Mytologické předměty v umění. Mytologické náměty v uměleckých dílech IV

Úvod

Mýtus je legenda, která ztělesňuje představy starých národů o původu světa a různých přírodních jevech. Mýty vyprávějí příběhy o bozích, duších, zbožštěných hrdinech a předcích. Vznikly během primitivní společnosti, na úsvitu lidské existence. Starověký člověk nemohl pochopit důvody výskytu různých přírodních jevů. V jeho hlavě se objevilo mnoho otázek: jak se lidé objevili na zemi? Proč hřmí a prší? z jakého důvodu fouká vítr? atd. Protože lidé nebyli schopni přistupovat k těmto otázkám z vědeckého hlediska, přicházeli s vlastními odpověďmi, které mu byly srozumitelné. Tyto odpovědi se staly mýty.

Tato práce je relevantní, protože mýty a umění jsou nedílnou součástí kultury. Smyslem práce je dokázat tvrzení, že mýty jsou nevyčerpatelným zdrojem kreativity umělců různých dob a epoch. Cíle výzkumu: odhalit pojem mýtus, ukázat historii vývoje mýtu v umění, dokázat hypotézu. Objekty: Sandro Botticelli „Zrození Venuše“, Santi Raphael „Vision of Izzekiel“, Nicolas Poussin „Království Flory“, Francois Boucher „Jupiter a Callisto“, Karl Bryullov „Poslední den Pompejí“.

1. Hlavní část

Mýtus je nejen historicky první formou kultury, ale mění i duševní život člověka. Podstatou mýtu je, že představuje spojení člověka se silami existence přírody nebo společnosti. Vše se oživuje a příroda se jeví jako svět impozantních, ale s člověkem spojených mytologických stvoření – démonů a bohů.

Paralelně s mýtem existovalo a působilo v dějinách kultury umění. Umění je vyjádřením potřeby člověka po figurativním a symbolickém vyjádření a prožívání významných okamžiků v jeho životě. Umění vytváří pro člověka „druhou realitu.“ Zapojení do tohoto světa, sebevyjádření a sebepoznání v něm tvoří jednu z nejdůležitějších potřeb lidské duše.

Umělci různých epoch a stylů neignorovali starověkou řeckou mytologii. A přestože se ve středověku malba zaměřovala především na křesťanské náměty, v období renesance začali malíři s velkým nadšením zobrazovat na svých plátnech náměty mytologické. V moderní době, na pozadí obecných změn ve výtvarném umění, zájem o klasická mytologická témata poněkud vyschl, ale zájem o mýtická monstra, jejichž obrazy se aktivně používají v moderním umění, ožil. Ruští malíři se tradičně obraceli k tématu slovanské mytologie a na svých obrazech zobrazovali jak epické hrdiny, tak mytické bytosti slovanské mytologie.

Nejprve se podívejme na obraz z 15. století. Slavný obraz umělce Sandra Botticelliho „Zrození Venuše“. Botticelli je italský malíř rané renesance, představitel florentské školy, jeden z nejvýraznějších umělců italské renesance. Umělec napsal „Zrození Venuše“ pro Lorenza di Pierfrancesco Medici. Děj tohoto obrázku je založen na mýtu o tom, jak se bohyně lásky zrodila z pěny moře.

Venuše, stojící ve skořápce, se vznáší, naléhána Zephyrem a Chloris, a Ora, jedna z bohyniných společnic, jde k ní a drží závoj, aby ji zahalil. Rozmarné záhyby přehozů a šatů vlající ve větru, vlny na moři, přerušovaná čára pobřeží, „vlnitá“ skořápka mušle a nakonec létající vlasy Venuše – to vše vytváří hladké obrysy tělo bohyně a umocňuje pocit nejvyšší harmonie, kterou její vzhled navozuje. Ruce postav se téměř sevřou nad Venušinou hlavou a zdá se, jako by ji zastínil oblouk, který se odráží od zaobleného dna skořápky. Postava bohyně je tak uzavřena do pomyslného oválu. Venuše je zde středem, ke kterému vše směřuje.

Krásná tvář hrdinky připomíná tváře Madon na Botticelliho obrazech, a proto v tomto díle zaznívá křesťanská tematika skrze antické téma, právě toto spojení antického humanismu a křesťanství dalo vzniknout fenoménu italské renesance .

Další obraz od Raphaela Santiho, „Vize Ezechiela“, pochází ze 16. století. Toto malé plátno bylo namalováno pro soukromého zákazníka. Pozadí obrazu plně odpovídá biblickému popisu tohoto vidění: „...od severu přišel bouřlivý vítr, veliký mrak a vířící oheň a záře kolem něj“ (Ezechiel 1:4). V samotném vidění je Bůh zobrazen, jak se vznáší vzduchem, podporovaný „podobami čtyř zvířat“. tradice se svými čtyřmi okřídlenými tvory: člověkem nebo andělem, lvem, býkem a orlem, které ve výtvarném umění symbolizují čtyři evangelisty. Touto křesťanskou tradicí, a nikoli skutečným popisem Ezechielova vidění, se Rafael řídil, když maloval tento obraz. Obraz je malý, ale dává představu o Raphaelově dovednosti při řešení tak složité kompozice. Umělec v něm rozvíjí úkol výjimečný svou obtížností – ukázat rychlý let. Postava samotného Boha zástupů je podána z velmi komplexní perspektivy. Obraz Boha je plný tak titánské síly a pohyb je zprostředkován tak dokonale, že divákovi připadá, jako by „Vize Ezechiela“ bylo velké plátno, a ne drobný obraz, jehož rozměry jsou sotva větší než miniatura. Obraz je založen na jednom z nejbohatších biblických námětů na mytickou symboliku.

Další na řadě je obraz ze 17. století, konkrétně „Království flóry“ od slavného francouzského umělce Nicolase Poussina. Mistr zobrazil antiku tak, jak si ji představoval. Na jeho plátnech znovu ožili hrdinové starověku, aby předváděli činy, šli proti vůli bohů nebo prostě zpívali a bavili se. Poussinův obraz „Království Flory“ byl vytvořen na základě starověké legendy, kterou vyprávěl římský básník Ovidius. Jedná se o poetickou alegorii původu květin, která zobrazuje hrdiny antických mýtů proměněné v květiny

Hrdinové, kteří zemřou v rozkvětu života, se po smrti promění v květiny a ocitnou se v království Flora. Lidský život je interpretován v jeho neoddělitelnosti s životem přírody. Ve vesmíru vládne přísný řád, jeho zákony jsou rozumné. To je také cítit v Poussinově malbě, která se vyznačuje vyvážeností kompozice a krásou postav, inspirovaných obrazy antického sochařství. Logika a poezie na tomto plátně harmonicky koexistují. Zde zobrazuje svůj ideál – člověka žijícího jediný šťastný život s přírodou.

Poussin ve všech svých dílech vyjádřil estetický ideál klasicismu, který je založen na napodobování „zdobené přírody“. To znamená, že umělec odrážel v člověku a životě jen to vznešené, krásné a dokonalé, přičemž ignoroval to základní, ošklivé a ošklivé.

