté, jak Jan Vermeer vypadal. Je jen zřejmé, že na obraze „Umělcova dílna“ zobrazil sám sebe. Pravda zezadu.

Je proto s podivem, že nedávno vyšla najevo nová skutečnost z mistrova života. Je spojena s jeho mistrovským dílem „Delft Street“.

Jan Vermeer. Delftská ulice. 1657 Rijksmuseum v Amsterdamu

Jan Vermeer. Žena s váhy. 1662-1663 Národní galerie umění, Washington

Proč Vermeer vyčníval mezi tisíci dalších „malých“ Holanďanů?

Byl nepřekonatelným mistrem světla. V obraze „Žena s váhami“ světlo jemně zahaluje hrdinčinu tvář, látky a stěny. Dát obrazu neznámou spiritualitu.

A kompozice Vermeerových obrazů jsou pečlivě ověřeny. Nenajdete jediný zbytečný detail. Stačí odstranit jeden z nich, obrázek se „rozpadne“ a kouzlo zmizí.

5. Pieter de Hooch (1629-1884)

Pieter de Hooch. Autoportrét. 1648-1649 Rijksmuseum, Amsterdam

Pieter de Hooch. Služka s dívkou na nádvoří. 1658 Londýnská národní galerie

Až do 20. století byl Hoch velmi ceněn. Málokdo si ale všiml drobných děl jeho konkurenta Vermeera.

Ale ve 20. století se všechno změnilo. Hochova sláva pohasla. Je však těžké nepoznat jeho úspěchy v malířství. Jen málokdo dokázal tak kompetentně skloubit prostředí a lidi.

Pieter de Hooch. Hráči karet ve slunné místnosti. 1658 Royal Art Collection, Londýn

Vezměte prosím na vědomí, že ve skromném domě na plátně „Hráči karet“ visí obraz v drahém rámu.

To opět ukazuje, jak populární byla malba mezi obyčejnými Holanďany. Obrazy zdobily každý domov: dům bohatého měšťana, skromného městského obyvatele a dokonce i rolníka.

6. Jan Steen (1626-1679)

Jan Steen. Autoportrét s loutnou. 70. léta 17. století Muzeum Thyssen-Bornemisza, Madrid

Jan Steen je možná nejveselejší „malý“ Holanďan. Ale milující morální učení. Často zobrazoval krčmy nebo chudiny, ve kterých existovaly neřesti.

Jeho hlavními postavami jsou milovníci a dámy s lehkou ctností. Chtěl diváka pobavit, ale latentně ho varovat před zlomyslným životem.

Jan Steen. To je nepořádek. 1663 Kunsthistorisches Museum, Vídeň

Jan Steen. Ranní toaleta. 1661-1665 Rijksmuseum, Amsterdam

7. Jacobs Van Ruisdael (1629-1882)

Portrét Ruisdaela. Litografie z knihy z 19. století.

Nizozemská malba ve výtvarném umění

m národů, obrátili svůj pohled k jejich starobylosti, a tedy ke slavné minulosti jejich malby.

Mezitím se jedná o zvláštní oblast evropské kultury hodnou podrobnějšího studia, která odráží původní život obyvatel Holandska té doby.

Historie vzhledu

V 17. století se v zemi začali objevovat významní představitelé uměleckého umění. Francouzští kulturologové jim dali společný název – „malí Holanďané“, který nesouvisí s měřítkem talentu a označuje náklonnost k určitým tématům z každodenního života, na rozdíl od „velkého“ stylu s velkými plátny na historická nebo mytologická témata. Historie vzniku holandského malířství byla podrobně popsána v devatenáctém století a tento termín používali i autoři prací o něm. „Malí Holanďané“ se vyznačovali sekulárním realismem, obraceli se k okolnímu světu a lidem a používali malbu bohatou na tóny.

Hlavní fáze vývoje

Dějiny nizozemského malířství lze rozdělit do několika období. První trvala přibližně od roku 1620 do roku 1630, kdy se v národním umění prosadil realismus. Své druhé období zažilo holandské malířství v letech 1640-1660. To je doba, kdy zdejší umělecká škola skutečně vzkvétala. Konečně třetí období, doba, kdy holandské malířství začalo upadat – od roku 1670 do začátku osmnáctého století.

Stojí za zmínku, že kulturní centra se během této doby změnila. V prvním období působili v Haarlemu přední umělci a hlavním představitelem byl Khalsa. Poté se centrum přesunulo do Amsterdamu, kde nejvýznamnější práce provedli Rembrandt a Vermeer.

Scény každodenního života

Při výčtu nejdůležitějších žánrů nizozemské malby je nutné začít s každodenní - nejživější a nejoriginálnější v historii. Právě Vlámové odhalili světu výjevy z běžného života obyčejných lidí, rolníků i měšťanů či měšťanů. Průkopníky byli Ostade a jeho následovníci Audenrogge, Bega a Dusart. V Ostadeových raných obrazech lidé hrají karty, hádají se a dokonce bojují v hospodě. Každý obraz se vyznačuje dynamickým, poněkud brutálním charakterem. O poklidných výjevech hovoří i tehdejší holandská malba: v některých dílech si rolníci povídají u dýmky a sklenice piva, tráví čas na pouti nebo se svými rodinami. Rembrandtův vliv vedl k širokému použití měkkého, zlatavě zbarveného šerosvitu. Městské scény inspirovaly umělce jako Hals, Leicester, Molenaar a Codde. V polovině 17. století mistři zobrazovali lékaře, vědce v procesu práce, vlastní dílny, domácí práce nebo Každá zápletka měla být zábavná, někdy až groteskně didaktická. Někteří mistři inklinovali k poetizaci každodenního života, například Terborch zobrazoval scény muzicírování nebo flirtování. Metsu použil jasné barvy a změnil každodenní život v oslavu, zatímco de Hooch se inspiroval jednoduchostí rodinného života, zalitého rozptýleným denním světlem. Pozdější představitelé žánru, mezi něž patřili takoví nizozemští mistři malby jako Van der Werff a Van der Neer, ve snaze o elegantní zobrazení často vytvářeli poněkud okázalá témata.

Příroda a krajina

Holandská malba je navíc hojně zastoupena v krajinářském žánru. Poprvé se objevil v dílech mistrů z Haarlemu jako van Goyen, de Moleyn a van Ruisdael. Právě oni začali venkovské oblasti zobrazovat v určitém stříbřitém světle. V jeho dílech vystoupila do popředí materiální jednota přírody. Samostatně stojí za zmínku mořské krajiny. Marinisté 17. století zahrnovali Porsellis, de Vlieger a van de Capelle. Nesnažili se ani tak o zprostředkování určitých mořských výjevů, jako spíše o zobrazení vody samotné, hry světla na ní a na obloze.

Do druhé poloviny sedmnáctého století se v žánru objevila emotivnější díla s filozofickými myšlenkami. Jan van Ruisdael odhalil krásu nizozemské krajiny na maximum, zobrazil ji v celé její dramatičnosti, dynamice a monumentalitě. Hobbem, který preferoval slunečné krajiny, pokračoval ve svých tradicích. Koninck maloval panoramata a van der Neer vytvářel noční krajiny a vykresloval měsíční svit, východ a západ slunce. Pro řadu umělců je také charakteristické zobrazování zvířat v krajině, například pasoucí se krávy a koně, ale i lov a výjevy s jezdci. Později se umělci začali zajímat o cizí přírodu – Oba, van Laar, Wenix, Berchem a Hackert zobrazovali Itálii koupající se v paprscích jižního slunce. Zakladatelem žánru byl Sanredam, jehož nejlepšími následovníky lze nazvat bratry Berkheidovými a Janem van der Heijdenem.

Obrázek interiérů

Samostatným žánrem, který odlišoval nizozemské malířství v jeho rozkvětu, lze nazvat scény s kostelem, palácem a domácími místnostmi. Interiéry se objevily na obrazech druhé poloviny 17. století mistrů z Delftu - Haukgeest, van der Vliet a de Witte, kteří se stali hlavním představitelem hnutí. Pomocí Vermeerových technik umělci zobrazovali scény zalité slunečním světlem, plné emocí a objemu.

Malebné pokrmy a pokrmy

Konečně dalším charakteristickým žánrem nizozemské malby je zátiší, zejména zobrazování snídaní. Jako první se ho ujali obyvatelé Haarlemu Claes a Heda, kteří natřeli prostřené stoly luxusním nádobím. Malebný nepořádek a osobité provedení útulného interiéru jsou naplněny stříbrno-šedým světlem, charakteristickým pro stříbro a cín. Utrechtští umělci malovali svěží květinová zátiší a v Haagu umělci byli obzvláště dobří v zobrazování ryb a mořských plazů. V Leidenu vznikl filozofický směr žánru, ve kterém lebky a přesýpací hodiny koexistují se symboly smyslného potěšení nebo pozemské slávy, které mají připomínat pomíjivost času. Demokratická kuchyňská zátiší se stala charakteristickým znakem rotterdamské umělecké školy.

