Slavná divadla ve Velké Británii. Londýnská divadla

Pokud budete mít někdy možnost navštívit anglické město Stratford, určitě navštivte Royal Shakespeare Theatre.

Shakespearovo divadlo Globe je jedním z nejstarších divadel v Anglii. The Globe se nachází na jižním břehu Temže. Slávu divadlu přinesla především první jevištní uvádění Shakespearových děl. Budova byla z různých důvodů třikrát přestavěna, což tvoří bohatou historii Shakespearova divadla.

Vznik divadla Shakespeare

Historie divadla Globe sahá až do roku 1599, kdy se v Londýně, kde bylo divadelní umění vždy milováno, stavěly veřejné divadelní budovy jedna za druhou. Na stavbu nové arény byly použity stavební materiály - dřevěné konstrukce, které zbyly z jiné budovy - vůbec prvního veřejného divadla s logickým názvem "Divadlo".

Majitelé původní budovy divadla, rodina Burbage, ji postavili v roce 1576 v Shoreditch, kde si pronajali pozemek.

Když se nájemné zvýšilo, starou budovu rozebrali a materiál převezli k Temži, kde postavili novou budovu – Shakespearovo divadlo Globe. Jakákoli divadla byla postavena mimo vliv magistrátu Londýna, což bylo vysvětleno puritánskými názory úřadů.

Během Shakespearovy éry došlo k přechodu od amatérského divadelního umění k profesionálnímu umění. Vznikaly herecké skupiny, které zpočátku vedly toulavou existenci. Cestovali do měst a předváděli představení na veletrzích. Zástupci aristokracie si herce začali brát pod patronát: přijímali je do řad svých služebníků.

To hercům zajistilo postavení ve společnosti, i když bylo velmi nízké. Skupiny byly často pojmenovány na základě tohoto principu, například „Služebníci lorda Chamberlaina“. Později, když se k moci dostal Jakub I., začali herce sponzorovat pouze členové královské rodiny a soubory se začaly přejmenovávat na „Jeho Veličenstvo králové“ nebo na další členy královské rodiny.

Soubor divadla Globus byl partnerstvím herců na akcie, tzn. akcionáři měli příjmy z poplatků z výkonů. Akcionáři Globe byli bratři Burbageovi, William Shakespeare, přední dramatik ve skupině, a další tři herci. Herci ve vedlejší roli a teenageři byli v divadle placeni a nedostávali příjmy z představení.

Shakespearovo divadlo v Londýně mělo tvar osmiúhelníku. Hlediště Globe bylo typické: oválná plošina bez střechy, ohraničená velkou zdí. Aréna získala své jméno díky soše Atlase, který podpíral zeměkouli, umístěné u vchodu. Tato koule nebo zeměkoule byla obklopena stuhou s dodnes slavným nápisem „ Celý svět je divadlo“(doslovný překlad – „Celý svět jedná“).

Shakespearovo divadlo pojalo od 2 do 3 tisíc diváků. Na vnitřní straně vysoké zdi byly schránky pro představitele aristokracie. Nad nimi byla galerie pro bohaté lidi. Zbytek se nacházel kolem jeviště, které vybíhalo do hlediště.

Očekávalo se, že diváci budou během představení stát. Některé zvláště privilegované osoby byly usazeny přímo na pódium. Vstupenky pro bohaté lidi ochotné zaplatit za místa v galerii nebo na jevišti byly mnohem dražší než místa ve stáncích – kolem jeviště.

Jeviště byla nízká plošina zvednutá asi metr. Na jevišti byl poklop vedoucí pod jevištěm, ze kterého se s postupem akce objevovali duchové. Na jevišti samotném byl velmi zřídka nějaký nábytek a vůbec žádné dekorace. Na jevišti nebyla opona.

Nad zadním jevištěm byl balkon, na kterém byly postavy vystupující ve hře na zámku. Na horní scéně byla jakási plošina, kde se odehrávaly i jevištní akce.

Ještě výše byla stavba podobná chatrči, kde se scény hrály za oknem. Zajímavostí je, že když představení na Globusu začínalo, byla na střeše této chaty vyvěšena vlajka, která byla vidět velmi daleko a byla signálem, že se v divadle koná představení.

Chudoba a jistá askeze arény předurčily, že to nejdůležitější, co se na jevišti odehrávalo, bylo herectví a síla dramatu. Neexistovaly žádné rekvizity pro úplnější pochopení akce, hodně bylo ponecháno na divákově fantazii.

Pozoruhodné je, že diváci ve stáncích během představení často jedli ořechy nebo pomeranče, což potvrdily i archeologické nálezy při vykopávkách. Diváci mohli hlasitě diskutovat o některých momentech představení a neskrývat emoce z akce, kterou viděli.

Přímo v sále si diváci ulevili i od fyziologických potřeb, takže absence zastřešení byla jakousi spásou pro čich milovníků divadla. Zhruba si proto představujeme těžký podíl dramatiků a herců, kteří hrají.

oheň

V červenci 1613, během premiéry Shakespearovy hry Jindřich VIII. o životě panovníka, budova Globe vyhořela, ale diváci ani soubor nebyli zraněni. Podle scénáře mělo střílet jedno z děl, ale něco se pokazilo a dřevěné konstrukce a došková střecha nad jevištěm vzplály.

Konec původní budovy Globe znamenal změnu v literárních a divadelních kruzích: Shakespeare v této době přestal psát hry.

Obnova divadla po požáru

V roce 1614 byla budova arény obnovena, při stavbě byl použit kámen. Střecha nad jevištěm byla vyměněna za taškovou. Divadelní soubor pokračoval ve hře až do uzavření Globe v roce 1642. Poté puritánská vláda a Cromwell vydali dekret, že všechna zábavní představení, včetně divadelních, jsou zakázána. Globe, stejně jako všechna divadla, zavřeno.

V roce 1644 byla budova divadla zbořena a na jejím místě byly postaveny činžovní domy. Historie Globe byla přerušena na téměř 300 let.

Přesné umístění prvního Globe v Londýně bylo neznámé až do roku 1989, kdy byly jeho základy nalezeny na Park Street pod parkovištěm. Jeho obrys je nyní vyznačen na povrchu parkoviště. Mohou tam být i další pozůstatky „Glóbusu“, ale nyní je tato zóna zařazena do seznamu historických hodnot, a proto tam nelze provádět vykopávky.

Jeviště divadla Globe

Vznik moderního shakespearovského divadla

Moderní rekonstrukci budovy divadla Globe nenavrhli, což je překvapivé, Britové, ale americký režisér, herec a producent Sam Wanamaker. V roce 1970 vytvořil Globe Trust Fund, který měl za úkol obnovit divadlo, otevřít zde vzdělávací centrum a stálou expozici.

Sám Wanamaker zemřel v roce 1993, ale otevření se přesto konalo v roce 1997 pod moderním názvem Shakespeare's Globe Theatre. Tato budova se nachází 200-300 metrů od bývalého umístění Globe. Budova byla rekonstruována v souladu s tehdejšími tradicemi a byla první budovou, která mohla být postavena s doškovou střechou po Velkém požáru Londýna v roce 1666.

Představení se konají pouze na jaře a v létě, protože... budova byla postavena bez střechy. V roce 1995 se prvním uměleckým ředitelem stal Mark Rylance, kterého v roce 2006 vystřídal Dominic Dromgoole.

Prohlídky moderního divadla se konají denně. Nedávno byl vedle Globe otevřen zábavní park-muzeum zcela věnované Shakespearovi. Kromě toho, že tam můžete vidět největší výstavu věnovanou světoznámému dramatikovi, můžete se zúčastnit zábavních akcí: vidět souboj s mečem, napsat sonet nebo se podílet na inscenaci jedné ze Shakespearových her.


Londýn je známý svými muzei, historickými budovami a ultramoderními restauracemi. Ale pouze divadelní život, který městu dominuje, jej odlišuje od ostatních měst. Kdyby byla hra úspěšná v Londýně, zopakovala by svůj úspěch i jinde.

Jediným konkurentem Londýna může být New York s Broadwayí, ale ani ten se nemůže pochlubit divadelními budovami, které mají dlouhou a bohatou historii. Centrální část města, West End, čtvrti South Bank a Victoria ohromují zvláštní koncentrací divadel – od malých studií pro 100 diváků až po velké chrámy Melpomene. Nabízíme přehled deseti největších divadel v Londýně.


Divadlo Shaftesbury, které se nachází hned vedle ulice Holborn Street, je zařazeno mezi britské budovy architektonické a historické hodnoty. Díky malé havárii, která se stala se střechou budovy v roce 1973, jí byla věnována pozornost. Od roku 1968 byl slavný muzikál „Vlasy“ uveden na jevišti 1998krát. Přehlídka, která propagovala hnutí hippies, byla později uzavřena. Když byl muzikál poprvé uveden na jevišti ve West Endu, divadelní cenzor lord Cameron Fromentil „Kim“ Baron Cobbold jej zakázal. Producenti se obrátili o pomoc na parlament a ten dal svolení vydáním zákona, který baronův zákaz zcela zrušil. Tato bezprecedentní událost v dějinách divadelního umění přinesla konec divadelní cenzury v Británii – to není špatné na divadlo s kapacitou 1400 diváků.


Jen pár bloků od Shaftesbury je Palace Theatre, kam se vejde také 1400 diváků. Jeho specialitou jsou muzikály, jako Singin' in the Rain nebo Spamalot. Divadlo bylo otevřeno v roce 1891 a vešlo ve známost jako Royal English Opera House pod patronací Richarda d'Oyly Carte. V poslední době se na jevišti kromě oper promítají i muzikály, filmy a další představení. The Sound of Music“ bylo v divadle promítáno 2 385 krát Divadlo bylo zařazeno na seznam budov britské architektonické a historické hodnoty spolu s dalšími budovami v této oblasti.


Divadlo Adelphi nedávno oslavilo 200 let od svého založení. I přes skromnou velikost budovy pojme divadlo 1500 diváků. Je známý produkcí jako Chicago a Joseph a Amazing Technicolor Dreamcoat. Budova ve stylu Art Deco z roku 1930 sousedí s hotelem Strand Palace. Jde o čtvrtou budovu v celé historii divadla od roku 1809. Pamětní deska na zdi nedalekého baru obviňuje divadlo ze smrti herce, kterého kdysi podporovala velká Terriss. Ale ve skutečnosti se princ Richard Archer, neúspěšný herec, který ztratil popularitu a slušnost kvůli závislosti na alkoholismu, přiznal k vraždě svého mentora Terrisse ve stavu nepříčetnosti a byl poslán na povinnou léčbu do psychiatrické léčebny, kde vedl vězeňský orchestr až do své smrti. Říká se, že duch nepomstané Terriss, která je rozrušená mírným rozsudkem vyneseným nad jeho chráněncem a vrahem, se stále v noci potuluje po budově divadla.


Některá představení jsou na scéně v londýnském West Endu už desítky let a Victoria Palace neustále nabízí čerstvý repertoár, jako je muzikál Billy Elliott. I když je na scéně od roku 2005, což je podle běžných diváků hodně. Divadlo má dlouhou historii, která začala v roce 1832, kdy bylo jen malým koncertním sálem. Dnes budova, která byla postavena v roce 1911, pojme 1517 diváků. Je vybavena posuvnou střechou, která se o přestávce otevírá pro odvětrání haly. Divadlo uspořádalo mnoho nezapomenutelných představení, ale nejpamátnější z nich byla vlastenecká hra Mladá Anglie z roku 1934, která získala mnoho negativních recenzí. Vydržela jen 278 představení.


Divadlo Prince Edwarda se nachází v srdci Soho a pojme 1 618 lidí. Je pojmenován po následníkovi trůnu britské koruny Edwardu VIII., králi, který byl na trůnu jen pár měsíců a ve jménu lásky ho opustil. Tradičně se na jevišti konají romantická představení a představení, například „Show Boat“, „Mamma Mia“, „West Side Story“, „Miss Saigon“. Divadlo má dlouhou historii, sahá až do roku 1930, kdy bylo pouze kinem a tanečním sálem. Teprve v roce 1978 bylo divadlo otevřeno, načasováno na jeho otevření s premiérou muzikálu „Evita“ o světoznámé ženě, manželce argentinského prezidenta. Hra měla 3000 představení a herečka Elaine Page, která ztvárnila Evitu, měla skvělý začátek své divadelní kariéry a stala se hvězdou.


