Moderní klavíristé. Nejlepší jazzoví pianisté všech dob

MSE "Škola umění okresu Shemonaikha Akimat"

Výzkumný projekt

Skvělí klavíristé – interpreti

19., 20., 21. století

Připravil: Tayurskikh Daria 5. třída

Podfatilov Denis 3. tř

Vedoucí týmu:

učitelka umělecké školy

Dobzhanskaya Yu.B.

G. Shemonaikha, 2016.

Úvod………………………………………………………………………...2

XIX století…………………………………………………………………..3

XX století………………………………………………………………………………………………..13

XXI století……………………………………………………………………………………….24

Závěr…………………………………………………..............

... "klavír - je to začátek a konec všeho, ani ne tak hudební nástroj, jako způsob života, a smysl není v hudbě pro hudbu, ale v hudbě pro klavír.“

Herold Schonberg

Pianisté– Tento hudebníci, specializující se na klavírní provedení hudebních děl.

Skvělí klavíristé. Jak se lidé stanou skvělými klavíristy? To je vždy obrovské množství práce. A vše začíná v dětství. Mnoho klavíristů a skladatelů začalo studovat hudbu ve věku 4 nebo dokonce 3 let.Poté, když se vytvoří „široký“ tvar dlaně, který v budoucnu pomůže hrát mistrovsky.

V závislosti na době vývoje klavírní hudby byly někdy kladeny na klavíristy diametrálně odlišné požadavky. Profese hudebníka se navíc nevyhnutelně překrývá s profesí skladatele. Většina klavíristů si skládá vlastní klavírní hudbu. A pouze vzácným virtuosům se podařilo proslavit tím, že předváděli výhradně cizí melodie.
Pro klavíristu je každopádně jako pro každého hudebníka důležité být upřímný a emotivní, umět se ztratit v hudbě, kterou hraje.

Historie klavírní hudby je docela zajímavá. Je v něm několik etap, z nichž každá má své vlastní tradice. Často byly kánony určité doby stanoveny jedním (méně často několika) skladateli, kteří mistrně hráli na nástroj (nejprve to bylo cembalo, později klavír).

Zdůrazňují proto tři epochy v historii klavíru a jsou pojmenovány po nejslavnějších skladatelích - Mozartovi, Lisztovi a Rachmaninovovi. Použijeme-li tradiční terminologii historiků, šlo o období klasicismu, dále romantismu a rané moderny, resp.

Každý z nich zůstal po staletí velkým skladatelem, ale ve své době každý definoval i klíčové směry v pianismu: klasicismus, romantismus a ranou modernu. S každým z nich přitom souběžně účinkovali další skvělí klavíristé. Někteří z nich byli také skvělí skladatelé. Byli to: Franz Schubert, Ludwig van Beethoven, Johann Brahms, Frederic Chopin, Charles Valentin Alkan, Robert Schumann a další.

Pokud se vydáte na výlet do historie klavírní vědy, můžete se dozvědět spoustu zajímavých věcí. Například, že v různých dobách, v různých dobách byly klíčové tradice ve hře na klavír určovány jedním nebo více velkými skladateli, kteří plynule ovládali hru na cembalo a později, s příchodem klavíru, byli vynikajícími klavíristy.

Mnoho slavných účinkujících klavíristů bavilo a potěšilo posluchače a milovníky hudby v průběhu historie. Klavír se stal od svého vynálezu jedním z nejoblíbenějších nástrojů pro svou všestrannost a příjemný zvuk. Přestože historie uchovala několik jmen skvělých klavíristů, jakékoli hodnocení nejslavnějších klavíristů je velmi subjektivní a jména takových interpretů se jen těžko vejdou do jednoho seznamu.

Stále však existují klavíristé, kteří dokázali vystoupat na vrchol celosvětové slávy a uznání.

XIXstoletí

Ve druhé polovině 19. století vstoupil do hudebního života nový nástroj - klavír. Vynálezcem tohoto „cembala s klavírem a forte“ byl padovský mistr

Bartolomeo Cristofori.

Postupným zdokonalováním klavír zaujal dominantní místo v hudební praxi. Nástroj s kladívkovou mechanikou umožňoval vytvářet zvuky různé síly a aplikovat je postupně crescendoAdiminuendo. Tyto vlastnosti klavíru odpovídaly touze po emocionální expresivitě zvuku, po přenášení v jejich pohybu a rozvíjení obrazů, myšlenek a pocitů, které lidi znepokojovaly.

S nástupem klavíru a jeho zavedením do interpretační praxe se zrodili noví představitelé.

19. století představil plejádu vynikajících skladatelů, kteří výrazně rozšířili hranice technických a výrazových prostředků klavíru. V největších městech, evropských centrech hudební a divadelní kultury, velkých klavírních školách, Tento:

Londýn(Muzio Clementi, Johann Baptist Kramer, John Field);

vídeňský(Ludwig van Beethoven, Johann Nepomuk Hummel, Karl Czerny, Ignaz Moscheles, Sigismund Thalberg aj.);

Pařížský, později známý jako francouzština(Friedrich Kalkbrenner, Henri Hertz, Antoine Francois Marmontel, Louis Diemer aj.);

Němec(Carl Maria Weber, Ludwig Berger, Felix Mendelssohn-Bartholdy, Robert Schumann, Hans Bülow aj.);

ruština(Alexander Dubuk, Michail Glinka, Anton a Nikolaj Rubinsteinovi atd.).

Styl představení 19. století

Historie vývoje klavírní techniky je historií kultur a stylů. Mezi nepostradatelné dovednosti klavíristy 18. a 19. století měla patřit improvizace, tehdy se klavírista ještě neoddělil od skladatele, a pokud hrál hudbu někoho jiného, ​​pak bylo pravidlo považováno za velmi svobodné, individuálně tvůrčím zpracováním hudebního textu došlo k nácviku barvení a variací, což je nyní považováno za nepřijatelné.

Styl mistrů 19. století byl naplněn takovou uměleckou zvůlí, že bychom jej považovali za zcela nevkusný a nepřijatelný.

Významnou roli ve vývoji klavírní hudby a pianistické kultury patří londýnské a vídeňské školy.

Zakladatelem londýnské školy byl slavný virtuos, skladatel a učitel

Muzio Clementi (1752-1832)

Muzio Clementi a jeho studenti hráli na anglické piano, které mělo skvělý zvuk a vyžadovalo jasné, silné stisknutí kláves, protože tento nástroj měl velmi těsnou klaviaturu. Vídeňský klavír, navržený mistrem Johannem Steinem a oblíbený u Mozarta, měl melodičtější, i když ne tak silný zvuk, a měl poměrně lehkou klaviaturu. Proto, když se Clementi stal ředitelem a poté spolumajitelem jedné z největších klavírních společností v Anglii, dosáhl vylepšení anglických nástrojů, které jim dodaly větší melodičnost a odlehčily klaviaturu. Impulsem k tomu bylo Clementiho osobní setkání s Mozartem v roce 1781 ve Vídni, kde se na dvoře rakouského císaře konala jejich osobitá soutěž skladatelů a klavíristů. Clementiho zasáhla upřímnost Mozartovy hry a jeho „zpívání na klavír“.

Muzio Clementi - autor četných klavírních děl a významný pedagog, vytvořil vlastní školu klavírní hry. Byl autorem prvních instruktážních technických cvičení a etud v dějinách klavíru, dával představu o jeho metodických principech.

Sám Clementi a jeho žáci (I. Kramer, D. Field – jeden z nejnadanějších žáků E. Brekr) – významní virtuosové počátku 19. století – se vyznačovali vynikající prstovou technikou. Clementi spolu se svými studenty vytvořil progresivní metodiku zaměřenou na vývoj nových způsobů interpretace nástroje, využití plnohodnotného „koncertního“ zvuku a reliéfní perspektivy. Pedagogické dílo M. Clementiho „Krok na Parnas aneb umění hry na klavír, vtělené do 100 cvičení v přísném a elegantním stylu.“ Tato práce je základní školou pro rozvoj klavírních dovedností, 100 cvičení ohromí rozmanitostí obsahu a rozsahem zadaných výkonových úkolů. Řada představitelů londýnské školy byla odvážnými inovátory na poli pianismu, kteří ve svých skladbách využívali kromě prstových pasáží i dvojnoty, oktávy, akordové formace, repetice a další techniky dodávající zvuku brilanci a pestrost.

Škola Clementi dala vzniknout určitým tradicím v klavírní pedagogice:

princip mnoha hodin technických cvičení;

hrát si s „izolovanými“ prsty ve tvaru kladiva s nehybnou rukou;

přísnost rytmu a kontrastní dynamika.

Zakladateli vídeňské školy byli velcí pianističtí skladatelé: Haydn, Mozart a Beethoven.

Významný představitel progresivní klavírní pedagogiky se těšil velké slávě

Karl (Karel) Czerny (1791-1857)

Czerného „Teoretická a praktická klavírní škola“ má mnoho podobností s Hummelovým „Manuálem“. Hovoří-li podrobně o technice hry, o způsobech jejího rozvoje a získávání dovedností nezbytných pro klavíristu, ve třetí části své práce zdůrazňuje, že to vše je pouze „prostředek k dosažení skutečného cíle umění. , která má nepochybně vložit duši do představení a ducha a tím ovlivnit pocity a myšlenky posluchačů.“

Je třeba uzavřít, že výukové metody 19. století byly zredukovány na čistě technické úkoly, které vycházely z touhy rozvíjet sílu a plynulost prstů mnohahodinovým tréninkem. Spolu s tím v první polovině 19. století nejnadanější interpreti, většinou studenti Clementiho, Adama, Czerného, ​​Fielda a dalších vynikajících pedagogů, kteří dosahovali vysoké virtuozity, směle rozvíjeli nové techniky klavírní hry a dosahovali síla zvuku nástroje, jas a brilantnost složitých pasáží. Zvláštní význam v textuře jejich děl měly akordové struktury, oktávy, dvojnoty, zkoušky, techniky ručního posunu a další efekty vyžadující účast celé ruky.

Paříž 19. století - je centrem hudební kultury a virtuózní dovednosti. Je považován za zakladatele pařížské školy klavírní hry skladatel, klavírista, pedagog

Friedrich Kalkbrenner (1785-1849)

Jeho dílo „Metoda pro výuku hry na klavír pomocí násadce“ (1830) doložilo použití technických zařízení pro rozvoj různých druhů techniky (jemné, protahování svalů atd.). Vlastnosti školy tohoto typu jsou společenstvím autoritativní pedagogiky instalací. Výcvik začal správným postavením u nástroje a zvládnutím nejjednodušších motoricko-technických vzorců a teprve mnohem později se žáci začali učit hudební skladby.

Touha po virtuozitě vedla ke zrychlení tempa hodin, zneužívání cvičení mechanického charakteru, což vedlo k nemocem z povolání a snížení kontroly sluchu.

Německo 19. století Významný je vliv literárněkritické a pedagogické činnosti na romantickou estetiku této země

Roberta Schumannová (1810-1856)

Významné místo v díle Roberta Schumanna zaujímal vývoj otázek formování hudebníka - skutečného umělce nového typu, zásadně odlišného od módních virtuózů. Skladatel to považuje za jeden z nejúčinnějších prostředků k povznesení hudební kultury.

Problémy hudební pedagogiky se dotýkají díla R. Schumanna „Domov a životní pravidla pro hudebníky“, „Příloha k albu pro mládež“, v předmluvě k Etudám podle rozmarů Paganiniho Or.Z. Obsah Mezi hlavní hudební a pedagogické otázky patří: interakce etické a estetické výchovy, získání hlubokých a všestranných znalostí, které tvoří základ každého tréninku, formulace zásad vážného umění a kritika salonního trendu a vášně za „techniku ​​pro technologii“ ve skládání a scénickém umění, boj proti amatérismu.

