Portrét gentlemana s rukou na hrudi. El Greco - „Portrét gentlemana s rukou na hrudi“

Světlana Obuchová

O životě Kréťana Domenica Theotokopouliho, umělce, který dobyl španělské Toledo pod jménem El Greco, tedy Řek, nezůstaly téměř žádné doklady. „Pošetilosti“ jeho charakteru a zvláštní obrazové způsoby mnohé ohromily a donutily je chopit se pera – ale zachovalo se jen několik písmen. Jeden z nich obsahuje tyto řádky: „... bylo krásné počasí, jemně svítilo jarní sluníčko. Všem to udělalo radost a město vypadalo slavnostně. Představte si mé překvapení, když jsem vešel do El Grecova studia a viděl, že okenice na oknech jsou zavřené, a proto bylo těžké vidět, co je kolem. Sám El Greco seděl na stoličce, nedělal nic, ale byl vzhůru. Nechtěl se mnou chodit, protože podle něj sluneční světlo rušilo jeho vnitřní světlo...“

O muži Domenico nezůstaly téměř žádné důkazy, jen dozvuky: že žil ve velkém stylu, vedl bohatou knihovnu, četl mnoho filozofů a také žaloval klienty (milovali ho, ale častěji mu nerozuměli), zemřel téměř v r. chudoba – jako tenké paprsky denního světla prorážejí trhliny v „zavřených okenicích“ jeho života. Ale neodvádějí pozornost od toho hlavního - od vnitřního světla, které naplňuje obrazy umělce El Greca. Zejména portréty.

Nejsou zde žádné krajiny, které se otevírají za portrétovanou osobou, není zde přemíra detailů, které přitahují zvědavé oko. Dokonce i jméno hrdiny je často vynecháno z obrazu. Protože tohle všechno by ti bránilo vidět do tváře. A oči, hluboké, tmavé, hledící přímo na tebe. Je těžké se od nich odtrhnout, a pokud se přinutíte, je to vidět gesto a znovu se zastavit v myšlenkách.

Toto je „Portrét kavalíra s rukou na hrudi“ (1577-1579), který mistr namaloval krátce poté, co se přestěhoval do Toleda. Tento portrét je uznáván jako jeden z nejlepších ve španělském malířství 16. století. Cizinec El Greco vytvořil „živé obrazy španělského života a historie“, které zachycují „opravdové živé bytosti, spojující v sobě vše, co je třeba obdivovat na našem lidu, vše hrdinské a nezdolné, s protikladnými vlastnostmi, které nelze než odrážet, aniž by byla zničena její samotná podstata“ (A. Segovia). Aristokraté ze starověkých rodů Toleda se stali skutečnými hrdiny El Greca, viděl jejich vnitřní světlo – jejich ušlechtilost a důstojnost, věrnost povinnostem, inteligenci, vytříbenost mravů, odvahu, vnější zdrženlivost a vnitřní pud, sílu srdce, která ví, pro co žije a umírá...

Návštěvníci galerie Prado se den za dnem zastavují před neznámým hidalgem překvapeni slovy: „Jako živý...“ Kdo to je, tento rytíř? Proč otevírá své srdce s takovou upřímností? Proč jsou jeho oči tak přitažlivé? A toto gesto přísahy? A jílec meče?... Možná se z těchto otázek zrodila legenda, že osobou zobrazenou na portrétu je další velký Španěl: Miguel de Cervantes. Válečník a spisovatel, který světu vyprávěl příběh o rytíři smutné podoby, který dostal stejný božský dar jako El Greco – vidět lidi takové, jací mají být, vidět jejich vnitřní světlo...

A další obrazy z muzea Prado v Ermitáži...

El Greco "Kristus objímající kříž" 1600 - 1605

Kristus, zobrazený na pozadí bouřlivé oblohy typické pro El Greco, objímá kříž svým půvabnýma rukama a dívá se vzhůru s klidnou zkázou. Obraz měl velký úspěch a v El Grecově dílně vzniklo mnoho jeho verzí.

El Greco "Svatá rodina se sv. Annou a malým Janem Křtitelem" c. 1600–1605

Pozdní období El Grecovy tvorby je charakteristické používáním pronikavých barev a záblesků; prostor je zcela zaplněn postavami, které zakrývají obzor. Formy malované vibračním tahem štětce ztrácejí na věcnosti. Malý Jan Křtitel vyzývá diváka k tichu, aby nerušil pokoj nemluvněho Krista...