"Království Flory" je jedním z Poussinových obrazů, který se vyznačuje jemným a bohatým vývojem barev.

Příkladem mytologických námětů v malbě 18. století je plátno Francoise Bouchera „Jupiter a Callisto“. V obraze se umělec obrátil k „Metamorfózám“ římského spisovatele Ovidia, který převyprávěl mýtus o bohu Jupiterovi, který se zamiloval do nymfy Callisto a chtěl ji svést a přijal podobu bohyně Diany. . Umělec interpretoval smyslnou epizodu antické mytologie v povrchním, hravém duchu. Ladné, ladné postavy jeho antických hrdinek vypadají jako porcelánové figurky. Boucher miloval malbu světlem a preferoval elegantní modré, růžové a zelené tóny. V dílech samotného Bouchera se každou chvíli objevují nymfy a Venuše. A názvy děl mluví samy za sebe - „Triumf Venuše“, „Záchod Venuše“, „Dianina koupání“. Uměl si užívat krásy života a povzbuzoval ostatní, aby dělali totéž. Rokokový styl byl jeho rodným prvkem, zde se cítil jako ryba ve vodě – přírodní a organický. Dekorativnost, půvabná intimita, budoárová atmosféra, pastelové barvy – to jsou hlavní rysy uměleckého stylu Francoise Bouchera.

A konečně jeden z nejslavnějších obrazů 19. století, obraz Karla Pavloviče Bryullova „Poslední den Pompejí“, také patří do mytologického žánru malby. Karl Bryullov je slavný malíř, akvarelista a kreslíř. Studoval na Petrohradské akademii umění. Jeho tvorba vnesla do malby akademického klasicismu svěžest romantiky, vitalitu a vášeň pro krásu reality, což přispělo k rozvoji realismu v ruské malbě. Obraz „Poslední den Pompejí“ přinesl umělci celosvětovou slávu. Smrt Pompejí z pohledu Bryullova je smrtí celého starověkého světa, jehož symbolem se stává ústřední postava plátna - krásná žena, která zemřela pádem z vozu. Bryullov je šokován vnitřní krásou a obětavostí těchto lidí, kteří tváří v tvář nevyhnutelné katastrofě neztrácejí lidskou důstojnost. V těchto hrozných chvílích nemyslí na sebe, ale snaží se pomoci svým blízkým, ochránit je před nebezpečím. Umělec se vidí mezi obyvateli Pompejí s krabicí barev a štětců na hlavě. Je tady vedle nich, aby jim pomohl, podpořil jejich ducha. Ale ani před smrtí umělcovo bystré pozorování neopouští - v záblescích blesků jasně vidí lidské postavy dokonalé v jejich plastické kráse. Jsou krásné nejen díky mimořádnému osvětlení, ale také proto, že samy jakoby vyzařovaly světlo duchovní vznešenosti a velikosti. Téměř šest let uplynulo od onoho památného dne, kdy Bryullova napadlo v ulicích neživých Pompejí namalovat obraz o smrti tohoto starobylého města. V posledním roce umělec pracoval tak zběsile, že byl nejednou vyveden z ateliéru v naprostém vyčerpání.

Závěr

mýtus umělecká malba Bryullov

Práce, kterou jsme odvedli, potvrzuje hypotézu, že mýty jsou nevyčerpatelným zdrojem kreativity umělců různých staletí a epoch. Za tímto účelem byla zkoumána díla mistrů z různých století. Proběhl také průzkum.

Seznam informačních zdrojů

• · http://citaty.su/
• · http://muzei-mira.com
• · http://jivopis.org
• · http://www.miifyrima.ru/
• · https://ru.wikipedia.org

Kdo chce vidět něco, co se ve skutečnosti nestalo, může se obrátit na obrazy určitého žánru. Taková plátna zobrazují pohádkové bytosti, hrdiny legend a tradic a folklórní události. Umělci mytologického žánru píší tímto způsobem.

Jak oživit obraz

K zobrazení událostí, které na vlastní oči neviděl, musí mít mistr nepochybně výbornou představivost a znát zápletku díla, na jehož základě se chystá tvořit. Aby se divákovi obrázek líbil, musíte dovedně použít štětec, pak obrazy, které existují v hlavě umělce, ožijí a ve skutečnosti se promění v pohádku. Mistři, kteří to umí, se proslavili po celém světě. Mezi slavná jména: Botticelli, Vasnetsov, Mantegna, Cranach, Giorgione.

Původ

Mytologický žánr v umění se objevil, když lidé přestali věřit tomu, co jim říkali jejich předkové. Díla založená na minulých událostech se stala jednoduchými příběhy, v nichž byla existence jejich hrdinů skutečně zpochybňována. Tehdy mohli umělci popustit uzdu své fantazii a zobrazit na plátně účastníky dávných událostí tak, jak si je představovali. Mytologický žánr ve výtvarném umění vzkvétal zvláštním způsobem v období renesance. Navíc se v každém století staly náměty pro kreativitu různé legendy, naštěstí o ně nebyla nouze. Zpočátku mytologický žánr zahrnoval zobrazení hrdinů starověkého Řecka a událostí souvisejících s jejich životy. Postupně se v 17. století na obrazech objevovaly výjevy plné zvláštního významu, dotýkající se estetických a mravních problémů blízkých realitě života. A již v 19. a 20. století se pole působnosti umělce pracujícího takovým směrem, jakým je mytologický žánr, stalo obzvláště širokým. Jako základ obrazu slouží keltské, germánské, indické a slovanské mýty.

Sandro Botticelli

Tento malíř jako první použil k tvorbě mytologický žánr, před ním byly náměty takových námětů používány pro dekorativní dekorace. Soukromí zákazníci zadávali objednávky a často sami vymýšleli, co by mělo být zobrazeno a jaký význam to bude mít. Proto byly srozumitelné pouze těm, kteří si takovou práci koupili. Je zajímavé, že mistr maloval své obrazy tak, aby byly kombinovány s jakýmikoli kusy nábytku nebo domácími předměty. Neobvyklá velikost či tvar jeho obrazů je proto odůvodněn tím, že spolu s námětem, pro který byly namalovány, vše působilo vcelku harmonicky. Mezi jeho díla patří „Zrození Venuše“ a „Jaro“. Botticelli také používal mytologický žánr k malbě oltářů. Mezi známá díla tohoto druhu patří „Zvěstování“ od Cestella a spolu s Janem Křtitelem.

Andrea Mantegna

Mytologický žánr ve výtvarném umění přinesl tomuto umělci slávu. Zejména jeho obraz „Parnassus“ byl vytvořen tímto směrem. Pouze takový znalec starověku jako Mantegna mohl vytvořit takové plátno plné jemných alegorií, z nichž některé stále nejsou vyřešeny. Hlavní zápletkou obrázku je láska Marsu a Venuše. Byly to jejich postavy, které umělec umístil do středu. To je cizoložství, takže Mantegna považoval za nutné reflektovat rozhořčení svého podvedeného manžela Héfaista. Vyšel ze svého pokoje a stojí u vchodu do kovárny a posílá kletby směrem k milujícímu páru. Na snímku jsou také dvě a Merkur, které přispívají ke sblížení Marsu a Venuše. Navíc zobrazuje devět tančících múz, které jsou schopny svým zpěvem vyvolat sopečnou erupci. Ale napravo od středu obrázku je Pegas. Tento okřídlený kůň podle legendy dokázal zastavit erupci rozdupáním kopyta.