Zhruba polovina 16. tabulky. mezi nizozemskými malíři existuje touha zbavit se nedostatků domácího umění - jeho gotické hranatosti a suchosti - studiem italských umělců renesance a spojením jejich způsobu s nejlepšími tradicemi vlastní školy. Tato touha je patrná již v dílech zmíněného Mosterta; ale za hlavního šiřitele nového hnutí je třeba považovat Jana Schorela (1495-1562), který žil dlouhou dobu v Itálii a později založil školu v Utrechtu, z níž vzešla řada umělců nakažených touhou stát se holandskými Raphaels a Michelangelos. V jeho stopách Maarten van Van, přezdívaný Gemskerk (1498-1574), Henryk Goltzius (1558-1616), Peter Montford, přezdívaný. Blokhorst (1532-83), Cornelis v. Haarlem (1562-1638) a další náležející do dalšího období italské školy, jako například Abraham Bloemaert (1564-1651), Gerard Gonthorst (1592-1662), se vydali za Alpy, aby se prodchli dokonalostí z osobností italského malířství, ale z velké části upadli pod vlivem představitelů tehdy začínajícího úpadku tohoto malířství a vraceli se do své vlasti jako manýristé, kteří si představovali, že celá podstata umění spočívá v zveličení svalů, okázalost úhlů a švih konvenčních barev. Malířská vášeň Italů, která v přechodné éře Gruzie často sahala do extrémů, však přinesla určitý přínos, protože do tohoto obrazu vnesla lepší, učenější kresbu a schopnost svobodněji a odvážněji spravovat kompozici. Spolu se staronizozemskou tradicí a bezmeznou láskou k přírodě se stal italismus jedním z prvků, z nichž se formovalo původní, vysoce rozvinuté umění vzkvétající éry. Počátek této éry, jak jsme již řekli, by se měl datovat na počátek 17. století, kdy Holandsko, když získalo nezávislost, začalo žít nový život. Dramatickou proměnu utlačované a chudé země právě včera v politicky významnou, pohodlnou a bohatou unii států provázela stejně dramatická revoluce v jejím umění. Ze všech stran téměř současně v nesčetném množství vystupují úžasní umělci, povoláni k činnosti vzestupem národního ducha a potřebou jejich tvorby, která se ve společnosti rozvinula. K původním uměleckým centrům, Haarlemu a Leidenu, přibývají nová - Delft, Utrecht, Dortrecht, Haag, Amsterdam atd. Všude se staré úkoly malby rozvíjejí novým způsobem pod vlivem měnících se požadavků a názorů. , a její nové pobočky, jejichž počátky byly v předchozím období sotva patrné. Reformace vyhnala náboženské obrazy z kostelů; nebylo třeba zdobit paláce a šlechtické komnaty obrazy antických bohů a hrdinů, a proto historická malba, která uspokojila vkus bohaté buržoazie, zavrhla idealismus a obrátila se k přesné reprodukci skutečnosti: začala interpretovat dávno minulé události jako události dne, které se odehrály v Holandsku, a zejména se ujal portrétování a zvěčnil v něm rysy tehdejších lidí, buď v jednotlivých postavách, nebo v rozsáhlých, vícefigurových kompozicích zobrazujících střelecké spolky (schutterstuke), které hráli tak významnou roli v boji za osvobození země - manažeři jejích charitativních institucí (regentenstuke), předáci obchodů a členové různých korporací. Kdybychom se rozhodli mluvit o všech talentovaných portrétistech vzkvétající éry Galie. umění, pak by pouhý výčet jejich jmen s uvedením jejich nejlepších děl zabral mnoho řádků; Proto se omezujeme na zmínku pouze o těch umělcích, kteří jsou zvláště vynikající z obecných řad. Jsou to: Michiel Mierevelt (1567-1641), jeho žák Paulus Morelse (1571-1638), Thomas de Keyser (1596-1667) Jan van Ravesteyn (1572? - 1657), předchůdci tří největších portrétistů Holandska - černokněžník šerosvitu Rembrandt van Rijn (1606-69), nesrovnatelný kreslíř, který měl úžasné umění modelovat figury světlem, ale poněkud chladným charakterem a barvou, Bartholomew van der Gelst (1611 nebo 1612-70) a údery fugou jeho štětce Frans Gols starší (1581-1666). Z nich jméno Rembrandt září zvláště jasně v dějinách, které si jeho současníci nejprve velmi vážili, pak jimi zapomněli, potomstvo málo doceněné a teprve v současném století povýšeno, ve vší férovosti, na úroveň světa. génius. V jeho charakteristické umělecké osobnosti jsou jakoby v ohnisku soustředěny všechny nejlepší kvality G. malby a jeho vliv se odrážel ve všech jejích typech - v portrétech, historických obrazech, všedních výjevech i krajině. Nejznámější z Rembrandtových studentů a následovníků byli: Ferdinand Bol (1616-80), Govert Flinck (1615-60), Gerbrand van den Eckhout (1621-74), Nicholas Mas (1632-93), Art de Gelder (1645- 1727), Jacob Backer (1608 nebo 1609-51), Jan Victors (1621-74), Carel Fabricius (asi 1620-54), Salomon a Philips Koningovi (1609-56, 1619-88), Pieter de Grebber, Willem de Porter († později 1645), Gerard Dou (1613-75) a Samuel van Googstraten (1626-78). Kromě těchto umělců, abychom doplnili seznam nejlepších portrétistů a historických malířů sledovaného období, jmenujme Jana Lievense (1607-30), Rembrandtova přítele na studiích u P. Lastman, Abraham van Tempel (1622-72) a Peter Nason (1612-91), kteří zřejmě pracovali pod vlivem V. d. Gelsta, napodobitel Halse Johannese Versproncka (1597-1662), Jana a Jacoba de Braev († 1664, † 1697), Cornelis van Zeulen (1594-1664) a Nicholas de Gelta-Stokade (1614-69). Domácí malba, jejíž první pokusy se objevily ve staré holandské škole, se ocitla v 17. století. zvláště úrodná půda v protestantském, svobodném, buržoazním, samolibém Holandsku. Malé obrázky, neuměle znázorňující zvyky a život různých vrstev místní společnosti, se dost lidem zdály zábavnější než velká díla seriózní malby a spolu s krajinkami vhodnější pro výzdobu útulných soukromých domů. Celá horda umělců uspokojuje poptávku po takových obrázcích, aniž by dlouho přemýšleli nad výběrem námětů pro ně, ale svědomitě reprodukovali vše, s čím se ve skutečnosti setkáváme, a zároveň projevují lásku k vlastnímu, milému, dobrosrdečnému humoru, přesně charakterizující zobrazené polohy a tváře a vytříbené v mistrovství technologie. Zatímco někteří se zabývají životem obyčejných lidí, scénami selského štěstí a smutku, pitím v krčmách a krčmách, setkáními před hostinci u cest, venkovskou dovolenou, hrami a bruslením na ledu zamrzlých řek a kanálů atd., jiní se náplň pro svá díla z elegantnějšího okruhu - malují půvabné dámy v jejich intimním prostředí, námluvy dandy gentlemanů, hospodyňky rozkazující svým služkám, salonní cvičení v hudbě a zpěvu, radovánky zlaté mládeže v domech rozkoše atd. V dlouhé řadě umělců první kategorie excelují Adrian a Izak v. Ostade (1610-85, 1621-49), Adrian Brouwer (1605 nebo 1606-38), Jan Stan (asi 1626-79), Cornelis Bega (1620-64), Richart Brackenburg (1650-1702), P. v. Lahr, v Itálii přezdívaný Bambocchio (1590-1658), Cornelis Dusart (1660-1704), Egbert van der Poel (1621-64), Cornelis Drohslot (1586-1666), Egbert v. Gemskerk (1610-80), Henrik Roques, přezdívaný Sorg (1621-82), Claes Molenaar (dříve 1630-76), Jan Minse-Molenar (asi 1610-68), Cornelis Saftleven (1606-81) a někteří. atd. Ze stejně významného počtu malířů, kteří reprodukovali život střední a vyšší, obecně dostačující třídy, Gerard Terborch (1617-81), Gerard Dou (1613-75), Gabriel Metsu (1630-67), Peter de Gogh (1630-66), Caspar Netscher (1639-84), Francie c. Miris starší (1635-81), Eglon van der Naer (1643-1703), Gottfried Schalcken (1643-1706), Jan van der Meer z Delftu (1632-73), Johannes Vercollier (1650-93), Quiring Brekelenkamp ( †1668). Jacob Ochtervelt († 1670), Dirk Hals (1589-1656), Anthony a Palamedes Palamedes (1601-73, 1607-38) aj. Do kategorie žánrových malířů patří umělci, kteří malovali výjevy z vojenského života, nečinnosti vojáků ve strážnicích , kempy, jezdecké šarvátky a celé bitvy, drezúra koní, stejně jako sokolnické a lovecké scény podobné bitevním scénám. Hlavním představitelem tohoto malířského odvětví je slavný a neobyčejně plodný Philips Wouwerman (1619-68). Kromě něj její bratr tohoto mistra Petr (1623-82), Jan Asselein (1610-52), kterého brzy potkáme mezi krajináři, zmíněný Palamedes, Jacob Leduc (1600 - později 1660), Henrik Verschuring (1627-90), Dirk Stop (1610-80), Dirk Mas (1656-1717) atd. Pro mnohé z těchto umělců hraje krajina stejně důležitou roli jako lidské postavy; ale paralelně s nimi pracuje masa malířů, kteří si to stanovili jako svůj hlavní nebo výhradní úkol. Obecně platí, že Nizozemci mají nezadatelné právo být hrdí na to, že jejich vlast je rodištěm nejen nejnovějšího žánru, ale také krajiny v tom smyslu, jak je dnes chápána. Ve skutečnosti v jiných zemích, např. v Itálii a Francii se umění o neživou přírodu zajímalo pramálo, nenacházelo v ní ani jedinečný život, ani zvláštní krásu: krajinu vnášel malíř do svých obrazů jen jako vedlejší prvek, jako dekoraci, mezi něž patřily epizody lidského dramatu resp. komedie se hrají, a proto jí podřizují podmínky scény, vymýšlejí pitoreskní linie a spoty, které jsou pro ni přínosné, ale bez kopírování přírody, aniž by byly prodchnuty dojmem, který vzbuzuje. Stejně tak „komponoval“ přírodu v těch vzácných případech, kdy se pokoušel namalovat čistě krajinomalbu. Holanďané jako první pochopili, že i v neživé přírodě vše dýchá životem, vše je přitažlivé, vše je schopno vyvolat myšlenku a vzrušit pohyb srdce. A to bylo zcela přirozené, protože Holanďané tak říkajíc vytvořili přírodu kolem sebe vlastníma rukama, vážili si ji a obdivovali ji, jako otec poklady a obdivuje své vlastní duchovní dítě. Kromě toho tato příroda, navzdory skromnosti svých forem a barev, poskytla koloristům, jako byli Holanďané, díky klimatickým podmínkám země hojný materiál pro rozvíjení světelných motivů a leteckou perspektivu - její parou nasycený vzduch, zjemňující obrysy objektů, produkujících gradaci tónů v různých půdorysech a pokrývajících vzdálenost oparem stříbřité nebo zlaté mlhy, stejně jako proměnlivost vzhledu oblastí určovaných roční dobou, denní hodinou a povětrnostními podmínkami. Mezi krajináře období rozkvětu patří Holanďané. zvláště respektovány jsou školy, které byly tlumočníky své domácí povahy: Jan V. Goyen (1595-1656), který spolu s Esaiasem van de Velde (asi 1590-1630) a Pieterem Moleynem starším. (1595-1661), považovaný za zakladatele Goll. krajina; pak tento student magistra, Salomon. Ruisdael († 1623), Simon de Vlieger (1601-59), Jan Wijnants (asi 1600 - později 1679), milovník efektů lepšího osvětlení Umění. d. Nair (1603-77), poetický Jacob v. Ruisdael (1628 nebo 1629-82), Meinert Gobbema (1638-1709) a Cornelis Dekker († 1678). Mezi Holanďany bylo také mnoho krajinářů, kteří se vydávali na cesty a reprodukovali motivy cizí povahy, což jim však nebránilo v tom, aby si v malbě zachovali národní ráz. Albert V. Everdingen (1621-75) zobrazoval pohledy na Norsko; Jan Both (1610-52), Dirk v. Bergen († později 1690) a Jan Lingelbach (1623-74) - Itálie; Ian V. d. starosta mladší (1656-1705), Hermann Saftleven (1610-85) a Jan Griffir (1656-1720) - Reina; Jan Hackart (1629-99?) - Německo a Švýcarsko; Cornelis Pulenenburg (1586-1667) a skupina jeho následovníků malovali krajiny inspirované italskou přírodou, s ruinami starověkých budov, koupacími nymfami a výjevy imaginární Arkádie. Ve zvláštní kategorii můžeme vyčlenit mistry, kteří ve svých obrazech kombinovali krajinu s obrazy zvířat, upřednostňovali buď první, nebo druhou, nebo zacházeli s oběma částmi se stejnou pozorností. Nejznámějším z takových malířů venkovské idyly je Paulus Potter (1625-54); Kromě něj by sem měl být zařazen i Adrian. d. Velde (1635 nebo 1636-72), Albert Cuyp (1620-91), Abraham Gondius († 1692) a četní umělci, kteří se pro témata obraceli přednostně nebo výhradně do Itálie, jako např.: Willem Romain († později 1693), Adam Peinaker (1622-73), Jan-Baptiste Vanix (1621-60), Jan Asselein, Claes Berchem (1620-83), Karel Dujardin (1622-78), Thomas Wieck (1616?-77) Frederic de Moucheron (1633 popř. 1634 -86) atd. S krajinomalbou úzce souvisí malba architektonických pohledů, které se holandští umělci začali věnovat jako samostatnému uměleckému odvětví až v polovině 17. století. Někteří z těch, kteří od té doby pracovali v této oblasti, byli důmyslní v zobrazování městských ulic a náměstí se svými budovami; jsou to mimo jiné méně významní Johannes Bärestraten (1622-66), Job a Gerrit Werk-Heide (1630-93, 1638-98), Jan v. d. Heyden (1647-1712) a Jacob v. vesnice Yulft (1627-88). Jiní, z nichž nejvýznamnější jsou Pieter Sanredan († 1666), Dirk v. Delen (1605-71), Emmanuel de Witte (1616 nebo 1617-92), malované vnitřní pohledy na kostely a paláce. Moře mělo v životě Holandska takový význam, že s ním její umění nemohlo zacházet jinak než s největší pozorností. Mnozí z jejích umělců, kteří se zabývali krajinou, žánry a dokonce i portréty, se na chvíli odpoutali od svých obvyklých námětů, stali se námořními malíři, a pokud bychom se rozhodli uvést všechny nizozemské malíře. školy zobrazující klidné nebo zuřící moře, lodě na něm houpající se, přístavy přeplněné loděmi, námořní bitvy atd., pak bychom dostali velmi dlouhý seznam, který by obsahoval jména Ya. Goyen, S. de Vlieger, S. a J. Ruisdaelovi, A. Cuyp a další již zmínění v předchozích řádcích. Omezíme-li se na poukázání na ty, pro které bylo malování mořských druhů specialitou, musíme jmenovat Willem v. de Velde starší (1611 nebo 1612-93), jeho slavný syn V. v. de Velde mladší (1633-1707), Ludolf Backhuisen (1631-1708), Jan V. de Cappelle († 1679) a Julius Parcellis († později 1634). Konečně realistický směr nizozemské školy byl příčinou, že se v ní formoval a rozvíjel druh malby, který se v jiných školách do té doby nepěstoval jako zvláštní, samostatný obor, totiž malba květin, ovoce, zeleniny, živí tvorové, kuchyňské náčiní, stolní náčiní atd. – jedním slovem to, čemu se dnes běžně říká „mrtvá příroda“ (nature morte, Stilleben). V této oblasti mezi Nejznámějšími umělci vzkvétající éry byli Jan-Davids de Gem (1606-83), jeho syn Cornelis (1631-95), Abraham Mignon (1640-79), Melchior de Gondecoeter (1636-95), Maria Osterwijk (1630). -93), Willem V. Aalst (1626-83), Willem Geda (1594 - později 1678), Willem Kalf (1621 nebo 1622-93) a Jan Waenix (1640-1719).