Navzdory přestavbě Tottenham Court Road v Londýně s cílem vytvořit lepší silniční křižovatku zůstává jedna věc nezměněna – obří socha Freddieho Mercuryho se zdviženou rukou při zpěvu „We Will Rock You“ před divadlem Dominion. Přehlídka je na divadelní scéně od roku 2002 a i přes nevlídné recenze kritiků měla u diváků úspěch. Divadlo postavené v roce 1929 na místě starého londýnského pivovaru pojme 2000 diváků. V budově sídlí také australský nedělní kostel, který při mších využívá jeviště a osvětlení divadla.


Toto je jedno z největších divadel v Londýně. Sloupy, které zdobí centrální vchod, pocházejí z roku 1834 a samotná budova byla v roce 1904 přestavěna v rokokovém stylu. Za celou historii své existence, která sahá až do roku 1765, měl všechno kromě divadla, například 50 let pořádal večeře Secret Beef Steak Society. V roce 1939 chtěli objekt uzavřít, ale kvůli zahájení stavby silnice se ho podařilo zachránit. 14 let se na divadelní scéně hrála hra „Lví král“ a zdá se, že Disneyho dramatizace se zde usadila na dlouhou dobu a přináší dobré pokladní příjmy.


To není důvod, proč je Theatre Royal, které pojme 2 196 diváků, považováno za přední divadlo v Londýně. Od roku 1663 bylo na tomto místě několik divadel a samotná Drury Lane je považována za divadelní ulici. Jako mnoho jiných divadel i Royal pracovalo pod vedením Andrewa Lloyda Webbera, autora muzikálů Evita a Cats. Mezi další inscenace, které se objevily na jevišti, patří Oliver, který byl zpracován do stejnojmenného hudebního filmu, Producenti, Shrek a Charlie a továrna na čokoládu, který stále běží. Kromě muzikálů a herců je divadlo známé svými duchy, jako je duch muže oblečeného v šedém obleku a nataženém klobouku. Podle pověsti byl zabit v budově divadla v 18. a 19. století. Dalším duchem je Joseph Grimaldi, klaun, který prý pomáhá nervózním hercům na jevišti.


Londýnské divadlo Paladium je známé nejen v Londýně, ale po celém světě. Je to jen pár kroků od Oxford Street. Stal se populární díky noční show „Sunday Night at the London Palladium“, která probíhala v letech 1955 až 1967. S rotujícím jevištěm a jevištními akcemi různého typu se seznámily miliony diváků. V roce 1966 se jej majitelé pokusili prodat k další rekonstrukci, ale podařilo se ho zachránit díky divadelním investorům a tomu, že kromě divadla zde byl v roce 1973 otevřen koncertní sál pro vystoupení rockové skupiny „Slade “. Neustálé vyprodané davy a aktivní počínání fanoušků kapely málem způsobilo zřícení balkonu v sále. V roce 2014 byla v divadelním sále otevřena talentová show „The X Factor: The Musical“.


Pokud divadlo Appollo Victoria není v Londýně nejoblíbenější, pak může být bezpečně uznáno jako nejvyšší. Nachází se pár metrů od paláce Victoria a pojme 2500 diváků. Několik divadel z předkládané recenze se nachází v blízkosti a vytváří jakousi „divadelní zemi“. Apollo Victoria bylo otevřeno v roce 1930. Budova je navržena ve stylu art deco s námořní tématikou s fontánami a mušlemi jako dekorace. Stavba železnice pro muzikál „Starlight Express“ trvala 18 let, aby se vlak pohyboval po obvodu hlediště podle scénáře. Dalším populárním muzikálem inscenovaným v divadle je „Wicked“. Pokladní příjmy z premiéry činily 761 000 liber a v průběhu 7 let se příjmy z představení odhadují na 150 milionů. Milovníci filmu tvrdí, že divadlo v blízké budoucnosti vymře, ale statistiky týkající se počtu diváků na jednotlivých muzikálech a výše tržeb z pokladen hovoří jinak. Vůně červánků a vápna, hluk hlediště nikdy nezmizí.
Moderní architektura však není v žádném případě horší než krása a elegance historických divadelních budov.

Hlavní divadla v Londýně: činohra, muzikál, loutka, balet, opera, satira. Telefonní čísla, oficiální stránky, adresy londýnských divadel.

  • Last minute zájezdy do Spojeného království
  • Zájezdy na Nový rok Celosvětově

Jakákoli karta muzea UNESCO

    nejlepší

    divadlo Globus

    Londýn, SE1 9DT, Bankside, 21 New Globe Walk

    The Globe Theatre, jedno z nejstarších londýnských divadel. Dnešní Globus je třetím divadlem s tímto názvem. První divadlo Globe bylo postaveno na jižním břehu Temže v roce 1599 na náklady souboru, jehož byl William Shakespeare akcionářem.

  • Svět londýnského divadla je velký, rozmanitý a pokrývá všechny žánry existující v přírodě. No, protože tohle je Londýn, tady (pokud víte jak) najdete i ty žánry, které se ještě úplně nezrodily: za rok, dva nebo tři o nich bude mluvit celý svět, ale zatím skoro nikdo ví o nich.

    V Londýně je proto mnoho divadel, velmi odlišných co do kvality inscenací, repertoáru a ceny. Jsou zde velkolepé klasické soubory s hostujícími operními hvězdami v hlavních rolích, jsou zde inscenace moderní činohry (samozřejmě většinou britské), jsou zde experimentální divadla a spousta komerčních divadel, ve kterých se hrají (nejen) muzikály na Broadwayi. průběžně zobrazeno. Některé z nich jsou prostě dobré, některé historické a velmi staré a některé jsou zcela unikátní.

    Britové nechodí do divadla Globe, stálého centra turistických atrakcí. Ale chodí do divadla Old Vic.

    Nejznámější

    Nejslavnějším, nejvážnějším a nejzásadnějším divadlem v Británii je samozřejmě Královská opera. Toto je jedno z těch divadel, které definuje tvář moderní scény. Inscenace, které vytvořil, pak inscenují jiná divadla po celém světě, v hlavních rolích hrají světoznámé hvězdy, špatné výkony prostě nejsou, na premiéry se sjíždějí fajnšmekři z celého světa. Sídlí zde také jeden z nejlepších symfonických orchestrů na světě. To je vždy skvělé a zajímavé.

    Dalším slavným divadlem je Theatre Royal Drury Lane. Zaujímá zvláštní místo: je to nejstarší fungující divadlo v Británii. Kdysi to bylo hlavní v zemi, pamatuje všechny anglické panovníky za poslední 3 století a nyní patří Andrewu Lloyd Webberovi.

    Divadlo Drury Lane nyní produkuje pouze muzikály. Soubor to myslí vážně – například právě toto divadlo dostalo právo natočit muzikál z Pána prstenů.

    Dalším velkým divadlem je Koloseum. Velký soubor, rozsáhlý program, neměli byste počítat s inscenovaným mistrovským dílem, ale s neobvyklou a zajímavou budovou - mistrovským dílem éry Art Deco. Je také snadné zde zakoupit vstupenky.

    Divadlo Globus je stálým centrem turistických atrakcí. Zrekonstruované Shakespearovo divadlo, představení se hrají tak, jak divadlo fungovalo za jeho éry. V souladu s tím se zde hrají téměř pouze Shakespearovy hry. Britové sem nejezdí, ale pro turisty je to dobrá volba: je tu docela dobrá shakespearovská tlupa. No, zrekonstruovaná budova je zajímavá k vidění - byla postavena starověkými technologiemi.

    Ale Britové jdou do Old Vic. Toto je také velmi staré divadlo, je neziskové a specializuje se na klasické a moderní britské drama, existuje vážný činoherní soubor. Stojí za to sem zajít, pokud máte rádi dobrou prózu a nemáte rádi komerční divadlo.

    Muzikály a současná produkce

    Komerční divadlo je na samostatný článek. Téměř všechna taková divadla inscenují muzikály a ve všech je vždy jen jedno představení (roky a desetiletí každý den stejné). Téměř všechny jsou soustředěny v Covent Garden nebo v jejím okolí. Queen's Theatre hostí slavný muzikál "Les Miserables", Divadlo Jejího Veličenstva (mimochodem staré - je přes 300 let staré) - "Fantom opery", divadlo Novello - "Mamma Mia!", divadlo Lyceum - "Lví král" "atd.

    Některé muzikály jsou tak dobré, že jeden z nich stojí za to se podívat, i když tento žánr z principu zrovna nemáte rádi: jsou dělané tak, že se snad váš názor změní. Nejslibnější jsou v tomto ohledu „Les Miserables“ a samozřejmě „Cats“.

    Kromě zábavních divadel má Covent Garden mnoho činoherních divadel, která hrají moderní hry. Mezi hlavní patří Wyndham’s Theatre, Ambassadors Theatre, Apollo Theatre, Duchess Theatre, Theatre Royal Haymarket (také téměř 300 let staré) a již zmíněný Old Vic. Existují vážné hry, existují komické hry, jsou klasické hry a nemálo Shakespearových her. K návštěvě těchto divadel musíte rozumět anglicky, jinak to nebude zajímavé.

    Také v Londýně jsou v zásadě možné všechny ostatní typy divadla: experimentální, kabaretní, amatérské, neformální, etnické - jakékoli.

    Vstupenky do Královské opery lze zakoupit pouze v předprodeji, do ostatních divadel je možné zakoupit vstupenky přímo před představením.

    • Kde zůstat: V mnoha hotelech, penzionech, apartmánech a hostelech v Londýně a okolí - zde si můžete snadno vybrat možnost, která vyhovuje každému vkusu a rozpočtu. Ve Windsoru najdete pěkné tří a čtyřhvězdičkové B&B - a vzduch je zde úžasný. Cambridge vás potěší skvělým výběrem hotelů a blízkostí studentského „setkání“.

anglické divadlo

Anglické divadlo 18. století sehrálo v dějinách vývoje celého evropského divadla velmi výraznou roli. Stal se nejen zakladatelem osvícenské dramaturgie, ale také k ní významně přispěl. Navzdory tomu byla tragédie v anglickém divadle osvícenství nahrazena novým dramatickým žánrem - buržoazní drama, nebo, jak se také říkalo, buržoazní tragédie. Právě v Anglii vznikly první ukázky buržoazního dramatu, které později proniklo do divadel Německa, Francie a Itálie. Komedie také neobsadila poslední místo v repertoáru. Jeho forma a obsah byly reformovány nejradikálnějším způsobem od renesance.

Přechod od divadla renesance k divadlu osvícenství byl dlouhý, bouřlivý a značně bolestivý. Renesanční divadlo postupně zaniklo, ale nenechali ho zemřít přirozenou smrtí. Poslední ránu mu zasadila dokonalá puritánská revoluce. Jeho prastaré tradice tzv. přísného života dokonale vyhovovaly podmínkám moderní doby. Anglie, která byla nedávno jasná, barevná a plná života, se stala zbožnou, zbožnou a oblékala se do tmavých uniforem. Pro divadlo v takovém životě prostě nebylo místo. Všechna divadla byla uzavřena a o něco později vypálena.

V letech 1688-1689 proběhla v Anglii tzv. Slavná revoluce. Poté nastal přechod ve vývoji divadla od renesance k osvícenství. Stuartovci, vracející se k moci, obnovili divadlo, které mělo výrazné odlišnosti od divadla předchozí éry.

Období restaurování zůstalo v dějinách Anglie obdobím devalvace všech morálních a etických hodnot. Aristokraté po uchopení moci a všeho s ní spojeného se oddávali úplným radovánkám. Je zcela přirozené, že divadlo odráželo nový mravní stav. Hrdinům her odehrávaných na jevišti nebylo dovoleno jediné: být alespoň v něčem podobní nenáviděným puritánům.