Giorgione

Mistr namaloval několik obrazů v mytologickém žánru. Mezi nimi je „Spící Venuše“, kterou autor nemohl dokončit, protože během procesu tvorby onemocněl morem a zemřel. Stále pokračují spory o to, kdo obraz dokončil. Známá je také "Judith". Tento obraz byl vytvořen na základě biblického příběhu. Toto téma zaměstnávalo jiné umělce, ale na Giorgioneho plátně je zobrazeno jako skromné, jemné a plné důstojnosti. Nohou šlápne na Holofernovu hlavu. Jedná se o zápornou postavu, ale svým zjevem diváka neodpuzuje, i když v té době byly negativní postavy vykreslovány jako ošklivé.

Viktor Vasněcov

Tvůrce pláten, na kterých ožívají oblíbené pohádky všech, představuje ve svých dílech mytologický žánr malby. Ne nadarmo se jeho obrazy dětem opravdu líbí. Koneckonců zobrazují hrdiny děl ruského folklóru, které jsou milované a známé z dětství. Mytologický žánr umožňuje umělci ukázat svou fantazii a zobrazit na plátně to, co si ve své fantazii představuje. Ale Vasnetsovova díla se dotýkají srdce člověka natolik, že rezonují v každém srdci.

Možná proto, že miloval a uměl zprostředkovat všestrannost ruské přírody ve svých dílech. Všechny oblíbené břízy se vás nemohou nedotknout svým tichým smutkem. Vše, co člověk vidí ve Vasnetsovových obrazech, je mu známé. Dokonce i rozpoznatelné, i když předtím nebyly nikde vidět. Mistrova díla nejen zobrazují, ale učí, jak má vypadat čistá ženská krása, mužnost a hrdinská síla. Jeho dílo proto zná každý. Jedná se o takové obrazy jako „Sněhurka“, „Alyonushka“, „Bogatyrs“, „Ivan Tsarevich a šedý vlk“, „Koshey the Immortal“.

Michail Vrubel

Mytologický žánr se stal základem tvorby neméně slavného malíře Michaila Vrubela. Každý zná jeho obraz „Labutí princezna“ založený na Puškinově pohádce. Přestože je obraz značně mytologický, ve skutečnosti Vrubel ztvárnil svou manželku ve filmu Zpívala v opeře, k němuž její manžel také maloval kulisy. Barvy, které mistr použil, naplňují obraz něhou a lehkostí. Autor se snažil zprostředkovat okamžik, kdy se ptáček promění v krásnou princeznu. Docela se mu to povedlo. Až dosud magický účinek jeho obrazů způsobil, že se mnoho lidí stalo fanoušky jeho díla.

Zajímavý je mytologický žánr, který probouzí fantazii nejen umělce, ale i diváka. A co je nejdůležitější, existuje mnoho zdrojů pro inspiraci, takže prostor pro kreativitu je nekonečný.

Mýty starověkého Řecka jsou vzrušujícími dobrodružstvími bohů, hrdinů a zlých tvorů. Jsou zajímavé ve všech směrech.

Tohle je zábava horší než hollywoodské trháky. A možnost pochopit úplně jiný světonázor lidí předkřesťanské civilizace.

O mýtech víme nejen díky antickým autorům.

Umělci, kteří žili před naším letopočtem, také aktivně vytvářeli fresky s mytologickými náměty. A některé z nich přežily dodnes.

Ale na téměř 1,5 tisíce let z umění zmizely mýty.

V malbě se znovu objevily až v . V 15. století se v Římě začaly kopat sochy z dob římské říše (kopie děl starořeckých mistrů). Zájem o starověké Řecko začal růst. Stalo se módním a tehdy povinným čtením antických autorů.

A již v 16. a 17. století byly mýty jedním z nejoblíbenějších námětů v malířství.

Mytologické obrazy pro moderního diváka

Když jste v muzeu, je nepravděpodobné, že byste se dlouho zdrželi před obrazy s mytologickými náměty. Z jednoho prostého důvodu.

My jsme málo obeznámeni s mýty starověkého Řecka.

Ano, známe Herkula. Slyšeli jste o Perseovi a Andromedě? A jmenujme pár starověkých bohů jako Zeus a Athéna.

Ale kdo se nyní může pochlubit, že četl alespoň Homérovu Odysseu? Sám jsem ji četl, až když mi bylo 30 let.

A pokud nerozumíte zápletce obrázku, bude těžké si to užít. Protože se objeví bariéra ve formě zmatku: "Kdo jsou všichni tito lidé?"

Ale pokud je zápletka jasná, pak se před našima jasnýma očima okamžitě odhalí malebné rysy obrazu.

Tento článek je malou sbírkou mytologických obrazů.

Pomohu vám nejprve pochopit jejich hrdiny a symboly. A pak si společně vychutnáme všechny přednosti těchto mistrovských děl.

Botticelli jako první v historii evropského malířství (po starověkých Řekech a Římanech) zobrazil mytologické hrdiny.

Botticelliho mytologické obrazy jsou někdy nelichotivě nazývány obrazovým komiksem. Hrdinové stojí v řadě. Navzájem se nestýkají. Zbývá pouze přidat bubliny.

Ale byl to Botticelli, kdo jako první, o 1,5 tisíce let později, ztvárnil mýty. Takže může.

Navíc toto uspořádání v řadě nebrání tomu, aby stejné „Jaro“ od Botticelliho bylo jedním z nejkrásnějších obrazů na světě.

„Jaro“ je také jedním z nejzáhadnějších obrazů. Existuje mnoho jeho výkladů. Vybral jsem ten, který mi osobně připadá nejvěrohodnější. A doplnila to vlastními myšlenkami.

2. Tizian. Bakchus a Ariadna

Po Botticellim mnoho umělců zobrazilo mýty během renesance. Ale nejplodnější byl Tizian.

Jeho mýty jsou úplně jiné. To jsou již konkrétní příběhy, jako „Setkání Bakcha a Andromedy na ostrově Naxos“.

Jsou to také prudké pohyby, jako je skok boha vína z vozu na nohy krásky. Jsou to emoce vyjádřené v pózách, jako je Andromedino překvapení a strach. A také realistická krajina, která je pro hrdiny pozadím.

3. Rubens. Perseus a Andromeda

Po Tizianovi konečně přišly do módy mytologické obrazy. Umělci následujících generací se naučili všechny lekce velkého mistra. Ty ale kompozice značně zkomplikovaly.

Tentýž Rubens doslova „tlačil“ těla svých hrdinů k sobě. A před námi je neuvěřitelné propletení rukou, hlav a nohou.

