Foto 30. léta. Sovětské výtvarné umění

"Hráči karet"

Autor

Paul Cezanne

Země Francie
Roky života 1839–1906
Styl postimpresionismu

Umělec se narodil na jihu Francie v malém městečku Aix-en-Provence, ale malovat začal v Paříži. Skutečný úspěch se mu dostavil po osobní výstavě, kterou uspořádal sběratel Ambroise Vollard. V roce 1886, 20 let před odjezdem, se přestěhoval na okraj svého rodného města. Mladí umělci nazývali výlety k němu „pouť do Aix“.

Rozměr 130 x 97 cm
1895
cena
250 milionů dolarů
prodáno v roce 2012
na soukromé aukci

Cézannova práce je snadno pochopitelná. Jediným pravidlem umělce bylo přímé přenesení předmětu nebo zápletky na plátno, takže jeho obrazy nepůsobí u diváka zmatek. Cezanne spojil ve svém umění dvě hlavní francouzské tradice: klasicismus a romantismus. Pomocí barevných textur dodal tvaru objektů úžasnou plasticitu.

Série pěti obrazů „Hráči karet“ byla namalována v letech 1890–1895. Jejich zápletka je stejná – několik lidí nadšeně hraje poker. Díla se liší pouze počtem hráčů a velikostí plátna.

Čtyři obrazy jsou uchovávány v muzeích v Evropě a Americe (Museum d'Orsay, Metropolitan Museum of Art, Barnes Foundation a Courtauld Institute of Art) a pátý byl donedávna ozdobou soukromé sbírky řeckého miliardáře. Georg Embirikos. Krátce před svou smrtí, v zimě 2011, se rozhodl dát ji do prodeje. Potenciálními kupci Cézannova „volného“ díla byli obchodník s uměním William Acquavella a světově proslulý galerista Larry Gagosian, kteří za něj nabídli asi 220 milionů dolarů. Výsledkem bylo, že obraz putoval královské rodině arabského státu Katar za 250 milionů.V únoru 2012 byl uzavřen největší obchod s uměním v dějinách malby. Informovala o tom novinářka Alexandra Pierceová ve Vanity Fair. Zjistila cenu obrazu i jméno nového majitele a informace pak pronikla do médií po celém světě.

V roce 2010 bylo v Kataru otevřeno Arabské muzeum moderního umění a Katarské národní muzeum. Nyní se jejich sbírky rozrůstají. Možná pátou verzi The Card Players získal šejk za tímto účelem.

Nejvícdrahé malováníve světě

Majitel
Sheikh Hamad
bin Khalifa al-Thani

Dynastie al-Thani vládne Kataru více než 130 let. Zhruba před půl stoletím zde byly objeveny obrovské zásoby ropy a plynu, které z Kataru v mžiku udělaly jednu z nejbohatších oblastí světa. Díky exportu uhlovodíků má tato malá země největší HDP na hlavu. Sheikh Hamad bin Khalifa al-Thani převzal moc v roce 1995, když byl jeho otec ve Švýcarsku, s podporou rodinných příslušníků. Zásluha současného vládce je podle odborníků v jasné strategii rozvoje země a ve vytváření úspěšné image státu. Katar má nyní ústavu a premiéra a ženy mají právo volit v parlamentních volbách. Mimochodem, byl to katarský emír, kdo založil zpravodajský kanál Al-Džazíra. Orgány arabského státu věnují kultuře velkou pozornost.

2

"Číslo 5"

Autor

Jackson Pollock

Země USA
Roky života 1912–1956
Styl abstraktní expresionismus

Jack the Sprinkler – tak přezdívala Pollockovi americká veřejnost pro jeho speciální malířskou techniku. Umělec opustil štětec a stojan a během neustálého pohybu kolem nich i uvnitř naléval barvu na povrch plátna nebo sololitu. Již od útlého věku se zajímal o filozofii Jiddu Krishnamurti, jejímž hlavním poselstvím je, že pravda je odhalena během volného „výlevu“.

Rozměry 122 x 244 cm
1948
cena
140 milionů dolarů
prodáno v roce 2006
na aukci Sotheby's

Hodnota Pollockovy práce nespočívá ve výsledku, ale v procesu. Není náhodou, že autor své umění nazval „akční malbou“. S jeho lehkou rukou se stal hlavním aktivem Ameriky. Jackson Pollock smíchal barvu s pískem a rozbitým sklem a namaloval kusem lepenky, paletovým nožem, nožem a lopatkou. Umělec byl tak populární, že v 50. letech 20. století se našli napodobitelé i v SSSR. Obraz „Číslo 5“ je uznáván jako jeden z nejpodivnějších a nejdražších na světě. Jeden ze zakladatelů DreamWorks, David Geffen, jej koupil do soukromé sbírky a v roce 2006 jej prodal v aukci Sotheby's za 140 milionů dolarů mexickému sběrateli Davidu Martinezovi. Advokátní kancelář však brzy jménem svého klienta vydala tiskovou zprávu, v níž uvádí, že David Martinez není vlastníkem obrazu. Jen jedna věc je jistá: mexický finančník skutečně nedávno shromáždil díla moderního umění. Je nepravděpodobné, že by vynechal tak „velkou rybu“, jako je Pollockovo „Číslo 5“.

3

"Žena III"

Autor

Willem de Kooning

Země USA
Roky života 1904–1997
Styl abstraktní expresionismus

Rodák z Nizozemska emigroval do Spojených států v roce 1926. V roce 1948 se konala umělcova osobní výstava. Umělečtí kritici oceňovali složité, nervózní černobílé kompozice a uznávali jejich autora jako velkého modernistického umělce. Většinu života trpěl alkoholismem, ale radost z tvorby nového umění je cítit z každého díla. De Kooning se vyznačuje impulzivitou malby a širokými tahy, proto někdy obraz nezapadá do hranic plátna.

Rozměr 121 x 171 cm
1953
cena
137 milionů dolarů
prodáno v roce 2006
na soukromé aukci

V padesátých letech se na de Kooningových obrazech objevily ženy s prázdnýma očima, masivními prsy a ošklivými rysy obličeje. „Žena III“ bylo posledním dílem z této série, které bylo draženo.

Od 70. let byl obraz uchováván v Teheránském muzeu moderního umění, ale po zavedení přísných mravních pravidel v zemi se ho pokusili zbavit. V roce 1994 bylo dílo vyvezeno z Íránu a o 12 let později jeho majitel David Geffen (stejný producent, který prodal „Číslo 5“ Jacksona Pollocka) prodal obraz milionáři Stevenu Cohenovi za 137,5 milionu dolarů. Zajímavostí je, že během jednoho roku začal Geffen svou sbírku obrazů rozprodávat. To dalo vzniknout mnoha fámám: například, že se producent rozhodl koupit noviny Los Angeles Times.

Na jednom z uměleckých fór zazněl názor na podobnost „Ženy III“ s obrazem „Dáma s hranostajem“ od Leonarda da Vinciho. Za zubatým úsměvem a neforemnou postavou hrdinky znalec malby viděl ladnost osoby královské krve. Svědčí o tom i špatně nakreslená koruna korunující ženinu hlavu.

4

„Portrét AdeleBloch-Bauer I"

Autor

Gustav Klimt

Země Rakousko
Roky života 1862–1918
Styl moderní

Gustav Klimt se narodil v rodině rytce a byl druhým ze sedmi dětí. Tři synové Ernesta Klimta se stali umělci, ale pouze Gustav se proslavil po celém světě. Většinu dětství prožil v chudobě. Po smrti svého otce se stal zodpovědným za celou rodinu. Právě v této době Klimt rozvinul svůj styl. Každý divák před jeho obrazy ztuhne: pod tenkými čarami zlata je jasně vidět upřímná erotika.

Rozměry 138 x 136 cm
1907
cena
135 milionů dolarů
prodáno v roce 2006
na aukci Sotheby's

Osud obrazu, kterému se říká „rakouská Mona Lisa“, by se klidně mohl stát základem bestselleru. Umělcovo dílo vyvolalo konflikt mezi celým státem a jednou starší dámou.

Takže „Portrét Adele Bloch-Bauer I“ zobrazuje aristokratku, manželku Ferdinanda Blocha. Jejím posledním přáním bylo darovat obraz Rakouské státní galerii. Bloch však dar ve své závěti zrušil a nacisté obraz vyvlastnili. Později galerie s obtížemi koupila Zlatou Adélu, ale pak se objevila dědička - Maria Altmanová, neteř Ferdinanda Blocha.

V roce 2005 začal vysoce sledovaný proces „Maria Altmann proti Rakouské republice“, v důsledku čehož s ní film „odjel“ do Los Angeles. Rakousko přijalo bezprecedentní opatření: probíhala jednání o půjčkách, obyvatelstvo věnovalo peníze na koupi portrétu. Dobro nikdy neporazilo zlo: Altman zvýšil cenu na 300 milionů dolarů. V době soudního řízení jí bylo 79 let a do historie se zapsala jako osoba, která změnila Bloch-Bauerovu závěť ve prospěch osobních zájmů. Obraz koupil Ronald Lauder, majitel New Gallery v New Yorku, kde je dodnes. Ne pro Rakousko, pro něj Altman snížil cenu na 135 milionů dolarů.

5

"Výkřik"

Autor

Edvard Munch

Země Norsko
Roky života 1863–1944
Styl expresionismus

Munchova první malba, která se proslavila po celém světě, „Nemocná dívka“ (existuje pět kopií), je věnována umělcově sestře, která zemřela na tuberkulózu ve věku 15 let. Muncha vždy zajímalo téma smrti a osamělosti. V Německu jeho těžká maniakální malba dokonce vyvolala skandál. Navzdory depresivním tématům však jeho obrazy mají zvláštní magnetismus. Vezměte si například "Scream".

Rozměr 73,5 x 91 cm
1895
cena
119,992 milionů dolarů
prodáno v 2012
na aukci Sotheby's

Celý název obrazu je Der Schrei der Natur (přeloženo z němčiny jako „výkřik přírody“). Tvář člověka nebo mimozemšťana vyjadřuje zoufalství a paniku – stejné emoce, jaké divák prožívá při pohledu na obraz. Jedno z klíčových děl expresionismu varuje před tématy, která se v umění 20. století stala akutní. Podle jedné verze jej umělec vytvořil pod vlivem duševní poruchy, kterou trpěl celý život.

Obraz byl dvakrát ukraden z různých muzeí, ale byl vrácen. Lehce poškozená po krádeži byla The Scream obnovena a byla znovu připravena k vystavení v Munchově muzeu v roce 2008. Pro představitele popkultury se dílo stalo zdrojem inspirace: Andy Warhol vytvořil sérii jeho tištěných kopií a maska ​​z filmu „Scream“ byla vyrobena podle obrazu a podoby hrdiny obrázku.

Munch napsal čtyři verze díla pro jeden předmět: ta, která je v soukromé sbírce, je vyrobena v pastelech. Norský miliardář Petter Olsen jej dal 2. května 2012 do aukce. Kupujícím byl Leon Black, který na „Scream“ nešetřil rekordní částkou. Zakladatel Apollo Advisors, L.P. a Lví poradci, L.P. známý svou láskou k umění. Black je patronem Dartmouth College, Muzea moderního umění, Lincoln Art Center a Metropolitního muzea umění. Má největší sbírku obrazů současných umělců a klasických mistrů minulých staletí.

6

"Nahý na pozadí poprsí a zelených listů"

Autor

Pablo Picasso

Země Španělsko, Francie
Roky života 1881–1973
Styl kubismus

Původem je Španěl, ale duchem a místem bydliště je skutečným Francouzem. Picasso si otevřel vlastní umělecké studio v Barceloně, když mu bylo pouhých 16 let. Poté odešel do Paříže a strávil tam většinu svého života. Proto má jeho příjmení dvojitý přízvuk. Styl, který vynalezl Picasso, je založen na popření myšlenky, že předmět zobrazený na plátně lze pozorovat pouze z jednoho úhlu.

Rozměr 130 x 162 cm
1932
cena
106,482 milionu dolarů
prodáno v roce 2010
na aukci Christie's

Během své práce v Římě se umělec setkal s tanečnicí Olgou Khokhlovou, která se brzy stala jeho manželkou. Skoncoval s tulákem a nastěhoval se k ní do luxusního bytu. Do té doby uznání našlo hrdinu, ale manželství bylo zničeno. Jeden z nejdražších obrazů na světě vznikl téměř náhodou – z velké lásky, která jako vždy u Picassa neměla dlouhého trvání. V roce 1927 se začal zajímat o mladou Marii-Therese Walterovou (bylo jí 17 let, jemu 45). Tajně od své manželky odešel se svou milenkou do města nedaleko Paříže, kde namaloval portrét, zobrazující Marii-Therese v podobě Daphne. Plátno koupil newyorský dealer Paul Rosenberg a v roce 1951 ho prodal Sidneymu F. Brodymu. Brodyovi obraz ukázali světu jen jednou a to jen proto, že umělci bylo 80 let. Po smrti svého manžela dala paní Brodyová dílo v březnu 2010 do aukce v Christie’s. Za šest desetiletí se cena zvýšila více než 5000krát! Neznámý sběratel ho koupil za 106,5 milionu dolarů. V roce 2011 se v Británii konala „výstava jednoho obrazu“, kde byl uveden již podruhé, ale jméno majitele je stále neznámé.

7

"Osm Elvisů"

Autor

Andy Warhole

Země USA
Roky života 1928-1987
Styl
populární umění

„Sex a večírky jsou jediná místa, kde se musíte objevit osobně,“ řekl kultovní pop-artový umělec, režisér, jeden ze zakladatelů časopisu Interview, designér Andy Warhol. Spolupracoval s Vogue a Harper's Bazaar, navrhoval obaly desek a navrhoval boty pro společnost I.Miller. V 60. letech se objevily obrazy zobrazující symboly Ameriky: polévku Campbell's a Coca-Cola, Presleyho a Monroe - což z něj udělalo legendu.

Rozměry 358 x 208 cm
1963
cena
100 milionů dolarů
prodáno v roce 2008
na soukromé aukci

Warhol 60s bylo jméno dané éře pop artu v Americe. V roce 1962 pracoval na Manhattanu ve studiu Factory, kde se sešli všichni bohémové z New Yorku. Její významní představitelé: Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote a další známé osobnosti světa. Warhol zároveň vyzkoušel techniku ​​sítotisku – opakované opakování jednoho obrázku. Tuto metodu použil také při tvorbě „Osm Elvisů“: divák jako by viděl záběry z filmu, kde hvězda ožívá. Zde je vše, co umělec tak miloval: oboustranně výhodný veřejný obraz, stříbrná barva a předtucha smrti jako hlavní poselství.

Warholovo dílo dnes na světovém trhu propagují dva obchodníci s uměním: Larry Gagosian a Alberto Mugrabi. První jmenovaný utratil v roce 2008 200 milionů dolarů na získání více než 15 Warholových děl. Druhý kupuje a prodává své obrazy jako vánoční přání, jen za vyšší cenu. Ale nebyli to oni, ale skromný francouzský umělecký poradce Philippe Segalot, kdo pomohl římskému znalci umění Annibale Berlinghierimu prodat „Osm Elvisů“ neznámému kupci za rekordní částku pro Warhola – 100 milionů dolarů.