Velasquez - Portrét Filipa IV. Portrét krále Filipa IV. 1653-1657

Základy psychologického portrétu v evropském umění položil španělský malíř Diego Rodriguez de Silva Velazquez. Narodil se v chudé šlechtické rodině v Seville a studoval u Herrery staršího a Pacheca. V roce 1622 poprvé přišel do Madridu. V praktickém smyslu nebyl tento výlet příliš úspěšný - Velazquez pro sebe nenašel důstojné místo. Doufal, že se setká s mladým králem Filipem IV., ale k setkání nedošlo. Přesto se zvěsti o mladém umělci dostaly až ke dvoru a již v příštím roce 1623 pozval první ministr vévoda de Olivares (rovněž sevillský rodák) Velazqueze do Madridu, aby namaloval králův portrét. Toto dílo, které se k nám nedostalo, udělalo na panovníka tak příjemný dojem, že Velazquezovi okamžitě nabídl místo dvorního umělce. Mezi králem a Velazquezem se brzy rozvinuly docela přátelské vztahy, což nebylo pro řád, který vládl na španělském dvoře, příliš typické. Král, který vládl největší světové říši, nebyl považován za člověka, ale za božstvo a umělec nemohl počítat ani s ušlechtilými výsadami, protože si vydělával prací. Mezitím Philip nařídil, aby jeho portréty maloval pouze Velazquez. Velký panovník byl překvapivě velkorysý a podporoval Velazqueze. Umělcovo studio se nacházelo v královských bytech a byla tam instalována židle pro Jeho Veličenstvo. Král, který měl od dílny klíč, sem téměř každý den chodil pozorovat umělcovo dílo. Velazquez v královských službách v letech 1623 až 1660 namaloval asi tucet portrétů svého panovníka. Z toho k nám dorazilo něco málo přes 10 obrazů. V průměru tedy Velazquez maloval svého vládce přibližně jednou za tři roky. Malování portrétů krále bylo Velazquezovou prací a zvládnul ji dokonale. Díky tomu máme komplex děl, která je svým způsobem jedinečná: Velazquezovy portréty sledují životní cestu krále Filipa tak jasně, jak se později stalo zvykem až ve věku fotografie. Na umělcových obrazech je jasně vidět evoluce. Nejprve se mění sám král, na prvním portrétu 18 let a na posledním 50 let, jeho tvář nese otisk věku a duchovních proměn. Za druhé, prohlubuje se umělcovo vnímání svého modelu a mění se od povrchního k bystrému. Postupem času se mění způsob prezentace modelu a výtvarné techniky. Velazquezův způsob se proměňuje pod vlivem jeho vlastního tvůrčího růstu i pod vlivem moderních domácích i zahraničních tradic. Tento portrét pod hrudí zobrazuje Filipa IV. na tmavém pozadí, na sobě má černé oblečení s bílým límečkem, který jasně zvýrazňuje panovníkovu tvář. Velázquez se v portrétu krále vyhýbá okázalosti a ukazuje „lidskou tvář“ panovníka bez jakýchkoli lichotek a dvorské mazanosti. Zjevně cítíme, že ten, kdo se na nás dívá z plátna, je nešťastný, poslední roky jeho vlády nebyly pro krále jednoduché. Je to muž, který poznal zklamání, ale zároveň muž, jehož tělo je naplněno vrozenou velikostí, kterou nic neotřese. Další velký umělec, až do morku kostí Španěl, Pablo Ruiz Picasso, o obrazu španělského krále říká toto: „Nedokážeme si představit jiného Filipa IV. než toho, který vytvořil Velazquez...“

"Portrét krále Filipa IV" (asi 1653 - 1657)

Jeden z posledních portrétů panovníka. Je zajímavé, že zde není jediný prvek, který by vypovídal o královském postavení portrétovaného. Velazquez sloužil Filipovi IV. téměř čtyřicet let – od roku 1623 až do své smrti, maloval portréty krále a jeho rodiny, velká námětová plátna pro královskou sbírku.

