Finský umělec. Nejslavnější obrazy finských umělců

Stálá expozice Muzea Athenaeum zabírá 3. patro budovy (pořádají se zde i drobné tematické výstavy), ve 2. patře se konají dočasné výstavy (plán sálů). V této poznámce budeme hovořit o některých z nejzajímavějších a nejznámějších obrazů a soch ve sbírce Athenaeum a také o jejich autorech: slavných Finští umělci a sochaři. Přečtěte si více o historii muzea Athenaeum a architektuře budovy muzea lze číst. Poskytuje také užitečné informace o ceny vstupenek, otevírací doba a jak navštívit muzeum Athenaeum. Pozor: ne vždy je možné vidět všechna slavná díla v muzeu současně.

Díla finských sochařů

Procházku muzeem Athenaeum začněme hned od vchodu.

Ve vstupní hale nás vítá mramorová skupina " Apollo a Marsyas„(1874) díla slavného finského sochaře Walter Runeberg (Walter Magnus Runeberg) (1838-1920), autor pomníků Johana Runeberga a císaře Alexandra II v Helsinkách. Sochařův otec, básník Johan Runeberg, představitel národního romantického hnutí v literatuře, vnesl do finské kultury ideály řecké a římské civilizace, včetně hodnoty odvahy a oddanosti. Jeho syn pokračoval ve vyjadřování těchto ideálů, ale prostřednictvím sochařství. V letech 1858-62. Walter Runeberg studoval v Kodani na Akademii umění pod vedením dánského sochaře Hermanna Wilhelma Bissena, žáka slavného Thorvaldsena, mezinárodně uznávaného mistra neoklasicistního sochařství. V letech 1862-1876. Runeberg pracoval v Římě a pokračoval ve studiu klasického dědictví.

V tomto sousoší Runeberg zobrazil boha světla Apollóna, který svým uměním porazil satyra Marsyase, zosobňujícího temnotu a pozemskost. Postava Apollóna je vytvořena v duchu antických ideálů, přičemž tento obraz jasně kontrastuje s barokně-divokým pastýřem Marsyasem. Skladba byla původně určena k výzdobě nového helsinského studentského domu a vznikla na objednávku spolku, ale pak se dámy zřejmě rozhodly, že v Runebergově soše je příliš mnoho nahoty. Tak či onak bylo dílo nakonec darováno Finské umělecké společnosti – a tak skončilo ve sbírce muzea Ateneum.

Po vstupu do hlavních výstavních sálů Athenaea ve třetím patře si můžete prohlédnout několik dalších zajímavých děl Finští sochaři. Zvláště atraktivní vypadají mramorové a bronzové sochy, elegantní figurky a vázy Ville Wallgren (Ville Vallgren) (1855–1940).Ville Wallgren byl jedním z prvních finských sochařů, kteří se po základním vzdělání ve Finsku rozhodli pokračovat ve studiu nikoli v Kodani, ale v Paříži. Jeho volbu ovlivnil slavný umělec Albert Edelfelt, rovněž rodák z Porvoo. Edelfelt svému impulzivnímu krajanovi pomáhal v dalších životních i profesních záležitostech: například právě s jeho pomocí dostal Wallgren zakázku na vytvoření slavné fontány „Havis Amanda“ (1908) na bulváru Esplanade v roce .

Ville Wallgren, který žil téměř 40 let ve Francii, je známý především svými smyslnými ženskými postavami ve stylu art nouveau. V rané fázi své tvorby však často zobrazoval mladé muže a držel se klasičtějšího stylu (příklady zahrnují poetické mramorové sochy „ Echo" (1887) a " Chlapec si hraje s krabem(1884), ve kterém Wallgren spojuje lidské charaktery a přírodní svět).

Na konci 19. století získal Ville Wallgren celosvětovou slávu jako pozoruhodný mistr dekorativních figurek, ale i váz, pohřebních uren a slziček zdobených postavami truchlících plačících dívek. Ale s neméně přesvědčením ztvárnil bonviván Wallgren i radosti života, včetně flirtujících a svůdných žen, jako je ta samá Havis Amanda. Kromě výše zmíněné plastiky „Chlapec si hraje s krabem“ (1884) je ve třetím patře muzea Athenaeum k vidění bronzová díla Ville Wallgrena: „Slza“ (1894), „Jaro (renesance)“ (1895), „Dva mladí muži“ (1893) a Váza (kolem 1894). Tato nádherná díla s dokonale propracovanými detaily jsou malých rozměrů, ale zanechávají silný emocionální dojem a jsou zapamatována pro svou krásu.

Ville Wallgren prošel dlouhou cestou, aby se stal sochařem, ale jakmile našel svůj směr a získal podporu profesionálů, stal se jedním z nejuznávanějších a mezinárodně uznávaných umělců v historii. Finské umění. Například jako jediný Fin obdržel medaili Grand Prix za svou práci na světové výstavě v Paříži (stalo se tak v roce 1900). Wallgren poprvé upoutal pozornost kolegů a kritiků na světové výstavě v roce 1889, kde byl představen jeho reliéf „Kristus“. Finský sochař opět přiměl lidi mluvit o sobě během symbolistických pařížských salonů Rose + Croix v letech 1892 a 1893. Wallgrenovou manželkou byla švédská umělkyně a sochařka Antoinette Roström ( Antoinette Råström) (1858-1911).

Zlatý věk finského umění: Albert Edelfelt, Akseli Gallen-Kallela, Eero Järnefelt, Pekka Halonen

V jednom z nejrozsáhlejších sálů ve třetím patře Muzeum Athenaeum Vystaveny jsou klasické obrazy, včetně děl přítele Ville Wallgrena - Albert Edelfelt (Albert Edelfelt) (1854-1905), nejznámější ve světě Finský umělec.

Pozornost diváků jistě upoutá báječný snímek “ Královna Blanca„(1877) je jedním z nejoblíbenějších a nejoblíbenějších obrazů ve Finsku, skutečným hymnem mateřství. Tištěné reprodukce tohoto obrazu a jeho výšivky lze nalézt v tisících domácností po celé zemi. Edelfeltovou inspirací byl příběh „Devět kusů stříbra“ od Zachariase Topelia ( De nio silverpenningarna), ve kterém středověká královna Švédska a Norska Blanca z Namuru baví písněmi svého syna prince Hakona Magnussona, budoucího manžela Markéty I. Dánské. Výsledek tohoto přesně organizovaného manželství Královna Blanca, se stala unie Švédska, Norska a Dánska – Kalmarská unie (1397-1453). Půvabná Blanca zpívá svému malému synovi o všech těchto budoucích událostech.

V éře vzniku tohoto plátna byla historická malba považována za nejušlechtilejší formu umění a byla žádaná vzdělanými vrstvami finské společnosti, protože národní identita se v té době teprve začala formovat. Albertu Edelfeltovi bylo pouhých 22 let, když se rozhodl vytvořit obraz na téma středověké skandinávské historie a „Queen Blanca“ se stala jeho prvním vážným dílem. Umělec se snažil splnit očekávání svého lidu a co nejživěji a nejautentičtěji ztělesnit historickou scénu (v době malby žil Edelfelt v stísněném podkroví v Paříži a na naléhání svého učitele Jeana-Leona Geroma studoval kostýmy té doby, četly knihy o středověké architektuře a nábytku, navštívili středověké muzeum Cluny). Podívejte se, s jakou dovedností byly namalovány lesklé hedvábí královniných šatů, medvědí kůže na podlaze a mnoho dalších detailů (umělec si medvědí kůži speciálně pronajal v obchodním domě). Ale tím hlavním na snímku, alespoň pro moderního diváka (a pro samotného Edelfelta, který svou matku miloval víc než kohokoli na světě), zůstává jeho hřejivý emocionální obsah: tvář matky a gesta dítěte, která vyjadřují lásku, radost a intimitu.

Krásná 18letá Pařížanka sloužila jako model královně Blance, princi pózoval pohledný italský chlapec. Obraz "královna Blanca" byl poprvé představen veřejnosti v roce 1877 na pařížském salonu, měl velký úspěch a byl replikován ve francouzských uměleckých publikacích. Poté bylo předvedeno ve Finsku, poté bylo plátno prodáno Auroře Karamzina. Následně obraz skončil ve sbírce magnáta Hjalmara Lindera, který jej daroval Muzeum Athenaeum v roce 1920.

Další příklad rané kreativity Albert Edelfelt v muzeu Athenaeum je smutný obraz“ Dětský pohřeb"("Přeprava rakve") (1879). Již jsme řekli, že v mládí se Edelfelt zamýšlel stát se malířem historie; Připravoval se na to během studií v Antverpách a poté v Paříži. Ale koncem 70. let 19. století se jeho ideály změnily, spřátelil se s francouzským umělcem Bastienem-Lepagem a stal se kazatelem plenérové ​​malby. Další práce Edelfelt jsou již realistickým odrazem rolnického života a živého života jejich rodné země. Obraz „Pohřeb dítěte“ však neodráží pouze scénu každodenního života: vyjadřuje jednu ze základních lidských emocí – smutek.

Toho roku Edelfelt poprvé navštívil daču, kterou si pronajala jeho matka na panství Haikko poblíž Porvoo (později umělec přijížděl na tato krásná místa každé léto). Obraz byl namalován celý plenér, k čemuž muselo být na pobřežní balvany připevněno velké plátno, aby se netřepotalo ve větru. "Nemyslel jsem si, že je tak těžké malovat venku," řekl Edelfelt jednomu ze svých přátel. Edelfelt načrtl zvětralé tváře obyvatel souostroví Porvoo, nejednou vyjel na moře s rybáři a dokonce si ve své dílně speciálně nainstaloval řezanou rybářskou loď, aby přesně reprodukoval detaily. Edelfeltův obraz « Pohřeb dítěte“ byl vystaven na pařížském salonu v roce 1880 a oceněn medailí 3. třídy (poprvé Finský umělec dostalo takové pocty). Francouzští kritici zaznamenali různé přednosti filmu, včetně skutečnosti, že postrádá přílišnou sentimentalitu, ale odráží důstojnost, s jakou postavy přijímají nevyhnutelné.

Obraz je prodchnut úplně jinou, slunečnou a bezstarostnou náladou. Albert Edelfelt « Lucemburské zahrady“ (1887). Když Edelfelt namaloval tento obraz, byl již velmi známou postavou pařížského uměleckého světa. Fascinován pařížskými parky s mnoha dětmi a chůvami užívajícími si dobré počasí, rozhodl se zachytit tuto krásu. V té době už malíř žil v Paříži více než deset let a je dokonce zvláštní, že tento obraz je jeho jediným větším dílem zachycujícím pařížský život. Pravděpodobně je to způsobeno silnou konkurencí mezi umělci: v tomto prostředí bylo snazší vyniknout prací na „exotičtějších“ finských tématech. Obraz „Lucemburská zahrada“ je neobvyklý také tím, že v něm Edelfelt použil mnoho impresionistických technik. Na tomto plátně přitom na rozdíl od impresionistů více než rok pracoval jak v plenéru, tak v ateliéru. Práce byly často zpomaleny z triviálních důvodů: špatné počasí nebo pozdní modely. Sebekritický Edelfelt plátno opakovaně přepracovával a prováděl změny až do poslední chvíle, kdy nastal čas vzít dílo na výstavu.

Obraz byl poprvé vystaven na výstavě v r Galerie Petit v květnu 1887. Sám Edelfelt nebyl s výsledkem příliš spokojen: na pozadí barevných explozí na obrazech francouzských impresionistů vypadalo jeho plátno, jak se mu zdálo, chudokrevné, „tekuté“. Nicméně, práce byla dobře přijata kritiky a veřejností. Následně se tento obraz stal jakýmsi symbolem úzkých vazeb finského umění – a Edelfelt zvláště – s Paříží, která byla v té době epicentrem uměleckého vesmíru.

obrázek" Ženy v kostele v Ruokolahti"(1887) Albert Edelfelt napsal ve své letní dílně v Haikko - tam vytvořil téměř všechna svá díla na téma lidového života. Přestože obraz odráží dojmy z cesty do východního Finska, je známo, že modelkami obrazu byly ženy z Haikko (dochovaly se fotografie, na nichž pózovaly pro Edelfelt v jeho ateliéru). Stejně jako jiné velké kompozice ani tato nevznikla přes noc, vždy se dělaly pečlivé předběžné skici. Hlavním cílem umělce však vždy bylo dosáhnout spontánního, živého „snímkového“ efektu.

Vedle děl Alberta Edelfelta v muzeu Ateneum můžete vidět obrazy dalšího představitele zlatého věku finského umění, Eero Järnefelta (Eero Jarnefelt) (1863-1937). Po dokončení studií ve Finsku šel Järnefelt do Petrohrad, kde studoval Akademie umění od svého strýce Michaila Klodta, sblížil se s Repinem a Korovinem a poté odešel pokračovat ve vzdělávání do Paříže. Navzdory zahraničním vlivům odráží Järnefeltovo dílo hledání národní identity, touhu zdůraznit jedinečný charakter jeho rodné kultury ( více o kreativitě Eero Järnefeltačíst ).

Järnefelt je nejlépe známý jako portrétista a autor majestátních krajin oblasti Koli a okolí jezera Tuusulanjärvi, kde se nacházela jeho vila-studio „Suviranta“ (vedle byl dům „Ainola“, kde skladatel Sibelius žil se svou ženou, Järnefeltovou sestrou).

Nejvýznamnějším a nejznámějším dílem Eera Järnefelta je ale bezpochyby obraz "Pod jhem" ("Spalování lesa")(1893) (další možnosti názvu jsou „ Ohýbačky zad za peníze», « Nucené práce"). Zápletka plátna je spojena s prastarým způsobem zemědělství, který spočívá ve vypalování lesů za účelem získání orné půdy (tzv. slash-and-burn zemědělství). Obraz vznikl v létě roku 1893 na statku Rannan Puurula ve městě Lapinlahti v regionu Severní Savo. Toho roku mráz zničil úrodu podruhé. Järnefelt pracoval na farmě bohaté rodiny a pozoroval drsné životní a pracovní podmínky bezzemků, kteří byli za svou práci placeni pouze v případě dobré úrody. Zároveň Järnefelt dělal skici hořící lesní krajiny, studoval chování ohně a kouře a natáčel také vesničany, kteří se nakonec stali hlavními postavami jeho obrazu.

Pouze jedna postava na obrázku se dívá přímo na diváka: jde o dívku, která dočasně přerušila svou práci a dívá se na nás s výrazem výčitky. Měla žaludek nateklý hladem, obličej a oblečení zčernalé sazemi a kolem hlavy Järnefelt namaloval kouř připomínající svatozář. Umělec namaloval tento obraz od 14leté dívky jménem Johanna Kokkonen ( Johanna Kokkonenová), sluhové na farmě. Muž v popředí je Heikki Puurunen ( Heikki Puurunen), v pozadí je vyobrazen bratr farmáře a sám majitel farmy.

