Mytologická témata ve výtvarném umění. Obrazy s postavami ze starověké řecké a římské mytologie

Mytologický žánr malby je typem historického směru výtvarného umění, hlavními tématy děl jsou eposy, mýty, pohádky a posvátné dějiny lidí. Vyprávění není o událostech současných umělce, nikoli o jevech, které se skutečně staly, ale o legendách, na nichž je založen mytologický systém konkrétního národa:

Příběh

Od náboženského žánru se liší absencí biblického prvku v tématech obrazů. Epické a pohádkové zápletky byly přítomny v dílech umělců ze západní Evropy, Ruska a USA. Většina příkladů maleb ze středověku patří k mytologickým nebo náboženským hnutím historické malby. Charakteristickými rysy jsou také sklony k saturaci skutečných zápletek pohádkovými, mytologickými detaily.

Pastorační v malířství

renesance

Během renesance získal obraz alegorický význam a náboženské a epické předměty se staly symbolickými. Představitelé renesance kladli na první místo určité morální a etické problémy, které se snažili řešit pomocí malby, a pokoušeli se vysvětlit podstatu jevů a procesů pomocí epických témat děl a mytologických hrdinů. Během renesance se mýtus mění z pohádkového literárního díla ve smysluplné vyprávění, které má zvýšit úroveň morálky.

V 18. – 19. stol

Je příznačné, že v průběhu 18. a 19. století prudce vzrostl zájem o dějiny starověku, zejména římské říše. Pohádkově-mytologický žánr získává politický přesah a stává se součástí ideologie vládce určitého státu. Například během Třetí říše byly populární germánské legendy a mýty. Napoleona fascinovaly činy Alexandra Velikého a vojenské umění starověkého Říma. Malba tak získala vhodné téma.

Alegorie jako žánr v malbě

Ve 20. století

Na počátku 20. století ožil zájem o lidové umění, etnické motivy a nuance národních kultur, a tak se stal populárním epický žánr. Na přelomu 19. a 20. století se objevují nové motivy - kultura domorodých národů. Umělci se zajímali o kulturu Indů a Afričanů.

Symbolisté a avantgardní umělci počátku 20. století se snažili přehodnotit hnutí, opustit dogmatismus a akademismus ve prospěch individualismu a moderny.

Vlastnosti žánru

Pohádkové a mytologické motivy jsou důležitým tématem výtvarného umění. Charakteristické rysy obrazů:

Dynamická zápletka;
Realismus přenosu obrazu;
Jas, pozornost k detailu;
Bohatý děj, rozmanitost obrázků;
Zvláštní pozornost věnujte perspektivě, trojrozměrnosti obrazu.

Nejvýraznější díla žánru představují díla Raphaela, Botticelliho, Mantegny a Giorgioneho. Díky Poussinovi, Rubensovi, Velazquezovi se hnutí aktivně rozvíjelo v 17. – 19. století. Každý mistr zdůraznil určitý aspekt přenosu obrázků:

Rubens a Poussin se snažili ztělesnit idealizovaný obraz hrdiny, vítěze, boha.
Velazquez a Rembrandt kladli důraz na pokusy přiblížit mytologický, pohádkový obraz skutečnému životu. Mytologické a epické obrazy nejsou ideální.
Boucher se zaměřuje na okázalost, bohatost a vážnost události zobrazené na plátně.

Portrét v malbě

Za základ směru je považována idealizace obrazů. Mytologický žánr je vznešené umění, především dodržující normy antické estetiky.

Slavní umělci

NA. Lawrence

Malíř z Holandska, působil ve Velké Británii. Ve své rodné zemi získal dobré vzdělání. Rysy a charakteristiky jeho děl se formovaly pod vlivem italské malby. Hlavním tématem obrazů v mytologickém žánru je kultura a mýty starověkého Řecka a Říma. Kromě malby měl Lawrence znalosti z archeologie. Umělec díky svým znalostem historie a archeologie přesně zprostředkoval oblečení Řeků a Římanů, mýty a zbraně. Obrazy: „Lopatky a houby“, „V atriu sauny“.

Představitel rokoka a neoklasicismu z Itálie. Zvláštností jeho malby jsou detaily a vysoká míra pozornosti k detailu. Batoni je známý pro malby v alegorických a mytologických směrech: „Smyslnost“, „Diana a Cupid“.

Typy krajiny v malbě

E. Burne-Jones

Anglický umělec, který pracoval podle renesance. Náboženství a mytologie jsou hlavními oblastmi zájmu malíře. Díla: „Příběh Persea“, „Příběh Pygmaliona“, „Bitva Persea s drakem“.

V.A. Bouguereau

Akademický umělec z Francie. Měl dobré vzdělání a byl ovlivněn italským malířstvím. Zabýval se realizací obrazů na zakázku. Bouguereauovy obrazy získávaly od kritiků trvale vysoké hodnocení: „Bacchovo mládí“, „Nymfy a satyrové“.

Mistr ruské realistické malby pracoval v epickém směru. V jeho tvorbě dominují pohádkové zápletky a náměty z mýtů: „Sirin a Alkonost“, „Ivan Carevič a šedý vlk“, „Rytíř na rozcestí“. Eposy, které se staly základem malířových děl, jsou známými příklady slovanské mytologie a legend.

Gen N.

Ruský umělec, realista, portrétista, mistr náboženské a mytologické malby. Jeho práce spojovala akademické rysy a symbolistické vlivy. Obrazy: „Dvůr krále Šalamouna“¸ „Zahrada Hesperidek“.

Bitevní malba

G. Moreau

Slavný malíř z Francie, jeho díla jsou nejlepší ukázkou výtvarného umění konce 19. století v západní Evropě. Díla: „Venuše zrozená z pěny“, „Poutník Oidipus“.

Odeslat svou dobrou práci do znalostní báze je jednoduché. Použijte níže uvedený formulář

Studenti, postgraduální studenti, mladí vědci, kteří využívají znalostní základnu ve svém studiu a práci, vám budou velmi vděční.

Vloženo na http://www.allbest.ru/

Městský vzdělávací ústav „Lyceum č. 11 pojmenované po. T.I. Alexandrova, Yoshkar-Ola"

Výzkum

Na téma: „Mytologické předměty v malbě“

Vědecký poradce:

Kosova Světlana Ivanovna, učitelka

kresba a výtvarné umění první kvalifikační kategorie.

