francouzští cembalisté. francouzští skladatelé

Tradice francouzské hudební kultury se začaly zakládat ještě před 15. stoletím. S jistotou se ví, že byl značně ovlivněn kulturami germánských a keltských kmenů žijících na území moderní Francie. Rozvoj hudby v této zemi probíhal v interakci s kreativitou národů sousedních zemí – Italů a Němců. Proto se francouzské hudební dědictví ukázalo být tak pestré a rozmanité.

Origins

Zpočátku se ve Francii dostala do popředí lidová hudba, bez které si běžní lidé neuměli představit svou existenci. S příchodem křesťanství se zrodila církevní hudba, která se postupně začala pod vlivem lidu měnit.

Nejslavnější spisovatelka liturgií té doby se jmenuje Hilaria z provincie Poitiers. Žil ve 3. století a byl nejchytřejším teologem a učitelem církve.

Kolem 10. století si světská hudba začala získávat na popularitě. Provádí se na feudálních dvorech, na náměstích velkých měst a v klášterech. Mezi nástroje patří buben, flétna, tamburína a loutna.

12. století bylo poznamenáno otevřením hudební školy v Notre Dame, velké pařížské katedrále. Jeho skladatelé se stali tvůrci nových hudebních žánrů (dirigování, moteta).

Nejvýznamnějším hudebníkem se ve 13. století stal Adam de la Al, který přehodnotil práci trubadúrů a ustoupil skutečnému hudebnímu umění. Jeho nejzajímavějším výtvorem je „Hra Robina a Marion“. Stal se autorem poezie i hudby k této hře, která byla úspěšně uvedena na dvoře hraběte z Artois.

Ars nova - směr evropské hudby, který se rozvíjel ve Francii, se stal ztělesněním nových myšlenek hudebníků. Hlavními teoretiky tohoto období se stali francouzští skladatelé Guillaume de Machaut a Philippe de Vitry. De Vitry napsal hudební doprovod k básni „Fauvelova romance“, de Machaut se stal autorem „Mše Notre Dame“. Toto je první dílo napsané jedním skladatelem a ne ve spolupráci s někým jiným.

renesance

Od poloviny 15. do druhé poloviny 16. století se francouzská hudba rozvíjela pod vlivem nizozemské školy a takových vnitropolitických změn, jako byla válka za sjednocení Francie, vznik centralizovaného státu a vznik buržoazie.

Pod vlivem skladatelů jako Gilles Benchois, Josquin Depres, Orlando di Lasso se ve francouzském hudebním umění formuje nová vrstva. Královský dvůr nestojí stranou. Objevují se tam kaple a je zřízena funkce hlavního intendanta hudby. Prvním byl italský houslista Baltazarini di Belgioiso.

Rozkvět národní hudební kultury nastal v 16. století, kdy se jako žánr prosadil šanson a významnou roli získala varhanní hudba. Zakladatelem a ideologem tohoto trendu se stal Jean Titlouz.

Tvorba hugenotů byla rozšířená, ale kvůli náboženským sporům byla odsunuta do pozadí. Francouzští skladatelé, největší představitelé této vrstvy Claude Goudimel a Claude Lejeune, se stali autory stovek žalmů. Oba trpěli během Bartolomějské noci.

17. století

Hudba tohoto století se vyvíjela pod vlivem nastolené absolutní monarchie. Život na dvoře za Ludvíka 15 byl proslulý svou okázalostí a hojností. Není proto divu, že se mezi jinými zábavami objevily tak důležité žánry jako opera a balet.

Kardinál Mazarin obhajoval rozvoj vytříbeného umění. Jeho italský původ se stal důvodem popularizace kultury této země ve Francii. První pokusy o vytvoření národní opery patřily Elisabeth Jacquet de la Guerre, která napsala Cephala a Prokrise v roce 1694.

Královská opera, otevřená v roce 1671, dala zemi skvělé skladatele. Marc-Antoine Charpentier vytvořil stovky děl, včetně oper „Orfeův sestup do pekla“, „Medea“ a „Soud z Paříže“. Andre Campra je autorem opery a baletu „Gallantní Evropa“, „Karneval v Benátkách“, hudebních tragédií „Iphigenia in Tauris“, „Achilles a Deidamia“.

17. století bylo obdobím formování francouzské školy cembalistů. Mezi jeho účastníky patří Chambonnière a Jean-Henri d'Anglebert.

18 století

Hudební a společenský život se v tomto století dramaticky mění. Koncertní činnost přesahuje soud. Od roku 1725 se v divadlech pořádaly pravidelné veřejné koncerty. V Paříži byly založeny spolky „Amatérské koncerty“ a „Přátelé Apolla“, kde si amatéři mohli užít představení instrumentální hudby.

Cembalová suita dosáhla svého vrcholu ve 30. letech. François Couperin napsal pro cembalo více než 250 skladeb a proslavil se nejen ve své rodné zemi, ale i v zahraničí. Produkoval také královské opery a díla pro varhany.

Pro hudbu 18. století má velký význam dílo Jeana Philippe Rameaua, který byl nejen talentovaným skladatelem, ale i významným teoretikem ve svém oboru. Mezi moderními režiséry jsou také žádané jeho lyrické tragédie „Castor a Pollux“, „Hippolytus a Arisia“ a baletní opera „The Gallant Indians“.

Téměř všechna hudební díla až do poloviny 18. století byla buď církevní nebo mytologická. Nálada ve společnosti si ale žádala nové interpretace a žánry. Na tomto základě si získala oblibu opera buffa, která ze satirické stránky ukazovala vysokou společnost a královskou moc. První libreta pro takové opery napsal Charles Favard.

Velký vliv na operní styl a hudebně teoretický základ tohoto žánru měli francouzští skladatelé 18. století.

19. století

Velká francouzská revoluce přinesla významné změny v hudební kultuře. Do popředí se dostala vojenská dechová hudba. Pro výcvik vojenských hudebníků byly otevřeny speciální školy. V opeře nyní dominovala vlastenecká témata s novými národními hrdiny.