Při pohledu na obrázek doslova cítíte žár ohně, slyšíte tlumený zvuk plamene a křupání větví. Obraz má několik výkladů, ale jeho hlavním smyslem se zdá být ostrá kritika utlačovaného lidu. Dívka z obrázku se stala zobecněným obrazem všech chudých a hladových dětí, všech znevýhodněných lidí ve Finsku. Plátno bylo poprvé představeno veřejnosti v roce 1897.

Celý velký sál Muzeum Athenaeum věnované dílu dalšího slavného představitele zlatého věku finského výtvarného umění - Akseli Gallen-Kallela (Akseli Gallen-Kallela) (1865-1931). Stejně jako ostatní významní finští umělci té doby studoval na. Gallen-Kallela získal zvláštní pozornost pařížské veřejnosti během světové výstavy v roce 1900, kdy vytvořil řadu fresek pro finský pavilon podle finského eposu „Kalevala“.

Během studovat v Paříži Gallen-Kallela často načrtl scény, kterých si všiml na ulicích a v kavárnách. Příkladem kreativity z tohoto období je malba "Nahý" ("Bez masky") (Demasquée ) (1888) - téměř jediný erotický obraz v díle Gallen-Kallela. Je známo, že jej vytvořil 23letý umělec na objednávku finského sběratele a filantropa Fridtjofa Antella, který chtěl přidat do své sbírky sexuálně explicitních obrazů. Když však Antell uviděl plátno, odmítl si ho vzít, zřejmě považoval obraz za příliš obscénní i na jeho vkus.

Obraz zachycuje nahou Pařížanku (zřejmě prostitutku) sedící v umělcově ateliéru na pohovce pokryté tradičním finským kobercem. Obraz dává představu o bohémském životním stylu, ale zároveň naznačuje, že jeho radosti jsou plné smrti a pádu. Umělec zobrazuje lilii symbolizující nevinnost, která kontrastuje s důrazně smyslným modelem a kytarou, jejíž tvar ještě umocňuje erotický vjem. Žena vypadá svůdně i děsivě. Krucifix, socha Buddhy a starožitný finský koberec Ryuyu, zobrazený vedle sebeuspokojeného ženského masa, napovídá o znesvěcení světice. Na stole v pozadí je častým prvkem maleb žánru Vanitas šklebící se lebka, která divákovi připomíná křehkost pozemských rozkoší a nevyhnutelnost smrti. Plátno Demasquée byl poprvé vystaven v Muzeum Athenaeum v roce 1893.

Mnoho pozdějších děl Gallen-Kallela oddaný "kalevale". Při zobrazování takových hrdinů finského eposu, jako jsou Väinämöinen a Lemminkäinen, používá umělec zvláštní styl, tvrdý a výrazný, plný nenapodobitelně jasných barev a stylizovaných ornamentů. Z této série stojí za zmínku úžasný snímek “ Lemminkäinenova matka“ (1897). Přestože je obraz ilustrací eposu, má globálnější, univerzálnější zvuk a lze jej považovat za jakousi severskou Pietu. Tato dojemná píseň mateřské lásky je jedním z nejúžasnějších děl Gallen-Kallely na téma „ Kalevalas».

Lemminkäinenova matka- veselý chlapík, chytrý lovec a svůdce žen - najde svého syna poblíž černé řeky smrti (řeka Tuonela), kde se pokusil zastřelit posvátnou labuť. V temné vodě v pozadí je vyobrazena labuť a na skalnatém pobřeží jsou roztroušeny lebky a kosti a raší květiny smrti. Kalevala vypráví, jak matka češe vodu dlouhými hráběmi, nabírá všechny kousky a dává je zpět dohromady pro svého syna. Pomocí kouzel a mastí oživuje Lemminkäinena. Obraz zachycuje okamžik, který předchází vzkříšení. Zdá se, že je vše ztraceno, ale sluneční paprsky pronikají do království mrtvých, dávají naději a včelka nese životodárný božský balzám pro hrdinovo vzkříšení. Tmavé, tlumené barvy umocňují pocit ticha tohoto podzemního světa a intenzivní krvavě červený mech na kamenech, smrtelně bledá bělost rostlin a Lemminkäinenova kůže kontrastují s božsky zlatou barvou včely a paprsky linoucími se z nebesa.

Pro tento obraz umělci pózovala jeho vlastní matka. Podařilo se mu vytvořit velmi realistický obraz s živým, intenzivním pohledem (toto je ryzí emoce: Gallen-Kallela záměrně mluvil se svou matkou o něčem smutném, což ji rozplakalo). Obraz se zároveň vyznačuje stylizací, která umožňuje vytvořit zvláštní mýtickou atmosféru, pocit, že se události odehrávají „na druhé straně“ reality. Pro zvýšení emocionálního dopadu použil Gallen-Kallela místo olejových barev tempery. Zjednodušené tvary, jasné kontury postav a velké barevné plochy pomáhají vytvořit silnou kompozici. Pro lepší vyjádření ponuré nálady obrazu zařídil umělec ve svém ateliéru v Ruovesi zcela černou místnost, ve které byl jediným zdrojem světla stropní poklop. Kromě toho se vyfotografoval, jak leží nahý na podlaze a použil tyto fotografie, když maloval postavu Lemminkäinena.

Triptych Gallen-Kallela je navržen ve zcela jiném, idylickém a téměř frivolním stylu. Legenda o Aino“ (1891). Skladba je věnována příběhu z „Kalevala“ o mladé dívce Aino a starém mudrci Väinämöinenovi. Podle rozhodnutí rodičů měla být Aino vdaná za Väinämöinena, ale ta od něj uteče a raději se utopí sama. Levá část triptychu ukazuje první setkání starého muže a dívky v tradičním karelském oděvu v lese a vpravo vidíme smutnou Aino. Připravuje se vrhnout se do vody, pláče na břehu a poslouchá volání mořských panen hrajících si ve vodě. Nakonec střední panel zobrazuje konec příběhu: Väinämöinen vyráží na lodi na moře a rybaří. Po ulovení malé ryby v ní nepozná dívku, která se jeho vinou utopila a hodí rybu zpět do vody. Ryba se ale v tuto chvíli promění v Aino – mořskou pannu, která se směje starému muži, který ji minul, a pak navždy zmizí ve vlnách.

Na počátku 90. let 19. století Gallen-Kallela byl zastáncem naturalismu a rozhodně vyžadoval autentické modely všech postav a předmětů na obraze. Takže pro obraz Väinämöinena s dlouhým krásným vousem umělci pózoval obyvatel jedné z karelských vesnic. Umělec navíc sušil bidla, aby docílil co nejpřesnějšího obrazu ryby vystrašené starcem. Dokonce i stříbrný náramek, který se třpytí na Ainoně ruce, skutečně existoval: Gallen-Kallela dal tento šperk své mladé manželce Mary. Evidentně sloužila jako model pro Aino. Krajiny pro triptych načrtl umělec během své líbánky v Karélii.

Kompozice je orámována dřevěným rámem s ornamenty a citáty z Kalevaly, které napsal sám Gallen-Kallela. Tento triptych se stal výchozím bodem hnutí národní romantismus ve Finsku- Finská verze secese. Umělec dokončil první verzi tohoto obrazu v Paříži v letech 1888-89. (nyní patří Finské bance). Když byl obraz poprvé představen v Helsinkách, byl přivítán s velkým nadšením a Senát se rozhodl zadat na veřejné náklady novou verzi. Tato myšlenka vypadá zcela přirozeně v návaznosti na hnutí Fennoman, které si zidealizovalo a zromantizovalo finský národ. Umění bylo navíc vnímáno jako mocný prostředek k vyjádření finských národních ideálů. Ve stejné době začaly výpravy umělců do Karélie při hledání „skutečného finského stylu“. Karélie byla vnímána jako jediná nedotčená oblast, kde se zachovaly stopy „Kalevala“, a sám Gallen-Kallela vnímal tento epos jako příběh o zašlých časech národní velikosti, jako obraz ztraceného ráje.

Obraz od Gallen-Kallela " Prokletí Kullervo“(1899) vypráví o dalším hrdinovi Kalevaly. Kullervo byl mladý muž mimořádné síly, sirotek, který byl vydán do otroctví a poslán do divočiny pást krávy. Zlá paní, manželka kováře Ilmarinena, mu dala na cestu chléb, ve kterém byl ukryt kámen. Kullervo se pokusil ukrojit chléb a zlomil nůž, jedinou vzpomínku na svého otce. Rozzuřený shromažďuje nové stádo vlků, medvědů a rysů, které roztrhá paničku. Kullervo uteče z otroctví a vrací se domů poté, co se dozvěděl, že jeho příbuzní jsou naživu. Tím však Kullervova neštěstí nekončí. Nekonečná spirála pomsty ničí nejen jeho nově nalezenou rodinu, ale i jeho samotného. Nejprve se seznámí a svede dívku, která se ukáže být jeho sestrou, a kvůli tomuto hříšnému vztahu sestra spáchá sebevraždu. Brzy všichni jeho příbuzní zemřou. Pak se Kullervo zabije tím, že se vrhne na meč.

Obraz od Gallen-Kallela ukazuje epizodu, kdy Kullervo stále slouží jako pastýř (v pozadí je vidět jeho stádo a vpředu je zobrazen chléb s pečeným kamenem). Mladý muž zatřese pěstí a přísahá pomstu svým nepřátelům. Umělec ztvárnil rozzlobeného hrdinu na pozadí slunečné raně podzimní krajiny, ale v pozadí se již stahují mraky a červeně nasvícená jeřabina slouží jako varování, proroctví budoucího krveprolití. V tomto snímku se snoubí tragédie s krásou karelské přírody a mstícího hrdinu lze v jistém smyslu vnímat jako symbol finského bojovného ducha a rostoucího národního sebeuvědomění. Na druhé straně máme před sebou portrét hněvu a zklamání, bezmoci člověka, který byl vychován cizími lidmi, kteří zničili jeho rodinu, v atmosféře násilí a pomsty, a to zanechalo tragickou stopu v jeho osudu.

Více o kreativitě Gallen-Kallelačíst .

Uzavřeme tuto část vyprávěním o díle dalšího významného představitele finského národního romantismu v malířství, slavného umělce finského zlatého věku - Pekky Halonena. Pekka Halonen (Pekka Halonen) (1865-1933) získal slávu v 90. letech 19. století a ukázal se jako nepřekonatelný mistr zimní krajiny. Jedním z mistrovských děl tohoto žánru je malba „ Mladé borovice pod sněhem“ (1899), považován za příklad Finský japonismus a secese v malbě. Měkký nadýchaný sníh pokrývající sazenice hrající různými odstíny bílé vytváří poklidnou atmosféru lesní pohádky. Zamlžený vzduch je prosycen studeným zimním oparem a bujné vrstvy sněhu zvýrazňují křehkou krásu mladých borovic. Stromy byly obecně jedním z oblíbených motivů kreativity Pekki Halonen. Po celý život nadšeně zobrazoval stromy v různých ročních obdobích a miloval především jaro, ale přesto se nejvíce proslavil jako mistr zimní krajiny- málokterý malíř se odvážil tvořit za studena. Pekka Halonen se naopak zimy nebál a celý život pracoval venku za každého počasí. Jako zastánce práce v plenéru pohrdal umělci, kteří „se dívají na svět oknem“. Na Halonenových obrazech praskají větve mrazem, stromy se ohýbají pod tíhou sněhových čepic, slunce vrhá na zem namodralé stíny a obyvatelé lesa zanechávají stopy na měkkém bílém koberci.

Zimní krajiny se staly jakýmsi národním symbolem Finska a Pekka Halonen dokončil tucet pláten na téma finské přírody a lidového života pro finský pavilon na Světové výstavě v Paříži v roce 1900. Do tohoto cyklu patří například obraz „ U ledové díry"("Mytí na ledu") (1900). Halonenův zájem o zobrazování „severské exotiky“ se probudil, když v roce 1894 studoval u Paula Gauguina v Paříži.

Zpravidla umělci zlatý věk finského malířství pocházel z městské střední třídy. Další věcí je Pekka Halonen, který pocházel z rodiny osvícených rolníků a řemeslníků. Narodil se v Lapinlahti (východní Finsko) a poměrně brzy se začal zajímat o umění - nejen o malbu, ale i o hudbu (umělcova matka byla nadaná hráčka na kantele, vštípila synovi starostlivý přístup a lásku k přírodě, později toto láska se změnila téměř v náboženství). Mladý muž začal studovat malbu o něco později než jeho vrstevníci, ale po čtyřech letech studia na kreslířské škole Finské umělecké společnosti a vynikajícím ukončení mohl Halonen získat stipendium, které mu umožnilo jít studovat uměleckou Mekka té doby. Nejprve studoval na Juliánské akademii a poté, v roce 1894, začal chodit na soukromé hodiny Paul Gauguin spolu se svým přítelem Vaino Bloomsted. Během tohoto období se Halonen seznámil se symbolismem, syntetismem a dokonce i teosofií. Seznámení s nejnovějšími uměleckými trendy ho však nepřivedlo k opuštění realistického stylu a nevypůjčil si Gauguinovu světlou paletu, nicméně pod vlivem Gauguina se Halonen stal hlubokým znalcem japonského umění a začal sbírat kopie japonských tiskne.

V jeho díle se například často objevuje zakřivená borovice, oblíbený motiv japonského umění. V mnoha Halonenových obrazech je navíc zvláštní pozornost věnována detailům, dekorativním vzorům větví nebo zvláštnímu vzoru sněhu a samotné téma zimních krajin není v japonském umění nic neobvyklého. Halonen se také vyznačuje oblibou vertikálních úzkých pláten typu „kakemono“, asymetrickými kompozicemi, detailními záběry a neobvyklými úhly. Na rozdíl od mnoha jiných krajinářů nemaloval typické panoramatické pohledy shora; jeho krajiny jsou malovány hluboko v lese, blízko přírody, kde stromy diváka doslova obklopují a zvou ho do svého tichého světa. Byl to Gauguin, kdo inspiroval Halonena k objevení vlastního stylu v zobrazování přírody a povzbudil ho, aby svá témata hledal v národních kořenech. Stejně jako Gauguin se Halonen snažil najít pomocí svého umění něco primárního, prapůvodního, ale pouze pokud Francouz hledal svůj ideál na tichomořských ostrovech, pak se finský umělec snažil oživit „ztracený ráj“ finského lidu v panenské lesy, posvátné divočiny popsané v „Kalevala“ .

Dílo Pekky Halonena se vždy vyznačovalo hledáním míru a harmonie. Umělec věřil, že „umění by nemělo dráždit nervy jako brusný papír – mělo by vytvářet pocit klidu“. I při zobrazování rolnické práce dosáhl Halonen klidných, vyvážených kompozic. Takže v práci" Průkopníci v Karélii» (« Položení silnice v Karélii“ (1900) představil finské rolníky jako nezávislé, inteligentní dělníky, kteří nepotřebují vyvíjet nadměrné úsilí, aby dokončili práci. Kromě toho umělec zdůraznil, že se snažil vytvořit obecný dekorativní dojem. To byla jeho reakce na své současníky, kteří kritizovali nerealistickou „poklidnou nedělní náladu“ obrazu a byli překvapeni příliš čistým oblečením dělníků, malým množstvím hoblin na zemi a podivným vzhledem lodi uprostřed. z lesa. Umělec měl ale úplně jinou představu. Pekka Halonen nechtěl vytvořit obraz těžké, vyčerpávající práce, ale zprostředkovat klidný, odměřený rytmus rolnické práce.

