holandská malba. Zlatý věk holandského malířství

Nizozemsko je jedinečná země, která dala světu desítky vynikajících umělců. Slavní návrháři, umělci a prostě talentovaní umělci - to je malý seznam, kterým se tento malý stát může pochlubit.

Vzestup holandského umění

Éra rozkvětu umění realismu netrvala v Holandsku dlouho. Toto období zahrnuje celé 17. století, ale rozsah jeho významu tento chronologický rámec značně přesahuje. Nizozemští umělci té doby se stali vzory pro následující generaci malířů. Aby tato slova nezněla neopodstatněně, stojí za zmínku jména Rembrandta a Halse, Pottera a Ruisdaela, kteří si navždy upevnili status nepřekonatelných mistrů realistického zobrazení.

Velmi významný představitel Nizozemců Jan Vermeer. Je považován za nejtajemnější postavu rozkvětu nizozemského malířství, protože ač slavný už za svého života, o necelé půlstoletí později ztratil o svou osobu zájem. O Vermeerových biografických informacích je známo jen málo; většinou historikové umění zkoumali jeho historii studiem jeho děl, ale i zde byly potíže - umělec své obrazy prakticky nedatoval. Za nejcennější z estetického hlediska jsou považována Janova díla „Služka s džbánem mléka“ a „Dívka s dopisem“.

Neméně slavnými a uznávanými umělci byli Hans Memling, Hieronymus Bosch a geniální Jan van Eyck. Všichni tvůrci se vyznačují přitažlivostí pro každodenní život, který se odráží v zátiších, krajinách a portrétech.

Zanechalo stopy v následném vývoji francouzského umění druhé poloviny 17. století a stalo se vzorem pro realistické krajiny vzniklé v období renesance. Ruští realističtí umělci věnovali pozornost i Nizozemcům. Můžeme s jistotou říci, že umění Nizozemska se stalo progresivním a příkladným a dokázalo se odrazit na plátnech každého vynikajícího umělce, který maloval přírodní skici.

Rembrandt a jeho odkaz

Celé jméno umělce je Rembrandt van Rijn. Narodil se v památném roce 1606 do rodiny na tehdejší dobu značně prosperující. Jako čtvrté dítě se mu stále dostalo dobrého vzdělání. Otec chtěl, aby jeho syn vystudoval univerzitu a stal se vynikající osobností, ale jeho očekávání se nenaplnila kvůli chlapcově nízkému studijnímu výkonu, a aby veškeré úsilí nebylo marné, byl nucen chlapovi ustoupit a souhlasí s jeho touhou stát se umělcem.

Rembrandtovými učiteli byli nizozemští umělci Jacob van Swanenburch a Pieter Lastman. První měl spíše průměrné dovednosti v malbě, ale dokázal si získat respekt ke své osobnosti, protože strávil dlouhou dobu v Itálii, komunikoval a spolupracoval s místními umělci. Rembrandt s Jacobem dlouho nezůstal a vydal se hledat jiného učitele do Amsterdamu. Tam studoval u Petera Lastmana, který se pro něj stal skutečným mentorem. Byl to on, kdo naučil mladého muže umění rytectví do té míry, že jej mohou pozorovat jeho současníci.

Jak dokazují mistrova díla, provedená ve velkém množství, Rembrandt se stal plně formovaným umělcem v roce 1628. Jeho náčrty byly založeny na jakýchkoliv předmětech a lidské tváře nebyly výjimkou. Když mluvíme o portrétech nizozemských umělců, nelze nezmínit jméno Rembrandt, který se již od mládí proslavil svým pozoruhodným talentem v této oblasti. Maloval hodně svého otce a matky, které jsou nyní uloženy v galeriích.

Rembrandt si rychle získal popularitu v Amsterdamu, ale nepřestal se zlepšovat. Ve 30. letech 17. století vznikla jeho slavná mistrovská díla „Anatomy Lesson“ a „Portrait of Coppenol“.

Zajímavostí je, že v té době se Rembrandt oženil s krásnou Saxií a v jeho životě začala úrodná doba hojnosti a slávy. Mladá Saxia se stala umělcovou múzou a byla ztělesněna ve více než jednom obraze, ale jak dosvědčují historici umění, její rysy se opakovaně nacházejí v jiných portrétech mistra.

Umělec zemřel v chudobě, aniž by ztratil slávu, kterou získal za svého života. Jeho mistrovská díla jsou soustředěna ve všech významných galeriích světa. Právem jej lze nazvat mistrem, jehož díla představují syntézu veškeré středověké realistické malby. Technicky nelze jeho práci nazvat ideální, protože se nesnažil o přesnost konstrukce výkresu. Nejdůležitějším uměleckým aspektem, který ho odlišoval od představitelů malířských škol, byla jeho nepřekonatelná hra šerosvitu.

Vincent Van Gogh – geniální pecka

Když mnoho lidí slyší frázi „velcí nizozemští umělci“, okamžitě si v hlavě představí obraz Vincenta Van Gogha, jeho nepopiratelně krásné a svěží obrazy, které byly oceněny až po umělcově smrti.

Tuto osobu lze nazvat jedinečnou a brilantní osobností. Jako syn pastora šel Van Gogh, stejně jako jeho bratr, ve stopách svého otce. Vincent studoval teologii a byl dokonce kazatelem v belgickém městě Borinage. Pracuje také jako komisionář a různé tahy. Služba ve farnosti a úzký kontakt s drsným každodenním životem horníků však v mladém géniovi oživily vnitřní pocit nespravedlnosti. Když Vincent každý den přemítal o polích a životě pracujících lidí, byl tak inspirován, že začal kreslit.

Holandští umělci jsou známí především pro své portréty a krajiny. Vincent Van Gogh nebyl výjimkou. Do svých třicátých narozenin vše vzdává a začíná se aktivně věnovat malování. V tomto období vznikly jeho slavná díla „Jedlíci brambor“ a „Selanka“. Všechna jeho díla jsou prodchnuta zběsilou sympatií k obyčejným lidem, kteří živí celou zemi, ale zároveň sotva dokážou uživit vlastní rodiny.

Později Vincent míří do Paříže a zaměření jeho práce se poněkud mění. Objevují se intenzivní obrazy a nová témata pro empatii. Životní styl napůl vězení a manželství s prostitutkou se odrážely v jeho umění, což je jasně vidět na obrazech „Noční kavárna“ a „Procházka vězňů“.

Přátelství s Gauguinem

Počínaje rokem 1886 se van Gogh začal zajímat o studium plenérové ​​malby impresionistů a rozvinul zájem o japonské tisky. Od té chvíle byly v umělcových dílech viditelné charakteristické rysy Gauguina a Toulouse-Lautreca. V první řadě je to vidět na změně přenosu barevné nálady. V dílech začínají převládat tahy štětcem sytě žluté barvy a také modré „jiskření“. První skici v charakteristickém barevném schématu byly: „Most přes Seinu“ a „Portrét otce Tanguye“. Ten druhý oslňuje svým jasem a odvážnými tahy.

Přátelství mezi Gauguinem a Van Goghem bylo korelačního charakteru: vzájemně ovlivňovali kreativitu, i když používali různé výrazové prostředky, aktivně si vyměňovali dary v podobě vlastních obrazů a neúnavně se hádali. Rozdíl mezi postavami, nejistá pozice Vincenta, který věřil, že jeho obrazové způsoby jsou „venkovské bestiální“, vyvolaly kontroverze. V některých ohledech byl Gauguin přízemnější osobností než V an Gogh. Vášně v jejich vztahu byly tak intenzivní, že se jednoho dne pohádali ve své oblíbené kavárně a Vincent po Gauguinovi hodil sklenku absinthu. Hádka tím neskončila a druhý den následovala dlouhá řada obvinění vůči Gauguinovi, který podle Van Gogha za všechno mohl. Právě na konci tohoto příběhu byl Holanďan tak zuřivý a depresivní, že uřízl mu část ucha, které jej laskavě daroval prostitutce.