Období restaurování bylo poznamenáno vzestupem romantické opery. Nejvýraznějším představitelem této doby je francouzský skladatel Berlioz. Jeho prvním programovým dílem byla Fantastická symfonie, která odrážela přehnanou emocionalitu a typickou náladu doby. Stal se tvůrcem dramatické symfonie „Romeo a Julie“, předehry „Král Lear“, opery „Benvenuto Cellini“. Ve své rodné zemi byl Hector Berlioz hodnocen nejednoznačně. Bylo to kvůli zvláštní tvůrčí cestě, kterou si pro sebe zvolil. Jeho díla jsou plná neuvěřitelných orchestrálních efektů, které skladatel jako první použil mezi francouzskými hudebníky.

Polovina 19. století byla ve znamení počátku rozvoje operety v zemi. Ale již v 70. letech 19. století se dostává do popředí hudba lyrická, ovšem s realistickými tendencemi. Charles Gounod je považován za zakladatele tohoto žánru. Jeho opery – „Neochota doktora“, „Faust“ a „Romeo a Julie“ – vyjadřují všechny inovativní skladatelovy pokroky.

Desítky děl významných pro kulturu Francie vytvořil Georges Bizet, který žil krátký život. Od 10 let studoval na konzervatoři a hned od začátku dělal velké pokroky. Zvítězil v několika významných hudebních soutěžích, což mu umožnilo odjet na několik let do Říma. Po svém návratu do Paříže začíná Georges Bizet pracovat na opeře svého života – Carmen. Jeho premiéra se konala v roce 1875. Veřejnost toto dílo nepřijala ani nepochopila. Skladatel zemřel téhož roku, aniž by viděl triumf Carmen.

V posledních letech 19. století psali francouzští skladatelé pod vlivem německých, zejména Richarda Wagnera.

20. století

Nové století bylo ve znamení šíření impresionismu v hudební kultuře. Přívrženci tohoto stylu se stali velcí francouzští skladatelé. Nejbystřejší byl C. Debussy. Jeho tvorba odrážela všechny hlavní rysy, které jsou tomuto směru vlastní. Estetika impresionismu nezůstala stranou od jiného Francouze. Maurice Ravel ve svých dílech mísil různé stylové trendy své doby.

20. století bylo obdobím vzniku tvůrčích sdružení, jejichž členy byli umělci. Slavná „francouzská šestka“, vytvořená pod vedením Erika Satieho a Jeana Cocteaua, se stala nejmocnějším společenstvím skladatelů té doby.

Sdružení získalo svůj název podle analogie s Ruským svazem skladatelů - Mocná hrstka. Svedla je touha distancovat se od cizího vlivu (v tomto případě německého) a rozvíjet národní vrstvu tohoto umění.

Sdružení zahrnovalo Louis Durey ("Lyrické obětiny", "Autoportréty"), Darius Milhaud (opera "Vinná matka", balet "Stvoření světa"), Arthur Honegger (opera "Judith", balet "Shota Rustaveli" ), Georges Auric (hudba k filmům „Princezna z Cleves“, „Římské prázdniny“), Francis Poulenc (opera „Dialogy karmelitánů“, kantáta „Un ballo in maschera“) a Germaine Taillefer (opera „Malá mořská víla“ “, balet „Prodavač ptáků“).

V roce 1935 se zrodil další spolek – Mladá Francie. Jeho účastníky byli Olivier Messiaen (opera "Sv. František z Assisi"), Andre Jolivet (balety "Kráska a zvíře", "Ariadna").

Po roce 1950 se objevilo takové nové hnutí jako hudební avantgarda. Jeho významným představitelem a inspirátorem byl Pierre Boulez, který studoval u Messiaena. V roce 2010 byl zařazen mezi dvacet nejlepších světových dirigentů.

Rozvoj moderního umění ve Francii napomohly inovativní aktivity takových pilířů akademické hudby jako Debussy a Ravel.

Debussy

Achille-Claude Debussy, narozený v Saint-Germain-en-Laye, cítil touhu po kráse od raného dětství. Již v 10 letech vstoupil na pařížskou konzervatoř. Studium pro něj bylo snadné, chlapec dokonce vyhrál malou interní soutěž. Ale Claude byl zatížen hodinami harmonie, protože učitel nebyl přátelský k chlapcovým experimentům se zvuky.

Po přerušení studií se Claude Debussy vydal na výlet s majitelem půdy z Ruska N. von Meckem jako domácí pianista. Čas strávený na ruské půdě měl na Clauda blahodárný vliv. Užíval si díla Čajkovského, Balakireva a dalších skladatelů.

Po návratu do Paříže pokračoval Debussy ve studiu na konzervatoři a psaní. Stále si tvoří svůj vlastní styl. Zlomem v Claudově životě bylo jeho seznámení s E. Satie, který svými inovativními nápady ukázal cestu začínajícímu skladateli.

Debussyho vyzrálý styl nabral plnou podobu v roce 1894, kdy napsal „Odpoledne fauna“, svou slavnou symfonickou předehru.

Zámotek

Maurice Ravel se narodil na jihu Francie, ale v mladém věku se přestěhoval do Paříže, aby se naučil své oblíbené řemeslo. Jeho učitelem byl francouzský skladatel-pianista Charles de Bériot.

Stejně jako u Debussyho byl Maurice velmi ovlivněn setkáním s Erikem Satie. Po ní začal Ravel skládat s obnovenou vervou, inspirován skladatelovými projevy a nápady.

Ještě během studií na konzervatoři napsal Ravel řadu děl na španělské motivy („Habanera“, „Ancient Menuet“), která byla vřele přijata kolegy hudebníky. Skladatelův styl si z něj však kdysi udělal krutý žert. Ravel se nemohl zúčastnit soutěže o prestižní Římskou cenu s odkazem na věkové omezení. Skladatel však ještě nedosáhl 30 let a mohl v souladu s pravidly odevzdat svou skladbu. V roce 1905 to vyvolalo v hudebním světě obrovský skandál.

Po první světové válce, ke které se Ravel přihlásil, byl v jeho dílech za hlavní považován emocionální princip. To vysvětluje ostrý přechod od psaní oper k instrumentálním dílům (suita „Tomb of Couperin“). Spolupracuje také se Sergejem Diaghilevem a píše hudbu pro balet Dafnis a Chloe.

Zároveň skladatel začíná pracovat na svém nejvýznamnějším díle - "Bolero". Hudba byla dokončena v roce 1928.

Posledním dílem Maurice Ravela byly „Tři písně“, napsané pro Fjodora Chaliapina.

Legrand

Pro ruského diváka zní jméno jednoho francouzského skladatele velmi povědomě. To je Michel Legrand, který vytvořil hudbu ke kultovním filmům.