S úpadkem režimu restaurování se pozice dramatiků začala dramaticky měnit. V jejich dílech se začaly objevovat prvky buržoazního dramatu a satirické zobrazení jejich současníků. Zdrojem komiksu byly ty odchylky od lidské normy, které existovaly ve společnosti.

Zakladatelem vzdělávací komedie byl William Congreve. Proslavil se po napsání své první komedie „Starý mládenec“ (1692).

Rýže. 45. George Farquer

Ještě blíže k osvícenství byl George Farquer (1678-1707) ( rýže. 45). Svou práci začal psaním her v souladu s komedií Restoration. Pak ale došlo v jeho tvorbě k obratu směrem k politické a společenské satiře.

Farquerova komedie The Recruiting Officer (1706) kritizovala metody náboru vojáků pro anglickou armádu. Komedie „Vychytralý plán fopů“ (1707) byla výsledkem celého vývoje komedie mravů 17. století. Dramatik maloval tak zajímavé a pravdivé obrazy provinčních mravů, že jeho komedie byla v 18. století zdrojem realismu a jména mnoha postav se stala pojmem.

Na počátku 30. let 18. století se objevil žánr zvaný buržoazní drama. Jeho vzhled se ukázal být silnou ranou pro třídní estetiku žánrů. Divadelní scénu začali dobývat obyčejní lidé. O něco později se stal jeho jediným vlastníkem. K nastolení buržoazní tragédie na jevišti přispěl ohromující úspěch hry George Lilla (1693-1739) „Kupec Londýnský aneb příběh George Barnwella“ (1731). Předmětem k napodobení byla další hra Lillo - tragédie ve verši „Fatal Curiosity“ (1736). Občas měl blízko k zobrazení zločinu ve svých dílech jako normy buržoazní společnosti. Ale idealizující tendence převyšuje kritickou tendenci. Nekonečná kázání příkladně ctnostného obchodníka Thorogooda v Kupci londýnském a výzva nést svůj kříž bez reptání, jimiž Fatal Curiosity končí, dodávají Lilloovým hrám poněkud svatozářský tón. Dramatik se k „malému muži“ samozřejmě přiblížil, ale jen proto, aby ho varoval před špatnými myšlenkami a činy.

Více než dvacet let po napsání „The Merchant of London“ vznikla v Anglii další slavná buržoazní tragédie, „The Gambler“ (1753). Jeho autorem byl Edward Moore (1712-1757). Tato hra měla mnoho dramatických předností, ale vyznačovala se jednoduše úžasným úzkým sociálním horizontem. Autor si stanovil jediný cíl – odvrátit své současníky od destruktivní vášně pro karetní hry. Následná společenská kritika na jevišti byla v první polovině 18. století spojena se jmény dalších dramatiků.

Nejradikálněji smýšlející část anglických spisovatelů viděla v lidských neřestech nejen dědictví minulosti, ale také výsledek nového řádu věcí. Uznávaným vůdcem tohoto trendu byl velký anglický satirik Jonathan Swift a jeho nejvěrnějšími následovníky v divadle byli John Gay (1685-1732) (obr. 46) a Henry Fielding (1707-1754).

Rýže. 46. ​​John Gay

V 18. století začaly v anglickém divadle vzkvétat malé žánry. Mimořádně oblíbené jsou pantomima, baladická opera a zkouška. Poslední dva žánry vyjadřovaly nejkritičtější postoj k existujícím zakázkám.

Rozkvět baladické opery a skutečně kritického hnutí spojeného s menšími žánry začal produkcí Johna Gaye The Beggar's Opera v roce 1728. Vystoupení mělo ohromující úspěch. Texty písní ze hry byly zavěšeny ve výlohách obchodů, napsány na fanoušky a zpívaly se na ulicích. Známý je případ, kdy o právo hrát roli Polly Peachum bojovaly dvě herečky. U vchodu do divadla bylo více než dva měsíce po sobě každý den opravdové peklo.

Henry Fielding byl také velmi slavným dramatikem ve 30. letech 18. století. Napsal 25 divadelních her. Mezi nimi jsou taková díla jako „Soudce v pasti“ (1730), „Opera na ulici Grub aneb Pod botou manželky“ (1731), „Don Quijote v Anglii“ (1734), „Pasquin“ (1736) a „Historický kalendář na rok 1736“ (1737).

Od 60. let 18. století kritické trendy stále více pronikají do oblasti tzv. korektní komedie. Poprvé od Congrevea a Farquera vzniká znovu plnohodnotná realistická komedie o mravech. Od té doby se sentimentální komedie staví do kontrastu s veselou komedií.

Tento termín vytvořil Oliver Goldsmith (1728-1774). Je autorem pojednání „Esej o divadle aneb srovnání veselé a sentimentální komedie“ (1772) a dvou komedií „Dobrý“ (1768) a „Noc omylů“ (1773).

Rýže. 47. Richard Brinsley Sheridan

Škola veselé komedie předurčila příchod největšího anglického dramatika 18. století - Richarda Brinsleyho Sheridana (1751-1816) ( rýže. 47). Ve věku 24 let režíroval svou první komedii Rivalové (1775). Po něm následovalo několik dalších her, včetně „Duenna“ (1775). V roce 1777 vytvořil Sheridan svou slavnou hru Škola skandálu. O dva roky později byla propuštěna jeho poslední komedie, The Critic. Celá Sheridanova práce komika se vešla do necelých 5 let. O pouhých 20 let později se vrátil k dramatu a napsal tragédii „Pizarro“ (1799). Od období restaurování tíhla anglická divadelní umění ke klasicismu. První, ale velmi rozhodující krok k realismu učinil Charles Maclean (1699-1797). Byl to herec komických postav. V roce 1741 získal roli Shylocka (v té době byla tato role považována za komickou). Ale Maclean hrál tuto roli jako tragickou. To se stalo obrovským estetickým objevem, který dalece přesahoval interpretaci jediné role. MacLean si uvědomil, že nadešel čas pro realismus, a předvídal mnoho jeho rysů.

V oblasti scénického umění měly velký význam aktivity Davida Garricka (1717-1779). Garrick byl Macleanův student, ale opravdu skvělý student. David byl synem důstojníka, Francouz podle národnosti, a irské ženy. Jeho rodina milovala divadlo, ale jejich syn byl připravován na jinou dráhu - dráhu právníka. Garrick se však ukázal jako neopatrný student. Na jaře 1741 se díky šťastné náhodě dostal na scénu divadla Goodman's Fields. Poté se s tímto souborem účastnil zájezdů, při kterých využíval Macleanových rad a již v říjnu se skvěle zhostil role Richarda III., která ho proslavila ( rýže. 48).

Rýže. 48. David Garrick jako Richard III

V roce 1747 Garrick koupil divadlo Drury Lane, kterému šéfoval téměř 30 let. Všechny ty roky byl ústřední postavou divadelního Londýna. Ve svém divadle shromáždil nejlepší herce anglické metropole. Navzdory skutečnosti, že všichni herci pocházeli z různých divadel, Garrick dokázal vytvořit jediný soubor. Velký význam přikládal zkouškám, při nichž pilně vymýtil deklamaci, dosáhl přirozenosti v hereckém projevu a roli pečlivě dokončil. Vytvořené postavy musely být co nejvšestrannější. Garrickovy zkoušky trvaly mnoho hodin a pro herce někdy bolestivé, ale výsledky byly prostě úžasné.

Velký význam měla Garrickova různorodá herecká a režijní práce, která se ponořila do oblasti tragédie a komedie. V historii anglického divadla zůstal jako jeho největší představitel.

Z knihy Populární dějiny divadla autor Galperina Galina Anatolevna

Anglické divadlo Anglické renesanční divadlo se zrodilo a vyvíjelo na náměstí, které určilo jeho národní britskou chuť a demokracii. Nejoblíbenějšími žánry na veřejných scénách byly hry o morálce a frašky. Za vlády Alžběty

Z knihy Japonsko: Jazyk a kultura autor Alpatov Vladimír Michajlovič

Anglické divadlo Anglické divadlo 18. století sehrálo velmi výraznou roli v historii vývoje celého evropského divadla. Stal se nejen zakladatelem osvícenské dramaturgie, ale také k ní významně přispěl. Navzdory tomu tragédie v anglickém divadle osvícenství

Z knihy Kategorie zdvořilosti a komunikačního stylu autor Larina Taťána Viktorovna

Kapitola 6 ANGLICKÉ PŮJČKY A ANGLICKÝ JAZYK V JAPONSKU Kapitola se zabývá především otázkami souvisejícími s kulturním střetem mezi japonským a anglickým jazykem. V současné době světu stále více dominuje americká populární kultura a její šíření

Z knihy Kniha samurajů od Daidoji Yuzan

Z knihy Pohádka o próze. Úvahy a analýzy autor Shklovsky Viktor Borisovič

Z knihy Osudy módy autor Vasiliev, (umělecký kritik) Alexander Alexandrovič

Z knihy Každodenní život moskevských panovníků v 17. století autor Černaja Ljudmila Aleksejevna

Předmluva překladatele do angličtiny Historické dokumenty vysvětlující základní pojmy spojené s bushido (koncept „bushido“, jako „samuraj“, vstoupil do západních jazyků jako výpůjční slovo znamenající „národní, zejména vojenský, duch Japonska; tradiční

Z knihy Moskevské adresy Lva Tolstého. K 200. výročí vlastenecké války z roku 1812 autor

Anglický klasický román O tom, jak Fielding využil uznání pro úspěšný výsledek svého románu. Jak se toto uznání liší od uznání antického dramatu Lidé ve světě si nejsou rovni – někteří byli bohatí, jiní chudí, na to byli všichni zvyklí. Existovalo v

Z knihy Moskva za Romanovců. Ke 400. výročí dynastie Romanovců autor Vaskin Alexander Anatolievich

Anglická melanž Poprvé jsem přijel do Londýna v roce 1983. Pak se po King's Road v Chelsea potulovali úžasní punkeři, podzimní listí smíchané s deštěm nám zpívalo něco z Brittena, dvoupatrové červené autobusy odrážely červenou barvu klasicky nudného telefonu.

Z knihy Lidové tradice Číny autor Martyanova Ljudmila Michajlovna

Divadlo První dvorní divadlo, které existovalo v letech 1672–1676, definoval sám car Alexej Michajlovič a jeho současníci jako druh novodobé „zábavy“ a „cool“ v podobě a podobě divadel evropských panovníků. Divadlo na královském dvoře se neobjevilo hned. Rusové

Anglické renesanční divadlo se zrodilo a rozvíjelo na náměstí, které určilo jeho národní britskou chuť a demokracii. Nejoblíbenějšími žánry na veřejných scénách byly hry o morálce a frašky. Za vlády Alžběty Tudorové byly záhady zakázány. Od počátku 16. století se anglické divadelní umění blížilo k nové etapě – počátku vývoje humanistického dramatu, které se začalo formovat na pozadí politického zápasu mezi královskou mocí a katolickou církví.

Z divadelního jeviště přicházela neskrývaná ostrá kritika a propaganda nové humanistické ideologie, která se oblékla do hávu známých meziher a moralit. Ve hře humanisty Johna Rastella „Mezihra o povaze čtyř živlů“ (1519) jsou kromě tradičních postav pro morální hry tyto postavy: Žízeň po vědění, paní Příroda, Zkušenost a protiklad jim čert Nevědomost a nevěstka Žízeň po rozkoši. Nesmiřitelný boj těchto postav ve hře končí vítězstvím osvícenství nad tmářstvím a nevědomostí.

John Bale byl významnou postavou anglické reformace a slavným spisovatelem, autorem divadelní hry Král John. Doplněním morální hry o sociální témata položil základ dramaturgii v žánru historické kroniky.