Schumannovy hudební a pedagogické názory sloužily a slouží jako základ vyspělých moderních metod. Klavírní hudba skladatele je stále aktivně využívána ve vzdělávacích programech na všech úrovních.

O tak skvělém skladateli a virtuózním polském pianistovi nelze neříct

Frederic Chopin (1810-1849)

V první polovině 19. století se Frédéric Chopin stal prvním skladatelem, který psal hudbu výhradně pro klavír. Jako nadané dítě napsal Chopin mnoho krásných a složitých klavírních skladeb, které v průběhu let potěšily mnoho studentů a umělců klavíru. Chopin rychle dobyl Paříž. Svým originálním a nevšedním výkonem diváky okamžitě ohromil. V té době byla Paříž zaplavena hudebníky z různých zemí. Nejoblíbenější byli virtuózní klavíristé. Jejich hra se vyznačovala technickou dokonalostí a brilantností, která ohromila publikum. První Chopinovo koncertní vystoupení proto vyznělo tak ostrým kontrastem. Podle vzpomínek současníků byl jeho výkon překvapivě duchovní a poetický. Slavný maďarský hudebník Franz Liszt vzpomíná na první Chopinův koncert. Také začínající svou skvělou kariéru pianisty a skladatele: „Pamatujeme si jeho první vystoupení v Pleyel Hall, kdy se zdálo, že potlesk, který sílil s dvojnásobnou silou, nedokázal dostatečně vyjádřit naše nadšení tváří v tvář talentu, který spolu s radostí inovace v oblasti jeho umění otevřely novou etapu ve vývoji básnického cítění.“ Chopin dobyl Paříž, stejně jako kdysi Mozart a Beethoven dobyli Vídeň. Stejně jako Liszt byl uznáván jako nejlepší klavírista na světě.

Maďarský skladatel, klavírista, dirigent, pedagog

Franz Liszt (1811-1886)

Současník a přítel F. Chopina. Ferencovým učitelem klavíru byl K. Czerny.

Liszt vystupoval na koncertech od svých devíti let a nejprve se proslavil jako virtuózní pianista.

V letech 1823-1835. žil a koncertoval v Paříži, kde probíhala i jeho pedagogická a skladatelská činnost. Zde se hudebník setkal a sblížil s G. Berliozem, F. Chopinem, J. Sandem a dalšími významnými osobnostmi umění a literatury.

V letech 1835-1839 Liszt cestoval do Švýcarska a Itálie a během tohoto období dovedl své dovednosti jako pianista k dokonalosti.

Liszt ve své skladatelské práci prosadil myšlenku syntézy několika umění, především hudby a poezie. Jeho hlavní princip je tedy programový (hudba je komponována pro konkrétní děj nebo obrázek). Výsledkem cestování po Itálii a seznamování se s obrazy italských mistrů byl klavírní cyklus „Roky putování“ a fantazijní sonáta „Po přečtení Danteho“.

Franz Liszt také významně přispěl k rozvoji koncertní klavírní hudby.

Hudební kultura Ruska v 19. století. vypadá jako jakýsi „stroj času“. Za sto let prošlo Rusko třísetletou cestu, s níž se plynulý a postupný rozvoj národnostně kompozičních škol ve velkých západoevropských zemích nedá srovnávat. A teprve v této době byli ruští skladatelé schopni v pravém slova smyslu ovládnout nashromážděné bohatství lidového umění a oživit myšlení lidí v krásných a dokonalých formách vážné hudby.

Koncem 18. - začátkem 19. stol. Hudební pedagogika v Rusku podniká první kroky: vzniká ruská klavírní škola. Vyznačuje se aktivním rozvojem zahraničních vyučovacích metod a zároveň touha pokročilých ruských učitelů vytvořit národní školu klavíru.

Na rozdíl od západní Evropy Rusko neznalo vysoce rozvinutou klavírní kulturu, ačkoli cembalo bylo známé již od 16. století. Ruští posluchači projevovali velký zájem výhradně o vokální hudbu a k doprovodu zpěvu a tance se používaly klávesové nástroje, které existovaly v Rusku. Teprve koncem 18. stol. Zájem o výuku hry na klavír roste. V ruštině byly publikovány Clavichordská škola Simona Leleina a úryvky z „Clavier School“ Daniela Gottlieba Türka.

Počátek 19. století se datuje od vydání pojednání Vincenza Manfrediniho „Harmonická a melodická pravidla pro výuku veškeré hudby“. Spolu s tím v první polovině 19. století vycházely v ruštině různé klavírní školy zahraničních hudebníků: „Škola hry na klavír“ od M. Clementiho (1816), „Úplná praktická škola pro klavír“ od D. Steibelta ( 1830), „Škola“ od F. Guntena (1838) a dalších.

Mezi významné hudebníky-pedagogy první poloviny 19. stol. byli tam I. Prach, John Field, Adolf Henselt, A. Gerke, Alexander Villuan.

V těchto letech vznikaly v Rusku i školy domácích autorů, jejichž sestavovatelé se snažili přiblížit metody výuky úkolům výchovy ruských hudebníků. Repertoár „Školy“ I. Prachy (Čech, vlastním jménem Jan Bohumír, rok narození neznámý, zemřel 1818; skladatel, který působil dlouhou dobu v Petrohradě jako učitel hudby v různých vzdělávacích institucích) zahrnoval , například mnoho děl ruských autorů.

V originálním návodu I. Praha„Úplná škola pro klavír...“ (1806) zohledňovala specifika ruské interpretační kultury; byly nastoleny otázky hudební výchovy dětí. Prach významně přispěl k rozvoji klavírní pedagogiky. Konkretizuje teoretická ustanovení na základě metodických pokynů, které určují různé způsoby provedení (harmonické figurace, arpeggia a akordy, lomené oktávy atd.) s příklady ilustrujícími konkrétní techniku ​​nebo pohyb.

Aktivita J. Field jako hudebník a pedagog měl velký význam pro ruskou klavírní pedagogiku. Vyškolil plejádu slavných hudebníků, jako jsou M. Glinka, A. Verstovsky, A. Gurilev, A. Gerke a mnoho dalších. Polní škola měla samozřejmě velký význam. Lze ho považovat za zakladatele přední klavírní školy. Ve 20-30 letech. 19. století Field se ve studiích snažil podřídit technickou práci uměleckým cílům: expresivní frázování, filigránové doladění zvuku každé noty, odhalení obsahu díla.

A. HenseltAA. Gehrke

Vyučovali ve všeobecně vzdělávacích institucích a na petrohradské konzervatoři. Jejich pedagogická metoda odrážela progresivní směr ruské klavírní školy, a to: rozvoj obzorů založený na použití rozsáhlého repertoáru, touha podporovat samostatnost studentů. Byli horlivými odpůrci metod „školení“ a „vrtání“.

A. Villuan byl pokrokově smýšlející učitel. Jeho historická role spočívá v tom, že v dětství rozpletl hudební talent A. Rubinsteina a dokázal dát správný směr jeho vývoji. Nejlepší aspekty Villouinovy ​​pedagogické metody, projevující se v jeho praktické činnosti, se odrážely v jeho „Škole“ (1863). Způsob zvukové produkce, který objevil – „zpívání“ na klavír – se stal jedním z mocných uměleckých prostředků hry A. Rubinsteina. „Škola“ pokrývá velké množství znalostí souvisejících s technickou přípravou a hudebním vzděláním klavíristy. Cenné jsou zejména Villouinovy ​​názory na dosažení melodického, hlubokého zvuku klavíru, na rozvíjení legata, k čemuž se používají fundované postupy, které dodnes neztratily svůj význam.

V historii ruského předrevolučního a porevolučního umění patří vedoucí role Petrohradské a moskevské konzervatoře

největší centra hudební kultury v zemi. Činnost obou konzervatoří se vyvíjela v těsném kontaktu, což bylo dáno nejen shodností jejich úkolů, ale i tím, že studenti petrohradské konzervatoře často působili v Moskvě a Moskvané se stali učiteli petrohradské konzervatoře. .

Tak P. I. Čajkovskij vystudoval petrohradskou konzervatoř, poté se stal jedním z prvních profesorů na moskevské konzervatoři; L. Nikolajev (žák V. Safonova na Moskevské konzervatoři) - později jeden z předních představitelů klavírní školy v Leningradu; Nikolajevovi studenti V. Sofronitsky a M. Yudina působili několik let v Moskvě.

Zakladatelé Petrohradské a Moskevské konzervatoře, bratři

Anton a Nikolaj Rubinsteinovi,

Za léta vedení konzervatoří položili zásadní základy pro výchovu mladých hudebníků. Jejich studenti (A. Siloti, E. Sauer - studenti Nikolaje; G. Cross, S. Poznanskaya, S. Drucker, I. Hoffman - studenti Antona) se stali prvorozenými v galaxii mladých umělců, kteří získali uznání od světové hudební komunity.

Snahou bratří Rubinsteinů získala ruská klavírní pedagogika v poslední třetině 19. století. obrovskou autoritu a mezinárodní uznání. Právě jim Rusko vděčí za to, že obsadilo jedno z prvních míst ve výuce hry na klavír.

Můžeme dojít k závěru, že jak západoevropští, tak ruští vyspělí hudebníci-učitelé 19. století hledali rozumné, originální způsoby, jak na studenta působit. Hledali efektivní způsoby, jak zefektivnit technickou práci. Tvořivě využívající tradice klavírní hudby a myšlenky, které se rozvinuly v předchozích staletích o podstatě procesu formování klavírní techniky hraní, metodologie 19. století. dospěl k opodstatnění vhodného herního principu – holistického využití klavírního aparátu. Právě v 19. století vznikl vskutku grandiózní základ etud a cvičení, který je dodnes ve výuce hry na klavír nepostradatelný.

Analýza hudebního materiálu ukazuje, že jeho tvůrcům je vlastní touha hledat přirozené herní pohyby, prstokladové principy spojené se strukturálními rysy lidské ruky.

Zároveň je třeba poznamenat, že 19. stol. dal hudební pedagogice a školství systém brilantních nadějných myšlenek a především chuť vychovat vzdělaného hudebníka účelným rozvojem jeho tvůrčí individuality.

XXstoletí

20 století - rozkvět klavírního umění. Toto období je neobyčejně bohaté na mimořádně talentované, vynikající klavíristy.

Na počátku 20. století se proslavili Hoffman A Cortot, Schnabel A Paderewski. a přirozeně, S. Rachmaninov, génia stříbrného věku, který znamenal novou éru nejen v klavírní hudbě, ale i ve světové kultuře jako celku.

Druhá polovina 20. století je dobou tak slavných klavíristů, jako jsou Svjatoslav Richter, Emil Gilels, Vladimír Horowitz, Arthur Rubinstein, Wilhelm Kempff.Seznam pokračuje...

Styl představení 20. století

***

Jde o touhu po hlubokém porozumění hudebnímu textu a po přesném přenosu skladatelova záměru a pochopení stylu a charakteru hudby jako základu pro realistickou interpretaci uměleckých obrazů vložených do díla.

***

Konec 19. – začátek 20. století. - mimořádně rušné období v dějinách světové umělecké kultury. Konfrontace mezi demokratickou kulturou mas, které stále více vstupovaly do boje za svá sociální práva, a elitní kulturou buržoazie se extrémně zintenzivnila.