Michel Jean se narodil v rodině dirigenta a klavíristy. Od dětství byl chlapec fascinován hudebním uměním, a proto vstoupil na pařížskou konzervatoř. Po dokončení studií odjel do USA, kde začal psát hudbu k filmům.

Ve Francii spolupracoval se slavnými režiséry Jean-Lucem Godardem a Jacquesem Demym. Jeho nejoblíbenějším dílem je hudba k filmu „Umbrellas of Cherbourg“.

Psal jazzovou hudbu. Od 60. let působil v Hollywoodu. Mezi skladatelova slavná díla patří hudba k „Aféra Thomase Crowna“ a „Odvrácená strana půlnoci“. Michel Legrand je trojnásobným držitelem Oscara.

21 století

Akademická hudba je ve Francii stále žádaná. Za úspěchy v této oblasti existuje nespočet festivalů a ocenění. V Paříži, která je kulturním centrem země, se nachází Národní konzervatoř, Opera Bastille, Opera Garnier a Théâtre des Champs-Élysées. Existují desítky orchestrů známých po celém světě.

Hudba francouzských skladatelů se dostává do povědomí široké veřejnosti díky kinematografii. Kromě opery a symfonické hudby píší také pro filmy. Jde především o díla pro francouzský filmový průmysl, ale někteří skladatelé dosahují i mezinárodní úrovně. Nejúspěšnější žijící francouzští skladatelé 21. století jsou:

Antoine Duhamel ("Ukradené polibky", "Belle Epoque").
Maurice Jarre (Doktor Živago, Procházka v oblacích).
Vladimír Kosma ("Injekce s deštníkem", "Tátové").
Bruno Coulet („Belphegor fantom z Louvru“, „Sboristé“).
Louis Aubert (opery "Modrý les", "Okouzlující noc").
Philippe Sard ("D'Artagnanova dcera", "Princezna de Montpensier").
Eric Serra (soundtracky pro "Leon", "Joan of Arc", "The Fifth Element").
Gabriel Yared (Anglický pacient, Cold Mountain).

Zpráva o dějinách věd

dále téma „Hudba Francie v 18. století“

Student 10. třídy Fyzikálně-matematické fakulty

Lyceum č. 1525 „Vrabčí vrchy“

Kazakova Filipa.

První věc, kterou je třeba říci o hudbě Francie v 18. století, je to
na rozdíl od předních zemí na poli hudby (jako je Německo,
Rakousko, Španělsko a Itálie), Francie se již nemohla pochlubit
množství zvláště slavných skladeb, ani interpretů, ani bohatých
sortiment slavných děl. Nejslavnější Francouz
Gluck je považován za skladatele té doby, ale byl také z Německa.
Tato situace byla částečně diktována zájmy společnosti, které určovaly
styly hudby. Podívejme se na vývoj hudby v 18. století.

Na počátku století byl nejoblíbenějším hudebním stylem sentimentální
klasicismus. Byla to pomalá, pohodová hudba, nijak zvlášť složitá.
Hrálo se na smyčcové nástroje. Obvykle doprovázela plesy a hostiny,
ale rádi ji také poslouchali v uvolněné domácí atmosféře.

Poté se do loutnové hudby začaly včleňovat rysy a techniky rokoka, jako např
jako trylek a vlajka. Získalo to složitější vzhled, muzikál
fráze se staly složitějšími a zajímavějšími. Hudba se více odpojila od
realita, fantastičtější, méně správná, a tudíž bližší
k posluchači.

Blíže ke druhé polovině 18. století se do něj začlenily prvky rokoka
hudba, která začala nabírat určitou orientaci. Ano, brzy
V hudbě se jednoznačně vyprofilovaly dva směry: hudba k tanci a
hudba ke zpěvu. Plesy doprovázela taneční hudba, hudba pro
zpěv zněl v důvěrném prostředí. Často aristokraty
rád zpíval za zvuků domácího cembala. Zároveň se objevil
nový divadelní žánr, komedie-balet, který spojoval dialog, tanec a
pantomima, instrumentální, někdy vokální hudba. Jeho tvůrci jsou J.
B. Moliere a skladatel J. B. Lully. Výrazný vliv na to měl žánr
následný rozvoj francouzského hudebního divadla.

V návaznosti na jemnější oddělení hudebních žánrů, počátky
objeví se pochodová hudba. Byla to drsná, hlasitá a hlučná hudba. V
V této době bicí nástroje (bicí a
činely), které udávají rytmus, čímž ochuzují dílo
individualita výkonu. Ty se také hojně využívaly
nástroje jako trubka, která sloužila hlavně k vylepšení celku
hlasitost hudby. Je to právě díky vzhledu bubeníků a hlasité
nástroje Francouzská hudba konce 18. století se podle mého názoru stala
zvláště primitivní a nijak výjimečné. Vrcholem pochodové hudby byla
vzhled díla „Marseillaise“, které napsal Rouget De Lisle v roce 1792
rok.

Rouget De Lisle Claude Joseph (1760-1836) francouzský vojenský inženýr, básník a
hudební skladatel. Psal hymny, písně, romance. V roce 1792 napsal skladbu
„La Marseillaise“, která se později stala hymnou Francie.

Couperin François (1668-1733) - francouzský skladatel, cembalista,
varhaník. Z dynastie srovnatelné s německou Bachovou, jelikož v r
jeho rodina zahrnovala několik generací hudebníků. Couperin dostal přezdívku
"velký Couperin" částečně díky svému smyslu pro humor, částečně díky
charakter. Jeho dílo je vrcholem francouzského cembalového umění.
Couperinova hudba se vyznačuje melodickou vynalézavostí, grácií,
dokonalost detailů.

Rameau Jean Philippe (1683-1764) - francouzský skladatel a muzikál
teoretik. S využitím úspěchů francouzského a italského muzikálu
kultur, výrazně upravil styl klasicistní opery, připravil
operní reforma K. V. Glucka. Napsal lyrické tragédie „Hippolytus a
Arisia" (1733), "Castor a Pollux" (1737), opera-balet "Gallant India"
(1735), kusy cembala a další. Jeho teoretické práce jsou
významný stupeň ve vývoji nauky o harmonii.