Halonen byl také velmi ovlivněn jeho cestami do Itálie (1896-97 a 1904), včetně raně renesančních mistrovských děl, která viděl ve Florencii. Následně se Pekka Halonen s manželkou a dětmi (manželé měli celkem osm dětí) přestěhovali k jezeru Tuusula, jehož klidné malebné okolí sloužilo jako nevyčerpatelný zdroj inspirace a plodné práce daleko od Helsinek, „zdroje všeho prozaického a škaredý." Zde umělec při lyžování na jezeře hledal místo pro svůj budoucí domov a v roce 1899 manželé koupili pozemek na břehu, kde o pár let později vyrostlo rodinné studio Pekky Halonena - vila, kterou pojmenoval Halosenniemi (Halosenniemi) (1902). Toto útulné dřevěné obydlí v národně-romantickém duchu navrhl sám umělec. Dnes v domě sídlí Pekka Halonen Museum.

Finští symbolisté

Jednou z nejzajímavějších částí sbírky muzea Ateneum jsou unikátní díla Huga Simberga a dalších finských symbolistů.

V samostatné místnosti muzea Athenaeum je slavný obraz „ Zraněný anděl"(1903) od finského umělce Hugo Simberga. Tento melancholický obraz zobrazuje zvláštní průvod: dva zasmušilí chlapci nesou na nosítkách bíle oděnou andělskou dívku se zavázanýma očima a zraněným křídlem. Pozadí obrázku je holá krajina časného jara. V ruce anděla je kytice sněženek, prvních květů jara, symbolů uzdravení a nového života. . V čele průvodu jde chlapec oblečený v černém, připomínající hrobníka (pravděpodobně symbol Smrti). Pohled druhého chlapce směřuje k nám, proniká přímo do divákovy duše a připomíná nám, že témata života a smrti jsou aktuální pro každého z nás. Padlý anděl, vyhnání z ráje, úvahy o smrti – všechna tato témata umělce zvláště znepokojovala. Symbolisté. Sám umělec odmítl nabídnout jakékoli hotové interpretace obrazu a nechal diváka, aby si udělal vlastní závěry.

Hugo Simberg na tomto obraze pracoval dlouhou dobu: první náčrtky lze nalézt v jeho albech od roku 1898. Některé skici a fotografie odrážejí jednotlivé fragmenty kompozice. Někdy se anděl vozí na kolečku, někdy ne chlapci, ale čertíci jsou prezentováni jako nosiči, zároveň vždy zůstává ústřední postava anděla a pozadí je skutečná krajina. Proces práce na obraze byl přerušen, když Simberg vážně onemocněl: umělec se od podzimu 1902 do jara 1903 léčil v nemocnici Institutu diakonek v Helsinkách ( Helsinginská diakonissalaitos) v oblasti Kallio. Měl vážné nervové onemocnění, zhoršované syfilidou (na kterou umělec později zemřel).

Je známo, že Simberg fotil své modely (děti) v dílně a v parku Eleintarha, který se nachází vedle výše zmíněné nemocnice. Cesta znázorněná na obrázku existuje dodnes – vede podél břehu zálivu Töölönlahti. Za Simbergových časů byl park Eleintarha oblíbenou rekreační oblastí dělnické třídy. Kromě toho zde sídlilo mnoho charitativních institucí, včetně dívčí školy pro nevidomé a útulku pro handicapované. Simberg opakovaně pozoroval obyvatele parku, když se tam na jaře roku 1903 procházel, jak se zotavují z těžké nemoci. Nápad na obraz během těchto dlouhých procházek zřejmě dostal konečnou podobu. Kromě filozofických výkladů obrazu „Zraněný anděl“ (symbol vyhnání z ráje, nemocná lidská duše, lidská bezmoc, zlomený sen) v něm někteří spatřují zosobnění umělcova bolestného stavu a dokonce i specifické fyzické symptomy. (podle některých zpráv trpěl Simberg i meningitidou).

Simbergův obraz" Zraněný anděl„sklidila hned po svém dokončení velký úspěch. Prezentace se konala na podzimní výstavě Finské umělecké společnosti v roce 1903. Zpočátku byl obraz vystaven bez názvu (přesněji tam byla místo názvu pomlčka), což naznačovalo nemožnost jakékoli jediné interpretace. Za toto hluboce individuální a emotivní dílo získal umělec v roce 1904 státní cenu. Druhou verzi „The Wounded Angel“ provedl Simberg při výzdobě interiéru katedrály v Tampere freskami, kde spolupracoval s Magnusem Enckelem.

Podle průzkumu provedeného ve Finsku v roce 2006, „ Zraněný anděl„byl uznán jako nejoblíbenější dílo ve sbírce Athenaeum, nejoblíbenější „národní malba“ Finska, umělecký symbol země.

Hugo Simberg (Hugo Simberg) (1873-1917) se narodil ve městě Hamina, poté žil a studoval v a poté v, kde navštěvoval školu Finské umělecké společnosti. Často trávil léta na rodinném sídle v Niemenlautta (Säkkijärvi) na břehu Finského zálivu. Simberg hodně cestoval po Evropě, navštívil Londýn a Paříž, navštívil Itálii a Kavkaz. Důležitá etapa v jeho uměleckém vývoji nastala v období, kdy Simberg, rozčarovaný stereotypním akademickým vzděláním, začal chodit na soukromé lekce u Akseli Gallen-Kallela v odlehlé oblasti v Ruovesi, kde Gallen-Kallela postavil svůj dům-ateliér. Gallen-Kallela vysoce ocenil talent svého studenta a předpověděl mu velkou budoucnost ve světě umění, když Simbergovo dílo přirovnal k pravdivým a vášnivým kázáním, která by měl slyšet každý. Simberg navštívil Ruovesi třikrát v letech 1895 a 1897. Zde, v atmosféře umělecké svobody, rychle našel svůj vlastní jazyk. Například na prvním podzimu svého pobytu v Ruovesi napsal slavné dílo „ Zmrazení“ (1895), trochu připomínající Munchův Výkřik. V tomto případě povětrnostní fenomén, postrach farmářů po celém světě, získal viditelné ztělesnění, tvář a podobu: je to smrtelně bledá postava s velkýma ušima, sedící na snopu a otravující vše kolem svým smrtícím dechem. . Na rozdíl od Munchova Výkřiku, dokončeného o několik let dříve, nevyvolává Simbergův Mráz úplnou hrůzu a zoufalství, ale zvláštní pocit ohrožení a lítosti zároveň.

Důležitým momentem v Simbergově životě byla podzimní výstava v roce 1898, po které byl přijat do Svazu finských umělců. Simberg hodně cestoval po Evropě, učil a účastnil se výstav. Skutečný rozsah umělcova talentu byl však oceněn až po jeho smrti. Zaměření na děsivé a nadpřirozené nebylo chápáno všemi kritiky a diváky té doby.

Hugo Simberg byl jedním z největších Finští symbolisté. Nelákaly ho banální každodenní situace – naopak zobrazoval něco, co otevřelo dveře jiné realitě a dotklo se mysli i duše diváka. Umění chápal „jako příležitost přenést člověka uprostřed zimy do krásného letního rána a pocítit, jak se příroda probouzí a vy sami jste s ní v souladu. To je to, co hledám v uměleckém díle. Musí nám něco říkat a mluvit nahlas, abychom byli uneseni do jiného světa.“

Simberg obzvláště rád zobrazoval to, co lze vidět pouze ve fantazii: anděly, čerty, trolly a obraz samotné smrti. I těmto obrazům však dodal měkkost a lidskost. Simbergova smrt je často benevolentní a plná sympatií, své povinnosti plní bez nadšení. Přišla tedy se třemi bílými květinami vyzvednout stařenku. Smrt však nikam nespěchá, klidně si může dovolit poslouchat chlapce, jak hraje na housle. Pouze hodiny na stěně ukazují běh času („ Smrt poslouchá“, 1897).

V práci " Zahrada smrti„(1896), vytvořený během jeho první studijní cesty do Paříže, Simberg, jak sám řekl, zobrazil místo, kde lidská duše končí bezprostředně po smrti, před odchodem do nebe. Tři kostlivci v černých róbách se s úctou starají o duše rostlin se stejnou láskou jako mniši o klášterní zahradu. Toto dílo mělo pro umělce velký význam. Téměř o deset let později to Simberg zopakoval v podobě velké fresky v katedrále v Tampere. Zvláštní kouzlo tohoto díla spočívá v roztomilých každodenních detailech (konev, ručník visící na háčku), poklidné atmosféře a jemném obrazu samotné Smrti, která není silou ničení, ale ztělesněním péče. Je zajímavé, že v pohádce Hanse Christiana Andersena „Příběh matky“ najdeme také podobný obrázek: vypravěč popisuje obrovský skleník smrti - skleník, kde je lidská duše „připoutána“ ke každé květině nebo stromu. Smrt si říká Boží zahradník: "Beru jeho květiny a stromy a přesazuji je do velké zahrady Eden, do neznámé země."

První obraz smrti se objevil v Simbergově díle“ Smrt a rolník“ (1895). Krátká černá pláštěnka a krátké kalhoty dodávají Smrti jemný, sklíčený vzhled. Tuto práci provedl Simberg v Ruovesi, zatímco studoval u Akseli Gallena-Kallela. Toho jara zemřela učitelova nejmladší dcera na záškrt a „Smrt a rolník“ lze vnímat jako projev sympatií k muži, který přišel o dítě.

Stejně jako čerti jsou i andělé Huga Simberga polidštěni, a proto zranitelní. Snaží se lidi nasměrovat na cestu dobra, ale realita může mít k ideálům daleko. Práce " Sen“(1900) vyvolává v divákovi otázky. Proč žena pláče, zatímco anděl tančí s jejím manželem? Možná manžel opouští svou ženu do jiného světa? Dalším názvem tohoto díla bylo „Pokání“, takže jej lze interpretovat různými způsoby.

Obrazy andělů se poprvé objevily v Simbergově díle na podzim roku 1895 (dílo „ Zbožnost"). Modlící se andělská dívka si v tomto zlomyslném díle nevšimne, že sousední anděl má na srdci něco úplně jiného. A skutečně, křídla tohoto druhého anděla nejsou zdaleka tak bílá. Existuje boj mezi smyslností a duchovností.

Nábřeží v oblasti Niemenlautta, kde Simberg téměř vždy trávil letní čas na rodinném statku, bylo oblíbeným místem setkávání mladých lidí o letních večerech. Přitahováni zvuky harmoniky sem chodili chlapci a dívky tančit na lodi i zdaleka. Simberg opakovaně dělal náčrtky tanečníků. Ale v práci" Tanec na nábřeží„(1899) dívky netancují s chlapy, ale s postavami Smrti, které se v Simbergu tak často vyskytují. Možná, že tentokrát Smrt nepřišla pro hroznou sklizeň, ale chce se jen zúčastnit všeobecné zábavy? Ale z nějakého důvodu akordeon nehraje.

Jak můžete vidět, Hugo Simberg- vysoce originální umělec, jehož tvorba nepostrádá zvláštní ironii, ale zároveň prodchnutá mystikou a zaměřená na témata dobra a zla, života a smrti, charakteristická pro umění Symbolisté. V Simbergových dílech se prolínají hluboké filozofické otázky s jemným humorem a hlubokou empatií. „Ubohý ďábel“, „jemná smrt“, král sušenek - všechny tyto postavy vstoupily do jeho díla ze snů a pohádek. Žádné zlacené rámy ani lesklá plátna: „Jen láska dělá umělecká díla skutečnými. Pokud se porodní bolesti objeví bez lásky, dítě se narodí nešťastné.“

Kromě děl Huga Simberga můžete v muzeu Athenaeum vidět díla Finský symbolistický umělec Magnus Enkel (Magnus Enckell) (1870-1925), jako Simberg, který pracoval na freskách pro katedrálu v Tampere (1907). Enkel se narodil v kněžské rodině ve městě Hamina, studoval malířství a v roce 1891 odešel do Paříže, kde pokračoval ve vzdělání na Juliánské akademii. Tam se začal zajímat o symboliku a mystické myšlenky rosekruciána J. Peladana. Z posledně jmenovaného převzal Magnus Enkel androgynní ideál krásy, který začal využívat ve svých dílech. Enkel byl fascinován myšlenkou ztraceného ráje, ztracené čistoty člověka a velmi mladí chlapci se svou androgynní krásou představovali pro umělce nejčistší podobu lidské bytosti. Neměli bychom také zapomínat, že Enckel byl homosexuál a často maloval nahé chlapce a muže otevřeně erotického, smyslného vzhledu. V letech 1894-95 umělec cestoval po Itálii a na počátku 20. století se pod vlivem klasického italského umění i postimpresionismu jeho paleta stala mnohem barevnější a světlejší. V roce 1909 založil spolu s koloristy Wernerem Thomem a Alfredem Finchem skupinu září.

Raná tvorba Magnuse Enckela se naopak vyznačuje tlumeným rozsahem a barevnou askezí. V té době byla umělcova paleta omezena na odstíny šedé, černé a okrové. Příkladem je obrázek " Probuzení“(1894), kterou napsal Enkel během umělcovy druhé návštěvy. Plátno se vyznačuje barevným minimalismem, zjednodušenou kompozicí a zdůrazněnou linií kresby - to vše slouží ke zdůraznění významu zobrazeného. Mladík, který dosáhl puberty, se probudil a sedí nahý na posteli, hlavu skloněnou s vážným výrazem ve tváři, ztracený ve svých myšlenkách. Zkroucená poloha jeho těla není jen navyklé gesto vstávání z postele; tento motiv, který se často vyskytuje mezi symbolistickými umělci, je složitější. Puberta a sexuální probuzení/ztráta nevinnosti byla témata, která fascinovala mnoho Enkelových současníků (srov. např. Munchův znepokojivý obraz Zrání (1894/95)). Černobílá paleta zdůrazňuje melancholickou náladu setkání s tísnivým světem.

Ještě jeden Finský symbolistický umělec, i když není nejznámější, je Vainö Bloomstedt (Blomstedt) (Väinö Blomstedt(1871-1947). Blomstedt byl umělec a textilní návrhář a byl ovlivněn zejména japonským uměním. Nejprve studoval ve Finsku a poté spolu s Pekkou Halonenem v. Jak již víme, během své návštěvy Paříže se tito finští umělci setkali s Gauguinem, který se nedávno vrátil z Tahiti, a začali se od něj učit. Impulzivní Bloomstedt okamžitě propadl vlivu Gauguina a jeho barev dýchajících pláten. Hledání ztraceného ráje v Gauguinově díle bylo Blomstedtovi velmi blízké. Pouze pokud Gauguin hledal tento ráj v exotických zemích, pak se Väinö Blomstedt, stejně jako mnoho finských umělců té doby, zaměřil na hledání původu své domoviny, panenské země „Kalevala“. Hrdiny Blomstedtových obrazů jsou často imaginární nebo mytologické postavy.