8

"Oranžový,Červená žlutá"

Autor

Mark Rothko

Země USA
Roky života 1903–1970
Styl abstraktní expresionismus

Jeden z tvůrců barevného pole malby se narodil v ruském Dvinsku (dnes Daugavpils, Lotyšsko) do velké rodiny židovského lékárníka. V roce 1911 emigrovali do USA. Rothko studoval na katedře umění na Yaleově univerzitě a získal stipendium, ale antisemitské nálady ho donutily studia opustit. Umělečtí kritici navzdory všemu umělce zbožňovali a muzea ho pronásledovala celý život.

Rozměr 206 x 236 cm
1961
cena
86,882 milionů dolarů
prodáno v roce 2012
na aukci Christie's

První Rothkovy umělecké experimenty byly surrealistického zaměření, ale postupem času zjednodušil děj na barevné skvrny, čímž je zbavil jakékoli objektivity. Nejprve měly jasné odstíny a v 60. letech se staly hnědými a fialovými, které v době umělcovy smrti zhoustly do černé. Mark Rothko varoval před hledáním jakéhokoli smyslu v jeho obrazech. Autor chtěl říci přesně to, co řekl: pouze barva rozpouštějící se ve vzduchu a nic víc. Doporučil prohlížet díla ze vzdálenosti 45 cm, aby byl divák „vtažen“ do barvy jako do trychtýře. Pozor: nahlížení podle všech pravidel může vést k efektu meditace, tedy uvědomění si nekonečna, úplného ponoření se do sebe, postupně přichází relaxace a očista. Barva v jeho obrazech žije, dýchá a má silný emocionální dopad (říká se, že někdy léčí). Umělec prohlásil: „Divák by měl při pohledu na ně plakat,“ a takové případy se skutečně staly. Podle Rothkovy teorie v tuto chvíli lidé prožívají stejnou duchovní zkušenost jako on při práci na obraze. Pokud jste to dokázali pochopit na tak jemné úrovni, nebudete překvapeni, že tato díla abstraktního umění bývají kritiky přirovnávána k ikonám.

Dílo „Oranžová, červená, žlutá“ vyjadřuje podstatu malby Marka Rothka. Jeho počáteční cena na aukci Christie’s v New Yorku je 35–45 milionů dolarů. Neznámý kupec nabídl cenu dvojnásobnou oproti odhadu. Jméno šťastného majitele obrazu, jak se často stává, není zveřejněno.

9

"triptych"

Autor

Francis Bacon

Země
Velká Británie
Roky života 1909–1992
Styl expresionismus

Dobrodružství Francise Bacona, úplného jmenovce a také vzdáleného potomka velkého filozofa, začala, když se ho jeho otec zřekl, nedokázal přijmout synovy homosexuální sklony. Bacon šel nejprve do Berlína, pak do Paříže, a pak se jeho stopy po celé Evropě zamotaly. Během jeho života byla jeho díla vystavena v předních kulturních centrech světa, včetně Guggenheimova muzea a Treťjakovské galerie.

147,5 x 198 cm (každý)
1976
cena
86,2 milionů dolarů
prodáno v roce 2008
na aukci Sotheby's

Prestižní muzea se snažila vlastnit Baconovy obrazy, ale prvotřídní anglická veřejnost s hledáním takového umění nijak nespěchala. Legendární britská premiérka Margaret Thatcherová o něm řekla: „Muž, který maluje tyto děsivé obrazy.

Sám umělec považoval poválečné období za výchozí období ve své tvorbě. Po návratu ze služby se znovu pustil do malby a vytvořil velká mistrovská díla. Před účastí na „Triptychu, 1976“ byla Baconova nejdražší práce „Studie k portrétu papeže Inocence X“ (52,7 milionů dolarů). V „Triptychu, 1976“ umělec ztvárnil mýtickou zápletku pronásledování Oresta běsy. Orestes je samozřejmě sám Bacon a Fúrie jsou jeho muka. Více než 30 let byl obraz v soukromé sbírce a neúčastnil se výstav. Tato skutečnost mu dává zvláštní hodnotu a v důsledku toho zvyšuje náklady. Co je ale pár milionů pro znalce umění, a ještě k tomu štědrého? Roman Abramovich začal vytvářet svou kolekci v 90. letech 20. století, ve které ho výrazně ovlivnila jeho přítelkyně Dasha Zhukova, která se stala módní galeristkou v moderním Rusku. Podle neoficiálních údajů podnikatel osobně vlastní díla Alberta Giacomettiho a Pabla Picassa zakoupená za částky přesahující 100 milionů dolarů. V roce 2008 se stal majitelem Triptychu. Mimochodem, v roce 2011 bylo získáno další cenné dílo Bacona - „Tři náčrty pro portrét Luciana Freuda“. Skryté zdroje říkají, že kupcem se opět stal Roman Arkadyevič.

10

"Jezírko s lekníny"

Autor

Claude Monet

Země Francie
Roky života 1840–1926
Styl impresionismus

Umělec je uznáván jako zakladatel impresionismu, který si tuto metodu „patentoval“ na svá plátna. Prvním významným dílem byl obraz „Luncheon on the Grass“ (původní verze díla Edouarda Maneta). V mládí kreslil karikatury a skutečné malbě se věnoval při svých cestách po pobřeží a pod širým nebem. V Paříži vedl bohémský způsob života a neopustil ho ani po službě v armádě.

210x100 cm
1919
cena
80,5 milionu dolarů
prodáno v roce 2008
na aukci Christie's

Kromě toho, že byl Monet velkým umělcem, byl také horlivým zahradníkem a zbožňoval divokou zvěř a květiny. V jeho krajinách je stav přírody momentální, objekty jako by byly rozmazané pohybem vzduchu. Dojem umocňují velké tahy, od určité vzdálenosti se stávají neviditelnými a splývají v texturovaný, trojrozměrný obraz. V obrazech pozdního Moneta zaujímá téma vody a života v ní zvláštní místo. Ve městě Giverny měl umělec vlastní rybník, kde pěstoval lekníny ze semínek, které si speciálně přivezl z Japonska. Když jejich květy rozkvetly, začal malovat. Série „Lekníny“ se skládá ze 60 děl, která umělec maloval téměř 30 let až do své smrti. Jeho zrak se věkem zhoršoval, ale nepřestával. V závislosti na větru, roční době a počasí se podoba rybníka neustále měnila a Monet chtěl tyto změny zachytit. Pečlivou prací došel k pochopení podstaty přírody. Některé obrazy ze série jsou uloženy v předních světových galeriích: Národní muzeum západního umění (Tokio), Orangerie (Paříž). Verze dalšího „Jezírka s lekníny“ šla do rukou neznámého kupce za rekordní částku.

11

Falešná hvězda t

Autor

Jasper Johns

Země USA
Rok narození 1930
Styl populární umění

V roce 1949 Jones vstoupil na designovou školu v New Yorku. Spolu s Jacksonem Pollockem, Willemem de Kooningem a dalšími je uznáván jako jeden z hlavních umělců 20. století. V roce 2012 obdržel prezidentskou medaili svobody, nejvyšší civilní vyznamenání ve Spojených státech.

137,2 x 170,8 cm
1959
cena
80 milionů dolarů
prodáno v roce 2006
na soukromé aukci

Stejně jako Marcel Duchamp i Jones pracoval se skutečnými předměty, zobrazoval je na plátně a v sochařství plně v souladu s originálem. Pro svá díla používal jednoduché a srozumitelné předměty: pivní láhev, vlajku nebo karty. Ve filmu Falešný start není jasná kompozice. Zdá se, že umělec si hraje s divákem, často „špatně“ označuje barvy na obraze a převrací samotný koncept barvy: „Chtěl jsem najít způsob, jak barvu zobrazit, aby ji bylo možné určit jinou metodou.“ Jeho nejvýbušnější a „nejistý“ obraz podle kritiků získal neznámý kupec.

12

"Sedětaktna gauči"

Autor

Amedeo Modigliani

Země Itálie, Francie
Roky života 1884–1920
Styl expresionismus

Modigliani byl od dětství často nemocný, v horečnatém deliriu poznal svůj umělecký osud. Studoval kresbu v Livornu, Florencii, Benátkách a v roce 1906 odešel do Paříže, kde jeho umění vzkvétalo.

65x100 cm
1917
cena
68,962 milionů dolarů
prodáno v roce 2010
na aukci Sotheby's

V roce 1917 se Modigliani setkal s 19letou Jeanne Hebuterne, která se stala jeho modelkou a poté manželkou. V roce 2004 byl jeden z jejích portrétů prodán za 31,3 milionu dolarů, což byl poslední rekord před prodejem „Nude Seated on a Sofa“ v roce 2010. Obraz byl zakoupen neznámým kupcem za maximální cenu pro Modiglianiho v tuto chvíli. Aktivní prodej děl začal až po umělcově smrti. Zemřel v chudobě, nemocný tuberkulózou, a další den Jeanne Hebuterne, která byla v devíti měsících těhotenství, také spáchala sebevraždu.

13

"Orel na borovici"

Autor

Qi Baishi

Země Čína
Roky života 1864–1957
Styl Guohua

Zájem o kaligrafii přivedl Qi Baishi k malbě. Ve věku 28 let se stal žákem umělce Hu Qingyuan. Čínské ministerstvo kultury mu udělilo titul „Velký umělec čínského lidu“ a v roce 1956 obdržel Mezinárodní cenu míru.

10x26 cm
1946
cena
65,4 milionu dolarů
prodáno v roce 2011
na aukci China Guardian

Qi Baishi se zajímal o ty projevy okolního světa, kterým mnozí nepřikládají důležitost, a to je jeho velikost. Muž bez vzdělání se stal profesorem a vynikajícím tvůrcem historie. Pablo Picasso o něm řekl: „Bojím se jít do vaší země, protože v Číně je Qi Baishi. Skladba „Orel na borovici“ je uznávána jako největší dílo umělce. Kromě plátna obsahuje dva hieroglyfické svitky. Pro Čínu představuje částka, za kterou bylo dílo zakoupeno, rekord – 425,5 milionu jüanů. Jen svitek starověkého kaligrafa Huang Tingjian se prodal za 436,8 milionů.

14

"1949-A-No. 1"

Autor

Clyfford Still

Země USA
Roky života 1904–1980
Styl abstraktní expresionismus

Ve 20 letech jsem navštívil Metropolitní muzeum umění v New Yorku a byl jsem zklamán. Později se přihlásil do kurzu Studentské umělecké ligy, ale odešel 45 minut po začátku třídy - ukázalo se, že to „není pro něj“. První osobní výstava vyvolala ohlas, umělec našel sám sebe a s ním i uznání

Rozměr 79 x 93 cm
1949
cena
61,7 milionu dolarů
prodáno v roce 2011
na aukci Sotheby's

Všechna svá díla, více než 800 pláten a 1600 děl na papíře, přesto odkázal americkému městu, kde bude otevřeno muzeum pojmenované po něm. Takovým městem se stal Denver, ale samotná výstavba byla pro úřady drahá a k jejímu dokončení byla čtyři díla dána do aukce. Stillova díla se pravděpodobně nebudou znovu dražit, což předem zvýšilo jejich cenu. Obraz „1949-A-No.1“ byl pro umělce prodán za rekordní částku, ačkoli odborníci předpovídali prodej maximálně za 25–35 milionů dolarů.

15

"Suprematistické složení"

Autor

Kazimír Malevič

Země Rusko
Roky života 1878–1935
Styl Suprematismus

Malevich studoval malbu na Kyjevské umělecké škole a poté na Moskevské akademii umění. V roce 1913 začal malovat abstraktní geometrické obrazy ve stylu, který nazval suprematismus (z latiny „dominance“).

Rozměr 71 x 88,5 cm
1916
cena
60 milionů dolarů
prodáno v roce 2008
na aukci Sotheby's

Obraz byl asi 50 let uchováván v amsterdamském městském muzeu, ale po 17 letech sporu s Malevichovými příbuznými jej muzeum vydalo. Umělec namaloval toto dílo ve stejném roce jako „Manifest suprematismu“, takže Sotheby’s ještě před aukcí oznámila, že nepůjde do soukromé sbírky za méně než 60 milionů dolarů. A tak se také stalo. Je lepší se na to dívat shora: postavy na plátně připomínají letecký pohled na zemi. Mimochodem, o několik let dříve titíž příbuzní vyvlastnili další „suprematistickou kompozici“ z muzea MoMA, aby ji prodali v aukci Phillips za 17 milionů dolarů.

16

"koupači"

Autor

Paul Gauguin

Země Francie
Roky života 1848–1903
Styl postimpresionismu

Do svých sedmi let žil umělec v Peru, poté se s rodinou vrátil do Francie, ale vzpomínky na dětství ho neustále hnaly k cestování. Ve Francii začal malovat a spřátelil se s Van Goghem. Strávil s ním dokonce několik měsíců v Arles, dokud mu Van Gogh během hádky neuřízl ucho.

Rozměr 93,4 x 60,4 cm
1902
cena
55 milionů dolarů
prodáno v roce 2005
na aukci Sotheby's

V roce 1891 Gauguin zorganizoval prodej svých obrazů, aby výtěžek použil na cestu hluboko na ostrov Tahiti. Tam vytvořil díla, ve kterých je cítit jemné spojení přírody a člověka. Gauguin žil v doškové chýši a na jeho plátnech kvetl tropický ráj. Jeho manželkou byla 13letá tahitská Tehura, což umělci nezabránilo v promiskuitních vztazích. Poté, co se nakazil syfilidou, odešel do Francie. Na Gauguina tam však bylo plno a vrátil se na Tahiti. Toto období se nazývá „druhý Tahitian“ - tehdy byl namalován obraz „Koupající se“, jeden z nejluxusnějších v jeho díle.

17

"Narcisy a ubrus v modrých a růžových tónech"

Autor

Henri Matisse

Země Francie
Roky života 1869–1954
Styl fauvismus

V roce 1889 utrpěl Henri Matisse záchvat apendicitidy. Když se zotavoval po operaci, matka mu koupila barvy. Matisse nejprve z nudy kopíroval barevné pohlednice, pak kopíroval díla velkých malířů, které viděl v Louvru, a na začátku 20. století přišel se stylem - fauvismem.

Rozměr 65,2 x 81 cm
1911
cena
46,4 milionu dolarů
prodáno v roce 2009
na aukci Christie's

Obraz „Narcisy a ubrus v modré a růžové“ patřil Yves Saint Laurentovi dlouhou dobu. Po smrti návrháře přešla celá jeho umělecká sbírka do rukou jeho přítele a milence Pierra Bergera, který se ji rozhodl dát do aukce v Christie’s. Perličkou prodávané kolekce byl obraz „Narcisy a ubrus v modrých a růžových tónech“, malovaný na obyčejný ubrus místo plátna. Jako příklad fauvismu je naplněn energií barev, barvy jako by explodovaly a křičely. Ze slavné série obrazů malovaných na ubrusy je dnes toto dílo jediné, které je v soukromé sbírce.