Gluck Christoph Willibald (1714-1787) - slavný francouzsko-německý
hudební skladatel. Jeho nejznámější aktivity byly spojeny s Paříží
operní scénu, pro kterou napsal svá nejlepší díla
Francouzská slova. Proto to Francouzi považují za francouzštinu
hudební skladatel. Jeho četné opery: „Artaserse“, „Demofonte“,
„Fedra“ a další byly uvedeny v Miláně, Turíně, Benátkách, Cremoni.
Poté, co Gluck obdržel pozvání do Londýna, napsal dvě
opery: „La Caduta de Giganti“ (1746) a „Artamene“ a operní směs
(pasticcio) "Pyram." To poslední mělo velký vliv na
Gluckovy další aktivity. Všechny opery, které měly obrovský úspěch
Gluck, byly psány podle italské předlohy, sestávaly z řady árií; PROTI
Gluck se textu příliš nevěnoval. Jeho opera „Pyram“ he
sestavené z úryvků z předchozích oper, které měly největší úspěch,
úpravou dalšího textu nového libreta těmto pasážím. Selhání tohoto
opery přivedly Glucka k myšlence, že pouze takový druh hudby může produkovat
správný dojem, který je v přímé souvislosti s textem.
Této zásady se začal držet ve svých dalších dílech,
postupně získávat vážnější postoj k deklamaci,
propracovat recitativ arioso do nejmenších detailů a nezapomenout na to
recitace i v áriích.

Touha po úzkém propojení textu a hudby je patrná již v
"Semiramis" (1748). Ale skladatelův hmatovější obrat k opeře,
jako hudební drama, patrné v „Orfeo“, „Alceste“, „Paride ed Elena“
(1761 - 64), inscenovaný ve Vídni. Reformátor Gluckovy opery je
v „Iphigenie en Aulide“, uvedené v Paříži s obrovským úspěchem (1774).
Byly také uvedeny: „Armide“ (1777) a „Iphigenie en Tauride“
(1779) -

Gluckovo největší dílo Poslední G. operou byla „Echo et
Narcisse." Kromě oper psal Gluck symfonie, žalmy a další. Každý
Gluck napsal více než 50 oper, intermezzí a baletů.

Na závěr bychom měli ještě jednou zdůraznit jednostrannost francouzské hudby
18. století. Hudební tvořivost byla jako řemeslo nebo snadné
hobby. Pro řemeslo, protože všechna díla jsou téměř stejného typu a
navzájem podobné. Na koníčka, protože skladatelů je mnoho
studoval hudbu jednoduše ve svém volném čase, čímž naplnil svou image
volný čas. Nazvěte tuto činnost profesionální kreativní tvorbou.
je to zakázáno. Dokonce i nejslavnější skladatel ve Francii v té době, Gluck
(který mimochodem nebyl zrovna francouzský skladatel),
kritici ho nazývají skladatelem jednoho díla. K dispozici v
pohled "Orfeus a Eurydika".

Prameny:

Velká encyklopedie Cyrila a Metoděje,

Encyklopedie klasické hudby,

Brockhaus a Efron,

klasická hudba (manuál),

Internet,

Kompetentní muzikoložka Natalya Bogoslavskaya.

„Marseillaise“ je francouzská revoluční píseň.
Nejprve nazvaná „Bojová píseň Rýnské armády“, poté „Pochod
Marseille“ nebo „Marseillaise“. Za třetí republiky se stalo
státní hymna Francie (od 14. července 1975 uváděná v nov
hudební vydání). V Rusku „Pracovat
Marseillaise“ (melodie „Marseillaise“, text P. L. Lavrova, vyd
noviny "Vpřed" 1.7.1875).

HARMONIE, výrazové prostředky hudby založené na unifikaci
tónů do konsonancí a spojování konsonancí v jejich sekvenčním pohybu.
Hlavním typem souzvuku je akord. Harmonie se buduje podle určitých
zákony harmonie v polyfonní hudbě jakéhokoli typu - homofonie,
polyfonie. Prvky harmonie – kadence a modulace – jsou nejdůležitějšími faktory
hudební forma. Doktrína harmonie je jednou z hlavních částí teorie
hudba.

Oděská státní hudební akademie pojmenovaná po. A.V. Nezhdanová

Abstrakt na téma:

"francouzští cembalisté"

Studenti 1. subkurzu

vokální a sborová fakulta

specializace "Sólový zpěv"

Bessarab Antonína.

Učitel: Polevoy O.G.

Oděsa 2011

Abstraktní plán

Úvod

O cembalu

Další cesta francouzské školy cembalistů

Vrchol francouzské cembalové školy

Cembalisté - současníci F. Couperina

Jean-Philippe Rameau (francouzsky: Jean-Philippe Rameau; 25.09.1683, Dijon - 9.12.1764, Paříž)

Závěr

Bibliografie

Úvod

Formování stylu klavírní hudby probíhá asimilací a postupným překonáváním tradic varhanní a loutnové hudby. Vznik nejjednoduššího repertoáru klavichordů či cembal by se měl datovat do 13.–16. století. Klávesová hudba však dosud nenabyla samostatného významu, hudebníci nepřemýšleli o speciálních technikách jejího provedení nebo složení. Styl klavírní hudby jako takový nebyl současníky vnímán minimálně do poslední čtvrtiny 16. století. Klavírní hudba získala svou nezávislost jako čistě sekulární oblast umění. Pokud vykazovala stopy spojení s varhanními žánry, pak se to projevilo pouze v pěstování velkých forem (fantasy, toccaty), které v průběhu 17. století netvořily základ klavírního repertoáru. Repertoár loutnové hudby přímočařeji zdědilo cembalo, které v řadě zemí postupně nahradilo loutnu z domácího použití.

Clavier (německy: Klavier) je obecný název pro strunné klávesové hudební nástroje v 17.–18. století. Hlavní typy kláves, kterými se Bach ještě zabýval, byly známy již v 16. století: cembalo (při úderu do klávesy se struny dotklo pero) a klavichord (úder na strunu kovovou tangentou z téhož foukat). Tyto rysy zvukové produkce (štípnutí nebo úder) určovaly hlavní rozdíly v témbru, síle a trvání zvuku těchto nástrojů. Cembalo mělo silnější, ale překotný zvuk a bylo častěji používáno pro hraní na koncertech a pro doprovod v orchestrech. Doma většinou používali klavichord – malý nástroj se slabým, ale přesto trvajícím zvukem.