Nizozemští umělci, bez ohledu na éru svého života, společnosti opakovaně prokázali svůj nepřekonatelný způsob přenášení okamžiků života na plátno. Snad ještě nikdo na světě si však nedokázal vydobýt titul génia, aniž by alespoň trochu nerozuměl technikám kresby, kompozici a způsobům uměleckého vyjádření. Vincent Van Gogh je jedinečný génius, kterému se podařilo dosáhnout celosvětového uznání díky své vytrvalosti, čistotě ducha a přehnané žízni po životě.

Nizozemská malba ve výtvarném umění

Zhruba polovina 16. tabulky. mezi nizozemskými malíři existuje touha zbavit se nedostatků domácího umění - jeho gotické hranatosti a suchosti - studiem italských umělců renesance a kombinováním jejich způsobu s nejlepšími tradicemi vlastní školy. Tato touha je patrná již v dílech zmíněného Mosterta; ale za hlavního šiřitele nového hnutí je třeba považovat Jana Schorela (1495-1562), který žil dlouhou dobu v Itálii a později založil školu v Utrechtu, z níž vzešla řada umělců nakažených touhou stát se holandskými Raphaels a Michelangelos. V jeho stopách Maarten van Van, přezdívaný Gemskerk (1498-1574), Henryk Goltzius (1558-1616), Peter Montford, přezdívaný. Blokhorst (1532-83), Cornelis v. Haarlem (1562-1638) a další náležející do dalšího období italské školy, jako například Abraham Bloemaert (1564-1651), Gerard Gonthorst (1592-1662), se vydali za Alpy, aby se prodchli dokonalostí z osobností italského malířství, ale z velké části upadli pod vlivem představitelů v té době začínajícího úpadku tohoto malířství a vraceli se do své vlasti jako manýristé, kteří si představovali, že celá podstata umění spočívá v přehánění svalů, domyšlenost úhlů a švih konvenčních barev. Malířská vášeň Italů, která v přechodné éře Gruzie často sahala do extrémů, však přinesla určitý přínos, protože do tohoto obrazu vnesla lepší, učenější kresbu a schopnost svobodněji a odvážněji spravovat kompozici. Spolu se staronizozemskou tradicí a bezmeznou láskou k přírodě se stal italismus jedním z prvků, z nichž se formovalo původní, vysoce rozvinuté umění vzkvétající éry. Počátek této éry, jak jsme již řekli, by se měl datovat na počátek 17. století, kdy Holandsko, když získalo nezávislost, začalo žít novým životem. Dramatickou proměnu utlačované a chudé země právě včera v politicky významnou, pohodlnou a bohatou unii států provázela stejně dramatická revoluce v jejím umění. Ze všech stran téměř současně vycházejí v nesčetném množství úžasní umělci, povoláni k činnosti vzestupem národního ducha a potřebou jejich tvorby, která se ve společnosti rozvinula. K původním uměleckým centrům, Haarlemu a Leidenu, přibývají nová - Delft, Utrecht, Dortrecht, Haag, Amsterdam atd. Všude se staré úkoly malby rozvíjejí novým způsobem pod vlivem měnících se požadavků a názorů. , a její nové pobočky, jejichž počátky byly v předchozím období sotva patrné. Reformace vyhnala náboženské obrazy z kostelů; nebylo třeba zdobit paláce a šlechtické komnaty obrazy antických bohů a hrdinů, a proto historická malba, která uspokojila vkus bohaté buržoazie, zavrhla idealismus a obrátila se k přesné reprodukci skutečnosti: začala interpretovat dávno minulé události jako události dne, které se odehrály v Holandsku, a zejména se ujal portrétování a zvěčnil v něm rysy tehdejších lidí, buď v jednotlivých postavách, nebo v rozsáhlých, vícefigurových kompozicích zobrazujících střelecké spolky (schutterstuke), které hráli tak významnou roli v boji za osvobození země - manažeři jejích charitativních institucí (regentenstuke), předáci obchodů a členové různých korporací. Kdybychom se rozhodli mluvit o všech talentovaných portrétistech vzkvétající éry Galie. umění, pak by pouhý výčet jejich jmen s uvedením jejich nejlepších děl zabral mnoho řádků; Proto se omezujeme na zmínku pouze o těch umělcích, kteří jsou zvláště vynikající z obecných řad. Jsou to: Michiel Mierevelt (1567-1641), jeho žák Paulus Morelse (1571-1638), Thomas de Keyser (1596-1667) Jan van Ravesteyn (1572? - 1657), předchůdci tří největších portrétistů Holandska - černokněžník šerosvitu Rembrandt van Rijn (1606-69), nesrovnatelný kreslíř, který měl úžasné umění modelovat figury světlem, ale poněkud chladným charakterem a barvou, Bartholomew van der Gelst (1611 nebo 1612-70) a údery fugou jeho štětce Frans Gols starší (1581-1666). Z nich jméno Rembrandt září zvláště jasně v dějinách, které si jeho současníci nejprve velmi vážili, pak jimi zapomněli, potomstvo málo doceněné a teprve v současném století povýšeno, ve vší férovosti, na úroveň světa. génius. V jeho charakteristické umělecké osobnosti jsou jakoby v ohnisku soustředěny všechny nejlepší kvality G. malby a jeho vliv se odrážel ve všech jejích typech - v portrétech, historických obrazech, každodenních výjevech i krajinách. Nejznámější z Rembrandtových studentů a následovníků byli: Ferdinand Bol (1616-80), Govert Flinck (1615-60), Gerbrand van den Eckhout (1621-74), Nicholas Mas (1632-93), Art de Gelder (1645- 1727), Jacob Backer (1608 nebo 1609-51), Jan Victors (1621-74), Carel Fabricius (asi 1620-54), Salomon a Philips Koningovi (1609-56, 1619-88), Pieter de Grebber, Willem de Porter († později 1645), Gerard Dou (1613-75) a Samuel van Googstraten (1626-78). Kromě těchto umělců, abychom doplnili seznam nejlepších portrétistů a historických malířů sledovaného období, jmenujme Jana Lievense (1607-30), Rembrandtova přítele na studiích u P. Lastman, Abraham van Tempel (1622-72) a Peter Nason (1612-91), kteří zřejmě pracovali pod vlivem V. d. Gelsta, napodobitel Halse Johannese Versproncka (1597-1662), Jana a Jacoba de Braev († 1664, † 1697), Cornelis van Zeulen (1594-1664) a Nicholas de Gelta-Stokade (1614-69). Domácí malba, jejíž první pokusy se objevily ve staré holandské škole, se ocitla v 17. století. zvláště úrodná půda v protestantském, svobodném, buržoazním, samolibém Holandsku. Malé obrázky, neuměle znázorňující zvyky a život různých vrstev místní společnosti, se dost lidem zdály zábavnější než velká díla seriózní malby a spolu s krajinkami vhodnější pro výzdobu útulných soukromých domů. Celá horda umělců uspokojuje poptávku po takových obrázcích, aniž by dlouho přemýšleli nad výběrem námětů pro ně, ale svědomitě reprodukovali vše, s čím se ve skutečnosti setkává, a zároveň přesně projevují lásku ke své rodině, pak dobromyslný humor. charakterizující zobrazené polohy a tváře a vytříbené v mistrovství techniky. Zatímco někteří se zabývají životem obyčejných lidí, scénami selského štěstí a smutku, pitím v krčmách a krčmách, setkáními před hostinci u cest, venkovskou dovolenou, hrami a bruslením na ledu zamrzlých řek a kanálů atd., jiní se náplň pro svá díla z elegantnějšího okruhu - malují půvabné dámy v jejich intimním prostředí, námluvy dandy gentlemanů, hospodyňky rozkazující svým služkám, salonní cvičení v hudbě a zpěvu, radovánky zlaté mládeže v domech rozkoše atd. V dlouhé řadě umělců první kategorie excelují Adrian a Izak v. Ostade (1610-85, 1621-49), Adrian Brouwer (1605 nebo 1606-38), Jan Stan (asi 1626-79), Cornelis Bega (1620-64), Richart Brackenburg (1650-1702), P. v. Lahr, v Itálii přezdívaný Bambocchio (1590-1658), Cornelis Dusart (1660-1704), Egbert van der Poel (1621-64), Cornelis Drohslot (1586-1666), Egbert v. Gemskerk (1610-80), Henrik Roques, přezdívaný Sorg (1621-82), Claes Molenaar (dříve 1630-76), Jan Minse-Molenar (asi 1610-68), Cornelis Saftleven (1606-81) a někteří. atd. Ze stejně významného počtu malířů, kteří reprodukovali život střední a vyšší, obecně dostačující třídy, Gerard Terborch (1617-81), Gerard Dou (1613-75), Gabriel Metsu (1630-67), Peter de Gogh (1630-66), Caspar Netscher (1639-84), Francie c. Miris starší (1635-81), Eglon van der Naer (1643-1703), Gottfried Schalcken (1643-1706), Jan van der Meer z Delftu (1632-73), Johannes Vercollier (1650-93), Quiring Brekelenkamp ( †1668). Jacob Ochtervelt († 1670), Dirk Hals (1589-1656), Anthony a Palamedes Palamedes (1601-73, 1607-38) aj. Do kategorie žánrových malířů patří umělci, kteří malovali výjevy z vojenského života, nečinnosti vojáků ve strážnicích , kempy, jezdecké šarvátky a celé bitvy, drezúra koní, stejně jako sokolnické a lovecké scény podobné bitevním scénám. Hlavním představitelem tohoto malířského odvětví je slavný a neobyčejně plodný Philips Wouwerman (1619-68). Kromě něj její bratr tohoto mistra Petr (1623-82), Jan Asselein (1610-52), kterého brzy potkáme mezi krajináři, zmíněný Palamedes, Jacob Leduc (1600 - později 1660), Henrik Verschuring (1627-90), Dirk Stop (1610-80), Dirk Mas (1656-1717) atd. Pro mnohé z těchto umělců hraje krajina stejně důležitou roli jako lidské postavy; ale paralelně s nimi pracuje masa malířů, kteří si to stanovili jako svůj hlavní nebo výhradní úkol. Obecně platí, že Nizozemci mají nezadatelné právo být hrdí na to, že jejich vlast je rodištěm nejen nejnovějšího žánru, ale také krajiny v tom smyslu, jak je dnes chápána. Ve skutečnosti v jiných zemích, např. v Itálii a Francii se umění o neživou přírodu zajímalo pramálo, nenacházelo v ní ani jedinečný život, ani zvláštní krásu: krajinu vnášel malíř do svých obrazů jen jako vedlejší prvek, jako dekoraci, mezi něž patřily epizody lidského dramatu resp. komedie se hrají, a proto jí podřizují podmínky scény, vymýšlejí pitoreskní linie a spoty, které jsou pro ni přínosné, ale bez kopírování přírody, aniž by byly prodchnuty dojmem, který vzbuzuje. Stejně tak „komponoval“ přírodu v těch vzácných případech, kdy se pokoušel namalovat čistě krajinomalbu. Holanďané jako první pochopili, že i v neživé přírodě vše dýchá životem, vše je přitažlivé, vše je schopno vyvolat myšlenku a vzrušit pohyb srdce. A to bylo zcela přirozené, protože Holanďané tak říkajíc vytvořili přírodu kolem sebe vlastníma rukama, vážili si ji a obdivovali ji, jako otec poklady a obdivuje své vlastní duchovní dítě. Kromě toho tato příroda, navzdory skromnosti svých forem a barev, poskytla koloristům, jako byli Holanďané, díky klimatickým podmínkám země hojný materiál pro rozvíjení světelných motivů a leteckou perspektivu - její parou nasycený vzduch, zjemňující obrysy objektů, produkujících gradaci tónů v různých půdorysech a pokrývajících vzdálenost oparem stříbřité nebo zlaté mlhy, stejně jako proměnlivost vzhledu oblastí určovaných roční dobou, denní hodinou a povětrnostními podmínkami. Mezi krajináře období rozkvětu patří Holanďané. zvláště respektovány jsou školy, které byly tlumočníky své domácí povahy: Jan V. Goyen (1595-1656), který spolu s Esaiasem van de Velde (asi 1590-1630) a Pieterem Moleynem starším. (1595-1661), považovaný za zakladatele Goll. krajina; pak tento student magistra, Salomon. Ruisdael († 1623), Simon de Vlieger (1601-59), Jan Wijnants (asi 1600 - později 1679), milovník efektů lepšího osvětlení Umění. d. Nair (1603-77), poetický Jacob v. Ruisdael (1628 nebo 1629-82), Meinert Gobbema (1638-1709) a Cornelis Dekker († 1678). Mezi Holanďany bylo také mnoho krajinářů, kteří se vydávali na cesty a reprodukovali motivy cizí povahy, což jim však nebránilo v tom, aby si v malbě zachovali národní ráz. Albert V. Everdingen (1621-75) zobrazoval pohledy na Norsko; Jan Both (1610-52), Dirk v. Bergen († později 1690) a Jan Lingelbach (1623-74) - Itálie; Ian V. d. starosta mladší (1656-1705), Hermann Saftleven (1610-85) a Jan Griffir (1656-1720) - Reina; Jan Hackart (1629-99?) - Německo a Švýcarsko; Cornelis Pulenenburg (1586-1667) a skupina jeho následovníků malovali krajiny inspirované italskou přírodou, s ruinami starověkých budov, koupacími nymfami a výjevy imaginární Arkádie. Ve zvláštní kategorii můžeme vyčlenit mistry, kteří ve svých obrazech kombinovali krajinu s obrazy zvířat, přičemž upřednostňovali buď první, nebo druhou, nebo věnovali oběma částem stejnou pozornost. Nejznámějším z takových malířů venkovské idyly je Paulus Potter (1625-54); Kromě něj by sem měl být zařazen i Adrian. d. Velde (1635 nebo 1636-72), Albert Cuyp (1620-91), Abraham Gondius († 1692) a četní umělci, kteří se pro témata obraceli přednostně nebo výhradně do Itálie, jako např.: Willem Romain († později 1693), Adam Peinaker (1622-73), Jan-Baptiste Vanix (1621-60), Jan Asselein, Claes Berchem (1620-83), Karel Dujardin (1622-78), Thomas Wieck (1616?-77) Frederic de Moucheron (1633 popř. 1634 -86) atd. S krajinomalbou úzce souvisí malba architektonických pohledů, které se holandští umělci začali věnovat jako samostatnému uměleckému odvětví až v polovině 17. století. Někteří z těch, kteří od té doby pracovali v této oblasti, byli důmyslní v zobrazování městských ulic a náměstí se svými budovami; jsou to mimo jiné méně významní Johannes Bärestraten (1622-66), Job a Gerrit Werk-Heide (1630-93, 1638-98), Jan v. d. Heyden (1647-1712) a Jacob v. vesnice Yulft (1627-88). Jiní, z nichž nejvýznamnější jsou Pieter Sanredan († 1666), Dirk v. Delen (1605-71), Emmanuel de Witte (1616 nebo 1617-92), malované vnitřní pohledy na kostely a paláce. Moře mělo v životě Holandska takový význam, že s ním její umění nemohlo zacházet jinak než s největší pozorností. Mnozí z jejích umělců, kteří se zabývali krajinou, žánry a dokonce i portréty, se na chvíli odpoutali od svých obvyklých námětů, stali se námořními malíři, a pokud bychom se rozhodli uvést všechny nizozemské malíře. školy zobrazující klidné nebo zuřící moře, lodě na něm houpající se, přístavy přeplněné loděmi, námořní bitvy atd., pak bychom dostali velmi dlouhý seznam, který by obsahoval jména Ya. Goyen, S. de Vlieger, S. a J. Ruisdaelovi, A. Cuyp a další již zmínění v předchozích řádcích. Omezíme-li se na poukázání na ty, pro které bylo malování mořských druhů specialitou, musíme jmenovat Willem v. de Velde starší (1611 nebo 1612-93), jeho slavný syn V. v. de Velde mladší (1633-1707), Ludolf Backhuisen (1631-1708), Jan V. de Cappelle († 1679) a Julius Parcellis († později 1634). Konečně realistický směr nizozemské školy byl příčinou, že se v ní formoval a rozvíjel druh malby, který se v jiných školách do té doby nepěstoval jako zvláštní, samostatný obor, totiž malba květin, ovoce, zeleniny, živí tvorové, kuchyňské náčiní, stolní náčiní atd. – jedním slovem to, čemu se dnes běžně říká „mrtvá příroda“ (nature morte, Stilleben). V této oblasti mezi Nejznámějšími umělci vzkvétající éry byli Jan-Davids de Gem (1606-83), jeho syn Cornelis (1631-95), Abraham Mignon (1640-79), Melchior de Gondecoeter (1636-95), Maria Osterwijk (1630). -93), Willem V. Aalst (1626-83), Willem Geda (1594 - později 1678), Willem Kalf (1621 nebo 1622-93) a Jan Waenix (1640-1719).