Žák 11 třídy "A":

Shparber Ksenia

Yoshkar-Ola 2015

Úvod

Mýtus je legenda, která ztělesňuje představy starých národů o původu světa a různých přírodních jevech. Mýty vyprávějí příběhy o bozích, duších, zbožštěných hrdinech a předcích. Vznikly během primitivní společnosti, na úsvitu lidské existence. Starověký člověk nemohl pochopit důvody výskytu různých přírodních jevů. V jeho hlavě se objevilo mnoho otázek: jak se lidé objevili na zemi? Proč hřmí a prší? z jakého důvodu fouká vítr? atd. Protože lidé nebyli schopni přistupovat k těmto otázkám z vědeckého hlediska, přicházeli s vlastními odpověďmi, které mu byly srozumitelné. Tyto odpovědi se staly mýty.

Tato práce je relevantní, protože mýty a umění jsou nedílnou součástí kultury. Smyslem práce je dokázat tvrzení, že mýty jsou nevyčerpatelným zdrojem kreativity umělců různých dob a epoch. Cíle výzkumu: odhalit pojem mýtus, ukázat historii vývoje mýtu v umění, dokázat hypotézu. Objekty: Sandro Botticelli „Zrození Venuše“, Santi Raphael „Vision of Izzekiel“, Nicolas Poussin „Království Flory“, Francois Boucher „Jupiter a Callisto“, Karl Bryullov „Poslední den Pompejí“.

1. Hlavní část

Mýtus je nejen historicky první formou kultury, ale mění i duševní život člověka. Podstatou mýtu je, že představuje spojení člověka se silami existence přírody nebo společnosti. Vše se oživuje a příroda se jeví jako svět impozantních, ale s člověkem spojených mytologických stvoření – démonů a bohů.

Paralelně s mýtem existovalo a působilo v dějinách kultury umění. Umění je vyjádřením potřeby člověka po figurativním a symbolickém vyjádření a prožívání významných okamžiků v jeho životě. Umění vytváří pro člověka „druhou realitu.“ Zapojení do tohoto světa, sebevyjádření a sebepoznání v něm tvoří jednu z nejdůležitějších potřeb lidské duše.

Umělci různých epoch a stylů neignorovali starověkou řeckou mytologii. A přestože se ve středověku malba zaměřovala především na křesťanské náměty, v období renesance začali malíři s velkým nadšením zobrazovat na svých plátnech náměty mytologické. V moderní době, na pozadí obecných změn ve výtvarném umění, zájem o klasická mytologická témata poněkud vyschl, ale zájem o mýtická monstra, jejichž obrazy se aktivně používají v moderním umění, ožil. Ruští malíři se tradičně obraceli k tématu slovanské mytologie a na svých obrazech zobrazovali jak epické hrdiny, tak mytické bytosti slovanské mytologie.

Nejprve se podívejme na obraz z 15. století. Slavný obraz umělce Sandra Botticelliho „Zrození Venuše“. Botticelli je italský malíř rané renesance, představitel florentské školy, jeden z nejvýraznějších umělců italské renesance. Umělec napsal „Zrození Venuše“ pro Lorenza di Pierfrancesco Medici. Děj tohoto obrázku je založen na mýtu o tom, jak se bohyně lásky zrodila z pěny moře.

Venuše, stojící ve skořápce, se vznáší, naléhána Zephyrem a Chloris, a Ora, jedna z bohyniných společnic, jde k ní a drží závoj, aby ji zahalil. Rozmarné záhyby přehozů a šatů vlající ve větru, vlny na moři, přerušovaná čára pobřeží, „vlnitá“ skořápka mušle a nakonec létající vlasy Venuše – to vše vytváří hladké obrysy tělo bohyně a umocňuje pocit nejvyšší harmonie, kterou její vzhled navozuje. Ruce postav se téměř sevřou nad Venušinou hlavou a zdá se, jako by ji zastínil oblouk, který se odráží od zaobleného dna skořápky. Postava bohyně je tak uzavřena do pomyslného oválu. Venuše je zde středem, ke kterému vše směřuje.

Krásná tvář hrdinky připomíná tváře Madon na Botticelliho obrazech, a proto v tomto díle zaznívá křesťanská tematika skrze antické téma, právě toto spojení antického humanismu a křesťanství dalo vzniknout fenoménu italské renesance .

Další obraz od Raphaela Santiho, „Vize Ezechiela“, pochází ze 16. století. Toto malé plátno bylo namalováno pro soukromého klienta. Pozadí obrazu plně odpovídá biblickému popisu tohoto vidění: „...od severu přišel bouřlivý vítr, veliký mrak a vířící oheň a záře kolem něj“ (Ezechiel 1:4). V samotném vidění je Bůh zobrazen, jak se vznáší vzduchem, podporovaný „podobami čtyř zvířat“. tradice se svými čtyřmi okřídlenými tvory: člověkem nebo andělem, lvem, býkem a orlem, které ve výtvarném umění symbolizují čtyři evangelisty. Touto křesťanskou tradicí, a nikoli skutečným popisem Ezechielova vidění, se Rafael řídil, když maloval tento obraz. Obraz je malý, ale dává představu o Raphaelově dovednosti při řešení tak složité kompozice. Umělec v něm rozvíjí úkol výjimečný svou obtížností – ukázat rychlý let. Postava samotného Boha zástupů je podána z velmi komplexní perspektivy. Obraz Boha je plný tak titánské síly a pohyb je zprostředkován tak dokonale, že divákovi připadá, jako by „Vize Ezechiela“ bylo velké plátno, a ne drobný obraz, jehož rozměry jsou sotva větší než miniatura. Obraz je založen na jednom z nejbohatších biblických námětů na mytickou symboliku.

Další na řadě je obraz ze 17. století, konkrétně „Království flóry“ od slavného francouzského umělce Nicolase Poussina. Mistr zobrazil antiku tak, jak si ji představoval. Na jeho plátnech znovu ožili hrdinové starověku, aby předváděli činy, šli proti vůli bohů nebo prostě zpívali a bavili se. Poussinův obraz „Království Flory“ byl vytvořen na základě starověké legendy, kterou vyprávěl římský básník Ovidius. Jedná se o poetickou alegorii původu květin, která zobrazuje hrdiny antických mýtů proměněné v květiny

Hrdinové, kteří zemřou v rozkvětu života, se po smrti promění v květiny a ocitnou se v království Flora. Lidský život je interpretován v jeho neoddělitelnosti s životem přírody. Ve vesmíru vládne přísný řád, jeho zákony jsou rozumné. To je také cítit v Poussinově malbě, která se vyznačuje vyvážeností kompozice a krásou postav, inspirovaných obrazy antického sochařství. Logika a poezie na tomto plátně harmonicky koexistují. Zde zobrazuje svůj ideál – člověka žijícího jediný šťastný život s přírodou.