Diego Velazquez „Portrét šaška Dona Diega de Acedo“ (El Primo) c. 1644

Diego Velazquez "Portrét královny Marianny Rakouské" 1652-1653

Tizian (Tiziano Vecellio) "Venuše s Amorem a varhaníkem" 1555

Hudebník hraje, sedí u nohou Venuše a obdivuje nahé tělo bohyně, roztržitě si hraje s Amorem. Někteří tento obraz chápali jako čistě erotické dílo, jiní jej vnímali symbolicky – jako alegorii pocitů, kde zrak a sluch působí jako nástroje k poznání krásy a harmonie. Tizian napsal pět verzí tohoto tématu.

Paolo Veronese (Paolo Cagliari) - "Kajícná Marie Magdalena" 1583

Po svém obrácení Marie Magdalena zasvětila svůj život pokání a modlitbě a stáhla se ze světa. Na tomto obraze je zobrazena, jak hledí do nebes a koupe se v božském světle. Obraz je malován v hustých tmavých barvách, charakteristických pro Veroneseho styl v pozdním období jeho tvorby. Před vstupem do španělských královských sbírek patřilo dílo anglickému králi Karlu I. (popraven v roce 1649)

Anthony Van Dyck „Portrét muže s loutnou“ 1622-1632

Anthony Van Dyck vděčí za svou slávu právě žánru portrétování, který zaujímal v hierarchii evropského malířství spíše nízkou pozici. Do této doby se však již ve Flandrech rozvinula tradice portrétního umění. Van Dyck namaloval stovky portrétů, několik autoportrétů a stal se jedním z tvůrců stylu slavnostního portrétování v 17. století. Na portrétech svých současníků ukázal jejich intelektuální, citový svět, duchovní život a živý lidský charakter.
Tradičním modelem tohoto portrétu je Jacob Gautier, loutnista na anglickém dvoře v letech 1617 až 1647, ale přítomnost meče a ve větší míře i stylové charakteristiky díla naznačují, že se musí datovat mnohem dříve než Van. Dyckův výlet do Londýna, který tuto teorii zpochybňuje. Přítomnost hudebního nástroje nemusí nutně znamenat, že modelem byl hudebník. Jako symbol byly hudební nástroje často zobrazovány na portrétech jako znamení intelektuální vyspělosti a citlivosti námětu.

Juan Bautista Maino "Klanění pastýřů" 1612-1614

Jedno z Mainových mistrovských děl. Sbírka State Ermitage obsahuje další verzi tohoto příběhu, kterou napsal Maino. Umělec se narodil v Pastrana (Guadalajara) a žil v Římě od roku 1604 do roku 1610. Toto dílo, napsané po jeho návratu do Španělska, ukazuje vliv Caravaggia a Orazia Gentileschiho. V roce 1613 se Maino stal členem dominikánského řádu a obraz byl zařazen do oltářního cyklu kláštera svatého Petra mučedníka v Toledu.

Georges de Latour "Slepý hudebník s Hurdy-Hurdy" cca. 1625-1630

Latour zobrazuje starého slepého hudebníka hrajícího na hurdisku, který tuto zápletku několikrát opakoval. Umělec, který pracoval pod vlivem Caravaggiova stylu, nadšeně reprodukuje detaily - vzor zdobící hudební nástroj, vrásky na tváři slepého muže, jeho vlasy.

Peter Paul Rubens, Jacob Jordaens "Perseus Freeing Andromeda" Přibl. 1639-1640

Francisco de Goya "Portrét Ferdinanda VII" 1814-1815

Po Napoleonově porážce v roce 1814 se na španělský trůn vrátil Ferdinand VII. Portrét ho zobrazuje v královském rouchu lemovaném hranostajem, se žezlem a řády Carlose III. a Zlatým rounem.
Ferdinand VII., který zemi vládl do roku 1833, založil v roce 1819 muzeum Prado.

Francisco de Goya "Maria von Santa Cruz" 1805

Maria von Santa Cruz, manželka prvního ředitele Prado, byla jednou z nejuznávanějších žen ve Španělsku své doby.
Na portrétu z roku 1805 Goya zobrazil markýzu jako múzu lyrické poezie Euterpe, jak leží na pohovce a v levé ruce drží lyru. Výběr tohoto konkrétního snímku je způsoben vášní markýzy pro poezii.