Brilantní období nizozemského malířství netrvalo dlouho – jen jedno století. Od počátku 18. stol. jeho úpadek přichází ne proto, že by pobřeží Zuiderzee přestalo produkovat vrozené talenty, ale proto Ve společnosti stále více slábne národní sebeuvědomění, vypařuje se národní duch, zakořeňují francouzské vkusy a názory na pompézní éru Ludvíka XIV. V umění je tento kulturní obrat vyjádřen zapomněním umělců na základní principy, na nichž závisela originalita malířů předchozích generací, a apelem na estetické principy přivezené ze sousední země. Namísto přímého vztahu k přírodě, lásky k tomu, co je přirozené a upřímnosti, dominance předpojatých teorií, konvence a napodobování Poussina, Lebruna, Cl. Lorrain a další významní představitelé francouzské školy. Hlavním šiřitelem tohoto politováníhodného trendu byl v Amsterodamu usazený Vlám Gerard de Leresse (1641-1711), ve své době velmi schopný a vzdělaný umělec, který měl obrovský vliv na své současníky i nejbližší potomky, a to jak svými vychovanými pseudonymy. -historické obrazy a díla jeho vlastního pera, z nichž jedna - "Velká kniha malíře" ("t groot schilderboec") - sloužila padesát let jako kód pro mladé umělce. K úpadku školy přispěl i od slavného Adriana V. de Werffa (1659-1722), jehož uhlazená malba chladnými, jakoby vystřiženými postavami ze slonoviny, s matnou, bezmocnou barevností, se kdysi zdála vrcholem dokonalosti. Mezi následovníky tohoto umělce se Henrik V. Limborg (1680-1758) a Philip V.-Dyck (1669-1729), přezdívaný „Malý V.“ se těšili slávě jako historici malíři. ale infikován duchem doby, je třeba poznamenat Willem a France v. Miris mladší (1662-1747, 1689-1763), Nicholas Vercollier (1673-1746), Constantine Netscher (1668-1722), Isaac de Moucheron (1670-1744) a Carel de Maur (1656-1738). Nějaký lesk dodal škole umírání Cornelis Trost (1697-1750), především kreslíř, přezdívaný Holanďan. Gogarth, portrétista Jan Quincgard (1688-1772), dekorativní a historický malíř Jacob de Wit (1695-1754) a malíři mrtvé přírody Jan V. Geysum (1682-1749) a Rachel Reisch (1664-1750).

Zahraniční vliv tížil nizozemskou malbu až do dvacátých let 19. století a dokázal v ní víceméně promítnout proměny umění ve Francii, počínaje parukářstvím dob Krále Slunce a konče pseudoklasicismem Davide. Když styl posledně jmenovaného zastaral a všude v západní Evropě se místo fascinace starověkými Řeky a Římany probudila romantická touha ovládající poezii i figurativní umění, Holanďané, stejně jako jiné národy, obrátili svůj pohled k jejich starověku, a tedy k jejich slavné minulé malbě. Touha dát mu znovu lesk, s nímž zářila v 17. století, začala inspirovat nejnovější umělce a vrátila je k zásadám dávných národních mistrů - k přísnému pozorování přírody a vynalézavému, upřímnému přístupu k úkolům v ruka. Nesnažili se přitom zcela eliminovat cizího vlivu, ale když odjeli studovat do Paříže nebo Düsseldorfu a dalších uměleckých center v Německu, odvezli si domů jen seznámení s úspěchy moderní techniky. Díky tomu všemu znovuobrozená holandská škola dostala opět originální atraktivní fyziognomii a dnes se ubírá cestou vedoucí k dalšímu pokroku. Bez problémů dokáže postavit řadu svých nejnovějších postav do kontrastu s nejlepšími malíři 19. století v jiných zemích. Historická malba v přísném slova smyslu je v ní pěstována jako za starých časů velmi střídmě a nemá vynikajících představitelů; Z hlediska historického žánru se však Holandsko může pyšnit několika významnými mistry poslední doby, jako jsou: Jacob Ekgout (1793-1861), Ari Lamme (nar. 1812), Peter V. Schendel (1806-70), David Bles (nar. 1821), Hermann ten-Cate (1822-1891) a velmi talentovaný Lawrence Alma-Tadema (nar. 1836), který dezertoval do Anglie. Z hlediska každodenního žánru, který byl rovněž zahrnut do okruhu činnosti těchto umělců (s výjimkou Alma-Tademy), lze poukázat na řadu vynikajících malířů v čele s Josephem Israelsem (nar. 1824) a Christoffelem Bisschop (nar. 1828); kromě nich jsou hodni jména Michiel Verseg (1756-1843), Elhanon Vervaer (nar. 1826), Teresa Schwarze (nar. 1852) a Valli Mus (nar. 1857). Nejnovější cíl je obzvláště bohatý. malba krajinářů, kteří pracovali a pracují rozmanitým způsobem, někdy s pečlivým dokončením, jindy širokou technikou impresionistů, ale věrnými a poetickými interprety své rodné povahy. Patří mezi ně Andreas Schelfgout (1787-1870), Barent Koekkoek (1803-62), Johannes Wilders (1811-90), Willem Roelofs (nar. 1822), Hendrich v. de Sande-Bockhuisen (nar. 1826), Anton Mauwe (1838-88), Jacob Maris (nar. 1837), Lodewijk Apol (nar. 1850) a mnoho dalších. atd. Přímí dědicové Ya. Objevili se D. Heyden a E. de Witte, malíři nadějných názorů, Jan Verheiden (1778-1846), Bartholomews v. Gove (1790-1888), Salomon Vervaer (1813-76), Cornelis Springer (1817-91), Johannes Bosbohm (1817-91), Johannes Weissenbruch (1822-1880) atd. Mezi nejnovějšími námořními malíři Holandska palma patří Jogovi. Schotel (1787-1838), Ari Plaisir (nar. 1809), Hermann Koekkoek (1815-82) a Henrik Mesdag (nar. 1831). Konečně Wouters Verschoor (1812-74) a Johann Gas (nar. 1832) prokázali velkou zručnost v malbě zvířat.