Brilantní období nizozemského malířství netrvalo dlouho – jen jedno století. Od počátku 18. stol. jeho úpadek přichází ne proto, že by pobřeží Zuiderzee přestalo produkovat vrozené talenty, ale proto, Ve společnosti stále více slábne národní sebeuvědomění, vypařuje se národní duch, zakořeňují francouzské vkusy a názory na pompézní éru Ludvíka XIV. V umění je tento kulturní obrat vyjádřen zapomněním umělců na základní principy, na nichž závisela originalita malířů předchozích generací, a apelem na estetické principy přivezené ze sousední země. Namísto přímého vztahu k přírodě, lásky k tomu, co je přirozené a upřímnosti, dominance předpojatých teorií, konvence a napodobování Poussina, Lebruna, Cl. Lorrain a další významní představitelé francouzské školy. Hlavním šiřitelem tohoto politováníhodného trendu byl v Amsterodamu usazený Vlám Gerard de Leresse (1641-1711), ve své době velmi schopný a vzdělaný umělec, který měl obrovský vliv na své současníky i nejbližší potomky, a to jak svými vychovanými pseudonymy. -historické obrazy a díla jeho vlastního pera, z nichž jedna - "Velká kniha malíře" ("t groot schilderboec") - sloužila padesát let jako kód pro mladé umělce. K úpadku školy přispěl i od slavného Adriana V. de Werffa (1659-1722), jehož uhlazená malba studenými, jakoby vystřiženými postavami ze slonoviny, s matnou, bezmocnou barevností, se kdysi zdála vrcholem dokonalosti. Mezi následovníky tohoto umělce se Henrik V. Limborg (1680-1758) a Philip V.-Dyck (1669-1729), přezdívaný „Malý V.“ se těšili slávě jako historici malíři. ale infikován duchem doby, je třeba poznamenat Willem a France v. Miris mladší (1662-1747, 1689-1763), Nicholas Vercollier (1673-1746), Constantine Netscher (1668-1722), Isaac de Moucheron (1670-1744) a Carel de Maur (1656-1738). Nějaký lesk dodal škole umírání Cornelis Trost (1697-1750), především kreslíř, přezdívaný Holanďan. Gogarth, portrétista Jan Quincgard (1688-1772), dekorativní a historický malíř Jacob de Wit (1695-1754) a malíři mrtvé přírody Jan V. Geysum (1682-1749) a Rachel Reisch (1664-1750).

Zahraniční vliv tížil nizozemskou malbu až do dvacátých let 19. století a dokázal v ní víceméně promítnout proměny umění ve Francii, počínaje parukářstvím dob Krále Slunce a konče pseudoklasicismem Davide. Když styl posledně jmenovaného zastaral a všude v západní Evropě se místo fascinace starověkými Řeky a Římany probudila romantická touha ovládající poezii i figurativní umění, Holanďané, stejně jako jiné národy, obrátili svůj pohled k jejich starověku, a tedy k jejich slavné minulé malbě. Touha dát mu znovu lesk, s nímž zářila v 17. století, začala inspirovat nejnovější umělce a vrátila je k zásadám dávných národních mistrů - k přísnému pozorování přírody a vynalézavému, upřímnému přístupu k úkolům v ruka. Nesnažili se přitom zcela eliminovat cizího vlivu, ale když odjeli studovat do Paříže nebo Düsseldorfu a dalších uměleckých center v Německu, odvezli si domů jen seznámení s úspěchy moderní techniky. Díky tomu všemu znovuobrozená holandská škola dostala opět originální atraktivní fyziognomii a dnes se ubírá cestou vedoucí k dalšímu pokroku. Bez problémů dokáže postavit řadu svých nejnovějších postav do kontrastu s nejlepšími malíři 19. století v jiných zemích. Historická malba v přísném slova smyslu je v ní pěstována jako za starých časů velmi střídmě a nemá vynikajících představitelů; Z hlediska historického žánru se však Holandsko může pyšnit několika významnými mistry poslední doby, jako jsou: Jacob Ekgout (1793-1861), Ari Lamme (nar. 1812), Peter V. Schendel (1806-70), David Bles (nar. 1821), Hermann ten-Cate (1822-1891) a velmi talentovaný Lawrence Alma-Tadema (nar. 1836), který dezertoval do Anglie. Z hlediska každodenního žánru, který byl rovněž zahrnut do okruhu činnosti těchto umělců (s výjimkou Alma-Tademy), lze poukázat na řadu vynikajících malířů v čele s Josephem Israelsem (nar. 1824) a Christoffelem Bisschop (nar. 1828); kromě nich jsou hodni jména Michiel Verseg (1756-1843), Elhanon Vervaer (nar. 1826), Teresa Schwarze (nar. 1852) a Valli Mus (nar. 1857). Nejnovější cíl je obzvláště bohatý. malba krajinářů, kteří pracovali a pracují rozmanitým způsobem, někdy s pečlivým dokončením, jindy širokou technikou impresionistů, ale věrnými a poetickými interprety své rodné povahy. Patří mezi ně Andreas Schelfgout (1787-1870), Barent Koekkoek (1803-62), Johannes Wilders (1811-90), Willem Roelofs (nar. 1822), Hendrich v. de Sande-Bockhuisen (nar. 1826), Anton Mauwe (1838-88), Jacob Maris (nar. 1837), Lodewijk Apol (nar. 1850) a mnoho dalších. atd. Přímí dědicové Ya. Objevili se D. Heyden a E. de Witte, malíři nadějných názorů, Jan Verheiden (1778-1846), Bartholomews v. Gowe (1790-1888), Salomon Vervaer (1813-76), Cornelis Springer (1817-91), Johannes Bosbohm (1817-91), Johannes Weissenbruch (1822-1880) atd. Mezi nejnovějšími námořními malíři Holandska patří např. dlaň patří Jogovi. Schotel (1787-1838), Ari Plaisir (nar. 1809), Hermann Koekkoek (1815-82) a Henrik Mesdag (nar. 1831). Konečně Wouters Verschoor (1812-74) a Johann Gas (nar. 1832) prokázali velkou zručnost v malbě zvířat.

St. Van Eyden u. van der Willigen, "Geschiedenis der vaderlandische schilderkunst, sedert de helft des 18-de eeuw" (4 svazky, 1866) A. Woltman u. K. Woermann, "Geschichte der Malerei" (2. a 3. díl, 1882-1883); Waagen, „Handbuch der deutschen und niderländischen Malerschulen“ (1862); Bode, „Studie zur Geschichte der holländischen Malerei“ (1883); Havard, "La peinture hollandaise" (1880); E. Fromentin, "Les maîtres d"autrefois. Belgique, Hollande“ (1876); A. Bredius, „Die Meisterwerke des Rijksmuseum zu Amsterdam“ (1890); P. P. Semenov, „Studie o historii holandského malířství na základě jeho vzorků umístěných v Petrohradě.“ (zvláštní příloha k časopis "Vestn. Výtvarné umění", 1885-90).

To má z velké části historické vysvětlení – současně vznikl nový pohyb v umění a nový stát na mapě Evropy.

V roce 1609, kdy se rozhodovalo o osudu Holandska – Filip III. se dohodl na příměří mezi Španělskem a Nizozemskem – se objevil Rubens.

Vzhledem k tehdejším historickým událostem si lze představit, jaké by měla být aspirace, charakter a osud nové malířské školy. Co mohli tito umělci napsat v zemi, jako je Holandsko?

Může se zdát, že nic nemůže být jednodušší než objev tohoto obyčejného umění. Ve skutečnosti je nemožné si představit něco, co by se mu vyrovnalo v šíři a novosti.

Vznikla tak harmonická jednota ducha školy a nejúžasnější rozmanitost, která kdy vznikla v rámci jediného uměleckého hnutí.