18

"Spící dívka"

Autor

RoyiZávětří

htenstein

Země USA
Roky života 1923–1997
Styl populární umění

Umělec se narodil v New Yorku a po absolvování školy odešel do Ohia, kde absolvoval umělecké kurzy. V roce 1949 Lichtenstein získal titul Master of Fine Arts. Záliba v komiksech a schopnost používat ironii z něj udělaly kultovního umělce minulého století.

Rozměr 91 x 91 cm
1964
cena
44,882 milionů dolarů
prodáno v roce 2012
na aukci Sotheby's

Jednoho dne padla Lichtensteinovi do rukou žvýkačka. Obraz z přílohy překreslil na plátno a stal se slavným. Tento příběh z jeho biografie obsahuje celé poselství pop-artu: konzum je nový bůh a v obalu od žvýkačky není o nic méně krásy než v Mona Lisa. Jeho obrazy připomínají komiksy a karikatury: Lichtenstein hotový obraz jednoduše zvětšil, nakreslil rastry, použil sítotisk a sítotisk. Obraz „Spící dívka“ patřil téměř 50 let sběratelům Beatrice a Philipu Gershovým, jejichž dědicové jej prodali v aukci.

19

"Vítězství. Boogie Woogie"

Autor

Piet Mondrian

Země Holandsko
Roky života 1872–1944
Styl neoplasticismus

Když se umělec v roce 1912 přestěhoval do Paříže, změnil své skutečné jméno, Cornelis, na Mondrian. Spolu s umělcem Theo van Doesburgem založil hnutí neoplasticismus. Programovací jazyk Piet je pojmenován po Mondrianovi.

Rozměr 27 x 127 cm
1944
cena
40 milionů dolarů
prodáno v roce 1998
na aukci Sotheby's

„Nejmuzikálnější“ výtvarník 20. století se živil akvarelovými zátišími, i když proslul jako neoplastický umělec. Ve 40. letech se přestěhoval do USA a strávil tam zbytek života. Nejvíce ho inspiroval jazz a New York! Obraz „Vítězství. Boogie-Woogie“ je toho nejlepším příkladem. Charakteristické úhledné čtverce byly dosaženy pomocí lepicí pásky, Mondrianova oblíbeného materiálu. V Americe byl nazýván „nejslavnějším přistěhovalcem“. V šedesátých letech uvedl Yves Saint Laurent světově proslulé „Mondrian“ šaty s velkými kostkovanými potisky.

20

"Složení č. 5"

Autor

BazalkaKandinského

Země Rusko
Roky života 1866–1944
Styl avantgarda

Umělec se narodil v Moskvě a jeho otec pocházel ze Sibiře. Po revoluci se snažil spolupracovat se sovětskou vládou, ale brzy si uvědomil, že zákony proletariátu nebyly vytvořeny pro něj, a ne bez potíží emigroval do Německa.

Rozměr 275 x 190 cm
1911
cena
40 milionů dolarů
prodáno v roce 2007
na aukci Sotheby's

Kandinskij byl jedním z prvních, kdo zcela opustil malbu objektů, za což získal titul génia. Během nacismu v Německu byly jeho obrazy klasifikovány jako „degenerované umění“ a nebyly nikde vystaveny. V roce 1939 přijal Kandinsky francouzské občanství a v Paříži se svobodně účastnil uměleckého procesu. Jeho obrazy „znějí“ jako fugy, a proto se mnohým říká „kompozice“ (první byla napsána v roce 1910, poslední v roce 1939). „Kompozice č. 5“ je jedním z klíčových děl tohoto žánru: „Slovo „kompozice“ mi znělo jako modlitba,“ řekl umělec. Na rozdíl od mnoha svých následovníků plánoval, co zobrazí na obrovském plátně, jako by si psal poznámky.

21

„Studie ženy v modrém“

Autor

Fernand Léger

Země Francie
Roky života 1881–1955
Styl kubismus-postimpresionismus

Léger získal architektonické vzdělání a poté navštěvoval Ecole des Beaux-Arts v Paříži. Umělec se považoval za stoupence Cézanna, byl zastáncem kubismu a ve 20. století byl úspěšný i jako sochař.

Rozměr 96,5 x 129,5 cm
1912–1913
cena
39,2 milionu dolarů
prodáno v roce 2008
na aukci Sotheby's

David Norman, prezident mezinárodního oddělení impresionismu a modernismu v Sotheby's, považuje ohromnou částku zaplacenou za „Dámu v modrém“ za zcela oprávněnou. Obraz patří do slavné Légerovy sbírky (umělec namaloval tři obrazy na stejné téma, poslední z nich je dnes v soukromých rukou - pozn. red.) a povrch plátna se dochoval v původní podobě. Sám autor toto dílo předal galerii Der Sturm, poté skončilo ve sbírce německého sběratele moderny Hermanna Langa a nyní patří neznámému kupci.

22

„Pouliční scéna. Berlín"

Autor

Ernst LudwigKirchner

Země Německo
Roky života 1880–1938
Styl expresionismus

Pro německý expresionismus se Kirchner stal ikonickou osobou. Místní úřady ho však obvinily z lpění na „degenerovaném umění“, což tragicky ovlivnilo osud jeho obrazů i život umělce, který v roce 1938 spáchal sebevraždu.

Rozměr 95 x 121 cm
1913
cena
38,096 milionu dolarů
prodáno v roce 2006
na aukci Christie's

Po přestěhování do Berlína Kirchner vytvořil 11 skic pouličních scén. Inspiroval ho ruch a nervozita velkoměsta. Na obraze, prodaném v roce 2006 v New Yorku, je úzkostný stav umělce obzvláště silně cítit: lidé na berlínské ulici připomínají ptáky - půvabné a nebezpečné. Bylo to poslední dílo ze slavné série prodané v aukci, zbytek je uložen v muzeích. V roce 1937 zacházeli nacisté s Kirchnerem tvrdě: 639 jeho děl bylo odstraněno z německých galerií, zničeno nebo prodáno do zahraničí. Umělec to nemohl přežít.

23

"Výletník"tanečník"

Autor

Edgar Degas

Země Francie
Roky života 1834–1917
Styl impresionismus

Historie Degase jako umělce začala jeho prací jako opisovač v Louvru. Snil o tom, že se stane „slavným a neznámým“, a nakonec se mu to podařilo. Na konci svého života, hluchý a slepý, 80letý Degas nadále navštěvoval výstavy a aukce.

Rozměr 64 x 59 cm
1879
cena
37,043 milionů dolarů
prodáno v roce 2008
na aukci Sotheby's

"Baleríny pro mě vždy byly jen záminkou k zobrazení látek a zachycení pohybu," řekl Degas. Zdá se, že scény ze života tanečnic byly špehovány: dívky pro umělce nepózují, ale prostě se stávají součástí atmosféry zachycené Degasovým pohledem. „Resting Dancer“ byl prodán za 28 milionů $ v roce 1999 a o necelých 10 let později byl koupen za 37 milionů $ – dnes je to nejdražší dílo umělce, jaké kdy bylo dáno do aukce. Degas věnoval rámům velkou pozornost, sám je navrhoval a zakázal je měnit. Zajímalo by mě, jaký rám je nainstalován na prodávaném obrazu?

24

"Malování"

Autor

Joan Miro

Země Španělsko
Roky života 1893–1983
Styl abstraktní umění

Během španělské občanské války byl umělec na republikánské straně. V roce 1937 uprchl před fašistickým režimem do Paříže, kde žil v chudobě se svou rodinou. V tomto období Miro namaloval obraz „Pomoc Španělsku!“, čímž upozornil celý svět na dominanci fašismu.

Rozměry 89 x 115 cm
1927
cena
36,824 milionu dolarů
prodáno v roce 2012
na aukci Sotheby's

Druhý název obrazu je „Modrá hvězda“. Umělec jej namaloval ve stejném roce, kdy oznámil: „Chci zabít malbu“ a nemilosrdně se posmíval plátnům, škrábal barvu hřebíky, lepil peří na plátno, pokrýval díla odpadky. Jeho cílem bylo vyvrátit mýty o záhadě malby, ale když se s tím Miro vyrovnal, vytvořil svůj vlastní mýtus - surrealistickou abstrakci. Jeho „Obraz“ patří do cyklu „obrazů snů“. V aukci o něj bojovali čtyři kupci, ale jeden inkognito telefonát spor vyřešil a „Obraz“ se stal nejdražším malířovým obrazem.

25

"Modrá růže"

Autor

Yves Klein

Země Francie
Roky života 1928–1962
Styl monochromatická malba

Umělec se narodil do malířské rodiny, ale studoval orientální jazyky, navigaci, řemeslo zlacení rámů, zen buddhismus a mnoho dalšího. Jeho osobnost a drzé dovádění byly mnohokrát zajímavější než monochromní obrazy.

Rozměry 153 x 199 x 16 cm
1960
cena
36,779 milionu dolarů
prodáno v roce 2012
na aukci Christie's

První výstava jednobarevných žlutých, oranžových a růžových děl zájem veřejnosti nevzbudila. Klein se urazil a příště představil 11 stejných pláten, natřených ultramarínem smíchaným se speciální syntetickou pryskyřicí. Tuto metodu si dokonce nechal patentovat. Barva vešla do historie jako „mezinárodní Kleinova modrá“. Umělec také prodával prázdnotu, vytvářel obrazy vystavováním papíru dešti, zapalováním kartonu, otiskováním lidského těla na plátno. Jedním slovem, experimentoval jsem, jak nejlépe jsem mohl. K vytvoření „Blue Rose“ jsem použil suché pigmenty, pryskyřice, oblázky a přírodní houbu.

26

„Při hledání Mojžíše“

Autor

Sir Lawrence Alma-Tadema

Země Velká Británie
Roky života 1836–1912
Styl neoklasicismus

Sám sir Lawrence přidal ke svému příjmení předponu „alma“, aby mohl být uveden na prvním místě v uměleckých katalozích. Ve viktoriánské Anglii byly jeho obrazy tak žádané, že umělec získal rytířský titul.

213,4 x 136,7 cm
1902
cena
35,922 milionů dolarů
prodáno v roce 2011
na aukci Sotheby's

Hlavním tématem Alma-Tademovy tvorby byla antika. Ve svých obrazech se snažil do nejmenších detailů vykreslit éru římské říše, prováděl proto dokonce archeologické vykopávky na Apeninském poloostrově a ve svém londýnském domě reprodukoval historický interiér těchto let. Dalším zdrojem inspirace se pro něj stala mytologická témata. Umělec byl za svého života extrémně žádaný, ale po jeho smrti byl rychle zapomenut. Nyní zájem ožívá, o čemž svědčí cena obrazu „Hledá se Mojžíš“, která je sedmkrát vyšší, než předprodejní odhad.

27

„Portrét spícího nahého úředníka“

Autor

Lucian Freud

Země Německo,
Velká Británie
Roky života 1922–2011
Styl figurativní malba

Umělec je vnukem Sigmunda Freuda, otce psychoanalýzy. Po nastolení fašismu v Německu jeho rodina emigrovala do Velké Británie. Freudova díla jsou v muzeu Wallace Collection v Londýně, kde dosud žádný současný umělec nevystavoval.

219,1 x 151,4 cm
1995
cena
33,6 milionu dolarů
prodáno v roce 2008
na aukci Christie's

Zatímco módní umělci 20. století vytvářeli pozitivní „barevné skvrny na zdi“ a prodávali je za miliony, Freud maloval extrémně naturalistické obrazy a prodával je za ještě více. "Zachycuji výkřiky duše a utrpení blednoucího těla," řekl. Kritici věří, že toto vše je „dědictvím“ Sigmunda Freuda. Obrazy byly tak aktivně vystavovány a úspěšně prodávány, že odborníci začali pochybovat: mají hypnotické vlastnosti? Portrét nahého spícího úředníka, prodaný v aukci, podle Sunu koupil znalec krásy a miliardář Roman Abramovič.

28

"Housle a kytara"

Autor

Xjeden Gris

Země Španělsko
Roky života 1887–1927
Styl kubismus

Narodil se v Madridu, kde vystudoval Školu umění a řemesel. V roce 1906 se přestěhoval do Paříže a vstoupil do okruhu nejvlivnějších umělců té doby: Picassa, Modiglianiho, Braqueho, Matisse, Légera a spolupracoval také se Sergejem Diaghilevem a jeho souborem.

5x100 cm
1913
cena
28,642 milionů dolarů
prodáno v roce 2010
na aukci Christie's

Gris se podle svých vlastních slov zabýval „planární barevnou architekturou“. Jeho obrazy jsou precizně promyšlené: nezanechal jediný náhodný tah, díky čemuž je kreativita podobná geometrii. Umělec vytvořil svou vlastní verzi kubismu, ačkoli velmi respektoval Pabla Picassa, zakladatele hnutí. Nástupce mu dokonce věnoval své první dílo v kubistickém stylu „Pocta Picassovi“. Obraz „Housle a kytara“ je v umělcově díle uznáván jako vynikající. Během svého života byl Gris slavný a oblíbený u kritiků a uměleckých kritiků. Jeho díla jsou vystavována v největších světových muzeích a jsou uchovávána v soukromých sbírkách.

29

"PortrétEluardova pole"

Autor

Salvador dali

Země Španělsko
Roky života 1904–1989
Styl surrealismus

"Surrealismus jsem já," řekl Dalí, když byl vyloučen ze surrealistické skupiny. Postupem času se stal nejznámějším surrealistickým umělcem. Dalího práce je všude, nejen v galeriích. Byl to například on, kdo vymyslel obal pro Chupa Chups.

25 x 33 cm
1929
cena
20,6 milionu dolarů
prodáno v roce 2011
na aukci Sotheby's

V roce 1929 přijel básník Paul Eluard a jeho ruská manželka Gala navštívit velkého provokatéra a rváče Dalího. Setkání bylo začátkem milostného příběhu, který trval více než půl století. Během této historické návštěvy byl namalován obraz „Portrét Paula Eluarda“. „Cítil jsem, že mi byla svěřena zodpovědnost zachytit tvář básníka, z jehož Olympu jsem ukradl jednu z múz,“ řekl umělec. Než se setkal s Galou, byl panna a byl znechucen při pomyšlení na sex se ženou. Milostný trojúhelník existoval až do Eluardovy smrti, po které se z něj stal duet Dali-Gala.

30

"Výročí"

Autor

Marc Chagall

Země Rusko, Francie
Roky života 1887–1985
Styl avantgarda

Moishe Segal se narodil ve Vitebsku, ale v roce 1910 emigroval do Paříže, změnil si jméno a sblížil se s předními avantgardními umělci té doby. Ve 30. letech 20. století během uchopení moci nacisty odešel s pomocí amerického konzula do Spojených států. Do Francie se vrátil až v roce 1948.

