Ponuré obrazy Francisca Goyi. Slavné obrazy Francisca Goyi Ponuré obrazy

Mezi ušlechtilá umělecká díla, která lahodí oku a vyvolávají jen pozitivní emoce, patří obrazy, které jsou mírně řečeno zvláštní a šokující. Představujeme vám 20 obrazů světoznámých umělců, které ve vás vyvolají hrůzu...

„Selhání mysli na hmotu“

Obraz namalovaný v roce 1973 rakouským umělcem Otto Rappem. Zobrazoval rozkládající se lidskou hlavu umístěnou na ptačí kleci obsahující kus masa.

„Visící živý černoch“

„Dante a Virgil v pekle“

"Peklo"

„Velký červený drak a mořská příšera“

"Duch vody"

"Necronom IV"

„Stažení Marcie“

„Pokušení svatého Antonína“

"Uříznuté hlavy"

"Výkřik"

"Smrt Marat"

"Zátiší masek"

"Gallowgate sádlo"

„Saturn požírá svého syna“

"Judith zabíjení Holofernes"

"Noční můra"

"Masakr nevinných"

"Studie portrétu Innocent X Velazquez"

„Zahrada pozemských rozkoší“

A „Two Old Men Eating Soup“ je atmosférou a výrazem velmi podobné „The Potato Eaters“ od Van Gogha.

K úžasným nástěnným malbám jste vybrali velmi dobré citáty. Mám je moc ráda.

Psaní přímo na zeď je fantastické. Měl jsem takový zážitek, neuvěřitelný pocit.

Julia Ria:
22. listopadu 2011 ve 12:20

Ve srovnání s Van Goghem. Ano, ty samé ponuré barvy, stejná atmosféra dušení a bezmoci nebo co... Z těchto obrazů se mi nejvíc líbí „Pes“, takovou zvláštní atmosféru vytvořil Goya.

Nepamatuji si, četli jste tuto knihu o Goyovi od Feuchtwangera? Končí přímo v místě, kde se umělec rozhodl vymalovat stěny svého domu. Měl být druhý díl, ale... spisovatelův život byl zkrácen - tak nespravedlivé.

:
22. listopadu 2011 v 13:47

Pes má takový žalostný pohled, je v ní tolik samoty a zášti a před ní je sotva viditelný stín (ale možná jsou to projekce zdi), na který se dívá s otázkou: “ Proč jsi mě opustil?"...

Nevzpomínám si, jestli jsem četl Feuchtwangerova Goyu, ale to mi nezabrání v přečtení této knihy, když mě napadne nálada.

Tato pozdní Goyova díla jsou čistým expresionismem. Velmi předběhl dobu.

:
24. listopadu 2011 v 18:07

:
25. listopadu 2011 v 11:30

Dlouho jsem nepřijímal a odmítal konceptuální umění, různé divoké, odpudivé performance, akce, happeningy a podobně. V Rusku se termín „současné umění“ ujal, ale ve zbytku světa o něm nevědí.))

Jako příklad lze uvést skandální dovádění nejslavnějšího ruského umělce, psího muže Olega Kulika. Moc se mi líbí jedno z jeho starých děl „Russian Eclipse“, kde je nahý s červeným praporem v ruce.))

Trvalo mi hodně času, když jsem četl relevantní literaturu a články o současném umění, než jsem začal sám sebe přesvědčovat, že všechno má v umění své místo. A nic nelze popřít.

Nerozumím tomu lépe, ale stále mě občas zajímá, co se děje v konceptuálním (intelektuálním) umění. Přečtěte si výroky Olega Kulíka, jsou toho hoden. Zde je například jedna z jeho myšlenek:

„Všichni jsou dobří, ale lžou, ale umělec nelže, ale je chamtivý a arogantní egoista. Všechny tyto vlastnosti má i průměrný člověk, ale v moderním světě je neslušné je prokazovat. Nejstrašnější věc na světě průměrného člověka není atomová bomba, ani chudoba, ale to, co o vás řeknou vaši sousedé. Umělec se toho nebojí."

Zde je další věc, která se mi opravdu líbila:

"Umění, které existuje kvůli prodeji, už není umění."

Takže mám averzi a odmítání od komerčního umění, obrazů na prodej. Ale s tímto „spravedlivým hněvem“ bojuji již dlouhou dobu docela úspěšně.))

Yul, co se ti hnusí?

:
25. listopadu 2011 v 16:16

A přesto úplně nerozumím tomu, co myslíte komerčním uměním? Co se v zásadě prodává nebo co se záměrně zobrazuje tak, aby vyhovovalo vkusu veřejnosti?