Proto je pro nás tak těžké vychutnat si mytologické obrazy 17. století. Nejen, že zápletky nejsou vždy známé, ale také je potřeba vidět všechny postavy.

Zlatou dobou mytologických obrazů je tedy 16.–17. století.

V 18. století je mírně vytlačily docela pozemské a sladké krásy rokoka.

A koncem 19. století je vystřídal realismus a impresionismus. Mýty konečně vyšly z módy.

Ale mytologické obrazy stále visí v muzeích. Jsou přece velmi důležitou kulturní vrstvou. A jen malé mezery v našich znalostech nám brání plně si je užít.

, MHC a ISO

PŘEDMĚT: literatura + historie + MHC + výtvarné umění.

CÍL LEKCE: shrnout poznatky o kultuře, umění a dějinách starověkého Řecka získané v hodinách dějepisu a literatury a vysledovat souvislost mezi starověkou řeckou kulturou a moderní kulturou.

CÍLE LEKCE:

• podporovat rozvoj interdisciplinárních vazeb;
• seznámit studenty s uměleckými díly vytvořenými na mytologické náměty;
• pamatovat si a opakovat mýty starověkého Řecka;
• aktivovat fantazii a tvůrčí představivost;
• pěstovat morální a estetickou vnímavost ke kráse v životě a umění.

VYBAVENÍ LEKCE PRO UČITELE: prezentace na téma „Mytologické předměty v uměleckých dílech“, počítač, multimediální projektor, plátno nebo interaktivní tabule, písemky pro studenty ( přihláška č. 2 A přihláška č. 3).

VYBAVENÍ LEKCE PRO STUDENTY: sešity literatury, frazeologické slovníky.

POČET LEKCÍ: 1.

Dnes si shrneme naše znalosti o kultuře, umění a historii starověkého Řecka a připomeneme si mýty starověkého Řecka.

Starověká kultura Středomoří je považována za největší výtvor lidstva. Antická kultura, omezená prostorem (hlavně pobřeží a ostrovy Egejského a Jónského moře) a časem (od 2. tisíciletí př. n. l. do prvních století křesťanství), rozšířila hranice historické existence. Zničena přírodními živly, požáry, nájezdy barbarů, pohřbena spolu se sochami pohanských bohů, starověká kultura se stala jedním ze základů kultury moderního lidstva.

Pokusíme se vyvodit závěr o tom, jak je kultura starověkého Řecka propojena s kulturou moderní. Pro tohle:

– Připomeneme si staré řecké báje.

– Pojďme se seznámit s uměleckými díly vytvořenými na mytologické náměty.

– Také vám budou nabídnuty kreativní domácí úkoly dle vašeho výběru.

Otevíráme sešity literatury a zapisujeme si téma dnešní lekce: „Mytologické předměty v uměleckých dílech“ (snímek číslo 3).

Než však začneme mluvit o mytologických tématech, připomeňme si CO JE MÝTUS? (legenda, legenda o bozích a hrdinech)

Jakou roli hrály mýty v životě starověkého člověka? (Starověký člověk si nedokázal vysvětlit vzhled života na Zemi, pojmenovat příčiny samovolných přírodních jevů, nad nimiž byl bezmocný. Důsledkem toho bylo polidštění celé přírody. Samotné vytvoření mýtů bylo prvním krokem člověka k tvořivosti a sebepoznání).

Hellas, tento krásný a okouzlující svět, kde vždy svítí slunce a dozrávají hrozny. Zemi a vzduchu zde vládne Zeus Hromovládce, mořím a oceánům vládne Poseidon a království mrtvých vládne Hádes. Na hoře Olymp žijí krásní bohové, v řekách žijí říční nymfy, na stromech v lesích dryády, v mořích žijí Nereidy a po celém světě jsou roztroušeni podivná zvířata: Cerberus, Minotaurus, Hydra, Scylla a Charybda, pegasi , kyklopové, kentauři, fauni, satyrové, bakchanti, fúrie, harpyje... Titáni stále žijí, polobozi se rodí...

Lidové příběhy se předávaly z generace na generaci a o bozích a hrdinech starověkého světa vznikaly barvité legendy. Tvůrci starověkých mýtů si představovali bohy podobné lidem a obdařili je lidskými vlastnostmi. Postavy mýtů byly dobré i zlé, odvážné i zbabělé, vznešené i zrádné. Milovali a nenáviděli, páchali činy a zvěrstva.

Kluci, jaké starořecké bohy a hrdiny si pamatujete? (studenti jmenují bohy a hrdiny)

Mýty a legendy starověkého Řecka inspirovaly mnoho vynikajících umělců k vytvoření obrazů ( snímek číslo 4). Nyní vám ukážu obrazy renesančních umělců, ale i moderních umělců a najdete hrdiny, které znáte a pamatujete si mytologickou zápletku.

(Ukázat snímky č. 5-14 s obrázky si kluci pamatují mytologické příběhy, stručně je převyprávějí, v případě potřeby odkazují na letáky na stolech - mýty starověkého Řecka).

Mnoho mytologických příběhů se zachovalo ve stabilních frázích a populárních výrazech, které lze každý den slyšet v komunikaci. Pojďme, chlapi, pomocí frazeologických slovníků najít výklad některých frazeologických jednotek.

(Na obrazovce se zobrazují frazeologické fráze, kluci musí pomocí slovníků najít výklad populárních výrazů a zapsat si je do sešitu, snímek číslo 15).

Obrazy antických hrdinů a bohů jsou reprodukovány v četných dílech starověkého, zejména starověkého řeckého umění. Ve IV-V století. PŘED NAŠÍM LETOPOČTEM. Největší dokonalosti dosáhlo umění umělců, kteří zdobili hliněné (keramické) vázy. ( Snímek č. 16). Keramika provázela Řeka po celý jeho život. Vítězům sportovních soutěží byly předány velkolepé panathénajské amfory, na hroby byly kladeny štíhlé lekythos, do pithoi a amfor se ukládal olivový olej, víno a obilí, ve velkých kráterech se mísilo víno s vodou. Podívejme se na tuto rozmanitost keramických nádob a řekněme si, k čemu sloužily ( snímek číslo 17).

(Snímek č. 18) Athénská keramika dominovala na trhu se starožitnostmi více než 200 let. První styl malby athénských váz byl černofigurový styl – tradičně černé postavy na pozadí přírodní barvy pálené hlíny. Na ještě vlhkou nádobu byl nanesen návrh nátěrem z hlíny, vody a dřevěného popela. Čáry, které měly zůstat červené (záhyby oblečení, větve stromů), byly škrábány stylusem. Poté byla nádoba umístěna do pece. V určitém okamžiku se všechny otvory v peci uzavřely, došlo k reakci a celá nádoba zčernala. Poté byla teplota v peci snížena a otvory byly otevřeny. Natřená místa zůstala černá, zatímco nenatřená místa zčervenala. Takto byla barva fixována na povrchu nádoby.