Francisco Goya - "Podzim (sklizeň hroznů)" 1786 - 1787

Francisco GOYA - "Sklízení hroznů" fragment

V letech 1775 - 1792 vytvořil Goya sedm sérií kartonových tapisérií pro paláce Escorial a Prado na předměstí Madridu. Zejména tento obraz patří do série ročních období a byl určen pro jídelnu prince Asturského v Pradu. Goya ztvárnil klasickou zápletku jako každodenní scénu, která odráží povahu vztahu mezi různými vrstvami – obraz zachycuje majitele vinice se synem a služkou.

Francisco Goya "Portrét generála José de Urrutia" (asi 1798)

José de Urrutia (1739 - 1809) - jeden z nejvýznamnějších španělských vojevůdců a jediný armádní důstojník nearistokratického původu v 18. století, který dosáhl hodnosti generálního kapitána - je vyobrazen s Řádem sv. Jiří, který mu byla udělena ruskou carevnou Kateřinou Velikou za účast na dobytí Očakova během krymského tažení v roce 1789.

Peter Paul Rubens "Portrét Marie de' Medici." OK. 1622-1625.

Maria Medici (1573 - 1642) byla dcerou velkovévody toskánského Francesca I. V roce 1600 se stala manželkou francouzského krále Jindřicha IV. Od roku 1610 byla regentkou pro svého malého syna, budoucího krále Ludvíka XIII. U Rubense si objednala sérii děl oslavujících sebe a svého zesnulého manžela. Portrét ukazuje královnu v čelenku vdovy a nedokončené pozadí.

Domenico Tintoretto "Žena odhalená prsa" Přibl. 1580-1590

Vicente Lopez Portanha „Portrét Felixe Maxima Lopeze, prvního varhaníka královské kaple“ 1820

Španělský neoklasicistní malíř, který si zachoval stopy rokokového stylu. Lopez byl považován za jednoho z nejlepších portrétistů své doby, hned za Franciscem de Goyou. Ve 13 letech začal studovat malbu ve Valencii a během čtyř let vyhrál několik prvních cen na Akademii San Carlos, což mu vyneslo stipendium ke studiu na prestižní Královské akademii výtvarných umění v San Fernandu. Po dokončení studií pracoval Lopez několik let v dílně Mariana Salvadora Maelly, jeho učitele. V roce 1814, po francouzské okupaci, byl Lopez již známým umělcem, a tak jej španělský král Ferdinand VII. povolal do Madridu a jmenoval oficiálním dvorním umělcem, přestože „prvním královským umělcem“ byl v té době Francisco. Goya sám. Vicente Lopez byl plodný umělec, maloval obrazy na náboženská, alegorická, historická a mytologická témata, ale především byl samozřejmě portrétistou. Během své dlouhé kariéry maloval portréty téměř všech slavných osobností Španělska v první polovině 19. století.
Tento portrét prvního varhaníka královské kaple a slavného hudebníka a skladatele namaloval krátce před umělcovou smrtí a dokončil jej jeho nejstarší syn Ambrosio Lopez.

Anton Raphael Mengs „Portrét Marie Luisy Parmské, princezny z Asturie“ 1766

Juan Sanchez Cotan „Zátiší se zvěřinou, zeleninou a ovocem“ 1602

Don Diego de Acedo byl u dvora od roku 1635. Kromě „šaškárny“ sloužil jako královský posel a měl na starosti královskou pečeť. O těchto činnostech zřejmě vypovídají knihy, papíry a psací potřeby zobrazené na obrázku. Předpokládá se, že portrét byl namalován ve Fraga, provincii Huesca, během cesty Filipa IV. po Aragonii, na které ho doprovázel Diego de Acedo. V pozadí se tyčí vrchol Malicios pohoří Guadarrama.

Hieronymus Bosch "Extrakce kamene bláznovství" c. 1490

Satirická scéna s postavami na pozadí krajiny zobrazuje operaci, jejímž cílem je odstranit „kámen hlouposti“. Nápis v gotickém písmu zní: "Mistře, rychle odstraňte kámen. Jmenuji se Lubbert Das." Lubbert je obecné podstatné jméno označující neznalost a jednoduchost. Chirurg s pokrývkou hlavy v podobě obráceného trychtýře, symbolizujícího nevědomost, „sejme“ kámen (leknín) z hlavy důvěřivého pacienta a požaduje od něj štědrou platbu. Prostomyslní tehdy věřili, že za jejich hloupost může kámen do hlavy. Toho využili šarlatáni.