Poussin ve všech svých dílech vyjádřil estetický ideál klasicismu, který je založen na napodobování „zdobené přírody“. To znamená, že umělec odrážel v člověku a životě jen to vznešené, krásné a dokonalé, přičemž ignoroval to základní, ošklivé a ošklivé.

"Království Flory" je jedním z Poussinových obrazů, který se vyznačuje jemným a bohatým vývojem barev.

Příkladem mytologických námětů v malbě 18. století je plátno Francoise Bouchera „Jupiter a Callisto“. V obraze se umělec obrátil k „Metamorfózám“ římského spisovatele Ovidia, který převyprávěl mýtus o bohu Jupiterovi, který se zamiloval do nymfy Callisto a chtěl ji svést a přijal podobu bohyně Diany. . Umělec interpretoval smyslnou epizodu antické mytologie v povrchním, hravém duchu. Ladné, ladné postavy jeho antických hrdinek vypadají jako porcelánové figurky. Boucher miloval malbu světlem a preferoval elegantní modré, růžové a zelené tóny. V dílech samotného Bouchera se každou chvíli objevují nymfy a Venuše. A názvy děl mluví samy za sebe - „Triumf Venuše“, „Záchod Venuše“, „Dianina koupání“. Uměl si užívat krásy života a povzbuzoval ostatní, aby dělali totéž. Rokokový styl byl jeho rodným prvkem, cítil se zde jako ryba ve vodě – přirozeně a organicky. Dekorativnost, půvabná intimita, budoárová atmosféra, pastelové barvy – to jsou hlavní rysy uměleckého stylu Francoise Bouchera.

A konečně jeden z nejslavnějších obrazů 19. století, obraz Karla Pavloviče Bryullova „Poslední den Pompejí“, také patří do mytologického žánru malby. Karl Bryullov je slavný malíř, akvarelista a kreslíř. Studoval na Petrohradské akademii umění. Jeho tvorba vnesla do malby akademického klasicismu svěžest romantiky, vitalitu a vášeň pro krásu reality, což přispělo k rozvoji realismu v ruské malbě. Obraz „Poslední den Pompejí“ přinesl umělci celosvětovou slávu. Smrt Pompejí z pohledu Bryullova je smrtí celého starověkého světa, jehož symbolem se stává ústřední postava plátna - krásná žena, která zemřela pádem z vozu. Bryullov je šokován vnitřní krásou a obětavostí těchto lidí, kteří tváří v tvář nevyhnutelné katastrofě neztrácejí lidskou důstojnost. V těchto hrozných chvílích nemyslí na sebe, ale snaží se pomoci svým blízkým, ochránit je před nebezpečím. Umělec se vidí mezi obyvateli Pompejí s krabicí barev a štětců na hlavě. Je tady vedle nich, aby jim pomohl, podpořil jejich ducha. Ale ani před smrtí umělcovo bystré pozorování neopouští - v záblescích blesků jasně vidí lidské postavy dokonalé v jejich plastické kráse. Jsou krásné nejen díky mimořádnému osvětlení, ale také proto, že samy jakoby vyzařovaly světlo duchovní vznešenosti a velikosti. Téměř šest let uplynulo od onoho památného dne, kdy Bryullova napadlo v ulicích neživých Pompejí namalovat obraz o smrti tohoto starobylého města. V posledním roce umělec pracoval tak zběsile, že byl nejednou vyveden z ateliéru v naprostém vyčerpání.

Závěr

mýtus umělecká malba Bryullov

Práce, kterou jsme odvedli, potvrzuje hypotézu, že mýty jsou nevyčerpatelným zdrojem kreativity umělců různých staletí a epoch. Za tímto účelem byla zkoumána díla mistrů z různých století. Proběhl také průzkum.

Seznam informačních zdrojů

· http://citaty.su/

· http://muzei-mira.com

· http://jivopis.org

· http://www.miifyrima.ru/

· https://ru.wikipedia.org

Publikováno na Allbest.ru

Podobné dokumenty

Místo a význam K. Bryullova ve vývoji ruského výtvarného umění. Cesta vývoje K. Bryullova jako umělce, osobnosti a intelektuála. Historie vytvoření hlavního plátna umělce "Poslední den Pompejí". Analýza umělcova portrétu.

abstrakt, přidáno 29.08.2011

Umění umělce Karla Pavloviče Bryullova. Pokyny v práci umělce. Žánrové scény z italského života. Obraz "Poslední den Pompejí". Galerie Karla Bryullova. Autoportrét z roku 1848. Portrét spisovatele Nestora Vasiljeviče Kukolnika.

abstrakt, přidáno 31.01.2012

Začátek tvůrčí cesty italského renesančního umělce Sandro Botticelliho. Studium v dílně Fra Filippa Lippiho, vliv díla Andrea Verrocchio a první díla. Předměty umělcových obrazů: „Jaro“, „Narození Venuše“, „Madona s granátovým jablkem“.

abstrakt, přidáno 05.06.2009

Malba Sandro Botticelliho, jemnost a výraznost jejího stylu. Výrazné okrové stíny vyjadřující tělovou barvu jako charakteristický rys umělcova stylu. Smyslný začátek ve třech obrazech zobrazujících Venuši, oslavující čistotu a čistotu.

abstrakt, přidáno 28.01.2011

Akademická léta a raná díla Bryullova. Italské tvůrčí období. Vlastnosti žánrové malby a inovace v portrétním umění. Kritika současníků na obraz "Poslední den Pompejí". Umělecká a pedagogická činnost.

práce v kurzu, přidáno 19.02.2010

Studie o životní cestě a tvůrčí činnosti Karla Pavloviče Bryullova, skvělého ruského umělce. Umělec má mimořádný úspěch v realistických, psychologických portrétech. „Poslední den Pompejí“ je Bryullovovým nejvýznamnějším dílem.

prezentace, přidáno 11.12.2011

„Muzikálnost“ malby v dílech romantických malířů. „Poslední den Pompejí“ jako shoda opery D. Paciniho s obrazem K. Bryullova. Hudební a umělecké aktivity M.K. Ciurlionis. Zobrazování hudby v obrazech a obrazů v symfoniích.