Kolem 6. století př. Kr. V Athénách se objevila celá plejáda skvělých malířů váz (Euphronius, Euthymides atd.), kteří začali pracovat v novém, ve stylu červené postavy, ve kterém jsou postavy ponechány v barvě hlíny a pozadí je pokryto černým lakem: na černém pozadí je snazší zprostředkovat objem a hloubku prostoru.

Podívejme se na příklady vázových maleb v červenofigurovém a černofigurovém stylu ( snímky č. 19-21).

Na starověkých řeckých vázách je obvyklé zvýraznit ornament a kompozici předmětu. Nejběžnější vzory jsou meandr, palmeta, vlna, lotosové pupeny.

(Snímek č. 22) Podívejme se na nejběžnější nádoby a pomocí letáků určíme tvary nádob a styly starověké vázové malby (snímky č. 23-27).

(Děti pomocí písemek určují tvary nádob a styly starověké vázové malby).

shrnutí:

Dnes jsme v lekci shrnuli své znalosti o kultuře, umění a historii starověkého Řecka, připomněli si zápletky některých starověkých řeckých mýtů, seznámili se s obrazy vytvořenými na mytologická témata a vystopovali spojení mezi starořeckou kulturou a moderním uměním.

Nahrávání domácího úkolu:

Nabízím domácí úkol na výběr: pro ty, kteří umí a rádi kreslí - znázorněte mytologický děj, který se vám líbí. A pro lidi, kteří se chtějí vyzkoušet jako autoři, navrhuji, abyste přišli s vlastním mýtem.

Na velkém listu papíru je nakreslena mapa zobrazující emocionální „ostrovy“: o. Radost, oh. Smutek, oh. Zmatek, oh. Úzkost, oh. Očekávání, oh. Osvícení, oh. Inspirace, oh. Radosti, oh. Radosti, Bermudský trojúhelník atd. Děti dostanou lodičky s oboustrannou lepicí páskou na zadní straně.

Na tabuli je zavěšena mapa ostrovů a každý student je požádán, aby umístil svou loď do příslušné oblasti mapy, která odráží mentální, emocionální a smyslový stav po lekci.

Žák má právo zakreslit do mapy jakýkoli nový ostrov vlastním jménem, ​​pokud není zcela spokojen s těmi stávajícími. Po dokončení je karta analyzována společně se všemi dětmi.

Úvod.

Úspěchy starých Řeků jsou úžasné ve všech oblastech a je na nich založena celá evropská civilizace. Antika provází evropské lidstvo na celé jeho cestě. „Vidíme Řeky a mluvíme jejich řečnickými figurami,“ řekl Jacob Burckhardt.

Jedním z nejstarších a nejvýznamnějších prvků starověké kultury je mýtus. Mýtus (z řeckého muthos - slovo, legenda) je příběh o vzniku světa, bozích, hrdinech, různých národech, událostech přírodních a společenských dějin, které vznikly v dávných dobách a předávaly se ústně z generace na generaci. Mýtus je nesmírně důležitým krokem v poznání a pochopení světa kolem nás, v lidském sebepoznání. Mýtus spojuje skutečné a fiktivní, racionální a emocionální, přírodní a kulturní. Mýtus je univerzálním zobecněním lidského života, nedílnou součástí veškeré kultury.

Řecké mýty hluboce pronikly do způsobu myšlení moderních lidí a někdy si ani nevšimneme, jak mluvíme o panickém strachu, o olympském klidu, srovnáváme nebojácného muže s Herkulem a odhodlanou ženu s Amazonkou. A výrazy trojský kůň, jablko sváru, Ariadnina nit a mnohé další jsou srozumitelné snad každému.Po staletí se v mýtech hromadila zkušenost národů, jejich představy o dobru a zlu, o důstojném a nedůstojném chování. Předávané z generace na generaci učily lidi, jak žít.V moderním životě se velmi často setkáváme s tituly a jmény ze starověké řecké mytologie. Mýty starověkého Řecka inspirovaly básníky, umělce, sochaře a skladatele po celém světě po mnoho staletí, což znamená, že bez znalosti zápletek není možné porozumět mnoha uměleckým dílům.

Claude Lorrain. Krajina s Apollónem a Merkurem.

Rozměry:55 x 45 cm
Materiál, technika:Plátno, olej
Datum vytvoření:Kolem roku 1645

Umístění: Francie a Itálie, Řím, galerie Doria Pamphili

Informace o umělci.

Rodné jméno: Claude Gelle Datum narození: 1600 Místo narození: Chamagne, Lorraine Datum úmrtí: 23. listopadu 1682 Místo úmrtí: Řím, Itálie Národnost: Francie Žánr: malíř krajinář Umělecké směry: Klasicismus

Claude Laurent se narodil v roce 1600 v rolnické rodině. Předčasně zůstal sirotkem. Poté, co získal počáteční znalosti kreslení od svého staršího bratra, zručného dřevorytce ve Freiburgu v Breisgau, v letech 1613-14. odjel s jedním ze svých příbuzných do Itálie. Při práci jako sluha v domě krajináře Agostina Tassiho se naučil některé technické techniky a dovednosti. Nejprve prováděl zakázkové dekorační práce, t. zv. „krajinářské fresky“, ale později se mu podařilo stát se profesionálním „krajinářem“ a soustředit se na malířské stojany. Kromě toho byl Lorrain vynikajícím leptadlem; Lept opustil až v roce 1642, nakonec si vybral malbu.