Raphael (Raffaello Santi) "Svatá rodina s beránkem" 1507

Marie pomáhá malému Kristu posadit se na beránka - křesťanský symbol nadcházejícího Kristova utrpení a sv. Joseph je pozoruje. Obraz byl namalován ve Florencii, kde umělec studoval dílo Leonarda da Vinciho, ovlivněné jeho kompozicemi se Svatou rodinou. V muzeu Prado je to jediné dílo Raphaela namalované v raném období.

Albrecht Durer "Portrét neznámého muže" Přibl. 1521

Portrét patří do pozdního období Dürerovy tvorby. Malováno způsobem podobným stylu holandských umělců. Klobouk se širokou krempou upozorňuje na tvář portrétovaného, ​​světlo dopadající zleva na něj soustředí divákovu pozornost. Druhým středem pozornosti na portrétu jsou ruce, a to především levé, ve kterých neznámá osoba drží svitek – zřejmě vysvětlující jeho sociální postavení.

Rogier van der Weyden "Nářek" Přibl. 1450

Předlohou byl oltářní triptych pro klášter Miraflores (uchovaný v berlínské umělecké galerii), který vytvořil Van der Weyden dříve než v roce 1444 a který se s určitými rozdíly opakoval. V této verzi, s horní částí přidanou v neznámém období, Marie, Kristus, sv. John a donátor (objednatel obrazu) - člen rodiny Broers - jsou vyobrazeni ve stejném prostoru. Umělkyně expresivně zprostředkovává zármutek Matky Boží a svírá na hrudi tělo svého mrtvého syna. Tragická skupina vlevo kontrastuje s postavou dárce, oddělenou kamenem. Je ve stavu soustředění na modlitbu. V té době zákazníci často žádali, aby se na obrazech zobrazovali. Ale jejich obrazy byly vždy vedlejší – někde v pozadí, v davu atp. Zde je dárce zobrazen v popředí, ale od hlavní skupiny je oddělen kamenem a barvou.

Alonso Cano "Mrtvý Kristus podporovaný andělem" c. 1646 - 1652

Na pozadí temné krajiny anděl podpírá neživé tělo Kristovo. Neobvyklá ikonografie tohoto obrazu se vysvětluje tím, že je spojen nikoli s evangelickými texty, ale s tzv. Kristem sv. Gregory. Podle legendy viděl papež Řehoř Veliký vidění mrtvého Krista podporovaného dvěma anděly. Kano si tuto zápletku vyložil jinak – pouze jeden anděl podpírá nehybné tělo Kristovo.

Bartolome Esteban Murillo "Panna Maria Růžencová" Přibl. 1650-1655

Dílem Bartolomea Estebana Murilla končí zlatý věk španělského malířství. Murillova díla jsou bezvadně kompozičně precizní, barevně bohatá a harmonická a nádherná v nejvyšším smyslu slova. Jeho pocity jsou vždy upřímné a jemné, ale v Murillových obrazech už není ta duchovní síla a hloubka, která je tak šokující v dílech jeho starších současníků. Umělcův život je spjat s rodnou Sevillou, i když musel navštívit Madrid a další města. Po studiu u místního malíře Juana del Castillo (1584-1640) Murillo intenzivně pracoval na zakázkách z klášterů a chrámů. V roce 1660 se stal prezidentem Akademie výtvarných umění v Seville.
Svými obrazy s náboženskými náměty se Murillo snažil přinést útěchu a ujištění. Není náhodou, že velmi často maloval obraz Matky Boží. Obraz Marie přecházel z obrazu do obrazu v podobě krásné mladé dívky s pravidelnými rysy obličeje a klidným pohledem. Její nevinný vzhled měl v divákovi vyvolat pocit sladké něhy. Bartolome Murillo na tomto obraze zobrazil Madonu a Ježíše s růžencem, tradičním katolickým růžencem, jehož modlitbě byl v době umělce přikládán velký význam. V tomto díle jsou stále patrné rysy naturalismu, které převládaly v dílech představitelů sevillské školy v první polovině 17. století, Murillův malířský styl je však již volnější než v jeho rané tvorbě. Tato volná manýra je patrná zejména na vyobrazení závoje Panny Marie. Umělec pomocí jasného světla zvýrazní postavy na tmavém pozadí a vytvoří kontrast mezi jemnými tóny tváře Panny Marie a těla dítěte Krista a hlubokými stíny v záhybech látek.
V Andalusii 17. století byl obraz Panny Marie s dítětem obzvláště žádaný. Murillo, jehož tvůrčí život strávil v Seville, namaloval mnoho takových obrazů, prodchnutých něhou. V tomto případě je Matka Boží zobrazena s růžencem. A zde, stejně jako v prvních letech své tvorby, zůstává umělec věrný své vášni pro kontrasty světla a stínu.