Největší umělci této doby rozpoznali rysy krize ve vývoji nové hudby: „Žijeme v době, kdy základ lidské existence zažívá šok,“ tvrdil I. F. Stravinskij, moderní člověk ztrácí smysl pro hodnotu a stabilitu .... Jelikož je duch sám nemocný, pak hudba naší doby a zejména to, co tvoří, co považuje za pravdivé, s sebou nese známky patologické nedostatečnosti.“ Podobná vyznání mohla zaznít nejednou z úst jiných hlavní hudebníci.

Ale navzdory krizovým dopadům éry dosáhla hudba nových skvělých výšin. Klavírní pedagogika byla obohacena o mnoho zajímavých děl. Pozornost autorů publikovaných prací byla směřována k otázkám výtvarné dovednosti studentů.

Nejvýznamnější učitelé klavíru G. Neuhaus, G. Hoffman, I. Kogan vyvinuli metody pro úspěšné učení studentů.

Heinrich Gustavovič Neuhaus (1888-1964) - klavírista, pedagog, hudební skladatel. Zakladatel největší sovětské klavírní školy. Vše, o čem píše, je prodchnuto vášnivou láskou k umění, ke klavírní hudbě a performance.

Nejvíce nás zajímá kniha s názvem „O umění hry na klavír“.

Kniha je psána živým, obrazným jazykem, plná soudů o mnoha skladatelích, interpretech a učitelích. Přináší nové problémy a otázky, které trápí každého pianistu. Je v ní mnoho stránek, které mají charakter hudební autobiografie, věnované vzpomínkám na vlastní tvůrčí cestu. V této improvizaci však jasně vyvstávají autorovy názory na klavírní umění a úkoly učitele. Neuhaus ve svých dílech píše o uměleckém obrazu, rytmu, zvuku, práci na technice, prstokladu a šlapání, úkolech učitele a žáka i koncertní činnosti hudebníka.

S velkou přesvědčivostí ukazuje, že tzv. „učebnicová“ metoda, která dává hlavně recept – „tvrdá pravidla“, i když pravdivá a osvědčená, bude vždy jen počáteční, zjednodušenou metodou, neustále potřebující vývoj, upřesňování. , při konfrontaci s reálným životem.sčítání, nebo, jak sám říká, „v dialektické transformaci“. Ostře a temperamentně se v pedagogické práci staví proti „koučovací metodě“ a „nekonečnému vysávání stejných děl“ proti falešnému postoji, že „režie dokáže se studenty všechno“. Usiluje o dialektické řešení nejen obecných hudebních a interpretačních problémů, ale i konkrétnějších technických problémů.

Neuhaus, když definuje roli učitele, věří, že učitel by se měl snažit nebýt ani tak učitelem klavíru, jako spíše učitelem hudby.

Ve své pedagogické práci věnoval Neuhaus zvláštní pozornost vztahu „hudebního“ a „technického“. Hledal tedy především překonání technické nejistoty a strnulosti studentových pohybů ve sféře vlivu na psychiku studenta, ve způsobech hudby samotné. Totéž učinil, když svým studentům doporučoval metody pro práci na „obtížných místech“. Podle jeho názoru by vše „obtížné“, „složité“, „neznámé“ mělo být pokud možno redukováno na něco „snadnějšího“, „jednoduchého“, „známého“; zároveň důrazně doporučil neopouštět metodu zvyšování obtížnosti, protože s pomocí této metody hráč získává dovednosti a zkušenosti, které mu umožní problém zcela vyřešit.

Neuhaus se nakonec ve všem snažil přiblížit studentovi hudbu, odhalit mu obsah předváděného díla a vdechnout mu nejen živý básnický obraz, ale také podrobně rozebrat formu a struktura díla - melodie, harmonie, rytmus, polyfonie, textura - jedním slovem odhalit studentovi zákonitosti hudby a způsoby její realizace.

Mluvit o rytmus Neuhaus jako jeden z nejdůležitějších prvků, které tvoří proces provedení, zdůrazňuje obrovský význam „smyslu pro celek“, schopnosti „dlouhého myšlení“, bez níž klavírista nemůže uspokojivě zahrát žádné velké dílo z hlediska pohled na formu.

Za velkou chybu pianisty považuje autor podcenění. zvuk (nedostatečný poslech zvuku) a jeho přecenění, tedy „vychutnávání si jeho smyslné krásy“. Neuhaus tímto položením této otázky redefinuje pojem krásy zvuku – nikoli abstraktně, bez spojení se stylem a obsahem, ale vyvozuje jej z pochopení stylu a charakteru hrané hudby.

Zároveň zdůrazňuje, že samotná hudební práce a „hudební sebevědomí“ neřeší otázku zvládnutí klavírní techniky. Nezbytná je také fyzická příprava, včetně pomalé a silné hry. „Při této práci,“ dodává, „je třeba dodržovat následující pravidla: ujistěte se, že paže, celá paže, od ruky až po ramenní kloub, je zcela volná, nikde „nemrzne“, neštípe, „netvrdne“, neztrácí svou potenciální (!) pružnost při zachování naprostého klidu a používání pouze těch pohybů, které jsou vyloženě „nezbytné“.

Určení vašeho pohledu na prstoklad, Neuhaus píše, že nejlepší prstoklad je ten, který umožňuje přesněji zprostředkovat význam dané hudby. Za nejkrásnější a esteticky oprávněný označuje prstoklad spojený s duchem, charakterem a hudebním stylem autora.

Neuhaus definuje problém podobným způsobem šlapání. Správně říká, že obecná pravidla, jak sešlápnout pedál, se vztahují k uměleckému šlapání, stejně jako se některá část syntaxe vztahuje k jazyku básníka. V podstatě podle něj neexistuje správný pedál. Umělecký pedál je neoddělitelný od zvukového obrazu. Tyto myšlenky jsou v knize podpořeny řadou zajímavých příkladů, z nichž je zřejmé, jakou důležitost přikládal autor různým technikám šlapání.

Lze jen říci, že Neuhaus pohlížel na klavíristovu techniku ​​jako na něco organicky spojeného s chápáním hudby a uměleckými aspiracemi. To je vlastně základ sovětské interpretační školy obecně a zvláště školy Neuhaus, která vychovala tak skvělé umělce jako S. Richter, E. Gilels, J. Zak a mnoho dalších vynikajících klavíristů.

Články a knihy představují jedinečný příspěvek sovětské klavírní škole

Grigorij Michajlovič Kogan (1901-1979)

V knize „At the Gates of Mastery“ autor hovoří o psychologických předpokladech úspěchu pianistické práce. V této práci identifikuje „tři hlavní vazby“: jasnou vizi cíle, zaměření na tento cíl a vytrvalou vůli jej dosáhnout. Správně poznamenává, že tento závěr není nový a platí nejen pro klavíristy, ale pro jakýkoli obor umění a lidské pracovní činnosti.

V předmluvě ke knize hovoří o důležitosti psychiky klavíristy, o roli správného psychologického naladění, které je nezbytnou podmínkou úspěšné praxe v jeho práci. Toto téma je velmi zajímavé nejen pro účinkující, ale také pro učitele, na kterých hodně závisí formování psychiky studenta a jeho psychologického naladění.

Když mluvíme o cíli, vůli, pozornosti, koncentraci, sebeovládání, představivosti a dalších prvcích, které určují úspěch v práci pianisty, Kogan k nim přidává potřebu vášnivé touhy vyjádřit koncipované a milované hudební obrazy v ideální formě. Zvláštní pozornost věnuje problematice „tvůrčího klidu“ a vzrušení interpreta před vystoupením a při hraní na koncertě.

S ohledem na různé fáze práce pianisty na skladbě Kogan podrobně charakterizuje tři fáze tohoto procesu: 1) prohlížení a předběžné přehrávání, 2) učení po částech, 3) „sestavení“ díla jako konečná fáze.

Kogan se podrobně věnoval otázkám frázování, prstokladu, technického přeskupování a mentální reprezentace obtíží. Téměř vše, co analyzoval, je založeno na Busoniho pianistických principech.

Kniha také obsahuje rozbor některých aspektů scénického umění, kterým se v metodologické literatuře dostalo poměrně málo pozornosti. Patří mezi ně například otázka verbálního podtextu různých epizod v klavírních dílech, který může sloužit jako „pomocný intonační průvodce“, umožňující „snadněji najít přirozené rozložení dýchání, přesvědčivou „výslovnost“ individuální intonace."

Po prostudování Koganova pedagogického dědictví můžeme dojít k závěru, že Koganova díla do značné míry charakterizují základní metodologické pokyny moderní sovětské klavírní školy v klavírním umění.

Jeden z největších pianistů počátku našeho století je slávou divadelního umění dvacátého století

Joseph Hoffman (1876-1957)

Osud zájezdového umělce – fenoménu, který v civilizované podobě uchovává tradice potulných muzikantů – se stal na dlouhou dobu Hoffmannovým údělem. Hoffman se také zabýval pedagogickou činností, ale nebyly tak bystré jako ty předvádějící.

Hoffmann přikládal velký význam období výcviku. Potřeba Učitele, požadavek důvěřovat mu, jeho význam pro formování interpreta – to jsou motivy, které se opakovaně objevují na stránkách Hoffmannových knih. Sám Hoffmann měl štěstí na své učitele - byli jimi slavný klavírista a skladatel Moritz Moszkowski (autor brilantních virtuózních etud a salonních her) a slavný Anton Rubinstein, setkání s nimiž se stalo jednou z hlavních událostí v Hoffmannově tvůrčím životě.

Další důležitou událostí v Hoffmanově životě, která radikálně ovlivnila jeho tvůrčí osud, způsob myšlení a způsob života, byl přesun do Ameriky (a později přijetí amerického občanství). Proto - střízlivý, praktický pohled na život, obchodní přístup k jakýmkoli problémům, včetně kreativních; Tato ryze americká praktičnost je patrná jak v knihách, tak v článcích.

Ve své knize vydané v roce 1914 nazvané „Hra na klavír – odpovědi na otázky o hře na klavír“ je důležité, že Hoffmann identifikoval obecné principy, které přispívají k dobré hře na klavír. Vyzdvihuje výhodu ranního cvičení. Doporučuje se neučit se déle než jednu hodinu, maximálně dvě hodiny v kuse. Vše by mělo záviset na vaší fyzické kondici. Doporučuje také změnit čas a pořadí studovaných děl. Klavírista se zaměřuje na diskuse o „technologii“ klavírní hry, které skvěle rozuměl. Hoffmann považuje práci bez nástroje (také s notami a bez nich) za důležitou.

Zvláště důležité jsou Hoffmannovy úvahy o „mentální technice“ – potřeba začít analýzu hry analýzou formy a struktury; dále, v procesu analýzy, každá pasáž „musí být kompletně připravena mentálně, než je vyzkoušena na klavíru“.

Hoffman je velmi moderní v mnoha rysech svého stylu. Je nám blízká svou praktičností – v podstatě vše, nic nadbytečného.

Génius stříbrného věku, skvělý klavírista, skladatel, dirigent

Sergej Rachmaninov (1873-1943)

V pěti letech začal systematicky studovat hudbu stáří. V roce 1882 vstoupil Sergej do Petrohradu konzervatoř. V roce 1885 se přestěhoval do Moskvy a stal se studentem Moskevské konzervatoře, kde studoval nejprve u slavného klavíristy-pedagoga N. S. Zvereva (jehož žákem byl i ruský skladatel a klavírista Alexandr Nikolajevič Skrjabin) a od roku 1888 u klavíristy a dirigenta Alexander Iljič Ziloti (klavír); skladatel, klavírista a dirigent Anton Stepanovič Arensky (kompozice, instrumentace, harmonie); skladatel, pianista a hudební a veřejná osobnost Sergej Ivanovič Taneyev (kontrapunkt k přísnému psaní).