Podle svědectví (německého umělce a spisovatele, jehož rozsáhlé dílo „Německá akademie“ (2. sv., 1675-79) obsahuje cenné informace o umělcích a sbírkách 17. století), „aby pronikl do podstaty z umění krajiny se [Lorrain] různými způsoby snažil přiblížit přírodě: ležel od časného rána do pozdní noci pod širým nebem a snažil se pochopit, jak nejvěrohodněji namalovat svítání za svítání a při západu slunce; a když se mu podařilo ulovit, co hledal, okamžitě zmírnil své barvy podle toho, co viděl, běžel s nimi domů a nanesl je na obrázek, který si naplánoval, čímž dosáhl nejvyšší pravdivosti, před ním neznámé.“ umělec ztvárnil hru slunečních paprsků v různých denních hodinách, svěžest rána, polední horko, melancholické mihotání soumraku, chladné stíny teplých nocí, lesk klidných nebo mírně kymácejících se vod, průhlednost čistého vzduchu a vzdálenost pokrytá lehkou mlhou. V jeho tvorbě lze rozlišit dva styly: obrazy z raného období jeho činnosti jsou malovány silně, hustě, v teplých barvách; pozdější - plynuleji, v chladném tónu. Mýtus. Mýtus vypráví, že jako trest za vraždu Kyklopů, kteří vytvořili blesk pro Apollóna otce Dia, Zeus udělal ze svého syna pastýře. Apollón měl pást stádo krále Adméta, ale ten byl nedbalý na zadaný úkol a chytrý Merkur (Hermes) mu stádo ukradl. Zeus však nařídil Merkurovi vrátit ukradené krávy, načež dovolil Apollónovi znovu zaujmout jeho místo mezi bohy Analýza obrázku. Kompozice obrazu je strukturována tak, aby vtáhla oko diváka hlouběji do obrazu. K tomu jde zakřivená linie pobřeží do dálky. V pozadí je v předúsvitním oparu vidět nádherná idylická krajina s římským akvaduktem. Barevnost malby je typická pro pozdní Lotrinsko a skládá se z převahy studených tónů. Umístění stromů po obou stranách obrazu v popředí vytváří efekt určité teatrálnosti děje, hrdinové mýtu vystupují jako postavy ve hře, kde hlavní postavou je příroda v celé její nádheře. Tuto myšlenku nám napovídá měřítko vyobrazených postav a úhel, pod kterým jsou umístěny (půl otočení k divákovi) Historie vzniku obrazu. Podle záznamu, který udělal Lorrain ve své Knize pravdy, byl tento obraz namalován pro Francescu Aberini. Zřejmě se jednalo o překlep a umělce si objednal buď aristokrat Francesca Alberini, nebo bohatý Říman Francesca Arberini. „Krajina s Apollónem a Merkurem“ je uchovávána v Houlkham Hall od roku 1750. Tehdy jej koupil majitel Houlkham Hall Thomas Coke, první hrabě z Leicesteru Použité zdroje: E. I. Larionova, K. Lorrain. Albom, M., 1979 "Encyklopedie populárního umění." Ed. Polevoy V.M.; M.: Nakladatelství "Sovětská encyklopedie", 1986 Kun N.A. Legendy a mýty starověkého Řecka. Nakladatelství Veche, 2007. William Etty "Hrdina a Leander" 1828-1829. Soukromá sbírka.

Informace o umělci. Etty William (1787-1849), Anglický malíř období romantismu, významný představitel naturalismu a provádění aktů William Etty zaujímá mezi anglickými umělci důstojné místo. Umělec neměl v cítění a dovednostech koloristy v Anglii první poloviny 19. století obdoby. Narozen 10. března 1787 v Yorku. Jeho otec byl mlynář a pekař chleba. Budoucí malíř byl v jedenácti a půl letech nucen opustit otcovu střechu; Na naléhání svého otce byl přidělen jako učeň do tiskárny. Po sedmi letech učení a nudné práce v tiskárně odjela Etty do Londýna.
Pomoc jeho staršího bratra a záštita jeho bohatého strýce pomohly Williamu Ettymu se přímo rozvíjet jako umělec. Etty začala svá studia skicováním krajin, kopírováním různých obrázků, tiskových návrhů a dalších ilustrací; to vše byla první umělecká škola Williama Ettyho. Etty ve Smithfieldu vyrobila kopii starověkého obrazu Cupid a Psyche, který se proslavil a díky němuž byla Etty v roce 1807 přijata jako akademická studentka Somerset House. Etty byla posedlá aktem, který studoval a maloval po celý svůj umělecký život. Jeho obrazy často evokují smyslné vzory a syté barvy děl Tiziana a Petera Paula Rubense. Etty se často pro inspiraci obracela ke klasické mytologii a alegorickým tématům. Jeho díla obdivoval Eugene Delacroix a další romantičtí malíři Děj mýtu. Leander je mladý muž z města, který se zamiloval do Hero, kněžky, která žila v Sestu na druhé straně průlivu. Gero každou noc čekal, až překročí úžinu, a aby se cítil lehčí, zapálil na věži oheň. Leander plaval dál a dostal se na břeh. Jednoho dne oheň vyhasl a Leander nemohl plavat. Ráno bylo jeho tělo přibito k Gerovým nohám. Když ho Gero uviděla, v zoufalství se vrhla z věže do moře. „Věž hrdinů“ byla později zobrazena v Sestě Analýza obrázku. Hrdinové jsou zobrazeni v okamžiku posledního tragického objetí, kdy je život již opustil. Nahá těla, namalovaná v zářivých, smyslných tónech, vynikají na pozadí temného moře a bouřkových mraků. Gerovy černé vlasy a oblečení jako by splývaly se stínem noci. Přes tragičnost děje je kompozice obrazu spíše dynamická, o čemž svědčí diagonální uspořádání postav v popředí, linie nabíhajících vln a rozbouřená obloha. Kombinace červenohnědých, světlých, tmavě modrých a černých tónů v koloraci obrazu umocňuje tragický pocit z toho, co se stalo.Ztělesnění zápletky jinými autory: - v malbě P. Rubens "Hrdina a Leander"
D. Fetty "Hrdina a Leander"
I. K. Aivazovsky "Pohled na věž Leander v Konstantinopoli" - v literatuře Muzeum "Hrdina a Leander" (překlad M. Drinevich, editace M. Grabar-Passek)
Ovidius „Leanderova zpráva hrdince a její odpověď“
F. Schiller "Hrdina a Leander" (překlad V. Levik)
K. Marlowe "Hrdina a Leander" (překlad Yu. Korenev)
A. Fet "Hero and Leander"
A. Kuprin "Hrdina, Leander a pastýř"
M. Pavich "The Inside of the Wind" (román o Hrdinovi a Leandrovi)
J. Van Den Vondel "Hrdina a Leander" (k obrazu Rubense, překlad V. Shvyryaev) - v hudbě Kantáta G. F. Handela (Ero e Leandro HWV 150) Kantáta A. Scarlatti
Opera D. Bottesini (Ero e Leandro, 1879; libreto A. Boito) Symfonická báseň A. Catalani (1884),
Čtvrtá symfonie D. Hesse

Valentin Serov. Znásilnění Evropy. 1910. Olej na plátně.71 x 98. Treťjakovská galerie, Moskva, Rusko.
Informace o umělci. Valentin Aleksandrovič Serov, 1865-1911 Ruský umělec (malíř a grafik), představitel ruského impresionismu a moderny. Narozen v Petrohradě 7. (19. ledna) 1865 v rodině skladatele A.N. Serov a klavírista V.S. Serova (rozená Bergman). V letech 1874-1875 - 1878-1882 navštěvoval soukromé hodiny I.E. Repin, který na něj měl zvláštní vliv; Navštěvoval také kurzy na Petrohradské akademii umění (1880-1885). Serov se citlivě učil jak zkušenostem ze současného zahraničního umění, tak lekcím mistrů renesance a baroka (zejména). Žil v Petrohradě a Moskvě. Hodně cestoval po Rusku a západní Evropě a v roce 1907 navštívil Řecko. Šel jsem do Abramceva. Byl členem „Asociace putujících“ a spolku „World of Art“. Europa byla dcerou fénického krále Agenora. Zeus, který se do ní zamiloval, se princezně a jejím přátelům, kteří se procházeli po mořském břehu, zjevil v podobě krásného býka. Dívky se bavily hraním s býkem a zdobením jeho rohů květinovými girlandami (úlomek girlandy je také vidět na Serovově obrazu). Nakonec se Evropa rozhodla posadit na hřbet býka Dia - ten se vrhl do moře a vzal princeznu na ostrov Kréta, kde se stala manželkou Dia a následně porodila tři syny hrdiny Analýza obrázku. „Obraz „Znásilnění Evropy“ je navržen dekorativně; je psáno ve velkých barevných rovinách, které jsou rytmicky sladěny s živou, pružnou linií, vedoucí k harmonii mezi objemem a rovinou. Serov vytváří vysokou linii horizontu, která mu umožňuje zacházet s prostorem jako s rovinou. Bezbřehé moře je psáno konvenčně a zároveň mistr dosahuje pocitu tloušťky nekonečné hloubky vody, kterou úhlopříčně přes plátno řeže mohutná postava býka - Zeus. Na rozdíl od Dia se postava Evropy zdá malá a bezmocná, jako by se nesměle podřizovala osudu. Její tvář připomíná tvář kůry z řeckých archaických časů; je jako maska ​​s nevidomým pohledem. Postava Evropy je přitom prezentována v komplexní perspektivě a s živým, výrazným pohybem, jako by všechny její síly směřovaly k tomu, aby zůstala na hřbetě býka.“ (4)