Nové divadlo se zrodilo ze středověké frašky. Dvorní básník, hudebník a organizátor barevných spektáklů John Gaywood rozvinul frašku psaním satirických intermezzí. Vysmíval se v nich podvodům mnichů a prodavačů odpustků, intrikám kléru, chtivých zisku, i mazaným trikům kněží, kteří své hříchy zakrývali okázalou zbožností. Kromě hlavního hrdiny – tuláka – a negativních postav – duchovních – se krátkých každodenních scének účastnili i prostoduší a dobromyslní prosťáci. Satirické mezihry z počátku 16. století se staly pojítkem mezi středověkým fraškovým divadlem a vznikajícím činoherním divadlem.

Seznamování Angličanů s italskou kulturou a uměním přispělo k aktivnímu vnímání a popularizaci starověké kultury a výdobytků starověké civilizace. Intenzivní studium latinského jazyka a děl Seneky a Plauta vedlo k překladům antických tragédií a komedií do angličtiny. Představení založená na těchto překladech se stala velmi populární v aristokratickém a univerzitním prostředí.

Aristokraté a osvícená veřejnost zároveň obdivovali Petrarcovy sonety a básně Ariosta. Novely Boccaccia a Bandella byly známé mezi různorodou společností. Na královském dvoře byly maškary představeny jako zábavní a zábavní akce, na kterých se hrály scénky z italských pastorel.

První ukázky národní komedie a tragédie na divadelní scéně se objevily v polovině 16. století. Nicholas Udall, autor první anglické komedie Ralph Royster Doyster (kolem roku 1551), byl vzdělaný dvorní organizátor zábavy a prostřednictvím svých děl se snažil lidi učit „dobrým pravidlům života“.

Hra „Horboduc“ (1562) Thomase Nortona a Thomase Sekvilla byla poprvé uvedena na dvoře královny Alžběty a je považována za první anglickou tragédii. Jasně dokládá napodobování římské tragédie: rozdělení hry do 5 jednání, sborový zpěv a monology poslů, krvavé zločiny, ale děj vychází z historické skutečnosti ze středověkých dějin. Morálka tragédie spočívala v alegorické pantomimě a mezihrách, které umělci představili mezi akty, vysvětlujícími nečekané zvraty děje.

Po fraškovité záhadě a primitivních fraškách na základě antického a italského dramatu vzniklo nové anglické drama, ve kterém byl kompoziční základ, proporcionalita částí, logika ve vývoji akce a postav.

Téměř všichni z nové generace dramatiků měli vysokoškolské vzdělání a pocházeli z demokratického prostředí. Spojením do tvůrčí skupiny „University Minds“ se ve svých dílech pokusili syntetizovat vysokou humanistickou kulturu aristokratů a lidovou moudrost s jejím folklórem.

Předchůdce Williama Shakespeara, slavný anglický dramatik John Lyly (asi 1554-1606), byl dvorním básníkem. Ve své nejzajímavější komedii „Alexandr a Campaspe“ (1584), napsané podle příběhu řeckého historika Plinia, ukázal velkorysost Alexandra Velikého, který, když viděl lásku svého přítele, umělce Apella, k zajatý Campaspe, ji vydal svému příteli. V boji mezi povinností a citem tedy zvítězila povinnost. Idealizovaný obraz Alexandra ve hře kontrastuje se skeptickou postavou filozofa Diogena, jehož lidová moudrost a zdravý rozum vítězí nad sebevědomím a arogancí panovníka a jeho okolí.

John Lily položil základy tzv. romantické komedie. Do dramatické akce vnesl lyrický prvek a dodal prozaické řeči jasnou poetickou příchuť. Ukázal cestu pro budoucí sloučení dvou komediálních žánrů – romantické a frašky.

Skutečným zakladatelem anglického renesančního dramatu byl Christopher Marlowe (1564-1593), slavný dramatik, autor děl filozofického a ateistického obsahu. Syn ševce, který svou vytrvalostí dosáhl akademického titulu Master of Science, se vyznačoval odvahou a svobodomyslností. K. Marlowe dal přednost práci herce v divadelním souboru před kariérou kněze, která se před ním otevřela po absolvování University of Cambridge. Jeho první dramatické dílo, Tamerlán Veliký, bylo plné ateistických myšlenek. Toto monumentální dílo ve dvou částech bylo napsáno během dvou let (I. část v roce 1587 a část II v roce 1588). „Tamerlán Veliký“ je dramatizovaný životopis slavného východního dobyvatele z konce 14. století Timura. Marlowe dal svému hrdinovi sílu a vzhled legendárního hrdiny. A co je obzvláště důležité, ze vznešeného feudála, jakým Timur skutečně byl, udělal „pastýře nízkého původu“, který se pouze silou své vůle, energie a inteligence povznesl nad legitimní vládce.

Hra K. Marlowa „Tragická historie doktora Fausta“ (1588) ( rýže. 22) odhaluje jinou stránku lidského života. Odmítání asketických principů a bezpodmínečné podřízení se vyšší moci kvůli žízni po poznání a radosti ze života je oděn do obrazu ateisty doktora Fausta. Drama osvobozeného vědomí doktora Fausta a následné osamělosti vede k pokání a zároveň uvolňuje obrovskou energii v boji za svobodu myšlení.

Poslední tragédie C. Marlowa „Edward II.“, napsaná na materiál historických kronik, se stala základem anglického dramatu, který W. Shakespeare ve svých dílech úspěšně rozvinul.

Král a jeho družina věřili, že C. Marlowe a jeho díla představují vážnou hrozbu pro moc. V tomto ohledu byl dán příkaz k fyzické likvidaci dramatika. 30. května 1593 byl Marlowe zavražděn agentem královské tajné rady.


Rýže. 22. Rytina z edice „Tragické dějiny doktora Fausta“, 1636

Současně s hrami C. Marlowa byly na jevišti uvedeny hry dalších dramatiků ze skupiny „University Minds“: Thomas Kyd – „Španělská tragédie“ (1587) a Robert Greene – „Monk Bacon a Friar Bongay“, „ James IV“ a „George Greene“, Wakefield polní hlídač“ (1592).

Tvůrčí komunita dramatiků ze skupiny „University Minds“ předcházela nové etapě ve vývoji národního dramatu – vzniku renesanční tragédie a komedie. Postupně se vynořil obraz nového hrdiny – odvážného a odvážného, ​​oddaného humanistickému ideálu.

Anglické lidové divadlo přilákalo na konci 16. století na svá představení obrovské davy lidí, kteří vstřebávali všechny revoluční myšlenky a napodobovali statečné hrdiny, kteří v zápase hájili svou lidskou důstojnost. Počet divadelních souborů se neustále zvyšoval, představení z hotelových nádvoří a náměstí se přesouvala do divadel speciálně postavených pro tento účel.

V roce 1576 bylo Jamesem Burbagem postaveno v Londýně první divadlo, kterému se říkalo „Theater“. Následovala výstavba několika divadelních budov: Curtain, Blackfriars, Rose a Swan ( rýže. 23). Navzdory skutečnosti, že městská rada svým nařízením zakázala v roce 1576 pořádání divadelních představení v samotném Londýně, divadla se nacházela na jižním břehu Temže, v oblasti, která byla mimo pravomoci obecní rady.


Rýže. 23. Divadlo "Swan"

Velké dřevěné budovy veřejného divadla měly různé tvary: kulaté, čtvercové nebo osmihranné. Budova neměla střechu, pouze malý baldachýn nad jevištěm. Tato divadla mohla pojmout až 2000 diváků. Převážná část publika, tvořená obyčejnými lidmi, sledovala představení ve stoje. Bohatí měšťané se usadili v galeriích, které byly umístěny ve třech patrech v kulatých zdech divadla.

V roce 1599 bylo postaveno divadlo Globe, kde působil W. Shakespeare. Budova měla osmiúhelníkový tvar, jeviště bylo lichoběžníkového tvaru, jeho základna vyčnívala do hlediště. Funkční prostor byl rozdělen na tři části: přední část jeviště - proscénium; zadní část, která byla oddělena dvěma sloupy podpírajícími doškový baldachýn; horní je balkón nad zadním jevištěm. Tuto složitou stavbu dotvářela malá věžička, na kterou byla během představení vyvěšena vlajka. Jeviště bylo obvykle zdobeno koberci a rohožemi a opona v závislosti na žánru (komedie nebo tragédie) mohla být modrá nebo černá. Budova prvního divadla Globe byla zničena požárem v roce 1613. Po restaurování existovala až do roku 1645 ( rýže. 24).


Rýže. 24. Divadlo Globus

Herci v londýnských divadlech, nepočítaje ty slavné, kteří se těšili záštitě šlechticů, byli většinou lidé s nízkými příjmy a bezmocní lidé. Královský výnos postavil umělce na roveň trampům bez domova a stanovil trest pro skupiny, které neměly bohaté mecenáše. I přes tvrdý přístup k divadlům ze strany úřadů jejich obliba rok od roku stoupala a jejich počet přibýval.

Forma organizace divadelních souborů byla v té době dvojího druhu: vzájemné partnerství herců se samosprávou a soukromý podnik v čele s podnikatelem, který vlastnil rekvizity a koupil od dramatiků práva k inscenaci hry. Soukromý podnikatel si mohl najmout jakoukoli společnost a uvést herce do otroctví jeho rozmarů.


Rýže. 25. William ShakespeareRýže. 26. Richard Burbage

Soubor pod vedením W. Shakespeara ( rýže. 25) a jeho přítel, slavný herec Richard Burbage ( rýže. 26), byl nazýván „Muži lorda Chamberlaina“. Příjmy souboru byly rozděleny mezi dramaturga a přední herce divadla podle jejich podílů.

Kvantitativní složení souboru nebylo více než 10-14 lidí, kteří museli hrát několik rolí v repertoáru divadla. Ženské role ztvárnili hezcí mladí muži, dosahující autentických hereckých výkonů plasticitou pohybů a lyričností hlasů. Celkový herecký projev herců prožíval etapu přechodu od epického stylu a vznešeného patosu k zdrženlivé formě vnitřního dramatu. Hlavními herci tragického žánru v době Williama Shakespeara byli Richard Burbage a Edward Alleyn ( rýže. 27).


Rýže. 27. Edward Alleyn

Hlavními rolemi ve svých tragédiích pověřil W. Shakespeare Richarda Burbage, svého blízkého přítele a asistenta. Burbage s excelentním ovládáním hlasu nejen suverénně předvedl své monology, ale svými pohledy a gesty umocnil emocionální zabarvení role. V komediálním žánru herci Robert Armin a William Kemp ( rýže. 28) a Richard Tarleton. Nejcharakterističtějším komikem byl Robert Armin, který v Shakespearových hrách Jak se vám líbí a Král Lear ztvárnil postavu šaška plného filozofického významu a dramatického obsahu.


Rýže. 28. William Kemp

W. Shakespeare jako dramatik a režisér syntetizoval ve svém díle všechny výdobytky divadelního umění vytvořené před ním a dovedl toto umění k dokonalosti. Definoval její hlavní směr, kterým bylo dosáhnout zrcadlového obrazu podstaty lidské přirozenosti, ať se jeví v jakýchkoliv podobách.

Jevištní umění tohoto období se vyznačuje výraznou emoční intenzitou herectví. Tón hry neudávala hlasitá recitace a aktivní gesta, ale hercova bohatá fantazie a schopnost zprostředkovat stav, který prožíval. Rady hercům, které ústy Hamleta vyjádřil W. Shakespeare ve své tragédii, jsou věčným průvodcem pro všechny generace umělců, dokud realistické divadelní umění zůstane živé. V díle velkého anglického dramatika dosáhlo dramatické divadlo evropské renesance vrcholu svého vývoje. Shakespearovo dílo rozšířilo obvyklé hranice a ukázalo dalším generacím herců cesty k rozvoji a zdokonalování dramatického umění směrem k odhalování duchovního světa člověka.