Holandská manýristická malba

= holandská malba. Velká sbírka =

Nizozemské malířství je první větví t. zv. „Nizozemská škola“, stejně jako druhá – vlámská, vznikla jako samostatná éra výtvarného umění po brutální revoluci, která skončila vítězstvím Nizozemců nad Španěly, kteří je utlačovali. Od této chvíle holandská malba okamžitě získala originální, zcela národní charakter a rychle dosáhla jasného a bohatého rozkvětu. Malba v dílech obrovského množství více či méně talentovaných umělců, kteří se objevili téměř současně, zde okamžitě nabrala směr velmi všestranný a přitom zcela odlišný od směru umění v jiných zemích! Hlavním rysem, který tyto umělce charakterizuje, je jejich láska k přírodě, touha reprodukovat ji v celé její jednoduchosti a pravdivosti, bez sebemenšího přikrášlování, aniž by ji podřazovali do jakýchkoli podmínek předem vytvořeného ideálu. Jeho druhou výraznou vlastností je jemný cit pro barvu a pochopení toho, jaký silný, okouzlující dojem lze kromě obsahu obrazu vyvolat pouze věrným a mocným předáváním barevných vztahů určovaných v přírodě působením světelné paprsky, blízkost nebo rozsah vzdáleností. Holandská malba je malba, kde je smysl pro barvu, světlo a stín rozvinutý do té míry, že světlo se svými nesčetnými a rozmanitými nuancemi hraje v obraze, dalo by se říci, roli hlavní postavy a velmi zaujalo. nejbezvýznamnější zápletka, nejnelegantnější formy a obrazy... Představuji vám svou osobní sbírku obrazů holandských umělců! Trocha historie: Většina nizozemských umělců nehledá zdlouhavě materiál pro svou kreativitu, ale spokojí se s tím, co nalézají kolem sebe, ve své rodné přírodě a v životě svého lidu - hlučná zábava běžných svátků, selských hodů , scény vesnického života nebo intimního života obyvatel měst, původní duny, poldry a rozlehlé pláně protkané kanály, stáda pasoucí se na bujných loukách, vesnice na březích řek, jezer a grachtů, města s čistými domy, padacími mosty a vysokými věže kostelů a radnic, přístavy přeplněné loděmi, plné stříbřitých nebo zlatých výparů oblohy – to vše pod nánosem žluči. mistrů prodchnutých láskou k vlasti a národní hrdostí se mění v obrazy plné vzduchu, světla a přitažlivosti. Dokonce i v případech, kdy se někteří z těchto mistrů obracejí s tématy k Bibli, starověké historii a mytologii, i tehdy, aniž by se starali o zachování archeologické věrnosti, přenesou dění do holandského prostředí a obklopí ho holandským prostředím. Pravda, vedle přeplněného davu takových vlasteneckých umělců stojí falanga dalších malířů, kteří hledají inspiraci za hranicemi své vlasti, v klasické zemi umění, v Itálii; v jejich dílech jsou však i rysy, které odhalují jejich národnost. Konečně, jako rys nizozemských malířů, lze poukázat na jejich zřeknutí se uměleckých tradic. Marně bychom mezi nimi hledali přísnou kontinuitu známých estetických principů a technických pravidel, a to nejen ve smyslu akademického stylu, ale i ve smyslu studentské asimilace charakteru jejich učitelů: s snad s výjimkou samotných Rembrandtových studentů, kteří více či méně úzce šli ve stopách svého geniálního mentora, téměř všichni malíři v Holandsku, jakmile pominuli svá studentská léta, a někdy i během těchto let, začali pracovat v svou vlastní cestou, v souladu s tím, kam je zavedl jejich individuální sklon a čemu je naučilo přímé pozorování přírody. Holandské umělce proto nelze dělit do škol, stejně jako to děláme s umělci z Itálie nebo Španělska. Mezitím ve všech hlavních městech Holandska existovaly organizované společnosti umělců! Avšak takové spolky, nesoucí jméno cechů sv. Lukáše, nebyly akademie, opatrovníci slavných uměleckých legend, ale svobodné korporace, podobné jiným řemeslnickým a průmyslovým cechům, od nich se strukturou a s cílem vzájemné podpory svých členů, ochrany jejich práv, příliš nelišily, péče o jejich stáří, péče o osud svých vdov a sirotků. Každý místní malíř, který splňoval požadavky mravní kvalifikace, byl do cechu přijat po předběžném potvrzení svých schopností a znalostí nebo na základě již nabyté slávy; hostující umělci byli do cechu přijímáni jako dočasní členové na dobu pobytu v daném městě. Raná díla holandských malířů se k nám dostala jen ve velmi omezeném množství, protože většina z nich zanikla v oné neklidné době, kdy reformace zdevastovala katolické kostely, rušila kláštery a opatství, podněcovala „lámače ikon“ (beelstormery), aby ničili malované a vyřezávané posvátné obrazy a lidové povstání zničilo všude portréty nenáviděných tyranů. Mnoho umělců, kteří předcházeli revoluci, známe jen podle jména; Ostatní můžeme posuzovat pouze podle jedné nebo dvou ukázek jejich práce. Mlha, která nás halí z počáteční éry holandské školy, se začíná rozplývat s tím, jak se na scéně objevil Dirk Bouts, přezdívaný Stuirbout († 1475), stejně jako Jan Mostaert (asi 1470-1556), jehož touha po naturalismu je v kombinaci s nádechem gotické legendy, vřelostí náboženského cítění s péčí o vnější eleganci. Kromě těchto vynikajících mistrů z rané éry nizozemského umění stojí za zmínku: Pieter Aertsen († 1516), přezdívaný pro svou vysokou postavu „Dlouhý Petr“ (Lange Pier), David Joris (1501-56), zručný malíř skla, který se začal zajímat o nesmysly o anabaptismu a představoval si sebe jako proroka Davida a syna Božího a Dirka Jacobse (dva obrazy od druhého jmenovaného zobrazující střelecké spolky jsou v Ermitáži). Kolem poloviny 16. stol. mezi nizozemskými malíři existuje touha zbavit se nedostatků domácího umění - jeho gotické hranatosti a suchosti - studiem italských umělců renesance a spojením jejich způsobu s nejlepšími tradicemi vlastní školy. Za hlavního šiřitele nového hnutí je třeba považovat Jana van Scorela (1495-1562), který žil dlouhou dobu v Itálii a později založil školu v Utrechtu, z níž vzešla řada umělců nakažených touhou stát se holandskými Raphaels a Michelangelos. V jeho stopách šli Maarten van Van, přezdívaný Heemskerk (1498-1574), Henrik Goltzius (1558-1616), Cornelis van Haarlem (1562-1638) a další patřící do dalšího období školy, jako např. Abraham Bloemaert (1564-1651) a Gerard Honthorst (1592-1662), kteří se vydali za Alpy, aby prodchli dokonalostmi osobností italského malířství, ale z velké části upadli pod vliv představitelů úpadku právě tento obraz, který v té době začínal. Vášeň k Italům, která v přechodné době často sahala až do extrému, však přinesla určitý užitek, protože do tohoto obrazu vnesla lepší, učenější kresbu a schopnost svobodněji a odvážněji spravovat kompozici. Spolu se staronizozemskou tradicí a bezmeznou láskou k přírodě se stal italismus jedním z prvků, z nichž se formovalo původní, vysoce rozvinuté umění vzkvétající éry. Počátek této éry, jak jsme již řekli, by se měl datovat na počátek 17. století, kdy Holandsko, když získalo nezávislost, začalo žít nový život. Dramatickou proměnu utlačované a chudé země právě včera v politicky významnou, pohodlnou a bohatou unii států provázela stejně dramatická revoluce v jejím umění. Ze všech stran se téměř současně objevují báječní umělci v nespočetném množství! K původním uměleckým centrům, Harlemu a Leidenu, přibývají nová - Delft, Utrecht, Dordrecht, Haag, Amsterdam atd. Všude se novým způsobem rozvíjejí staré úkoly malby - její nové větve, jejichž počátky byly v předchozím období sotva patrné, vzkvétají. Reformace vyhnala náboženské obrazy z kostelů; nebylo třeba zdobit paláce a šlechtické komnaty obrazy antických bohů a hrdinů, a proto historická malba, uspokojující vkus bohaté buržoazie, opustila idealismus a obrátila se k přesné reprodukci skutečnosti. Pokud byste chtěli mluvit o všech talentovaných portrétistech této vzkvétající éry, pak pouhý výčet jejich jmen s uvedením jejich nejlepších děl by zabral mnoho řádků; Proto se omezíme na zmínku jen několika. Takovým je například Michael Mervelt (1567-1641), předchůdce tří největších portrétistů Holandska - čaroděj šerosvitu Rembrandt van Rijn (1606-69), nesrovnatelný kreslíř, který měl úžasné umění modelovat postavy v světlý, ale Bartholomew van der byl poněkud chladný charakterem a barvou Helst (1611 nebo 1612-70) a nápadná fuga jeho štětce od Franse Halse staršího (1581-1666). Z nich jméno Rembrandt září zvláště jasně v dějinách, které si jeho současníci nejprve velmi vážili, pak jimi zapomněli, potomstvo málo doceněné a teprve v současném století povýšeno, ve vší férovosti, na úroveň světa. génius. V jeho charakteristické umělecké osobnosti se jakoby v ohnisku soustřeďují všechny nejlepší kvality nizozemského malířství a jeho vliv se odrážel ve všech jejích typech – v portrétech, historických obrazech, všedních výjevech i krajině. Nejznámější z Rembrandtových studentů a následovníků byli: Ferdinand Bol (1616-80), Govert Flinck (1615-60), Gerbrand van den Eckhout (1621-74), Nicholas Mas (1632-93), Art de Gelder (1645- 1727), Jacob Backer (1608 nebo 1609-51), Jan Victors (1621-74), Carel Fabricius (asi 1620-54), Pieter de Grebber, Willem de Porter († později 1645), Gerard Dou (1613-75 ) a Samuel van Hoogstraten (1626-78). Kromě těchto umělců je třeba pro větší úplnost výčtu jmenovat také Jana Lievense (1607-30), Rembrandtova přítele ze studie P. Lastmana, Abrahama van Tempela (1622-72) a Pietera Nesona (1612-91). ), který pracoval na Zřejmě pod vlivem V. d. Helst, napodobitel Halse Johannese Versproncka (1597-1662) a Jana de Bray († 1664, † 1697). Domácí malba, jejíž první pokusy se objevily ve staré holandské škole, se ocitla v 17. století. zvláště úrodná půda v protestantském, svobodném, buržoazním, samolibém Holandsku. Malé obrázky, neuměle znázorňující zvyky a život různých vrstev místní společnosti, se dost lidem zdály zábavnější než velká díla seriózní malby a spolu s krajinkami vhodnější pro výzdobu útulných soukromých domů. Poptávku po takových obrazech uspokojuje celá horda umělců, kteří svědomitě reprodukují vše, s čím se setká ve skutečnosti, zároveň projevují lásku ke svým blízkým, pak dobromyslný humor, přesně charakterizují zobrazené polohy a tváře a jsou sofistikovaní v zvládnutí techniky. Zatímco někteří se zabývají životem obyčejných lidí, scénami selského štěstí a smutku, pitím v krčmách a krčmách, setkáními před hostinci u cest, venkovskou dovolenou, hrami a bruslením na ledu zamrzlých řek a kanálů atd., jiní se obsah pro svá díla z elegantnějšího okruhu - malují půvabné dámy v jejich intimním prostředí, kterým se dvoří dandy gentlemani, hospodyňky rozkazující svým služkám, salonní cvičení v hudbě a zpěvu, kolotoče zlaté mládeže v domech rozkoše... V dlouhé řadě umělců první kategorie dominovali Adrian a Isaac van Ostade (1 6 10-85, 1621-49), Adrian Brouwer (1605 nebo 1606-38), Jan Steen (asi 1626-79), Cornelis Bailly (1620-64), Richart Brackenburg (1650-1702), Peter van Laer, v Itálii zvaný Bambocchio (1590-1658), Cornelis Dusart (1660-1704), Joss Drohsloot (1586-1666), Claes Molener (dříve -76), Jan Meins Molenaar (asi 1610-68), Cornelis Saftleven (1606-81). Ze stejně významného počtu malířů jsou Gerard Terborch (1617-81), Gerard Dou (1613-75), Gabriel Metsu (1630-67), Pieter de Hooch (1630-66), Caspar Netscher (1639-84). slavný.Frans van Mieris starší (1635-81), Egon van der Neer (1643-1703), Jan Verkolge (1650-93), Quiring Brekelenkamp (†1668). Jacob Ochtervelt († 1670), Dirk Hals (1589-1656) a Anthony Palamedes (1601-73). Do kategorie žánrových malířů patří umělci, kteří malovali výjevy vojenského života, ale i výjevy sokolnictví a honů. Hlavním představitelem tohoto malířského odvětví je slavný a neobyčejně plodný Philips Wouwerman (1619-68). Kromě něj byli výborně vyvinuti její bratr tohoto mistra Peter (1623-82), zmíněný Palamedes, Jacob Duke (1600 - později 1660) a Dirk Maas (1656-1717). Pro mnohé z těchto umělců hraje krajina stejně důležitou roli jako lidské postavy; ale paralelně s nimi pracuje masa malířů, kteří si to stanovili jako svůj hlavní nebo výhradní úkol. Obecně platí, že Nizozemci mají nezadatelné právo být hrdí na to, že jejich vlast je rodištěm nejen nejnovějšího žánru, ale také krajiny v tom smyslu, jak je dnes chápána. Ve skutečnosti v jiných zemích, například v Itálii a Francii, se umění o neživou přírodu příliš nezajímalo a nenacházelo v ní ani jedinečný život, ani zvláštní krásu. Holanďané jako první pochopili, že i v neživé přírodě vše dýchá životem, vše je přitažlivé, vše je schopno vyvolat myšlenku a vzrušit pohyb srdce. A to bylo zcela přirozené, protože Holanďané tak říkajíc vytvořili přírodu kolem sebe vlastníma rukama, vážili si ji a obdivovali ji, jako otec poklady a obdivuje své vlastní duchovní dítě. Mezi krajináři období rozkvětu nizozemské školy jsou respektováni zejména: Jan van Goyen (1595-1656), který spolu s Ezaiasem van de Velde (asi 1590-1630) a Pieterem Moleynem Elderem. (1595-1661), považovaný za zakladatele nizozemské krajiny; pak žák tohoto mistra Salomon van Ruisdael († 1623), Simon de Vlieger (1601-59), Jan Wijnants (asi 1600 - později 1679), milovník lepších světelných efektů Art van der Neer (1603-77), poetický Jacob van Ruisdael (1628 nebo 1629-82), Meindert Hobbema (1638-1709) a Cornelis Dekker († 1678). Mezi Holanďany bylo také mnoho krajinářů, kteří se vydávali na cesty a reprodukovali motivy cizí povahy, což jim však nebránilo v tom, aby si v malbě zachovali národní ráz. Allaert van Everdingen (1621-75) zobrazil pohledy na Norsko; Jan Both (1610-52) - Itálie; Hermann Saftleven (1610-85) - Reina; Cornelis Poulenburg (1586-1667) a skupina jeho následovníků malovali krajiny inspirované italskou přírodou, s ruinami starověkých budov, koupacími nymfami a výjevy imaginární Arkádie. Ve zvláštní kategorii můžeme vyčlenit mistry, kteří ve svých obrazech kombinovali krajinu s obrazy zvířat, upřednostňovali buď první, nebo druhou, nebo zacházeli s oběma částmi se stejnou pozorností. Nejznámějším z takových malířů venkovské idyly je Paulus Potter (1625-54); kromě něj sem patří Adrian van de Velde (1635 nebo 1636-72), Albert Cuyp (1620-91) a četní umělci, kteří se pro témata přednostně nebo výhradně obraceli do Itálie, jako například: Adam Peinaker (1622-73), Jan -Baptiste Weenix (1621-60), Claes Berchem (1620-83), Karel Dujardin (1622-78) aj. S krajinomalbou úzce souvisí malba architektonických pohledů, které se holandští umělci začali věnovat jako nezávislí odvětví umění teprve v polovině 17. století. Někteří z těch, kteří od té doby pracovali v této oblasti, byli důmyslní v zobrazování městských ulic a náměstí se svými budovami; to jsou Johannes Beerestraten (1622-66) a Jacob van der Ulf (1627-88). Jiní, především Pieter Sanredam († 1666) a Dirk van Delen (1605-71), malovali interiérové pohledy na kostely a paláce. Moře mělo v životě Holandska takový význam, že s ním její umění nemohlo zacházet jinak než s největší pozorností. Mnozí z jejích umělců, kteří se zabývali krajinou, žánry a dokonce i portréty, se na chvíli odpoutali od svých obvyklých námětů, se stali námořními malíři, a pokud bychom chtěli vyjmenovat všechny malíře holandské školy, kteří zobrazovali klidné nebo rozbouřené moře , houpající se lodě, přístavy přeplněné loděmi, námořní bitvy atd., pak by výsledkem byl velmi dlouhý seznam, který by obsahoval jména Ya. Goyen, S. de Vlieger, S. a J. Ruisdaelovi, A. Cuyp a další již zmínění v předchozích řádcích. Omezíme-li se na ty, pro které bylo malování výhledů na moře specialitou, musíme jmenovat Willema van de Velde staršího (1611 nebo 1612-93), jeho slavného syna Willema van de Velde mladšího (1633-1707). jako Jan van de Cappelle ( † 1679). Konečně realistický směr nizozemské školy byl příčinou, že se v ní formoval a rozvíjel druh malby, který se v jiných školách do té doby nepěstoval jako zvláštní, samostatný obor, totiž malba květin, ovoce, zeleniny, živí tvorové, kuchyňské náčiní, stolní náčiní atd. – jedním slovem to, čemu se dnes běžně říká „mrtvá příroda“ (nature morte, Stilleben). V této oblasti byli z nizozemských umělců vzkvétající éry nejznámější Jan-Davids de Heem (1606-83), jeho syn Cornelis (1631-95), Abraham Mignon (1640-79), Melchior de Hondekoeter (1636). -95), Maria Oosterwijk (1630-93), Willem van Aelst (1626-83), Willem Heda (1594 - později 1678), Willem Kalf (1621 nebo 1622-93) a Jan Weenix (1640-1719). Obecně, jak vidíme, pravděpodobně hlavním rozlišovacím znakem vývoje nizozemského umění během všech těch let byla jeho výrazná převaha mezi všemi jeho typy malby. Obrazy zdobily domy nejen představitelů vládnoucí elity společnosti, ale i chudých měšťanů, řemeslníků a rolníků; byly prodávány na aukcích a veletrzích; někdy je umělci používali jako prostředek k placení účtů. Povolání umělce nebylo vzácné, malířů bylo hodně a mezi sebou zuřivě soupeřili. Jen málo z nich se umělo živit malováním, mnozí vystřídali různá zaměstnání: Sten byl hostinským, Hobbema úředníkem spotřební daně, Jacob van Ruisdael byl lékařem.))))) Od počátku 18. století. v nizozemském malířství se ustálil francouzský vkus a pohled na pompézní éru Ludvíka XIV. - napodobování Poussina, Lebruna, Cl. Lorrain a další významní představitelé francouzské školy. Hlavním šiřitelem tohoto trendu byl v Amsterodamu usazený Vlám Gerard de Leresse (1641-1711), ve své době velmi schopný umělec a vzdělaný, který měl obrovský vliv na své současníky i nejbližší potomky jak svými vychovanými pseudo- historické obrazy a díla jeho vlastního pera, z nichž jedna - „Velká kniha malíře“ („t groot schilderboec“) – po padesát let sloužila jako kód pro mladé umělce, stejně jako pro slavného Adriana van de Werff ( 1659-1722), jehož malba chladnými postavami, jakoby vyřezávanými ze slonoviny, se tehdy zdála vrcholem dokonalosti. Mezi následovníky tohoto umělce se jako historici malíři proslavili Henrik van Limborg (1680-1758) a Philip van Dyck (1669-1729), přezdívaný „Malý van Dyck“. Z dalších malířů zvažované éry, obdařených nepochybným talentem, ale nakažených duchem doby, je třeba poznamenat Willem a Frans van Miers mladší (1662-1747, 1689-1763), Nicholas Verkolge (1673-1746 ), Constantijn Netscher (1668-1722) a Karel de Moora (1656-1738). Lesk této škole dodal Cornelis Troost (1697-1750), především karikaturista, přezdívaný holandský Gogarth, portrétista Jan Quincheed (1688-1772), malíř dekorativní historie Jacob de Wit (1695-1754) a malíř mrtvých příroda Jan van Huysum (1682). -1749). Zahraniční vliv tížil nizozemskou malbu až do dvacátých let 19. století a dokázal v ní víceméně promítnout proměny umění ve Francii, počínaje parukářstvím dob Krále Slunce a konče pseudoklasicismem Davide. Když styl posledně jmenovaného zastaral a všude v západní Evropě se místo fascinace starověkými Řeky a Římany probudila romantická touha ovládající poezii i figurativní umění, Holanďané, stejně jako jiné národy, obrátili svůj pohled k jejich starověku, a tedy k jejich slavné minulé malbě. Touha dát mu znovu lesk, s nímž zářila v 17. století, začala inspirovat nejnovější umělce a vrátila je k zásadám dávných národních mistrů - k přísnému pozorování přírody a vynalézavému, upřímnému přístupu k úkolům v ruka. Nesnažili se přitom zcela eliminovat cizího vlivu, ale když odjeli studovat do Paříže nebo Düsseldorfu a dalších uměleckých center v Německu, odvezli si domů jen seznámení s úspěchy moderní techniky. Díky tomu všemu znovuobrozená holandská škola dostala opět originalitu a posunula se v našich dnech po cestě vedoucí k dalšímu pokroku. Bez problémů dokáže postavit řadu svých nejnovějších postav do kontrastu s nejlepšími malíři 19. století v jiných zemích. Holandsko se může pyšnit několika významnými mistry poslední doby: Jacobem Eckhoutem (1793-1861), Davidem Blesem (nar. 1821), Hermanem ten Cateem (1822-1891) a vysoce talentovaným Lawrence Alma-Tademou (nar. 1836), který „opuštěni“ do Anglie. Joseph Israels (nar. 1824) a Christoffel Bissschop (nar. 1828), Anton Mauwe (1838-88) a Jacob Maris (nar. 1837), Bartholomeus van Hove (1790-1888) a Johannes Bosboom ( 1817-N), Henrik Mesdag (nar. 1831), Wouters Vershuur (1812-74) a mnoho dalších.....