Bartolome Esteban Murillo "Dobrý pastýř" 1655-1660

Obraz je prodchnut hlubokou lyrikou a laskavostí. Název je převzat z Janova evangelia: „Já jsem dobrý pastýř“. To naznačuje, že obraz zobrazuje Krista, i když ve velmi raném věku. Všechno v Murillově filmu je krásné a jednoduché. Umělec rád maloval děti a všechnu tuto lásku vložil do krásy obrazu tohoto chlapce-Boha. V letech 1660-1670, v době rozkvětu svých malířských dovedností, se Murillo snažil poetizovat své postavy a často byl obviňován z určité sentimentality ve svých obrazech a jejich záměrné krásy. Tyto výtky však nejsou zcela spravedlivé. Dítě vyobrazené na obraze lze dodnes spatřit jak v Seville, tak v okolních vesnicích. A právě v tom se projevila demokratická orientace umělcova díla - přirovnání krásy Madony s krásou obyčejných španělských žen a krásy jejího syna, malého Krista, s krásou pouličních ježků.

Alonso Sanchez Coelho „Portrét Infantes Isabella Clara Eugenia a Catalina Micaela“ 1575

Portrét zobrazuje princeznu ve věku osm a devět let, jak drží věnec z květin. Sánchez Coelho maloval portréty infantek – milovaných dcer krále Filipa II. a jeho třetí manželky Isabelly Valoisové – již od útlého věku. Všechny portréty jsou zhotoveny v souladu s kánony dvorního portrétu - dívky ve velkolepých šatech a s netečnou mimikou.

Anton Rafael Mengs. Portrét krále Carlose III. 1767

Karel III. byl nazýván snad jediným skutečně osvíceným panovníkem v dějinách Španělska. Byl to on, kdo v roce 1785 založil muzeum Prado, nejprve jako muzeum přírodní historie. Karel III. snil o tom, že se muzeum Prado spolu s blízkými botanickými zahradami stane centrem vědeckého vzdělávání.
Po nástupu na trůn začal provádět vážné politické a ekonomické reformy, které země v té době tak nutně potřebovala. Jeho úsilí však bylo marné - jeho syn Karel IV. nesdílel pokrokové názory svého otce a po smrti Karla III. byl s reformami konec.
Tento portrét je naprosto typický pro svou dobu. Umělec každým detailem upozorňuje na pozici, kterou model zastává: plášť lemovaný hermelínem, maltézský kříž posetý drahokamy, lesklé brnění – nepostradatelné atributy královské vznešenosti. Svěží drapérie a pilastr (prvek klasické architektury) jsou tradičním pozadím takových portrétů.
Ale už na tomto portrétu je překvapivé, jak je tvář modelky prezentována. Mengs se nijak nesnaží zeštíhlit králův baňatý nos nebo vyhladit záhyby na jeho vrásčitých tvářích. Díky maximální individualitě vytváří tento obraz pocit života, kterého předchůdci Mengse nemohli dosáhnout. Portrét ve vás vyvolává soucit s Carlosem III., který je připraven „ukázat“ svůj nedokonalý vzhled.

Antoine Watteau "Feast in the Park" ca. 1713 - 1716

Tato půvabná scéna je typickou ukázkou Watteauových „galantních prázdnin“. Lehká mlha rozmazávající obrysy, socha Neptuna téměř skrytá v listí nad fontánou a vybledlá zlatá barva – to vše zprostředkovává atmosféru akutní, ale prchavé rozkoše.
Obraz patřil Isabelle Farnese, druhé manželce krále Filipa V.

Antonio Carnicero „Zvednutí horkovzdušného balónu v Aranjuez“ c. 1784

Obraz vznikl na objednávku vévody a vévodkyně z Haussouinu a zachycuje ducha doby osvícení, která vzbudila zájem o výdobytky vědeckého pokroku. Je zobrazena skutečná událost: v roce 1784 byl v královských zahradách Aranjuez za přítomnosti panovníka, členů jeho rodiny a dvořanů uskutečněn let horkovzdušným balónem. Antonio Carnicero byl známý svými krásnými žánrovými scénami a tento obraz je jedním z jeho nejambicióznějších děl.

