Cranach starší Madonna pod jabloní. Madona s dítětem pod jabloní

Obraz „Madona a dítě pod jabloní“ namaloval severorenesanční mistr Lucas Cranach starší ve 20. letech 16. století v době rozkvětu svého talentu. Velikost umělcova obrazu je 53 x 42 cm, olej na plátně; Možná byl obrázek oříznutý. Německý umělec Lucas Cranach zobrazil Madonu v podobě okouzlující pozemské ženy s dítětem v náručí, která se nachází v jabloňovém sadu. Aby umělec zdůraznil roli Matky Boží jako strážkyně světla a radosti světa, umístil neposkvrněnou Pannu Marii s děťátkem na vysokou horu a umocnil perspektivu vzdálenou krajinou na úpatí hor. . Madonna i Ježíšek pozorně hledí z obrazu na diváka, jako by nám dávali najevo, že oni dva již znají svůj předurčený osud a jsou připraveni jej bez stínu pochybností přijmout. Pohled Matky Boží se lehce dotkne smutku, něhy a tichého smutku – ví, že svého syna musí ztratit a znovu ho najít v nebi. Dějiny umění.

celý text

Máte rádi Madonu s dítětem pod jabloní? Můžete si ho koupit jako plátno v bagetě, vytištěné jako zarámovanou fotografii nebo i s naneseným texturovaným gelem, aby vypadal jako originál. Surkov Igor - jeho autor získává z každého prodeje honorář. Objednáním tohoto obrazu z internetového obchodu obrazů, plakátů a reprodukcí „Khudsovet“ pomáháte této osobě vytvářet nová díla

26. března v Puškinově muzeu pojmenovaném po A.S. Pushkin tam byla prohlídka výstavy pořádané na podporu místa"Cranachs." Mezi renesancí a manýrismem" , kde jsou vystaveny obrazy Lucase Cranacha staršího (1472-1553) a představitelů několika generací této slavné dynastie. O výstavě hovořil vedoucí vědecký pracovník katedry umění starých mistrů Vasilij Rastorguev. Nahrála Alexandra Shestakova.

. . .

Tato výstava nejenže poprvé v Rusku představuje dílo jediné umělecké dynastie Cranachů, ale má i přesvědčivý historický důvod. Faktem je, že ve sbírce Puškinova muzea se od roku 1946 dochovala řada děl, která byla dříve součástí sbírky hradu Friedenstein v Gotě, a nyní poprvé po 70 letech nadešel čas ukázat tato díla a na výstavě je zkombinovat s díly, která nám byla k dispozici zapůjčená ze zámku Friedenstein a také z muzeí v Budapešti, Madridu a Berlíně.

Kariéra Lucase Cranacha začíná v roce 1506, kdy se přestěhuje do města Wittenberg a stává se dvorním umělcem saského kurfiřta. Maluje nejen olejomalby, ale také maluje paláce, vytváří kulisy pro divadelní představení a obecně provádí širokou škálu prací, včetně ražby mincí podle vlastních skic a ilustrování knih ve vlastní tiskařské dílně. Lucas Cranach, kromě toho, že je vynikající umělec, se nám dnes jeví jako poměrně podnikavý muž: byl několikrát zvolen starostou města, bydlel v obrovském domě, který mu daroval saský kurfiřt, měl monopol na prodej alkoholu a držel hlavní lékárnu ve městě. V jistém smyslu měl továrnu na malování a jeho metoda, někdy plná opakování, vděčí za svůj původ částečně tomu, že v roce 1509 odcestoval do Nizozemí a seznámil se s technikou kopírování: byla zhotovena reprodukce na transparentní trasování. papír pomocí metody jehlového přenosu obrysu. Je také užitečné pochopit, že Lucas Cranach zaujímá čestné třetí místo v německém malířství po Albrechtu Durerovi a Hansi Holbeinovi. Jestliže je pro nás Dürer nejsofistikovanějším, nejvzdělanějším a „renesančním“ umělcem v Německu, Holbein je také úžasný intelektuál, který komunikoval se spoustou lidí, kteří obsadili důležitá místa v galaxii německých humanistů, pak je Lucas Cranach pro někoho postava. rozsahu přístupnější, široce rozšířený, ale i lidovější - v dobrém slova smyslu tohoto obtížného slova. Bez něj si dnes nelze představit tehdejší malířství a kulturu. Jeho náboženské a světské předměty jsou ve většině muzeí po celém světě. Pamatoval si ho také velké množství portrétů zobrazujících různé historické postavy. Navíc Luthera znal zblízka – a známost se přímo odrážela v jeho malbě. Cranach je pro nás umělec německé reformace, i když pracoval pro katolíky i protestanty. K jeho tvůrčímu vývoji a jeho fázím se zde nejzřetelněji vyjádřil slavný umělecký kritik Max Friedländer, který řekl, že do roku 1506 jsme měli umělce nabitého vnitřním dynamitem, a pak se postupně vytrácí a my se díváme na jeho vysychající tvůrčí sílu a zároveň Zároveň nastal čas zvýšit počet dílenských prací zhotovených podle forem již nalezených Cranachem. I když toto tvrzení, jako každá krásná fráze, je pravdivé jen částečně.