Mezitím se jedná o zvláštní oblast evropské kultury hodnou podrobnějšího studia, která odráží původní život obyvatel Holandska té doby.

Historie vzhledu

Hlavní fáze vývoje

Scény každodenního života

Příroda a krajina

Obrázek interiérů

Malebné pokrmy a pokrmy

holandská malba vznikl v prvních letech 17. století. Nizozemská malířská škola byla nezávislou, velkou, nezávislou školou s jedinečnými a nenapodobitelnými vlastnostmi a identitou.
Až do 17. století se Holandsko nevyznačovalo množstvím národních umělců. Zatímco tato země byla jedním státem s Flandry, originální umělecká hnutí se intenzivně vytvářela a rozvíjela především ve Flandrech.
Ve Flandrech pracovali vynikající malíři Van Eyck, Memling, Rogier van der Weyden, kteří se v Holandsku nenašli. Na počátku 16. století lze zaznamenat pouze ojedinělé výbuchy génia v malbě, jde o umělce a rytce Lukáše z Leidenu, který je stoupencem bruggské školy. Luke z Leidenu ale žádnou školu nevytvořil. Totéž lze říci o malíři Dirku Boutsovi z Haarlemu, jehož výtvory na pozadí stylu a způsobu vzniku vlámské školy jen stěží vynikají, o umělcích Mostertovi, Skorelovi a Heemskerkem, kteří přes všechen svůj význam nejsou individuální talenty, které je charakterizují svou originalitou země.
Koncem 16. století, kdy portrétisté již vytvořili školu, se začali objevovat a formovat další umělci. Široká škála talentů vede k mnoha různým směrům a cestám pro vývoj malby. Objevují se Rembrandtovi přímí předchůdci – jeho učitelé Jan Pace a Peter Lastman. Žánrové metody se také stávají svobodnějšími — historicita není tak povinná jako dříve. Vzniká zvláštní, hluboce národní a téměř historický žánr - skupinové portréty určené pro veřejná místa - radnice, korporace, dílny a komunity.
Toto je jen začátek, samotná škola ještě neexistuje. Je mnoho talentovaných umělců, mezi nimi jsou zruční řemeslníci, několik skvělých malířů: Morelse, Jan Ravestein, Lastman, Frans Hals, Pulenburg, van Schoten, van de Venne, Thomas de Keyser, Honthorst, Cape the Elder, konečně Esayas van de Velde a van Goyen – ti všichni se narodili na konci 16. století.
Ve vývoji holandská malba byl to kritický okamžik. Při nestabilní politické rovnováze vše záviselo jen na náhodě. Ve Flandrech, kde bylo podobné probuzení pozorováno, naopak již existoval pocit důvěry a stability, který v Holandsku ještě nebyl. Ve Flandrech už byli umělci, kteří se zformovali nebo k tomu měli blízko.
Politické a společensko-historické poměry v této zemi byly příznivější. Flandry měly vážné důvody, aby se podruhé staly velkým centrem umění. K tomu chyběly dvě věci: několik let klidu a mistr, který by byl tvůrcem školy.
V roce 1609 bylo o osudu Holandska rozhodnuto, po smlouvě o příměří (mezi Španělskem a Nizozemskem) a oficiálním uznání Spojených provincií nastal okamžitě klid. Je úžasné, jak nečekaně a v jakém krátkém časovém úseku - ne více než třicet let - se na malém prostoru, na nevděčné pouštní půdě, v drsných životních podmínkách, objevila nádherná plejáda malířů, a k tomu velkých malířů.
Objevily se okamžitě a všude: v Amsterodamu, Dordrechtu, Leidenu, Delftu, Utrechtu, Rotterdamu, Haarlemu, dokonce i v zahraničí – jako ze semen, která padla mimo pole. Nejčasnějšími jsou Jan van Goyen a Wijnants, narození kolem přelomu století. A dále, v intervalu od začátku století do konce jeho první třetiny - Cuyp, Terborch, Brouwer, Rembrandt, Adrian van Ostade, Ferdinand Bohl, Gerard Dau, Metsu, Venix, Wauerman, Berchem, Potter, Jan Steen , Jacob Ruisdael. Další je Pieter de Hooch, Hobbema. Posledními z velikánů byli van der Heyden a Adrian van de Velde v letech 1636 a 1637. Přibližně tato léta lze považovat za dobu prvního rozkvětu holandské školy. Bylo nutné vytvořit umění pro národ.
holandská malba, byl a mohl být pouze výrazem vnějšího vzhledu, pravdivým, přesným, podobným portrétem Holandska. Hlavními prvky holandské malířské školy byly portréty, krajiny a každodenní scény. Nizozemská škola roste a funguje již celé století.
Holandští malíři našli náměty a barvy, aby uspokojili jakékoli lidské sklony a náklonnosti. Holandská paleta je docela hodná jejich kresby, odtud dokonalá jednota jejich malířské metody. Jakýkoli holandský obraz je snadno rozpoznatelný podle vzhledu. Je malé velikosti a vyznačuje se silnými, přísnými barvami. To od umělce vyžaduje velkou přesnost, pevnou ruku a hluboké soustředění.
Přesně holandská malba dává nejjasnější představu o tomto skrytém a věčném procesu: cítit, myslet a vyjadřovat. Na světě neexistuje bohatší obraz, protože jsou to Holanďané, kdo zahrnuje tolik obsahu na tak malý prostor. Proto zde vše nabývá přesné, stlačené a zhuštěné podoby.
Pro úplnější obraz holandské malby by bylo nutné podrobně zvážit prvky tohoto pohybu, vlastnosti metod a povahu palety. Popis hlavních rysů nizozemského umění nám umožňuje odlišit tuto školu od ostatních a vysledovat její původ.
Expresivním způsobem ilustrující holandská malba, je obraz Adriana van Ostadea z amsterdamského muzea „Artist's Atelier“. Toto téma patřilo mezi oblíbené nizozemské malíře. Vidíme pozorného muže, mírně shrbeného, s připravenou paletou, tenkými, čistými štětci a průhledným olejem. Píše za šera. Jeho tvář je soustředěná, jeho ruka je opatrná.
Snad jen tito malíři byli odvážnější a uměli se bezstarostněji smát a užívat si života, než lze usoudit z dochovaných obrazů.
Základ nizozemské malířské školy položili na počátku 17. století Jan van Goyen a Jan van Wijnants, kteří stanovili některé zákony malby.

Holandsko. 17. století Země zažívá nebývalý rozkvět. Takzvaný „zlatý věk“. Na konci 16. století dosáhlo několik provincií země nezávislosti na Španělsku.

Nyní se protestantské Nizozemsko vydalo vlastní cestou. A katolické Flandry (dnešní Belgie) pod křídly Španělska jsou své.

V nezávislém Holandsku náboženskou malbu téměř nikdo nepotřeboval. Protestantská církev neschvalovala luxusní výzdobu. Ale tato okolnost „hrála do karet“ sekulární malbě.

Doslova každý obyvatel nové země se probudil k lásce k tomuto druhu umění. Nizozemci chtěli na obrazech vidět svůj vlastní život. A umělci jim ochotně vyšli vstříc.

Ještě nikdy nebyla okolní realita tolik vykreslována. Obyčejní lidé, obyčejné pokoje a nejobyčejnější snídaně obyvatele města.

Realismus vzkvétal. Až do 20. století bude důstojnou konkurencí akademismu s jeho nymfami a řeckými bohyněmi.

Ale víc se mi líbí ta druhá verze. V Nizozemsku žil a pracoval v 17. století velký mistr, „velký“ Holanďan. A všichni ostatní byli ve srovnání s ním „malí“.

Mluvíme samozřejmě o Rembrandtovi. Začněme s ním.

1. Rembrandt (1606-1669)

Rembrandt. Autoportrét ve věku 63 let. 1669 Národní galerie v Londýně

Rembrandt zažil během svého života širokou škálu emocí. Proto je v jeho rané tvorbě tolik zábavy a odvahy. A existuje tolik komplexních pocitů - v těch pozdějších.

Zde je mladý a bezstarostný na obraze „Marnotratný syn v krčmě“. Na kolenou mu leží jeho milovaná manželka Saskia. Je oblíbeným umělcem. Objednávky se hrnou.

Rembrandt. Marnotratný syn v krčmě. 1635 Galerie starých mistrů, Drážďany

To vše ale za cca 10 let zmizí. Saskia zemře na konzumaci. Popularita zmizí jako kouř. Velký dům s unikátní sbírkou bude odebrán pro dluhy.

Ale objeví se stejný Rembrandt, který zůstane po staletí. Holé pocity hrdinů. Jejich nejhlubší myšlenky.

2. Frans Hals (1583-1666)

Frans Hals. Autoportrét. 1650 Metropolitan Museum of Art, New York

Frans Hals je jedním z největších portrétistů všech dob. Proto bych ho také zařadil mezi „velkého“ Holanďana.