Jose de Madrazo y Agudo "Nebeská láska a pozemská láska" 1813

Francisco de Zurbaran "Agnus Dei. Beránek Boží" 1635-1640

Jehněčí leží na šedém stole a ostře vyčnívá na tmavém pozadí v ostře zaostřeném jasném světle. Každý člověk v 17. století by ho okamžitě poznal jako „beránka Božího“ a pochopil by, že jde o narážku na Kristovo sebeobětování. Jehněčí vlna je úžasně zpracovaná a zdá se tak jemná, že je těžké ze zvířete spustit oči a chcete se ho dotknout.

Juan Pantoja de la Cruz „Portrét královny Isabely z Valois“ c. 1604 – 1608

Pantoja de la Cruz namaloval tento portrét, opakující dílo Sofonisby Angisholy - originál spálený v paláci v roce 1604. Umělec přidal ke královnině outfitu pouze pelerínu ze sviště kožešiny.
Sofonisba Angishola byl umělec z Cremony, který působil na španělském dvoře. Toto byl první portrét mladé královny ze série umělce. Obraz byl namalován způsobem blízkým španělštině, ale v teplejších a světlejších barvách.

Jean Rann „Portrét Carlose III jako dítěte“ 1723

Luis Melendez „Zátiší s krabicí sladkostí, preclíku a dalších předmětů“ 1770

Největší mistr španělského zátiší 18. století Luis Melendez se narodil v Itálii v rodině miniaturistického umělce z Asturie. V roce 1717 se rodina přestěhovala do Madridu, kde mladý muž vstoupil do přípravného oddělení Akademie San Fernando a obsadil první místo mezi jejími nejnadanějšími studenty. V roce 1747 byl však nucen Akademii opustit v návaznosti na svého otce, který z ní byl v důsledku konfliktu vyloučen. Během tohoto období Melendez znovu navštíví Itálii. Zpočátku pomáhal svému otci, stal se miniaturistou a po návratu z Itálie byl pozván Ferdinandem VI., aby ilustroval knihy do královské kaple v Madridu. V žánru zátiší, ke kterému se umělec obrátil na počátku 60. let 18. století, se objevila nová stránka jeho tvorby.
Toto zátiší bylo namalováno během umělcova zralého období. V této době se v jeho skladbách objevily luxusní předměty a stříbro. Umělec se však stále drží svých ideálů a pracuje v souladu s žánrovou tradicí. Materiální hmatatelnost každého z objektů malovaných na plátně nám připomíná nejlepší příklady zátiší ve světovém umění. Hmatatelné průhledné sklo skla se odráží v matně lesklém povrchu stříbrné vázy. Měkký preclík na bílém ubrousku, který jako by voněl jako čerstvě upečený chléb. Hrdlo uzavřené láhve se matně leskne. Za okraj osvětleného stolu mírně vyčnívá stříbrná vidlička. V kompozici tohoto zátiší není žádné asketické uspořádání předmětů v jedné řadě, charakteristické například pro Zurbaranova zátiší. Možná to má něco společného s holandskými vzorky. Ale tón je tmavší, je tam méně předmětů a kompozice je jednodušší.

Juan de Arellano "Košík květin" 1670

Španělský barokní malíř, specializující se na zobrazování květinových vazeb, narozen v roce 1614 v Santorcasu. Nejprve studoval v ateliéru dnes neznámého umělce, ale v 16 letech se přestěhoval do Madridu, kde studoval u Juana de Solis, umělce, který realizoval zakázky pro královnu Isabellu. Juan de Arellano žil dlouhou dobu na malých zakázkách, včetně nástěnných maleb, až se rozhodl věnovat výhradně malbě květin a stal se v tomto oboru nepřekonatelným mistrem. Předpokládá se, že mistr začal kopírováním děl jiných, zejména italských umělců, vlámská zátiší dodala jeho stylu eleganci a přísnost. Později k této kombinaci přidal vlastní kompoziční nápady a charakteristickou barevnou paletu.
Pro Arellano je charakteristická poměrně jednoduchá kompozice tohoto zátiší. Čisté, intenzivní barvy rostlin jasně vyniknou na neutrálním nahnědlém pozadí díky intenzivnímu osvětlení.