:
25. listopadu 2011 v 17:37

Jak mohu být proti všemu, co je na prodej? Sám jsem prodal více než tucet obrazů. Navíc vše nakonec skončí na trhu s uměním.

Samozřejmě mám na mysli to, co je nakresleno konkrétně na prodej. Tedy předem vědět, co bude veřejnost kupovat. Podle jejího vkusu. Ale to už chápu dávno. Lidé přece potřebují z něčeho žít. Proč ne z obrazů?

Olyo, záměr umělce je pro mě důležitý. Prvotní. To je to, co dělá rozdíl mezi díly. Proto jednu malbu nazýváme uměním, ale druhou ne.

:
25. listopadu 2011 v 18:13

Teď je to jasné. Někdy se mi zdá, že jste vůbec proti prodeji.

:
26. listopadu 2011 ve 12:57 hodin

Samozřejmě že ne! jsem pro. A jsem moc rád, když umělci dokážou ze svého umění žít. To je velká vzácnost.

V této věci je důležité pochopit, co je cílem a co prostředkem.))

:
1. prosince 2011 v 13:57

Ano, ano, pokud myslíte především jen na peníze, duchovno a smysluplnost se ztrácí. Ale přítomnost příjmu nepopírá přítomnost smyslu. Tyto věci nejsou vždy každému jasné. Zejména u nás, v Rusku. Mistr musí být chudý – to sedí v myslích mnohých, a pokud je mistr bohatý, pak už to není umění. Tentýž Goya dostával za své portréty spoustu peněz a byl dvorním malířem, na což byl hrdý. Ale nepřešlapoval.

Věta: „Nejhorší na světě průměrného člověka není atomová bomba, ne chudoba, ale to, co o vás řeknou vaši sousedé“ - úžasné! Jednoduché, ale přesné. Co o vás řeknou sousedé, kolegové i jen kolemjdoucí? Jsem z toho všeho znechucený (ale bohužel to mám taky).

:
1. prosince 2011 v 15:20

Samozřejmě to nepopírá! Lidé jsou zmatení z pojmů, to je naprostá pravda. A do jaké míry si to nedokážu omotat hlavou. Většina lidí například věří, že jakýkoli obraz je umění. Automaticky. Pokud jsou tam všechny atributy: plátno pokryté barvami, rám, pak je to umění. Co jiného? Tohle mě nikdy nepřestane šokovat. Julio, proč se slovo umění vztahuje na jakýkoli obraz? Máte verzi?

Toto „co o tobě řeknou“ je mi bolestně známé. Protože mi to bylo vždy jedno, moji rodiče prožívali důsledky mé lhostejnosti naplno.))

Pokud jde o malbu, fantazie má tendenci kreslit pastýřské výjevy a majestátní portréty. Ale ve skutečnosti je výtvarné umění mnohostranné. Stávalo se, že štětce velkých umělců vytvořily velmi kontroverzní obrazy, které by si jen málokdo chtěl doma pověsit. V našem přehledu 10 nejstrašnějších obrazů slavných umělců.

1. Velký červený drak a bestie z moře. William Blake

William Blake je dnes známý svými grafikami a romantickou poezií, ale během svého života byl do značné míry nedoceněný. Blakeovy tisky a ilustrace jsou klasikou romantického stylu, ale dnes se podíváme na sérii Blakeových akvarelů, které zobrazují velkého červeného draka z Knihy zjevení. Tento obraz zobrazuje velkého červeného draka, ztělesnění ďábla, stojícího na sedmihlavém zvířeti v moři.

2. Studie portrétu Inocence X od Velazqueze. Francis Bacon

Francis Bacon byl jedním z nejvlivnějších umělců 20. století. Jeho obrazy, nápadné svou smělostí a temnotou, se prodávají za miliony dolarů. Během svého života Bacon často maloval své vlastní interpretace portrétu papeže Inocence X. V původním díle Velazqueze papež Innocent X vypadá zamyšleně z plátna a Bacon ho zobrazil, jak křičí.

3. Dante a Vergilius v pekle. Adolf William Bouguereau

Dante's Inferno se svými vyobrazeními strašlivého mučení inspiruje umělce od vydání tohoto díla. Bouguereau je nejlépe známý pro své realistické zobrazení klasických scén, ale v tomto obraze zobrazil kruh pekla, kde podvodníci neustále bojují, aby si navzájem ukradli identitu prostřednictvím kousání.