St. Van Eyden u. van der Willigen, "Geschiedenis der vaderlandische schilderkunst, sedert de helft des 18-de eeuw" (4 svazky, 1866) A. Woltman u. K. Woermann, "Geschichte der Malerei" (2. a 3. díl, 1882-1883); Waagen, „Handbuch der deutschen und niderländischen Malerschulen“ (1862); Bode, „Studie zur Geschichte der holländischen Malerei“ (1883); Havard, "La peinture hollandaise" (1880); E. Fromentin, "Les maîtres d"autrefois. Belgique, Hollande“ (1876); A. Bredius, „Die Meisterwerke des Rijksmuseum zu Amsterdam“ (1890); P. P. Semenov, „Studie o historii holandského malířství na základě jeho vzorků umístěných v Petrohradě.“ (zvláštní příloha k časopis "Vestn. Výtvarné umění", 1885-90).

Po vítězství v boji proti Španělsku za jeho nezávislost se buržoazní Holandsko stalo ekonomicky nejrozvinutějším státem v západní Evropě. Hlavní nizozemské město Amsterdam se stalo jedním z největších nákupních center v Evropě.

Spolu s ekonomikou se rozvíjí i holandské malířství. Na rozdíl od jiných západoevropských zemí nebyly barokní malby paláců a zámků v Holandsku populární - slabost šlechty sloužila jako překážka rozvoje dekorativního umění. Holandská kalvínská církev se také nesnažila zdobit své kostely malířskými díly.

Přesto malba v Holandsku vzkvétala: umělci dostávali četné zakázky od soukromých osob. Dokonce i holandští rolníci si mohli pověsit malý obraz ve svých domovech - výtvory těchto umělců byly tak levné.

V 17. stol V malém Holandsku pracovalo přes dva tisíce umělců. Výrobu obrazů uvedli do provozu, plátna vyrobili po celých sériích a předávali je prodejcům. Téměř každý mistr vystupoval od dvou do pěti skladeb týdně.

Produkce obrazů často předčila poptávku, takže aby se umělci uživili, museli se současně věnovat jiné práci. Takoví slavní mistři jako J. Steen, M. Gobbema, J. van Goyen a mnozí další byli zároveň zaměstnanci, zahradníci a krčmáři.

Obvykle se malíři specializovali na jedno konkrétní téma. Například H. Averkamp maloval zimní pohledy, E. van der Poel zobrazoval noční ohně, G. Terborch a G. Metsu - každodenní výjevy, P. Claes a V. K. Heda - zátiší-snídaně.

Velmi často umělci pracovali společně na jednom obrázku: jeden maloval oblohu, další - trávu a stromy, třetí - lidské postavy. Nejúspěšnější díla, která měla u veřejnosti úspěch, byla kopírována a sloužila jako vzor pro vznik nespočtu verzí.

I když bylo umění talentovaných malířů podřízeno komerčním cílům, mistři se většinou dokázali vyhnout falši. Většina těchto obrazů se vyznačuje realismem, celistvostí a jasností kompozice, svěžestí barev a vynikající technikou provedení.

Žánr portrétu se rozšířil v nizozemském malířství. V životě země hrály velkou roli různé organizace (střelecký spolek, skupiny zástupců lékařské korporace a živnostenské obchody), které přispěly ke vzniku skupinového veřejného portrétu.

Dlouholetý boj se španělskými kolonialisty zbystřil smysl pro národní identitu, proto bylo v malbě kromě realismu vítáno především zobrazování charakteristických národních rysů. Umělci malovali moře a lodě, hospodářská zvířata, květiny. Vedle portrétování se rozvíjely žánry jako krajina a zátiší. Existovala i náboženská malba, ale postrádala prvek mystiky; byly představeny biblické příběhy
umělcem spíše jako každodenní scény.

Frans Hals

Frans Hals se narodil kolem roku 1581 v Antverpách v rodině tkalce. Jako mladý muž přišel do Haarlemu, kde žil téměř neustále až do své smrti (v roce 1616 navštívil Antverpy a v polovině 30. let 17. století - Amsterdam). O Hulseově životě je známo jen málo. V roce 1610 vstoupil do cechu svatého Lukáše a v roce 1616 vstoupil do komory rétorů (amatérských herců).

Hals se velmi rychle stal jedním z nejznámějších portrétistů v Haarlemu. V XV-XVI století. V malbě Nizozemska existovala tradice malování portrétů pouze zástupců vládnoucích kruhů, slavných lidí a umělců. Halsovo umění je hluboce demokratické: na jeho portrétech můžeme vidět aristokrata, bohatého měšťana, řemeslníka a dokonce i člověka ze samého dna. Umělec se nesnaží ty vyobrazené idealizovat, hlavní je pro něj jejich přirozenost a jedinečnost. Jeho šlechtici se chovají stejně uvolněně jako zástupci nižších vrstev společnosti, kteří jsou na Khalsových obrazech zobrazováni jako veselí lidé, kteří nepostrádají sebeúctu.

Skupinové portréty zaujímají v umělcově díle velké místo. Nejlepšími díly tohoto žánru byly portréty důstojníků střelecké roty sv. Jiří (1627) a střelecké roty sv. Adriana (1633). Každá postava na obrazech má svou osobitou osobnost a zároveň se tato díla vyznačují svou celistvostí.

Hals také maloval na zakázku portréty zachycující bohaté měšťany a jejich rodiny v uvolněných pózách („Portrét Isaac Massa“, 1626; „Portrait of Hethuisen“, 1637). Halsovy obrazy jsou živé a dynamické, zdá se, že lidé na portrétech mluví s neviditelným partnerem nebo oslovují diváka.

Zástupci lidového prostředí v Khalsových portrétech se vyznačují živou expresivitou a spontánností. V obrazech chlapců z ulice, rybářů, hudebníků a návštěvníků hospody je cítit autorova sympatie a respekt. Jeho „Cikán“ je pozoruhodný. Usměvavá mladá žena působí překvapivě živě, její potutelný pohled míří na svého partnera, který je pro publikum neviditelný. Hals si svůj model neidealizuje, ale image veselého, rozcuchaného cikána potěší svým energickým kouzlem.

Hulseovy portréty velmi často obsahují prvky žánrové scény. Jsou to obrázky dětí, které zpívají nebo hrají na hudební nástroje („Singing Boys“, 1624-1625). Ve stejném duchu se neslo i slavné „Malle Babbe“ (počátek 30. let 17. století), představující známou majitelku taverny v Haarlemu, kterou návštěvníci za jejími zády nazývali Haarlemská čarodějnice. Umělec téměř groteskně ztvárnil ženu s obrovským korbelem piva a sovou na rameni.

Ve 40. letech 16. století. Země vykazuje známky obratu. Od vítězství revoluce uplynulo jen několik desetiletí a buržoazie již přestala být pokrokovou třídou založenou na demokratických tradicích. Pravdivost Hulseho maleb už neláká bohaté klienty, kteří se chtějí na portrétech vidět lépe, než ve skutečnosti jsou. Ale Hulse neopustil realismus a jeho popularita prudce klesla. V obraze tohoto období se objevují tóny smutku a zklamání („Portrét muže v širokém klobouku“). Jeho paleta se stává přísnější a klidnější.

Ve věku 84 let vytvořil Hulse dvě ze svých mistrovských děl: skupinové portréty regentů (správců) a regentů pečovatelského domu (1664). Tato nejnovější díla holandského mistra se vyznačují emocionalitou a silnou individualitou obrazů. Obrazy regentů - starců a žen - vyzařují smutek a smrt. Tento pocit podtrhuje i barevné provedení v černé, šedé a bílé.

Hals zemřel v roce 1666 v hluboké chudobě. Jeho pravdivé, život potvrzující umění mělo velký vliv na mnoho holandských umělců.