Po setkání s Gauguinem Blomstedt v polovině 90. let 19. století opustil realistickou malbu a obrátil se k symbolismus a světlé vícebarevné syntetický paleta Realistické umění, založené na vizuálním pozorování, je podle ideologie symbolismu příliš omezené a neumožňuje zachytit to nejdůležitější v člověku, jeho emocionální a duchovní podstatu, tajemství života samotného. Za každodenní realitou se skrývá jiný svět a cílem symbolistů je tento svět vyjádřit uměním. Namísto snahy o vytvoření trojrozměrné iluze reality se symbolističtí umělci uchýlili ke stylizaci, zjednodušení, dekorativnosti a snažili se najít něco čistého a poetického. Odtud pramení jejich zájem o ranou italskou renesanci, používání temperových a freskových technik. Jeden z nápadných příkladů symbolika v dílech finských umělců je obrázek Väinö Blomstedt « Francesca„(1897), ponořující diváka do světa spánku a zapomnění, statické a magické atmosféry s omamnou vůní máku.

Inspirací pro tento obraz byla Dantova Božská komedie, ve které se básník v pekle setkává s Francescou da Rimini a ta mu vypráví příběh své tragické lásky k Paolovi. Obraz dívky připomínající Madonu, „renesanční“ krajina s tmavými cypřiši a průsvitná barevná plocha obrazu (plátno zřetelně prosvítá barvami) naznačuje staré fresky v italských kostelech. Díky speciální technice provedení navíc obraz částečně připomíná opotřebovaný gobelín. Obraz namaloval Bloomstedt během cesty do Itálie. Ukazuje také vliv prerafaelského umění.

Ženy v umění: Finské umělkyně

Muzeum Athenaeum je pozoruhodný i tím, že významnou část jeho sbírky tvoří díla umělkyně, včetně světově proslulých jako např Finský umělec Helena Schjerfbecková. V roce 2012 se v muzeu Athenaeum konala rozsáhlá výstava prací Heleny Schjerfbeckové ke 150. výročí jejího narození. Muzeum Athenaeum ukrývá největší a nejúplnější sbírku děl Heleny Schjerfbeckové na světě (212 obrazů, kreseb, skicářů).

Helena Schjerfbecková (Helena Schjerfbecková) (1862-1946) se narodila v Helsinkách, začala brzy studovat malbu a již v mládí dosáhla znatelné dovednosti. Helenin život poznamenalo těžké zranění kyčle způsobené pádem ze schodů v dětství. Dívka se kvůli tomu vzdělávala doma - nechodila do běžné školy, ale měla spoustu času na kreslení a v nezvykle raném věku byla přijata na uměleckou školu. (Bohužel zranění kyčle zanechalo kulhání do konce života). Po studiích ve Finsku, mimo jiné na soukromé akademii Adolfa von Beckera, získala Schjerfbeck stipendium a odešla tam, kde studovala na Akademii Colarossi. V letech 1881 a 1883-84. pracovala také v uměleckých koloniích v Bretani (obraz " Chlapec krmí svou malou sestru(1881), napsaný v této oblasti Francie, je dnes dokonce považován za počátek finského modernismu). V Bretani se seznámila s neznámým anglickým umělcem a provdala se za něj, ale v roce 1885 ženich zrušil zasnoubení (jeho rodina věřila, že Heleniny problémy s kyčlemi souvisely s tuberkulózou, na kterou zemřel její otec). Helena Schjerfbeck se nikdy nevdala.

V 90. letech 19. století vyučovala Schjerfbeck na Art Society School, kterou sama kdysi absolvovala. V roce 1902 kvůli zdravotním problémům opustila učení a přestěhovala se s matkou do odlehlé provincie Hyvinkää. Umělec potřeboval ticho, vedl samotářský život, ale nadále se účastnil výstav. Schjerfbeckův „objev“ veřejnosti se odehrál v roce 1917: první samostatná výstava umělkyně se konala v uměleckém salonu Ëst Stenman v Helsinkách, což mělo velký úspěch u diváků i kritiků a narušilo její osamělou existenci. Další rozsáhlá výstava se konala ve Stockholmu v roce 1937 a vyvolala nadšené recenze a následovala série podobných výstav po celém Švédsku. V roce 1935, když její matka zemřela, odešla Helena žít do Tammisaari a poslední roky strávila ve Švédsku, v sanatoriu v Saltsjöbadenu. Ve Finsku byl postoj k Schjerfbeckově tvorbě dlouhou dobu kontroverzní (její talent byl rozpoznán až ve druhé polovině 20. století), zatímco ve Švédsku bylo její umění přijato poměrně brzy s velkým nadšením. Skutečně široké mezinárodní uznání se však Schjerfbeckové dočkala v roce 2007, kdy se v Paříži, Hamburku a Haagu konaly rozsáhlé retrospektivní výstavy její tvorby.

Mezi všemi obrazy Heleny Schjerfbeckové na světě jsou nejznámější její četné sebekritické autoportréty, které nám umožňují sledovat jak vývoj jejího stylu, tak proměny samotné umělkyně, která nemilosrdně zaznamenala její stárnoucí tvář. Celkem Schjerfbeck namaloval asi 40 autoportrétů, první v 16 letech, poslední v 83 letech. Šest z nich je ve sbírce Athenaeum.

Ale asi nejznámější obraz Helena Schjerfbecková je plátno" rekonvalescenční"(1888), často nazývaná perla Muzeum Athenaeum. Veřejností vysoce ceněný obraz 26letého umělce byl oceněn bronzovou medailí na světové výstavě v Paříži v roce 1889 (kde bylo toto plátno vystaveno pod názvem „První zelení“ ( Premiérová zeleň) - tak ten obrázek původně nazvala sama Schjerfbeck). Téma nemocných dětí bylo v umění 19. století běžné, ale Schjerfbeck nezobrazuje jen nemocné dítě, ale i uzdravující se dítě. Tento obraz namalovala v malebném pobřežním městečku St. Ives v Cornwallu na jihozápadě Anglie, kam se umělkyně vydala na radu svého rakouského přítele v letech 1887-1888 a poté v letech 1889-1890.

Toto dílo bývá označováno za poslední ukázku naturalistické světelné malby v Schjerfbeckově tvorbě (později přešla ke stylizované moderně a téměř abstraktnímu expresionismu s asketickou paletou). Umělkyně zde mistrně pracuje se světlem, přitahuje pohled diváka do tváře zotavující se dívky s rozcuchanými vlasy a horečně narůžovělými tvářemi, která v rukou drží hrnek s křehkou rozkvetlou větvičkou - symbol jara a nového života. Úsměv hraje na rtech dítěte a vyjadřuje naději na uzdravení. Tento vzrušující obraz se dotýká diváka a vyvolává pocit empatie. Obraz lze v jistém smyslu nazvat autoportrétem umělce, který se v té době jen pokoušel vzpamatovat z rozbitého angažmá. Je také možné, že se Schjerfbeck na tomto obraze zobrazila jako dítě a vyprávěla nám o tom, jak se cítila, často upoutaná na lůžko a vychutnávající si první známky jara.

Upozorňujeme, že nejslavnější díla Heleny Schjerfbeckové jsou aktuálně „na turné“ ve Švédsku. Jedna výstava se koná ve Stockholmu a potrvá do konce února 2013, druhá v Göteborgu (do srpna 2013).

Ještě jeden Finský umělec, jehož dílo je k vidění v muzeu Athenaeum, je Beda Schernshantz (Sternshantz)(Béda Stjernschantz) (1867–1910). Mimochodem, na rok 2014 je v muzeu plánována rozsáhlá výstava děl tohoto umělce. Bede Schernshants byl významným představitelem generace Finští symbolističtí umělci na přelomu 19. a 20. století. Narodila se do aristokratické rodiny ve městě Porvoo. V roce 1886 zemřel její otec a rodina čelila finančním potížím. Na rozdíl od jiných umělkyň musela Schernschanz pracovat, aby si vydělala na živobytí. V roce 1891, ve stejnou dobu jako další slavná finská umělkyně Ellen Thesleff, přijela do Paříže a dívky se společně zapsaly na Académie Colarossi. Bediným mentorem byl Magnus Enkell, pod jehož vlivem vstřebávala myšlenky symbolismu. Představitelé tohoto hnutí byli přesvědčeni, že umění by nemělo otrocky kopírovat přírodu, ale mělo by být očištěno pro krásu, vyjádření jemných pocitů a prožitků. Kvůli nedostatku peněz žil Schernschanz v Paříži pouze jeden rok. Po návratu do Finska nemohla najít místo pro sebe a v roce 1895 odjela na estonský ostrov Vormsi, kde bylo dlouholeté švédské osídlení, které si zachovalo svůj jazyk, zvyky a oblečení. Tam umělec namaloval obraz“ Všude nás volá hlas“ (1895). Název obrazu je citát z tehdy slavné „Písně Finska“ ( Suomen laulu), jejichž slova napsal básník Emil Kwanten. Jak je vidět, nejen Karélie byla místem, kam finští umělci chodili hledat panenskou přírodu a lidi.

Na tomto poetickém plátně umělec zobrazil skupinu švédských dětí, kterým se podařilo uchovat své národní tradice a jazyk v cizím prostředí. Z tohoto důvodu někteří kritici viděli v obrázku vlastenecký význam, zejména proto, že nástroj kantele, na který hraje jedna z dívek, zaujímá důležité místo ve skladbě. Jiná dívka zpívá a tyto zvuky naplňují asketickou krajinu s větrnými mlýny. Díky zcela statickým, zamrzlým pózám a prázdnotě okolní krajiny se divák jakoby zaposlouchá i do hudby znějící na plátně. Zdá se, že i vítr utichl, ani listí, ani větrné mlýny se nehýbou, jako bychom byli v začarovaném království, místě, které vypadlo z času. Vyjdeme-li ze symbolistické interpretace obrazu, pak zbožné a soustředěné dětské tváře na pozadí této mystické krajiny jsou způsobem, jak zprostředkovat stav nevinnosti. Kromě toho, stejně jako v mnoha jiných dílech symbolistů, i zde má zvláštní roli hudba, nejéteričtější a nejušlechtilejší z umění.

V letech 1897-98. Beda Schernschanz, která získala grant od finské vlády, se vydala cestovat po Itálii, ale její tvůrčí činnost po tomto období upadla. Přestože je umělcova pozůstalost nevelká, vzbudila zájem badatelů a v budoucnu se očekává řada konferencí a publikací, které umožní dozvědět se více o významu jejího díla v mezinárodním kontextu přelomu 19. století.

Dalším zajímavým finským umělcem ze stejného období je Elin Danielson-Gambogi (Elin Danielson-Gambogi) (1861-1919). Elin Danielson-Gambogi patřil k první generaci Finů umělkyně kteří získali odborné vzdělání. Pracovala především v žánru realistického portrétu a v životě i v tvorbě se od svých kolegů odlišovala emancipací a bohémským životním stylem. Kritizovala postavení žen ve společnosti, nosila kalhoty a kouřila, vedla antikonformní život a stýkala se s mnoha umělci, včetně norského sochaře Gustava Vigelanda (měli poměr v roce 1895). Její obrazy žen v každodenních situacích byly mnohými kritiky považovány za vulgární a neslušné.

« Autoportrét» Elin Danielson-Gambogi (1900) byl namalován v době, kdy se umělec začal prosazovat v Evropě. Umělkyně je zobrazena ve svém ateliéru se štětcem a paletou v ruce, jak světlo proudí závěsem před oknem a vytváří kolem její hlavy svatozář. Velký formát plátna, póza a pohled umělce – to vše vyjadřuje nezávislou a sebevědomou povahu. Za tento obraz byl Danielson-Gambogi oceněn stříbrnou medailí ve Florencii v roce 1900.

Elin Danielson-Gamboji se narodila ve vesnici poblíž města Pori. V roce 1871 jejich rodinná farma zkrachovala a o rok později její otec spáchal sebevraždu. Navzdory tomu se její matce podařilo najít prostředky, takže se Elin v 15 letech přestěhovala a začala studovat malbu. Dívka vyrůstala ve svobodné atmosféře, mimo přísná společenská tabu. V roce 1883 odjela Danielson-Gamboji do, kde pokračovala ve vzdělání na Akademii Colarossi a v létě studovala malbu v Bretani. Poté se umělkyně vrátila do Finska, kde komunikovala s dalšími malíři a učila na uměleckých školách, v roce 1895 získala stipendium a odjela do Florencie. O rok později se přestěhovala do vesnice Antignano a provdala se za italského umělce Raffaella Gambogiho. Pár se účastnil četných výstav po celé Evropě; jejich práce byla uvedena na výstavě Universelle v Paříži v roce 1900 a na bienále v Benátkách v roce 1899. Ale na začátku 20. století začaly rodinné potíže a finanční potíže, nevěra a nemoc jejího manžela. Elin Danielson-Gambogi zemřel na zápal plic a je pohřben v Livornu.

Konečně mezi Finské umělkyně nezbývá než zavolat Ellen Thesleffová (Ellen Thesleffová(1869-1954). Jen málo finských autorů dosáhlo tak časného uznání. Již v roce 1891 se mladá Thesleff zúčastnila výstavy Finské umělecké společnosti se svým nádherným dílem „ Echo» ( Kaiku) (1891), který získal velkou chválu od kritiků. V té době právě dokončila studium na soukromé akademii Gunnara Berndtsona ( GunnarBerndtson) a chystala se na svou první cestu, kde dívka nastoupila na Akademii Colarossi se svým přítelem Bedou Schernschanzem. V Paříži se seznámila se symbolismem, ale od počátku si zvolila vlastní, nezávislou cestu v umění. V tomto období začala tvořit obrazy v asketických barvách.

Nejdůležitějším zdrojem inspirace pro Ellenu Thesleff bylo italské umění. Již v roce 1894 odjela do rodiště rané renesance, Florencie. Zde umělkyně viděla mnoho krásných děl náboženské malby, včetně děl Botticelliho, jehož dílo obdivovala v Louvru. Tesleff také kopíroval klášterní fresky. Vliv duchovní italské malby u ní posílil touhu po poetickém, vznešeném umění a v dalších letech se v její tvorbě maximálně projevil barevný asketismus. Typickými motivy jejích děl byly strohé, temně zbarvené krajiny a lidské postavy, přízračné a melancholické.

Příkladem děl z tohoto období je skromná velikost " Autoportrét"(1894-95) Ellen Thesleff, nakreslený tužkou. Tento autoportrét, vytvořený ve Florencii, byl výsledkem dvouletých přípravných prací. Duchovní tvář vynořující se z temnoty vypovídá mnohé o umělkyni a jejích tehdejších ideálech. V souladu s filozofií symbolismu kladla zásadní otázky existence a studovala lidské city. Na tomto autoportrétu je vidět moderní ztělesnění umění Leonarda da Vinciho s jeho otázkami a záhadami života. Zároveň je snímek velmi osobní: odráží Thesleffův smutek nad smrtí jejího milovaného otce, která se stala o dva roky dříve.