abstrakt, přidáno 29.09.2009

Analýza životní cesty a tvůrčí činnosti Sandro Botticelliho, slavného italského umělce. Složení a rysy obrazu „Spící Venuše“, který je spojen jak s křesťanským tématem křtu, tak se zápletkou „Korunovace Panny Marie“.

abstrakt, přidáno 05.04.2011

Životopisné informace o životě a díle Sandro Botticelliho, italského malíře rané renesance, představitele florentské školy. Jeho nejznámější obrazy jsou „Jaro“, „Uzdravení malomocného a pokušení Krista“, „Zrození Venuše“.

prezentace, přidáno 11.7.2014

Pojem, struktura a funkce mýtu. Kosmogonické mýty a mýty o původu. Mýty o obnově a konci světa. Mýty a doba. Mytologie, ontologie, historie. Velikost a úpadek mýtů.

Mýty starověkého Řecka jsou vzrušujícími dobrodružstvími bohů, hrdinů a zlých tvorů. Jsou zajímavé ve všech směrech.

Tohle je zábava horší než hollywoodské trháky. A možnost pochopit úplně jiný světonázor lidí předkřesťanské civilizace.

O mýtech víme nejen díky antickým autorům.

Umělci, kteří žili před naším letopočtem, také aktivně vytvářeli fresky s mytologickými náměty. A některé z nich přežily dodnes.

Dionýsos (Bacchus) se setkává s Ariadnou na ostrově Naxos. Freska ve Stabiae, vila Ariadne, 1 př.nl.

Ale na téměř 1,5 tisíce let z umění zmizely mýty.

V malbě se znovu objevily až v . V 15. století se v Římě začaly kopat sochy z dob římské říše (kopie děl starořeckých mistrů). Zájem o starověké Řecko začal růst. Stalo se módním a tehdy povinným čtením antických autorů.

A již v 16. a 17. století byly mýty jedním z nejoblíbenějších námětů v malířství.

Mytologické obrazy pro moderního diváka

Když jste v muzeu, je nepravděpodobné, že byste se dlouho zdrželi před obrazy s mytologickými náměty. Z jednoho prostého důvodu.

My jsme málo obeznámeni s mýty starověkého Řecka.

Ano, známe Herkula. Slyšeli jste o Perseovi a Andromedě? A jmenujme pár starověkých bohů jako Zeus a Athéna.

Ale kdo se nyní může pochlubit, že četl alespoň Homérovu Odysseu? Sám jsem ji četl, až když mi bylo 30 let.

A pokud nerozumíte zápletce obrázku, bude těžké si to užít. Protože se objeví bariéra ve formě zmatku: "Kdo jsou všichni tito lidé?"

Ale pokud je zápletka jasná, pak se před našima jasnýma očima okamžitě odhalí malebné rysy obrazu.

Tento článek je malou sbírkou mytologických obrazů.

Pomohu vám nejprve pochopit jejich hrdiny a symboly. A pak si společně vychutnáme všechny přednosti těchto mistrovských děl.

Botticelli. Jaro (průvodce obrazem). 1482 Galerie Uffizi, Florencie

Botticelli jako první v historii evropského malířství (po starověkých Řekech a Římanech) zobrazil mytologické hrdiny.

Botticelliho mytologické obrazy jsou někdy nelichotivě nazývány obrazovým komiksem. Hrdinové stojí v řadě. Navzájem se nestýkají. Zbývá pouze přidat bubliny.

Ale byl to Botticelli, kdo jako první, o 1,5 tisíce let později, ztvárnil mýty. Takže může.

Navíc toto uspořádání v řadě nebrání tomu, aby stejné „Jaro“ od Botticelliho bylo jedním z nejkrásnějších obrazů na světě.

„Jaro“ je také jedním z nejzáhadnějších obrazů. Existuje mnoho jeho výkladů. Vybral jsem ten, který mi osobně připadá nejvěrohodnější. A doplnila to vlastními myšlenkami.

2. Tizian. Bakchus a Ariadna

Tizian. Bakchus a Andromeda (průvodce obrazem). 1620 Národní galerie v Londýně

Po Botticellim mnoho umělců zobrazilo mýty během renesance. Ale nejplodnější byl Tizian.

Jeho mýty jsou úplně jiné. To jsou již konkrétní příběhy, jako „Setkání Bakcha a Andromedy na ostrově Naxos“.

Jsou to také prudké pohyby, jako je skok boha vína z vozu na nohy krásky. Jsou to emoce vyjádřené v pózách, jako je Andromedino překvapení a strach. A také realistická krajina, která je pro hrdiny pozadím.

3. Rubens. Perseus a Andromeda

Peter Paul Rubens. Perseus zachrání Andromedu (průvodce k obrázku). 1622 Ermitáž, Petrohrad

Po Tizianovi konečně přišly do módy mytologické obrazy. Umělci následujících generací se naučili všechny lekce velkého mistra. Ty ale kompozice značně zkomplikovaly.

Tentýž Rubens doslova „tlačil“ těla svých hrdinů k sobě. A před námi je neuvěřitelné propletení rukou, hlav a nohou.

Proto je pro nás tak těžké vychutnat si mytologické obrazy 17. století. Nejen, že zápletky nejsou vždy známé, ale také je potřeba vidět všechny postavy.

Zlatou dobou mytologických obrazů je tedy 16.–17. století.

V 18. století je mírně vytlačily docela pozemské a sladké krásy rokoka.

A koncem 19. století je vystřídal realismus a impresionismus. Mýty konečně vyšly z módy.

Ale mytologické obrazy stále visí v muzeích. Jsou přece velmi důležitou kulturní vrstvou. A jen malé mezery v našich znalostech nám brání plně si je užít.

Úvod.

Úspěchy starých Řeků jsou úžasné ve všech oblastech a je na nich založena celá evropská civilizace. Antika provází evropské lidstvo na celé jeho cestě. „Vidíme Řeky a mluvíme jejich řečnickými figurami,“ řekl Jacob Burckhardt.