Než se ve Francii objevila velká a dlouho vlivná tvůrčí škola cembalistů, charakteristický vzhled hudby pro klavír se poprvé objevil v umění anglických virginalistů konce 16. a počátku 17. století (William Byrd, John Bull, Thomas Morley, Orlando Gibbons). Stalo se tak v éře Shakespeara, v době rozkvětu humanistické literatury v Anglii, v době vítězství světského umění. V době Purcella začala anglická kreativní škola interagovat s dalšími kreativními trendy, které se vyvinuly v západní Evropě.

Od poloviny 17. století rostl význam školy francouzských cembalistů, která se pak dostala do popředí ve vývoji této oblasti hudebního umění. Za jejího zakladatele je považován Jacques Chambonnière. Jeho historie trvá téměř sto let a končí díly J.F. Rameau a jeho mladší současníci. Koncem 17. století se staly zřejmými úspěchy cembalových skladatelů v některých dalších zemích západní Evropy.

Školu francouzských cembalistů reprezentují jména L. Marchand, J.F. Dandrieu, F. Dazhenkura, L. - C. Daquin, Louis Couperin. Tito skladatelé byli nejúspěšnější v půvabně pastoračních obrazech ("Kukačka" a "Vlaštovka" od Dakena; "Ptačí pláč" od Dandrieu). Francouzská cembalová škola dosáhla svého vrcholu v tvorbě dvou géniů - Françoise Couperina (1668-1733) a jeho mladšího současníka Jeana Philippe Rameaua (1685-1764).

Francouzská cembalová hudba byla v prvních fázích vývoje v těsném kontaktu s tradicemi francouzských loutnistů, kteří v té době dosáhli velké dokonalosti kompozice, jemnosti a vytříbenosti stylu. Loutnová hudba poloviny 17. století nezůstala ve Francii pouze lidovým uměním. Největší loutnističtí skladatelé té doby vystupovali ve šlechtických salonech, byli ovlivněni hudbou dvorního baletu, dodávali svým tanečním dílům spíše stylizovaný než každodenní charakter a snažili se jim dát novou emocionální expresivitu.

O cembalu

Cembalo (italsky clavicembalo) je klávesový drnkací strunný hudební nástroj. Provázek v něm cuká jazýčkem z peříčka (nyní z plastu). Nejstarší zmínka o nástroji cembalového typu se objevuje v Dekameronu od Giovanniho Boccaccia, vydaném v roce 1354, stejně jako v prameni z roku 1397 z Padovy (Itálie), nejstarší známý obraz je na oltáři v Mindenu (1425), prvním popis s ilustrativními kresbami vytvořil Henri Arnaud de Zwolle v roce 1436. Cembalo zůstalo používáno jako sólový nástroj až do konce 18. století. O něco déle se používal k provádění digitálních basů, k doprovodu recitativů v operách. Kolem roku 1810 se prakticky přestal používat. Oživení kultury hry na cembalo začalo na přelomu 19. - 20. století. Iniciátorem oživení nástroje byl A. Dolmech. Své první cembalo postavil v roce 1896 v Londýně a brzy otevřel dílny v Bostonu, Paříži a Haslemere.

Cembalo má tvar podlouhlého trojúhelníku. Jeho struny jsou umístěny vodorovně, rovnoběžně s klávesami. Pro registraci, tedy změnu síly a zabarvení zvuku, se používají ruční a nožní spínače. Plynulé zvyšování a snižování hlasitosti na cembale je nemožné. V 15. století byl rozsah cembala 3 oktávy (ve spodní oktávě chyběly některé chromatické tóny); v 16. století se rozšířil na 4 oktávy (C - c), v 18. století - na 5 oktáv (F - f). Cembalo mělo několik odrůd v různých zemích. Velký nástroj ve tvaru křídla se ve Francii nazýval cembalo, v Itálii clavicembalo a v Německu křídla. Malé pravoúhlé nástroje se ve Francii nazývaly epinet, v Itálii spinet a v Anglii virginel.

Cembala z 15. století se nedochovala. Soudě podle obrázků to byly krátké nástroje s těžkým tělem. Většina dochovaných cembal z 16. století byla vyrobena v Itálii, kde byly Benátky hlavním centrem výroby. Útok na tato cembala byl jasnější a zvuk prudší než u pozdějších vlámských nástrojů. Cembalo bylo neustále vylepšováno a byly činěny pokusy jeho zvuk všemožně zpestřit. Slavní nizozemští mistři Rückers vyráběli v 17. století koncertní cembala, která měla silný zvuk. Jejich cembala mají delší struny a těžší těla než italské nástroje. Často vznikala cembala se dvěma manuály. Tím bylo dosaženo různé síly zvuku (klávesnice forte a klavírní klaviatura) a dobrá příležitost zprostředkovat křížení hlasů. Využívaly se i efekty speciálních „registrů“ na cembalo: stisknutím tlačítka nebo páky se aktivovaly struny z různých materiálů nebo struny potažené pergamenem. Někdy byl přidán třetí manuál s „loutnovým“ zabarvením (pro jeho získání jsou struny pomocí speciálního mechanismu mírně zatlumeny kousky kůže nebo plsti). Nožní a kolenní spínače registru se objevily na konci 50. let 18. století. Kombinací všech těchto prostředků bylo možné dosáhnout gradací zvuku, změn témbru a určitého zvýšení zvučnosti, ale účinky crescenda a diminuenda na cembalo byly zcela nedosažitelné.

Skladatelé, kteří složili cembalovou hudbu: François Couperin, Louis Couperin, Louis Marchand, Jean-Philippe Rameau, Johann Sebastian Bach, Johann Pachelbel, Dietrich Buxtehude, Girolamo Frescobaldi, Johann Jacob Froberger, George Frideric Handel, Josse Boutmi, Jean-Joseph Boutmi, William, Bird, Henry Purcell, Johann Adam Reinecke, Dominico Scarlatti, Alessandro Scarlatti, Matthias Weckmann, Dominico Zipoli a další.