Tesleff vyrostla v hudební rodině a od dětství se zajímala o zpěv a muzicírování se svými sestrami. Jedním z nejčastějších motivů v její tvorbě byla ozvěna nebo výkřik – nejprimitivnější forma hudby. Často také zobrazovala hru na housle, jeden z nejvznešenějších a nejsložitějších hudebních nástrojů. Například model pro obraz „ Hra na housle"("Houslista") (1896) hrála umělcova sestra Tira Elizaveta, která pro ni v 90. letech 19. století často pózovala.

Kompozice je navržena v teplých průsvitných, perleťově-opálových tónech. Houslista se odvrátil od diváka a soustředil se na hru. Téma hudby, uctívané jako nejduchovnější, božské umění, bylo jedním z nejběžnějších v symbolismu, ale umělci zřídka zobrazovali hudebníky.

Stejně jako její přítel Magnus Enckel i Ellen Thesleff v raných fázích své tvorby preferovala barevnou askezi. Pak se ale její styl změnil. Pod vlivem Kandinského a jeho mnichovského okruhu se umělkyně stala první fauvistou ve Finsku a v roce 1912 byla pozvána k účasti na výstavě finského spolku září, který obhajoval jasné, čisté barvy.

Její účast však nepřesáhla rámec výstavy: Tesleff se nepřipojil k žádné skupině, osamělost považoval za normální stav silné osobnosti. Když se Thesleff vzdala své předchozí šedohnědé palety, v pozdějším životě začala vytvářet barevné a vícevrstvé barevné fantazie. Se sestrou a matkou několikrát navštívila Toskánsko, kde malovala slunečné italské krajiny.

Tesleff se nikdy nevdala, ale stala se kreativní osobou. Umělec žil dlouhý život a dočkal se uznání.

Zahraniční umění v Athenaeu

Sbírka zahraničního umění Muzea Athenaeum představuje přes 650 obrazů, soch a kreseb vytvořených takovými slavnými mistry jako Cézanne, Wag Gogh, Chagall, Modigliani, Munch, Repin, Rodin, Zorn.

Ze zahraniční sbírky Muzeum Athenaeum zvýrazněme Van Goghův obraz „Ulice v Auvers-sur-Oise“(1890). Vincent van Gogh namaloval tento obraz krátce před svou smrtí v malém městečku Auvers-sur-Oise ( Auvers-sur-Oise), který se nachází v údolí přítoku Seiny, asi 30 km severozápadně od. Van Gogh, který trpěl záchvaty duševní choroby, odešel do Auvers-sur-Oise na radu svého bratra Thea na léčbu u doktora Paula Gacheta. V Auvers-sur-Oise byla klinika tohoto lékaře - muže, který měl rád umění, znal mnoho francouzských umělců a stal se také přítelem Van Gogha.

Město Auvers-sur-Oise se nakonec stalo místem smrti umělce, který se cítil jako přítěž pro svého bratra a jeho rodinu. Van Gogh se zastřelil a poté zemřel na ztrátu krve. Umělec žil v Auvers-sur-Oise posledních 70 dní svého života a během tohoto krátkého období dokončil 74 obrazů, z nichž jeden je nyní v hlavním muzeu umění v Helsinkách. Možná zůstala malba nedokončená (na některých místech je vidět základní nátěr). Jas oblohy udává klidnější zelený tón země a načervenalý nádech taškových střech. Zdá se, že celá scéna je v duchovním pohybu, prostoupená neklidnou energií.

Velmi zajímavým příběhem je, jak skončil obraz „Ulice v Auvers-sur-Oise“. Muzeum Athenaeum. Nějakou dobu po Van Goghově smrti patřilo umělcovu bratrovi Theovi a poté jeho vdově, od níž plátno koupil Julien Leclerc ( Julien Leclercq) - francouzský básník a výtvarný kritik. Je známo, že v roce 1900 Leclerc koupil od Theovy vdovy nejméně 11 děl Van Gogha. O rok později uspořádal v r první van Goghovu retrospektivní výstavu, ale brzy nečekaně zemřel. Leclercovou manželkou byla pianistka Fanny Flodin ( ČíčaFlodin), sestra finské umělkyně a sochařky Hildy Flodin ( Hilda Flodinová). V roce 1903 Fanny prodala Van Goghův obraz zástupcům sběratele Fridtjofa Antella, opakovaně zmíněného výše, za 2 500 marek (asi 9 500 eur v moderních penězích). Toto plátno se stalo Wag Goghův první obraz Starého kostela

V muzeu umění města Rybinsk se nečekaně objevil portrét synovců Alexandra III., namalovaný jedním z nejslavnějších finských umělců Albertem Edelfeltem a považovaným za ztraceného ve Finsku.

Finská umělecká kritička Sani Kontula-Webb, která se již více než 10 let zabývá studiem finsko-ruských uměleckých souvislostí, nalezla obraz náhodou na internetu, na stránkách Rybinské muzejní rezervace, ale pod jiným názvem. Dotaz se jménem umělce, zadaný do vyhledávače v azbuce, pravděpodobně již po sté, náhle přinesl neočekávaný výsledek - oko výzkumníka zachytilo obrázek, který dosud nebyl viděn, ale zdál se mu velmi známý.

"Ve Finsku byl obraz považován za nezvěstný. Také jsem nenarazil na informace o jeho pobytu v ruských zdrojích. Jeho reprodukce nebyly nikdy předtím nikde vytištěny. Ale v Athenaeu jsou náčrtky vytvořené Edelfeltem a měl jsem přibližnou představu jak by měl portrét vypadat,“ řekla „Fontanke.fi“ Sanya Kontula-Webb.

Foto: Sani Kontula-Webb
Sani Kontula-Webb píše disertační práci o vlivu Akademie na umění Finska v období jeho autonomie (od roku 1809 do roku 1917).

Řeč je o portrétu dvou synovců císaře Alexandra III. - Borise a Kirilla, synů jeho bratra, prince Vladimíra. Edelfeltovo dílo s názvem „Děti“ je uloženo v Rybinském muzeu, technický pas obrazu, sestavený již v 80. letech, říká, že zobrazuje dívky – děti jsou oblečeny v šatech a jejich vlasy jsou dlouhé a kudrnaté, v souladu s móda té doby. Popis je ale zastaralý.

Foto: Sani Kontula-Webb
Obraz „Děti“ zobrazuje synovce císaře Alexandra III., syny prince Vladimíra Alexandroviče Kirilla a Borise.
Portrét byl namalován v roce 1881 na příkaz knížete Vladimíra, který vedl Akademii umění, a zpočátku byl uchováván v jeho paláci v Carském Selu. Co se stalo po revoluci, zůstalo finským historikům umění neznámé. Podle technického pasu vstoupila v roce 1921 do skladu Rybinského muzea.

Foto: Sani Kontula-Webb
Inventární číslo na zadní straně obrazu naznačuje, že byl uchováván v paláci knížete Vladimíra.
Cena obrazu nebyla odhadnuta. Na aukci Bukovskis se díla Alberta Edelfelta prodala za částky od 18 do 120 tisíc eur.

„Albert Edelfelt je pro Finsko tím, čím je Repin pro Rusko,“ říká Kontula-Webb. .“ Právě portrét dětí knížete Vladimíra otevřel umělci cestu k tomu, aby se stal oblíbencem ruského císařského dvora. Poté byl Edelfelt představen manželce císaře Alexandra III. Marii Fjodorovně (Dagmar) a ta mu objednala portréty svých dětí, Xenie a Michaila. Poté pro umělce osobně pózoval Nicholas II., což bylo považováno za velký projev úcty - oficiální portréty byly obvykle zkopírovány buď z existujícího, nebo z fotografie.

Rybinské muzeum reagovalo příznivě na myšlenku Finů uspořádat výstavu, ale obraz musí být nejprve restaurován.

Na otázku Fontanka.fi, zda existuje šance objevit nějaká další chybějící díla finského malíře, odpověděl Sani Kontula-Webb s pochybami a nadějí. Podle ní tam byl komorní portrét Mikuláše II., který byl určen pro jeho manželku Alexandru. Vyobrazuje císaře v hábitu v domáckém prostředí: „Pokud se to ovšem po revoluci dochovalo dodnes...“

Albert Gustav Aristides Edelfelt (švéd. Albert Gustaf Aristides Edelfelt, 1854-1905) – finský malíř a grafik švédského původu. Maloval historické a každodenní předměty, portréty a krajiny. Pracoval v monumentální malbě. Použité techniky pastelu a akvarelu. Některá z jeho děl jsou uložena v Ermitáži.

Finské umění

M. Bezruková (malba a grafika); I. Tsagarelli (sochařství); O. Shvidkovsky S. Khan-Magomedov (architektura)

Vznik finské národní školy výtvarného umění se datuje do první poloviny 19. století. V roce 1809 se podle smlouvy z Friedrichshamu stalo Finsko velkovévodstvím Ruské říše a země, která byla asi 600 let švédskou provincií, získala relativní nezávislost. Předtím bylo umění Finska podřízeno švédským a přes Švédsko dánským vlivům. Lidové tradice se zachovaly pouze v příbězích eposu „Kalevala“, v ručně tkaných kobercích – „Ruyu“ – a dřevořezbách. Tyto živé tradice posloužily jako základ pro vzestup národního sebeuvědomění v první polovině 19. století, k němuž přispěla činnost historika a filologa H. G. Portana, spisovatele Runeberga a sběratele kalevalských run Lönnrota. . V těchto letech se objevila řada umělců, kteří si dali za cíl vytvořit národní školu v malířství a sochařství. Hlavní podíl na jeho vzniku má Finská umělecká společnost, která vznikla v roce 1846 a vedl ji Robert Ekman (1808 -1873). Byl autorem žánrových obrazů napsaných s dokumentární precizností a finští historikové ho nazývají „otcem finského umění“. Ekmanovo dílo přispělo k přiblížení umění k životu lidí. V krajinomalbě vydláždil cestu k vytvoření národní krajiny Werner Holmberg (1830-1860). Skutečný vzestup finského malířství však spadá do let 1880-1890. a je spojen se jmény A. Gallen-Kallela, A. Edelfelt, E. Järnefelt a P. Halonen. Umění těchto malířů se zapsalo do zlatého fondu finské umělecké kultury a představuje nejcennější část jejího přínosu světovému umění.

Albert Edelfelt (1854-1905) byl prvním finským umělcem, který dosáhl celosvětové slávy. Jeho dílo zaujímá významné místo v historii vývoje finského malířství. Edelfelt, původem Švéd, studoval nejprve v Helsinkách, poté na Antverpské akademii umění a vzdělání si doplnil v Paříži u J. L. Jeroma. Původ impresionismu ve Finsku je spojen se jménem Edelfelt.

Edelfelt začínal jako malíř historie („Švédský král Karel uráží mrtvolu svého nepřítele Stadtholdera Flemminga v roce 1537“, 1878; Helsinki, Athenaeum), ale skutečný rozkvět jeho díla byl způsoben jeho přitažlivostí k tématům ze života lidé. Nejlepšími umělcovými obrazy jsou „Ženy z Ruokolahti“ (1887), „Rybáři ze vzdálených ostrovů“ (1898; oba – Helsinki, Athenaeum), „Vypravěč Paraske“ (1893; německá soukromá sbírka), vyznačující se národními tématy a jas obrazového jazyka. V „ Babakh z Ruokolahti "umělec ztvárňuje scénu z lidového života - čtyři selské ženy v národních krojích si povídají u plotu kostela. Neustálá touha po jemnějším přenesení světovzdušného prostředí do vytvořit celistvý koloristický zvuk obrazu, expresivita obrazové formy, volný pohyb štětce jsou charakteristické rysy Edelfeltova způsobu malíře.

Edelfelt byl vynikající portrétista, který nám zanechal galerii svých současníků; Mezi nejlepší portréty patří „Portrét L. Pasteura“ (1885), „Portrét pěvce A. Acte“ (1901), „Portrét matky“ (1883; všechny - Helsinky, Ateneum). Jedním z posledních Edelfeltových děl byl monumentální obraz „Slavnostní otevření univerzity v Åbo“ (1904) pro aulu univerzity v Helsinkách.

Eero Järnefelt (1863-1937) se zapsal do dějin finského malířství jako zpěvák života finského rolníka, oduševnělý krajinář a vynikající portrétista. Studoval na kreslířské škole Společnosti umělců v Helsinkách, poté na Petrohradské akademii a v Paříži. Svá nejlepší díla vytvořil v letech 1880-1890: „Pračky na pobřeží“ (1889; Helsinky, soukromá sbírka), „Návrat z lesa s bobulemi“ (1888; Hämeenlinna, Museum of Art), „Nucená práce“ (1893 Helsinky, Athenaeum). Všechny byly napsány na základě přímých dojmů. Obraz „Nucená práce“ tedy hovoří o zvrácené práci rolníků, kteří vykořeňují a pálí pařezy. Dospívající dívka s tváří pokrytou sazemi hledí na diváka s tichou výčitkou. Järnefelt vytvořil dojemné portréty řady veřejných osobností ve Finsku (Portrét profesora Danielsona-Kalmara, 1896; Helsinky, soukromá sbírka).

Demokratický charakter má i umění Pekiho Halonena (1865-1933), který studoval nejprve v Helsinkách, poté v Paříži a Itálii. Halonen brilantně ovládal malířskou techniku ​​práce v plenéru a všechny své dovednosti uplatnil při zobrazování svého lidu a přirozené přírody. Jeho „Forest Rafters by the Fire“ (1893; Helsinki, Athenaeum) je tak prodchnuta hřejivým citem pro drsnou přírodu a chudé obyvatele Finska. Halonen monumentálně-epickým způsobem řeší všední témata a zároveň se v krajinách odhaluje jako subtilní básník: tiché stojaté vody zálivu, karelské domy, bouřlivý průvod severního pramene - vše je zde prostoupeno lyrický pocit. Navzdory tomu, že Järnefelt a Halonen zemřeli ve 30. letech, jejich nejlepší díla vznikla v 90. letech 19. století a umění těchto malířů se zcela vyvíjelo v tradicích 19. století.

Naproti tomu dílo nejvýznamnějšího finského umělce Aksela Gallena-Kallela (1865-1931) odráželo rozpory, které byly charakteristické pro umění konce 19. a počátku 20. století. V roce 1900 Gallen-Kallela se stal jedním z předních umělců nastupujícího secesního stylu a teprve postupně, v posledních dvou desetiletích svého života, překonal modernu a vrátil se k realistické malbě.