Období renesance v německých zemích mělo své vlastní charakteristiky v důsledku bouřlivých selských válek a procesů reformace. Průkopnické myšlenky Lucase Cranacha ve výtvarném umění přinesly rozdělenému Německu konečné vítězství humanistických ideálů.

Cranachova Madonna je bledá matka krásy s dlouhými, bujně zrzavými vlasy, zlatými vlnami splývajícími přes ramena a hruď. Obraz Matky Boží je v souladu s německým lidovým ideálem krásy, zároveň je podobný Venuši italského malíře Botticelliho, a cudné římské Lukrécii, manželce krále Collatina, a krásné princezně z r. staré německé pohádky.

Ostrá brada, vysoké čelo, bledá pleť, jasně ohraničené rty a úzké, široce rozevřené oči jsou zjevnou poctou tehdy oblíbeným rysům obličeje německých krásek. Oděvy německé renesanční Madony jsou typické pro vrchol společnosti - královské rodiny a aristokraty.

Červený živůtek šatů, tmavě zelená pelerína na ramenou a zlatá látka dlouhých rukávů s kovovým teplým leskem jsou světlé a syté odstíny. Obě ruce drží dítě stojící na jejím klíně a její tvář je klidná, klidná, plná velikosti a nebývalé moudrosti.

Dítě je také světlovlasé, jako jeho pozemská matka. Podobný je i tvar očí a tvar protáhlých uší. V rukou svaté dítě drží bochník chleba a zralé jablko ze stromu, který roste za ním.

Pro renesanční křesťanství to byly symboly smíření za prvotní hřích a dávají plátnu další význam - Ježíšek ví, za jakým účelem přišlo do lidského světa a je připraven přijmout své těžké, ale důležité poslání.

Královský vzhled matky a dítěte, jejich přirozené pózy a moudré smutné pohledy, hledící přímo na umělce, který toto plátno vytvořil, dodávají majestátní a zároveň velmi pozemský vzhled.

V pozadí, hned za Madonou, je jabloň ověšená četnými červenými jablíčky. Tyto plody také nejsou na Cranachově malbě náhodné.

Na jedné straně vytvářejí obyčejnou mírumilovnou krajinu a na druhé straně symbolizují strom, ze kterého Adam s Evou jedli zakázané ovoce a žena se objevuje v podobě nové Evy, přinášející vysvobození z dávného prvotního hříchu. Dále se rozkládá typická saská krajina s horami a starobylým hradem na svahu, zelené údolí s křišťálově čistým jezerem.

Mnoho obrazů Lucase Cranacha staršího je založeno na náboženských tématech a umělecké rysy mistra severní renesance spočívají v tom, že se ve svých plátnech odklonil od klasického obrazového rámce charakteristické pro předchozí epochu a naplnil tak obrazy jako „Madona s dítětem pod jabloní“ s vyspělými myšlenkami doby – humanistickými principy a ideály.

Madonna a dítě
OK. 1525. Olej na dřevě, 58x46. Puškinovo muzeum im. TAK JAKO. Puškin, Moskva.

Lucas Cranach je jedním z nejslavnějších mistrů německé renesance. Malovat se naučil od svého otce. V letech 1502-1503 působil Crannach ve Vídni, později cestoval po Nizozemí a téměř 45 let sloužil u dvora saských kurfiřtů (1505-1550) ve Wittenbergu. Od roku 1520 byl Cranach úzce spojen s M. Lutherem. Umělcovo dílo odráželo mnoho fenoménů, které jsou vlastní německé renesanci. Mistr pracoval v různých žánrech: maloval obrazy na náboženská, mytologická, starověká témata a také portréty. Jako mnoho renesančních mistrů se Cranach zabýval rytím, především technikou dřevořezu. Obraz „Madona s dítětem“ pochází z vyzrálého období Cranachovy tvorby, kdy umělec identifikoval zvláštní, rozpoznatelný typ v zobrazení ženské tváře, mírně vyvýšené lícní kosti, s protáhlým tvarem očí, jemně ohraničeným obočím - druh kánonu ženské krásy, který se opakoval v madonách, které zobrazoval ve dvacátých letech 16. století. Malba nebyla zcela zachována, část desky byla odříznuta (za jakých okolností není známo). Madona je zobrazena na pozadí vinné révy (vinice) - symbolu pravé Kristovy církve. Další slavná díla: "Soud z Paříže". 1529. New York, Metropolitní muzeum umění; "Madona a dítě pod jabloní." Ermitáž, Petrohrad; "Venuše a Amor". 1509. Ermitáž, Petrohrad.