Slavní cembalisté: Andrei Volkonsky, Gustav Leonhardt, Wanda Landowska, Robert Hill.

francouzský cembalista hudební klávesnice

Zakladatelé francouzské školy cembalistů

Jacques Champion de Chambonnières (Jacques Champion de Chambonnieres; 1601 – před 4. květnem 1672)

Jacques Champion de Chambonnières byl znám jako vynikající hráč na cembalo a varhany, talentovaný skladatel a úspěšný pedagog. Byl také výborným tanečníkem a účastnil se baletních představení. Narozen v Paříži. Pocházel z dědičné muzikantské rodiny. Nejznámějším byl jeho dědeček Thomas Champion (přezdívaný Mitu). Jeho otec, Jacques Champion, varhaník a cembalista, sloužil jako cembalista na dvoře Ludvíka XIII. V září 1611 bylo Chambonnière přislíbeno budoucí dvorské postavení svého otce. Od roku 1640 byl ve dvorských službách (epinetista - podle názvu malého cembala). Tuto funkci nezastával dlouho, protože král Ludvík XIII. zemřel v roce 1643 a jeho manželka královna Marie Medicejská, která se stala regentkou mladého Ludvíka XIV., měla vlastní hudebníky, ale on se stal učitelem mladého krále. U francouzského dvora udělal skvělou kariéru, ale na sklonku života upadl v nemilost, přišel o post a zemřel v chudobě.

Činnost Jacquese Chambonnièra se neomezovala pouze na dvorské povinnosti. V roce 1641 uspořádal řadu placených koncertů

Současníky F. Couperina byli francouzští skladatelé a cembalisté Louis Marchand (1669-1732), G. Le Roux (1660-1717), J.F. Dandrieu (1682-1738) a někteří další. Jejich umění se vyvíjelo stejným směrem jako výtvarná škola s preferencí programových her malých forem, se zájmem o tradiční i neotřelé tance. A přestože každý z nich měl na své cestě své vlastní individuální úspěchy, Couperinovo dílo nepochybně vyjadřovalo svou dobu s největší úplností, jakou mělo cembalo k dispozici ve své specificky francouzské refrakci.

Dandrieu, d "Andrieu) Jean Francois (1682, Paříž - 17 I 1738, tamtéž) - francouzština cembalista, varhaník a skladatel. Pravděpodobně student J.B. Moro. Působil jako varhaník v pařížských kostelech Saint-Merri a Saint-Barthélemy a od roku 1721 také ve farnosti. kaple. Z D. děl: „Kniha triových sonát“ (1705), 3 sbírky skladeb pro cembalo (1724, 1728 a 1734), „Kniha skladeb pro varhany“ (vyd. 1739), 2 sbírky triových sonát a sonáty pro housle s Basso continuo, ofertoria atd. napsal „Manuál doprovodu na cembalo“ (1716).

Daquin (Daquin, d "Aquin) Louis Claude (4 VII 1694, Paříž - 15 VI 1772, tamtéž) - francouzština skladatel, varhaník, cembalista, Potomek F. Rabelaise. Brzy ukázal své múzy. talent (v 6 letech hrál na cembalo před Ludvíkem XIV.). Studoval u N. Verniera (skladba) a Louise Marchanda (varhany a cembalo). Od 12 let varhaník kaple Petit Saint-Antoine. Od roku 1715 kostel sloužil. varhaník Po soutěži ve hře na varhany v kostele Saint-Paul v roce 1727 porazil J.F. Rameau, přijal místo varhaníka tohoto kostela. Od roku 1739 varhaník královské kaple, od roku 1755 - katedrály Notre Dame v Paříži. Dakenova díla jsou psána převážně v rokokovém stylu, s neodmyslitelnými rysy tohoto stylu vytříbené galantnosti a hojnosti dekorací. Hlavní v jeho hudbě je expresivita melodie; jeho nejlepší díla se vyznačují žánrovou figurativností a lyrickým psychologismem. Daken je autorem skladeb pro cembalo (1. sbírka - "Premier livre de pièces de clavecin", 1735 - obsahuje slavnou miniaturu "Kukačka", dochovaná v repertoáru moderních pianistů), vánoční písně pro varhany a pro cembalo ( 1757), v níž pěstuje techniky figurativní variace, transparentního homofonního písma i témbrového přebarvování témat. Psal kantáty (vyšlo pouze „Růže“, 1762); Rukopis obsahuje kantátu se symfonickým orchestrem „Circe“ na slova J.J. Rousseau, moteta, divertissementy, fugy a tria, 2 mše, Te Deum a mnoho dalších děl různých žánrů.

Jean-Philippe Rameau (francouzsky: Jean-Philippe Rameau; 25.09.1683, Dijon - 9.12.1764, Paříž)

Jean-Philippe Ramaume je francouzský skladatel a hudební teoretik barokní éry. Syn varhaníka. Studoval na jezuitské škole. V 18 letech ho jeho otec poslal do Itálie, aby si zlepšil hudební vzdělání v Miláně. Po návratu vystupoval jako houslista v orchestru Montpellier. V letech 1702-1706 a 1716-1723 působil jako varhaník v katedrále Clermont-Ferrand; v letech 1706-1716 působil v Paříži a Lyonu. Od roku 1723 až do konce svých dnů žil Rameau v Paříži, kde sloužil jako varhaník na jezuitské koleji a v kostele Saint-Croix de la Bretonrie (do roku 1740). Psal pro pařížská divadla, komponoval duchovní i světskou hudbu a od roku 1745 se stal dvorním skladatelem.

Rameau je autorem tří sbírek cembalových skladeb (1706, 1724, 1727) a pěti koncertů pro cembalo, housle a violu da gamba (1741). Mezi nejznámější patří „Tamburína“, „Kuře“, „Dauphine“, „Hammers“, „Roll Call of Birds“. Rameauova cembalová hudba se v rozporu s komorními tradicemi žánru vyznačuje velkým nádechem. Nemá sklony k jemným detailům. Jeho hudba se vyznačuje živými charakteristikami a je v ní cítit rukopis rozeného divadelního skladatele. Rameauovy cembalové kusy jsou místem pro experimenty na poli harmonie, rytmu a textury. Kupříkladu skladby „Savages“ a „Cyclopes“ jsou neobyčejně invenční z hlediska vývoje tonálního modu a skladba „Enharmonic“ je jedním z prvních příkladů enharmonické modulace známé v dějinách hudby.