V raném období své kreativity měl Bastien-Lepage na mladého umělce velký vliv. Již dílo druhé poloviny 80. let 19. století. svědčí o vyspělosti a mistrovství umělcova talentu. Obraz „První lekce“ (1889; Helsinki, Athenaeum), zobrazující vesnickou chatrč, v níž starý rybář poslouchá dívku, která si čte, se vyznačuje rysy skutečného realismu. Gallen-Kallela, který hodně cestoval po zemi, aby hlouběji studoval život lidí, maloval krajiny a žánrové obrazy („Pastýř z Panajarvi“, 1892; Helsinky, soukromá sbírka). V 90. letech 19. století. Gallenův okruh námětů se rozšiřuje, obrací se ke karelsko-finskému národnímu eposu „Kalevala“ a vytváří řadu děl na témata eposu (triptych „Legenda o Aino“, 1891, Helsinky, Athenaeum; „Znásilnění Sampa ", 1896, Turku, Muzeum umění; "Lemminkäinenova matka" ", 1897, Helsinky, Athenaeum, "Joukahainenova pomsta", 1903, lept). Gallen, který je stále více fascinován fantazií a hrdinstvím Kalevaly, začíná hledat nové stylistické postupy k vyjádření racionální specifičnosti, ale tato hledání ho vedou k modernistické stylizaci, charakteristické pro umění počátku 20. století. Postupně v jeho tvorbě zájem o velké téma lidového života klesá. Kombinaci mystiky a naturalismu charakterizují jeho fresky v náhrobní kapli Juselia v Pori (1901-1903). V obrazech finského pavilonu na Světové výstavě v Paříži v roce 1900 jsou také rysy modernismu. Gallen během své dlouhé kariéry vytvořil mnoho krajin, portrétů a pracoval jako ilustrátor (ilustrace románu „Seven Brothers“ od Alexise Kivi); ne vše v jeho odkazu lze bezpodmínečně přijmout, ale v jeho nejlepších dílech různých let, vytvořených před obdobím vášně pro modernismus a ve 20. letech, nacházíme skutečnou realistickou sílu, hlubokou národnost, která dává právo považovat Gallen-Kallela za velký národní umělec, který přinesl slávu své zemi; Ne nadarmo si ho M. Gorkij tak vážil a řadu let si s ním dopisoval.

Helena Schjerfbeck (1862-1946), která získala umělecké vzdělání v Petrohradě, byla také talentovaná umělkyně. Její obraz „Recovering Child“ (1888; Helsinki, Athenaeum) patří k nejlepším počinům realistické finské malby. Ale s rozšířením na konci 19. stol. modernismu ve Finsku se Schjerfbeck, stejně jako mnoho jejích kolegů, vzdaluje realismu. Kontroverzní bylo i dílo Juho Simberga (1873-1917), poznamenané rysy mystiky a symbolismu. Vliv modernismu se podepsal i na díle velmi demokratického umělce - Juho Rissanena (1879-1950).

Na počátku nového století ve finském umění zesílily formalistické tendence. Začíná odklon od realistických národních tradic, ústup od úkolů demokratického umění. V roce 1912 vznikla skupina Septem, jejímž ideovým šéfem byl Magnus Enckel (1870-1925); patřili sem V. Thome, M. Oinonen a další. V roce 1916, vedená Tykko Sallinenem (1879-1955), byla vytvořena další velká skupina - „listopad“. Umělci, kteří byli součástí těchto skupin, se na úkor smysluplnosti umění nechali unést problémy světla a barev („září“) nebo usilovali o zkreslený, deformovaný obraz reality („listopad“). nejvýznamnější skupinou poslední doby je skupina „Prism“, která vznikla v roce 1956 a sdružuje umělce pracující v široké škále médií. Patří sem Sigrid Schauman (nar. 1877), Ragnar Eklund (1892-1960) - představitelé starší malířské generace, ale i sám Vanni (nar. 1908), který pracuje především abstraktně, a další.

Od konce 50. let. abstrakcionismus zachycuje stále větší okruhy finských umělců. Spolu s tím však i nadále pracuje řada malířů, jako Lennart Segerstrode (nar. 1892), Sven Grönwall (nar. 1908), Eva Söderström (nar. 1909), Eero Nelimarkka (nar. 1891) a další. realistické tradice

Významné místo ve finském umění zaujímá grafika, jejíž rozkvět byl v 19. století spojen se jmény Gallen-Kallela, A. Edelfelt, J. Simberg. Dnes jsou pokračovateli nejlepších demokratických tradic ve finské grafice Erkki Tanttu (nar. 1917), Lennart Segerstrole, Vilho Askola (nar. 1906) a další mistři. Přes odlišnosti tvůrčích stylů a žánrů, ve kterých pracují, je spojuje touha ukázat konkrétní život dnešního Finska, jejich lásku k obyčejnému člověku. L. Segerstrole, představitel starší generace grafiků, věnuje své listy „Lovci tuleňů“ (1938) a „Po bouři“ (1938, suchá jehla) tématu práce, jsou prodchnuty sympatiemi k běžné pracovní muž. E. Tanttu velebí krásu práce ve svých rytinách „The Timber is being Carried“ (1954), „Rafters“ (1955) a dalších. Jeho listy se vyznačují monumentální interpretací obrazu člověka a poetickým zobrazením původní přírody. Krásu a krutost finské krajiny vyjadřují jeho grafické práce „Zimní ráno“ (1956), „Jezero v Lappi-Ebi“ (1958) od V. Askoly.

Pozoruhodným mistrem knižní ilustrace je Tapio Tapiovaara (nar. 1908), autor grafických listů s vysoce sociální tématikou („Události v Kemi v roce 1949“, 1950).

Sochařství, které se stalo široce rozvinutým, zaujímá významné místo v uměleckém životě Finska. Prvními učiteli finských sochařů byli švédští mistři. Za zakladatele finského sochařství je považován Karl Eneas Sjöstrand (1828-1906), který přijel v roce 1856 do tehdejšího hlavního města Finska - Turku. Byl vyzván, aby vytvořil pomník H. G. Portanovi, největšímu sběrateli finských eposů; tato památka se dodnes těší zaslouženému uznání. Současně se začal zajímat o epos „Kalevala“ a provedl řadu děl na témata eposu („Kullervo spelluje jeho šavli“, 1867; Helsinky, Hesperia Park). Sjöstrand je známý nejen jako umělec, ale především jako mistr, který organizoval vlastní školu. Realistické tradice této školy lze vysledovat až na začátek 20. století.

Mezi jeho studenty byli tak slavní finští sochaři jako Walter Runenberg (1836-1920) a Johannes Takkanen (1849-1885). Tito mistři byli představiteli dvou vývojových linií finského sochařství. Umělecké vzdělání započali u Sjöstranda, pokračovali v něm v Kodani a Římě, ale jejich osudy se vyvíjely jinak. Pro syna slavného finského básníka, blízkého vládnoucím kruhům Švédska, Waltera Runenberga, byla cesta k umění jednoduchá a snadná. Doma i v Paříži, kde se usadil v polovině 70. let 19. století, slavily úspěch jeho klasicistní portréty a pomníky plné vnějšího patosu a idealizace („Psyché s orlem Jupiterem“, 1875, mramor, Helsinky. Alegorické sousoší Athenaeum "Smutné Finsko", 1883, bronz). Ale navzdory úspěchu a oficiálním zakázkám tento mistr klasicistní k rozvoji finského národního sochařství ničím nepřispěl – pouze jej uvedl do hlavního proudu římské akademické školy té doby.Pro Johannese Takkanena, syna chudého rolníka , bylo to mnohem těžší. Talentovaný sochař, nucený celý svůj krátký život zápasit s chudobou (zemřel 36 let v Římě, téměř bez peněz, mezi lidmi, kteří nedokázali rozumět ani posledním slovům umírajícího), nedosáhl uznání. Takkanen nedokázal odhalit svůj talent – ​​uplatnit svou sílu při provádění monumentálních soch. Ale i ty malé figurky, které se dochovaly, svědčí o velkém a originálním talentu mistra. Takkanen byl právem nazýván zpěvákem ženské krásy, jeho figurky jsou plné lyriky a měkkosti („Spoutaná Andromeda“, 1882; motiv „Aino“ z „Kalevala“, 1876; obě – Helsinky, Athenaeum).

Jednoduchost, přirozenost, národní typy a obrazy – to vše vypadalo na klasický Řím příliš odvážně a nezvykle. Takkanen nedostal podporu ze své vlasti. Finsko tak přišlo o prvního národního umělce.

V letech 1880-1890. sochařství se ve Finsku stává jedním z předních žánrů. Ve městech se staví pomníky významným osobnostem, vznikají parkové sochy a reliéfy, které zdobí veřejné i soukromé budovy. Hlavním zaměřením veškerého monumentálního sochařství bylo prosazování národních idejí; Právě během těchto desetiletí byla umělecká orientace finských sochařů a cesty, kterými se moderní finské sochařství ubíralo, nejjasněji definovány. Salonní tradiční linii velmi jasně zastupovala tvorba Ville Wallgrena (1855-1940). Nejvýraznějším mistrem rozvíjejícím lidové tradice finského sochařství byl Emil Wikström (1864-1942).

Wallgren se usadil v Paříži kolem roku 1880. Wallgrenovy drobné žánrové figurky (Maryatta, 1886, mramor, Turku, Muzeum umění; Echo, 1887, mramor; Jaro, 1895, zlato, obě Helsinky, Athenaeum aj.). Jeho díla se vyznačují propracovanou dekorativností, smyslností a často i sladkostí. Koncem 90. let 19. století. začíná se nechat unášet protáhlými proporcemi a klikatou obrysovou linií. V průběhu let stále více inklinoval k dekorativnosti a literatuře. Když se Wallgren pokusil zobrazit své koketní dívky v monumentálních formách (fontána Havis Amanda v Helsinkách, 1908), neuspěl, protože byl mistrem malých forem.

Na rozdíl od Wallgrena, Emil Wikström až v 90. letech 19. století. vzdává hold francouzské salonní virtuozitě (Sen o nevinnosti, 1891; Helsinky, Athenaeum). Již v letech 1900. jeho umění zraje. Historie a modernost Finska se stávají hlavními tématy jeho děl. Mění se i zpracování materiálu, jistá honosnost ustupuje silné plastické formě. Jedná se o jedno z jeho ústředních děl – vlys na hlavním průčelí sněmovny sněmovny reprezentantů (1902, Helsinky). Tato grandiózní kompozice, provedená v bronzu, sestává z alegorických scén vyprávějících historii finského lidu, jeho práci a boj za nezávislost. Wikström je také známý jako mistr portrétního a monumentálního sochařství. V roce 1886 dokončil úspěšný portrét malíře Gallen-Kallela (bronz, Helsinky, Ateneum) a v roce 1902 pomník sběratele kalevalského eposu Lönnrota (Helsinki), kompozici „Lesní krokve“. Jedním z jeho posledních děl byl pomník I. V. Snellmana (1923, Helsinky). Wikströmova monumentální a portrétní díla se vyznačují hlubokým realismem, schopností najít to nejcharakterističtější, typické v portrétované osobě.

Wikströmovým žákem byl Emil Halonen (1875-1950), který obnovil lidové tradice řezbářství. Vlastní četné reliéfy z borovice („Deer Buster“, 1899), sochy ve dřevě („Young Girl“, 1908; obě díla – Helsinky, Athenaeum). Nejzajímavější Halonenovou prací byly reliéfy pro finský pavilon na Světové výstavě v Paříži v roce 1900 (Helsinki, Athenaeum), provedené poněkud archaickým způsobem, napodobující lidovou dřevořezbu; jednoduše a lakonicky reprodukovaly výjevy lidového života. V řezbářských technikách vyvinutých Halonenem pokračovali a rozvíjeli sochaři jako Albin Kaasinen (nar. 1892) a Hannes Outere (nar. 1888), tvůrci scén z lidového života, kteří s velkým humorem a dovedností hovořili o svých současnících.

V roce 1910 byl z iniciativy Felixe Nylunda (1878-1940) vytvořen Svaz finských sochařů, který sehrál velkou organizátorskou roli. Raná díla samotného Nylunda se vyznačují touhou po zobecněné plastické formě při zachování zájmu o psychologické charakteristiky modelu. Zvláště dobré jsou jeho portréty dětí (Erwin, 1906, mramor; Helsinky, Athenaeum), vyznačující se svěžestí a vřelostí. Později se Nylund, stejně jako většina umělců starší generace, začal zajímat o modernistické trendy a vzdaloval se realismu.

Desátá a dvacátá léta byla ve finském umění poznamenána tendencí k expresionismu a poté k abstrakcionismu. Začíná hledání „soběstačného objemu“, „čisté formy“ atd. a jen málo sochařů dokáže těmto cizím vlivům odolat. Mezi nimi musíme jmenovat především největšího moderního realistického sochaře, který přinesl Finsku světovou slávu - Väinö Aaltonena (nar. 1894).

Umělecké vzdělání získal Aaltonen na kreslířské škole v Turku pod vedením V. Westerholma. Škola produkovala malíře, ale na rozdíl od předpokladů jeho učitelů se Aaltonen stal sochařem. Sochařské umění ho přitahovalo od dětství, bylo to jeho povolání. Aaltonen je mistr, o kterém se ve Finsku říká, že probudil z věčného spánku žulové skály. Černá a červená žula se stala Aaltonenovým oblíbeným materiálem. Záběr tohoto umělce je nebývale široký: vytvořil obrovskou portrétní galerii svých současníků, parkové plastiky a sochy sportovců, náhrobky a monumentální reliéfy zdobící vládní a veřejné budovy, komorní plastiku ze dřeva a terakoty, olejomalby a tempery na témata Kalevaly. Již raná Aaltonenova díla – série tzv. „služeb“ („Girl Wading“, 1917-1922, žula; „Seated Young Girl“, 1923-1925, granit; vše v soukromých sbírkách) – vzbudila zájem veřejnosti svou velkou lyrika, vřelost a poezie v zobrazení nahého ženského těla a mimořádná měkkost zpracování materiálu. V těchto letech byl také Aaltonen fascinován tématem nahého mužského těla a vytvořil jedno ze svých mistrovských děl - sochu běžce Paavo Nurmiho (1924-1925, bronz; Helsinky); lehkost, sebevědomí a svoboda silného, ​​svalnatého těla jsou sochařem dokonale vyjádřeny. Jakmile se jeho noha dotkne podstavce, zdá se, že Nurmi letí dopředu.

Aaltonen se začal věnovat portrétnímu umění v mládí a tomuto žánru se věnuje dodnes. Lze ho považovat za jednoho z tvůrců moderního finského sochařského portrétu. Jeho umění je založeno na hlubokém pronikání do vnitřního světa portrétovaného a na přísném výběru prvků, které tvoří charakteristiku modelu.

Mezi nejlepší Aaltonenovy portrétní práce lze jmenovat portrét spisovatelky Marie Jotuni (1919, mramor; soukromá sbírka) s laskavým, mírně smutným obličejem; přísná hlava V. Westerholma, plná síly a důstojnosti (1925, žula; soukromá sbírka) vyjadřuje hluboké soustředění Aaltonenova učitele. Krásné jsou portréty skladatele Jeana Sibelia (1935, mramor; Pori, Muzeum Sibeliova domu), jehož mohutná hlava jako by vyrůstala z kamenného bloku, a básníka Aarro Hellaakoskiho (1946, bronz; soukromá sbírka), kde je nejvyšší lakonicismus forem a výrazových prostředků nenarušuje znovuvytvoření vzhledu tohoto rozčarovaného přítele z mládí Aaltonena.