Aby viděli mistrovská díla světové úrovně, mnozí se snaží jít do zahraničních muzeí. Ne každý však ví co Vincent van Gogh není nutné jezdit do vzdáleného Amsterdamu, ale za Edgar Degas- v Paříži. Naopak milovníci malby z různých zemí speciálně létají do Moskvy, aby navštívili Státní muzeum výtvarných umění. TAK JAKO. Puškina ocenit jednu z největších uměleckých sbírek zahraničního umění. Dnes sbírka Puškinova muzea obsahuje asi 700 tisíc děl z různých období - AiF.ru hovoří o nejslavnějších mistrovských dílech stálé expozice.

Kde je:

Puškinovo muzeum ukrývá 7 obrazů od Van Gogha, včetně jednoho z jeho nejslavnějších děl, „Red Vineyards in Arles. Montmajour." Dlouho se věřilo, že se jedná o jediné dílo, které se slavnému postimpresionistovi podařilo během svého života prodat. Ve skutečnosti jich bylo více a krajinu „Red Vineyards in Arles“ koupil Belgičan umělkyně Anna Bosch. Poté Van Gogh psal s potěšením svému bratr Theože se jeho obrazy konečně začaly kupovat.

Poprvé byly „Červené hrozny“ vystaveny na výstavě Symbolist v Bruselu, kde upoutaly pozornost svými jasnými barvami a znepokojivým emocionálním stavem. Když se na malbu podíváte pozorně, můžete vidět, že slunce jako by bylo vytesáno tahy štětcem. Je zřejmé, že holandský umělec vymačkal barvu přímo na plátno.

Kde je: Oddělení umění evropských a amerických zemí 19.-20. století - sál „Galerie umění evropských a amerických zemí 19.-20. století“.

Pablo Picasso je dnes považován za jednoho z nejdražších umělců na světě a jeho slavný obraz „Girl on a Ball“ je dalším zdrojem hrdosti Puškinova muzea.

Obraz španělského mistra zachycuje putující skupinu akrobatů. Téměř celé plátno zabírají dva lidé: křehká gymnastka balancující na míči a mohutná atletka, díky níž umělkyně rozehrává kontrast pohybu a klidu.

V roce 1913 obraz získala v Paříži jedna Moskva podnikatel Ivan Morozov, a v roce 1948 skončil ve sbírce Puškinova muzea. Je pozoruhodné, že kvůli své hodnotě „Girl on a Ball“ velmi zřídka opouští naši zemi. Například Picasso osobně kontaktoval muzeum s žádostí o dočasné odstranění obrazu, aby jej mohl prezentovat na jedné ze svých posledních osobních výstav, ale sovětští představitelé autora odmítli. Teprve v roce 2011, kdy se v Rusku konal Rok Španělska, byl obraz převezen do muzea Prado v Madridu.

Kde je: Oddělení umění evropských a amerických zemí 19.-20. století - sál „Galerie umění evropských a amerických zemí 19.-20. století“.

Jeden z nejoblíbenějších modelů slavného Francouze Pierra Auguste Renoira v 70. letech 19. století byl Zhanna Samari. Renoir namaloval mladou herečku divadla Comedie Française čtyřikrát, ale portrét, který je uložen v Puškinově muzeu, je uměleckou kritikou jednomyslně označován za nejlepší (ačkoli je považován za přípravnou skicu pro její velký slavnostní portrét, který je dnes uložen v Ermitáži ).

„Její radostný smích, její okouzlující dětská povaha, její sladké vtipy, všechno na ní přitahovalo Renoira, který nikdy neudělal portrét s větším potěšením než tento,“ vzpomíná. Renoirův přítel Georges Riviere.

Je známo, že původní obraz má neobvyklý optický efekt, který reprodukce nedokážou přenést: při pohledu z určitého úhlu se Jeanneovy zelené šaty zbarví do modra.