Rembrandt

V letech 1640-1660. Holandské malířství vzkvétalo. Nejvýznamnějším umělcem této doby byl Rembrandt.

Rembrandt Harmens van Rijn se narodil v roce 1606 v Leidenu. Jeho otec byl bohatý mlynář. Jeho rodiče snili o dobrém vzdělání pro svého syna a poslali ho do latinské školy, po které Rembrandt vstoupil na univerzitu v Leidenu. Mladíka ale přitahovalo umění. Opustil univerzitu a začal studovat u malíře Jacoba Swannenburche. O tři roky později odjel mladý umělec do Amsterdamu, kde začal chodit na hodiny u Pietera Lastmana.

V roce 1624 se Rembrandt vrátil do Leidenu. Zde si pronajal ateliér spolu s malířem Janem Lievensem. Umělec hodně pracuje ze života, maluje nejen v ateliéru, ale i na ulici a na městském bazaru.

Na konci 20. let 16. století. Rembrandt získal popularitu mezi obyvateli Leidenu. Dostal mnoho zakázek a jeho prvním žákem byl Gerard Dou, který se později stal poměrně slavným malířem.

Rané Rembrandtovy obrazy se vyznačují pečlivou kompozicí a svědomitým provedením. Zároveň se vyznačují určitou strnulostí („Muka sv. Šebestiána“, 1625).

V roce 1631 se Rembrandt usadil v Amsterdamu. Jeho sláva se rychle rozšířila po celém městě a zakázky se na malíře jen hrnuly. Úspěšný byl i Rembrandtův osobní život: v roce 1634 se oženil se Saskiou van Uylenburg, dívkou ze slavné buržoazní rodiny. Sňatek přinesl umělci značné jmění, které mu zajistilo tvůrčí nezávislost a umožnilo mu začít sbírat umělecká díla a starožitnosti.

Rembrandt si užíval štěstí ve společnosti své milované ženy, kterou mnohokrát zobrazoval na portrétech. Saskia často sloužila jako model pro obrazy s nejrůznějšími náměty („Flora“, 1634; „Autoportrét se Saskiou na kolenou“, asi 1639).

Rembrandtova tvorba v tomto období je různorodá, maloval historické, mytologické a náboženské kompozice, portréty, každodenní výjevy, krajiny, zátiší, obrazy s obrazy zvířat. Hlavním předmětem jeho pozornosti je ale člověk. Nejen v portrétech, ale i ve svých dalších dílech se umělec snaží zprostředkovat charakter a vnitřní svět svých hrdinů.

Pozoruhodný mistr portrétního žánru teprve ve 30. letech 17. století. Rembrandt provedl více než šedesát portrétů na zakázku. Hlavní pro malíře není vnější podobnost s předlohou, ale hloubka vnitřního světa, síla duševních hnutí a prožitků. Skupinový portrét „Anatomie doktora Tulpa“ (1632) jeho současníci uvítali s potěšením. Umělec provedl změny v tradiční kompozici klasického skupinového portrétu, figury neřadil do řady, jak bylo zvykem, ale volně. Tato konstrukce dala obrazu život a přirozenost.

Na konci 30. let 16. století. Rembrandt se stal nejslavnějším mistrem v Holandsku. Z tohoto období pochází jeho mistrovské dílo, slavný „Danae“ (1636), jehož řemeslné umění předčí vše, co vytvořili jeho současníci.
umělec. Nápadná je dokonalost jeho kompozice a bohatost barevného řešení, navrženého ve zlatých odstínech. Zdá se, že v tomto díle není nic zbytečného, ​​každý detail je autorem pečlivě promyšlen. Pomocí volného a živého tahu štětce mistr zprostředkuje lehkost přehozu, záhyby těžkých záclon a závěsů. Nápadná je pružná plasticita mladé ženy ležící na posteli a jemné zlaté odstíny těla, prosvětlené měkkým světlem. Přestože Danaë nezáří ideální krásou, její obraz potěší diváka svým živým kouzlem a svěžestí.

Ve 30. letech 16. století. Umělec také hodně pracuje v leptu. Přitahují ho každodenní motivy („Prodavač jedu na krysy“, 1632). Žánrové prvky jsou vlastní i dílům s biblickou tematikou („Návrat marnotratného syna“, 1636). Jedním z nejlepších leptů tohoto období je „Smrt Marie“ (1639), emotivní a prodchnutá pocitem hlubokého smutku. Pozoruhodné dílo „Kristus uzdravující nemocné“ (takzvaný „List sto guldenů“ - tento název označuje cenu díla) se také vyznačuje složitostí kompozice a monumentální vznešeností obrazů.

Ve 40. letech 16. století. Rembrandt se stává nejslavnějším a nejlépe placeným malířem v Amsterdamu. Byl objednán pro portréty a kompozice pro palác holandského Stadtholdera v Haagu. Mnoho začínajících umělců se snaží studovat v jeho dílně. Sláva Rembrandtova umění přesahuje hranice Holandska. Několik obrazů slavného mistra je uloženo v paláci anglického krále Karla I.

Rembrandtův talent se projevil v jeho realistických a expresivních zátiších („Bull's Carcass“) a krajinách („Krajina s mlýnem“, kolem 1650). Nenápadným nizozemským krajinám neodmyslitelně patří jemná lyrika, která na diváka působí téměř hmatatelnou realitou.

Smrt jeho milované manželky v roce 1642 odcizila Rembrandta od jejích urozených příbuzných. Umělec přestal komunikovat se svými známými z aristokratické společnosti. Změny v mistrově životě se odrazily v jeho malbě, která se stala hlubší a soustředěnější. Jestliže se Rembrandtova raná díla vyznačují klidnou a vyrovnanou náladou, nyní se v jeho obrazech začínají ozývat tóny úzkosti a pochybností. Mění se i paletka, které dominují červené a zlaté odstíny.

Plátno „David a Jonathan“ (1642, Ermitáž, Petrohrad), provedené ve zlatorůžových a zlatomodrých tónech, vyniká svou živou expresivitou.

Všechny tyto nové rysy v Rembrandtově malbě se u jeho současníků nesetkávaly s pochopením. Velká monumentální kompozice „Noční hlídka“ (1642) vyvolala nespokojenost. Toto jméno získal obraz v 19. století. Ve skutečnosti se děj neodehrává v noci, ale ve dne, za slunečního světla, což potvrzuje povahu stínů.

Postupem času barvy ztmavly a teprve restaurování provedené v letech 1946-1947 ukázalo, že barevnost tohoto díla byla kdysi mnohem světlejší.

Obraz zobrazuje střelce z roty kapitána Banninga Cokea. Zákazník očekával, že uvidí tradiční obřadní portrét (scénu hostiny nebo velitele představujícího své podřízené divákovi). Rembrandt vytvořil geo-
roico-historická malba zobrazující vystoupení puškařů na rozkaz kapitána. Postavy jsou vzrušené a dynamické; velitel dává rozkazy, praporec zvedá prapor, bubeník tluče do bubnu, puškaři nabíjejí zbraně. Tady se z ničeho nic točí malá holčička s kohoutem u opasku.

Během těchto let se Hendrikje Stoffels objevila v Rembrandtově životě, nejprve jako služebná a poté jako jeho manželka, která se stala jeho věrnou přítelkyní a asistentkou. Umělec stále hodně pracuje. Vytváří svou slavnou „Svatou rodinu“ (1645), v níž je náboženská tematika interpretována jako žánr. Vedle biblických kompozic maloval malíř realistické krajiny s obrazy vesnice („Zimní pohled“, 1646). Jeho portréty z tohoto období se vyznačují touhou ukázat individuální vlastnosti svých modelů.