„Nečekaně živý a smysluplný pohled býka-Zeuse zdůrazňuje strnulost nehybné tváře Evropy – masky archaické kůry, jakýsi symbol veškerého řeckého umění. Jeden z významů jména „Evropa“ je „rozevřený“, což je překvapivě v souladu s obrazem tváře Evropy, který Serov dává. (1)

"Serov byl prvním z umělců, kteří zobrazili mýtus o únosu Evropy, který se odchýlil od původního zdroje, který vypráví o bílém býkovi se zlatými rohy - hnědý býk připomíná malby váz s červenými postavami." (1)

Ztělesnění zápletky od jiných umělců. , G., F., G. a další.

Pieter Bruegel. Krajina s pádem Ikara. 1555-58, olej na plátně, 74 x 112 cm.
Muzeum výtvarných umění (Musées Royaux des Beaux-Arts), Brusel
Informace o umělci.

Pieter Bruegel starší (-) - malíř a grafik, nejznámější a nejvýznamnější z umělců. Mistrovské a žánrové scény. Aby nedošlo k záměně Pietera Bruegela s jeho synem, rovněž malířem, byl starší později pokřtěn jako Bruegel z Mužského. Ze všech Bruegelových dochovaných obrazů je asi třetina v . V ruských muzeích nejsou žádná díla od Bruegela. Některé slavné obrazy: „Saulova sebevražda“, „Obrácení Saula“, Vídeň „Sčítání lidu v Betlémě“, „Masakr neviňátek“, „Námořní bitva v Neapolském přístavu“, „Ikarův pád“.

Mýtus. Podle prastaré legendy se stavitel Daedalus objevil na ostrově Kréta poté, co ve své domovině Attice zabil svého synovce, kterému záviděl. Ten byl velmi talentovaný a dokázal vytvořit nástroje, které lidstvo potřebovalo: pilu, kružítko, hrnčířský kruh. Na Krétě postavil Daedalus pro krále Minose obrovský palác s podzemními labyrinty. V labyrintu žilo hrozné monstrum - Minotaurus. Obyvatelé Athén byli nuceni vzdát hold Minosovi – poslat mladé muže a ženy pro nenasytného Minotaura. To trvalo, dokud Theseus, uvězněný v labyrintu, nezabil Minotaura. Díky Daedalovi hrdina uprchl z Kréty. Rozzlobený Minos nařídil, aby byl Daedalus uvězněn, ale pro sebe a svého syna Ikara vyrobil křídla z ptačího peří. S pomocí křídel opustili otec a syn ostrov. Daedalus varoval svého syna, aby neletěl příliš vysoko, ale Ikaros svého otce neposlouchal a vznesl se vzhůru, k samotnému slunci. Od žáru slunečních paprsků se rozpustil vosk, který držel peříčka pohromadě, a mladík zbavený křídel spadl do moře a utopil se.

Analýza obrázku.

„Při prvním pohledu na obrázek má divák otázku: „Proč se tomu tak říká.“ Ostatně před divákem se odehrávají obrazy poklidného pracovního života: zde oráč kráčí po brázdě, jde za svým koněm, trochu stranou od něj, pastýři mezi stádem ovcí probírají některé své starosti, plachty jsou vlající nad hladinou moře, pohlcená prací a krásou okolní přírody, před níž je smrt jedince jen bezvýznamnou epizodou. Smrt statečného mladého muže nemůže zastavit pohyb života.“ (1)

V 16. století byla legenda o Ikarovi vnímána jako přísné varování pro pyšné a krátkozraké povýšence, kteří zanedbávali svůj osud. Bruegel samozřejmě znal i prastarý zdroj legendy – „Metamorfózy“ od starověkého římského básníka Ovidia, kde se o Daedalovi a Ikarovi létajícím po obloze říká následující:

Každý, kdo je vidí, je rybář s třesoucím se rybářským prutem,
Nebo pastýř s kyjem, nebo oráč opírající se o pluh, -
Všichni zkameněli a oni volně létali po obloze,
Bohové byli považováni za nadpozemské.
Umělec vnesl do svého obrazu postavy pastýře, oráče a rybáře, ale těmto obrazům dal zcela jiný význam. Nevidí Ikara nebo nechtějí vidět: například rybář klidně pokračuje v rybolovu, ačkoli mladý muž spadl do vody přímo před jeho očima. A pastýř se dívá na oblohu, ačkoli jeho ovce jsou na okraji útesu, a oráč a rybář - všichni jsou zaneprázdněni svou prací. „Žádný pluh se nezastaví, když někdo zemře,“ říká holandské přísloví. Obraz je plný klidu a míru. Bruegel interpretuje slavný řecký mýtus velmi nečekaným způsobem. Z nebojácného hrdiny zbyla jen lidská noha mizející v moři. Nikdo si Ikarovy smrti nevšiml: ani pastýř, ani rolník na poli, ani rybář na břehu. Autor filmu udělal vše pro to, aby diváci viděli takzvaný Ikarův pád jako poslední. Náš pohled přitahují dva jasné body - jsou to rolnická košile a žluté slunce nad vodní hladinou. Poté se začneme věnovat drobným světlým detailům - bílé ovečky, bílé hory, loď s bílými plachtami a... plácající se muž vedle této lodi. Hlavní postavou obrazu je slunce a muž je zrnko písku blikající v jeho paprscích.

Sandro Botticelli. Zrození Venuše.

1484-1486. Plátno, tempera. 278,5 x 172,5.

Informace o umělci. Sandro Botticelli - Narodil se v rodině bohatého měšťana Mariana di Vanni Filipepiho. Získal dobré vzdělání. Přezdívka Botticelli („barel“) přešla na Sandra od jeho bratra makléře, který byl tlustý muž. Studoval malbu u jednoho mnicha a převzal od něj vášeň pro zobrazování dojemných motivů, která odlišuje Lippiho historické malby. Poté pracoval pro slavného sochaře. Ve městě pořádá vlastní workshop. Mýtus O původu Afrodity kolují různé příběhy.