Rachmaninov je jedním z největších hudebníků přelomu 19. a 20. století. Jeho umění se vyznačuje vitální pravdivostí, demokratickou orientací, upřímností a emocionální plností uměleckého projevu. Rachmaninov následoval nejlepší tradice hudební klasiky, především ruské. Byl to oduševnělý zpěvák ruské povahy.

V jeho dílech těsně vedle sebe koexistují vášnivé impulsy nesmiřitelného protestu a tichého rozjímání, chvějící se bdělosti a pevné vůle, ponurá tragédie a nadšená hymna. Rachmaninovova hudba, která má nevyčerpatelnou melodickou a subvokální polyfonní bohatost, absorbovala původ ruských lidových písní a některé rysy chorálu Znamenny. Jedním z původních základů Rachmaninova hudebního stylu je organické spojení šíře a svobody melodického dýchání s rytmickou energií. Téma vlasti, ústřední pro Rachmaninovovo zralé dílo. Jméno Rachmaninova jako klavíristy je na stejné úrovni jako jména F. Liszt a A. G. Rubinstein. Fenomenální technika, melodická hloubka tónu, pružný a panovačný rytmus byly zcela podřízeny Rachmaninovově hře.

Sláva Rachmaninova jako pianisty byla poměrně velká a brzy se stala skutečně legendární. Mimořádný úspěch měly jeho interpretace vlastní hudby a díla romantických skladatelů - Fryderyka Chopina, Roberta Schumanna, Franze Liszta. Koncertní činnost Rachmaninova jako cestujícího virtuózního klavíristy po městech a zemích pokračovala bez přerušení téměř 25 let.

V Americe, kam se shodou okolností přestěhoval, dosáhl ohromujícího úspěchu, jaký sem kdy zahraničního interpreta doprovázel. Posluchače přitahovaly nejen Rachmaninovovy vysoce výkonné schopnosti, ale také jeho styl hry a vnější asketismus, který skrýval jasnou povahu skvělého hudebníka. „Člověk schopný vyjádřit své city takovým způsobem a s takovou silou se musí nejprve naučit je dokonale ovládat, být jejich pánem...“ psalo se v jedné z recenzí.

Gramofonové nahrávky Rachmaninovovy hry dávají představu o jeho fenomenální technice, smyslu pro formu a mimořádně zodpovědném přístupu k detailu. Rachmaninovův klavírismus ovlivnil takové vynikající mistry klavírního projevu jako Vladimir Vladimirovič Sofronitsky, Vladimir Samoilovič Horowitz, Svyatoslav Teofilovič Richter, Emil Grigorievich Gilels.

Americký pianista - virtuos ukrajinsko-židovského původu, jeden z největších pianistů 20.

Vladimír Samoilovič Horowitz

(1903-1989)

Narozen v Rusku od roku 1928 v USA. Představitel romantického stylu provedení (díla F. Liszta, včetně jeho vlastních přepisů, Fryderyk Chopin, ruští skladatelé aj.).

Vladimir Horowitz studoval u V. Pukhalského, S. V. Tarnovského a F. M. Blumenfelda na Kyjevské hudební škole, která byla v září 1913 přeměněna na Kyjevskou konzervatoř. Po promoci v roce 1920 V. Horowitz nikdy nedostal diplom, protože neměl osvědčení o absolvování gymnázia. Svůj první samostatný koncert odehrál v Charkově v roce 1920 (ale první doložený veřejný koncert se konal v prosinci 1921 v Kyjevě). Poté koncertoval v různých městech Ruska společně s mladým houslistou z Oděsy Nathanem Milsteinem, za což byl kvůli obtížné ekonomické situaci v zemi často placen spíše chlebem než penězi.

Od roku 1922 Horowitz, koncertující ve městech Ruska, Ukrajiny, Gruzie a Arménie, nashromáždil gigantický repertoár. Například během tří měsíců (listopad 1924 - leden 1925) provedl více než 150 děl ve slavné „Leningradské sérii“, skládající se z 20 koncertů. Navzdory svému ranému úspěchu jako pianista Horowitz tvrdil, že chce být skladatelem, ale vybral si kariéru pianisty, aby pomohl své rodině, která v revoluci v roce 1917 přišla o celý majetek. Úspěch „dětí revoluce“ (jak je nazval Lunacharskij v jednom ze svých článků) byl ohromující. V mnoha městech vznikly kluby fanoušků těchto mladých hudebníků.

V září 1925 měl Vladimir Horowitz příležitost odjet do Německa (oficiálně odcházel studovat). Před odjezdem se naučil a odehrál 1. koncert P. I. Čajkovského v Leningradě. Díky této skladbě se proslavil v Evropě. Tento koncert sehrál v životě klavíristy „osudovou“ roli: pokaždé, když Horowitz dosáhl triumfu v Evropě a Americe, provedl Čajkovského 1. koncert. Po klavíristovi odjel v prosinci 1925 do Německa i Milstein. V Evropě se oba hudebníci rychle proslavili jako brilantní virtuosové. Horowitz byl vybrán sovětskými úřady, aby reprezentoval Ukrajinu na inaugurační mezinárodní Chopinově soutěži v roce 1927, ale pianista se rozhodl zůstat na Západě, a proto se soutěže nezúčastnil. Do roku 1940 koncertoval téměř po všech evropských zemích a všude měl ohromující úspěch. V Paříži, když hrál V. Horowitz, byli povoláni četníci, aby uklidnili publikum, které v extázi lámalo židle. V roce 1928 předvedl Vladimir Horowitz skvělý výkon v Carnegie Hall v New Yorku a s obrovským úspěchem procestoval mnoho amerických měst.

Ruský pianista s německými kořeny

Svjatoslav Teofilovič Richter

(1915 – 1997)

Dětství a mládí prožil v Oděse, kde studoval u svého otce, klavíristy a varhaníka vystudovaného ve Vídni, a působil jako korepetitor v opeře. Svůj první koncert absolvoval v roce 1934. Ve věku 22 let, formálně jako samouk, vstoupil na moskevskou konzervatoř, kde studoval u Heinricha Neuhause. V roce 1940 poprvé veřejně vystoupil v Moskvě, kde provedl Prokofjevovu 6. sonátu; následně se stal prvním interpretem jeho 7. a 9. sonáty (poslední věnovaná Richterovi). V roce 1945 vyhrál Všesvazovou soutěž interpretů.

Již od prvních krůčků na profesionálním poli byl vnímán jako virtuos a hudebník výjimečného kalibru.

Richter byl pro několik generací sovětských a ruských hudebníků a milovníků hudby nejen vynikajícím klavíristou, ale také nositelem nejvyšší umělecké a morální autority, zosobněním moderního univerzálního hudebníka-pedagoga. Richterův obrovský repertoár, který se rozšiřoval až do posledních let jeho aktivního života, zahrnoval hudbu z různých epoch, od Bachova Dobře temperovaného klavíru a Händelových Suit po Gershwinův koncert, Webernovy variace a Stravinského Pohyby.

Richter se ve všech oblastech repertoáru projevil jako jedinečný umělec, který v sobě spojuje naprostou objektivitu v přístupu k hudebnímu textu (pečlivé dodržování autorových pokynů, sebevědomou kontrolu nad detaily, vyhýbání se rétorické nadsázce) s neobvykle vysokým dramatickým vyzněním a duchovním těžiště výkladu

Richterovo bystré vědomí odpovědnosti k umění a schopnost věnovat se se projevily v jeho zvláštním nasazení pro souborové vystupování. V rané fázi Richterovy kariéry byli jeho hlavními partnery souboru klavírista, student Neuhausu Anatolij Vedernikov, zpěvačka Nina Dorliak (soprán, Richterova manželka), houslistka Galina Barinová, violoncellista Daniil Šafran, Mstislav Rostropovič (jejich dokonalá, vpravdě klasická spolupráce sama o sobě způsobem - všechny Beethovenovy violoncellové sonáty). V roce 1966 začalo partnerství mezi Richterem a Davidem Oistrakhem; v roce 1969 uvedli premiéru Šostakovičovy houslové sonáty. Richter byl častým partnerem kvarteta. Borodin a ochotně spolupracoval s hudebníky mladší generace, včetně Oleg Kagan, Elizaveta Leonskaya, Natalia Gutman, Yuri Bashmet, Zoltan Kocsis, klavíristé Vasily Lobanov a Andrei Gavrilov. Richterovo umění sólisty i souborového hráče je zvěčněno v obrovském množství studiových a koncertních nahrávek.

Sovětský pianista, lidový umělec SSSR

Emil Grigorievich Gilels (1916-1985)

Emil začal hrát na klavír v pěti a půl letech, jeho prvním učitelem byl Yakov Tkach. Poté, co rychle dosáhl významného úspěchu, Gilels poprvé veřejně vystoupil v květnu 1929 a uvedl díla Liszta, Chopina, Scarlattiho a dalších skladatelů. V roce 1930 vstoupil Gilels do Oděského hudebního institutu (nyní Oděská konzervatoř).

A příští rok vyhraje Celoukrajinskou klavírní soutěž a o rok později se seznámí s Arthurem Rubinsteinem, který o jeho výkonu mluví pochvalně.

Sláva hudebníkovi přišla po vítězství v roce 1933 na První celosvazové soutěži interpretů, po níž následovaly četné koncerty po celém SSSR. Po absolvování konzervatoře v Oděse v roce 1935 nastoupil Gilels na postgraduální studium na Moskevské konzervatoři ve třídě Heinricha Neuhause.

Ve druhé polovině 30. let dosáhl klavírista velkého mezinárodního úspěchu: na mezinárodní soutěži ve Vídni (1936) obsadil druhé místo, prohrál pouze s Yakovem Flierem a o dva roky později se mu pomstil, vyhrál soutěž Ysaïe v r. Brusel, kde Flier zůstal na třetím místě. Po návratu do Moskvy začal Gilels učit na konzervatoři jako asistent Neuhause.

Za války se Gilels účastnil vojenské mecenášské práce, na podzim 1943 koncertoval v obleženém Leningradu a po skončení války se vrátil k aktivní koncertní a pedagogické činnosti. Často vystupoval se svou mladší sestrou, houslistkou Elizavetou Gilels, a také s Yakovem Zakem. V roce 1950] založil spolu s Leonidem Koganem (housle) a Mstislavem Rostropovičem (violoncello) klavírní trio a v roce 1945 poprvé koncertoval v zahraničí (stal se jedním z prvních sovětských hudebníků, kterým to bylo povoleno), koncertoval v Itálii, Švýcarsku, Francii a skandinávských zemích. V roce 1954 jako první sovětský hudebník vystoupil v Pleyel Hall v Paříži. V roce 1955 se pianista stal prvním sovětským hudebníkem, který přijel koncertovat do Spojených států, kde provedl Čajkovského První klavírní koncert a Rachmaninovův Třetí koncert s Philadelphia Orchestra pod vedením Eugena Ormandyho a brzy měl sólový koncert v Carnegie Hall, což mělo obrovský úspěch. Gilels patřil v 60. a 70. letech k nejvyhledávanějším sovětským hudebníkům na světě, trávil zhruba devět měsíců v roce na koncertech a zahraničních turné.

Abych to shrnul, rád bych poznamenal, že metodické zásady a knihy nejvýraznějších představitelů sovětského pianismu ukazují, že názory těchto hudebníků, i přes osobitost jejich přístupu ke klavírnímu výkonu a pedagogice, měly mnoho společného. Jde o touhu po hlubokém porozumění hudebnímu textu a po přesném přenosu skladatelova záměru a pochopení stylu a charakteru hudby jako základu pro realistickou interpretaci uměleckých obrazů vložených do díla.