V polovině 17. století skončila v Anglii dlouhá buržoazně-puritánská revoluce, která vedla k etablování puritánství ve společnosti. Jeho ideologickým praporem se stalo jedno z puritánských dogmat, které tvrdilo, že se člověk nemá fatalisticky podřizovat svému osudu. V zemi tehdy podle současníků vládla zhýralost a mravní úpadek. Přátelství, svědomí a veřejná povinnost zcela ztratily smysl. Koncem 17. a začátkem 18. století se libertinismus neboli volnomyšlenkářství stal vůdčím trendem anglické filozofie, který do značné míry ovlivnil drama a divadlo. Později tento směr nabyl specifické podoby a vešel ve známost jako vtip. Po obnovení Stuartovské monarchie v Anglii byl vtip mezi aristokratickou komunitou velmi ctěn. Postupně, v souladu s tím, jak se formovala nová buržoazní ideologie, se měnil i přístup k vtipu, byl stále kritičtější. To nemohlo ovlivnit umění. Z pohledu vyznavačů vtipu je život komplexní umění, které vyžaduje od člověka opatrnost a nadhled. Lži je třeba dovedně kombinovat s pravdou a poctivost a přímost je třeba kombinovat s lstivostí a podvodem. Církevní sňatek byl považován za pouto, což svědčilo o otroctví muže.

Nemorální zásady vyvolaly spravedlivé rozhořčení ze strany úctyhodných měšťanů, stejně jako spisovatelů a filozofů. Jak moc buržoazie sílila a její vliv rostl, začala aktivně útočit na „duchaplné“ lidi. To se projevilo především v jejím boji s anglickým divadlem.

Před obnovením monarchie v Anglii, za vlády Cromwella, bylo divadlo zakázáno zvláštním parlamentním dekretem. Puritánská vláda považovala divadlo za živnou půdu pro nemravnost, hříšnost a neřest. Městské úřady vznesly četná obvinění proti divadelním společnostem, někdy nesouvisející ani s herci, ani s hrami. Pověst divadel byla tak nízká, že je měšťané přestali navštěvovat. Aby se vyhnuli hladovění, byli herci nuceni opustit města do vzdálených provincií, kde si mohli něco vydělat. Divadelní soubory a školy se rozpadly, město opustili učitelé oratoře a múzických umění, hudby a tance. Zemské úřady byly loajální k amatérským představením pořádaným majiteli hradů. A ve městech bylo oživeno divadlo v hudebních a dramatických představeních (maškary).

Po obnovení stuartovské monarchie v Anglii začalo příznivé období pro oživení divadla. Publikum městských divadel tvořila výhradně šlechta a městská šlechta. Dramatické umění vyjadřovalo protipuritánského a protiburžoazního ducha, který prorazil po mnoha letech perzekuce a nuceného mlčení. V četných satirických komediích byla role pošetilého prosťáčka nebo paroháče vždy přisuzována nešťastné buržoazii.

Divadlo éry restaurování bylo restaurováno po dlouhé době a změny, které se v něm během tohoto období udály, byly významné. V Anglii vznikl divadelní monopol. Byl vydán královský patent na právo organizovat divadelní soubor a vytvářet divadlo. A lord Chamberlain měl na starosti cenzuru, která se rozšířila i na činnost divadelního souboru. Počet hereckých společností a divadelních míst v Londýně byl kontrolován a regulován anglickou vládou. Zvláštní pozornost byla věnována divadelnímu repertoáru.

Během období restaurování v Anglii byla postavena speciální budova, která měla předvádět představení a ubytovat divadelní soubory a rekvizity. Jednalo se o obdélníkovou vnitřní místnost značných rozměrů, ve které byli diváci ve srovnání s obdobím před restaurováním v pohodlnějších podmínkách. Divadlo nyní mělo zákulisí a proscénium, které zasahovalo do stání a bylo obklopeno dvojitou řadou lóží. Zprvu v takových divadlech seděli zvláště urození diváci přímo na jevišti do křesel, v těsné blízkosti herců. To způsobilo určité nepříjemnosti pro účinkující.


Rýže. 29. Nell Guin

Pro jevištní představení byly speciálně vyrobeny kulisy a různá zařízení, která umožňovala simulovat lety a různé transformace. Herečky nastoupily na scénu v ženských rolích, aby nahradily chlapce ze Shakespearova divadla. Mezi nejtalentovanější ženské herečky období restaurování patří Nell Guinn ( rýže. 29), Mary Knapp, Elizabeth Barry (Obr. 30), Elinor Lee a další revoluční herečky. Rozšířil se i záběr samotného divadelního představení. Kromě tradiční činohry mohla být do představení uvedena pantomima nebo fraška. Velmi oblíbené byly hudební taneční přestávky. Později byly do repertoáru divadla zařazeny baladické opery. Klasické tragédie měly v tomto období velký úspěch.


Rýže. 30. Elizabeth Barryová

Různé změny v politickém a společenském životě, které Anglie během této éry zažila, se zase odrazily v repertoáru londýnských divadel. K moci se sebevědomě dostala buržoazie a do divadla přišli diváci třetího stavu. Toto publikum, zabírající většinu levných míst v sále, mohlo rozhodně a nahlas vyjádřit svůj názor na představení, schvalovat ho nebo ho vypískat.

Ve společnosti se začalo čím dál častěji objevovat pohoršení nad představeními, která prezentovala lidské neřesti a nemravnost v přitažlivém světle. Kniha reakčního kazatele Jeremyho Colliera „Stručný náčrt nemorálnosti a bezbožnosti anglické scény“ vyvolala v divadelní komunitě vlnu ohlasů a rozhořčení. Navzdory tomu, že byla kniha ostře kritizována divadelníky, přinesla hmatatelné pozitivní výsledky. Změnil se repertoár, který nyní zahrnuje dramatická díla s tématy stvrzujícími měšťanské ctnosti: zbožnost, šetrnost a bezúhonnost.

Občanské společnosti pro nápravu mravů přísně sledovaly obsah děl, která londýnská divadla uváděla. Na představeních byli přítomni speciální agenti, kteří představení pozorovali a zaznamenávali případné útoky proti morálce. Cenzoři postavili podnikatele a herce před soud za tato porušení. Z textů her byly nemilosrdně vystřiženy nejen části vyvolávající nedůvěru ze strany cenzorů, ale i celé akty. Přední herec anglické scény období restaurování Thomas Betterton ( rýže. 31), kterému za nemorální hru hrozila smrt, byl nucen svůj výklad mnoha rolí revidovat tak, aby odpovídaly novému hodnotovému systému.


Rýže. 31. Thomas Betterton

Počátkem 18. století se anglické divadlo změnilo a změnilo své morální a etické hodnoty. Největší pozornost byla věnována nejen lidským nectnostem, ale také pokusům o pochopení jejich původu a sociálního zázemí. V divadle se dalo smát nemotorným aristokratům a buržoazním povýšencům, dvorním pokrytcům a zbohatlíkům. Při sledování života někoho jiného na jevišti se divák zamyslel nad svým a pak se našly potřebné odpovědi na mnoho životních otázek.

Divadlo bylo jakousi školou, ve které se divák naučil rozpoznávat skutečné ctnosti a neřesti. Na příkladech dramatických hrdinů rozvíjel svou životní pozici a způsob chování. Divadlo této éry bylo nedílnou součástí národní kultury Anglie. Řešení sociálního tématu, odhalování lidských a státních neřestí do nejmenších detailů se stalo tradicí anglického divadla, která přetrvala dodnes. Právě v této tradici viděli velcí angličtí dramatici a divadelníci svůj původ a genetické kořeny.

V Anglii se v období po obnovení Stuartovské monarchie divadlo a tvorba dramatiků rozvíjely několika směry, z nichž hlavním byl klasicismus. Pouze formálně napodobující antická díla angličtí dramatici charakterizovali akci více emotivně, prodchli hry každodenními jemnostmi, zdůrazňovali národní charakterové rysy a zbytečné detaily původu hrdinů těchto her. Nechyběly ani úvahy o proměnlivosti jejich cílů, tužeb a nálad.


Rýže. 32. John Dryden

Nejvýznamnějším klasicistou tohoto období lze nazvat Johna Drydena (1631-1700) - básníka, dramatika a literárního kritika ( rýže. 32). Napsal 27 her, včetně tragédií, komedií a tragikomedií. Je také považován za tvůrce žánru hrdinského dramatu. Své kritické názory na drama vyjadřoval především v poetických prologech a epilogech svých i cizích her.

Drydenovy hry prodchnuté bouřlivými vášněmi, dýchaly láskou ke svobodě a vysokými aspiracemi. Dramaturgii přirovnal k antickému sochařství. Dramaturgická kreativita podle něj musí přírodu sice reflektovat, ale musí ji překonat, aby ji divák správně vnímal z jevištní perspektivy.

V období 1664-1675 napsal nejlepší příklady anglického hrdinského dramatu: „Královna indiánů“, „Císař indiánů nebo dobytí Mexika Španěly“, „Tyranská láska“ a „Dobytí z Granady od Španělů“ s raženou poetickou formou textu a vyjádřením jeho koncepcí o cti a povinnosti. Několik dramatikových tragédií se dotýká tématu marnosti existence a iluze pozemského štěstí.

Jedna z jeho nejlepších her, „Don Sebastian“, odhaluje téma iluzorní povahy milostného štěstí a klamu milostné blaženosti. Mladý portugalský král Sebastian, který byl zajat, se zamiloval do barbarské královny Almeidy. Láska mu dala zapomenout na všechno. Sebastian se brzy dozvěděl, že ten, kdo mu dal štěstí lásky a vysvobodil ho ze zajetí, se ukázal být jeho sestrou. Iluze štěstí zmizela a nešťastní milenci se dobrovolně stáhli do kláštera.

Kromě Drydenových her se na repertoáru každého anglického divadla nutně objevila díla dalších dvou slavných herců a dramatiků - Nathaniela Lee (1653-1692) a Thomase Otwaye (1652-1685). Hra N. Leeho „Rival Queens, aneb smrt Alexandra Velikého“ udělala na ruského císaře Petra I. během jeho pobytu v Londýně v roce 1698 silný dojem. Populární byla i jeho dramata Mithridates a Theodosius.

Thomas Otway je v dějinách anglického divadla znám jako autor „domácích tragédií“ o životě střední třídy. Nejznámější z nich jsou „Sirotek, nebo nešťastné manželství“ a „Benátky zachráněné, aneb odkryté spiknutí“. Otwayova dovednost spočívala v zobrazování destruktivní síly vášní a slepoty citů pro člověka.

Velké oblibě se těšily hry tvůrčí dvojice John Fletcher (1579-1625) a Francis Beaumont (1584-1616). První vydání sbírky jejich her, obsahující 34 děl, pochází z roku 1647. Hry „Philastre“, „Král a ne král“, „Tragédie dívky“ byly několikrát znovu vydány. Tyto hry mistrně zobrazují lásku a všechny lidské vášně, které ji doprovázejí. Komedie těchto autorů byly opravdu zábavné a tragédie ve vás vyvolaly smutek a obavy spolu s hrdiny.

Anglický jazyk v dílech Beaumonta a Fletchera byl doveden k dokonalosti. To bylo později mnohokrát diskutováno literárními kritiky, kteří věřili, že všechna slova, která se po smrti těchto dramatiků dostala do každodenní řeči, byla zbytečná. Jejich hry se se stálým úspěchem hrají na scénách anglických divadel již 40 let. Navíc v každé nové divadelní sezóně byly v jejich repertoáru určitě hry „Zbabělý setník“, „Jak hospodařit s manželkou“, „Lov na myslivce“, „Král a ne král“, „Filastre“, které se hrály. v originále, bez jakýchkoli zmenšení nebo změn.


Rýže. 33. Joseph Addison

V 18. století se v Anglii vyvinul nejednoznačný postoj k W. Shakespearovi. Prominentní pedagogové Joseph Addison ( rýže. 33) a Richard Steele ( rýže. 34), který bojoval za vznik národního anglického divadla a proti nadvládě zahraniční, zejména italské opery a vystupoval na obranu jejího tvůrčího dědictví. Někteří kritici, jako Thomas Rymer, však jeho tragédie nazvali „fraškou bez chuti.