Klasická Afrodita se vynořila nahá z nedaleké vzdušné mořské mušle – odtud přezdívka „Cypris“ – a vyjela na mušli ke břehu. ve zlatých diadémech ji korunovali zlatou korunou, ozdobili ji zlatým náhrdelníkem a náušnicemi a bohové žasli nad jejími půvaby a byli zapáleni touhou vzít si ji za manželku.

Analýza obrázku.

Ve Zrození Venuše zobrazil Sandro Botticelli obraz Afrodity Urania - nebeské Venuše, dcery Urana, narozené z moře bez matky. Obraz nezobrazuje samotný porod, ale okamžik, který následoval, kdy Venuše, hnaná dechem géniů vzduchu, dosáhne břehu. Kromě Venuše je na obraze vyobrazena nymfa Ora, která je ztělesněním přírody, je připravena zakrýt Venuši pláštěm. Ora je jednou ze tří hor, nymf ročních období. Tato Hora, soudě podle květů pokrývajících její šaty, je patronkou jara, toho ročního období, kdy síla Venuše dosahuje svého vrcholu. Možná byl tento obraz inspirován jedním z Homérových hymnů, který popisuje, jak Zefýr, bůh západního větru, přivedl Venuši na ostrov Kypr, kde ji Hory přijaly.

V póze Venuše lze zaznamenat vliv klasického řeckého sochařství (držení těla, podepření postavy na jedné noze, gesto rukou). Proporce těla zjevně vycházejí z kánonu harmonie a krásy, rozvíjeného rovněž.

Kompozici obrazu lze díky čelnímu obrazu Venuše ve středu, symetricky umístěným postavám vpravo a vlevo, definovat jako statickou. Tato kompozice činí obraz klidným a majestátním. A linie Orina závoje a Zephyrova pláště, linie jejich těl, Venušiny vlasy, padající květiny a rytmus vln naplňují obraz vnitřním pohybem, pohybem vzduchu. Barevnost obrazu lze definovat jako jemnou, láskyplnou, dokonce i pro Orův plášť zvolila umělkyně tlumený červený tón, umožňující zvýraznění, ale nezpůsobující podráždění.

„Mezi Botticelliho inovacemi bylo důležité použití plátna, spíše než desky, pro dílo tak velkých rozměrů. Do pigmentů přidal minimální množství tuku, takže plátno zůstalo dlouho pevné a elastické a barva nepraskala. Bylo také zjištěno, že Botticelli na obraz nanesl ochrannou vrstvu vaječného žloutku, díky které bylo „Zrození Venuše“ dobře zachováno. (3)

William Waterhouse. Pandora otevírá rakev. 1896 Nalezeno v soukromé sbírce Informace o umělci. John William Waterhouse, anglický umělec.
John William Waterhouse se narodil v roce 1849 v Římě jako syn umělce. V 50. letech 19. století se rodina vrátila do Anglie. Před vstupem do Royal Academy School v roce 1870 Waterhouse pomáhal svému otci v jeho studiu.

Poměrně často je klasifikován jako prerafaelita, i když k tomuto hnutí formálně nepatřil. Waterhouse podporoval prerafaelskou myšlenku půjčování témat z poezie a mytologie. Se zvláštní přesností zprostředkoval drama okamžiku a také prokázal brilantní mistrovství kompozice a malířské techniky. Umělec vděčí za svou oblibu kouzlu a šarmu svých promyšlených modelů.

Waterhouseovo dílo bylo chváleno kritiky, jeho pověst byla vysoká a mladší umělci ho napodobovali. Za svůj život namaloval přibližně 200 obrazů na mytologická, historická a literární témata.

Je jedním z mála umělců, kteří se během svého života proslavili a díky svým dílům mohli žít v hojnosti.

Mýtus. Pandora - řečtina "nadaný ve všech směrech." Pandora byla první ženou, kterou vytvořil z vůle Dia Héfaistos jako trest za to, že Prométheus ukradl lidem oheň z nebe. Pandora měla být nástrojem pomsty. Héfaistos vytesal Pandoru ze země a vody, dal svému stvoření podobu podobnou bohyni, lidský hlas a krásu. Afrodita obdařila Pandoru krásou, Hermés vychytralostí, lstí, lstí a výmluvností. Athéna utkala krásné oblečení pro Pandoru. Jiní bohové také dávali dary Pandoře.
Zeus dal Pandoru za ženu Prométheovu bratrovi Epimétheovi, kterému porodila dceru Pyrrhu. Epithemy, navzdory varováním Prométhea, přijal jako dar od Dia krabici, ve které byly obsaženy všechny lidské neřesti, neštěstí a nemoci. Pandora, zmítaná zvědavostí, ji otevřela a rozpoutala katastrofy, které od té doby sužují lidstvo. Na dně zůstala jen naděje, protože Pandoře se podařilo zabouchnout víko.
Alegoricky je Pandořina skříňka nádobou problémů; dárek plný problémů. Analýza obrázku.

V popředí obrázku je dívka neobyčejné krásy. Její polonahá postava je umístěna ve středu obrazu, ve statické póze, což spolu s absencí diagonálních linií a převahou vertikálních a horizontálních linií vytváří statickou kompozici, která je zde nezbytná pro vytvoření nálady. beznaděje a nezvratnosti toho, co se stalo - potíže pominuly a není cesty zpět.

K umocnění tragiky toho, co se děje, použil umělec specifickou barvu (odstíny šedé, hnědé, bažina), proti níž nahé Pandořino tělo přitahuje pozornost a zdá se dojemně nechráněné na pozadí přerušovaných čar temného lesa v pozadí. Čtyři světla blikající v dálce vytvářejí mystické napětí i proto, že dávají prostor fantazii, mohou to být okna, nebo to mohou být oči příšer - les takový předpoklad plně umožňuje.

Samotnou Pandoru, která je nepochybně dějovým a kompozičním centrem, zvýrazněným barvou, osvětlením, zvětšením obrazu, je umělkyní líčena jako poněkud odlišná od mýtu, její póza naznačuje, že je sama překvapena tím, co se děje a co udělala. Nedělejte to ze zlého úmyslu, její tvář nemůže patřit ženě, kterou Hermes obdařil záludnost, lstivost, záludnost.

Rakev zobrazená vedle Pandory je neobvykle krásná, kdyby byla vyrobena ve zlatě, přitáhla by pozornost ženy, která nebyla tak slabá (její vzhled působí takovým dojmem) jako Pandora. Mimochodem, jeho umístění na levé straně obrázku plně odpovídá zvláštnostem našeho vidění – díváme se na obrázek zleva doprava a do našeho zorného pole se dostává téměř před Pandorou.

Další prvek zobrazený na obrázku vyžaduje pochopení – zdroj, který někde začíná a plyne, zabírající přibližně polovinu prostoru, vpravo od Pandory. V obraze se pohybuje pouze on, zřejmě symbolizující pomíjivost života, navzdory čemuž je Diův plán zdokonalený Pandorou věčný.