Jedním z nejstarších a nejvýznamnějších prvků starověké kultury je mýtus. Mýtus (z řeckého muthos - slovo, legenda) je příběh o vzniku světa, bozích, hrdinech, různých národech, událostech přírodních a společenských dějin, které vznikly v dávných dobách a předávaly se ústně z generace na generaci. Mýtus je nesmírně důležitým krokem v poznání a pochopení světa kolem nás, v lidském sebepoznání. Mýtus spojuje skutečné a fiktivní, racionální a emocionální, přírodní a kulturní. Mýtus je univerzálním zobecněním lidského života, nedílnou součástí veškeré kultury.

Řecké mýty hluboce pronikly do způsobu myšlení moderních lidí a někdy si ani nevšimneme, jak mluvíme o panickém strachu, o olympském klidu, srovnáváme nebojácného muže s Herkulem a odhodlanou ženu s Amazonkou. A výrazy trojský kůň, jablko sváru, Ariadnina nit a mnohé další jsou srozumitelné snad každému.Po staletí se v mýtech hromadila zkušenost národů, jejich představy o dobru a zlu, o důstojném a nedůstojném chování. Předávané z generace na generaci učily lidi, jak žít.V moderním životě se velmi často setkáváme s tituly a jmény ze starověké řecké mytologie. Mýty starověkého Řecka inspirovaly básníky, umělce, sochaře a skladatele po celém světě po mnoho staletí, což znamená, že bez znalosti zápletek není možné porozumět mnoha uměleckým dílům.

Claude Lorrain. Krajina s Apollónem a Merkurem.

Rozměry:55 x 45 cm
Materiál, technika:Plátno, olej
Datum vytvoření:Kolem roku 1645

Umístění: Francie a Itálie, Řím, galerie Doria Pamphili

Informace o umělci.

Rodné jméno: Claude Gelle Datum narození: 1600 Místo narození: Chamagne, Lorraine Datum úmrtí: 23. listopadu 1682 Místo úmrtí: Řím, Itálie Národnost: Francie Žánr: malíř krajinář Umělecké směry: Klasicismus

Claude Laurent se narodil v roce 1600 v rolnické rodině. Předčasně zůstal sirotkem. Poté, co získal počáteční znalosti kreslení od svého staršího bratra, zručného dřevorytce ve Freiburgu v Breisgau, v letech 1613-14. odjel s jedním ze svých příbuzných do Itálie. Při práci jako sluha v domě krajináře Agostina Tassiho se naučil některé technické techniky a dovednosti. Nejprve prováděl zakázkové dekorační práce, t. zv. „krajinářské fresky“, ale později se mu podařilo stát se profesionálním „krajinářem“ a soustředit se na malířské stojany. Kromě toho byl Lorrain vynikajícím leptadlem; Lept opustil až v roce 1642, nakonec si vybral malbu.

Podle svědectví (německého umělce a spisovatele, jehož rozsáhlé dílo „Německá akademie“ (2. sv., 1675-79) obsahuje cenné informace o umělcích a sbírkách 17. století), „aby pronikl do podstaty z umění krajiny se [Lorrain] různými způsoby snažil přiblížit přírodě: ležel od časného rána do pozdní noci pod širým nebem a snažil se pochopit, jak nejvěrohodněji namalovat svítání za svítání a při západu slunce; a když se mu podařilo ulovit, co hledal, okamžitě zmírnil své barvy podle toho, co viděl, běžel s nimi domů a nanesl je na obrázek, který si naplánoval, čímž dosáhl nejvyšší pravdivosti, před ním neznámé.“ umělec ztvárnil hru slunečních paprsků v různých denních hodinách, svěžest rána, polední horko, melancholické mihotání soumraku, chladné stíny teplých nocí, lesk klidných nebo mírně kymácejících se vod, průhlednost čistého vzduchu a vzdálenost pokrytá lehkou mlhou. V jeho tvorbě lze rozlišit dva styly: obrazy z raného období jeho činnosti jsou malovány silně, hustě, v teplých barvách; pozdější - plynuleji, v chladném tónu. Mýtus. Mýtus vypráví, že jako trest za vraždu Kyklopů, kteří vytvořili blesk pro Apollóna otce Dia, Zeus udělal ze svého syna pastýře. Apollón měl pást stádo krále Adméta, ale ten byl nedbalý na zadaný úkol a chytrý Merkur (Hermes) mu stádo ukradl. Zeus však nařídil Merkurovi vrátit ukradené krávy, načež dovolil Apollónovi znovu zaujmout jeho místo mezi bohy Analýza obrázku. Kompozice obrazu je strukturována tak, aby vtáhla oko diváka hlouběji do obrazu. K tomu jde zakřivená linie pobřeží do dálky. V pozadí je v předúsvitním oparu vidět nádherná idylická krajina s římským akvaduktem. Barevnost malby je typická pro pozdní Lotrinsko a skládá se z převahy studených tónů. Umístění stromů po obou stranách obrazu v popředí vytváří efekt určité teatrálnosti děje, hrdinové mýtu vystupují jako postavy ve hře, kde hlavní postavou je příroda v celé její nádheře. Tuto myšlenku nám napovídá měřítko vyobrazených postav a úhel, pod kterým jsou umístěny (půl otočení k divákovi) Historie vzniku obrazu. Podle záznamu, který udělal Lorrain ve své Knize pravdy, byl tento obraz namalován pro Francescu Aberini. Zřejmě se jednalo o překlep a umělce si objednal buď aristokrat Francesca Alberini, nebo bohatý Říman Francesca Arberini. „Krajina s Apollónem a Merkurem“ je uchovávána v Houlkham Hall od roku 1750. Tehdy jej koupil majitel Houlkham Hall Thomas Coke, první hrabě z Leicesteru Použité zdroje: E. I. Larionova, K. Lorrain. Albom, M., 1979 "Encyklopedie populárního umění." Ed. Polevoy V.M.; M.: Nakladatelství "Sovětská encyklopedie", 1986 Kun N.A. Legendy a mýty starověkého Řecka. Nakladatelství Veche, 2007. William Etty "Hrdina a Leander" 1828-1829. Soukromá sbírka.