Podívejte se na jeho skupinový portrét „Arrows of the Guild of St. Jiří."

Frans Hals. Šípy Cechu sv. Jiří. 1627 Frans Hals Museum, Haarlem, Nizozemsko

A jeho postavy jsou také velmi emotivní: usmívají se, smějí se a gestikulují. Jako například tento „Cikán“ s potutelným pohledem.

Frans Hals. Cikán. 1625-1630

3. Gerard Terborch (1617-1681)

Gerard Terborch. Autoportrét. 1668 Královská galerie Mauritshuis, Haag, Nizozemsko

Byl to tento mistr, který vyvinul kánony každodenního žánru. Kterou si později vypůjčili Jan Vermeer, Pieter de Hooch a mnoho dalších „malých“ Holanďanů.

Gerard Terborch. Sklenice limonády. 60. léta 17. století. Státní muzeum Ermitáž, Petrohrad

„Sklenka limonády“ je jedním ze slavných Terborchových děl. Ukazuje to další přednost umělce. Neuvěřitelně realistický obraz látky šatů.

Terborch má také neobvyklá díla. Což vypovídá o jeho touze jít nad rámec požadavků zákazníků.

Gerard Terborch. Bruska. 1653-1655 Státní muzea v Berlíně

Jak jste pochopili, taková práce nebyla poptávka. A jsou vzácným výskytem i mezi Terborchem.

4. Jan Vermeer (1632-1675)

Jan Vermeer. Umělecká dílna. 1666-1667 Kunsthistorisches Museum, Vídeň

Není jisté, jak Jan Vermeer vypadal. Je jen zřejmé, že na obraze „Umělcova dílna“ zobrazil sám sebe. Pravda zezadu.

Je proto s podivem, že nedávno vyšla najevo nová skutečnost z mistrova života. Je spojena s jeho mistrovským dílem „Delft Street“.

Jan Vermeer. Delftská ulice. 1657 Rijksmuseum v Amsterdamu

Jan Vermeer. Žena s váhy. 1662-1663 Národní galerie umění, Washington

Proč Vermeer vyčníval mezi tisíci dalších „malých“ Holanďanů?

Byl nepřekonatelným mistrem světla. V obraze „Žena s váhami“ světlo jemně zahaluje hrdinčinu tvář, látky a stěny. Dát obrazu neznámou spiritualitu.

A kompozice Vermeerových obrazů jsou pečlivě ověřeny. Nenajdete jediný zbytečný detail. Stačí odstranit jeden z nich, obrázek se „rozpadne“ a kouzlo zmizí.

5. Pieter de Hooch (1629-1884)

Pieter de Hooch. Autoportrét. 1648-1649 Rijksmuseum, Amsterdam

Pieter de Hooch. Služka s dívkou na nádvoří. 1658 Londýnská národní galerie

Až do 20. století byl Hoch velmi ceněn. Málokdo si ale všiml drobných děl jeho konkurenta Vermeera.

Ale ve 20. století se všechno změnilo. Hochova sláva pohasla. Je však těžké nepoznat jeho úspěchy v malířství. Jen málokdo dokázal tak kompetentně skloubit prostředí a lidi.

Pieter de Hooch. Hráči karet ve slunné místnosti. 1658 Royal Art Collection, Londýn

Vezměte prosím na vědomí, že ve skromném domě na plátně „Hráči karet“ visí obraz v drahém rámu.

To opět ukazuje, jak populární byla malba mezi obyčejnými Holanďany. Obrazy zdobily každý domov: dům bohatého měšťana, skromného městského obyvatele a dokonce i rolníka.

6. Jan Steen (1626-1679)

Jan Steen. Autoportrét s loutnou. 70. léta 17. století Muzeum Thyssen-Bornemisza, Madrid

Jan Steen je možná nejveselejší „malý“ Holanďan. Ale milující morální učení. Často zobrazoval krčmy nebo chudiny, ve kterých existovaly neřesti.

Jeho hlavními postavami jsou milovníci a dámy s lehkou ctností. Chtěl diváka pobavit, ale latentně ho varovat před zlomyslným životem.

Jan Steen. To je nepořádek. 1663 Kunsthistorisches Museum, Vídeň

Jan Steen. Ranní toaleta. 1661-1665 Rijksmuseum, Amsterdam

7. Jacobs Van Ruisdael (1629-1882)

Portrét Ruisdaela. Litografie z knihy z 19. století.

Umění Holandska, Nizozemska a Flander

Frans Hals. Portrét muže. Kolem roku 1635

Jan Van Eyck (1390–1441) Panna a dítě trůnící v chrámu. Triptych 1437. Dubová deska, olej. Středová část - 27,5x21,5, boční - 27,5x8

Toto malé dílo je skutečným mistrovským dílem holandského umění 15. století. V centrální části triptychu je Panna Maria s Dítětem v přepychovém interiéru gotické katedrály, sedící na velkolepém vyřezávaném trůnu mezi dvěma řadami různobarevných sloupů z jaspisu a mramoru.

Levé dveře zobrazují archanděla Michaela („vůdce nebeské armády“), oblečeného v řetězové zbroji a vyzbrojeného štítem, kopím a mečem. Seznamuje dárce, zákazníka triptychu, s Pannou a Dítětem. Jméno muže není známo, předpokládá se, že pochází z janovské rodiny Giustiniani. Na pravém křídle je svatá Kateřina Alexandrijská s tradičními atributy, „nástroji“ jejího mučednictví: meč v ruce a mučící kolo u nohou.

Text uvedený na triptychu má velký význam. Jsou to citáty z Bible a dalších latinských zásad. Dítě drží vzkaz s textem, takzvaný balíček: „Učte se ode mne, neboť jsem tichý a pokorný srdcem“. Na původních rámech všech částí obrazu jsou nápisy, na spodní liště střední desky je latinsky napsáno: „Johannes de Eyck dokončen a dokončen v roce Páně 1437. Jako já.“ Tato slova byla k dispozici ke čtení až v roce 1958, téměř 520 let po vytvoření triptychu! Do této doby se věřilo, že dílo patřilo do dřívějšího období mistrovy tvorby.

Malý rozměr díla umožňoval majiteli jeho přepravu. Umělcova technika je nápadná ve své filigránu: jsou vymalovány nejmenší detaily, které lze vidět pouze přes lupu. Zvětšení přitom neodhalí jediný nejistý tah nebo sebemenší chybu v kresbě.

Peter Paul Rubens (1577–1640) Dianin návrat z lovu Kolem roku 1615. Olej na plátně. 136x184

V roce 1608 si Rubens, po návratu z Itálie do Antverp, přinesl zájem o dědictví antického umění a literatury, který v něm po celý život nevyprchal a stal se základním kamenem jeho kreativity a myšlení o umění. Pro mnoho svých obrazů, zejména na zakázku, použil náměty z řecké a římské mytologie.

Bohyně Diana byla pro Rubense nesmírně přitažlivá, protože mýtus o ní kombinoval s antikou další z jeho oblíbených témat – lov. Malířův zájem byl živen jeho královskými a šlechtickými mecenáši: lov byl výhradní výsadou těchto kruhů. Umělec vytvořil řadu velkoformátových loveckých obrazů, z nichž mnohé vycházejí ze starověké zápletky.

Na rozdíl od jiných obrazů, v nichž mistr zprostředkovává patos boje, je v tomto obraze jeho pozornost zaměřena na krásu starověké lovkyně bohyní. Diana, ochránkyně ženské čistoty, stojí se svými společnicemi před skupinou satyrů, kteří mimochodem pro Rubense představují další pól zájmů - vše, co souvisí s bakchanáliemi. Spear of Diana ostře vymezuje tyto dvě skupiny, dva světy. Jak rozdílný je vzhled jejich účastníků: mezi satyry jsou kozonohé bytosti divoké ve své vášni, obklopené Dianou, která sama vyzařuje kouzlo ženské přírody, její božsky krásné společnice. Satyrové ukazují hojnost ovoce, což naznačuje, jaké skvělé víno budou v budoucnu vyrábět. Diana má zase ptáky a zajíce (symboly smyslných požitků), které zabila při lovu. V symbolickém smyslu vyjadřují její popření nabízených potěšení.

Holandští umělci 17. století, někdy s úzkou specializací, často přitahovali své kolegy, když bylo potřeba na obraze ztvárnit něco, v čem nebyli dostatečně silní. Ovoce a zvířata na prezentovaném plátně tak namaloval Frans Snyders, který se proslavil podobnými zátišími a obrazy zvířat.

Peter Paul Rubens Bathsheba u fontány 1635. Olej na dubové desce. 175x126

Rubens vytvořil velké množství obrazů založených na biblických tématech. K pochopení zde prezentovaného díla je nutné znát biblický příběh a umělcova vynalézavost při předávání jeho detailů je úžasná. Král David jednou „šel po střeše králova domu a uviděl ženu, jak se koupe ze střechy; a ta žena byla velmi krásná." To byla Batšeba, manželka Chetejce Uriáše. V levém horním rohu plátna je na střeše paláce sotva viditelná postava krále Davida a Rubens ukázal Batšebu za záchodem na plošině vedoucí k bazénu. David ji svedl a Uriáš ji poslal na jistou smrt.

Nádherná mladá žena přitahuje pozornost; Rubens byl velkým mistrem v zobrazování ženského těla a vytvořil si vlastní kánon krásy. Mezitím nelze než obdivovat vynalézavost, s jakou umělkyně zprostředkovává jemné emotivní momenty této scény: překvapený pohled Batsheby, která nečekala, že dostane dopis z rukou černého chlapce, který jí poslal (je jasné že dopis může být jen milostný dopis), reakce psa, který na posla vycenil zuby a tušil, že něco není v pořádku (pes sedící u nohou ženy v systému symbolů renesančního a barokního portrétování zosobňoval manželskou věrnost ). A jak nádherně jsou zobrazeny ženské postavy, tekoucí voda, oblečení a architektonická krajina!

Peter Paul Rubens Lov na kance 1615–1620. Dřevo, olej. 137x168

V Rubensových dílech na téma lovu lze rozlišit dvě fáze kreativity. Obrazy prvního období trvajícího až do roku 1620, k nimž patří i prezentovaný „Hov na kance“, se vyznačují dostředivým a diagonálním kompozičním schématem, v němž na obě strany působí nespoutané síly. Pozdější práce rozvíjejí kompozici charakteristickou pro vlys, to znamená, že děj je v nich zobrazen v horizontální perspektivě, rovnoběžné s rovinou obrazu. V prvním případě je zdůrazněno vyvrcholení lovu, kdy je zvíře dostiženo a poraženo, ve druhém - proces chytání. A pokud díla prvního období demonstrují vítězství lovců nad divokým predátorem, pak obrazy druhého ukazují pronásledování bezbranného zvířete.

Drážďanský obraz je svým obsahem mnohem víc než jen žánrová lovecká scéna. Jasně „prosvítá“ starověký mýtus o kaledonském lovu, ten, ve kterém Meleager zabíjí kalydonského kance kopím (tento mýtus vyložil Philostratus mladší v 15. kapitole svých „Obrázků“). Jsou zde vyobrazeni všichni účastníci příběhu: kanec stojí pod stromem v hustém kruhu lovců a vztekle štěkajících psů. Atalanta právě vystřelila svůj šíp; Meleagerovo kopí probodne bestii. Poblíž kance leží mrtvý muž. Toto téma používá mnoho vlámských umělců pro obrazy znázorňující lov v lesní krajině. V Rubensovi je zuřivost boje, fyzické a duchovní napětí dovedeno na nejvyšší intenzitu.

Jan Brueghel starší (1568–1625) Říční krajina s dřevorubci 1608. Olej na palubě. 47x46

Za starých časů bylo zvykem dědit práci rodičů, zejména tvůrčích profesí. Existují slavné dynastie umělců, sochařů a skladatelů. Dynastie Bruegelů je jednou z největších v dějinách malířství. Obvykle v takových rodinách hlavní postava vyčnívá nad všemi: například v rodině Bachů - Johann Sebastian a v rodině Bruegel - Pieter Bruegel starší.

Jan Brueghel starší (starší, protože se následně v rodině objevil další Jan - respektive mladší) dostal přezdívku „Sametová“ díky zvláštnímu zbarvení svého obrazu. Kupodivu v Drážďanské galerii je pět mistrovských obrazů, ale nejsou zde žádná díla hlavy dynastie ani jejích dalších představitelů. Vysvětluje se to do jisté míry tím, že i když byl Jan talentem nižší než jeho otec, jeho oficiální postavení bylo vyšší - byl dvorním umělcem arcivévody Alberta. Mistrova díla se tak nacházela v královských bytech, odkud se snáze dostávala do dalších vznešených sbírek.