Kde je: Hlavní budova Puškinova muzea pojmenovaná po. TAK JAKO. Puškin - sál č. 8.

„Madonna a dítě“ je jedním ze tří mistrovských děl Lucase Cranacha staršího, uložených v Puškinově muzeu. Obraz byl namalován již ve 20. letech 16. století a k nám se dostal poškozený (spodní a pravá část kompozice zobrazující altán propletený hrozny se ztratila).

Slavný německý mistr namaloval Madonu k obrazu nejobyčejnější pozemské ženy. Obraz si však zachoval běžné křesťanské symboly: vinná réva je pravou církví, hrozny, kterých se dítě dotkne, je jeho budoucí obětní smrt, proud vody tryskající ze skály je zdrojem nového života.

Kde je: Oddělení umění evropských a amerických zemí 19.-20. století - sál „Galerie umění evropských a amerických zemí 19.-20. století“.

Slavný Francouz Edgar Degas se o krajiny nezajímal, maloval výjevy z běžného života a balet se stal jedním z jeho oblíbených témat.

Nejslavnější „baletní“ obraz umělce je považován za „Modré tanečnice“, které jsou dnes ve druhém patře Puškinova muzea. Poprvé, co vidí plátno tak blízko, si diváci všimnou, že pohyby tanečníků vytvářejí pocit tance, takže je těžké říci, zda obraz zobrazuje čtyři baletky, nebo zda jde o stejnou tanečnici, ale v různých zatáčkách. Obraz navíc vypadá jako rám, který nedokázal obsáhnout vše, co se dělo. Předpokládá se, že to bylo způsobeno umělcovou vášní pro fotografii, ale současníci se Degasovu způsobu smáli a připisovali mu „neschopnost“ udržet se v rozměrech plátna.

Kde je: Oddělení umění evropských a amerických zemí 19.-20. století - sál „Galerie umění evropských a amerických zemí 19.-20. století“.

Ve stálé sbírce Puškinova muzea můžete vidět více než 10 děl jednoho ze zakladatelů impresionismu Clauda Moneta. Ale mezi nimi je jeden, který není náhodou zaměňován se stejnojmenným obrazem Edouard Manet- "Snídaně v trávě."

Monet koncipoval obrovské plátno (více než šest metrů široké) pro účast na Salonu v roce 1866 na stejné téma, s nímž jeho kolega před pár lety pořádně zahýbal. Pokud ale Manet zobrazil piknik za účasti oblečených pánů a nahých dam, Monet plánoval skandál jiného druhu - vytvořit impresionistický obraz, který by na Salonu získal oficiální uznání. Ze svých přátel dělal hrdiny svého plátna (jeden z nich je vyobrazen dokonce dvakrát) a převážně si bral ženské modely z obálek módních časopisů.

V předvečer výstavy však umělec, nespokojený se svou prací, opustil téměř dokončené monumentální plátno a rozřezal plátno na tři části (dva dochované fragmenty jsou v muzeu Orsay v Paříži). Později se mistr k tomuto tématu vrátil a napsal menší verzi skladby, která skončila ve sbírce Puškinova muzea.

Kde je: Hlavní budova Puškinova muzea pojmenovaná po. TAK JAKO. Puškin - sál č. 10.

„Artaxerxes, Haman a Esther“ je Rembrandtův nejvíce „trpící“ obraz. V roce 1819 byl poškozen při požáru, po kterém byl přenesen na nové plátno a čtyřikrát restaurován.

Obraz největšího představitele zlatého věku nizozemského malířství přišel do Puškinova muzea v roce 1924 a vznikl v posledním desetiletí mistrova života. Vychází z biblického příběhu: manželka perského krále Artaxerxa, Židovka Ester, obviní během hostiny králova oblíbeného dvořana Hamana, že chce vyhubit její lid. Ne náhodou jsou na hodovním stole jablka a hrozny, symboly hříchu a vykoupení, a kulatý talíř, na kterém se jablko kutálí, připomíná Kolo štěstí.

Historici umění uznávají, že Rembrandtův génius se vyvíjel vzestupným způsobem a poslední umělcova díla jsou jedinečná. Umělce přitahují okamžiky nejsilnějších lidských zážitků, a proto obrazy z posledního období Rembrandtova díla – „Artaxerxes, Haman a Ester“ (1660), „Zapření apoštola Petra“ (1660), „The Návrat marnotratného syna“ (1666/1669), „Židovská nevěsta“ (1665) – plné dramatického napětí.