Informace o umělci. Etty William (1787-1849), Anglický malíř období romantismu, významný představitel naturalismu a provádění aktů William Etty zaujímá mezi anglickými umělci důstojné místo. Umělec neměl v cítění a dovednostech koloristy v Anglii první poloviny 19. století obdoby. Narozen 10. března 1787 v Yorku. Jeho otec byl mlynář a pekař chleba. Budoucí malíř byl v jedenácti a půl letech nucen opustit otcovu střechu; Na naléhání svého otce byl přidělen jako učeň do tiskárny. Po sedmi letech učení a nudné práce v tiskárně odjela Etty do Londýna.
Pomoc jeho staršího bratra a záštita jeho bohatého strýce pomohly Williamu Ettymu se přímo rozvíjet jako umělec. Etty začala svá studia skicováním krajin, kopírováním různých obrázků, tiskových návrhů a dalších ilustrací; to vše byla první umělecká škola Williama Ettyho. Etty ve Smithfieldu vyrobila kopii starověkého obrazu Cupid a Psyche, který se proslavil a díky němuž byla Etty v roce 1807 přijata jako akademická studentka Somerset House. Etty byla posedlá aktem, který studoval a maloval po celý svůj umělecký život. Jeho obrazy často evokují smyslné vzory a syté barvy děl Tiziana a Petera Paula Rubense. Etty se často pro inspiraci obracela ke klasické mytologii a alegorickým tématům. Jeho díla obdivoval Eugene Delacroix a další romantičtí malíři Děj mýtu. Leander je mladý muž z města, který se zamiloval do Hero, kněžky, která žila v Sestu na druhé straně průlivu. Gero každou noc čekal, až překročí úžinu, a aby se cítil lehčí, zapálil na věži oheň. Leander plaval dál a dostal se na břeh. Jednoho dne oheň vyhasl a Leander nemohl plavat. Ráno bylo jeho tělo přibito k Gerovým nohám. Když ho Gero uviděla, v zoufalství se vrhla z věže do moře. „Věž hrdinů“ byla později zobrazena v Sestě Analýza obrázku. Hrdinové jsou zobrazeni v okamžiku posledního tragického objetí, kdy je život již opustil. Nahá těla, namalovaná v zářivých, smyslných tónech, vynikají na pozadí temného moře a bouřkových mraků. Gerovy černé vlasy a oblečení jako by splývaly se stínem noci. Přes tragičnost děje je kompozice obrazu spíše dynamická, o čemž svědčí diagonální uspořádání postav v popředí, linie nabíhajících vln a rozbouřená obloha. Kombinace červenohnědých, světlých, tmavě modrých a černých tónů v koloraci obrazu umocňuje tragický pocit z toho, co se stalo.Ztělesnění zápletky jinými autory: - v malbě P. Rubens "Hrdina a Leander"
D. Fetty "Hrdina a Leander"
I. K. Aivazovsky "Pohled na věž Leander v Konstantinopoli" - v literatuře Muzeum "Hrdina a Leander" (překlad M. Drinevich, editace M. Grabar-Passek)
Ovidius „Leanderova zpráva hrdince a její odpověď“
F. Schiller "Hrdina a Leander" (překlad V. Levik)
K. Marlowe "Hrdina a Leander" (překlad Yu. Korenev)
A. Fet "Hero and Leander"
A. Kuprin "Hrdina, Leander a pastýř"
M. Pavich "The Inside of the Wind" (román o Hrdinovi a Leandrovi)
J. Van Den Vondel "Hrdina a Leander" (k obrazu Rubense, překlad V. Shvyryaev) - v hudbě Kantáta G. F. Handela (Ero e Leandro HWV 150) Kantáta A. Scarlatti
Opera D. Bottesini (Ero e Leandro, 1879; libreto A. Boito) Symfonická báseň A. Catalani (1884),
Čtvrtá symfonie D. Hesse

Valentin Serov. Znásilnění Evropy. 1910. Olej na plátně.71 x 98. Treťjakovská galerie, Moskva, Rusko.
Informace o umělci. Valentin Aleksandrovič Serov, 1865-1911 Ruský umělec (malíř a grafik), představitel ruského impresionismu a moderny. Narozen v Petrohradě 7. (19. ledna) 1865 v rodině skladatele A.N. Serov a klavírista V.S. Serova (rozená Bergman). V letech 1874-1875 - 1878-1882 navštěvoval soukromé hodiny I.E. Repin, který na něj měl zvláštní vliv; Navštěvoval také kurzy na Petrohradské akademii umění (1880-1885). Serov se citlivě učil jak zkušenostem ze současného zahraničního umění, tak lekcím mistrů renesance a baroka (zejména). Žil v Petrohradě a Moskvě. Hodně cestoval po Rusku a západní Evropě a v roce 1907 navštívil Řecko. Šel jsem do Abramceva. Byl členem „Asociace putujících“ a spolku „World of Art“. Europa byla dcerou fénického krále Agenora. Zeus, který se do ní zamiloval, se princezně a jejím přátelům, kteří se procházeli po mořském břehu, zjevil v podobě krásného býka. Dívky se bavily hraním s býkem a zdobením jeho rohů květinovými girlandami (úlomek girlandy je také vidět na Serovově obrazu). Nakonec se Evropa rozhodla posadit na hřbet býka Dia - ten se vrhl do moře a vzal princeznu na ostrov Kréta, kde se stala manželkou Dia a následně porodila tři syny hrdiny Analýza obrázku. „Obraz „Znásilnění Evropy“ je navržen dekorativně; je psáno ve velkých barevných rovinách, které jsou rytmicky sladěny s živou, pružnou linií, vedoucí k harmonii mezi objemem a rovinou. Serov vytváří vysokou linii horizontu, která mu umožňuje zacházet s prostorem jako s rovinou. Bezbřehé moře je psáno konvenčně a zároveň mistr dosahuje pocitu tloušťky nekonečné hloubky vody, kterou úhlopříčně přes plátno řeže mohutná postava býka - Zeus. Na rozdíl od Dia se postava Evropy zdá malá a bezmocná, jako by se nesměle podřizovala osudu. Její tvář připomíná tvář kůry z řeckých archaických časů; je jako maska s nevidomým pohledem. Postava Evropy je přitom prezentována v komplexní perspektivě a s živým, výrazným pohybem, jako by všechny její síly směřovaly k tomu, aby zůstala na hřbetě býka.“ (4)

„Nečekaně živý a smysluplný pohled býka-Zeuse zdůrazňuje ztuhlost nehybné tváře Evropy – masky archaické kůry, jakýsi symbol veškerého řeckého umění. Jeden z významů jména „Evropa“ je „rozevřený“, což je překvapivě v souladu s obrazem tváře Evropy, který Serov dává. (1)

"Serov byl prvním z umělců, kteří zobrazili mýtus o únosu Evropy, který se odchýlil od původního zdroje, který vypráví o bílém býkovi se zlatými rohy - hnědý býk připomíná malby váz s červenými postavami." (1)

Ztělesnění zápletky od jiných umělců. , G., F., G. a další.