Typickým výrokem v tomto ohledu je G. G. Neuhaus: "Všichni mluvíme o stejné věci, ale jinými slovy." Tato obecnost určuje principy sovětské klavírní školy, která vychovala skvělé klavíristy a vynikající učitele.

XXIstoletí

Jaké bylo a jaké bylo umění klavírního hraní ve 20. století?

Co nového se objevuje na začátku 21. století?

Jak je běžné hrát na klavír nyní, ve druhém desetiletí 21. století?

Styl výkonu 21. století

***

Na počátku 21. století nadále existují dva hlavní směry hudebního umění – transcendentální virtuozita a smysluplná interpretace. Na konci 20. století se tyto směry stále více koncentrovaly, izolovaly se od sebe. Vznikl však nový fenomén, kdy klavíristé mohli současně sloužit oběma proudům scénického umění.

***

Tradice vystupování jsou ovlivněny totální soutěžní mánie, in Výjimečná soutěžní úroveň provedení hudebních děl se v tomto případě stává stále běžnějším vzorem, který je nutné dodržovat, a to i na koncertních pódiích.

Ideály zvukového záznamu a soutěžní úroveň provedení, ovlivňující koncertní tradice, si vyžádaly výrazné zvýšení kvality klavírní hry. Každý kus programu, a nejen přídavky, by měl znít na úrovni mistrovského uměleckého díla. To, co bylo možné ve studiu díky zvukovému inženýrství a počítačovému střihu z několika možností vystoupení, by se na pódiu mělo odehrát právě tuto minutu, tady a teď.

Mezinárodní soutěže a festivaly přispívají ke globalizaci klavírního umění.

Jejich jména se nejčastěji dozvídáme po soutěži Čajkovského. Tato soutěž přinesla slávu takovým klavíristům jako: Van Cliburn, Vladimir Ashkenazy, Vladimir Krainev, Michail Pletnev, Boris Berezovsky, Nikolaj Lugansky, Egeny Kissin, Denis Matsuev, Zhaniya Aubakirova...

Americký pianista, který si získal ruská srdce

První vítěz Mezinárodní soutěže Čajkovského (1958)

Van Cliburn (1934-2013)

Americký pianista Van Cliburn (alias Harvey Levan Clyburn) je snad nejoblíbenějším zahraničním hudebníkem u nás. Byla to ruská veřejnost, která jako první ocenila Van Cliburnovy interpretační schopnosti, až po jeho návštěvě Ruska se stal světoznámým hudebníkem.

První hodiny klavíru dostal ve třech letech od své matky. Když bylo Cliburnovi šest let, rodina se přestěhovala do Texasu, kde ve třinácti letech vyhrál soutěž a brzy debutoval v Carnegie Hall.

V roce 1951 nastoupil na Juilliard School ve třídě Rosiny Leviny a v následujících letech získal řadu ocenění na prestižních amerických i mezinárodních soutěžích.

Cliburnovo jméno získalo celosvětovou slávu po jeho senzačním vítězství na první Mezinárodní soutěži Čajkovského v Moskvě v roce 1958. Mladý pianista si získal sympatie jak členů poroty, tak veřejnosti. To bylo o to překvapivější, že se akce odehrála na vrcholu studené války. Po svém návratu do vlasti se Cliburnovi dostalo velkolepého, nadšeného přijetí. Hudebník byl prodchnut láskou a respektem k SSSR a po soutěži přišel koncertovat více než jednou.

Van Cliburn koncertoval ve své domovské zemi i v zahraničí. Vystupoval před královskou rodinou a hlavami států a před všemi americkými prezidenty. Stal se prvním interpretem klasické hudby, který měl platinové album. Jeho provedení Čajkovského Prvního klavírního koncertu se prodalo přes milion kopií.

Od roku 1962 se ve Fort Worth v Texasu koná klavírní soutěž Van Cliburn.

Ruský pianista, učitel hudby, veřejná osobnost

Vladimír Vsevolodovič Krainev

(1944-2011)

Hudební talent Vladimira Kraineva se projevil na střední odborné hudební škole v Charkově, do které vstoupil v 5 letech. O dva roky později se uskutečnilo jeho první vystoupení na velkém jevišti – společně s orchestrem provedl Haydnův koncert a Beethovenův První koncert.

S podporou charkovských učitelů vstoupil Krainev na Moskevskou střední hudební školu na konzervatoři. Čajkovského do třídy Anaidy Sumbatyanové. V roce 1962 nastoupil na konzervatoř. Čajkovského ve třídě Heinricha Neuhause a po jeho smrti studoval u svého syna Stanislava Neuhause, u kterého v roce 1969 dokončil postgraduální studium.

Světového uznání se Vladimiru Krainevovi dostalo na počátku 60. let, kdy získal hlavní ceny na velkých mezinárodních soutěžích v Leedsu (Velká Británie, 1963) a Lisabonu (Portugalsko, 1964). Po vystoupení v Leedsu dostal mladý pianista pozvání na turné do USA. V roce 1970 získal skvělé vítězství na IV mezinárodní soutěži pojmenované po P.I. Čajkovskij v Moskvě.

Od roku 1966 je Vladimir Krainev sólistou Moskevské státní filharmonie. Od roku 1987 - profesor na Moskevské konzervatoři. Od roku 1992 - profesor na Vyšší hudební a divadelní škole v Hannoveru (Německo).

Vladimir Krainev intenzivně koncertoval po Evropě a USA, vystupoval s takovými vynikajícími dirigenty jako Gennadij Rožděstvenskij, Carlo Maria Giulini, Kurt Masur, Jurij Temirkanov, Vladimir Spivakov, Dmitrij Kitayenko, Saulius Sondeckis.

Krainev byl organizátorem festivalu „Vladimir Krainev Invites“ na Ukrajině a Mezinárodní soutěže mladých pianistů v Charkově (od roku 1992), pojmenované po něm.

V roce 1994 založil pianista Mezinárodní charitativní nadaci pro mladé pianisty. Nadace poskytovala pomoc a podporu budoucím profesionálním hudebníkům, vytvářela podmínky pro jejich kreativitu v Rusku i v zahraničí, pořádá zájezdy a koncerty mladých hudebníků a podporuje vzdělávací instituce kultury a umění.

Slavný dirigent a klavírista, lidový umělec RSFSR, zakladatel a ředitel od roku 1990 do roku 1999 a od roku 2003 do současnosti Ruského národního orchestru. Vítěz zlaté medaile na Mezinárodní soutěži Čajkovského 1978 a ceny Grammy 2004.

Michail Vasilievich Pletnev se narodil v1957

Pletnev prožil dětství v Saratově a Kazani a v 7 letech začal navštěvovat hudební školu na kazaňské konzervatoři, kde studoval hru na klavír. Od 13 let studoval na Střední hudební škole na moskevské Čajkovského konzervatoři. V roce 1973 vyhrál 16letý Pletnev Grand Prix na Mezinárodní soutěži mládeže v Paříži a následující rok vstoupil na moskevskou konzervatoř, kde studoval u profesorů Jakova Fliera a Lva Vlasenka.

V roce 1977 získal Pletnev první cenu na All-Union Piano Competition v Leningradu a v roce 1978 získal zlatou medaili a první cenu na Moskevské mezinárodní soutěži Čajkovského. V roce 1979 Pletnev absolvoval konzervatoř a v roce 1981 absolvoval postgraduální studium, po kterém se stal asistentem Vlasenka a následně začal učit ve své vlastní klavírní třídě.

Pletnev se stal sólistou Státního koncertu v roce 1981 a proslavil se jako virtuózní pianista, tisk zaznamenal jeho interpretace Čajkovského díla, ale také jeho výkony Bacha, Beethovena, Rachmaninova a dalších skladatelů. Pletnev spolupracoval s tak slavnými dirigenty jako Vladimir Ashkenazy, Alexander Vedernikov, Mstislav Rostropovič, Valerij Gergiev, Rudolf Barshai a nejslavnějšími symfonickými orchestry na světě, včetně London Symphony a Los Angeles Philharmonic.

V roce 1980 Pletnev debutoval jako dirigent a o deset let později, v roce 1990, vytvořil s pomocí zahraničních darů samostatný Ruský národní symfonický orchestr (později přejmenovaný na Ruský národní orchestr, RNO) a až do roku 1999 byl jeho uměleckým ředitel, šéfdirigent a prezident fondu. V roce 2008 se Pletnev stal hostujícím dirigentem Symfonického orchestru Italského Švýcarska (Orchestra della Svizzera italiana). V roce 2006 Pletnev vytvořil Národní fond na podporu kultury. V letech 2006 až 2010 byl Pletnev členem prezidentské rady Ruské federace pro kulturu a umění a v letech 2007 až 2009 byl členem komise Ruské federace pro UNESCO.

Kazašský pianista, učitel, profesor a rektor Kazašské národní konzervatoře pojmenované po Kurmangazy,

Lidový umělec Kazachstánu, laureát mezinárodních soutěží, profesor

Zhaniya Yakhiyaevna Aubakirova se narodila v roce 1957

Vystudoval Státní konzervatoř Alma-Ata pojmenovanou po. Kurmangazy, Moskevská státní konzervatoř. P. I. Čajkovského a postgraduální studium (u profesora L. N. Vlasenka).

Od roku 1979 - korepetitor Státního akademického divadla opery a baletu pojmenovaného po. Abai a asistent stážisty na Moskevské státní konzervatoři. P.I. Čajkovskij. 1981 - vrchní učitel, docent, vedoucí katedry speciálního klavíru na Státní konzervatoři Alma-Ata pojmenované po. Kurmangazy. Od roku 1983 - sólista Kazašské státní filharmonie pojmenované po. Džambula. Od roku 1993 - profesor na Státní konzervatoři v Almaty pojmenované po. Kurmangazy. 1994 - byla založena „Autorská škola Zhani Aubakirova“, která pracuje s využitím moderních vzdělávacích metod a technologií. Od roku 1997 - rektor Kazašské národní konzervatoře pojmenované po Kurmangazy. Pod jejím vedením se konzervatoř stala přední hudební univerzitou a kulturním a vzdělávacím centrem republiky, v roce 2001 získala národní statut.

1998 - Z iniciativy Zhaniy Aubakirovové byla zorganizována hudební agentura „Classics“, která s velkým úspěchem pořádala „Kazachské sezóny ve Francii“, organizovala koncerty ve více než 18 zemích, natočila více než 30 CD a více než 20 hudebních filmy o kazašských interpretech. 2009 - v listopadu Studentský symfonický orchestr Kazašské národní konzervatoře. Kurmangazy procestoval pět velkých amerických měst: Los Angeles, San Francisco, Washington, Boston a New York. Mladí hudebníci společně se svou rektorkou, lidovou umělkyní Republiky Kazachstán Zhaniya Aubakirova, vystoupili v nejslavnějších sálech světa – Kennedy Center a Carnegie Hall.

Sólové koncerty a vystoupení Žanie Aubakirovové se slavnými orchestry propagujícími světovou hudební klasiku a díla kazašských skladatelů se pravidelně konají v Kazachstánu, největších koncertních sálech ve Francii, Anglii, Německu, Japonsku, Rusku, Polsku, Itálii, USA, Izrael, Řecko a Maďarsko. Velké sály moskevské Čajkovského konzervatoře a Petrohradské filharmonie, Moskevský dům hudby.