4. Smrt Marata. Edvard Munch

Edvard Munch je nejznámější norský umělec. Jeho slavný obraz „Výkřik“, který zosobňuje melancholii, je pevně zakořeněn v povědomí každého člověka, kterému záleží na umění. Marat byl jedním z předních politických vůdců francouzské revoluce. Jelikož Marat trpěl kožní chorobou, trávil většinu dne v koupelně, kde pracoval na svých dílech. Právě tam Marata zabila Charlotte Cordayová. Více než jeden umělec zobrazil smrt Marata, ale Munchův obraz je obzvláště realistický a krutý.

5. Uříznuté hlavy. Theodore Gericault

Géricaultovým nejslavnějším dílem je „Vor Medúzy“ – obrovský obraz v romantickém stylu. Před vytvořením velkých děl maloval Géricault „zahřívací“ obrazy jako „Uříznuté hlavy“, pro které použil skutečné končetiny a useknuté hlavy. Umělec vzal podobný materiál z márnic.

6. Pokušení svatého Antonína. Matyáš Grunewald

Grunewald často maloval náboženské obrazy ve středověkém stylu, ačkoli žil v době renesance. Svatý Antonín prošel během života na poušti několika zkouškami své víry. Podle jedné legendy byl svatý Antonín zabit démony žijícími v jeskyni, ale později se znovu narodil a zničil je. Tento obraz zobrazuje svatého Antonína, který byl napaden démony.

7. Zátiší masek. Emil Nolde

Emil Nolde byl jedním z prvních expresionistických umělců, ačkoli jeho sláva byla brzy zastíněna řadou dalších expresionistů, jako je Munch. Podstatou tohoto pohybu je zkreslení reality, aby se ukázal subjektivní úhel pohledu. Tento obraz vytvořil umělec po výzkumu masek v berlínském muzeu.

8. Saturn požírající svého syna. Francisco Goya

V římských mýtech, které z velké části vycházejí z řecké mytologie, otec bohů požíral vlastní děti, aby ho nikdy nesesadily z trůnu. Právě tento akt zabíjení dětí znázorňoval Goya. Obraz nebyl určen pro veřejnost, ale byl namalován na stěně umělcova domova spolu s několika dalšími tmavými obrazy, souhrnně známými jako „Černá malba“.

9. Judita a Holofernes. Caravaggio

Ve Starém zákoně je příběh o statečné vdově Juditě. Judea byla napadena armádou vedenou generálem Holofernem. Judith opustila městské hradby a zamířila do tábora armády obléhající město. Tam svedla Holoferna pomocí své krásy. Když velitel v noci spal opilý, Judith mu usekla hlavu. Tato scéna je mezi umělci docela populární, ale Caravaggiova verze je obzvláště strašidelná.

10. Zahrada pozemských rozkoší. Hieronymus Bosch

Hieronymus Bosch je obvykle spojován s fantastickými a náboženskými obrazy. „Zahrada pozemských rozkoší“ je triptych. Tři panely obrazu zobrazují rajskou zahradu a stvoření lidstva, zahradu pozemských rozkoší a trest za hříchy, které se vyskytují v pozemské zahradě. Boschova díla jsou jedny z nejděsivějších a zároveň nejkrásnějších děl v historii západního umění.

"Ponuré obrázky"

Zastavme se tedy u určitého momentu v Goyově biografii – 1819. Umělec koupí dvoupatrový pozemek na břehu řeky Manzanares v blízkosti Madridu. Ve stejném období znovu vážně onemocněl. Umělec se potýká s nemocí, ale hluchota se ho zmocňuje stále více. Podivné jméno, které panství dal sám Goya – „Dům neslyšících“ – „Quinto del Sordo“ – tedy není vůbec náhodné. Během následujících tří let Goya maloval stěny svého domu technikou secco na znovu navlhčenou omítku. Je jisté, že „Temné obrazy“ byly namalovány na dřívější obrazy, které Goya použil jako základ.

V roce 1823 odjel Goya do Bordeaux a své panství přenechal svému vnukovi Marianovi – snad proto, aby uchránil majetek před případnou konfiskací po obnovení absolutní monarchie ve Španělsku Ferdinandem Sedmým. Po půl století byly obrazy „Domu neslyšících“ veřejnosti neznámé, s výjimkou několika přátel umělce a odborníků. V roce 1874 začal umělec Salvador Martinez Cubells na žádost francouzského bankéře Frederica Emile d'Erlangera přenášet všechny obrazy ze stěn na plátna. To trvalo několik let. D'Erlanger chtěl obrazy prodat na World Výstava v Paříži, k tomu však nebylo souzeno a v roce 1881 obrazy daroval muzeu Prado v Madridu, kde zůstaly dodnes.