Rozměr 80 ​​x 103 cm
1923
cena
14,85 milionu dolarů
prodáno 1990
na aukci Sotheby's

Obraz „Výročí“ je uznáván jako jedno z nejlepších děl umělce. Obsahuje všechny rysy jeho díla: fyzikální zákony světa jsou vymazány, v kulisách měšťáckého života je zachován pocit pohádky a v centru děje je láska. Chagall nečerpal lidi ze života, ale pouze z paměti nebo představ. Obraz „Výročí“ zachycuje samotného umělce a jeho manželku Belu. Obraz byl prodán v roce 1990 a od té doby se nedražil. Zajímavé je, že New York Museum of Modern Art MoMA sídlí přesně to samé, jen pod názvem „Narozeniny“. Mimochodem, to bylo napsáno dříve - v roce 1915.

připravil projekt
Taťána Palašová
hodnocení bylo sestaveno
podle seznamu www.art-spb.ru
časopis tmn č. 13 (květen–červen 2013)

Kultura sovětského a postsovětského období je jasným velkým okruhem ruského dědictví. Události roku 1917 se staly mezníkem ve vývoji nového způsobu života a formování nového způsobu myšlení. Nálada společnosti v 19. - počátkem 20. století. vyústila v říjnovou revoluci, zlom v dějinách země. Nyní ji čekala nová budoucnost s vlastními ideály a cíli. Umění, které je v jistém smyslu zrcadlem doby, se stalo také nástrojem pro realizaci zásad nového režimu. Na rozdíl od jiných druhů umělecké tvořivosti pronikla malba, která formuje a utváří lidské myšlení, do povědomí lidí tím nejpřesnějším a nejpřímějším způsobem. Na druhou stranu, obrazové umění bylo nejméně podřízeno funkci propagandy a odráželo zkušenosti lidí, jejich sny a především ducha doby.

ruská avantgarda

Nové umění se zcela nevyhnulo starým tradicím. Malba v prvních porevolučních letech absorbovala vlivy futuristů a avantgardy obecně. Avantgarda se svým pohrdáním tradicemi minulosti, která byla tak blízká destruktivním myšlenkám revoluce, našla přívržence v podobě mladých umělců. Paralelně s těmito trendy se ve výtvarném umění rozvíjely realistické trendy, které oživil kritický realismus 19. století. Tato bipolarita, která dozrávala v době měnících se epoch, život tehdejšího umělce obzvlášť napínala. Obě cesty, které se v porevoluční malbě objevily, byly sice protiklady, přesto můžeme sledovat vliv avantgardy na tvorbu realistických umělců. Realismus sám v těch letech byl různorodý. Díla tohoto stylu mají symbolický, propagandistický a dokonce romantický vzhled. Dílo B.M. naprosto přesně vyjadřuje symbolickou formou grandiózní změnu v životě země. Kustodieva - „bolševik“ a, naplněný ubohou tragédií a nekontrolovatelným jásotem, „Nová planeta“ od K.F. Yuona.

Obraz P.N. Filonov se svou speciální tvůrčí metodou – „analytickým realismem“ – je fúzí dvou kontrastních uměleckých směrů, což můžeme vidět na příkladu cyklu s propagandistickým názvem a významem „Vstup do světového rozkvětu“.

P.N. Filonov Lodě ze seriálu Vstupujeme do globální prosperity. 1919 Treťjakovská galerie

Nezpochybnitelnou povahu univerzálních lidských hodnot, neotřesitelnou i v tak neklidné době, vyjadřuje obraz krásné „Petrohradské Madony“ (oficiální název „1918 v Petrohradě“) od K.S. Petrova-Vodkina.

Pozitivní vztah k revolučním událostem infikuje světlo a naplňuje prosluněnou, vzdušnou atmosférou kreativitu krajináře A.A. Rýlová. Krajina „Západ slunce“, v níž umělec vyjádřil předtuchu ohně revoluce, který vzplane z narůstajícího plamene soudného ohně za minulou éru, představuje jeden z inspirativních symbolů této doby.

Spolu se symbolickými obrazy, které organizují vzestup lidského ducha a nesou ho jako posedlost, se objevil i trend realistické malby s touhou po konkrétním zobrazení reality.
Díla z tohoto období dodnes obsahují jiskru rebelie, která se může projevit v každém z nás. Mnohá ​​díla, která nebyla obdařena takovými kvalitami nebo jim odporovala, byla zničena nebo zapomenuta a nikdy nebudou představena našim očím.
Avantgarda navždy zanechává stopy na realistické malbě, ale začíná období intenzivního rozvoje směru realismu.

Čas pro umělecké spolky

Dvacátá léta jsou dobou vzniku nového světa na troskách, které zanechala občanská válka. Pro umění je to období, ve kterém naplno rozvinuly svou činnost různá tvůrčí sdružení. Jejich principy byly zčásti formovány ranými uměleckými skupinami. Sdružení umělců revoluce (1922 - AHRR, 1928 - AHRR), osobně plnilo příkazy státu. Pod heslem „hrdinského realismu“ umělci, kteří byli jeho součástí, dokumentovali ve svých dílech život a každodenní život člověka – duchovního dítěte revoluce, v různých žánrech malby. Hlavními představiteli AHRR byli I.I. Brodsky, který absorboval realistické vlivy I.E. Repin, který pracoval v historicko-revolučním žánru a vytvořil celou řadu děl zobrazujících V.I. Lenina, E.M. Cheptsov - mistr každodenního žánru, M.B. Grekov, který maloval bitevní scény spíše impresionistickým způsobem. Všichni tito mistři byli zakladateli žánrů, ve kterých vykonávali většinu své tvorby. Mezi nimi vyniká plátno „Lenin ve Smolném“, na kterém I.I. Brodsky zprostředkoval obraz vůdce v nejpřímější a nejupřímnější podobě.

Ve filmu „Setkání členské buňky“ E.I. Cheptsov velmi spolehlivě, bez lítosti, zobrazuje události, které se odehrály v životě lidí.

M.B. vytváří nádherný radostný, hlučný obraz plný bouřlivého pohybu a oslavy vítězství. Grekov ve skladbě "Trubači první kavalerie".

Myšlenka nového člověka, nový obraz člověka je vyjádřena trendy, které se objevily v žánru portrétu, jehož jasnými mistry byli S.V. Maljutin a G.G. Rjažského. Na portrétu spisovatele-bojovníka Dmitrije Furmanova S.V. Malyutin ukazuje muže starého světa, který dokázal zapadnout do světa nového. Projevuje se nový trend, který vznikl v díle N.A. Kasatkina a rozvinula se do nejvyšší míry v ženských obrazech G.G. Ryazhsky - „delegát“, „předsedkyně“, ve kterém je vymazán osobní princip a je stanoven typ člověka vytvořeného novým světem.
Naprosto přesný dojem o vývoji krajinného žánru vzniká při pohledu na dílo předního krajináře B.N. Jakovleva - "Doprava se zlepšuje."

B.N. Jakovlevova doprava se zlepšuje. 1923

Tento žánr zobrazuje obnovující se zemi, normalizaci všech sfér života. V těchto letech se do popředí dostala industriální krajina, jejíž obrazy se staly symboly tvorby.
Společnost umělců stojanů (1925) je dalším uměleckým sdružením v tomto období. Umělec se zde snažil zprostředkovat ducha moderny, typ nového člověka, uchýlil se k odvázanějšímu přenosu obrazů minimálním počtem výrazových prostředků. Díla "Ostovtseva" často demonstrují téma sportu. Jejich malba je plná dynamiky a výrazu, jak je vidět na dílech A.A. Deineki "Obrana Petrohradu", Yu.P. Pimenova "Fotbal" a další.

Jako základ pro svou uměleckou kreativitu si členové jiného známého sdružení - „The Four Arts“ - vybrali expresivitu obrazu díky lakonické a konstruktivní formě a také zvláštní postoj k jeho koloristické saturaci. Nejpamátnějším představitelem spolku je K.S. Petrov-Vodkin a jedním z jeho nejvýraznějších děl tohoto období je „Smrt komisaře“, která prostřednictvím zvláštního obrazového jazyka odhaluje hluboký symbolický obraz, symbol boje za lepší život.

Mezi členy „čtyř umění“ vyniká také P.V. Kuzněcov, díla věnovaná východu.
Posledním velkým uměleckým sdružením tohoto období se zdá být Společnost moskevských umělců (1928), která se od ostatních liší způsobem energického vyřezávání objemů, důrazem na šerosvit a plastickou expresivitou formy. Téměř všichni zástupci byli členy "Bubnovy Volt" - přívrženci futurismu - což velmi ovlivnilo jejich kreativitu. Orientační byly práce P.P. Konchalovského, který pracoval v různých žánrech. Například portréty jeho manželky O.V. Konchalovskaya zprostředkovává specifičnost nejen autorovy ruky, ale také malby celého sdružení.

Dekretem „O restrukturalizaci literárních a uměleckých organizací“ ze dne 23. dubna 1932 byly rozpuštěny všechny umělecké spolky a byl vytvořen Svaz umělců SSSR. Kreativita upadla do zlověstných okovů tuhé ideologizace. Svoboda projevu umělce – základ tvůrčího procesu – byla porušena. Navzdory tomuto zhroucení umělci dříve sdružení v komunitách pokračovali ve své činnosti, ale hlavní význam v obrazovém prostředí převzaly nové postavy.
B.V. Ioganson byl ovlivněn I.E. Repin a V.I. Surikov, na jeho plátnech je vidět kompoziční hledání a zajímavé možnosti v koloristických řešeních, ale autorovy obrazy se vyznačují přílišným satirickým postojem, nevhodným v tak naturalistickém pojetí, což můžeme pozorovat na příkladu obrazu „Na Stará uralská továrna.”

A.A. Deineka nezůstává stranou „oficiální“ linie umění. Stále je věrný svým uměleckým zásadám. Nyní pokračuje v tvorbě žánrových témat, maluje také portréty a krajiny. Obraz „Budoucí piloti“ dobře ukazuje jeho obraz v tomto období: romantický, lehký.

Umělec vytváří velké množství děl na sportovní téma. Z tohoto období zůstaly jeho akvarely namalované po roce 1935.

Malba 30. let představuje fiktivní svět, iluzi jasného a svátečního života. Pro umělce bylo nejjednodušší zůstat upřímný v krajinářském žánru. Žánr zátiší se vyvíjí.
Portrét také prochází intenzivním vývojem. P.P. Končalovskij píše řadu kulturních osobností („V. Sofronitsky u klavíru“). Díla M.V. Nesterov, který absorboval vliv malby V.A. Serove, ukaž člověka jako tvůrce, jehož podstatou života je kreativní hledání. Takto vidíme portréty sochaře I.D. Shadra a chirurg S.S. Yudina.

P.D. Korin pokračuje v portrétní tradici předchozího umělce, ale jeho malířský styl se skládá z vyjádření strnulosti formy, ostřejší, výraznější siluety a drsné barevnosti. Obecně v portrétu hraje velkou roli téma tvůrčí inteligence.

Umělec ve válce

S příchodem Velké vlastenecké války se umělci začali aktivně podílet na nepřátelských akcích. Díky přímé jednotě s událostmi se v prvních letech objevují díla, jejichž podstatou je záznam děje, „malebný náčrt“. Takové obrazy často postrádaly hloubku, ale jejich ztvárnění vyjadřovalo zcela upřímný postoj umělce a výšku morálního patosu. Portrétní žánr se dostává do relativního rozkvětu. Umělci, kteří vidí a zažívají ničivý vliv války, obdivují její hrdiny - lidi z lidu, vytrvalé a ušlechtilé v duchu, kteří projevovali nejvyšší humanistické kvality. Takové trendy vyústily ve slavnostní portréty: „Portrét maršála G.K. Žukov“ oprášil P.D. Korina, veselé tváře z obrazů P.P. Konchalovský. Důležité jsou portréty inteligence M.S. Saryan, vytvořený během válečných let, je obrazem akademika „I.A. Orbeli“, spisovatel „M.S. Shaginyan“ a další.

Od roku 1940 do roku 1945 se také rozvíjel krajinný a každodenní žánr, který ve své tvorbě spojil A.A. Plastov. „Fašistický přelet“ vyjadřuje tragédii života v tomto období.

Psychologie krajiny zde dále naplňuje dílo smutkem a tichem lidské duše, jen vytí oddaného přítele protíná vítr zmatku. Nakonec je význam krajiny přehodnocen a začíná ztělesňovat drsný obraz válečných časů.
Samostatně vynikají tematické obrazy, například „Matka partyzána“ od S.V. Gerasimov, který se vyznačuje odmítnutím oslavovat obraz.

Historická malba pohotově vytváří obrazy národních hrdinů minulosti. Jedním z takových neotřesitelných a sebevědomí vzbuzujících obrázků je „Alexander Nevsky“ od P.D. Korina, zosobňující nepokořeného hrdého ducha lidu. V tomto žánru se ke konci války objevuje tendence k simulované dramaturgii.

Téma války v malbě

V poválečném malířství ser. 1940 - konec V 50. letech zaujímalo v malbě přední místo téma války jako morální a fyzické zkoušky, z níž vítězně vyšel Sovětský lid. Rozvíjejí se historicko-revoluční a historické žánry. Hlavním tématem všedního žánru je pokojná práce, o které se snilo během dlouhých válečných let. Plátna tohoto žánru jsou prostoupena veselostí a štěstím. Umělecký jazyk každodenního žánru se stává narativním a směřuje k životu. V posledních letech tohoto období prochází změnami i krajina. Oživuje se v něm život regionu, znovu se posiluje spojení člověka s přírodou a nastupuje atmosféra klidu. Láska k přírodě je oslavována i v zátiší. Portrét se zajímavě rozvíjí v dílech různých umělců, pro který je charakteristický přenos jednotlivce. Některá z vynikajících děl tohoto období byla: „Dopis z fronty“ od A.I. Laktionov, dílo jako okno do zářivého světa;

skladba „Odpočinek po bitvě“, ve které Y.M. Neprintsev dosahuje stejné vitality obrazu jako A.I. Laktionov;

dílo A.A. Mylnikové "Na mírových polích", radostně se radující z konce války a znovusjednocení člověka a práce;

originální obraz krajiny G.G. Nyssky - „Nad sněhem“ atd.

Tvrdý styl nahrazující socialistický realismus

Umění 60.-80. léta je nová etapa. Vyvíjí se nový „přísný styl“, jehož úkolem bylo znovu vytvořit realitu bez všeho, co dílo zbavuje hloubky a expresivity a má škodlivý vliv na tvůrčí projevy. Vyznačoval se stručností a zobecněním uměleckého obrazu. Umělci tohoto stylu oslavovali hrdinský začátek drsné každodenní práce, která byla vytvořena zvláštní emocionální strukturou obrazu. „Přísný styl“ byl definitivním krokem k demokratizaci společnosti. Hlavním žánrem, ve kterém vyznavači stylu pracovali, byl portrét, rozvíjely se i skupinové portréty, všední žánry, historické a historicko-revoluční žánry. Významnými představiteli tohoto období v kontextu rozvoje „tvrdého stylu“ byli V.E. Popkov, který namaloval mnoho autoportrétů a obrazů, V.I. Ivanov je zastáncem skupinových portrétů, G.M. Korzhev, který vytvořil historické obrazy. Podstatu „tvrdého stylu“ lze vidět ve filmu „Geologové“ od P.F. Nikonova, „Polární průzkumníci“ od A.A. a P.A. Smolinykh, "Otcův kabát" od V.E. Popková. V krajinářském žánru se objevuje zájem o severskou přírodu.