Rýže. 34. Richard Steele

Mnoho shakespearovských her proto autoři předělali tak, aby vyhovovaly modernímu vkusu. T. Otway přepracoval hru W. Shakespeara „Romeo a Julie“ se změnou názvu na „Život a pád Caia Maria“ a D. Dryden – „Antony a Kleopatra“ („Vše pro lásku“). A přestože se Shakespearovo jméno na plakátech objevovalo i nadále, úprava textu hry byla natolik výrazná, že představení nemělo s originálem nic společného. Řada her slavného dramatika byla ve stejné sezóně uvedena na londýnských scénách v původní i přepracované podobě a diváci rádi sledovali obě verze hry „Romeo a Julie“: s tragickým koncem W. Shakespeara a ten šťastný Jamese Howarda.

Společenská, vyhroceně satirická komedie mravů se odehrávala i na repertoáru anglického divadla. Raným představitelem tohoto typu kreativity lze nazvat George Etheridge (1634-1691), který byl považován za posměvače morálky století a vytvořil několik her, které se zapsaly do dějin divadelního umění v Anglii: „Comic Revenge, nebo Láska v sudu, „Ona by, kdyby“ mohla“ a „Otrokyně módy“. Později byl tento typ komedie v divadelních studiích nazýván „komedie éry restaurování“.


Rýže. 35. William Wycherley

Komedie byly v té době velmi populární. Herci zvláště rádi hráli ve hrách Williama Wycherleyho (1640-1716) ( rýže. 35), které se vyznačovaly humorem a jasnou jevištní přítomností. V některých divadelních sezonách uvedlo jeho hru Venkovská žena několik divadel najednou a mezi majiteli divadel se pak rozhořel skutečný konkurenční boj o diváky. O komediích Williama Congrevea ( rýže. 36), který měl u veřejnosti neustálý úspěch, mnoho generací anglických herců zdokonalovalo své jevištní umění. Ve hrách „Starý mládenec“, „Dvojhra“ a „Láska k lásce“ je na prvním místě sociální analýza založená na výstižných každodenních charakteristikách.


Obr 36 William Congreve

Congreveova nejnovější komedie „To je to, co děláte na světě“ odhaluje portrét muže moderní doby – Mirabelly. Hrdinova výhoda spočívá v jeho zvuku, logickém uvažování a duchovní laskavosti. Jazyk hry je velmi elegantní, prostý prázdných slovních hříček a pompézních frází.

V 18. století se výrazně rozšířil repertoár činoherních divadel. Představení se skládala z několika dějství a po představení byla doplněna o frašku, pantomimu, hudební zpestření nebo vystoupení klaunů a akrobatů. Závěr představení by mohla ozdobit i parodie na nějakou oblíbenou hru či operu. Dlouhá léta se hrály stejné slavné frašky bez ohledu na program celého večera. V divadelním repertoáru byly nejoblíbenější hudební zpestření neboli mezihry, mohlo se jednat o instrumentální koncerty nebo vokální vystoupení, což byly literární zápletky humorného obsahu, zhudebněné a nesoucí vtipné názvy „Láska a džbánek“, „The Shamed Dandy, „Profesor“ vtip sciences atd.

Vedle baladické opery, frašek a meziher se v 18. století objevil v divadelním provedení takový fenomén jako „živé obrazy“ a „slavnostní průvody.“ V říjnu 1727 ve hře „Richard III“ v Drury Lane Theatre v Londýně. , diváci viděli něco takového poprvé. průvod,“ který zachycoval slavnostní korunovační ceremoniál Anny Boleynové, druhé manželky krále Jindřicha VIII. Tato skvěle nastudovaná show s luxusními kostýmy pro herce se brzy stala samostatným koncertem Číslo si získalo obrovskou diváckou oblibu a bylo uváděno bez ohledu na téma představení, která se ten den odehrávala.

Ústředním jádrem mnohahodinového divadelního představení byla vždy hra, kterou si vybíral především divadelní soubor a dlouho ji nacvičoval. Majitelé divadel se kvůli zvýšené konkurenci snažili zohlednit požadavky masového publika. Do roku 1868 rozděloval repertoár mezi divadla lord Chamberlain, který měl na starosti královskou domácnost a dával svolení k uvedení hry. Tento systém umožnil divadlům vyvinout individuální styl. Duke's Theatre v Londýně bylo známé svým smíšeným repertoárem, zatímco v Royal Theatre byli preferováni W. Shakespeare a B. Johnson ( rýže. 3 7). Autory nových her byli jak profesionální dramaturgové, tak amatéři, kteří psali hry nejen pro peníze, ale také z lásky k divadlu. Gentleman, který nesloužil v divadle, tedy „externí autor“, na základě dohody s divadlem předělával slavné hry nebo skládal prology a epilogy k představením. Každé divadlo mělo své dramatiky a „externí autory“. Mnoho slavných herců také složilo nová představení, kterých se soubor rád účastnil.


Rýže. 37. Ben Jonson

Monarchové si často objednávali hry, navrhovali své vlastní spiknutí, které se někdy zrodily improvizovaně a někdy na radu dvorních šlechticů. Spolu s talentovanými a vážnými hrami se do kin dostalo obrovské množství rukopisů nekvalitní dramatiky, které prošly přísným výběrem, což vyvolalo nespokojenost mnoha autorů.

Hra, kterou divadelní skupina schválila, musela k inscenaci v divadle dostat povolení od královského cenzora. Na královském dvoře byly povinnosti hlavního cenzora svěřeny lordu Chamberlainovi a vrchnímu ceremoniáři, který stál v čele instituce státní cenzury. Hry by mohly být zakázány, pokud by zobrazovaly násilnou smrt panovníků nebo nevhodně použité citace z Bible. Scéna, která se zabývala úplatkářstvím, které vzkvétalo na královském dvoře, pokud by to cenzura povolila, mohla vyvolat králův hněv a vést k uvěznění cenzora, který pobuřování zmeškal. V historii anglického dramatu byly takové případy.

Když na konci 17. století zesílila činnost četných spolků pro nápravu mravnosti, zpřísnila se i divadelní cenzura, která v období zostřování politického boje mezi whigy a toryy uvnitř země nabývala extrémních podob. . V roce 1737 vydala vláda zákon o cenzuře. Stal se z něj Divadelní licenční zákon, podle kterého mohla existovat pouze divadla, která měla královskou licenci. Všechny hry bez výjimky musely být cenzurovány lordem Chamberlainem. Ve hrách měli autoři zakázáno dotýkat se politických problémů a kritizovat vládní úředníky.

V důsledku tohoto zákona se objevil státní monopol na divadla, t. j. všechna divadla v Londýně byla uzavřena kromě centrálních - Covent Garden a Drury Lane. Z jeviště zmizel repertoár aktuálního a kritického charakteru, chyběly improvizační hry, které by se dotýkaly problémů zahraniční či domácí politiky. Přes všechna cenzurní opatření však dramaturgové a herci za použití specifických divadelních technik a alegorií zprostředkovali divákům to, co nemohli vyjádřit otevřeně.

Dva umělečtí poradci krále Jiřího II., slavní divadelníci a podnikatelé William Davenant (1606-1683) a Thomas Killigrew (1612-1683), kteří v roce 1660 obdrželi královský patent na monopolní právo otevírat divadla, si mezi sebou rozdělili londýnské herce. Killigrewova družina se stala známou jako Králova družina a Davenantova družina se stala družinou vévody z Yorku. Tyto soubory neměly vlastní budovy a obývaly různé prostory uzpůsobené pro vystoupení.

Na samém počátku 17. století bylo na jihovýchodním okraji Londýna na St. John Street postaveno divadlo Red Bull. Jednalo se o otevřený typ divadla bez střechy, díky čemuž byla činnost souboru závislá na povětrnostních podmínkách. Tyto prostory si pronajímaly různé soubory, některé z nich neměly licenci a divadlo bylo pravidelně zavíráno pro porušení zákona. V divadelním prostředí Red Bullu vládl nepořádek a rozbroje, v hledišti se sešla ani ne stovka diváků. Herci v ubohých kostýmech hráli průměrně, někdy zcela nekompetentně. V 70. letech Red Bull zanikl a budovu převzal šermířský klub.

Počátkem 17. století se datuje také výstavba divadla Cockpit. Byla to poměrně prostorná cihlová budova nacházející se v centrální oblasti Drury Lane. Divadlo získalo své druhé jméno - "Fénix" - po požáru v roce 1617 a rychlé obnově. Divadlo existovalo asi 60 let a bylo zbouráno, protože již nevyhovovalo moderním požadavkům.

V prvních letech restaurování, konkrétně v roce 1629, bylo postaveno třetí divadlo v Londýně - Salisbury Court. V roce 1652 se jeho majitelem stala významná divadelní osobnost Anglie William Beeston, který i přes přísný zákaz dokázal za tvrdého režimu Olivera Cromwella odehrát několik představení a byl považován za jednoho z nejlepších divadelních pedagogů. Zahájil rekonstrukci divadelní budovy, která byla během revoluce uvedena do žalostného stavu. Podle jeho návrhu byla střecha zvýšena o 30 stop a v místnosti nad jevištěm byla instalována taneční třída. Výrazně byly rozšířeny boxy a stánky, které byly obklopeny ochozy. Budova divadla nepřežila londýnský požár v roce 1666.

7. května 1663 bylo otevřeno slavné anglické divadlo Drury Lane, které je dodnes předním divadlem v Londýně. Prvním představením, které se na jeho scéně odehrálo, byla hra „The Wayward Centurion“ od F. Beaumonta a D. Fletchera. Divadlo bylo postaveno mezi Drury Lane a Bridges Street.

Stavba měla kulatý tvar. Divadlo mělo prostorné stánky a luxusně zdobené lóže. Oblouk proscénia byl vyzdoben nádhernou výzdobou. I přes příliš velkou vzdálenost jeviště ke lóžím, úzké průchody ve stáních a nešťastné umístění orchestru mělo toto divadlo oproti svým předchůdcům značné výhody. Ve stáncích byly lavičky uspořádány do soustředných půlkruhů, tvořících amfiteátr. Stánky byly obklopeny dvěma řadami boxů, oddělených přepážkami a obsahujících několik řad pohodlných židlí. Do této doby mohly ženy být v boxech s muži.

Většina publika seděla ve stáncích, které byly během dne osvětleny obrovskou skleněnou kupolí, která korunovala vrchol budovy. Při jednom z prudkých lijáků padaly na hlavy diváků proudy vody, což vyvolalo bouřlivé rozhořčení veřejnosti. Večer byly stánky osvětleny svíčkami. Lavičky stánků byly potaženy zelenou látkou.

Uprostřed spodního patra stánků se nacházela královská schránka, kterou zdobila zlacená postava Apollóna a státní znak Anglie. Když na představení nebyli přítomni členové královské rodiny, byly lístky do královské lóže prodány všem.

Dne 25. listopadu 1672 vypukl v divadle požár, který zcela zničil jak areál divadla, tak přilehlé budovy. Královské divadlo, které bylo několik let nuceno shánět prostředky na nové prostory, dostalo až v roce 1674 budovu podle návrhu slavného architekta Christophera Wrena. Místnost ničím zvláštním nevyčnívala a byla jednoduchá a bez umění. Stánky měly tvar amfiteátru, ve kterém diváci seděli na lavicích čalouněných látkou a bez opěradel. Lidé seděli všichni pohromadě: vznešené dámy a pánové, stejně jako dámy s lehkou ctností, které během představení flirtovaly a mluvily; někteří hráli karty, nevěnovali pozornost hercům. Přímo před jevištěm pod přístřeškem spodního ochozu se nacházela nejdražší sedadla a nejchudší diváci se tísnili na ochozu horním.

Pro soubor vévody z Yorku bylo v roce 1671 podle návrhu téhož Christophera Wrena postaveno v londýnské čtvrti Dorset Garden divadlo, v němž sídlila činohra a opera. Vyznačoval se svou architekturou a luxusem výzdoby. Fasáda divadla měla výhled na Temži a byla zdobena erbem vévody z Yorku. Nejvyšší patro bylo určeno pro byty slavných anglických herců.