Pieter Bruegel. Krajina s pádem Ikara. 1555-58, olej na plátně, 74 x 112 cm.
Muzeum výtvarných umění (Musées Royaux des Beaux-Arts), Brusel
Informace o umělci.

Pieter Bruegel starší (-) - malíř a grafik, nejznámější a nejvýznamnější z umělců. Mistrovské a žánrové scény. Aby nedošlo k záměně Pietera Bruegela s jeho synem, rovněž malířem, byl starší později pokřtěn jako Bruegel z Mužského. Ze všech Bruegelových dochovaných obrazů je asi třetina v . V ruských muzeích nejsou žádná díla od Bruegela. Některé slavné obrazy: „Saulova sebevražda“, „Obrácení Saula“, Vídeň „Sčítání lidu v Betlémě“, „Masakr neviňátek“, „Námořní bitva v Neapolském přístavu“, „Ikarův pád“.

Mýtus. Podle prastaré legendy se stavitel Daedalus objevil na ostrově Kréta poté, co ve své domovině Attice zabil svého synovce, kterému záviděl. Ten byl velmi talentovaný a dokázal vytvořit nástroje, které lidstvo potřebovalo: pilu, kružítko, hrnčířský kruh. Na Krétě postavil Daedalus pro krále Minose obrovský palác s podzemními labyrinty. V labyrintu žilo hrozné monstrum - Minotaurus. Obyvatelé Athén byli nuceni vzdát hold Minosovi – poslat mladé muže a ženy pro nenasytného Minotaura. To trvalo, dokud Theseus, uvězněný v labyrintu, nezabil Minotaura. Díky Daedalovi hrdina uprchl z Kréty. Rozzlobený Minos nařídil, aby byl Daedalus uvězněn, ale pro sebe a svého syna Ikara vyrobil křídla z ptačího peří. S pomocí křídel opustili otec a syn ostrov. Daedalus varoval svého syna, aby neletěl příliš vysoko, ale Ikaros svého otce neposlouchal a vznesl se vzhůru, k samotnému slunci. Od žáru slunečních paprsků se rozpustil vosk, který držel peříčka pohromadě, a mladík zbavený křídel spadl do moře a utopil se.

Analýza obrázku.

„Při prvním pohledu na obrázek má divák otázku: „Proč se tomu tak říká.“ Ostatně před divákem se odehrávají obrazy poklidného pracovního života: zde oráč kráčí po brázdě, jde za svým koněm, trochu stranou od něj, pastýři mezi stádem ovcí probírají některé své starosti, plachty jsou vlající nad hladinou moře, pohlcená prací a krásou okolní přírody, před níž je smrt jedince jen bezvýznamnou epizodou. Smrt statečného mladého muže nemůže zastavit pohyb života.“ (1)

V 16. století byla legenda o Ikarovi vnímána jako přísné varování pro pyšné a krátkozraké povýšence, kteří zanedbávali svůj osud. Bruegel samozřejmě znal i prastarý zdroj legendy – „Metamorfózy“ od starověkého římského básníka Ovidia, kde se o Daedalovi a Ikarovi létajícím po obloze říká následující:

Každý, kdo je vidí, je rybář s třesoucím se rybářským prutem,
Nebo pastýř s kyjem, nebo oráč opírající se o pluh, -
Všichni zkameněli a oni volně létali po obloze,
Bohové byli považováni za nadpozemské.
Umělec vnesl do svého obrazu postavy pastýře, oráče a rybáře, ale těmto obrazům dal zcela jiný význam. Nevidí Ikara nebo nechtějí vidět: například rybář klidně pokračuje v rybolovu, ačkoli mladý muž spadl do vody přímo před jeho očima. A pastýř se dívá na oblohu, ačkoli jeho ovce jsou na okraji útesu, a oráč a rybář - všichni jsou zaneprázdněni svou prací. „Žádný pluh se nezastaví, když někdo zemře,“ říká holandské přísloví. Obraz je plný klidu a míru. Bruegel interpretuje slavný řecký mýtus velmi nečekaným způsobem. Z nebojácného hrdiny zbyla jen lidská noha mizející v moři. Nikdo si Ikarovy smrti nevšiml: ani pastýř, ani rolník na poli, ani rybář na břehu. Autor filmu udělal vše pro to, aby diváci viděli takzvaný Ikarův pád jako poslední. Náš pohled přitahují dva jasné body - jsou to rolnická košile a žluté slunce nad vodní hladinou. Poté se začneme věnovat drobným světlým detailům - bílé ovečky, bílé hory, loď s bílými plachtami a... plácající se muž vedle této lodi. Hlavní postavou obrazu je slunce a muž je zrnko písku blikající v jeho paprscích.

Sandro Botticelli. Zrození Venuše.

1484-1486. Plátno, tempera. 278,5 x 172,5.

Informace o umělci. Sandro Botticelli - Narodil se v rodině bohatého měšťana Mariana di Vanni Filipepiho. Získal dobré vzdělání. Přezdívka Botticelli („barel“) přešla na Sandra od jeho bratra makléře, který byl tlustý muž. Studoval malbu u jednoho mnicha a převzal od něj vášeň pro zobrazování dojemných motivů, která odlišuje Lippiho historické malby. Poté pracoval pro slavného sochaře. Ve městě pořádá vlastní workshop. Mýtus O původu Afrodity kolují různé příběhy.

Klasická Afrodita se vynořila nahá z nedaleké vzdušné mořské mušle – odtud přezdívka „Cypris“ – a vyjela na mušli ke břehu. ve zlatých diadémech ji korunovali zlatou korunou, ozdobili ji zlatým náhrdelníkem a náušnicemi a bohové žasli nad jejími půvaby a byli zapáleni touhou vzít si ji za manželku.

Analýza obrázku.

Ve Zrození Venuše zobrazil Sandro Botticelli obraz Afrodity Urania - nebeské Venuše, dcery Urana, narozené z moře bez matky. Obraz nezobrazuje samotný porod, ale okamžik, který následoval, kdy Venuše, hnaná dechem géniů vzduchu, dosáhne břehu. Kromě Venuše je na obraze vyobrazena nymfa Ora, která je ztělesněním přírody, je připravena zakrýt Venuši pláštěm. Ora je jednou ze tří hor, nymf ročních období. Tato Hora, soudě podle květů pokrývajících její šaty, je patronkou jara, toho ročního období, kdy síla Venuše dosahuje svého vrcholu. Možná byl tento obraz inspirován jedním z Homérových hymnů, který popisuje, jak Zefýr, bůh západního větru, přivedl Venuši na ostrov Kypr, kde ji Hory přijaly.