Symbolika éry stagnace

V letech 1970-1980. Formuje se nová generace umělců, jejichž umění do jisté míry ovlivnilo umění dnešní doby. Vyznačují se symbolickým jazykem a divadelní podívanou. Jejich malba je velmi umělecká a virtuózní. Hlavními představiteli této generace jsou T.G. Nazarenko ("Pugachev"),

jehož oblíbeným tématem byla oslava a maškaráda, A.G. Sitnikov, který používá metaforu a podobenství jako formu plastické řeči, N.I. Nesterova, tvůrce kontroverzních obrazů („Poslední večeře“), I.L. Lubennikov, N.N. Smirnov.

Poslední večeře. N.I. Nesterová. 1989

Tato doba se tedy jeví ve své rozmanitosti a rozmanitosti jako konečný, formující prvek dnešního výtvarného umění.

Naše doba odhalila obrovské bohatství obrazového dědictví předchozích generací. Moderní umělec není omezen prakticky žádným rámcem, který byl pro vývoj výtvarného umění určující a někdy i nepřátelský. Někteří současní umělci se snaží držet zásad sovětské realistické školy, jiní se ocitají v jiných stylech a směrech. Velmi oblíbené jsou trendy konceptuálního umění, které jsou společností nejednoznačně vnímány. Šíře uměleckého vyjádření a ideálů, které nám minulost poskytla, musí být přehodnoceny a sloužit jako základ pro nové tvůrčí cesty a vytváření nového obrazu.

Naše mistrovské kurzy dějin umění

Naše Galerie současného umění nabízí nejen velký výběr sovětského umění a postsovětského malířství, ale také pořádá pravidelné přednášky a mistrovské kurzy o dějinách moderního umění.

Můžete se přihlásit na mistrovskou třídu, zanechat svá přání na mistrovskou třídu, kterou byste se chtěli zúčastnit, vyplněním formuláře níže. Určitě vám uděláme zajímavou přednášku na téma, které si vyberete.

Čekáme na vás v našem LEKTORIU!

Nejedná se o díla profesionálních fotografů, kterým lze vytýkat jednostrannost. Jsou to fotografie ze soukromých alb - skutečný život, který žili obyčejní průměrní sovětští lidé ve 20. - 50. letech.
Samozřejmě se nedají srovnávat s úrovní práce profesionálních fotoreportérů, většinu z nich dělali amatéři. Ale odrážejí život tak, jak ho ti lidé viděli a podařilo se mu ho částečně uchovat na rodinných fotografiích...
V zákulisí toho zůstalo hodně. Například vzdělávací programy, kde se 80 % negramotné populace země učilo číst a psát – kde vzali tehdejší rolníci fotoaparáty? Ale není to ono. Podívejte se, co obklopovalo sovětský lid těch let, oblečení, tváře, které odrážely jejich dobu. Někdy budou o své době mluvit lépe než historici, propagandisté ​​a analytici.

Děti poloviny 20. let
Školní učebnice – poprvé v životě. Poprvé na světě poskytla sovětská vláda vzdělání všem.


1926 Čerepovec. Oslava 1. máje
Vedle pódia jsou děti bez domova - následky občanské války. Bezdomovectví bude odstraněno až začátkem 30. let.


1928 Krasnojarský kraj. sjezd stranických pracovníků.
Podívejte se, jak jsou oblečeni pracovníci strany – stejně jako průměrný člověk těchto let.
Ve 20. letech neměl každý oblek. A pracovníci večírků měli 2 tuniky, nebo dokonce jednu, jako obvykle šatník.


Rodinná oslava, 20-30

Fotografie ženy. 1930 Moskva


Skupina lidí 1930 Místo neznámé


Začátek zastupitelstva obce 30. léta. Pavlo-Posadsky okres, Moskevská oblast.


Auto na dřevo (!) Auto najeto 1931
Designoví nadšenci 30. let. Ropa v SSSR v té době nebyla příliš dobrá – téměř všechny osvědčené zásoby byly soustředěny na Kavkaze. Ropná pole Tatarstánu a Sibiře byla objevena až ve 40. a 50. letech, kdy byla vytvořena základna pro geologický výzkum. Předtím v zemi katastrofálně chyběli geologové, vybavení, inženýři, doprava... prakticky nic. To vše vzniklo ve 30. letech.


1931 Nejlepší tým při výstavbě Kuzněckého metalurgického závodu, Novokuzněck.
Pokládá se základ těžkého průmyslu.
Podívejte se na tváře těchto lidí. Oni, aniž by se šetřili, stavěli továrny a města pro své potomky, pro nás. Za 10 let budou bránit to, co udělali v nejstrašnější válce v dějinách lidstva, umírat, abychom my mohli žít. A nechali jsme to všechno ukrást a zničit. Mohli bychom se jim podívat do očí?


Rodina. Leningrad 1930-31
Inteligence a specialisté si v těch letech vydělali velmi dobré peníze.


Relaxace na vodě. Kirovská oblast 1932 - 1936


18. dubna 1934. „Pracovní brigáda“. Neverovsko-Slobodskaya zemědělský artel "Testament of Lenin" S.Neverovo-Sloboda Ver.Landeh. Čtvrť Shuisk. env.
Zemědělští dělníci ze vzdálené sibiřské provincie. Artel je nevládní organizace, ale družstvo sdružených podnikatelů, kteří sami uzavírali smlouvy se státem a dalšími družstvy, platili daně atd.
Družstevní hnutí bylo extrémně rozvinuté ve stalinském SSSR. Kromě JZD, což byly družstevní organizace, tehdy existovalo přes 114 tisíc průmyslových dílen, kde pracovalo asi 2 miliony lidí. Vyráběly téměř 6 % hrubé průmyslové produkce SSSR v jejím složení: 40 % veškerého nábytku v zemi, 70 % veškerého kovového nádobí, 35 % svrchního oblečení, téměř 100 % hraček.
V družstevních venkovských artelech byli pracovníci (jak kolektivní farmáři, tak jednotliví farmáři) obvykle na částečný úvazek. Ve 30. letech 20. století zahrnovaly až 30 milionů lidí.
Družstevní hnutí v SSSR zničil Chruščov současně s rozvíjející se antistalinskou hysterií.

1934 Pěší túra po gruzínské vojenské cestě
Dokážete si představit dělníka z carského Ruska, který se vydal na kemp na státní náklady? Jak řekl G. Wells, je to jediná země na světě, kde se hraje klasická hudba pro dělníky.

„Po koupání“ Polovina 30. let.
„Terorizoval sovětský lid. "© Podívejte, je na těchto tvářích strach? Na kterékoli z fotografií. Otevřené, optimistické a jasné tváře.


Kolektivní zemědělci. Kirovská oblast mezi lety 1932 a 1936
Obyčejní sovětští kolchozníci na seno.


okres Kolomná. Polovina 30. let.


1935, oblast Oryol, rekreační dům Bogdanovsky.
Celá země se věnovala sportu. Jsou to obyčejné sovětské dívky, vůbec ne gymnastický tým. Pokuste se zopakovat to, co dělají.

Studenti pedagogické školy, 1935, Kirovská oblast
Uniformy vydal studentům sovětský stát. To je země, která ještě před pár lety chodila v lýkových botách a neuměla číst a psát.


Mladí muži 30. let, region Kirov.
Odznaky - prošly standardy GTO (Ready for Labor and Defense) a GTSO (stejné, ale hygienické). V těch letech bylo naprosto nezbytné, aby takový odznak dostal sebeúctyhodný chlapec. Člověk byl ceněn podle svých osobních kvalit, a ne podle peněženky a konexí svých rodičů. Ti, kteří používali spojení, byli opovrhováni.
Za pár let takoví lidé vyhrají Válku, vybudují světovou velmoc téměř od nuly a vystřelí člověka do vesmíru.
Věnujte pozornost shromážděným, odhodlaným, dospělým tvářím těchto chlapců - je jim přibližně 16 let. A porovnat je s těmi současnými.


Hra "Pionýrská lavice". Pionýrský tábor 1937
Každé dítě mohlo prakticky zdarma na celé léto na pionýrský tábor, kde bylo vychováno, vyškoleno a vzděláno. V západních zemích je stále nemožné o tom ani snít. A to je u nás běžné už od 30. let.


Aerosáně na ledě Volhy poblíž Kanavdinského mostu. Polovina 30. let.
High-tech těch let. Hrály důležitou roli ve vývoji leteckých technologií a byly široce používány při vývoji severní, finské a vlastenecké války.

Vera Voloshina, 1. října 1941. O dva měsíce později, 29. listopadu, tato nesmírně krásná dívka zemře.
Osmimetrová socha Dívka s veslem od úžasného sochaře Ivana Shadra (Ivanova), předlohou byla nádherná sovětská atletka Vera Voloshina, která se ztratila v listopadu 1941 při sabotážní operaci za nepřátelskými liniemi.
Měsíc před její smrtí sochu zničila německá bomba. Teprve o čtvrt století později byly známy podrobnosti o její smrti - při návratu z mise byla vážně zraněna, zajata Němci a po dlouhém mučení byla oběšena v lese. Stalo se to 10 km od místa smrti Zoyi Kosmodemyanskaya ve stejný den. Vera Voloshina, která dosáhla stejného činu, byla komsomolskou organizátorkou komsomolské průzkumné a sabotážní skupiny, jejíž součástí byla i Zoya.
Věra byla také vynikající parašutistka a sochař napůl v žertu řekl, že ji speciálně umístil, aby se dívala na padákovou věž.


Studenti geologie 1937


O co na fotografii jde, je jasné z nápisu nahoře. Vezměte prosím na vědomí - téměř všichni mladí muži mají odznaky GTO. Být dystrofickým členem Komsomolu bylo prostě divoké. Komsomolci a komunisté mohli mít osobní zbraně.


Obyčejná moskevská rodina 1939-1940


1939 Khakassia. Vesnice
Kolo v Zemi Sovětů se stalo samozřejmostí – mohl si ho dovolit pro sebe a své děti téměř každý. Například na Západě si v těch letech nemohl dovolit každý kolo. Pětiletý plán pro spotřební zboží začal a byl mimořádně úspěšně proveden. Životní úroveň sovětského lidu od roku 1939 rychle rostla... až do 22. června 1941.

1942, o dva měsíce později zemře v bojích u Vjazmy.

Na troskách rodinného domu 1942. Moskevská oblast.


Přísaha. 1944


1947 Venkovská škola v regionu Vologda.
Na fotografiích z prvních let po válce jsou i na dětských tvářích patrné stopy těžkého stresu a těžkého života. Stopy války jsou na lidských tvářích patrné ještě na počátku 50. let a pak postupně mizí a tváře desetiletých dětí přestávají vypadat jako dospělí.
Téměř u všech byl zabit nebo těžce zraněn někdo z jejich blízkých, když ne rodina, tak přátelé, rodiny, spolužáci. Mnoho z nich mělo matky, které byly vdovy.


Country Boys 1947


4 „A“ třída, konec října 1948, obec u Smolenska.


"Trojice, 1949." Kirovská oblast
Za posledních 20 let „každý ví“, že náboženské rituály byly v SSSR přísně zakázány a teror byl obzvláště prudký za časů Stalina. Jak nás ujišťují: dát kříž na hrob, ozdobit vánoční strom - a pochodovat v koloně na Kolymu. A bylo to takhle.


Třída z roku 1950. Jedna z moskevských škol.


"Rekreace v přírodě" - konec 40. - začátek 50. let


U stolu v kanceláři. 1949, Kirovská oblast


Svátek Říjnové revoluce. Začátek 50. let


Redakce Místních novin. Poslech zpráv. Vladimírský kraj, zač 50. léta


Obyvatelé Kaunasu 1950


Student, 50 let.

Mladý muž. Ufa, 1953.


Village Kluci, vesnice. Chupakhino, oblast Oryol. 1953
Jednou v televizi řekli, že „zips“ se v SSSR objevil až v 60. letech, ve spotřebním zboží byl tak daleko za „civilizovanými zeměmi“. Tím bylo míněno: "Proč potřebujeme prostor, když nedokážeme vytvořit blesk." Muž na levé straně fotografie zřejmě stáhl mrtvého Američana z kůže.


1954. Připraven k práci a obraně. Splnění standardů GTO.

„Naďa“ - polovina 50. let, Moskva
Válka se již neodráží na jejich tvářích, stávají se bezstarostnými a rozpustilými. Děti, které se v 50. letech po hladových válečných letech snažily lépe „vykrmit“.

Riga-50. léta.

Na střelnici spolku Dynamo 1955


V novém bytě. Personální pracovník závodu Red October Shubin A.I. Moskva, Tushino, 1956


Kluci, Kolomná, 1958.


Kislovodsk Obřad pití minerální vody. 1957 Autor - Javad Bagirov


Kyjev byt 1957

Baku, choď unavená. 1959 Autor - Javad Bagirov


Stroj na prodej parfémů a kolínské vody. 50. léta
Od 50. let jste se mohli ve velkých obchodech „kropit“ parfémem nebo kolínskou. Před „Chruščovovou reformou“ to stálo 15 kopejek.

Tato sekce představuje obrazy sovětských umělců, sbírající obrazy různých žánrů: najdete zde krajiny, zátiší, portréty a různé žánrové výjevy.

Sovětská malba si v současné době získala velkou oblibu mezi profesionály i milovníky umění: pořádají se četné výstavy a aukce. V naší sekci sovětské malby si můžete vybrat obraz nejen pro výzdobu vašeho interiéru, ale také pro vaši sbírku. Mnohá ​​díla z éry socialistického realismu mají historický význam: například městská krajina si pro nás zachovala ztracenou podobu známých míst z dětství: najdete zde výhledy na Moskvu, Leningrad a další města bývalého SSSR.

Žánrové scény jsou obzvláště zajímavé: jako dokumentární týdeníky zaznamenávaly rysy života sovětského lidu. Portréty této doby také úžasně vyjadřují náladu doby a vyprávějí o lidech různých profesí a osudů: zde jsou dělníci, rolnické ženy, vojenští vůdci a samozřejmě vůdci proletariátu. Dětské portréty éry socialistického realismu jsou přímým ztělesněním konceptu „šťastného dětství“. Stránka také široce prezentuje žánr průmyslové krajiny, charakteristický pro sovětské umění.

Naši specialisté vám pomohou vybrat vhodný obraz nebo prodají díla z vaší sbírky na našem webu.

Kategorie starožitností „Sovětské výtvarné umění“ představuje více než 2 tisíce různých děl mistrů z období revoluce 1917 až 1991. Oficiální ideologické myšlení mělo na tvůrce tohoto období velký vliv, což se odráží v mnoha tematických dílech prezentovaných v tomto katalogu. Umění se přiblížilo obyčejnému člověku, o čemž svědčí unikátní portréty obyčejných dělníků, pionýrů a členů Komsomolu. To jsou druhy děl, které starožitnictví na svých stránkách prezentuje.

Vojenská témata se stala samostatným směrem sovětského invenčního umění. Takové starožitnosti jsou cenné nejen pro techniku ​​provedení, ale také pro samotnou historii zobrazenou na plátně. Cena každého plátna se určuje individuálně v závislosti na následujících důležitých faktorech:

• jeho dějová jedinečnost;
• tematický směr;
• zvolená technika psaní a její kvalita provedení.