V 50. letech 16. století. výrazně se snižuje počet objednávek. Rembrandt má velké finanční potíže. Čelí úplnému zmaru, protože dluh spojený s koupí domu za života jeho první ženy Saskie stále není splacen. V roce 1656 byl umělec prohlášen za insolventního a jeho umělecká sbírka a veškerý majetek byly prodány v dražbě. Rembrandtova rodina se musela přestěhovat do chudé židovské čtvrti Amsterdamu.

Přes všechna protivenství talent velkého malíře nevysychá. Ale nyní je kritérium jeho dovednosti úplně jiné. V pozdějších Rembrandtových dílech se na ploše plátna objevují ostře barevné tahy. Nyní barvy v jeho obrazech slouží nejen k vyjádření vnějšího vzhledu postav a obrazu interiéru - je to barevnost, která přebírá sémantické zatížení díla. Pocit intenzivního dramatu v obraze „Assur, Haman a Esther“ (1660) je tedy vytvářen komplexním tonálním rozsahem a speciálními světelnými efekty.

Zbavený řádů, žijící v hluboké chudobě, Rembrandt nepřestává psát. Vytváří expresivní a duchovní portréty, pro něž jsou modelem příbuzní a přátelé („Portrét manželky umělcova bratra“, 1654; „Portrét starého muže v červeném“, 1652-1654; „Portrét čtení syna Tita“, 1657; „Portrét Hendrikje Stoffelse u oken“, asi 1659).

Syn Titus, který se konečně dočkal jmění své zesnulé matky, se snaží svého otce ochránit před hmotným nedostatkem a vytvořit mu podmínky pro pokojnou práci. Neštěstí však umělce stále pronásledovalo: Hendrickje zemřela v roce 1663 a Titus ji následoval o několik let později.

V této tragické době starý, osamělý umělec vytvořil svá mistrovská díla, která se vyznačovala monumentální vznešeností a spiritualitou („David a Uriáš“, 1665–1666; „Návrat marnotratného syna“, asi 1668–1669).

Rembrandt zemřel v roce 1669, všichni zapomenuti. Teprve v 18. stol. jeho umění bylo konečně pochopeno a oceněno.

V letech 1640-1660. Vedoucím žánrem v nizozemské malbě byl každodenní žánr. Obrazy zobrazující nejobyčejnější okamžiky reality jsou překvapivě poetické a lyrické. Hlavním objektem pozornosti malířů je člověk a svět kolem něj. Většina žánrových skladeb se vyznačuje klidným vyprávěním a nedostatkem dramatičnosti. Mluví se o domácích pracích paní domu (nákup proviantu, péče o děti, ruční práce), o zábavě holandského měšťana (hraní karet, přijímání hostů, koncerty). Umělci zobrazují vše, co se děje v domě bohatého městského obyvatele, a ignorují sociální stránku lidského života.

Žánroví malíři byli velmi oblíbení: G. Dou, jehož obrazy se prodávaly za velmi vysoké ceny, A. van Ostade, který maloval scény selského života („venkovský koncert“), J. Steen, jehož oblíbenými náměty byly scény zábavy a prázdnin („Veselá společnost“), G. Terborch, jehož elegantní obraz představoval život bohaté měšťanské rodiny („Sklenka limonády“), G. Metsu se svým důmyslným vyprávěním („Nemocné dítě“), P. de Hooch, který vytvořil kontemplativní a lyrická plátna („Paní a služebná“).

K. Fabritius, který žil krátký život (zahynul v Delftu při výbuchu skladu střelného prachu), se snažil rozšířit záběr všedního žánru. Jedním z jeho nejlepších děl je „Vzkříšení Lazara“ (kolem 1643), pozoruhodné svou dramatičností a téměř monumentálním rozsahem. Pozoruhodné jsou i jeho portréty a autoportréty, které umělce staví na úroveň F. Halse a Rembrandta.

Osud E. de Fabricius, talentovaného mistra každodenních scén a děl zobrazujících interiéry kostelů („Trh v přístavu“, „Interiér se ženou u cembala“), je tragický. Umělec se nesnažil podbízet vkusu buržoazní veřejnosti, takže jeho díla, která u jeho současníků neměla úspěch, se prodávala za haléře. Fabricius byl často nucen je splatit za dluhy vůči majitelům domů. Jedné zimní noci roku 1692 se na zábradlí mostu oběsil pětasedmdesátiletý umělec, kterého jeho majitel vyhodil z domu. Podobný osud byl typický pro mnoho holandských malířů, kteří se nechtěli vzdát realistických tradic, aby se zalíbili veřejnosti.

Jan Wermeer z Delftu

Výrazným představitelem nizozemské žánrové malby je Jan Vermeer, přezdívaný Delft podle místa svého narození a působení. Malíř se narodil v roce 1623 v rodině obchodníka s obrazy a hedvábím. O Wermeerově životě je známo jen málo. Snad jeho učitelem byl C. Fabricius. V roce 1653 se umělec stal členem Cechu svatého Lukáše a oženil se s dcerou bohatého měšťana Kateřinou Bolnesovou. V Delftu se těšil úctě a slávě a žil ve velkém domě na náměstí.

Vermeer pracoval na svých obrazech velmi pomalu a důkladně, pečlivě zaznamenával každý detail. Malování nemohlo zajistit pohodlnou existenci pro umělcovu rodinu, ačkoli jeho plátna měla velký úspěch. To je pravděpodobně důvod, proč Vermeer začal prodávat obrazy a pokračoval v práci svého otce.

Již ve Vermeerových prvních dílech se objevuje kombinace realismu a jisté míry idealizace obrazů, charakteristická pro jeho tvorbu („Diana s nymfami“, „Kristus s Martou a Marií“ – obě před rokem 1656). Další dílo, velkofigurální plátno „U pasáka“ (1656), malované na zápletce používané mnoha malíři, se vyznačuje originalitou provedení. Obyčejná každodenní scéna pro umělce nabývá téměř monumentálního významu. Obraz vyniká mezi ostatními díly s podobným námětem odvážnou barevností, udržovanou v čistě žluté, červené, černé a bílé barvě a jasnou expresivitou obrazů.

Následně se Vermeer obrátil ke komorním kompozicím tradičním pro holandskou malbu. Stejně jako další nizozemští mistři zobrazuje události odehrávající se v bohatých měšťanských domech. Umělcův oblíbený obrázek je dívka, která čte dopis nebo si zkouší náhrdelník. Jeho plátna zobrazují jednoduché každodenní výjevy: služebná dává dopis své paní, pán přináší dámě sklenku vína. Tyto kompozičně jednoduché obrazy však ohromují celistvostí, harmonií a lyrikou, jejich obrazy přitahují svou přirozeností a klidnou poezií.

V druhé polovině 50. let 16. století. umělec vytvořil svá nejúžasnější díla. Hluboce lyrické „Spící dívka“, „Sklenka vína“, „Dívka s dopisem“ jsou poznamenány hřejivým pocitem. Mnoho nizozemských malířů té doby zobrazovalo na svých obrazech služebné zaneprázdněné prací, ale pouze Vermeerův obraz ženy z lidu má rysy skutečné krásy a velikosti („Služka se džbánem mléka“).

Vermeer je skutečným virtuosem ve zprostředkování podstaty světa věcí pomocí vizuálních prostředků. Zátiší na jeho obrazech jsou provedeny s velkou zručností. Miska s jablky a švestkami, stojící na stole pokrytém vzorovaným ubrusem z plátna „Dívka s dopisem“, vypadá úžasně krásně a přirozeně.

Na obraze „Služka se džbánem mléka“ udivuje chléb a mléko vytékající hustým proudem ze džbánu svou svěžestí.

Světlo hraje ve Vermeerových dílech velkou roli. Vyplňuje prostor pláten a vytváří dojem mimořádné vzdušnosti; modeluje tvary a proniká do barev, takže je zevnitř rozzáří. Právě díky tomuto množství světla a vzduchu vzniká ve většině Vermeerových děl zvláštní emocionální nadšení.