Jan Brueghel starší maloval různé žánry - krajiny, zátiší (zejména květiny a zvířata), drobnofigurální malby na biblická, mytologická a alegorická témata. Prezentovaný obraz je jednou z ukázek jeho krajinomalby. Dílo jasně dokládá genetickou souvislost mezi malbou Jana Brueghela a uměním jeho otce. Nutně se nabízí srovnání s obrazem Pietera Bruegela „Krajina s Ikarovým pádem“ (kolem roku 1558, Královské muzeum výtvarných umění, Brusel), namalovaným 50 let před tímto dílem. Jsou konstruovány podobným způsobem: vlnovka hranice mezi mořem a pevninou rozděluje kompozice na dvě části. V obou případech je vybrán vysoký bod, ze kterého se namaluje krajina plná žánrových scén, což umožňuje širokou perspektivu. Zde podobnosti možná končí: otcova malba je plná dramatické intenzity, zatímco synova je jen krajina. A rozdíl není v zápletce, ale v psychologii: otcovo umění odráží jeho neklidného ducha, zatímco synova postava je bezkonfliktní.

Jan van Goyen (1596–1656) Zima na řece. B/g. Dřevo, olej. 68x90,5

Výzkumníci zaznamenávají charakteristický rys umělcova stylu, který přitahuje pozornost průměrného diváka - horizont v umělcových obrazech je umístěn poměrně nízko, takže obloha zabírá přibližně dvě třetiny plochy plátna. Vysvětluje se to pravděpodobně tím, že stav oblohy – ať už je jasno, nebo s různým stupněm oblačnosti – má mimořádný vliv na viditelnou barvu velké vodní plochy, kterou zpravidla malíř zobrazoval a získal za to slávu. Přestože prezentované dílo nezobrazuje moře, ale zimní ledovou řeku, obloha stále hraje velmi důležitou roli. V Goyenových dílech není nikdy modrá bez mráčku nebo světle modrá, ale je vždy pokryta mraky. Umělcova plátna jsou zpracována monochromatickým malířským způsobem. Obvykle jsou zobrazeny zatažené, mlhavé dny.

Meindert Gobbema (1638–1709) Vodní mlýn. B/g. Dub, olej. 59,5 x 84,5

V 17. století dominoval Jacob van Ruisdael nizozemské krajinomalbě spolu s Rembrandtem. Z Ruisdaelových amsterodamských studentů získal téměř větší slávu než učitel Meindert Gobbema (Hobbema).

Meindert Gobbema je posledním z velkých holandských krajinářů 17. století. Gobbemovy obrazy se vyznačují jednoduchostí, přirozeností a pečlivým provedením. Umělce přitahují stromy, hustý les, výhledy na vesnice, selské domky s červenými střechami, kostelní zvonice ztracená v oparu na obzoru a střed osvětlený slunečním zářením. Často je hlavním motivem takových krajin starý mlýn. Mnoho mistrových variací na toto téma je uloženo v různých muzeích po celém světě, drážďanský obraz je jedním z nich.

V lidské mysli, alespoň v evropské kultuře, je s mlýnem spojeno mnoho myšlenek a představ, které vždy emocionálně podbarvují naše vnímání jak ve skutečnosti, tak v umění. Tradičně je s ní spojena představa samoty podbarvená romantickými zážitky. Nekonečně tekoucí voda je spojena s myšlenkou neměnnosti existence, rotující kolo - hlavní mechanismus mlýna - prostřednictvím narážky na „kolo štěstí“ vnáší myšlenku nestálosti osudu do kruhu generované obrázky.

Anthony van Dyck (1599–1641) Portrét rytíře s červenou kapelou 1625–1627. Plátno, olej. 90x70

Pokud velmi stručně definujeme rozdíl mezi nizozemským a vlámským uměním 17. století, můžeme říci, že v prvním zátiší, nazývané „blende“, převažují díky realistickým rysům a úžasným detailům obrazu, dotaženým k pointě. iluze, ve druhém, slavnostní portréty. Anthony van Dyck je nejjasnějším představitelem žánru, mistrem slavnostních portrétů a náboženských témat v barokním stylu.

„Portrait of a Knight with a Red Band“ je jedním z nejlepších příkladů Van Dyckovy tvorby. Kompozičně je zkonstruován nádherně: obličej modelu je v horizontálním středu obrazu, v jeho rotaci je cítit energie, síla a odvaha, přitahuje pohledy diváka. Textura a lesk rytířského brnění je úžasně přenesena.

Portrét vznikl v období jeho života, kdy Van Dyck tvořil neobvykle snadno, rychle a přitom dosáhl ideálního propracování svých děl. Finančně omezovaný mistr byl na sklonku života nucen psát příliš mnoho, než aby měl čas to udělat s naprostou uměleckou dokonalostí. V letech 1621 až 1627 žil v Itálii a většinu času trávil v nejvyšších kruzích janovské společnosti. Vzorem se mu stala řada představitelů aristokracie. Postavu na tomto obraze se však stále nepodařilo identifikovat. Je dokonce možné, že se nejedná o portrét skutečné osoby, ale o jakousi alegorii.

Rembrandt (1606–1669) Portrét Saskie van Uylenburch 1633. Dub, olej. 52,5x44,5

Kolem 1631-1632 se Rembrandt natrvalo přestěhoval do Amsterdamu. Usadil se v jednom z pokojů obchodníka s uměním Hendrika van Uylenburcha, se kterým už bydlela dcera jeho příbuzné Saskia van Uylenburch. Mladí lidé se do sebe zamilovali a o dva roky později se vzali. Dívka pocházela z bohaté rodiny, a tak se Rembrandt dostal do vyšší společnosti. Začalo nejšťastnější období jeho života, stal se slavným a módním umělcem.

Řada portrétů jeho manželky pochází z třicátých let. Byla umělcovou oblíbenou modelkou. Takže kromě prezentovaného obrazu lze jmenovat „Floru“, ve které Rembrandt zobrazil Saskii krátce před narozením jejich syna Tita. Saskia také sloužila jako model pro mistrovu slavnou „Danae“.

Rembrandt (1606–1669) Autoportrét umělce s manželkou Saskiou 1635. Olej na plátně. 161x131

Během svého života Rembrandt namaloval mnoho autoportrétů. Drážďanská malba zachycuje radost ze života, jásání z posednutí milovaného člověka – součásti emocionálního stavu malíře tohoto období. Otevřený pohled postav, nasměrovaný na diváka (zdá se, že vás zvou, abyste se podělili o svou radost z bytí), zářivá tvář Rembrandta, jako by dosáhl všech požehnání života - taková je nálada tohoto plátno.

Portrét však obsahuje i jistou provokaci, která byla tehdejším divákům jasná: umělec se zobrazuje v podobě... marnotratného syna hodujícího s kurtizánou. Je pozoruhodné, že v evangeliu Lukáš jasně říká: „... promrhal svůj majetek tím, že žil rozpustile“. Rembrandt, který se oženil z lásky, naopak stav své ženy zveličil a získal vyšší společenské postavení. Jak nápadně se tento „marnotratný syn“ liší od toho, který se po dlouhém bloudění vrátil ke svému otci ve stejnojmenném obrazu Ermitáž!

Pokud je srovnání s biblickým hrdinou zcela zřejmé, pak další sémantický význam obrazu vyžaduje vysvětlení. Je zde narážka na symbol ctnosti umírněnosti, jejíž překročení přivedlo marnotratného syna do smutného konce. Tímto symbolem je sklenice zvednutá v ruce gentlemana (tedy Rembrandta) – „flétna“, jak se v tehdejší nizozemštině říkalo – odměřená nádoba, znak moudrého sebeovládání, znak což je zdůrazněno jeho neúměrně velkou velikostí.

Willem Claes Heda (1593/1594-1680/1682) Snídaně s borůvkovým koláčem 1631. Dřevo, olej. 54x82

V 17. století v Holandsku vytvářelo mnoho umělců zátiší a mezi nimi existovala specializace: jeden zobrazoval květiny, další - nádobí, třetí - hudební nástroje. Willem Klass Heda maloval stejný typ zátiší několik desetiletí, alespoň pocházejí z roku 1631 (reprezentovaný „Snídaní s borůvkovým koláčem“) a 1651. Za tak dlouhou dobu práce v jednom žánru umělci dosáhli působivé dokonalosti v technika vykreslování ovoce a zeleniny, textury látek, předměty z kovu a skla, voda ve sklenicích. Zátiší s jídlem se nazývalo „ontbijtjes“ (z holandštiny – „snídaně“).

Poptávka po takových zátiších byla velmi velká. Počátkem 30. let 17. století je Heda začala psát s využitím spíše konzervativních kánonů svých současníků – Florise Klee van Dycka a Nicolaese Gilliese. Stůl také umístí přísně rovnoběžně s rovinou obrazu, tedy zadní stěnou místnosti. Přesto umělec vnesl do kompozice svých zátiší určité oživení. Jeho bílý ubrus tedy nepokrývá celý stůl, ale jen jeho část. Vyhýbá se tak monotónnosti pozadí.

Pozoruhodná je dlouhodobá záliba Heada pro stejné předměty. Pohár, sklenice, panák, damašková čepel, kapesní hodinky s otevřeným víčkem a úžasně přesně vykreslený mechanismus (umělec při své práci používal ty nejjemnější štětce) - to vše bylo reprodukováno s nepochybnou láskou.

Jan Davids de Heem (1606–1684) Květiny ve skleněné váze a ovoce. B/g. Plátno, olej. 100 x 75,5

Jan Davids de Heem je holandský umělec, který nějakou dobu působil v Leidenu, ale v roce 1635 vstoupil do Antverpského cechu svatého Lukáše a následujícího roku se stal antverpským občanem. Kolem roku 1667 se vrátil do rodného Utrechtu, ale v roce 1672 uprchl zpět do Antverp před Francouzi, kteří město dobyli.

De Heem se proslavil svými velkolepými květinovými zátišími. Jsou tak pečlivě provedeny, že dnes mohou dobře sloužit jako druh referenční knihy evropské flóry. Ale především, plátna přitahují svými uměleckými kvalitami, krásou kombinací rostlinných barev a barev, bohatostí jejich palety, složitostí kompozice, která umožňuje představit si jasnou barevnou (barevnou) škálu květin. (rostliny).

Z velké části zásluhou Jana Davidse de Heem se zátiší stalo samostatným malířským žánrem v díle holandských a vlámských mistrů 17. století. Zátiší této doby jsou z velké části alegorická. Představený obrázek tedy kromě samotných květin ukazuje motýla a šneka; na jiných plátnech jsou housenky a larvy. Neznamenají jen koloběh pozemského života člověka, ale také smrt a vzkříšení.

Adrian Brouwer (1606–1638) Selský boj při hraní karet. B/g. Dub, olej. 26,5x34,5

Adrian Brouwer, student Franse Halse, byl jedním z nejoriginálnějších tvůrců ve vlámském umění. Žil krátký život – pouhých 32 let, umíral na mor. Umělec maloval žánrové výjevy z rolnického života, lidových tanců, karetních hráčů, kuřáků, jestřábů a rvaček. Zajímaly ho především pocity, výrazy a mimika postav. Brouwerovy obrazy se vyznačují živostí a nápaditostí designu. Některé jeho obrazy mohou evokovat myšlenky karikatury. Při pečlivém prozkoumání je však jasné, že jde pouze o velmi přesnou reprodukci každodenních situací. V mistrových obrazech není žádné záměrné odsuzování hrdinů zesměšňováním. Prostě psal o životě kolem sebe. Malíř nebyl svými současníky oceněn, vždy byl ve velké nouzi. Následující generace dlouho vnímaly Brouwera především jako humoristu, ale spíše tragickou postavu.

Hádka při hraní karet je jednou z Brouwerových oblíbených zápletek. Děj se odehrává v typické krčmě s ubohými štamgasty a chudým okolím. K tomu, aby chudobu takto zobrazil, však musel mít mistr zjevně bohatou uměleckou fantazii.

Adrian van Ostade (1610–1685) Umělec v ateliéru 1663. Olej na dřevě. 38x35,5

Adrian van Ostade je holandský umělec barokní éry, představitel každodenního žánru. Studoval u Franse Halse a později jeho tvůrčí styl výrazně ovlivnil Rembrandt, ale zvláštní vliv měl talentovaný vlámský malíř žánrů Adrian Brouwer. Ostade se tak stal pro Nizozemce spisovatelem každodenního života. Hrdiny jeho obrazů jsou zpravidla obyčejní lidé, proto odpovídající zápletky: scény v hospodě (někdy s rvačkami), opilí bratři, opilí hudebníci (celá galerie: houslista, flétnista, dudák, rozparovač je dokonce překvapivé, kolik obyčejných lidí umělo hrát na hudební nástroje, zejména na housle).

Na prezentovaném plátně je děj slušný. Někteří věří, že se jedná o autoportrét malíře. Ať je to jak chce, pohled na dílnu a umělce v ní nezištně pracující navozuje dobrý pocit: prostorná místnost, zalitá světlem z krásně zamřížovaného okna, nepořádek, který lze považovat za kreativní... Vše se dělá v teplé harmonické barvy. Jedním slovem, obraz vytváří romantickou náladu, evokuje smutek za starými časy a stav úplného ponoření do kreativity.