Do divadla se vešlo asi 1200 diváků a udivovalo krásou svého interiéru. Oblouk proscénia byl vyřezán v barokním stylu renomovaným řezbářem Grinlingem Gibbonsem a bohatě zlacený. Interiér hlediště byl mnohem krásnější než nejlepší divadelní interiéry ve Francii a měl příhodnější uspořádání. Ve stáncích, které měly tvar amfiteátru, nebyl slyšet téměř žádný hluk. Parter byl obklopen sedmi boxy, které mohly pojmout 20 lidí, následovalo 7 boxů prvního patra a ještě výše - regály.


Rýže. 38. John Vanbrugh

Na samém počátku 18. století, v roce 1705, v Londýně dramatik John Vanbrugh ( rýže. 38) byla postavena první budova opery, která se stala známou jako Queen's Opera House na počest královny Anny. Obrovské jeviště pro tato představení a specifická akustika nebyly vhodné pro činoherní představení, a tak se zpěváci a hudebníci usadili v divadle. Toto divadlo existovalo téměř 85 let. Nevyhnul se osudu mnoha londýnských divadel a zničil jej požár, který vypukl v jeho skladech 17. června 1789.

V období restaurování a dalšího rozvoje kultury v Anglii na počátku 18. století se divadla výrazně změnila. Jejich architektura se v souladu se zvýšenými požadavky stala složitější. Interiér divadel a vnitřní výzdoba odrážely bohatství jejich majitelů. Design jeviště kombinoval shakespearovské pódium a box stage s portálem, který ji odděloval od publika. Přední část jeviště, která zasahovala do hlediště, se stala oválnou. Objevilo se zákulisí a kulisy, namalované umělci.

Hlavní část představení se odehrávala na proscéniu. Ke konci museli herci předstoupit do oválné části jeviště, která byla divákovi blíže a mnohem lépe osvětlená. Vnitřek jeviště, kde se nacházely kulisy, byl v šeru, což vytvářelo po celou dobu představení pocit mystiky. Svíčky, kterých bylo pro dostatečné osvětlení zapotřebí velmi velké množství, byly drahé a představovaly luxus, který si majitelé divadel dovolili jen kvůli členům královské rodiny. Slabé mihotající se světlo a pohupující se stíny na stěnách vyvolávaly v divadelním představení pocit čehosi nadpřirozeného. Samotná rovina jeviště měla mírný sklon směrem k proscéniu, které zdobil slavnostní vyřezávaný oblouk, kde byly instalovány basreliéfy a plastiky, zruční řemeslníci vyřezávali složité ornamenty a to vše bylo pokryto zlacením. Během restaurování byli angličtí herci považováni za oficiálně v královských službách. Herci královského divadla nosili uniformu královských služebníků z červené látky, lemovanou červeným sametem, ale ve skutečnosti byli ve společnosti považováni za představitele nejnižší třídy. Dostávali malý plat, pro který museli tvrdě pracovat.

Herci museli mít fyzickou výdrž, aby vydrželi dlouhé hodiny zkoušek a představení. Místnosti, ve kterých bylo mezi představeními několik lidí, nebyly vytápěny. Samostatná místnost s krbem byla poskytnuta pouze ve výjimečných případech. Často hned po úspěšné premiéře musel herecký soubor představení zopakovat pozdě večer ve dvorním divadle královského paláce. Jen s výbornou pamětí si herec dokázal během krátké doby zapamatovat texty více rolí v jednom představení nebo různé role více představení.

Během divadelní sezóny, která byla přerušena během léta, kdy královská rodina odjela z Londýna, se moc vydělat nedalo. Práce byly přerušeny kvůli epidemiím, požárům, záplavám, náboženským svátkům nebo smutku v královské rodině. Kvůli cenzuře nebo jen poznámce krále či panského komořího bylo také divadlo na neurčito uzavřeno.

Většina herců si pronajala bydlení poblíž divadla, aby neutráceli peníze za cestování. Bohatí herci si mohli dovolit žít v prestižních oblastech Londýna. Pokud měli majitelé divadla o určitého herce zájem (a nejčastěji to byly herečky), pak se byty pro ně nacházely v samotné budově divadla nebo v budovách k ní přilehlých.

Anglické zákony vždy stály na straně boháčů v jejich soubojích či soubojích s herci, ačkoli případy, které se řešily u soudů, vznikly jejich vinou. Urazit nebo ponížit herce nic nestálo. To bylo považováno za normální mezi šlechtou.

Během Obnovy se na scéně anglického divadla objevily herečky, které nahradily zženštilé mladé muže oblečené v ženských šatech. Aby mohli hrát ženské role, museli mladí muži několik let studovat. První herečky musely mít dostatečnou vůli a občanskou odvahu, aby vyšly na jeviště v tak puritánské zemi jako je Anglie a představily ženskou postavu v celém jejím kouzlu.

První herečky přicházely do divadla ze soukromých penzionů. Všichni byli skromného původu a studovali gramotnost, dikci, hudbu a tanec na internátních školách. Dívky z buržoazní třídy přicházely do divadla s doporučením učitelů tance a soukromých ředitelů sborů. Z hereckého prostředí vzešlo mnoho úžasných hereček. V době, kdy bylo ženské vzdělání na velmi nízké úrovni, se profese herečky začala mnohým dívkám zdát nadějná a lákavá.

Divadlo jim otevřelo cestu do světa osvobozeného od domácí tyranie, který poskytoval značné možnosti osobního rozvoje. Ale zároveň mladé talenty, neschopné zajistit si minimum životních prostředků, upadly pod vliv bohatých pánů a staly se jejich udržovanými ženami. Herečka ve výplatě bohatého gentlemana - tento jev byl velmi častý a zcela legální. Mladé herečky samy toužily stát se udržovanými ženami a často dívky, které se několik let učily v divadle, opouštěly divadlo na 1–2 roky takové údržby, po které ve většině případů našly úkryt v londýnských nevěstincích. Na jevišti zůstali jen ti, kteří se z celého srdce věnovali své herecké profesi. Většinou to byly manželky herců.

Angličtí herci museli často cestovat do jiných zemí, aby si vydělali na živobytí. Někdy byly tyto cesty životu nebezpečné. Herci museli často hladovět a zažívat nejrůznější útrapy. Vystupovali zpravidla na náměstích a trzích pod širým nebem. Navzdory jazykovým rozdílům byli angličtí herci v různých evropských zemích přijímáni velmi dobře, jejich klasický způsob herectví a herecké dovednosti vzbuzovaly u současníků obdiv. Během renesance prokázali angličtí herci své dovednosti v Německu, Holandsku, Dánsku a Francii.

Kromě činoherních herců vyrazili na turné do Francie angličtí akrobaté, mimové a tanečníci. Bratři Wooltonové se svolením francouzské vlády otevřeli cirkus v Dijonu. Slavný herec Thomas Betterton navštívil Francii jménem anglické vlády. Musel se seznámit s repertoárem a strukturou divadel.

Francouzští herci také přijeli na turné do Anglie, ale sofistikované londýnské publikum chovalo jejich výkony s jistým pohrdáním. Divadelní rekvizity a doprovod hostujících účinkujících byly nenáročné a představení působila fádně a nezajímavě. Bylo to dáno tím, že na turné byli hlavně herci s nízkými příjmy.

Jako první přišli z Itálie do Anglie umělci loutkového divadla. Jejich výkon na krále velmi zapůsobil a udělil přednímu herci loutkového souboru medaili a zlatý řetěz. Italští herci, kteří přijeli na turné, se těšili zvláštní přízni krále. Za představení dostali Whitehall v královském paláci. V 18. století v Londýně zakořenila italská opera, kterou navštěvovala především londýnská šlechta. Její repertoár, navržený pro vytříbený vkus anglické aristokracie, uchvátil společenské kruhy Londýna.

Opery byly nejprve provedeny v angličtině, ale to znesnadnilo jejich provedení, což způsobilo rozpory mezi hudebním tématem a anglickým překladem italského textu. Později angličtí a italští interpreti zpívali árie ve svých jazycích a ještě později byly všechny árie uvedeny v italštině. Publikum málo rozumělo obsahu a dění na jevišti vnímalo jen jako mechanickou zábavu, nevyvolávající soucit ani reflexi. Mnoho prominentních pedagogů v Anglii považovalo italskou operu za invazi do národní kultury, což jí způsobilo značné škody.

Nové hry v ručně psané podobě byly přivezeny přímo do divadla k posouzení a schválení. Obvykle první čtení prováděl autor. Vnímání nové hry herci do značné míry záviselo na jeho dramatických schopnostech. Některé hry musel autor číst vícekrát, aby hercům předal svou myšlenku a patos díla. Mnohé hry potřebovaly po autorských čteních upravit a zrevidovat slavnými herci, kteří svévolně přepisovali role a přizpůsobovali je mravům či charakterům svých kamarádů. Někdy takové úpravy hry výrazně vylepšily a někdy byly hry téměř úplně přepsány, aby je naplnily „živým obsahem“.

Role byly zadávány za přímé účasti majitele divadla, který sám obvykle patřil k předním hercům. Do hlavní role byla přidělena herečka, která byla v tomto období oblíbená, bez ohledu na to, zda roli zvládla nebo ne. Někdy výkon oblíbené herečky v roli netypické pro její roli zcela zkazil dojem z představení. Stalo se ale, že se na rozdělování rolí podílel sám král.

Uznávaní talentovaní dramaturgové měli právo vybrat si herce, kteří se budou podílet na jejich představeních. A hry psali s ohledem na to, kdo přesně by tuto roli hrál. Ale hlavní role herce byla v této věci stále rozhodující. Diváci si vytvořili určitý stereotyp postavy a diváci by mohli v divadle rozpoutat kravál, pokud by ve hře nebyl hlavní herec, ale jeho náhradník. Poté muselo být představení zastaveno, protože na pódium létaly nejrůznější předměty včetně hořících svíček.

Příprava premiéry trvala minimálně měsíc. Režie jako taková v té době ještě neexistovala a během zkoušek mohl text podléhat různým neoprávněným změnám. Po zhlédnutí takových představení si dramaturgové stěžovali, že jim ukradli minimálně tisíc řádků. Často se dramatik ujal role režiséra činohry. Staral se o produkci a organizaci práce na rolích. Rozvinul také mizanscénu a pohyby postav v jevištním prostoru až po gesta a plasticitu.

Zkoušky začaly ráno a skončily před představením. Probíhaly různými způsoby, často byly hlučné a zmatené, ale někdy se ukázaly být docela profesionální. Večerní čas po představení byl vyhrazen pro zapamatování nových textů a učení tanců. Mnohem méně času a úsilí herců bylo vynaloženo na obnovení již dříve hrané hry na repertoár divadla. To netrvalo déle než dva týdny.

Někdy příliš ukvapené přípravy na představení vedly k tomu, že herci neznali dobře text. Na jeviště pak vynesli takový roubík, že se jejich soudruzi neubránili hlasitému smíchu a neslušní představení narušili. V divadelních souborech často chyběla přísná disciplína a neochota některých herců pracovat na jejich dikci. Výsledkem bylo, že jejich výkon vyvolal mezi diváky podráždění a nespokojenost, protože v publiku nebylo možné rozeznat jediné slovo, které takový herec pronesl.

Někteří herci si dovolili rafinovaně zdobit autorské texty pestrými výrazy vlastní kompozice. Celé pasáže takových amatérských autorů nenávratně poškodily představení a pokazily reputaci dramatika. Jeden z těchto horlivých herců, John Lacy, byl na příkaz krále zatčen. Stalo se tak proto, že spontánně pronesl projevy s velkým patosem a rozšířil rejstřík městských neřestí ve hře „Proměna korun“, které se zúčastnil Karel II. Někteří komičtí herci si dovolili několik minut mluvit s publikem. Bylo zbytečné jim to zakazovat a autoři, s ohledem na vlastnosti takových herců, do autorových poznámek napsali: „Pokračujte ve stejném duchu“ nebo „Podle uvážení interpreta“.