„Kupte si obraz“ dává uživatelům jedinečnou příležitost nakoupit starožitnosti z té doby za dostupné ceny. Obrazy dokonale vyjadřují pocity a zkušenosti sovětských lidí a odrážejí jejich každodenní život. Uživateli jsou předloženy starožitnosti zobrazující velká řidičská hnutí SSSR, plakáty s hesly známými po celé zemi, zátiší, ilustrace z knih, grafická díla a samozřejmě krásné krajiny z různých částí sovětského státu.

Ve starožitnictví najdete tradiční obrazy z té doby. Mnoho sovětských umělců pracovalo v žánru realismu a od 60. let se stal populární směr „tvrdého stylu“. Velké oblibě se těšila i zátiší na různá témata. Takové starožitnosti jsou také prezentovány na webu a můžete si prohlédnout všechny nabídky.

Stojí za zmínku, že politické plakáty se během sovětského období staly samostatným druhem výtvarného umění. Hráli důležitou sociální a ideologickou roli. Tyto starožitnosti přežily dodnes, některé příklady jsou uvedeny v odpovídající kategorii „Kupte si obraz“. Nádherné krajiny slavných sovětských mistrů mají obrovskou uměleckou hodnotu a zdobí dnes nejlepší domácí galerie. V katalogu si můžete najít jejich reprodukce a nakoupit.

Výstava „Moskevští umělci. 20–30“, pořádané moskevskou organizací Svazu umělců RSFSR a Svazem umělců SSSR, předkládá divákovi panorama uměleckého života Moskvy v prvních dvou porevolučních desetiletích.

Výstava představuje obrazy, grafiky a sochy ze sbírek nejstarších umělců v Moskvě, jejich dědiců a sběratelů.

Naše doba hlubokého přehodnocování historie země, její kultury a umění vyžaduje studium minulosti bez okovů a stereotypů, s jediným cílem – poznat pravdu. Výstava takovou příležitost poskytuje, ukazuje širokou škálu obrazových a plastických nápadů, různé tvůrčí směry. Představuje díla bystrých, originálních umělců, kteří byli po dlouhou dobu široké veřejnosti a někdy i odborníkům neznámí. Díla M. B. Veriga, L. N. Agalakové, M. F. Šemjakina, M. V. Lomakiny, D. E. Gureviče, N. I. Prokoševa a mnoha dalších nezaslouženě zapomenutých umělců zaujímají na výstavě důstojné místo vedle děl slavných malířů, grafiků, sochařů.

Tato výstava navazuje na studium moskevského umění, zahájené výstavami k 30. a 50. výročí Moskevského svazu umělců RSFSR.

Zájem o ruskou avantgardu, který se v posledních letech probudil, vedl k rozsáhlým zásadním výstavám a osobním výstavám vynikajících mistrů. Tato výstava s tím v mnohém souvisí a je třeba ji vnímat na pozadí různých pořadů vyzdvihujících umění prvních let po revoluci.

Od nepaměti byla Moskva kulturním a duchovním centrem země. Je nejen strážcem tradic, ale také kolébkou nejnovějších myšlenek v umění počátku 20. století, spojených s jasnou a odvážnou vzpourou „Jack of Diamonds“, s kreativitou tvůrců nejnovějších hnutí kubofuturismu, suprematismu a rayonismu. V Moskvě ve dvacátých letech 20. století ještě žila šedovlasá stařena, zachovaná v architektuře a lidovém způsobu života. A zároveň zde S. I. Shchukin a I. A. Morozov shromáždili první sbírky nejnovějších evropských obrazů v zemi. V Moskvě se nejdůležitější otázky kultury a umění té doby objevily ve speciálně koncentrované podobě a zároveň nejheterogenní fenomény získaly jedinečnou moskevskou příchuť. Vše, co se stalo v Moskvě, se odrazilo v umění celé země. Moskva jako umělecké centrum v celé své jedinečnosti a originalitě není dosud dostatečně prozkoumána.

O mnoha důležitých událostech oněch let, které přímo či nepřímo ovlivnily kulturu a umění, nemáme úplné informace a vlastně jsme na počátku tvorby dějin sovětského umění, kdy je stále co sbírat a objevovat. . Umění Moskvy je však nutné studovat, a to je třeba učinit okamžitě, nejen pro současníky, ale také pro budoucí generace, které nám neodpustí zanedbání neocenitelného dědictví, které je stále v našich rukou. Čas je neúprosný, maže stopy minulých epoch, ničí umělecké památky, rozhazuje díla umělců do soukromých, někdy neznámých sbírek, a i když se dostanou do muzeí v zemi, stávají se obtížně přístupnými. Postupem času bude stále obtížnější znovu vytvořit úplný obraz uměleckého života Moskvy, obnovit její jedinečný tvůrčí potenciál, který se zrodil na počátku 20. století, ve 20. letech 20. století prošel živým rozvojem a postupně se vytrácel. existoval ještě ve 30. letech 20. století.

Tak obrovské, téměř nesmírné téma, jakým je umělecký život v Moskvě, nelze přirozeně vyčerpat jednou výstavou, tím spíše, že zahrnuje jen něco málo přes dvě desetiletí. Některé jevy jsou zobrazeny nejúplněji, jiné jen fragmentárně. Osudy samotných umělců a jejich děl nebyly stejné. Odkaz některých byl pečlivě uchováván, zatímco u jiných přežíval pouze v rozptýlených dílech a někdy v jednom nebo dvou dílech, které náhodou přežily těžký osud umělce. Přehled uměleckého života Moskvy, nezbytný pro úvod do velké a mnohostranné výstavy, se netváří jako vyčerpávající. Pouze nastiňuje hlavní milníky a zdůrazňuje jasné a pro Moskvu charakteristické jevy.

Jednou z prvních akcí moskevských umělců po revoluci byla účast na záchraně uměleckých děl a starožitností. Tato práce svedla dohromady mistry různých skupin a směrů. Podíleli se na ochraně Kremlu, kde byly za první světové války soustředěny obrovské státní a umělecké poklady (sbírka Ermitáž, zlaté rezervy atd.). Zabývali se registrací uměleckých a historických hodnot soukromých osob, hledali a převáželi do státních úložišť umělecká díla z různých epoch, archivy, které se mohly ztratit. Práce vyžadovala odhodlání, vyžadovala spoustu času a úsilí a někdy představovala i ohrožení života. Kulturní osobnosti a moskevská inteligence projevili velkou aktivitu a občanství.

Na konci roku 1917 byla v zájmu zachování dědictví předložena myšlenka vytvořit v Kremlu Akropoli ruského umění, aby se mimo jeho zdi shromáždily knihovny, muzea a archivy. Myšlenka byla vřele podporována moskevskou veřejností. Ale přestěhování vlády z Petrohradu do Moskvy v březnu 1918 a přeměna Kremlu na vládní rezidenci neumožnily tuto myšlenku uskutečnit.

Z iniciativy kulturních a vzdělávacích osobností vznikla v prvních porevolučních letech v Moskvě tzv. proletářská muzea, z nichž mnohá sídlila na okraji města. Někdy byly založeny na celých znárodněných uměleckých sbírkách, například muzeum pojmenované po A.V. Lunacharském bylo otevřeno v sídle sběratele I.S. Isadzhanova, kde byla vystavena především díla umělců „Jacka of Diamonds“ z jeho sbírky. Sbírky jiných muzeí, složené z různých sbírek a roztroušených předmětů, se velmi lišily v kvalitě. Podle organizátorů měla taková muzea přiblížit kulturu masám a představit jim umění. Tyto úkoly byly úzce spjaty s myšlenkami hluboké kulturní a umělecké proměny společnosti, které byly v té době tak aktuální. V roce 1919 bylo z iniciativy umělců v Moskvě vytvořeno první muzeum malířské kultury v zemi. Sami vypracovali seznam, podle kterého stát na počátku století získával díla ruských umělců všech levicových hnutí. Do budoucna bylo plánováno výstavu rozvíjet a doplňovat sbírku o díla všech dob a národů. Muzeum existovalo až do konce 20. let 20. století a bylo důležitou školou pro umělce, diskusním klubem a výzkumnou a tvůrčí laboratoří. V Moskvě nadále existovalo mnoho dalších muzeí – veřejných i soukromých, otevřených všem návštěvníkům, s řadou výstav, od starověkého ruského umění po moderní západní malířství.

Jednou z nejjasnějších a raných stránek sovětského umění, stejně jako moskevského uměleckého života, byla účast umělců na masovém propagandistickém umění, vytváření revolučních plakátů a výzdoba měst pro festivaly. Do této práce byli zapojeni mistři téměř všech oborů. Tato křehká a krátkodobá díla se již dávno stala majetkem archivů, muzeí a knihoven. Na výstavě je jich vystaveno jen několik, ale také dávají představu o této oblasti působení umělců (plakáty V. A. a G. A. Stenbergových, G. G. Klutsis, obrazy různých umělců).

Umělecký život Moskvy vděčí za svou jedinečnost, rozmanitost myšlenek a rozmanitost odvahy předrevolučnímu období. V prvních letech sovětské moci postupovala kupředu jakoby popudy předchozí epochy a na nové půdě dotvářela vše, co se zrodilo z duchovní revoluce počátku 20. století.

Potřeba sjednocení byla duchem doby a byla vlastní nejen ruským, ale i evropským umělcům. Vytvářeli skupiny stejně smýšlejících lidí, aby společně formulovali kreativní programy, organizovali výstavy a obhajovali své myšlenky ve vzrušených debatách.

V Moskvě bylo od roku 1917 do roku 1932 více než 60 sdružení různé povahy, složení a trvanlivosti. Některé z nich vznikly v předrevolučním období, následně se utvářely v podmínkách nové společnosti, na základě nových myšlenek. Ale hlavně, vše zapadalo do prostoru uměleckého života Moskvy, našlo své místo a určilo jeho zvláštní polyfonii.

Zápas idejí v umění byl složitý a mnohorozměrný. Na jedné straně pokračovala konfrontace mezi realisty a avantgardními umělci, kteří popírali realismus jako jediný skutečný trend. Vzdávajíce hold velkým mistrům minulých epoch, ve své kreativitě hledali nové cesty v umění, v souladu s dobou.

Vstup do arény životodárných umělců, produkčních dělníků a konstruktivistů, kteří se snaží změnit svět, přinesl do boje novou chuť a posunul důraz. Od navrhování v umění toužili přejít nejen k navrhování nových měst, oděvů, nábytku, ale i samotného způsobu lidského života. Jejich myšlenky byly ve své podstatě utopické. Život jim nedal příležitost k uskutečnění. Produkcionisté a konstruktivisté upírali právo na existenci malířského stojanu jak v moderní společnosti, tak v budoucím světě, který si představovali. Na jeho obranu přišli nejen zastánci realismu, ale i avantgardní umělci různých formací. A. V. Ševčenko polemizoval s odpůrci stojanového umění a jasně a stručně formuloval své úkoly: „Teď může stojanová malba žít více než kdy jindy, protože stojanová malba je obraz, není to dekorace, ani užité umění, ani dekorace, která je potřebná dnes, ale ne zítra.

Obraz je myšlenka; můžete člověku vzít život, ale nemůžete ho přimět, aby přestal myslet."

Je důležité poznamenat, že přes veškerou složitost konfrontace a jasnost odmítání myšlenek toho druhého, sdružení a skupiny bojovaly ve sféře umění kvůli sobě samému, kvůli svému životu. Následně byl boj přenesen za hranice umění – do politiky. Umění a jeho vývoj začaly být deformovány a řízeny nikoli přirozeným směrem a nebyly vůbec určovány potřebami umění samotného, ​​ale politickými představami.

Politika státu v prvních pěti letech byla založena na uznání rovného práva umělců všech směrů podílet se na tvorbě umění v nové společnosti. Nebylo to konstatováno pouze v tisku, ale bylo to prováděno i v reálném životě, o čemž svědčí vládní akvizice od nejlepších zástupců všech frakcí spravedlivým způsobem. Stát se ujal role jediného filantropa. Doplňovala muzejní sbírky a pořádala výstavy. V letech 1918–1919 otevřelo oddělení výtvarného umění Lidového komisariátu školství více než 20 výstav - retrospektivních i současných, osobních i skupinových. Zúčastnili se jich umělci různých směrů od realistů až po extrémní levici. Byl to první široký průzkum umění v zemi.

Od roku 1922 stát pořádá mezinárodní výstavy sovětského výtvarného umění, které měly velký úspěch v mnoha zemích Evropy a Ameriky a také v Japonsku. Moskevští umělci na nich byli vždy adekvátně zastoupeni.

Abychom lépe porozuměli rysům uměleckého života Moskvy v těchto letech, je nutné se seznámit s chronologií výstav různých sdružení, kterých se účastnili i umělci, kteří nebyli členy té či oné skupiny.

Koncem roku 1917 se v Moskvě konaly výstavy spolků vzniklých před revolucí. Některé z nich - "Link", "Free Creativity" - přestaly existovat. Ostatní - „Moskevský salon“, „Jack of Diamonds“, Asociace putovních uměleckých výstav, „Unie ruských umělců“, „Svět umění“ – se zapojili do nového života a pokračovali ve vystavování. Brzy začaly vznikat zcela nové formace založené na různých jednoticích silách. Objevila se nová rovnováha sil.

V roce 1919 jako první vystoupilo sdružení mladých umělců (Obmokhu). Absolventi Vkhutemase, studenti A. V. Lentulova, A. M. Rodčenka, G. B. Jakulova si dali za úkol plnit společensky významné výrobní zakázky, jako jsou filmové plakáty, šablony na plakáty pro boj s negramotností, odznaky atd. atd. A také návrh divadelní produkce, ulice a náměstí pro oslavy. Výstava představovala abstraktní kompozice i kovové prostorové struktury. Obmohu uspořádalo čtyři výstavy a poté řada jeho účastníků začala pracovat v divadle, polygrafickém průmyslu a další vstoupili do nově organizovaných spolků. Mezi členy tohoto spolku jsou na výstavě zastoupeni bratři G. A. a V. A. Stenbergovi.

Také v roce 1919 vystavovalo sdružení „Tsvetodynamos a tektonický primitivismus“. Studenti A.V.Ševčenko a A.V.Gřiščenko ve své práci obhajovali nutnost a životaschopnost malířského stojanu. Zajímaví a bystrí malíři se prohlásili za vážný fenomén. Jejich práce však není dostatečně známá a studovaná (s výjimkou vynikajících vůdců). V roce 1923 uspořádala skupina výstavu Společnosti výtvarníků na stojanech a poté se stala základem Sdružení malířských dílen, které existovalo až do roku 1930. Členy sdružení byli R. N. Barto, N. I. Viting, B. A. Golopolosov, V. V. Kapterev, V. V. Pochitalov, K. N. Suryaev, G. M. Shegal a další.

Nová sdružení často vytvářeli studenti Vkhutemas, nové umělecké vzdělávací instituce. Největší umělci země se v prvních porevolučních letech podíleli na reformě uměleckého školství, radikálně aktualizovali systém a metody pedagogiky. Pracovali v nových vzdělávacích institucích, které vytvořili a které byly zaměřeny na výchovu univerzálních umělců. V budoucnu se měli uplatnit v nejrůznějších uměleckých oborech - malířská malba, grafika, sochařství, ale i tisk, divadlo, monumentální umění a design. Znalosti získané v ústavu umožnily velmi široce a diverzifikovaně využít můj talent, jak později ukázal život. Moskevský Vkhutemas vedl několik let V. A. Favorsky. Na výstavě je zastoupena většina předních učitelů Vkhutemas-Vkhutein: L. A. Bruni, P. V. Miturich, R. R. Falk a další. Zastoupeni jsou i učitelé dalších generací, kteří ve své tvorbě zachovali tradice Vchutemas - P. G. Zacharov, V. V. Pochitalov, I. I. Čekmazov, V. V. Favorskaja.