Gerard Terborch (1617–1681) Žena si myla ruce. Kolem 1655. Olej na dřevě. 53x45

Gerard Terborch je vynikající mistr žánrové malby holandské školy 17. století. Zpočátku své kariéry maloval především výjevy selského života a vojáků a od konce 40. let 17. století se začal specializovat na interiérové výjevy s malým počtem postav - zpravidla to byly dvojice, dámy čtoucí, píšící a muzicírující . Je možné, že zde vyobrazená dáma je umělcova sestra.

Umělec žil v chudobě, což vysvětluje skutečnost, že jako model používal úzký okruh blízkých lidí, zejména svou sestru Gezinu. S největší pravděpodobností je to ona, kdo je zastoupen na obraze „Žena si myje ruce“.

Obvykle je tento druh zápletky badateli interpretován jako alegorie rozpustilého života, ale v tomto případě obsah díla pravděpodobně představuje alegorii ctnosti. Jejími symboly jsou zatahované závěsy lůžka (na mnoha jiných obrazech roztahované), paní myjící si ruce (od dob soudu s Kristem Pontským Pilátem toto gesto symbolizuje neochotu podílet se na něčem zavrženíhodném), absence šperků na stole (v jiných podobných scénách ve stejném Terborchu jsou takové dekorace „čteny“ jako platba za milostné potěšení) a nakonec pes, chránící duševní klid majitele. Nejjasnější ilustraci významu symbolu zvířete lze vidět na obraze Jana van Eycka „Portrét páru Arnolfini“, uchovávaném v Národní galerii v Londýně (viz svazek 11 sbírky „Great Museums of the World“).

Z malebného hlediska se Terborch v tomto díle projevil jako nepřekonatelný mistr ztvárnění hmoty, zejména bílého saténu (dívčí šaty) a pestrobarevného ubrusu.

David Teniers mladší (1610–1690) Venkovská oslava v krčmě Crescent. Fragment 1641. Olej na plátně. 93x132

David Teniers mladší (mladší, protože se jmenoval stejně jako jeho otec, David Teniers starší) předčil svého rodiče a, jak se věří, i učitele. Umělcovy nejlepší obrazy vznikly ve 40. letech 17. století, kdy se stal dvorním malířem rakouského arcivévody Leopolda Viléma. Teniers pro panovníka shromáždil uměleckou sbírku a stal se jejím správcem. V tomto stavu se Teniers projevil velmi zřetelně: nejen sestavil katalog sbírky, ale také vytvořil malé kopie mnoha obrazů, včetně cenných obrazů mistrů benátské školy renesance. Je mu připisováno více než 2000 vlastních děl, i když samozřejmě nebyl tak plodný. V drážďanské galerii se nachází devět umělcových děl.

Významnou část Teniersovy pozůstalosti tvoří četná díla zobrazující výjevy ze života prostého lidu. Prezentovaný obrázek je typickým příkladem žánru kermes, oblíbeného v nizozemském umění - vesnický festival s nepostradatelným malým hudebním souborem, veselými tanci vesničanů a vtipnými každodenními scénami. Victor Hugo v „Notre Dame de Paris“ píše o Teniersovi toto: „Orgie nabývaly stále více vlámského charakteru. Teniersův kartáč sám o tom mohl poskytnout jen mlhavou představu."

Wermeer z Delftu (1632–1675) U pasáka 1656. Olej na plátně. 143x130

Jan Wermeer z Delftu je největším mistrem nizozemského žánru a krajinomalby.

Obraz „U pasáka“ je jedním z mnoha umělcových děl v žánru každodenních scén. Jako téměř vždy v umění malých Holanďanů obsahuje scéna alegorický význam. V tomto případě, stejně jako v Rembrandtově autoportrétu se Saskiou, se děj vrací k evangelijnímu podobenství o marnotratném synovi. Ve Vermeerově díle je upřímná epizoda zobrazena v nevěstinci se všemi atributy zkaženého života: mince, kterou gentleman nabízí dámě (platba za prodej lásky), sklenice vína v rukou ženy a gentlemana na vlevo krk, pravděpodobně loutna, která vnáší narážku na hudbu do podtextu sémantického obsahu obrazu, silně spojeného s láskou. Umělec prostřednictvím malby zprostředkovává obsah mizanscény, která divákovi předkládá, dalo by se říci, divadelní scénu s živými a jasnými dialogy. Zdá se, že pán nalevo obrací svůj pohled k divákovi, aby se zúčastnil hostiny.

Wermeer z Delftu (1632–1675) Dívka čtoucí dopis u otevřeného okna 1657. Olej na plátně. 83 x 64,5

Motiv dopisu se často vyskytuje na Vermeerových obrazech a je vždy ztělesněn v obrazu hrdinky, která čte vzkaz od svého milence, který je od ní daleko.

Je pozoruhodné, že na prezentovaném plátně umělec plánoval zobrazit amora s dopisem. Dokazují to studie práce v rentgenovém záření, které odhalilo vzor amora. Symbolický význam celé scény je tedy nepochybný. Badatel Norbert Schneider dokonce viděl v zátiší a zmačkaném ubrusu na stole symboly porušených slibů manželské věrnosti a mimomanželských vztahů. Jablka a broskve jsou narážkou na biblický příběh o Pádu.

Jacob van Ruisdael (1628-1682) židovský hřbitov 1655-1660. Dřevo, olej.84x95

Téměř ve stejné době jako Rembrandt pracoval další pozoruhodný Holanďan - Jacob van Ruisdael - největší mistr krajiny, jehož díla se vyznačují nejen vysokou dovedností, ale také hlubokým filozofickým obsahem.

Mistrovy krajiny jsou plné dramat a filozofických úvah. Právě tyto tvůrčí rysy se s mimořádnou silou projevily v nejsložitějším a nejtragičtějším díle „Židovský hřbitov“. Vychází z obrazu jednoho z rohů skutečného starověkého židovského hřbitova nedaleko Amsterdamu. V pozadí jsou ruiny staré synagogy, která fungovala do roku 1675 a byla zničena úderem blesku. Na přední straně je několik mramorových náhrobků, jeden z nich patří bývalému osobnímu lékaři francouzského krále Jindřicha IV., druhý hlavnímu amsterdamskému rabínovi a třetí nějakému bohatému občanovi.

Malba je provedena v tmavě modrozelených tónech, pozadí vytváří bouřlivé nebe se zlověstnými, nízko visícími mraky. Těžké hřbitovní ticho je přesně přeneseno, staletý smutek prostupuje každý kout. Je tu pocit nevyhnutelnosti smrti, krátkého trvání a marnosti pozemské existence. Wolfgang Goethe nazval Ruisdaela básníkem a myslitelem. Pomíjivost lidského života podtrhuje bujná vegetace, mohutné stromy a věčnost přírody...

Během umělcova života byl obraz nazýván „Alegorie lidského života“. Pozoruhodný je výběr námětu: proč autor k vyjádření svého pohledu na svět zobrazil židovský hřbitov, a ne bližší protestantský hřbitov? Proč věnoval umělec tak výjimečnou pozornost právě tomuto dílu? Kromě četných přípravných skic vytvořil Ruisdael dvě dokončené verze díla: Drážďany (1650–1653) a Detroit (1660). Umělec k tomu nezanechal žádné vysvětlení.

Zdá se, že filozofický obsah obrazu „Židovský hřbitov“ byl inspirován mistrovským čtením Kazatele. Tato kniha na něj udělala velmi silný dojem. Obraz potoka tekoucího jako vroucí proud mezi kameny je spojen s četbou Starého zákona. Kniha proroka Izajáše říká: „Voda, zvláště „živá“ voda, tekoucí na jaře, symbolizuje život a štěstí.

Gabriel Metsu (1629–1667) Game Trader 1662. Dub, olej. 61x45

Gabriel Metsu, holandský umělec a kreslíř, maloval náboženská a mytologická témata, zátiší a portréty. V 60. letech 17. století se Metsův talent nejplněji projevil na poli každodenního žánru, který do té či oné míry odrážel vliv Steena, Terborcha, de Hoocha a Vermeera.

Metsyu se jeví jako zralý mistr, náchylný k fabulačnímu vyprávění a intimnímu a lyrickému odkrývání tématu, sebevědomě ovládající techniky hřejivé tonální malby se silnými znělými kontrasty barevných skvrn a zdánlivě taktilní materialitou v zobrazení látek, kožešin, nádobí, a drahé předměty. Jeho útulné interiéry obvykle zaplňují dvě nebo tři postavy.

V jednom ze svých mála děl zobrazujících život obyčejných lidí Metsu reprodukoval roh ulice. U zdi s popraskanou omítkou sedí starý muž, krupiér hry, jeho šaty jsou roztrhané, jeho vzhled je žalostný. S úmyslem umocnit dojem chudoby prochází kolem bohatě oblečená žena, které stařec nabízí své zboží. Obraz vystavěný na sociálních kontrastech a prohlašující hluboký vhled do života však obsahuje pouze prosté konstatování faktů. Diváka se probíhající akce nedotýká, sám umělec je k němu chladný a dívá se na chudého starce očima bohatého muže. Metsya je neobvyklá v pociťování sociální nespravedlnosti a tragédie života.

KAPITOLA 6 Vojenské umění. Operační umění LETECKÁ DOMINANCE je rozhodující převaha letectví jedné ze stran ve vzdušném prostoru operačního sálu, důležité operační oblasti nebo v určité oblasti. Umožňuje letectvu stejně jako pozemní síly

Z knihy Všechny země světa autor Varlamová Taťána Konstantinovna

Nizozemsko Nizozemské království Datum vzniku samostatného státu: 1609 Rozloha: 41,5 tisíce metrů čtverečních. kmAdministrativní divize: 12 provinciíHlavní město: Amsterdam Úřední jazyk: nizozemština Měna: euroPopulace: 16,3 milionů (2004) Hustota

Z knihy Memo to SSSR občanům cestujícím do zahraničí autor autor neznámý

Nizozemské království Konzulární oddělení velvyslanectví: Haag, Andries Bikerwech, 2, tel. 070-45-13-00, 070-45-13-01, dálnopis

Z knihy Zahraničí autor Chuprinin Sergej Ivanovič

NIZOZEMSKÁ SPISOVATELKA ALLA AVILOVAAvilova Alla se narodila v roce 1948 v Moskvě. Vystudoval Filologickou fakultu Moskevské státní univerzity. Pracovala v nakladatelství „Znanie“ a v APN. V roce 1979 se přestěhovala do Holandska k trvalému pobytu, žije v Amsterdamu, pracuje pro týdeník „Coorddanser“, který informuje o přednáškách

Z knihy Encyklopedie právníka od autora

Nizozemí (Nizozemské království) NIZOZEMSKO (Nizozemské království) je stát v západní Evropě; N. vlastní řadu Antilských ostrovů. Podle formy vlády je N. unitární stát. Země je rozdělena do 12 provincií. V provinciích jsou

Z knihy Filatelistická geografie. evropské zahraničí. autor Vladinet Nikolaj Ivanovič

NIZOZEMSKO (Nizozemské království) Nederland. Koninkrijktier Nederlanden State na severu. Západní pobřeží Evropa. Terr. 36,6 tisíc čtverečních km.Nás. 13,9 milionů (1978), hlavně Holandský. Hlavním městem je Amsterdam. Vláda a parlament sídlí v Haagu. Stát jazyk - holandština Nizozemí - ústavní.

Z knihy Zahraniční literatura 20. století. kniha 2 autor Novikov Vladimír Ivanovič

Cesty Flander (Les routes des Flandres) Román (1960) Poprvé nás autor seznamuje s hrdiny románu v předvečer jejich účasti ve francouzských jednotkách bojujících proti fašistickým dobyvatelům v r.

Z knihy Dresden Art Gallery autor Maykapar A.

Obraz Nizozemska Joachim Patinir. Charonská věž. 1520–1524 Rogier van der Weyden (asi 1400–1464) Sestup z kříže. Kolem 1435. Olej na dřevě. 220x262 Ve snaze pochopit možnost umělecké reflexe vnitřního světa jednotlivce se Vaden stal uznávaným mistrem

Z autorovy knihy

Obraz Flander Peter Paul Rubens. Tři Grácie. 1630–1635 Jan Brueghel starší (Samet) (1568–1625) Alegorie zraku 1617. Olej na plátně. 65x109 Vlámský malíř a rytec Jan Brueghel patří k dynastii umělců, jejímž zakladatelem byl jeho otec Pieter Bruegel

Z autorovy knihy

Umění Holandska, Nizozemska a Flander Frans Hals. Portrét muže. Kolem roku 1635 v chrámu trůnil Jan Van Eyck (1390–1441) Panna s dítětem. Triptych 1437. Dubová deska, olej. Středová část je 27,5 x 21,5, strany jsou 27,5 x 8. Tento malý kousek je originální