Jestliže Couperinovo dílo bylo vrcholem francouzské cembalové školy, pak Rameau se stal jejím vrcholem. Jeho odkaz v tomto žánru sestává z pouhých dvaašedesáti her, které v mnohém připomínají jeho předchůdce: stejná poetická obraznost – „Cheeping Birds“, „Tender Complaints“, „The Venetian“ (hudební portrét), „Hovory múz “; stejné dvoudílné formy, malé variace, rondo a obvyklé dva nebo tři hlasy a krajka melismas. Rameauova cembalová tvorba se ale v mnohém liší od Couperonova odkazu. François Couperin byl skladatel, který přemýšlel především v cembalových obrazech. Mezitím se od 30. let 20. století stalo Rameauovým prvkem hudební divadlo: jeho hry na cembalo v sobě nesly náznak divadelnosti („Kyklopové“, „Divoši“, „Egyptský“, „Tamburína“, „Prosťáčci ze Solonu“). Gigues a menuety z druhé suity, řízené autorem, byly zahrnuty do partitur Castora a Polluxe a Markéty Navarrské. Tamburína ze stejné suity se opakuje v hudbě baletu „The Celebrations of Hebe“. „The Solonsk simpletons“ se objeví ve třetím aktu Dardanius.

Rameauova cembalová suita je něčím kvalitativně odlišným od Ordre Françoise Couperina. Někdejší řád, který by se mohl časově neomezeně rozšiřovat, je uzavřen v kruhu malých okrajových miniatur rámujících centrální medailonový kus, obrazně nejvýznamnější, široký, bohatý na texturu, kompozici, vývoj a tématiku (někdy to Rameau píše v stejný klíč, ještě jasnější než stínovací „medailon“). Rameau také hledá a nachází strukturálně jednotící prvky cyklu, jeho jádro a vytváří symetrii.

Rameauův tematismus se – poprvé v historii francouzské hudby – vyznačuje působivým vnitřním kontrastem. Jeho obrazy ukazují velkou blízkost a schopnost reagovat na jevy života skutečných lidí. Jeho tematický vývoj je mnohostrannější a bohatší než u jiných francouzských hudebníků počátku a poloviny 18. století. Právě Rameau byl spolu s Couperinem jedním ze zakladatelů francouzské sonáty a dokonce i sonáty ronda („Kyklop“ ze suity d moll). Nové, pro Rameaua a pouze pro něj charakteristické, jsou kontrastní tematické vztahy, které poprvé objevil alespoň ve Francii v sonátové formě. Konečně, Rameauova textura, daleko od šperkové elegance Couperinovy textury, je mnohem méně podobná cembalu a tíhne ke klavírní znělosti, dynamice a rozsahu. K budoucímu klavíru volá i Rameauův prstoklad, jeho téměř perkusivní klaviatura a rozmístění rukou spojené se zdokonalením techniky umístění palce a jeho použití na černé klávesy. Druhý sešit cembalových skladeb obsahoval „Novou metodu mechaniky prstů“. Zde se Rameau jeví jako skutečný adept mechanistického pohledu na umění hry na cembalo. Tajemství virtuozity spočívá v mechanismu prstů. Jeho rozvoj a zdokonalování cvičením svalového systému je jedinou skutečnou cestou k umění. Jak daleko je to k principům Couperina, jeho ideálu lehké a koherentní, plynulé a kantabilní hry.

Rameau přesněji označuje žánrovou povahu koncertů, čímž zdůrazňuje jejich odlišnost jak od Couperonových „Concerts royaux“, tak od koncertů italské školy (Corelli, Vivaldi, Tartini): „Pieces de clavecin en concert“ („Pieces for a koncertní cembalo“). Tento název označuje složení souboru provádějícího dílo: trio cembalo, housle a flétna (ad libitum viol, nebo druhé housle, nebo viola). Inovativní je role cembala, které se zde neobjevuje jako interpret basso continua nebo kontrapunkčních vícehlasů, ale jako sólový nástroj s široce rozvinutým, virtuózním koncertním partem, podobně jako se toho ujal o dvacet let dříve I.S. Bach v pátém Braniborském koncertu a šesti sonátách pro obligátní klavír a housle. Obrazně obsahově, tematicky i způsobem se „Koncerty“ skládají především z airs danses, které se vyznačují zvláštní melodikou, jemnou lyrikou výrazu a převážně skromným komorním zvukem. Koncertní brio není pro tyto kousky typické. „Kvalitu koncertu“ lze nejspíše připsat aktivitě všech instrumentálních hlasů podílejících se na harmonicky bohatém a subtilním rozvíjení tematického materiálu. Pokud celou sérii her interpretujeme jako jeden velký cyklus, pak před sebou nemáme Couperinův řád, ale Rameauovu suitu s charakteristickým symetrickým typem architektonika. Obecně jsou Rameauovy „Koncerty“ ze všech jeho výtvorů nejméně koncertní, navíc nejkomornější a nejintimnější.

Rameauův odkaz také sestává z několika desítek knih a řady článků o hudbě a akustické teorii, inovativní Pojednání o harmonii (1722), které mu vyneslo pověst významného hudebního teoretika; několik motet a sólových kantát; 29 scénických děl - oper, oper-baletů a pastorel. Dnes jsou nejznámější jeho hry na klávesové nástroje, ale skladatelovým hlavním polem působnosti byla opera. Rameau vytvořil nový operní styl, jehož vrcholnými díly byly jeho lyrické tragédie „Hippolytus a Arisia“ (1733), „Castor a Pollux“ (1737). Opera-balet „The Gallants of India“ je uznáván jako vrchol Rameauovy hudební a jevištní kreativity. Rameauův typ opery je francouzský, nikoli italský: hudební vývoj není přerušen, přechod od dokončených vokálních čísel k recitativům je vyhlazený. V Rameauových operách vokální virtuozita nezaujímá ústřední místo; obsahují mnoho orchestrálních intermezzí a velká pozornost je věnována orchestrálnímu partu; Podstatné jsou také sbory a prodloužené baletní scény. Rameauova melodie jde po celou dobu za textem; vokální linka v jeho operách má v zásadě blíže k recitativu než ke kantiléně. Hlavním výrazovým prostředkem se nestává melodie, ale bohaté a výrazné využití harmonie – to je originalita Rameauova operního stylu.

Po Rameauově smrti byl jeho odkaz dlouho zastíněn Gluckovou slávou reformátora operní scény. V průběhu 19. století byl Rameau zapomenut a téměř nehrán (ačkoli jeho hudbu pečlivě studovali Hector Berlioz a Richard Wagner). Teprve na přelomu XIX-XX století. Význam Rameaua a jeho hudby začal růst. Dnes je uznáván jako největší francouzský skladatel, nejvýraznější postava hudební éry mezi Françoisem Couperinem a Hectorem Berliozem.