Aaltonenova monumentální díla jsou velmi zajímavá. Jeho nahé postavy na mostě v Tampere (1927-1929, bronz) jsou ve své interpretaci obrazů hluboce národní. Hrdinka „Kalevala“ „Maryatta“ (1934, bronz; majetek autora) je krásná ve své přísné zdrženlivosti: mladá žena v šatech splývajících k zemi stojí, zvedá své dítě vysoko v náručí, její pohled je plný smutku a něhy, obrysy její štíhlé siluety jsou hladké. Pomník Alexise Kiviho (1934, bronz) v Helsinkách znovu vytváří smutný obraz velkého finského spisovatele, který zemřel brzy v chudobě, aniž by se mu za jeho života dostalo uznání. Hořké myšlenky přemohly muže sedícího v hlubokém zamyšlení, hlavu svěšenou a ruce bezvládně spadlé na kolena. Striktní formy velmi kompaktního monumentu dobře zapadají do celku města.

Mezi Aaltonenovými monumentálními reliéfy zaujímá zvláštní místo pomník na počest prvních finských osadníků v Delaware (Kanada; 1938, červená žula) - jde snad o jedno z jeho nejnárodnějších děl v duchu. Pomník je deska, jejíž podélné strany jsou zdobeny reliéfy. Zvláště dobrý je reliéf „Sbohem domorodému pobřeží“. Daleko v moři jsou vidět obrysy lodi a v popředí, poblíž skalnatého pobřeží, truchlíci strnuli v přísném tichu; za pár minut člun odváží odvážlivce na loď mířící do neznámých zemí hledat lepší život. Aaltonen se vždy vyhýbal patosu, efektům a náhlým pohybům a vybral si okamžik, kdy všechna slova již byla vyslovena – následovala minuta ticha. Extrémní lapidárnosti plastického řešení reliéfu čelí zřetelné propracování obrysové kresby postav.

Toto národní specifikum nacházíme jak v typech, tak v interpretaci obrazů v Aaltonenových obrazech a grafických dílech, např. „Kullervo“ (1930-1940, tempera), v poetickém „Návratu od večerníčku“ (1939, kresba; obojí jsou autorem majetku).

Témata míru a přátelství mezi národy, solidarity pracujících jsou Aaltonenovi blízká a drahá. Bronzový pomník „Přátelství“ pochází z roku 1952 a symbolizuje přátelství finského města Turku a švédského Göteborgu (v obou městech byly instalovány pomníky). Velkým přínosem pro mír byla Aaltonenova socha „Mír“ v Lahti (1950-1952, žula), zobrazující mír v podobě monumentální postavy ženy s rukama vysoko vztyčeným, jako by blokovala cestu k válce. Za tuto sochu v roce 1954 získal Aaltonen zlatou medaili od Světové rady míru.

Navzdory skutečnosti, že v posledních desetiletích abstrakcionismus jako oficiální hnutí zaujal ve finském sochařství poměrně silné místo, velká skupina mladých umělců, inovativně rozvíjejících realistické základy umění v portrétním i monumentálním sochařství, nedovoluje abstrakcionistům, aby se přední místo. Mezi realistické mistry je třeba jmenovat takové významné umělce jako Essi Renvall (nar. 1911) a Aimo Tukiyainen (nar. 1917). Essie Renvall je umělkyně s jemným lyrickým talentem, vlastní mnoho portrétů svých současníků („Onni Okkonen“, bronz) a obzvláště atraktivní jsou její snímky dětí. Kromě portrétů vytváří Renvall také zobecněné obrazy obyčejných lidí („Textile Worker“, bronz; park v Tampere). Renvall pracuje s mramorem a bronzem a v poslední době používá intarzii s barevnými kameny a kovem pro zvýšení expresivity. Aimo Tukiyainen vytváří monumentálně interpretované portréty (Portrét Tovia Pekkanena, 1956, bronz) a pomníky (pomník Et Salin, 1955, bronz); Tento pomník uprostřed bazénu zobrazuje unaveného muže v pracovním oděvu, jak se sklání na jedno koleno, aby si smyl prach z obličeje.

Finské medailérské umění, které v posledních desetiletích vzkvétá, je z velké části věnováno boji za posílení míru. Medaile Aaltonena, Gerdy Quist (nar. 1883) a dalších mistrů, věnované vynikajícím současníkům a událostem, jsou překvapivě tenké, harmonické a pružné.

Devadesátá léta 19. století byla ve znamení rozhodujícího zlomu ve vývoji finské architektury, která se odklonem od tradičního klasicistního akademismu vydala na cestu hledání v duchu nového národně-romantického směru. Charakteristická pozornost finské a karelské lidové architektuře tohoto období souvisela s růstem národního sebeuvědomění a zároveň odrážela tendenci používat místní materiály, které se projevovaly v západoevropské (zejména anglické a švédské) architektuře. Obecný hlavní proud rozvoje národní kultury Suomi v posledním desetiletí 19. století zahrnoval výzkum architektů J. Blomsteda a V. Suksdorfa („Karelské stavby a dekorativní formy“, 1900), díla finských umělců oslavujících jedinečná krása této severské země, hudba Jana Sibedia (symfonická báseň „Finsko“, legenda „Labuť z Tuonelu“, „Jarní píseň“), maluje obrazy drsné přírody regionu.

V této atmosféře se zformovala galaxie vynikajících finských architektů, mezi nimiž nejvýraznější místo zaujímají Lare Sonck, Hermann Geselius, Armas Lindgren a především Eliel Saarinen (1873-1950). Sonck byl jedním z prvních, kdo v těchto letech použil srubové stavby a hrubé kamenné zdivo k dosažení zvláštní expresivity architektury národního romantismu. Jeho katedrála v Tampere (1902-1907) získala širokou a zaslouženou slávu díky emocionalitě obrazu, síle a harmonii designu.

Na světové výstavě v Paříži v roce 1900 se širokého uznání dočkal finský pavilon, jehož autory jsou Geselius, Lindgren a Saarinen, který svou jednoduchostí a kompoziční přehledností vyčníval z masy eklektických a přetížených budov. Jedním z nejvýraznějších děl této doby je obytná budova ve Vtresce, postavená pro sebe skupinou architektů v roce 1902. Budova se vyznačuje mimořádnou monumentalitou, malebnou kompozicí hmot a organicky splývá s okolní přírodou. V této budově je otevřená dispozice prostor a využití výrazových možností dřeva a žuly dovedeno k vysokému stupni dokonalosti.

Velký význam pro finskou architekturu tohoto období mělo, jak sami finští architekti přiznávají, spojení se současnou ruskou uměleckou kulturou, ve které byl v těchto letech rozšířený zájem o zvládnutí tradic lidové architektury, užitého umění a folklóru ( Tento vliv byl určen existencí úzkých kulturních vazeb mezi ruským a finským uměním. Zejména Eliel Saarinen byl řádným členem Petrohradské akademie umění a udržoval stálé kontakty s takovými osobnostmi ruské kultury jako M. Gorkij, I. Grabar, N. Roerich a další.).

Do konce prvního desetiletí 20. stol. Ve Finsku vzniká nový směr, povahově blízký ruskému modernismu, ale lišící se od něj větším lakonicismem a zdrženlivostí. Eliel Saarinen je zde také největším mistrem. V jeho projektech pro Palác míru v Haagu (1905), Finský sněm (1908), radnici v Tallinnu (1912) a zejména v dokončeném projektu železniční stanice v Helsinkách (1904-1914) Saarinenova oblíbená technika Je vyvinuto postavení vedle sebe masivní věže a těžkého horizontálního objemu, který slouží jako neotřesitelný základ. Toto téma dosahuje svého vrcholu v projektu Domu-muzea národní kultury, známého jako Kalevala House v Munkkiniemi (1921), kde stavba, krásná svým designem a proporční strukturou, s těžkostí svých forem, připomíná opevnění. , vzniklý jakoby opracováním vrcholu žulové skály. Obraz veřejné budovy vyvinuté Saarinenem je poněkud přísný a ponurý, ale je jedinečně originální a organicky spojený s národními charakteristikami finské architektury.

Z tohoto období pocházejí také Saarinenovy první urbanistické práce (soutěžní projekt Canberra, 1912; územní plán Munkkiniemi-Haag, 1910-1915), v nichž se snoubí touha po maximální monumentalizaci velkých městských celků se vznikajícími novými představami o organismu osada a diferenciace jejích jednotlivých částí .

Konec 1. světové války a udělení státní nezávislosti Finsku z iniciativy V.I.Lenina poznamenala v oblasti architektury řada velkých urbanistických prací. Nejvýznamnějším z nich byl projekt Velké Helsinky (1918), který nominoval Eliela Saarinena za jednu z uznávaných autorit světového urbanismu. Projekt odlišil obytné oblasti hlavního města a decentralizované osídlení v satelitních městech s důsledností, jakou dříve nikdo nedosáhl. Autor skvěle využil příměstské oblasti členité jezery a zálivy k lokalizaci jednotlivých obytných souborů, organicky začleněných do přírody.

Ve 20-30 letech. Ve Finsku vzniká řada velkých a architektonicky významných veřejných a komerčních budov. Mezi nimi vyniká budova parlamentu (1931, architekt I. Siréna). Charakteristické je, že tato budova je navržena ve vyvážených, přísných formách neoklasicismu, které se zachovaly až do 30. let. silnou pozici ve Finsku.

Ten postavený v Helsinkách v letech 1926-1931 byl zajímavý a ve svých podobách modernější. další významný představitel finské architektury Sigurd Frosterus, obchodní dům Shtokman. Jeho vnější formy odrážely monumentalismus vlastní finské architektuře té doby. Interiéry obchodního domu postavené na železobetonovém rámu získaly rozlehlé, široce otevřené a volně organizované obchodní prostory charakteristické pro novostavby tohoto typu.

Od 30. let. 20. století Vůdčí postavou finské architektury je Alvar Aalto (nar. 1898), talentovaný architekt pocházející z rodiny lesníka, který si stejně jako Eliel Saarinen později vydobyl světovou slávu a stal se jedním z největších architektů současnosti. V letech 1929-1933. A. Aalto buduje tuberkulózní sanatorium v ​​Paimio v jihozápadním Finsku zcela v duchu evropského funkcionalismu a zároveň se vyznačuje místní originalitou - mimořádná čistota a svěžest svých architektonických forem, volná kompozice objemů, organické spojení s reliéfem a zalesněná krajina regionu. Spolu s budovou Bauhaus v Dessau od W. Gropiuse a díly Le Corbusiera je tato budova jednou z nejznámějších a mezníků ve vývoji moderní architektury. Dalším dílem A. Aalta, stejně jako sanatorium v ​​Paimio, zaslouženě považované za jednu z nejlepších evropských staveb 30. let, byla budova knihovny ve Vyborgu. Přitahuje pozornost na pečlivě promyšlený funkční základ plánu, pravdivost vnějšího vzhledu stavby a velkou emocionální expresivitu. V přednáškovém sále knihovny byl použit speciální dřevěný akustický podhled se zakřiveným obrysem, který dodal interiéru originalitu a novou podobu na tato léta.

Aaltovou zásluhou na této a řadě dalších staveb bylo, že vnímaje racionalistický základ konstruktivismu a využívá jej na finské půdě, od samého počátku se postavil proti jeho omezením a začal rozvíjet estetické principy nového směru, hledat jeho umělecký jazyk. Aalto poznamenal, že „technický funkcionalismus nemůže být v architektuře jediný“ a že jedním z důležitých úkolů moderní architektury „je řešení psychologických problémů“. Z dalších významných děl A. Aalta je třeba zmínit finský pavilon na Mezinárodní výstavě v New Yorku, Villa Mairea v Noormarku a dřevozpracující továrnu v Sunilu (1936-1939). Aalto ve svém nejnovějším díle působí i jako urbanista: vytváří nejen komplex průmyslových zařízení, ale i rezidenční vesnici pro dělníky, navazující na nejlepší tradice finské architektury – s přihlédnutím k a šetrnému využívání přírodního prostředí.

Nové prvky v architektuře veřejných budov zavádí Eric Brugman (1891-1955). Jako první ve skandinávských zemích široce otevřel interiér pomocí vitráží do okolního prostoru (kaple v Turku, 1938-1941), snažil se vytvořit nový umělecký efekt a novou jednotu architektury a přírody.

Významnou stavbou tohoto období byl také olympijský komplex v Helsinkách, jehož součástí byl vynikající stadion (1934-1952, architekti Irjo Lindgren a Toivo Jantti) a olympijská vesnice (architekti H. Eklund a M. Välikangas), která se stala první satelitní město hlavního města Finska.

Po druhé světové válce se finská ekonomika rychle stabilizovala díky rozšiřujícím se obchodním vztahům se Sovětským svazem a finští architekti mohli začít realizovat řadu dříve jen nastíněných urbanistických nápadů a masové výstavby. Jejich největším a nejvýznamnějším dílem, které získalo velký ohlas, byla stavba zahradního města Tapiola, 9 km od Helsinek ( Autoři Tapioly: architekti O, Meierman a I. Siltavuori (generální plán), A. Blomsted, V. Revell, M. Tavio, A. Ervi, K. a X. Siren, T. Nironen a další. Stavbu provádí od roku 1952 speciálně vytvořené bytové družstvo.). Při stavbě Tapioly se architekti snažili překonat oddělení člověka od přírody, charakteristické pro velká kapitalistická města. Město s 15 tisíci obyvateli bylo vybudováno mezi přírodní zelení na členitém terénu s výchozy pevninské žulové základny a zabírá plochu více než 230 hektarů. Zvláštní pozornost je věnována ochraně divoké zvěře a malebné, téměř nedotčené krajiny. Charakteristické je, že rezidenční zástavba zabírá pouze 25 procent území, zatímco volná zeleň zabírá 75 procent. Ve skutečnosti se zde nejedná o zelené plochy protkané městskou zástavbou, ale o domy - s přirozenými lesy, aplikujícími svou polohu na stávající skupiny stromů, topografii, skalní výchozy a sluneční světelné podmínky. Síť asfaltových cest, rozmístěných v malebných stuhách podél rozdílů v přirozeném povrchu země, byla zredukována na požadované minimum.

Centrum Tapiola (1954 -1962, architekt Aarne Ervi) je typické novými nápady pro budování městského souboru. Má dobře organizovaný volný a zároveň jasně diferencovaný prostor, vytvořené dynamické kontrasty architektonických vertikál a rozprostřených, horizontálních objemů, oddělené pěší a dopravní cesty. Společenský princip se zde snoubí s jistou intimitou, pravidelné motivy s malebností (např. zřetelná geometrie náměstí dlážděného deskami u komerčních budov je oživena skupinami stromů zachovaných v místech, kde před zahájením výstavby volně rostly). Struktura obytných komplexů Tapiola zohledňuje potřeby různých skupin obyvatel: podle věkového složení a rodinného stavu. Spolu s tím (a to je typické pro celou praxi kapitalistického urbanismu) je rozvoj diferencován podle sociálního postavení a hmotného zabezpečení občanů. V souladu s tím byly využívány různé typy staveb - od 8-11patrových věžových domů až po 1-2patrové dvojchaty.