Vynikající klavírista naší doby

Boris Berezovskýnarozen 1969

Nastupuje na moskevskou konzervatoř ve třídě vynikajícího klavíristy Eliso Virsaladze. Berezovskij se po nějaké době cítí „přeplněný“ ve třídě Eliso Virsaladze, kde se hraje pouze tradiční repertoár, a tak začíná chodit na soukromé lekce od Alexandra Satse. Sats otevírá Borisi Berezovskému nové obzory ruské klasické hudby. S ním Berezovský začíná hrát Medtnera, spoustu Rachmaninova a mnoho dalších. Boris Berezovskij však nikdy nemohl dokončit studium na moskevské konzervatoři, byl vyloučen za účast v Čajkovského soutěži při skládání závěrečných zkoušek. Ale tato okolnost mu vůbec nezabránila v tom, aby se stal nejvirtuóznějším a nejvyhledávanějším interpretem naší doby.

Boris Berezovskij již více než deset let vystupuje s nejslavnějšími světovými orchestry: BBC Orchestra, London and New York Philharmonics, New Japan Philharmonic Orchestra, Birmingham a Philadelphia Symphony Orchestra. Berezovsky se neustále účastní různých festivalů komorní hudby a jeho sólové koncerty lze slyšet v Berlíně a New Yorku, Amsterdamu a Londýně. Hovoří plynně anglicky a francouzsky.

Pianista má poměrně rozsáhlou diskografii. Nejnovější nahrávky jeho koncertů získaly nejvyšší hodnocení od kritiků. Německá nahrávací asociace uděluje vysoké ocenění Rachmaninovovým sonátám v interpretaci Borise Berezovského. Nahrávky Ravelových děl byly zařazeny do klasických žebříčků Le Monde de la Musique, Diapason, BBC Music Magazine a Independent.

Boris Berezovskij je vítězem zlaté medaile na 9. mezinárodní soutěži Čajkovského, říká se mu „nový Richter“, Berezovského zvuk s transparentním pianissimem a bohatým spektrem dynamických odstínů je uznáván jako nejdokonalejší mezi klavíristy své generace . Borise Berezovského dnes můžete stále častěji slyšet na velkých koncertních pódiích v Rusku.

Jeden z inspirovaných, inteligentních umělců, ruština klavírista , učitel, sólista Moskevská státní filharmonie , Lidový umělec Ruska

NikolačtLev́ hivLouký Angličtina byl narozen v1972

Jeho hra dokázala vstřebat vše nejlepší, co mohla ústřední hudební škola a konzervatoř v Moskvě nabídnout.

Tento inspirovaný interpret, disponující brilantní herní technikou, má nyní vzácný dar pro kreativní přístup k materiálu, jako jeden z mála je schopen vynést na světlo Boží jiskru v dílech Beethovena, odhalit vzácný „inferal sound“ Mozarta, zahrajte jakýkoli hodný materiál, aby unavený divák znovu objevil melodie hrané tisíckrát ve zcela jiném provedení.

Nyní je v Rusku mnoho profesionálů, kteří mohou ukázat vysokou třídu. Luganskij však není v žádném případě horší než jeho významní kolegové a zůstává jedinečným fenoménem ruské hudby.

Klasiku můžete hrát různými způsoby: každá škola - francouzština, němčina, italština - nabízí vlastní řešení vysokých problémů s jedinečným zvukem.

Ale každý skutečně virtuózní pianista „vytváří svou vlastní klasiku“, což je důkazem geniality. Nikolai Lugansky byl na úsvitu své hudební kariéry nazýván „Richterovým pianistou“, tehdy také přirovnáván k Alfredu Cortotovi.

Nikolaj Luganskij zůstává jedinečným fenoménem ruské hudby.

Slavný ruský pianista, klasický hudebník

Evgeniy Igrevich Kissin se narodil v roce 1971

Ve věku 6 let vstoupil do Gnessin Music School. První a jedinou učitelkou je Anna Pavlovna Kantor.

Zpočátku jako zázračné dítě vystupoval pod jménem Zhenya Kissin. V 10 letech poprvé vystoupil s orchestrem a uvedl Mozartův 20. koncert. O rok později měl svůj první samostatný koncert. V roce 1984 (ve věku 12 let) provedl Chopinův 1. a 2. koncert pro klavír a orchestr ve Velkém sále Moskevské konzervatoře.

V roce 1985 vyjel Evgeny Kissin poprvé s koncerty do zahraničí a v roce 1987 debutoval v západní Evropě na Berlínském festivalu. V roce 1988 vystoupil s Herbertem von Karajanem na novoročním koncertu Berlínské filharmonie, kde provedl 1. koncert Čajkovského.

V září 1990 debutoval Kissin ve Spojených státech amerických, kde provedl Chopinův 1. a 2. koncert s New York Philharmonic pod vedením Zubina Mehty. O týden později má hudebník sólový koncert v Carnegie Hall. V únoru 1992 se Kissin zúčastnil slavnostního předávání cen Grammy v New Yorku, které vysílala televize odhadovanému publiku jedné miliardy šest set milionů diváků. V srpnu 1997 přednesl recitál na festivalu Proms v londýnské Albert Hall - první klavírní večer ve více než stoleté historii festivalu.

Kissin provozuje intenzivní koncertní aktivity v Evropě, Americe a Asii a sbírá neustále vyprodané davy; vystupoval s předními světovými orchestry pod taktovkou takových dirigentů jako Claudio Abbado, Vladimir Ashkenazy, Daniel Barenboim, Valery Gergiev, Carlo Maria Giulini, Colin Davis, James Levine, Lorin Maazel, Ricardo Muti, Seiji Ozawa, Mstislav Rostropovich, Evgeniy Svetlanov, Jurij Temirkanov, Georg Solti a Maris Jansons; mezi Kissinovými partnery pro komorní hudbu patří Martha Argerich, Yuri Bashmet, Natalya Gutman, Thomas Quasthoff, Gidon Kremer, Alexander Knyazev, James Levine, Misha Maisky, Isaac Stern a další.

Evgeny Kissin také provádí večery poezie v jidiš a ruštině. V roce 2010 vyšlo CD s nahrávkami děl moderní poezie v jidiš v podání E. Kissina „Af di klavn fun yidisher poetry“ (Na klíčích židovské poezie). Podle samotného Kissina má od dětství silnou židovskou identitu a na svých osobních stránkách zveřejňuje proizraelské materiály.

Ruský pianista, veřejná osobnost, lidový umělec Ruska

Denis Leonidovič Matsuev se narodil v roce 1975

Denis Matsuev prožil dětství v rodném Irkutsku. Chlapec se narodil v kreativní rodině a od raného věku studoval hudbu. Nejprve nastoupil na městskou střední školu č. 11 pojmenovanou po V. V. Majakovském a zároveň začal navštěvovat místní uměleckou školu. Ve věku šestnácti let vstoupil Denis Matsuev na hudební akademii Irkutsk. Rychle si však uvědomil, že jeho talent potřebuje důkladněji vypilovat. Na rodinné radě bylo rozhodnuto o přestěhování do hlavního města. Rodiče pochopili, že jejich talentovaný syn by mohl mít velmi úspěšnou tvůrčí biografii. Denis Matsuev se přestěhoval do Moskvy v roce 1990.

V roce 1991 se stal laureátem Mezinárodní veřejné charitativní nadace s názvem „New Names“. Díky této okolnosti již v mládí navštívil s koncertními vystoupeními více než čtyřicet zemí světa. Jeho virtuózní hru si přišli poslechnout ti nejvýznamnější: anglická královna, papež a další. V roce 1993 se Denisu Matsuevovi podařilo vstoupit na Moskevskou státní konzervatoř. Zároveň vystupoval v pořadech veřejné nadace New Names, které se konaly pod vedením Denisova patrona Svyatoslava Belze. V roce 1995 byl umělec přijat jako sólista Moskevské státní filharmonie. To umožnilo Denisu Leonidovichovi rozšířit rozsah jeho koncertních aktivit.

Spolu s vítězstvím na jedenácté mezinárodní soutěži Petra Iljiče Čajkovského získal hudebník světovou slávu. Jeho biografie byla ozdobena touto osudovou událostí v roce 1998. Denis Matsuev se stal jedním z nejpopulárnějších klavíristů na světě. Jeho mistrovské výkony vyvolaly ve světě velký ohlas. Umělec začal být zván na nejprestižnější akce. Vystoupil například na závěrečném ceremoniálu olympiády v Soči.

Od roku 2004 Denis Matsuev každoročně představuje své osobní předplatné. Spolu s tamním hudebníkem vystupují nejlepší symfonické orchestry Ruska i zahraničí.

Pro svou zemi dělá hodně. Ve snaze vštípit lidem lásku k hudbě, umělec pořádá nejrůznější festivaly a soutěže. Navíc se je snaží držet v různých regionech Ruska, aby se všichni obyvatelé země mohli dotknout vysokého umění a slyšet brilantní představení nejlepších hudebních děl.

Na závěr shrnujeme hlavní směry a trendy ve vývoji klavírního umění 21. století. Ve virtuózních a smysluplných směrech klavírního umění se nalézají následující faktory, které doprovázejí vývoj: zaměření na kvalitu a estetiku zvukového záznamu, zvýšená expresivita tónové konjugace, rozšířené možnosti v oblasti agogiky a témbru zvuku, zpomalení tempo a snížení průměrné dynamické úrovně výkonu, polyfonizace textury. Tyto faktory přispívají k růstu hloubky a moderní obnově obsahu představení. Souběžně s tím dochází k aktualizaci repertoáru klavírních koncertů kvůli objevování nových vysoce uměleckých děl, která nebyla dříve doceněna.

Přesto právě zobecnění a smysluplnost intonace jsou hlavními trendy ve vývoji klavírního umění 21. století.

Tento seznam účinkujících klavíristů ukazuje, že klavír nabízí prakticky neomezenou inspiraci. Po tři staletí umělci klavírní hudby potěšili posluchače a inspirovali je k jejich vlastním výkonům ve světě hudby.

Bez ohledu na to, do jaké doby hudebník patřil, to, co ho dělalo skvělým, byl nejen jeho talent, ale také jeho naprosté pohlcení hudbou!!!

PSPo prostudování literatury k této problematice jsme došli k závěru, že vývoj klavírních škol od okamžiku jejich vzniku až po naši dobu byl určován duchovní všestranností mistrovy osobnosti a pedagogická pátrání sloužila jako tvůrčí základ a v r. ve skutečnosti podnětem pro kreativitu. Pokrokoví pedagogičtí hudebníci podporovali vše, co považovali v umění za cenné; vysoké občanské ideály, misijní účel kreativity.

Myšlenky významných účinkujících hudebníků a učitelů vždy směřovaly k rozvoji principů výuky, které odpovídají představám o úkolech představení. To do značné míry určilo obsah vědeckých prací věnovaných hře na nástroj.

Starověká pojednání z éry clavierismu hovořila o skládání hudby, improvizačních technikách a úpravách hudebních děl, sezení u nástroje, prstokladu a pravidlech hry. To vše vysvětluje skutečnost, že v předklavírní éře byl interpretem skladatel, který posluchačům přibližoval vlastní tvorbu a své improvizační schopnosti. Profese interpreta-interpreta (nikoliv však hudebního skladatele) v těchto letech ještě nebyla identifikována jako zvláštní forma tvůrčí činnosti hudebníka. Teprve v 19. století, spolu s nástupem nového nástroje na koncertní scénu - klavíru - a vášní pro virtuozitu ve hře, docházelo k postupné diferenciaci hudebníků, skladatelů, interpretů a učitelů vyučujících hru na tento nástroj.