V póze Venuše lze zaznamenat vliv klasického řeckého sochařství (držení těla, podepření postavy na jedné noze, gesto rukou). Proporce těla zjevně vycházejí z kánonu harmonie a krásy, rozvíjeného rovněž.

Kompozici obrazu lze díky čelnímu obrazu Venuše ve středu, symetricky umístěným postavám vpravo a vlevo, definovat jako statickou. Tato kompozice činí obraz klidným a majestátním. A linie Orina závoje a Zephyrova pláště, linie jejich těl, Venušiny vlasy, padající květiny a rytmus vln naplňují obraz vnitřním pohybem, pohybem vzduchu. Barevnost obrazu lze definovat jako jemnou, láskyplnou, dokonce i pro Orův plášť zvolila umělkyně tlumený červený tón, umožňující zvýraznění, ale nezpůsobující podráždění.

„Mezi Botticelliho inovacemi bylo důležité použití plátna, spíše než desky, pro dílo tak velkých rozměrů. Do pigmentů přidal minimální množství tuku, takže plátno zůstalo dlouho pevné a elastické a barva nepraskala. Bylo také zjištěno, že Botticelli na obraz nanesl ochrannou vrstvu vaječného žloutku, díky které bylo „Zrození Venuše“ dobře zachováno. (3)

William Waterhouse. Pandora otevírá rakev. 1896 Nalezeno v soukromé sbírce Informace o umělci. John William Waterhouse, anglický umělec.
John William Waterhouse se narodil v roce 1849 v Římě jako syn umělce. V 50. letech 19. století se rodina vrátila do Anglie. Před vstupem do Royal Academy School v roce 1870 Waterhouse pomáhal svému otci v jeho studiu.

Poměrně často je klasifikován jako prerafaelita, i když k tomuto hnutí formálně nepatřil. Waterhouse podporoval prerafaelskou myšlenku půjčování témat z poezie a mytologie. Se zvláštní přesností zprostředkoval drama okamžiku a také prokázal brilantní mistrovství kompozice a malířské techniky. Umělec vděčí za svou oblibu kouzlu a šarmu svých promyšlených modelů.

Waterhouseovo dílo bylo chváleno kritiky, jeho pověst byla vysoká a mladší umělci ho napodobovali. Za svůj život namaloval přibližně 200 obrazů na mytologická, historická a literární témata.

Je jedním z mála umělců, kteří se během svého života proslavili a díky svým dílům mohli žít v hojnosti.

Mýtus. Pandora - řečtina "nadaný ve všech směrech." Pandora byla první ženou, kterou vytvořil z vůle Dia Héfaistos jako trest za to, že Prométheus ukradl lidem oheň z nebe. Pandora měla být nástrojem pomsty. Héfaistos vytesal Pandoru ze země a vody, dal svému stvoření podobu podobnou bohyni, lidský hlas a krásu. Afrodita obdařila Pandoru krásou, Hermés vychytralostí, lstí, lstí a výmluvností. Athéna utkala krásné oblečení pro Pandoru. Jiní bohové také dávali dary Pandoře.
Zeus dal Pandoru za ženu Prométheovu bratrovi Epimétheovi, kterému porodila dceru Pyrrhu. Epithemy, navzdory varováním Promethea, přijal jako dar od Dia krabici, ve které byly obsaženy všechny lidské neřesti, neštěstí a nemoci. Pandora, zmítaná zvědavostí, ji otevřela a rozpoutala katastrofy, které od té doby sužují lidstvo. Na dně zůstala jen naděje, protože Pandoře se podařilo zabouchnout víko.
Alegoricky je Pandořina skříňka nádobou problémů; dárek plný problémů. Analýza obrázku.

V popředí obrázku je dívka neobyčejné krásy. Její polonahá postava je umístěna ve středu obrazu, ve statické póze, což spolu s absencí diagonálních linií a převahou vertikálních a horizontálních linií vytváří statickou kompozici, která je zde nezbytná pro vytvoření nálady. beznaděje a nezvratnosti toho, co se stalo - potíže pominuly a není cesty zpět.

K umocnění tragiky toho, co se děje, použil umělec specifickou barvu (odstíny šedé, hnědé, bažina), proti níž nahé Pandořino tělo přitahuje pozornost a zdá se dojemně nechráněné na pozadí přerušovaných čar temného lesa v pozadí. Čtyři světla blikající v dálce vytvářejí mystické napětí i proto, že dávají prostor fantazii, mohou to být okna, nebo to mohou být oči příšer - les takový předpoklad plně umožňuje.

Samotnou Pandoru, která je nepochybně dějovým a kompozičním centrem, zvýrazněným barvou, osvětlením, zvětšením obrazu, je umělkyní líčena jako poněkud odlišná od mýtu, její póza naznačuje, že je sama překvapena tím, co se děje a co udělala. Nedělejte to ze zlého úmyslu, její tvář nemůže patřit ženě, kterou Hermes obdařil záludnost, lstivost, záludnost.

Rakev zobrazená vedle Pandory je neobvykle krásná, kdyby byla vyrobena ve zlatě, přitáhla by pozornost ženy, která nebyla tak slabá (její vzhled působí takovým dojmem) jako Pandora. Mimochodem, jeho umístění na levé straně obrázku plně odpovídá zvláštnostem našeho vidění – díváme se na obrázek zleva doprava a do našeho zorného pole se dostává téměř před Pandorou.

Další prvek zobrazený na obrázku vyžaduje pochopení – zdroj, který někde začíná a plyne, zabírající přibližně polovinu prostoru, vpravo od Pandory. V obraze se pohybuje pouze on, zřejmě symbolizující pomíjivost života, navzdory čemuž je Diův plán zdokonalený Pandorou věčný.

Úvod

1. Hlavní část

"Království Flory" je jedním z Poussinových obrazů, který se vyznačuje jemným a bohatým vývojem barev.

Závěr

mýtus umělecká malba Bryullov

Seznam informačních zdrojů

· http://citaty.su/
· http://muzei-mira.com
· http://jivopis.org
· http://www.miifyrima.ru/
· https://ru.wikipedia.org