Tapiola vyvinula řadu zajímavých nových typů veřejných budov, jako je škola pavilonového typu navržená architekty Kaiem a Heikki Siren. Zástavba ulice Mennin-kaisentie, kterou provedl architekt A. Blomsted, je unikátní svou architekturou. Ulice vede na úpatí žulového masivu, na kterém se nachází skupina vícepodlažních budov. Na druhé straně je řetězec propojených domů obrácených k lesu a jezerům. Rytmus střídání jednopatrových a dvoupatrových objemů, jednoduchých ve svých geometrických tvarech, rozprostírajících se na hranici mezi trávníkem a lesem, kontrasty světlých hladkých stěn a vitráží, pestrost barev Budov, svíce borovic, mezi nimiž je položeno několik budov - to vše vytváří rozmanitou, výjimečně výraznou a malebnou architektonickou a prostorovou kompozici.

rýže. na straně 319

Je třeba poznamenat, že kromě Tapioly byla v poválečném Finsku postavena řada dalších pozoruhodných obytných čtvrtí a komplexů.

Finští architekti dosáhli znatelných úspěchů také při výstavbě veřejných a administrativních budov. Pro dělnické organizace postavil A. Aalto v roce 1958 Kulturní dům v Helsinkách, ve kterém využil volnou kombinaci organicky se rozvíjejících objemů a zakřivených cihlových rovin. Asymetricky umístěný amfiteátr vyniká nejen svou svěží podobou, ale také vynikající akustikou, díky čemuž se řadí mezi nejlepší sály tohoto typu v Evropě. Stejný autor vlastní vynikající budovu ústavů sociálního pojištění v Helsinkách (1952), v níž se architekt snažil překonat oficiálního ducha takových budov, komplex budov městské rady v Säynätealo (1956), která je v podstatě centrem mikrodistriktu a zahrnuje řadu prvků veřejných služeb, administrativní budova firmy Rautatalo, obložená mědí a bronzem. Je třeba poznamenat, že finští architekti široce používají povrchovou úpravu fasád plechem a profilovaným kovem (měď, bronz, eloxovaný a prostý hliník), což dává jejich budovám jedinečnou expresivitu.

Jednou z největších vzdělávacích institucí vybudovaných po válce je Dělnický institut v Turku (1958, architekt A. Ervi), ve kterém architekt využil kontrastů volně organizovaného okolního prostoru a jasné geometrie budov seskupených kolem dlážděného nádvoří. s obdélným bazénem a sousoším . Ve školách a dalších vzdělávacích budovách finští architekti hojně využívají univerzální sály a posluchárny, využívají systémy posuvných příček, mechanicky výsuvné lavice v amfiteátru, čímž vytvářejí možnost různě obměňovat charakter vnitřního prostoru, kapacitu místností atd.

rýže. na straně 321.

Hlavním rysem moderní finské architektury zůstává jednoduchost a účelnost, velká emocionální expresivita, taktní použití barev a použití, spolu s efektně prezentovanými novými materiály (kov, plasty, emaily, eternity atd.), přírodních a tradičních místní materiály ve Finsku (dřevo, žula) a - co je nejdůležitější - schopnost organicky zapadnout do přírodního prostředí, využít všech možností, které mikroreliéf, množství jezer, členité břehy, malebná a nedotčená příroda lesní oblast navrhnout architektovi. Tento poslední rys je dobře patrný nejen na obytných a veřejných budovách, ale také na většině průmyslových budov, které stejně jako elektrárna na řece Oulun-Joki (1949, architekt A. Ervi) přirozeně vyrůstají ze žulového skalnatého podloží obklopeného u štíhlých a mírně ponurých borovic .

Nutno však podotknout, že omezený rozsah stavebnictví prakticky neposkytoval potřebnou ekonomickou základnu pro průmyslovou, typizovanou hromadnou stavební produkci. Hlavní stavby jsou realizovány dle individuálních projektů. Pouze montované jednopatrové dřevěné domy, určené především pro venkov, jsou vyráběny průmyslovými metodami ve speciálních továrnách na stavbu domů.

Finští architekti používají syntézu umění velmi zdrženlivě, zpravidla se omezují pouze na malování domů, což je prováděno s velkou dovedností. Dekorativní a pamětní plastika se nachází v souborech městské architektury, prvky dekorativního a užitého umění a drobné architektonické formy jsou používány s velkým smyslem pro takt.

Akseli Gallen-Kallela

Sammon puolustus (1896)

Ilustrace pro Kalevala. " Obrana Sampa«.

Sampo(ploutev. Sampo) - v karelsko-finské mytologii jedinečný magický předmět, který má magickou moc a je zdrojem štěstí, prosperity a hojnosti. V eposu Kalevala jeho tvůrce Elias Lönnrot představil Sampo v podobě mlýna.

Hugo Simberg

Halla (1895)

Halla- Tento mráz, jestli tomu dobře rozumím, tak třeba v létě v noci nebo brzy ráno

V tomto smyslu obraz dobře vyjadřuje obraz.

Helene Schjerfbeckové

Toipilas (1888)

toipilas — rekonvalescenční

Hugo Simberg

Kuoleman puutarha —Zahrada smrti

Existuje několik verzí tohoto obrazu, tento obrázek ukazuje fresku z katedrály v Tampere.

Tenhle obrázek mi doporučila jedna Finka, když jsem si všiml, že i pro zachmuřené Finy je nějak ponurý, vřele mi odpověděla: „Smrti se starají o lidské květiny uprostřed pouště, a když jsou nuceni je ostříhat, udělej to něžně, jako bys prosil o odpuštění...“

Hugo Simberg

Haavoittunut enkeli -Zraněný anděl
(1903)

Děj filmu se odehrává na rozpoznatelném historickém pozadí: Eleintarha Park (rozsvícená „zoo“) a Töölö Bay v Helsinkách. Na počátku 20. století byl park oblíbeným rekreačním místem zástupců dělnických profesí, sídlily v něm i charitativní instituce. Cesta, po které se postavy pohybují, zůstala zachována dodnes: průvod se po ní ubírá směrem k tehdy existující škole pro nevidomé dívky a útulku pro invalidy.

Obraz zobrazuje dva chlapce nesoucí na nosítkách zženštilého anděla se zavázanýma očima s krvácejícím křídlem. Jeden z chlapců se upřeně a zachmuřeně dívá přímo na diváka, jeho pohled vyjadřuje buď soucit se zraněným andělem, nebo opovržení. Krajina v pozadí je záměrně strohá a rezervovaná, ale působí klidným dojmem. Netriviální děj otevírá prostor pro širokou škálu interpretací. Hrubé oblečení a boty chlapců, jejich zamračené vážné tváře kontrastují s křehkou postavou anděla oděného do světlých šatů, což naznačuje konfrontaci života a smrti, krev na křídle anděla a páska na očích jsou znakem zranitelnost a pomíjivost existence, ale anděl drží v ruce kytici sněženek je symbolem znovuzrození a uzdravení. Zdá se, že život zde je velmi blízko smrti. Jeden z chlapců se obrátil k publiku, prolomil hermetický prostor obrazu, čímž dal jasně najevo, že otázky života a smrti se jich přímo týkají. Sám Simberg odmítl podat jakoukoli interpretaci „Zraněného anděla“ a nechal diváka, aby si vyvodil vlastní závěry.

Obraz měl obrovský vliv na finskou kulturu. Odkazy na něj se nacházejí v mnoha dílech vysokého a populárního umění. Videoklip k písni „Amaranth“ od finské metalové skupiny Nightwish hraje na motiv „Wounded Angel“.

Albert Edelfelt

Paříž Lucembursko v puistossa — V Lucemburských zahradách v Paříži.

Akseli Gallen-Kallela

Akka a kissa — Stará žena a kočka

Obecně platí, že všechny obrazy Gallen-Kallela jsou mistrovská díla; je to skutečně umělec světové třídy.

Tento obraz byl namalován výrazně naturalistickým způsobem, ale přes veškerou svou nepřikrášlenost je plný soucitu a lásky k těm nejprostším a nejchudším lidem.

Obraz získalo Turku Art Museum v roce 1895 a dodnes se tam nachází.

Slovo akka Vždy mám potíže s překladem „baba“ i „babičky“.

Zde ukážu malou ochutnávku a přidám ještě jeden obrázek Helene Schjerfbeckové— v ruštině čteme její jméno Helena Schjerfbeck.

A tady je paprsek světla a tepla.

Obraz z roku 1882, Tanssiaiskengät —Taneční boty.

Tohle je asi nejsmutnější finský obrázek. Alespoň podle mého názoru.

Albert Edelfelt

Lapsen ruumissaatto — Dětský pohřeb(doslova: Smuteční průvod dítěte)

Jedná se o první žánrovou kompozici ve finském výtvarném umění malovanou v exteriéru. Stala se jakoby fragmentem skutečného života, který umělec viděl a zachytil. Obrázek vypráví o lidském smutku. Edelfelt zobrazoval jednoduchou rodinu nesoucí malou rakev na lodi. Drsná krajina odpovídá náladě lidí, kteří vydávají své dítě na jeho poslední cestě. V jejich truchlivých tvářích a zdrženlivých pohybech se zračí vážný smutek, který se ozývá bílou nehybnou hladinou jezera, jasnou chladnou oblohou a vzdálenými nízkými břehy.

„Pohřeb dítěte“ mu přinesl titul akademika a dílo bylo zakoupeno do soukromé sbírky v Moskvě. Ve stejné době byla uspořádána osobní výstava v Carském Selu a Edelfelt byl představen Alexandrovi III. a Marii Fjodorovně, kteří se také zajímali o malbu.

Umělcova blízkost soudu pomohla popularitě finského malířství v Rusku. Dá se říci, že Edelfelt byl jedním z těch, kteří pro Rusko objevili finské umění.

V roce 1907 se obraz vrátil do Finska a nyní je v muzeu Ateneum v Helsinkách.

Za sebe bych také rád poznamenal, že tento obrázek velmi přesně vyjadřuje finský postoj ke smrti (která je bohužel součástí, poslední částí každého života). Je velmi přísná a zdrženlivá, i zde je vidět rozdíl od Rusů. Ale tato přísnost a zdrženlivost neznamená, že jsou bez emocí, Finové to všechno prostě nosí hluboko v sobě. Hlubší než my Rusové. Ale ani pro ně smutek nepřestává být smutkem.

Pekka Halonen

Tienraivaajia Karjalassa — Stavitelé silnic v Karélii.

Doslova by to byly „čističe silnic v Karélii“.

raivata- dobré sloveso: vyčistit cestu
Nevím, jestli to má s tím slovem něco společného raivo — vztek, šílenství

Ale při pohledu na tento obrázek můžeme předpokládat, že ano.

Na obrázku je další rys Finů - historicky museli žít v extrémně nepříznivém přírodním prostředí, to znamená, že někdy o svou existenci prostě urputně bojovali, odtud pravděpodobně ta vytrvalost, kterou projevují v práci a protivenství. Alespoň to tak bývalo.

Hugo Simberg

Další obraz Huga Simberga – “ Sen«.

Simberg je právem považován za symbolistu, jeho obrazy jsou extrémně otevřené interpretacím.

A přitom je v jeho obrazech vždy něco velmi národního.

Akseli Gallen-Kallela

Poika i varis — Chlapec a vrána.

(1884) Osobně jsem se to mimochodem dozvěděl, až když jsem byl docela starý vrána (varis), relativně vzato, ne manželka/žena vrána (korppi). Ve skutečnosti k takovému zmatku dochází naštěstí pouze v ruském jazyce. Například v ukrajinštině je havran „kruk“ a vrána je „vrána“. V angličtině je slovo pro havrana „raven“ a vrána se nazývá „crow“.

Obraz je nyní v Athenaeu.

Akseli Gallen-Kallela.

Lemminkäisen äiti — Lemminkäinenova matka.
(1897)

Obraz je v Athenaeu v Helsinkách.

Obraz popisuje scénu z Kalevaly, ve které byl zabit a rozřezán Lemminkäinen a části jeho těla vhozeny do temné řeky Tuonela. Hrdinova matka sbírala části těla svého syna hráběmi a sešívala je v jeden celek. Na obraze čeká na včelu - tak vzhlédne - která přinese kouzelný med od staršího boha Ukko, který má vzkřísit Lemminkäinena.

Hugo Simberg
Haavoittunut enkeli - Zraněný anděl
(1903)
Děj filmu se odehrává na rozpoznatelném historickém pozadí: Eleintarha Park (rozsvícená „zoo“) a Töölö Bay v Helsinkách. Na počátku 20. století byl park oblíbeným rekreačním místem zástupců dělnických profesí, sídlily v něm i charitativní instituce. Cesta, po které se postavy pohybují, zůstala zachována dodnes: průvod se po ní ubírá směrem k tehdy existující škole pro nevidomé dívky a útulku pro invalidy.
Obraz zobrazuje dva chlapce nesoucí na nosítkách zženštilého anděla se zavázanýma očima s krvácejícím křídlem. Jeden z chlapců se upřeně a zachmuřeně dívá přímo na diváka, jeho pohled vyjadřuje buď soucit se zraněným andělem, nebo opovržení. Krajina v pozadí je záměrně strohá a rezervovaná, ale působí klidným dojmem. Netriviální děj otevírá prostor pro širokou škálu interpretací. Hrubé oblečení a boty chlapců, jejich zamračené vážné tváře kontrastují s křehkou postavou anděla oděného do světlých šatů, což naznačuje konfrontaci života a smrti, krev na křídle anděla a páska na očích jsou znakem zranitelnost a pomíjivost existence, ale anděl drží v ruce kytici sněženek je symbolem znovuzrození a uzdravení. Zdá se, že život zde je velmi blízko smrti. Jeden z chlapců se obrátil k publiku, prolomil hermetický prostor obrazu, čímž dal jasně najevo, že otázky života a smrti se jich přímo týkají. Sám Simberg odmítl podat jakoukoli interpretaci „Zraněného anděla“ a nechal diváka, aby si vyvodil vlastní závěry.
Obraz měl obrovský vliv na finskou kulturu. Odkazy na něj se nacházejí v mnoha dílech vysokého a populárního umění. Videoklip k písni „Amaranth“ od finské metalové skupiny Nightwish hraje na motiv „Wounded Angel“.

2.


Albert Edelfelt
Pariisin Luxembourgin puistossa - V Lucemburských zahradách Paříže.
(1887)

3.

Akseli Gallen-Kallela
Akka ja kissa - Babička a kočka
(1885)
Obecně platí, že všechny obrazy Gallen-Kallela jsou mistrovská díla; je to skutečně umělec světové třídy.
Tento obraz byl namalován výrazně naturalistickým způsobem, ale přes veškerou svou nepřikrášlenost je plný soucitu a lásky k těm nejprostším a nejchudším lidem.
Obraz získalo Turku Art Museum v roce 1895 a dodnes se tam nachází.
Vždy mám potíže s překladem slova akka – jak „žena“, tak „babička“.

4.

Zde ukážu malou ochutnávku a přidám další obrázek Helene Schjerfbeck - v ruštině čteme její jméno Helena Schjerfbeck.
Existují i ​​slavnější obrazy finských autorů, ale někdy jsou až příliš ponuré.
A tady je paprsek světla a tepla.
Obraz z roku 1882, Tanssiaiskengät - Taneční boty.