Moskva byla pro umělce vždy atraktivní. Takto to zůstalo i ve 20. letech 20. století. Vládl zde čilý umělecký život, působilo mnoho vynikajících uměleckých mistrů, byly otevřeny vzdělávací instituce a soukromé ateliéry, byla otevřena muzea a pořádaly se různé výstavy. Mladí lidé sem přicházeli z celé rozlehlé země, dychtící po uměleckém vzdělání, vnášející nový proud do kulturního života hlavního města. Mladí umělci se snažili připojit k modernímu evropskému umění, ale tradiční cesty do zahraničí se v těchto letech staly nemožnými. A pro většinu studentů se hlavní univerzitou staly sbírky nových ruských a západních obrazů, dostupné pouze v Moskvě. Během dvacátých let byly tyto sbírky hluboce studovány mladými lidmi, což jim dalo příležitost seznámit se s novými obrazovými a plastickými nápady, aby obohatili vlastní díla.

V roce 1921 skupina futuristické mládeže - A. A. Vesnin, L. S. Popova, A. M. Rodchenko, V. F. Stepanova, A. A. Ekster - uspořádala výstavu „5x5 = 25“ a v prohlášení od malířského stojanu se umělci přesunuli do výroby. Byli vedeni myšlenkami zapojit svou kreativitu do rekonstrukce prostředí a života a začali se věnovat architektuře, divadlu, fotomontáži, nábytku a oděvu. K výrobním dělníkům a jejich aktivitám se přidávali stále noví a noví příznivci, jako byl V. E. Tatlin a jeho studenti.

Nové období v životě země začalo v roce 1922, po skončení občanské války. Život se začal zlepšovat, průmysl byl oživen a kulturní život ožil. Moskva je založena jako oficiální hlavní město mnohonárodnostního státu. Od nynějška bude vše významné v umění a kultuře země tak či onak spojeno s Moskvou.

Sezóna 1922–1923 se vyznačovala zvláštním množstvím a rozmanitostí výstav.

Byly zde výstavy Svazu ruských umělců, Svět umění a Asociace putovních výstav. Poprvé svá díla ukázali členové nových sdružení „Být“, NOZH, AHRR a „Makovets“.

Nová společnost malířů (NOZH) uspořádala jedinou výstavu, která měla všeobecně známý veřejný ohlas. Mladí umělci, studenti V. E. Tatlina, K. S. Malevicha, A. A. Ester, opustili nesmyslná hledání, obrátili se k vysoce společenským tématům s využitím charakteristických technik primitivismu. Výstava byla přijata nejednoznačně. V satirickém tónu děl viděli úředníci výsměch sovětskému životu. Někteří kritici zároveň zaznamenali oživení obraznosti a emocionality v dílech umělců. Účastníky tohoto sdružení jsou A. M. Gluskin, N. N. Popov, A. M. Nyurenberg, M. S. Perutsky. V následujících letech bylo mnoho z nich zahrnuto do Genesis. "Genesis", skupina absolventů Vkhutemas, uplatňovala ve své práci tradice moskevské krajinářské školy. Žáci P. P. Konchalovského a následovníci „Jacka of Diamonds“ přešli k realistické krajinomalbě ve snaze najít tvůrčí sílu v přiblížení se Zemi. Po dokončení studií odešli do malebné oblasti nedaleko Moskvy a poté, co tam pracovali v létě uspořádali svou první výstavu. Spolek existoval do roku 1930, uspořádal sedm výstav. „Genesis“ zahrnovala: F. S. Bogorodsky, A. M. Gluskin, V. V. Kapterev, P. P. Konchalovsky, A. V. Kuprin, N. A. Lakov, A. A. Lebedev-Shuisky, S. G. Mukhin, A. A. Osmerkin, M. S. Popuckij, N. S. Tarrov Rubskij, I. S. Tarrov, N.. v, A. N. Chirkov, M. F. Shemyakin a další.

„Umění - život“ nebo „Makovets“, jedno z významných uměleckých sdružení těch let, vzniklo v roce 1921. O rok později na své první výstavě představila skupinu bystrých a talentovaných malířů a grafiků, kteří se většinou účastnili výstav v předrevolučních letech, např. „World of Art“, „Moskevský salon“ atd. Složení sdružení bylo složité a heterogenní. Upevňovacími silami byla hluboká oddanost umění, částečně přátelské vazby. Sdružení vydávalo časopis „Makovets“, který vydal dvě čísla. Ve zveřejněném manifestu „Náš prolog“ uvedli: „S nikým nebojujeme, nejsme tvůrci žádného „ismu“. Přichází doba jasné kreativity, kdy se umění znovu rodí ve svém nekonečném pohybu, vyžadujícím pouze jednoduchou moudrost inspirovaných.“

„Makovets“ prosazoval ve svém díle vysokou profesionalitu, spiritualitu a nepřetržitou kontinuitu tradic v umění, sahající od starověku až po moderní dobu přes všechny velké epochy. Staré ruské umění pro ně mělo trvalou hodnotu a zdroj uměleckých nápadů. „Hloubkový realismus“ byla definice práce této skupiny, kterou uvedli přední kritici. Jeho vůdcem byl talentovaný umělec V.N. Chekrygin, který brzy zemřel. „Makovets“ uspořádal tři výstavy malby a jednu výstavu grafiky. Mnoho z jeho účastníků později přešlo do společnosti „4 Arts“, OMH a dalších. Jejími účastníky byli T. B. Alexandrova, P. P. Babichev, E. M. Belyakova, L. A. Bruni, S. V. Gerasimov, L. F. Zhegin, K. K. Žefirov, K. N. Istomin, N. H. S Maksimov, V. E. Pestel, M. S. Rodionov, S. M. Simonovi, Nubovi Jamon V. M. Simon. R. A. Florenskaya, A. V. Fonvizin, V. N. Chekrygin, N. M. Chernyshev, A. V. Shevchenko, A. S. Yastrzhembsky a další. V roce 1926 se od něj oddělila skupina umělců a vytvořila sdružení „Cesta malby“.

V roce 1922 poprvé přišla se společensky aktivním programem Asociace umělců revolučního Ruska (AKhRR), od roku 1928 Asociace umělců revoluce (AKhR), pořádající jednu výstavu za druhou. AHRR vnesl do uměleckého života něco nového. Počáteční období ve své činnosti mělo mnoho pozitivních věcí: sjednocování talentovaných umělců, vytváření poboček v různých městech, pořádání putovních výstav. Základem programu AHRR byl úkol zdokumentovat revoluční realitu, ale jimi deklarovaný heroický monumentální realismus nebyl vždy vtělen do jejich pláten. Postupně začal v tvorbě umělců AKHRR-AKhR převládat bezkřídlý ​​každodenní dokumentarismus.

AHRR od svého vzniku bojovala o vedení v uměleckém životě, snažila se stát hlásnou troubou státu, arbitrem osudů umění. Sdružení hlásalo umění jako zbraň ideologického boje. AHRR-AHR zahrnoval a pravidelně se účastnil výstav F. S. Bogorodsky, V. K. Byalynitsky-Birulya, B. A. Zenkevich, B. V. Ioganson, E. A. Katsman, P. I. N. Kotov, S. M. Luppov, I. I. Mashkov, V. N. M. Meshkov, V. N. M. Meshkov, M. , V. S. Svarog, G. M. Shegal, K. F Yuon, V. N. Jakovlev. AHRR mělo vlastní nakladatelství, umělecké a produkční dílny. To vše bylo využito k široké popularizaci kreativity členů spolku při velkoplošných reprodukcích obrazů a jejich kopiích. Často dostávala dotace a zakázky od Revoluční vojenské rady k pořádání výstav. Technická a materiální základna AHRR-AKhR byla nezměrně silnější než všechna ostatní sdružení dohromady a umělce jiných skupin stavěla do nerovných životních a pracovních podmínek. Tyto okolnosti a především nároky Asociace na vedení vyvolaly ostře negativní postoj a odpor téměř všech skupin patřících do jiného kreativního konceptu.

Následujícího roku 1923 se umělci „Jack of Diamonds“ objevili na „Výstavě obrazů“ jako skupina, která se svým složením nepodobala klasickému období (1910–1914), ale let následujícím. společnost „Moskevští malíři“ ao tři roky později se stali základem velkého sdružení „Společnost moskevských umělců“ (OMH).

V boji uměleckých sdružení představoval „Jack of Diamonds“ zastoupený Drevinem, Konchalovským, Kuprinem, Lentulovem, Osmerkinem, Udaltsovou, Falkem, Fedorovem střed. Celé spektrum jeho myšlenek od expresionismu po primitivismus nadále existovalo jak v tvorbě samotných členů této společnosti, tak v dalších spolcích a uskupeních.

V roce 1923 vystavovaly i méně významné spolky - „Shromáždění“, „Spolek umělců Moskevské školy“ a další.

V roce 1924 „1. diskusní výstava spolků aktivního revolučního umění“ představila divákovi absolventy Vkhutemas, kteří se v následujícím roce 1925 spojili do Společnosti malířů na stojanech (OST) - jedné z nejvýznamnějších ve 20. letech. Umělci A. O. Barshch, P. V. Williams, K. A. Vyalov, A. D. Goncharov, A. A. Deineka, A. N. Kozlov, A. A. Labas, S. A. Luchishkin, Yu I. Pimenov, N. A. Shifrin, D. N. Shterenberg jsou jedním ze zakladatelů tohoto spolku, který později zahrnoval řadu další mistři - M. M. Axelrod, V. S. Alfeevsky, G. S. Berendgof, S. N. Bushinsky, M. E. Gorshman, M. S. Granavtsev, E. S. Zernov, I. V. Ivanovsky, S. B. Nikritin, A. V. Shchipitsen a další.

OST ve svém programu a kreativitě potvrdila hodnotu malířského stojanu v novém chápání nikoli jako pasivní zrcadlový odraz skutečnosti, ale jako kreativně transformovaný odraz existence v její podstatě, bohatosti a komplexnosti, prosycený myšlením a emocemi. Jejich koncept zahrnoval výdobytky levicového umění s bystrým vnímáním barev, forem a rytmu, se zvýšenou emocionalitou. Tomu všemu odpovídalo nové téma jejich obrazů, městská krajina, industriální téma a sport. Umělci této skupiny pracovali hodně v divadle a tisku (plakáty, ilustrace). Následně v roce 1931 se z OST vynořila skupina Isobrigade - Williams, Vyalov, Zernova, Luchishkin, Nikritin.

V roce 1925 vstoupilo do výstavní arény nové vážné a významné sdružení „4 Arts“, které zahrnovalo představitele „Světa umění“, „Moskevské asociace umělců“, „Modrá růže“, „Makovets“ a další.

sjednocovací program neobsahoval ostré formulace a apely a vyznačoval se zdrženlivostí. Společným principem byla především vysoká odbornost. To vedlo k široké škále tvůrčích hledání umělců, kteří byli součástí sdružení - M. M. Axelrod, V. G. Bekhteev, L. A. Bruni, A. D. Gončarov, M. E. Gorshman, E. V. Egorova, I. V. Ivanovskij, K. N. Istomin, P. V. Kuzněcov N.. A. Kupreyanov, A. T. Matveev, V. M. Midler, V. A. Milashevsky, P. V. Miturich, V. I. Mukhina, I. I. Nivinsky, P. Ya. Pavlinov, N. I. Padalitsyn, S. M. Romanovich, N. Ya. Simonovich-Efiminyalove, M. U. M. M. M. M. Tarchanov, V. A. Favorsky a další. Do roku 1928 uspořádal spolek čtyři výstavy.

V roce 1926 moskevští sochaři poprvé uspořádali výstavu soch, tehdy vytvořili Společnost ruských sochařů (ORS), která svá díla předvedla na výstavách čtyřikrát.

V prvních porevolučních letech se na realizaci monumentálního propagandistického plánu podíleli moskevští sochaři. V hlavním městě, ale i v dalších městech postavili pětadvacet pomníků. Většina z nich se nedochovala, protože socha byla vyrobena z křehkého materiálu a některé památky byly záměrně zničeny. V následujících letech se sochaři účastnili různých soutěží: o pomník Karla Marxe na Chodnickém poli v Moskvě (1919), „Osvobozené práci“, o pomník A. N. Ostrovského v Moskvě (1924). Sochaři předváděli svá díla na výstavách různých spolků.

S. F. Bulakovsky, A. S. Golubkina, I. S. Efimov, A. E. Zelenskyj, L. A. Kardashev, B. D. Korolev, S. D. Lebedeva, V. I. Mukhina, A. I. Teneta, I. G. Frikh-Har, D. A. Yakerson - na této výstavě jsou zastoupeni a členové ORS jsou zastoupeni na této výstavě. drobná díla.

V roce 1926, pokračující v procesu vytváření nových skupin umělců, vystavovala řada sdružení, jako například „Asociace realistických umělců“ (OHR), - V. P. Bychkov, V. K. Byalynitsky-Berulya, P. I. Kelin, E V. Oranovsky, P. I. Petrovičev, L. V. Turzhansky a další.

Od Makovets se oddělila skupina Path of Painting. Tato zajímavá, ale málo známá skupina umělců uspořádala dvě výstavy (1927, 1928). Mezi její členy patřili T. B. Alexandrova, P. P. Babichev, S. S. Grib, V. I. Gubin, L. F. Zhegin, V. A. Koroteev, G. V. Kostyukhin, V. E. Pestel.

V roce 1928 uspořádala skupina mladých lidí, studentů R. R. Falka, výstavu společnosti „Růst“. Patřili k ní: E. Ya Astafieva, N. V. Afanasyeva, L. Ya. Zevin, N. V. Kašina, M. I. Nedbaylo, B. F. Rybčenkov, O. A. Sokolova, P. M. Tolkach, E. P. Shibanova, A. V. Shchipitsyn.