Slabou stránkou anglického dramatu zůstávala dlouhá desetiletí příprava představení. Placené generální zkoušky divadelních her s pozváním diváků se začaly provozovat v 18. století. Nejprve je uváděly operní domy, později činohry.

Osud představení závisel na mnoha okolnostech, o jeho úspěchu však zcela rozhodl až den premiéry. Nejbohatší honoráře divadlo získalo v období od listopadu do února. Den premiéry byl vybrán speciálně. Podívali jsme se, jestli se ten den v Londýně nekonaly nějaké další masové akce, které by mohly odsoudit divadlo k naprosté absenci diváků v sále. Sobota byla považována za nejlepší den pro premiéru.

Docela důležité místo v přípravě představení dostal protějšek. Hercům čitelně přepsal každou roli zvlášť a za úplatu svázal listy do podoby knihy s přebalem. Na stránkách těchto knih si nápovědači dělali poznámky a komentáře pro herce a sami upravovali průběh představení. Kromě papíru, per a inkoustu byl v inventáři promptníka vždy zvonek a píšťalka. Zvuk píšťaly uvedl kulisu do pohybu a pohnul a zvonek informoval orchestr o hudebním úvodu.

Hudba byla důležitým stavebním prvkem představení. Vytvořila zvláštní emotivní atmosféru, spojující účinkující s publikem. Změnou hudebního tématu díla v průběhu představení bylo možné mu dát různé významové odstíny. Mnoho dramatiků specificky spolupracovalo se skladateli při vytváření hudebních čísel pro jejich hry, chápali, jak důležitou roli hraje hudba a zvuk jednotlivých hudebních nástrojů.

Dramaturgové si oblíbili především housle, flétnu a hoboj. Londýnská aristokracie dávala přednost kytaře, na kterou hráli ve hrách světští hýření a dámy. Počet houslí v divadelních orchestrech někdy dosahoval až 24. Vždy bylo přítomno cembalo.

Umístění orchestru v divadle se několikrát měnilo. Nejprve se nacházel nad jevištěm, v hlubinách jevištního prostoru. Publikum nemohlo vidět hudebníky. Místo, kde byli hudebníci, se nazývalo „hudební podkroví“. Později se přesunul dolů a postavil se mezi jeviště a stání a ještě později klesl na nižší úroveň, pod jeviště. Postavení orchestru v divadle se několikrát změnilo, přesunul se z nižší úrovně na nejvyšší a zase zpět.

Ani jedno vystoupení se ale neobešlo bez hudebního doprovodu. Tam, kde představení poskytlo sebemenší příležitost pro hudební číslo, bylo jistě využito. Hudební vložky, vokální árie a taneční scény se objevily ve hrách Shakespeara a dalších dřívějších autorů. Inscenaci oživilo použití hudby. Pro ozdobu představení sepsali dramaturgové speciálně role cikánů, potulných zpěváků nebo veselých hostů, kteří zpívali a tančili, což způsobilo radostné oživení publika.

Před začátkem představení vždy zněla příjemná hudba, která diváky zbavila nudy z čekání. Mnoho diváků přišlo speciálně předem, aby si užili vynikající provedení hudebních děl.

Hudební předehra (nutně „ve francouzském stylu“) předcházela prologu představení. "Curtain Melody" uzavřela každý akt. Tato melodie začala během posledních řádků postav. Další dějství začalo hudebním úvodem. Závěr představení byl často ve znamení všeobecného tance herců, kteří tančili v Anglii oblíbený tanec chaconne. Hudba doprovázela poklony herců i odcházejících diváků, dokud v hledišti nezůstal nikdo.

Počet hudebních čísel ve hře se měnil v závislosti na žánru hry. Tragédie neobsahovala více než dvě písně, komedie jich mohla mít více než pět. Hudba musela hrát ve scénách hostin, svateb a pohřbů. V komedii Thomase Durfeye bylo více než dvacet hudebních čísel. V této době vznikl nový typ dramatického představení, kterému se dnes říká „opereta“.

Milenci trpěli pod serenádami, služebnictvo skládalo satirické dvojverší o svých pánech, epičtí hrdinové zpívali balady a pouliční uličníci parodie na bohaté. To vše rozšířilo hranice žánru, obohatilo představení o nové detaily a dodalo hereckým výkonům další barvu. Hudba, funkčně provázaná s dialogy postav, sehrála roli psychologického vrcholu představení. Takové představení se nemohlo dotknout nejhlubších pocitů člověka a probouzet jeho myšlenky.

Taneční miniatury byly stejně nedílnou součástí dramatického představení jako hudba. A je jedno, zda to byla tragédie nebo komedie, obyčejná fraška nebo parodická hra. Tyto taneční miniatury se později vyvinuly v balet, který se stal samostatnou formou dramatického umění.

Dramaturgové a divadelníci přikládali velký význam tanečnímu repertoáru nejen představení, ale i přestávek. Během přestávek, které přitahovaly publikum plamennými melodiemi, správa udržovala v divadle poklidnou atmosféru, čímž odváděla pozornost nejzarytějších diváků od nevyhnutelných rvaček.

Na londýnských plakátech byly spolu s názvem hry uvedeny i názvy tanců, které budou nabízeny veřejnosti. Populární byly národní tance, mezi nimi skotské, španělské, irské jigové a komické tance. Choreografie byla nedílnou součástí herecké dovednosti. A divák stále raději sledoval zábavnou hudební show s písněmi a tanci, aniž by dával pozor na děj hry. Hlavní smysl divadla – vzdělávat city a rozvíjet myšlení – ustoupil zábavě a zábavě.

Ve středověku, pár dní před začátkem představení, pobíhali po městě praporečníci neboli heroldi s identifikačními prapory a křičeli název zázračné hry, kterou měl hrát kočovný divadelní soubor. Dlouho byla zachována ústní forma zvacích hlášek, jejichž texty byly rýmovány a vyslovovány za doprovodu hudebních nástrojů. V Londýně byly efekty hlasitého hluku doprovázející divadelní hlášení zakázány, ale ve venkovských městech hlasatelé na trubku a buben vždy přitáhli do svých divadel mnohem více diváků než kostelní zvon do kostela. Na představení cestujících herců se během pár minut mohlo sejít více než tisíc diváků.

Dávné tradice ohlašování chystaného divadelního představení pokračovaly až do konce 18. století. Bubeník a křikloun byli nedílnou součástí chuti venkovské Anglie té doby. Zatímco bubeník přitahoval pozornost obyvatel města svým složitým bubnováním, heraldik vykřikoval veškeré informace o chystaném představení a rozdával programy, které uváděly název hry a čas začátku představení.

V Londýně byla v den, kdy se mělo konat představení, nad budovou divadla vztyčena vlajka. Čas jeho začátku byl ohlašován trubkou a trubač z půdního okna divadla troubil v určitých intervalech na tři trubky.

První divadelní plakát se objevil ve Francii v druhé polovině 16. století. V Anglii se plakáty objevily mnohem později, až v roce 1564. Ručně psané plakáty byly obvykle vyvěšeny na sloupech poblíž divadla, u bran vysokých škol a vzdělávacích institucí, v hustě obydlených oblastech. Na plakátu vynikal velkými písmeny název divadla i představení. V jeho horní části byl státní znak s latinským nápisem „Ať žije král! V 18. století začal plakát uvádět obsazení herců zapojených do hry a čas začátku představení. Jméno dramatika se poprvé objevilo na herním listu v roce 1699. Tak se jmenoval autor komedie Double Game William Congreve. V roce 1700 zakázal Velký londýnský dvůr divadlu vyvěšovat své plakáty ve městě a jeho okolí.

Noviny začaly zveřejňovat oznámení o chystaných představeních, jejich autorech a obsazení. Tam spolu s reklamními informacemi bylo možné najít adresu knihkupectví, kde se text hry prodával. V roce 1702 tyto reklamy pravidelně provozoval Daily Courant, ve 20. letech 20. století následovaly Daily Post a Daily Journal. Divadelní hlášky v této době obsahovaly kromě informací o samotném představení i takové podrobnosti, jako na čí žádost (některé z královských osob nebo urozené dámy) bylo představení uvedeno, ceny za místa ve stáncích, boxech a galeriích, atd. V některých případech majitelé divadel požádali vydavatele, aby uvedli několik řádků charakterizujících herecké výkony nebo vztahujících se k obsahu hry.

V roce 1702 byl v Londýně zrušen zákaz vystavování herních plakátů. V ulicích města se opět začaly objevovat černobílé plakáty. Červené byly dražší a tiskly se zpravidla v den premiéry nebo benefičního představení.

Na ulicích se dal koupit malý plakát u prodavačky pomerančů a za malý úplatek hlásila nejnovější divadelní novinky nebo vzala dopis jedné z hereček. Majitelé divadel konkrétně najímali tyto obchodníky, aby o přestávkách prodávali ovoce a sladkosti a účtovali jim za to určitý poplatek. Takoví obchodníci byli nejcennějšími zdroji informací o zákulisí divadelního života a ti nejšikovnější a nejvynalézavější z nich si na obchodech a obchodech s novináři dokázali vydělat značné jmění.

Divadelní programy v londýnských divadlech se objevily v 60. letech 18. století po pravidelných zájezdech francouzských herců. Jejich pestře koncipovaný program na 18 stranách představil podrobný popis mašinérie, s níž hrdina hry Orfeus sestupuje do pekla. Text na obálce naznačoval, odkud byla zápletka převzata a kdo a kde přesně bude toto představení uvádět. V anglických pořadech mohly být pro úsporu času uváděny texty dlouhých dopisů, které si diváci mohli předem přečíst a děj hry tak neobtěžoval diváky vynucenými nudnými scénami. Někdy se prolog a epilog hry tiskly na samostatné listy a prodávaly se před začátkem představení. Na konci každého představení proběhlo oznámení o dalším vystoupení. Reakce veřejnosti (souhlas či rozhořčení) na návrh divadelní správy určila osud připravovaného představení.

Kroniky divadelních novin popisovaly vše, co se dělo na jevištích divadel i v zákulisí, do nejmenších detailů. Pozornost byla věnována také událostem, které se odehrávaly v hledišti, včetně rvaček mezi opilými davy. Obsahoval také dekrety lorda Chamberlaina a komentáře královské cenzury a týkal se také návštěv divadel vysoce postavených zahraničních hodnostářů, kteří byli častými hosty londýnských divadel.

Divadelní hlediště plné lidí představovalo zrcadlový obraz anglické společnosti. Bylo to místo pro obchodní jednání a milostné vztahy. Mladí lidé se mohli chlubit svými zásluhami a talentem a rodiče se mohli chlubit svými dcerami jako vdací dívky. Hostující venkovští boháči, kteří viděli dostatek módních umělců hlavního města, přinesli do svých domovů nové dojmy a módní oblečení.

V divadle se scházeli lidé z různých vrstev, vášnivě a upřímně zapálení pro dramatické umění, někdy v těch nejneočekávanějších a nejbarevnějších kombinacích. Nejlepší místa ve stáncích byla vždy obsazena ušlechtilými lidmi a kritiky. Publikum ve stáncích bylo smíšené, a proto se stánky často stávaly místem hlučných hádek a rvaček, které často přecházely v souboje.

Prostřední galerie byla vyhrazena ženám s lehkými ctnostmi, které se objevovaly v divadle a zakrývaly si tváře maskami. Na horní galerii sídlilo služebnictvo doprovázející pány a volní diváci.

Bylo těžké předvídat reakci tak různorodého publika na představení a o to těžší byl úkol herců podřídit si pozornost diváků. V tom je ale pravděpodobně magický efekt divadelního umění, kdy zručnost a emoce herců uchvátí a přenesou s sebou do prostoru představení tento parter, někdy nespoutaný ve svých vášních a galerii daleko od vytříbených citů.

Sdílet s přáteli:
Související publikace