Muž v zrcadle umění: portrétní žánr

Portrét(francouzský portrét) - obrázek konkrétní osoby nebo skupiny lidí. Portrétní žánr se ve starověku rozšířil v sochařství a poté v malbě a grafice. Ale vnější podobnost není to jediné, co musí umělec sdělit. Mnohem důležitější je, když mistr přenese na plátno vnitřní podstatu člověka a zprostředkuje atmosféru doby. Rozlišovatpřední dveře A komora portréty. Jsou tam portrétyčtyřhra A skupina. Jsou určeny k výzdobě reprezentačních místností a ke chvále určitých osob a k uchování paměti lidí spojených profesními, duchovními a rodinnými vazbami. Speciální kategoriečiní autoportrét, na kterém umělec zobrazuje sám sebe.

Kterýkoli z portrétů lze přiřadit buď k psychologickému portrétu nebo
k portrétní postavě nebo k portrétní biografii.

Umění pomáhá poznat člověka. Nejen vidět jeho vnější vzhled
tvář, ale také pochopit její podstatu, charakter, náladu atd. Portrét je téměř
vždy realistické. Ostatně jeho hlavním cílem je uznání zobrazovanéhoje na něm člověk. Úkolem umělce však obvykle není přesněkopírování vnějších rysů modelu, nikoli napodobování přírody, ale „obrazové přetvoření“ obrazu člověka. Není náhoda, že touha vznikástačí se v portrétu poznat a možná i objevit něco nového v sobě.
Divák mimovolně vyjadřuje postoj umělce k modelu. Důležité
je vše, co vyjadřuje emoce, postoj k životu, k lidem: mimika
vyobrazená tvář, výraz očí, linie rtů, otočení hlavy, držení těla,
gesto.
Často interpretujeme dílo z pohledu dnešního člověka
den, připisujeme povahovým rysům, které jsou pro jeho dobu zcela neobvyklé, to znamená, že se snažíme porozumět neznámému skrze známé.
Velmi důležité je také ukázat sociální postavení portrétovaného, ​​vytvořit typický obraz představitele určité doby.

Jako žánr se portrétování objevilo před několika tisíci lety ve starověkém umění. Mezi freskami slavného paláce Knóssos, které našli archeologové při vykopávkách na ostrově Kréta, je řada malebných vyobrazení žen z 16. století před naším letopočtem. Přestože vědci nazývali tyto obrazy „dvorními dámami“, nevíme, koho se krétští mistři snažili ukázat - bohyně, kněžky nebo vznešené dámy oblečené v elegantních šatech.
"Pařížský". Freska z paláce Knossos, 16. století před naším letopočtem.

Nejznámější portrét mladé ženy, vědci nazývaný „Pařížka“. Vidíme před sebou profilový (podle tradic tehdejšího umění) obraz mladé ženy, velmi koketní a kosmetiku nezanedbávající, o čemž svědčí její tmavé obrysy rýsované oči a pestře namalované rty.
Umělci, kteří vytvořili freskové portréty svých současníků, se nezabývali charakteristikami modelů a vnější podobnost na těchto snímcích je velmi relativní.
Náboženské představy ve starověkém Egyptě spojené s kultem
mrtvý, určil touhu zprostředkovat portrétní podobu v sochařském obrazu osoby: duše zesnulého musela najít svou nádobu.

Na počátku 20. stol. Archeologové celému světu objevili nádherný portrét královny Nefertiti.

Vytvořeno v století XIV před naším letopočtem E.,tento obrázek ohromuje hladkostí profilových linií, ladností ohebného krku, vzdušnou lehkostí a plynulými přechody nepravidelných, ale okouzlujících rysů ženské tváře. Nefertiti nebyla jen královnou Egypta, byla uctívána jako bohyně. Nejslavnější a možná i nejkrásnější z manželek egyptských faraonů žila se svým korunovaným manželem v obrovském přepychovém paláci na východním břehu Nilu.

V umění starověkého Řecka zaujímají zvláštní místo zobecněné, idealizované obrazy hrdinů nebo bohů. Ve splynutí duchovního a fyzickéhoumělci a sochaři viděli ztělesněníkrásu a harmonii člověka.