V mnohém se změnil i obsah vědeckých prací o hudebním umění. Různé studie, učebnice a práce o metodách výuky již nezohledňovaly všechny otázky související s hudební kreativitou, performancí a pedagogikou. Tématem každého díla byla pouze specifická oblast hudební vědy. Autoři knih o klavírním umění se zajímali především o problematiku zvládnutí klavírní techniky a těmto tématům byla věnována většina metodických prací a učebních pomůcek. Teoretické práce o klavírním výkonu se tak po mnoho let redukovaly na problémy stanovení racionálních herních technik, které umožňují dosáhnout virtuózní techniky. Teprve na konci 19. a 20. století se vynikající hudebníci obracejí k umělecké problematice interpretačního umění, která určují úkoly interpretace, chápání stylu a obsahu hudebních děl. Tyto problémy souvisely i s otázkami techniky klavírní hry. Nejdůležitějším cílem učitele bylo vychovat hudebníka, jehož interpretační umění není ukázkou technické dovednosti, ale schopností zprostředkovat nejniternější význam uměleckého díla v živých, figurativních formách vyjádření.

Specializace na klavírní provedení hudebních děl.

Zajímavostí je, že pro profesi pianisty je zvláště důležité začít s hudbou ve velmi raném věku, zhruba ve třech až čtyřech letech. Poté se vytvoří „široký“ tvar dlaně, který v budoucnu pomůže hrát mistrovsky.

V závislosti na době vývoje klavírní hudby byly někdy kladeny na klavíristy diametrálně odlišné požadavky. Povolání muzikanta se navíc nevyhnutelně prolíná. Většina klavíristů si skládá vlastní klavírní hudbu. A pouze vzácným virtuosům se podařilo proslavit tím, že předváděli výhradně cizí melodie.

Pro klavíristu je každopádně jako pro každého hudebníka důležité být upřímný a emotivní, umět se ztratit v hudbě, kterou hraje. Podle Harolda Schonberga, slavného hudebního kritika, to není jen nástroj, je to způsob života, což znamená, že smyslem života klavíristy není jen hudba, ale hudba pro klavír.

Mozart, Liszt a Rachmaninov - klasici klavírního umění

Historie klavírní hudby je docela zajímavá. Je v něm několik etap, z nichž každá má své vlastní tradice. Často byly kánony té doby nastaveny jedním (méně často několika), kdo mistrně hrál na nástroj (nejprve to bylo cembalo, později klavír).

Zdůrazňují proto tři epochy v historii klavíru a jsou pojmenovány po nejslavnějších skladatelích - Mozartovi, Lisztovi a Rachmaninovovi. Použijeme-li tradiční terminologii historiků, šlo o období klasicismu, dále romantismu a rané moderny, resp.

Slavní klavíristé 18. a 19. století

V každém z těchto období působili i další klavíristé, z nichž mnozí byli současně skladateli hudebních děl a zanechali nesmazatelnou stopu v dějinách klavírní hudby. To jsou dva ze tří „vídeňských klasiků“: Schubert a Beethoven, Němci Brahms a Schumann, Polák Chopin a Francouz Charles Valentin Alkan.

Johannes Brahms

V tomto období se od klavíristů vyžadovala především schopnost improvizace. Povolání pianisty úzce souviselo se skládáním. A dokonce i při provádění děl jiných lidí byla jeho vlastní interpretace, volná interpretace, považována za správnou. Dnes by bylo takové představení považováno za nevkusné, nesprávné, dokonce nešikovné.

Slavní klavíristé 20. a 21. století

20. století je obdobím rozkvětu klavírního umění. Toto období je neobyčejně bohaté na mimořádně talentované, vynikající klavíristy.

Na počátku 20. století se proslavili Hoffmann a Cortot, Schnabel a Paderewski. A přirozeně Rachmaninov, génius stříbrného věku, který znamenal novou éru nejen v klavírní hudbě, ale i ve světové kultuře jako celku.

Druhá polovina 20. století je dobou tak slavných klavíristů jako Svyatoslav Richter, Emil Gilels, Vladimir Horowitz, Arthur Rubinstein, Wilhelm Kempff...

Svjatoslav Richter

Takoví vynikající klavíristé jako Američan Van Cliburn, který se v roce 1958 stal prvním laureátem Mezinárodní soutěže Čajkovského, pokračují ve své hudební kreativitě na počátku 21. století. Za zmínku stojí hudebník, který ve stejné soutěži vyhrál i následující rok – nejpopulárnější popový pianista Vladimir Ashkenazy.

1. Jamie Cullum (Jamie Cullum) Popularita - 1,95 milionu | Narozen 20.08.1979 | Velká Británie Známý pro své charisma a nejvyšší dovednosti jako jazzový pianista a zpěvák. Představuje se především jako „performer“, tedy jako člověk, který se především předvádí na koncertech. Několikanásobné uznání v různých publikacích jako nejlepší jazzový interpret roku. A prostě můj oblíbený muzikant :)

Některé z jeho oblíbených „triků“ jsou vylézt s nohama na klavír a zpívat odtud, vyťukávat rytmy na klavír a míchat vše s beatboxem. Hlavně píše a hraje hudbu ve stylu pop jazz, hraje nádherné a originální covery jak písní z 30. let, tak písní posledních let, například Rihannina píseň „Please Don"t Stop The Music. Najdete zde i mnoho nahrávek jazzové standardy v jeho podání například "I"ve Got You Under My Skin" nebo "Devil May Care".

Platinové album Jamie Cullum Twentysomething se v roce 2003 stalo (a zůstává) nejprodávanějším britským jazzovým albem všech dob. Poslední alba "The Pursuit" a "Momentum" (mimochodem před pár měsíci jsem byl na prezentaci tohoto alba v Londýně během jeho světového turné) tíhnou spíše k pop music než klasickému jazzu. Všimněte si, jak melodické a úplné jsou všechny jeho improvizace, stejně jako funky riffy, které používá, když hraje sám.

2. Keith Jarrett Popularita - 3,55 milionu | Narozen 5.8.1945 | USA Keith je známý nejen jako jeden z nejlepších jazzových pianistů a improvizátorů současnosti, ale také jako interpret klasického klavírního repertoáru. Je také skladatelem: již v 7 letech měl svůj první koncert, na kterém uvedl 2 vlastní skladby, a v 17 letech koncertoval výhradně z jeho vlastních děl.

Jazzové improvizace Keitha Jarretta jsou jedny z nejznámějších. Jeho melodie jsou organické a oduševnělé, stejně jako jeho „kňučení“ během hry (obvykle mu dokonce instalují mikrofony pro přidání zvuku). Během nejemotivnějších okamžiků vstává a dojemně se třese. V mládí nosil afro účes a hrál si s Milesem Davisem. Vítěz mnoha mezinárodních jazzových cen.

3. Bill Evans (Bill Evans)Popularita - 97,70 milionů | Narozen 16.08.1929 | USA Jeden z nejvýznamnějších jazzových hudebníků 20. století. Obrovsky přispěl k rozvoji jazzu. Jeho harmonie a sóla jsou extrémně sofistikované, ale zároveň snadno vnímatelné a poslouchatelné. Byl více než 30krát nominován na cenu Grammy a 7krát obdržel. Jedno z ocenění získal posmrtně.

Tento jazzový umělec je zařazen do jazzového panteonu slávy. Génius jeho umění. Když hraje, má pocit, že splyne s nástrojem. Co bych měl řict? Podívejte se a poslouchejte sami:

4. Herbie Hancock (Herbie Hancock) Popularita - 4,79 milionu | Narozen 4.12.1940 | USA Herbie je jazzový pianista, který je dnes právem považován za nejvlivnějšího jazzového pianistu současnosti. Získal 14 cen Grammy, nahrál více než 45 studiových alb a je známý používáním syntezátorů a keytarů (syntezátor ve tvaru kytary).

Tento pianista byl jedním z prvních, kdo při sólových vystoupeních používal syntezátor. Jeho klavírní riffy jsou tak napínavé, že některé z nich by bylo skvělé slyšet jako motivační hudbu, když boxeři těžké váhy vstoupí do ringu. Styl, ve kterém Herbie hraje, je jazz s prvky fusion, rocku a soulu. Považován za jednoho ze zakladatelů post-bebopu. Hrál s Milesem Davisem, Marcusem Millerem a obecně je těžké jmenovat hudebníka světového formátu, se kterým Herbie Hancock neměl společné projekty. Hudebník je natolik všestranný, že mnoho jeho nahrávek na první pohled vypadá, jako by je hráli nějací experimentátoři a některé romantičtí pianisté. Doporučuji všem hudebníkům, aby si pečlivě prostudovali jeho tvorbu, kdysi jsem si stáhl všechna jeho alba od 60. let a sledoval celou jeho hudební kariéru. Tento přístup vám umožní vidět vývoj hudebního díla, což je velmi informativní a zajímavé. Při poslechu věnujte pozornost šíleným zvukům, které volí na svém syntezátoru. Herbie je pro mě jedním z mých nejoblíbenějších hráčů na klávesové nástroje.

5. Ray Charles Popularita - 170 milionů | Narozen 23.10.1930 | Zemřel 2010 | USA Jeden z nejznámějších a nejvýznamnějších hudebníků všech dob. Vítěz 17 cen Grammy. Hlavní směry kreativity jsou soul, R"n B, jazz. Jako 7letý chlapec oslepl a celý život neviděl. Uspořádal více než 10 tisíc koncertů, na kterých zpíval a hrál na klavír Muž legendy.

Ray Charles, který má mimořádný způsob přednesu svých vokálních partů, přeměňuje křik, sténání, výkřiky a chichotání v hudbu, vše zdůrazňuje rytmickým jazzovým klavírem a nezapomenutelnými pohyby těla, je jednou z nejvýznamnějších osobností hudby 20. století. Autor více než 70 alb. Jako multiinstrumentalista Ray stále dává přednost klavíru před jinými nástroji. Jeho části jsou tak promyšlené a organické, že se zdá nemožné odstranit nebo přidat jedinou poznámku. Je právem považován za jeden z nejlepší jazzoví pianisté a vokalisté minulé století.

6. Bob JamesPopularita - 447,00 milionů | Narozen 25.12.1939 | USA Nejoblíbenější pianista v této kolekci. Člen skupiny Fourplay, vítěz 2 cen Grammy. Skladatel, pianista, aranžér, hudební producent. jeden z nejslavnějších jazzových hudebníků všech dob.

Jeho hudba je tak rozmanitá, že se vyplatí věnovat jen pár týdnů studiu jeho díla.

7. Chick Corea (Chick Corea) Popularita - 2,38 milionu | Narozen 6.12.1941 | USA Genius klasických a latinskoamerických jazzových motivů. Vítěz mnoha mezinárodních cen, včetně Grammy. Skladby Chicka Corei jsou považovány za velmi vážné a mezi hudebníky obtížně proveditelné. Mnozí jeho hudbu nazývají vyšší matematikou. Miluje volné, barevné košile.

Na hudbu Chicka Corei musíte být duchovně a intelektuálně připraveni. Jeho melodie jsou melodické, místy dramatické a zpočátku těžko pochopitelné. Při hraní používá nestandardní intervaly (například vteřiny), ze kterých při hraní jinými hudebníky často bolí ucho. Když je však Chick u nástroje, jeho hudba je tak podmanivá svou melodikou, komplexností a zároveň mimořádnou „vzdušností“, že posluchač prostě na vše zapomene a upadne do jakéhosi transu, následuje ruce skvělého pianisty. .

8. Norah JonesováPopularita - 7,0 milionů | Narozen 30.03.1979 | USA Něžná a zároveň velmi vážná jazzová pianistka a vokalistka, herečka. Hraje své písně a má nezapomenutelný hlas.

Tato zpěvačka a pianistka je na pohled křehká dívka, ale uvnitř má pevné jádro skutečné jazzové hráčky. Všimněte si její roztomilé tváře při vystoupení. Ráda kreslím a přemýšlím při poslechu jejích koncertů.