Pozoruhodná zručnost malíře se projevila i v krajinomalbě. Malý kout města, zahalený do vlhké atmosféry zamračeného dne, je reprodukován jasnou a jednoduchou kompozicí „Ulice“ (kolem roku 1658). Deštěm omyté město se na obraze „Pohled na Delft“ (v letech 1658 až 1660) jeví jako čisté a svěží. Sluneční paprsky prorážejí měkké stříbřité mraky a vytvářejí mnoho jasných odlesků na hladině vody. Zvukové zbarvení s jemnými barevnými přechody dodává obrazu expresivitu a harmonii.

V 60. letech 16. století. Vermeerův obraz se stává rafinovanějším a elegantnějším. Paletka se také mění, nyní dominují chladné barevné odstíny („Girl with a Pearl“). Hlavními postavami obrazů jsou bohaté dámy a pánové obklopení luxusními předměty („Milostný dopis“, cca 1670).

Jan Wermeer z Delftu. Pokojská se džbánem mléka. Mezi 1657 a 1660
Jan Wermeer z Delftu. Malířská dílna. OK. 1665

V posledním období Vermeerova života se jeho díla stávají povrchními a poněkud přitaženými za vlasy („Alegorie víry“) a paleta ztrácí na bohatosti a zvučnosti. Ale i v těchto letech jednotlivá díla umělce ohromují stejnou výrazovou silou. Taková je jeho „Malířská dílna“ (1665), v níž se Vermeer zobrazil při práci, a obrazy „Astronom“ a „Geograf“ zobrazující vědce.

Osud Vermeera, stejně jako mnoha dalších holandských mistrů, je tragický. Nemocný umělec, který přišel o většinu dosavadních zákazníků, byl na sklonku života nucen přestěhovat svou početnou rodinu z předchozího domova do levnějšího. Za posledních pět let nenamaloval jediný obraz. Malíř zemřel v roce 1675. Jeho umění bylo na dlouhou dobu zapomenuto, a to až v polovině 19. století. Vermeer byl oceněn a postaven na roveň holandským mistrům jako Rembrandt a F. Hals.

Nizozemské malířství - malby 17. století

Výrazným rysem nizozemského umění byla výrazná převaha ve všech jeho typech malby. Zástupci nejvyšších pater moci, chudí měšťané, řemeslníci a rolníci, zdobili své domy obrazy. Byly prodávány na aukcích a veletrzích; umělci je někdy dokonce používali jako prostředek k placení účtů.

Cesta v lese, Meindert Hobbema, 1670

Bylo tam hodně malířů a byla tu docela tvrdá konkurence, protože umělcova profese byla rozšířená. Málokdo si mohl vydělávat na živobytí malováním. Většina umělců musela vykonávat různé práce: Jacob van Ruisdael byl lékař, Meindert Hobbema pracoval jako úředník spotřební daně a Jan Steen byl hostinský.

V 17. století se holandské malířství rychle rozvíjelo nejen kvůli rostoucí poptávce po těch, kteří si chtěli vyzdobit své domovy obrazy, ale také kvůli tomu, že se na ně začalo pohlížet jako na komoditu, prostředek spekulací a zdroj zisk. Umělec byl zcela závislý na tržních trendech, osvobodil se od takových přímých zákazníků, jakými byli vlivní mecenáši (feudálové) a katolická církev. Cesty rozvoje nizozemské společnosti byly určeny a umělci, kteří se jim postavili a hájili svou kreativitu, se dostali do izolace a předčasně zemřeli v osamění a chudobě. Ve většině případů to byli právě ti nejtalentovanější umělci, jako Rembrandt a Frans Hals.

Nizozemští malíři zobrazovali především okolní realitu, kterou umělci jiných malířských škol tak plně nezobrazovali. Hlavní místo v posilování realistických trendů zaujímaly portréty, každodenní život, zátiší a krajiny, když se umělci obraceli k různým aspektům života. Zobrazovali skutečný svět, který se před nimi odvíjel, tak hluboce a pravdivě, jejich díla byla tak působivá.

Jan Steen, Setkání s požitkáři, 1679

Každý žánr měl své vlastní pohyby. Mezi těmi, kteří zobrazovali krajiny, byli mořští malíři a malíři, kteří preferovali pláně nebo lesy, byli zde i mistři zimních krajin a pohledů zobrazujících měsíční svit. Mezi žánrovými umělci vynikli ti, kteří zobrazovali buržoazi a sedláky, výjevy domácího života a večírků, bazary a lov. Byli zde i umělci, kteří se specializovali na interiéry kostelů a různé typy zátiší, jako např. „lavička“, „dezert“, „snídaně“ atd. Množství prováděných úkolů bylo ovlivněno takovým rysem nizozemské malby, jako je omezenost. Malířově virtuozitě však napomohlo to, že se každý umělec zaměřil na určitý žánr. V různých žánrech malovali pouze nejvýznamnější nizozemští umělci.

Rozvoj realistické nizozemské malby probíhal v boji proti manýrismu a hnutí, které napodobovalo italské klasické umění. Techniky formálně vypůjčené od italských umělců, představitelů těchto hnutí, byly krajně nepřirozené pro tradice národního nizozemského malířství. Realistické trendy se zřetelněji projevily v každodenním žánru a portrétech během vývoje nizozemského malířství, který trval v letech 1609-1640.

Jacob van Ruisdael(1628-1682) byl vynikajícím mistrem v krajinářském žánru (malovali klasickou holandskou krajinu - pouštní duny, slavné větrné mlýny, říční čluny, bruslaře a ne přírodu obecně), umělec s bezmeznou fantazií („Vodopád“, „ Forest Swamp“, „Židovský hřbitov“). Pilným skicováním přírody Ruisdael zároveň dosahuje monumentality.

Větrný mlýn ve Wijk bei Dyrsted. 1670. Rijksmuseum. Amsterdam, Jacob van Ruisdael

Lze nazvat jednoho z nejtalentovanějších portrétistů této doby Frans Hals(asi 1585-1666). Vytvořil mnoho skupinových portrétů, např. obrazy střeleckých cechů (sdružení důstojníků pro ochranu měst a obranu). Měšťané se chtěli zachytit a umělec musel pamatovat na respekt ke každému modelu. Atraktivní na těchto obrazech je zobrazení ideálů mladé republiky, kamarádství, rovnosti a smyslu pro svobodu. Lidé, kteří jsou si jistí sami sebou a zítřkem, plní energie, hledí na diváka z pláten („Streltsy Guild of St. George“, „Streltsy Guild of St. Adrian“). Přirozeně jsou zobrazováni na přátelské hostině. Díky individuálnímu stylu umělce - širokému, sebevědomému, s bohatými, jasnými barvami (červená, žlutá, modrá atd.) - tito jedinci vytvářejí umělecký dokument doby.

Portrét Stefana Geradse, 1652, Královské muzeum, Antverpy

V jednotlivých portrétech s obrysy žánrové malby je spousta bezohledného elánu, tlaku, nepotlačitelné energie. To mizí v pozdějších portrétech. Například na mužském portrétu Ermitáž je vidět smutek a únava hrdiny Halse, přes veškerou jeho působivost a dokonce i nafoukanost. Tyto rysy jsou ještě zvýrazněny v dalším portrétu (obraz muže v klobouku se širokou krempou). V tomto pozdním období Hals dosahuje nejvyšší úrovně dovednosti, tóny v jeho dílech se stávají monochromatickými (obvykle tmavé, černé oblečení s bílým límečkem a manžetami a tmavě olivovou barvou pozadí). Přes lakonismus obrazové palety je založen na extrémně jemných gradacích.

Stvoření Rembrandt van Rijn(1606-1669) se stal konečným počinem nizozemského umění 17. století a vrcholem jeho realismu.