Jedna z největších a kompozičně nejvýznamnějších, „Společnost moskevských umělců“ (OMH), byla zorganizována v roce 1928, sdružující zástupce „Jack of Diamonds“, „Makovets“ a dalších sdružení, které se do té doby rozpadly. OMH měla vlastní výrobní a technickou základnu. Uspořádáním dvou výstav (1928, 1929) byl pak stejně jako ostatní spolky zlikvidován. V OMH byli tito umělci: S. V. Gerasimov, A. D. Drevin, K. K. Žefirov, V. P. Kiselev, A. V. Kuprin, P. P. Končalovskij, B. D. Korolev, A. V. Luntulov, A. A. Lebedev-Shuisky, N. Kh. I. Maksimov, I. , M. S. Rodionov, S. M. Romanovich, G. I. Rublev, S. M. Taratukhin, N. A. Udaltsova, R. R. Falk, G. V. Fedorov, A. V. Fonvizin, V. V. Favorskaya, I. I. Chekmazov, N. M. Chernyshev, G. M. Chernyshev, M. Sherkov, A. Shegal, A.. V roce 1929 vystavovala „Skupina výtvarníků 13“ – grafici a malíři, kreativní podobně smýšlející lidé, kteří se orientovali na moderní evropské umění a pěstovali ve své tvorbě plynulou živou kresbu a malbu ze života, zaznamenávající živou, proměnlivou skutečnost, její pomíjivost. Vznik tohoto spolku byl veřejností dobře přijat. Umělci ale měli možnost naplno zažít útoky nepřátelské vulgarizující kritiky namířené proti levicovým hnutím a jakékoli apelu na západní umění. "13" uspořádala dvě výstavy (1928, 1929). Do této skupiny patřili D. B. Daran, A. D. Drevin, L. Ya. Zevin, S. D. Iževskij, Nina a Naděžda Kashinovi, N. V. Kuzmin, Z. R. Liberman, T. A. Mavrina, V. A. Milaševskij, M. I. Nedbaylo, S. N. S. Rastorgaščenov M. Rybkev, B. Sofruev. N. A. Udaltsová. V roce 1930 byly vytvořeny spolky „Říjen“ a „Svaz sovětských umělců“. „Říjen“ zahrnoval A. A. Daineka, G. G. Klutsis, D. S. Moor, A. M. Rodchenko, V. F. Stepanova.

„Unie sovětských umělců“ byla založena umělci V. K., kteří opustili Akademii umělců. Byalynitsky-Birulya, K. S. Eliseev, P. I. Kotov, M. V. Matorin, A. A. Plastov, V. S. Svarog, V. N. Jakovlev a další. Spolek měl jednu výstavu (1931).

Na přelomu dvacátých a třicátých let se začala vytrvale rozvíjet myšlenka na vytvoření federace tvůrčích skupin. Jedním z pokusů byla Ruská asociace proletářských umělců (RAPH), která zahrnovala AKhR, OMAKhR a OHS. Federace sdružení sovětských umělců (FOUSH), která vznikla v roce 1931, zahrnovala AKhR, RAAPKh, OKKhK, MAKhR, OMH, ORS, OST, Izobrigada, ORP. FOSH uspořádal „Antiimperialistickou výstavu“ věnovanou Mezinárodnímu rudému dni.

V roce 1932 se konaly poslední přehlídky tvůrčích sdružení umělců.

Koncem dvacátých let prohlášení v tisku prudce změnila svůj charakter, vulgarizace stále více pronikala na stránky mnoha časopisů, např. „Brigáda umělců“, „Za proletářské umění“ a další. Umělci a kulturní osobnosti byli vystaveni drzé kritice a byla proti nim bez rozdílu a nepodložená politická obvinění.

Tato kulturní obvinění přímo souvisela s politickými změnami v zemi. V letech 1927–1928 se začal rozvíjet nový totalitní styl vedení života země a aktivně se formoval stalinský byrokratický aparát. Formovala se nová normální estetika, podle níž byly postavám umění a kultury přisuzovány role ilustrátorů těch ideologických pozic, které vyjadřoval přímo Stalin a jeho okruh. Umělci se museli zapojit do propagace idejí strany a bezesporu reagovat na momentální aktuální jevy života. To vše se vztahovalo nejen na umění masové propagandy s jeho dynamickou reakcí na události reality, ale také na malířské stojany. Umělci tak byli zbaveni práva na hluboké tvůrčí individuální chápání reality, jejích duchovních problémů a vyjadřování svých myšlenek a pocitů. Začaly se pořádat tematické výstavy jako „Protialkohol“, „Umění třetího rozhodujícího ročníku pětiletky“ atd. Pro takové výstavy museli umělci vytvořit díla v co nejkratším čase.

Co se týče tematických výstav věnovaných nějakým konkrétním jevům, událostem, výročím, tak to byl objev 20. let. Členové AHRR je jako první uspořádali např. „Ze života a života dělnicko-rolnické Rudé armády“ a „Život a život dělníků“ (1922), dále výstavy věnované výročí r. Rudá armáda, která se stala tradiční. Revoluční vojenská rada ke svému 10. výročí vypracovala témata děl a uzavřela dohody s umělci. Důležitá pro rozvoj sovětského umění byla výstava „Umění národů SSSR“ uspořádaná v roce 1927 Státní akademií umění, na které byla plně prezentována kreativita mnoha národností země.

Koncem 20. let se na výstavách objevovaly skici a skici ze života, portréty dělníků a rolníků, horníků a rybářů. Byly výsledkem umělců, kteří cestovali na služební cesty, aby studovali život v zemi. Umělci dostali bohatý materiál pro kreativitu, seznámili se s výrobními procesy v továrnách a dolech, na polích i v rybářských družstvech. Potkal zajímavé lidi. Ale umělci nebyli schopni použít tento materiál se skutečným tvůrčím výstupem. Ideologické programování si již začalo vybírat svou daň – vidět a zobrazovat krásný, bezkonfliktní, šťastný život.

Od poloviny 20. let se v Moskvě stále více projevují negativní procesy v oblasti kultury a umění. Začali ždímat nebo dokonce jednoduše ničit kulturní instituce. Jedno po druhém byla likvidována proletářská muzea. První Muzeum nového západního malířství bylo uzavřeno a jeho budova byla převedena do vojenských oddělení. Dům galerie Cvetkova, speciálně postavený pro muzeum, byl navzdory petici Treťjakovské galerie prodán k bydlení. Moskevské veřejné a Rumjancevovo muzeum bylo uzavřeno a jeho prostory a sbírka knih byly převedeny do knihovny SSSR pojmenované po. V.I. Lenin. A sbírky malby a grafiky byly stejně jako sbírky jiných likvidovaných muzeí převezeny do Státní Treťjakovské galerie a Státního muzea výtvarných umění ve stísněných, přeplněných prostorách, především ve skladech. V roce 1928 bylo zlikvidováno Muzeum obrazové kultury. To vše mohlo mít v následujících letech velmi negativní dopad na umělecký život země a Moskvy. Muzea byla nejen základní školou pro umělce, ale hrála také důležitou roli při formování nového diváka. Moskevská muzea byla různorodá co do charakteru, sbírek a rozsahu. Postupně procházely unifikací a standardizací, jejich aktivní činnost byla následně uvedena do přísných rámců určovaných uměleckými představiteli. Likvidace muzeí a další akce v oblasti kultury cíleně odcizovaly lid od pravého umění a vysoké kultury.

23. dubna 1932 přijal Ústřední výbor Všesvazové komunistické strany bolševiků rezoluci „O restrukturalizaci literárních a uměleckých organizací“, která rozpustila všechny umělecké spolky a nahradila je novou organizací - Svazem sovětských umělců. s homogenní strukturou a řízením, podobným jakémukoli standardnímu byrokratickému aparátu pro dohled nad činností umělců a provádění dekretů shora. Zvláště velké škody byly způsobeny Moskvě, kde se duchovní život od nepaměti vyznačoval duchem svobody, nezávislosti a rozmanitosti nejrozmanitějších jevů.

Třicátá léta byla nejtragičtějšími roky v životě našich lidí. Nastal čas nedostatku spirituality. Těžkým ideologickým válečkem bylo vše v kultuře rozdrceno a srovnáno, přivedeno k uniformitě. Od nynějška se vše musí podřizovat správním pokynům shora, které představitelé umění zuřivě prováděli.

Od konce 20. let se represe zaměřovaly na jednotlivé umělce, nyní zasáhly kulturní osobnosti s ještě větší silou. Mnoho umělců zemřelo v táborech a jejich díla zmizela beze stopy v hlubinách vyšetřovacího aparátu. Výstava představuje díla umělců, kteří byli vystaveni represím - A. I. Grigoriev, A. D. Drevin, A. K. Vingorskij, L. L. Kvjatkovskij, G. I. Kljunkov, G. D. Lavrov, E. P. Levina-Rozengolts, Z. I. Osskolkova, P. F. Osemakdalichkolkov, A. Pošampalichman, N. I.. E. V. Safonova, M. K. Sokolov, Ya. I. Tsirelson, A. V. Shchipitsyn.

V umění se začaly prosazovat společensky prestižní aktivity a žánry: tematické obrazy vytvořené v přísném souladu s ideologickými předpisy, portréty členů vlády, stranických vůdců atd.

V zemi se všemi prostředky probouzelo nadšení pracujícího lidu při budování nového života. Stejně tak bylo využito nadšení umělců a umělců, kteří ve slabých výhoncích nového toužili vidět šťastnou budoucnost země a celého lidstva, slibovanou z tribuny vůdcem strany. Snažili se tyto sny realizovat ve svých dílech, zobrazujících fiktivní šťastný život, aniž by se ohlíželi na skutečný život lidí. Výstavám dominovala plátna naplněná falešným patosem, zfalšovaným obsahem, odtržená od života, zářící čerstvě namalovanými rekvizitami. Ve společnosti se začaly pod moudrým vedením strany a jejího vůdce rodit a uměle vytvářet neskutečné fantastické mýty o obecném štěstí a blahobytu lidu.

Současnost i minulost země, její historie, její hrdinové byly zkresleny. Probíhal proces deformace osobnosti, „koval se nový člověk“, kolečko ve stroji, zbavené individuálních duchovních potřeb. Přikázání vysoké lidské morálky byla zanesena kázáními o třídním boji. To vše mělo tragické důsledky pro umění a kulturu země.

Povaha moskevských výstav se ve 30. letech dramaticky změnila. Jedinečná a originální vystoupení skupin i jednotlivých umělců, prodchnutá energií tvůrčích objevů, vystřídaly amorfní výstavy jako „podzim“, „jaro“, výstavy krajin, dodavatelů, umělkyň atd. byla tam talentovaná díla. Tón však neudávaly, ale „ideologicky ověřené“, i když nebyly dostatečně umělecké. Stále se pořádaly tematické výstavy. Mezi nimi byly významné a zajímavé výstavy: „Umělci RSFSR 15 let“ (1933), která z velké části čerpala z předchozího období, a také „Industry of Socialism“ (1939).

Většina prací pro velké výstavy byla provedena na základě vládních nařízení. Boj o zakázky, potažmo o uznání, o materiální blahobyt nabýval ošklivých podob. Nyní se státní „záštita“ obrátila na mnoho talentovaných umělců, kteří nepřijali oficiální směr v umění a diktát řídícího oddělení, tragédii exkomunikace z diváka, z uznání jejich práce.

Mnoho umělců muselo vést dvojí život, předvádět díla na zakázku podle regulovaných „receptů“ a pro sebe doma, tajně ode všech, pracovat svobodně a bez zábran, aniž by ukazovali svá nejlepší díla a doufali v příležitost je vystavit. Jejich jména dlouho opouštěla ​​stránky výstavních katalogů. TD , zbavení dílen, zakázek a někdy i prostředků k existenci, hladoví, ale svobodní ve své tvůrčí vůli. Izolováni od společnosti a dokonce i jeden od druhého, odděleni, dokázali svůj tvůrčí čin sami. Živili se vyučováním, prací v polygrafii, divadle, kině, přinášeli vysokou profesionalitu, vkus a dovednost do jakéhokoli oboru činnosti.

Díla oficiálně uznávaných umělců končila nejčastěji v muzeích a zdobila interiéry oficiálních institucí různého stupně. Na této výstavě žádná taková díla nejsou. Díla umělců, kteří odešli z plnění zakázek, byla dlouhá léta uchovávána doma.

Tyto obrazy zpravidla nejsou velké, nejsou provedeny na nejlepších plátnech a s barvami ne nejvyšší kvality. Ale dýchají opravdovým životem, mají trvalé kouzlo a nesou si s sebou obrovský duchovní zážitek své doby. Vyjadřují složitý, někdy tragický světonázor celé generace, nikoli navenek, nikoli popisně, ale všemi prostředky skutečného umění. Jestliže obsah obrazů oficiálního směru směřuje k neznámé šťastné budoucnosti, obchází současnost, skuteční umělci ukázali skutečný život svých současníků v oné těžké atmosféře nesvobody, pronásledování, a nikoli v zaslíbeném ráji budoucího univerzálního štěstí. Odhalili každodenní hrdinství překonávání nesčetných obtíží, ponížení, nelidskosti a potvrdili skutečné hodnoty - laskavost a lásku k bližnímu, víru, statečnost.

Krajiny K. N. Istomina, V. A. Korotěeva, A. I. Morozova, O. A. Sokolové, B. F. Rybčenkova jsou lyrické, průmyslové, městské, naplněné hlubokým citem a filozofickými myšlenkami. I zátiší M. M. Sinyakové-Urechiny, A. N. Kozlova, I. N. Popova jsou překvapivě zajímavá a nesou myšlenky o osudu a době. Portrét je nejvýraznější a nejvýznamnější v díle E. M. Belyakové, D. E. Gureviče, L. Ya. Zevina, K. K. Zefirova, E. P. Leviny-Rozengoltsové, A. I. Rublevy, R. A. Florenské a mnoha dalších mistrů. Jedná se především o portréty blízkých osob a příbuzných. Zpravidla zprostředkovávají pocit hlubokého kontaktu mezi portrétovaným a umělcem. Někdy s velkou silou odhalují vnitřní vrstvy duchovního života. Umělci těch let se často obraceli k biblickým tématům. Možná se snažili pojmout éru a její činy prizmatem univerzálních lidských hodnot (L. F. Zhegin, S. M. Romanovich, M. K. Sokolov).

V posledních letech byla díla těchto kdysi oficiálně neuznaných umělců k vidění na mnoha výstavách. Vyšli z úkrytu a odsunuli oficiální obrazy, díky vysoké umělecké dokonalosti, mocné duchovní energii v nich ukryté a smyslu pro pravdu, který v divákovi probouzejí. Jedná se o díla umělců R. N. Barto, B. A. Golopolosov, A. D. Drevin, K. K. Zefirov, L. F. Zhegin, K. N. Istomin, M. V. Lomakina, A. I. Rubleva, G. I. Rublev, N. V. Sinezubova, N. Yampit A Simonovich, N. Shdalts. Florenská a další.

Tato výstava poskytuje mnoho materiálu k zamyšlení a přináší mnoho problémů, které vyžadují další podrobný výzkum. Vyvolává také nejdůležitější otázku o budoucím osudu moskevského umění jako celku. Moskva, mocný generátor uměleckých myšlenek, umělecká a pedagogická škola a muzejní centrum země, v současnosti nemá možnost představit se divákovi v celé své bohatosti a celistvosti. Řadu let neúnavně obohacuje zemi, doplňuje muzea ve všech regionech díly svých umělců, všechno rozdává a nic nenechává pro sebe. Existuje mnoho takových umělců, jejichž výtvory jsou zcela rozptýleny do různých muzeí po celé zemi a v hlavním městě nejsou vůbec zastoupeni.

Díla vystavená na této výstavě představují materiál, který by se mohl stát základem pro vznik Moskevského muzea umění. Toto je jeho potenciální fond. Může ale také beze stopy zmizet, rozptýlena do různých muzejních úložišť a soukromých sbírek. Moskva se musí postarat o vytvoření vlastního muzea a udělat to okamžitě.

L. I. Gromová