P.S. Pokud máte rádi Norah Jones, myslím, že se vám pravděpodobně bude líbit Ketie Melua, zpívá také velmi oduševněle.

9. Hrabě BasiePopularita - 2,41 milionu | Narozen 21.08.1904 | USA Vedoucí big bandu, virtuózní pianista, varhaník. Významně se zasloužil o rozvoj swingu a blues. Dovolil hudebníkům ve svém orchestru volně improvizovat, což byl jeden z vážných trumfů jeho orchestru.

Poslechněte si tento jazzový orchestr ze šedesátých let, ponořte se do tehdejšího jazzu.

10. Oscar Peterson (Oscar Peterson) Popularita - 18,5 milionu | Narozen 15.08.1925 | Zemřel 2007 | Kanada Oscar Peterson je legenda světového jazzu. Jako virtuózní pianista, skladatel a pedagog hrál s takovými legendami světového jazzu jako Ella Fitzgerald a Louis Armstrong. Jedno z městských náměstí v Torontu je pojmenováno po Petersonovi.

Fenomenální rychlost hry, virtuózní originální bebopové pasáže, harmonické akordy, enormní délka prstů a velikost jeho trupu dělají z Oscara Petersona jednu z nejpamátnějších postav světového jazzu. Od moderních smooth-jazzových muzikantů je často slyšet, že není třeba „zalévat do not“, stačí zahrát jednu notu a pokud je správně zvolena a zahrána tam, kde je potřeba, na hudební mistrovské dílo to stačí. V případě Oscara Petersona je zřejmé, že 10-15 not zahraných za 1 sekundu, ale zahraných tak, jak to dělá Oscar, je také hudební mistrovské dílo. Četné jazzové publikace stále píší, že Oscar Peterson je nejlepší jazzový pianista 20. století.

11. Lennie Tristano (Lenny Tristano)Popularita - 349 tisíc | Narozen 19.3.1919 | USA Slavný nevidomý klavírista významně přispěl k rozvoji jazzové hudby. Nahrával s Charliem Parkerem, držitelem mnoha cen, a byl několikrát oceněn jako nejlepší pianista roku různými časopisy. Ke konci svého života se plně soustředil na výuku hudby.

Koncerty Lennyho Tristana bohužel není tak snadné najít, ale po poslechu jeho hry se stanete jeho fanouškem. Kromě výborného zvuku mě udivuje i krása jeho hry. Ano, ano, přesně krása! Sledujte jeho dlouhé prsty, jak hraje, tančí po klávesách jako živí tvorové!

12. Michel Petrucciani (Michel Petrucciani)Popularita - 1,42 milionu | Narozen 28.12.1962 | Francie Slavný jazzový pianista. Jeho diskografie zahrnuje více než 30 alb. Zemřel ve věku 37 let na vrozenou chorobu.

Miluji jeho improvizace, které každou minutou nabývají na intenzitě a rozvíjejí se v energické pasáže s vážnými odchylkami v harmonii.

13. Brian Cullbertson Popularita - 1,66 milionu | Narozen 12.1.1973 | USA Jeden z nejlepších smooth jazzových pianistů hraje také na trombon. Držitel řady ocenění, autor více než 13 alb.

Upřímně řečeno, byl jsem schopen přehodnotit jeho práci teprve před několika lety, když jsem poslouchal několik jeho funkových nahrávek. Předtím jsem to slyšel jen ve stylu smooth-jazz a i přes vysokou úroveň provedení jsem si myslel, že zvuk jazzu je trochu komerční. Později jsem se rozhodl tohoto jazzového pianistu lépe poznat a pozorněji si poslechnout několik jeho koncertů a alb. Skladby So Good a Back In The Day, stejně jako pianistův způsob míchání lehkých uhlazených melodií s funky agresivními pasážemi, na mě udělaly tak silný dojem, že dnes je pro mě Brian Culbertson jedním z nejlepších jazzových pianistů. Všimněte si na nahrávce níže, jak harmonicky jeho kapela hraje. Toto video jsem poslouchal desítkykrát a pokaždé jsem objevil něco nového v aranžmá a sólu. Mimochodem, tento jazzový pianista hraje téměř vždy ve stoje čelem k publiku.

14. Thelonius Monk (Thelonius Monk)Popularita - 1,95 milionu | Narozen 10.10.1917 | USA Jeden ze zakladatelů bebopu, skladatel a pianista. Má superoriginální styl hry. Bez tohoto hudebníka by moderní jazz možná nevznikl. Svého času byl považován za avantgardního umělce, primitivistu a tvůrce nových experimentálních jazzových stylů.

Věnujte pozornost jeho prstům - nezdá se, že by se ohýbaly! Poslouchejte jeho poznámky, navzdory širokému množství intervalů, které jsou na první pohled nepochopitelné, můžete vysledovat jasnou melodii, kterou vede. Tento klavírista na mě měl výrazný vliv. Mimochodem, rád si hrál s kloboukem, vypadá skvěle.

15. Diana Krall (Diana Krall)Popularita - 3,4 milionu | Narozen 16.11.1964 | Kanada Profesionální jazzový pianista, uznávaný oldtimer moderní jazzové hudby. Věnuje se převážně klasickému jazzu, držitelka 3 cen Grammy a v různých letech byla uznána jako nejlepší jazzová interpretka.

Tato jazzová interpretka se narodila a vyrůstala v hudební rodině, její rodiče a babička byli hudebníci a samozřejmě Dianě byla od dětství vštěpována láska k hudbě, zejména k jazzu. Její hlas má šmrnc, poslouchejte ho a pochopíte, co tím myslím.

Ještě jednou podotýkám, že tento výběr se netváří jako úplný, neboť v rámci jednoho článku se prostě nedá mluvit o všech výrazných postavách moderního jazzového klavíru. Přesto doufám, že se mi podařilo umístit hlavní akcenty.

Napište prosím do komentářů, na jaká další témata stojí za to dělat podobné úvodní recenze, je tato forma recenze vhodná?

Každý milovník klasické hudby si umí vyjmenovat svého oblíbence.

Sólové vystoupení Alfreda Brendela je ohlášeno na 30. června v koncertním sále Mariinského divadla. Klavíristu tohoto koncertu se na oficiálních stránkách nepodařilo najít. Existuje ale datum nadcházejícího moskevského koncertu, který se uskuteční 14. listopadu. Gergiev se však vyznačuje schopností řešit neřešitelné problémy.

ČTĚTE TAKÉ:

Letošní červen stráví Martha Argerich jako obvykle ve švýcarském městě Lugano, kde se bude konat její vlastní hudební festival. Programy a účastníci se mění, ale jedna věc zůstává nezměněna: každý večer se sama Argerich účastní představení jednoho z děl. V červenci Argerich vystupuje také v Evropě: na Kypru, v Německu a Švýcarsku.

Marc-Andre Hamelin vystoupil v Moskvě teprve v březnu tohoto roku v rámci stejného předplatného jako Maurizio Pollini. Hamelin jede v červnu po Evropě. Jeho program zahrnuje sólové koncerty v Kodani a Bonnu a festivalové vystoupení v Norsku.

V červnu Evgeny Kissin cestuje po Švýcarsku, Rakousku a Německu s orchestrem Kremerata Baltica, kde hraje Mozartův 20. a 27. koncert. Další turné je naplánováno na říjen: Kissin bude doprovázet Dmitrije Hvorostovského ve Frankfurtu, Mnichově, Paříži a Londýně.

Arkady Volodos zahájil červen vystoupením v Paříži, v létě ho můžete slyšet v Salcburku, Rheingau, Bad Kissingenu a Oslu a také v malém polském městě Duszniki na tradičním Chopinově festivalu.

V roce 1999 Pogorelich přestal vystupovat. Říká se, že důvodem toho byly obstrukce, kterým byl klavírista vystaven ve Philadelphii a Londýně nespokojenými posluchači. Podle jiné verze byla příčinou deprese hudebníka smrt jeho manželky. Pogorelich se nedávno vrátil na koncertní pódia, ale málo vystupuje.

Poslední pozice na seznamu je nejobtížnější na obsazení. Vždyť zbylo ještě tolik vynikajících klavíristů: Christian Zimmerman narozený v Polsku, Američan Murray Perahia, Japonec Mitsuko Ushida, Korejec Kun Woo Peck nebo Číňan Lang Lang. Vladimir Ashkenazy a Daniel Barenboim pokračují ve své kariéře. Každý milovník hudby pojmenuje svého favorita. Ať tedy jedno místo v první desítce zůstane volné.

Klavír a podobné hudební nástroje existují po staletí, ale pianismus – umění na ně hrát – jako samostatná věda je starý jen něco málo přes dvě století. A po celá dlouhá léta, která uplynula od jejího vzniku, nejlepší klavíristé, z nichž mnozí byli také skladateli, vytvářeli teoretické základy a základní techniky této dovednosti, zdokonalovali ji a těšili své okolí svou nesrovnatelnou hrou.

Pokud se budeme bavit o tom, kdo byli nejlepší klavíristé na světě od zrodu umění hry na klavír, pak je zde prostor pro více než desítku jmen z různých zemí a škol. V současné době nelze u řady z nich z objektivních důvodů posoudit míru ovládání nástroje: v době, kdy někteří z těchto vynikajících hudebníků, skladatelů a interpretů tvořili, zvukový záznam prostě neexistoval. Neznamená to však, že by zásluhy takových lidí měly být nivelizovány ve srovnání s mnohem později narozenými a stejně mistrovsky zacházet s klávesovými nástroji – ostatně na svědectví jejich současníků se lze spolehnout.

Mezi těmi velkými klavíristy předchozích staletí bezesporu stojí za zmínku geniální Rakušan Wolfgang Amadeus Mozart, který odmala prokazoval zázraky interpretačního umění a již tehdy, ve svých čtyřech nebo pěti letech, byl považován za génia. Neméně vynikal jeho krajan, ale maďarského původu, o něco později – již v 19. století – žil a tvořil Franz Liszt, který je podle odborníků zakladatelem mistrovské třídy jako cesty ke zlepšení dovedností.

Přibližně ve stejné době, na konci 18. a v první polovině 19. století, se v různých evropských zemích, především v Rakouském císařství a Německu, objevila celá plejáda skutečně vynikajících klavíristů, kteří byli i skladateli. Němci Johannes Brahms a Robert Schumann, Polák Frederic Chopin, Rakušané Ludwig van Beethoven a Franz Schubert, Francouz Charles Valentin Alkan – každý z nich vytvořil spoustu brilantních děl a byl zapamatován pro svůj jedinečný herecký styl. Mimochodem, v pianismu tehdy převládala tendence k improvizaci, vytváření něčeho vlastního a nevyhnutelně vnášení zajímavých aranžmá a originálních interpretací i do děl předchozích staletí a epoch.

Samozřejmě nelze nezmínit mezi nejvýraznějšími mistry klavíru Sergeje Rachmaninova, jehož jedinečné, nesrovnatelné interpretační schopnosti a rozpoznatelná díla ovlivnily mnoho jeho současníků i těch, kteří později žili a ozývali se.

Pozornost si zaslouží i nejlepší klavíristé naší doby a ti, kteří žili na počátku až polovině dvacátého století: Ignacy Paderewski, Joseph Hoffmann, Svyatoslav Richter, Alfred Cortot, Arthur Rubinstein, Harvey Lieven Van Cliburn, Wilhelm Kempff, Emil Gilels, Vladimir Ashkenazy atd.

Skutečně vynikajících mistrů klavírního přednesu tedy skutečně bylo nemálo a jistě se v příštích letech narodí ti, kteří budou předurčeni udivovat hudební kritiky i současníky svou neuvěřitelnou hrou.