CLAVISIN [francouzsky] clavecin, z pozdní lat. clavicymbalum, z lat. clavis - klíč (odtud klíč) a cymbalum - činely] - drnkací klávesový hudební nástroj. Známý od 16. století. (začalo se stavět již ve 14. století), první informace o cembalu pocházejí z roku 1511; Nejstarší dochovaný nástroj vyrobený v Itálii pochází z roku 1521.

Cembalo vzniklo z psalteria (důsledkem přestavby a doplnění klávesového mechanismu).

Zpočátku mělo cembalo čtyřúhelníkový tvar a vzhledem připomínalo „volný“ klavichord, na rozdíl od něj mělo struny různých délek (každá klávesa odpovídala speciální struně naladěné na určitý tón) a složitější klaviaturu. Struny cembala se uváděly do vibrací škubáním pomocí ptačího pírka nasazeného na tyči - tlačníku. Po stisku klávesy se tlačka umístěná na jejím zadním konci zvedla a pírko se zaháklo na provázek (později bylo místo ptačího pírka použito kožené plektrum).

Struktura horní části tlačníku: 1 - struna, 2 - osa uvolňovacího mechanismu, 3 - langueta (z francouzského languette), 4 - plectrum (jazyk), 5 - tlumič.

Zvuk cembala je brilantní, ale nezpívaný (krátký) - to znamená, že není přístupný dynamickým změnám (je hlasitější, ale méně výrazný), změna síly a témbru zvuku nezávisí na povaha úderu do kláves. Aby byla zvýrazněna znělost cembala, byly použity zdvojené, ztrojené a dokonce i čtyřnásobné struny (pro každý tón), které byly laděny v unisonu, oktávě a někdy i v jiných intervalech.

Vývoj

Od počátku 17. století se místo střevových strun používaly struny kovové, jejichž délka se zvětšovala (od výšek po basy). Nástroj získal trojúhelníkový tvar křídla s podélným (rovnoběžným s klávesami) uspořádáním strun.

V 17.-18. stol. Aby cembalo získalo dynamicky pestřejší zvuk, byly nástroje vyráběny se 2 (někdy 3) manuálními klaviaturami (manuály), které byly terasovitě uspořádány nad sebou (většinou byl horní manuál laděn o oktávu výše) , stejně jako s rejstříkovými spínači pro rozšíření výšek, oktávové zdvojení basů a změny zabarvení témbru (loutnový rejstřík, fagotový rejstřík atd.).

Registry byly ovládány páčkami umístěnými po stranách klaviatury, nebo tlačítky umístěnými pod klaviaturou, případně pedály. Na některých cembalech byla pro větší barevnost zabarvení aranžována 3. klaviatura s nějakým charakteristickým zabarvením témbrů, často připomínajícím loutnu (tzv. loutnová klaviatura).

Vzhled

Zevně byla cembala zdobena obvykle velmi elegantně (tělo bylo zdobeno kresbami, intarziemi a řezbami). Povrchová úprava nástroje byla v souladu se stylovým nábytkem z doby Ludvíka XV. V 16.-17. stol. Cembala antverpských mistrů Rukkers vynikala kvalitou zvuku a uměleckým provedením.

Cembalo v různých zemích

Název „cembalo“ (ve Francii; cembalo – v Anglii keelflugel – v Německu clavichembalo nebo zkráceně činel – v Itálii) se zachoval pro velké nástroje ve tvaru křídla s rozsahem do 5 oktáv. Existovaly i menší nástroje, obvykle obdélníkového tvaru, s jednotlivými strunami a rozsahem do 4 oktáv, nazývané: epinet (ve Francii), spinet (v Itálii), virginel (v Anglii).

Cembalo s vertikálním tělem - . Cembalo bylo používáno jako sólový, komorní soubor i orchestrální nástroj.

Tvůrcem virtuózního cembalového stylu byl italský skladatel a cembalista D. Scarlatti (vlastní četná díla pro cembalo); zakladatelem francouzské školy cembalistů je J. Chambonnière (oblíbené byly jeho „Cembalové kusy“, 2 knihy, 1670).

Mezi francouzskými cembalisty konce 17. a 18. stol. - , J. F. Rameau, L. Daquin, F. Daidrieu. Francouzská cembalová hudba je uměním vytříbeného vkusu, vytříbených mravů, racionalisticky přehledné, podřízené šlechtické etiketě. Jemný a chladný zvuk cembala ladil s „dobrým tónem“ elitní společnosti.

Galantní styl (rokoko) našel své živé ztělesnění mezi francouzskými cembalisty. Oblíbeným námětem cembalových miniatur (miniatura je charakteristická forma rokokového umění) byly ženské obrazy („Podmanivé“, „Koketní“, „Ponuré“, „Plaché“, „Sestra Monica“, „Florentine“ od Couperina), galantní tance (menuet) zabíral velké místo, gavota atd.), idylické obrázky selského života („Ženci“, „Sběrači hroznů“ od Couperina), onomatopoické miniatury („Kuře“, „Hodiny“, „Čeeping“ od Couperina, „ Kukačka“ od Daquina atd.). Typickým znakem cembalové hudby je hojnost melodických ozdob.

Do konce 18. stol. díla francouzských cembalistů začala mizet z repertoáru interpretů. V důsledku toho byl nástroj, který měl tak dlouhou historii a tak bohaté umělecké dědictví, vytlačen z hudební praxe a nahrazen klavírem. A nejen nahrazen, ale v 19. století zcela zapomenut.

Stalo se tak v důsledku radikální změny estetických preferencí. Jako první ustoupila barokní estetika, která je založena buď na jasně formulovaném nebo jasně procítěném konceptu teorie afektů (ve zkratce podstata: jedna nálada, afekt - jedna zvuková barva), pro niž bylo cembalo ideálním výrazovým prostředkem. ke světonázoru sentimentalismu, dále k silnějšímu směru – klasicismu a nakonec romantismu. Ve všech těchto stylech byla nejatraktivnější a nejkultivovanější myšlenka naopak myšlenka proměnlivosti - pocity, obrazy, nálady. A klavír to dokázal vyjádřit. To vše cembalo v zásadě neumělo – kvůli zvláštnostem jeho provedení.