Sám Goya své „Ponuré obrazy“ nepojmenoval. Udělal to jeho přítel, umělec Antonio Brugada, který po Goyově smrti v roce 1828 celý cyklus zkatalogizoval. V důsledku toho získaly obrazy následující názvy:

První patro domu.

- "Festival v San Isidro"

- „Sabat čarodějnic“

- "Judith a Holofernes"

- „Saturn požírající své děti“

- "Dona Leocadia Zorilla"

- „Starý muž a mnich“ nebo „Dva staříci“.

Druhé patro domu.

- „Fantastic Visions“ nebo „Asmodeus“

- “Pouť k prameni San Isidro”

- "Atropos" nebo "Osud"

- "Souboj s kluby"

- "Smějící se ženy"

- "Čtoucí muži"

- "Pes"

- "Dva staříci jedí polévku"

Umístění obrazů v domě je známo z fotografií pořízených fotografem Jean Laurentem v roce 1874. Díky těmto fotografiím je známo, že obrazy byly také rámovány štukem, jako okna a dveře v domě. Navíc si můžete všimnout rozdílu ve stavu maleb před jejich přenesením na plátno a vidět chybějící fragmenty.

Neexistují žádné faktické informace o samotném procesu nástěnné malby. V tomto ohledu se dokonce objevily fámy, že obrazy nenamaloval Goya - existovala teorie, že je namaloval Javier, jeho syn, poté, co Goya odešel do Bordeaux. Historici umění však tuto teorii odmítají – technika, jakou byly fresky zhotoveny, i jejich styl potvrzují autorství umělce.

Není známo, co přesně Goyu přimělo namalovat stěny svého domu těmito konkrétními scénami. Ale co je známo, je, že obrazy byly vytvořeny v ne nejlepším období umělcova života. Jeho fyzický stav byl nestabilní a životní stav ve Španělsku obecně byl nestabilní. V zemi probíhala občanská válka, která skončila obnovením absolutní monarchie. Tři roky této války se shodovaly s obdobím psaní „Dark Canvas“. V obrazech lze snadno vysledovat analogii se situací v tehdejší sociální, politické a náboženské sféře země. Pojďme analyzovat některá díla.

„Saturn požírající své děti“ je opravdu strašidelné dílo, při pohledu na něj se v člověku neprobouzí strach, ale v každém případě nepřátelství a úzkost. Starobylé božstvo - Saturn - je zobrazeno na pozadí uhlově černé temnoty, jeho postava je zlomená a zdá se, že se křečí, jeho ruce jako plexusy větví drží tělo dítěte, kterému Saturn ukousne hlavu . Krev vyniká na plátně v alarmující červené barvě. Můžeme říci, že to Goya napsal v depresivním stavu a možná s myšlenkou na válku ve Španělsku – Saturn můžete srovnat se zemí, která ničí vlastní děti.

V obraze „Judith a Holofernes“ vládne energie pozemského jednání zachyceného v jeho okamžitosti. Hrdinka, která právě skočila z Holofernesovy postele (trochu viditelná vpravo), aniž by si ještě uklidila rozcuchané oblečení, zmuchlané milostným pohlazením, zvedla svůj meč nad hlavu spícího asyrského velitele a nyní ji usekne (zde mezi ní a Saturnem vzniká první vizuálně-sémantická korespondence – začal svou oběť požírat z hlavy). Klesající pohyb Judith vpřed, její ostře zvýrazněný obličej, rameno, ruka s mečem - to vše také trčí z prostorového pole obrazu, jako kolena, ruce a hlava Saturna.

„Pouť do San Isidro“ odráží Goyovo dřívější dílo, napsané v roce 1788, „Lidový festival na den svatého Isidora“. Obě díla zobrazují jeden z oblíbených svátků obyvatel Madridu. Každý rok 15. května chodili na břehy řeky Manzanares dělat pikniky, tančit a pít léčivou vodu z pramene, který podle legendy našel svatý Isidor. A jestliže v roce 1788 malíř představil tuto scénu jako barevný a veselý státní svátek, plný bezstarostné zábavy, pak v pozdější verzi z „Domu neslyšících“ dominují tóny černé a vládne alarmující pocit blížící se nevyhnutelné katastrofy. . Dav lidí schoulených těsně k sobě putuje po suché, nerovné zemi. Jejich tváře jsou pokřivené hroznými grimasami, vyjadřujícími strach, bolest, hrůzu, zlobu a bestiální hněv.

Stejné motivy se objevují i ​​v The Witches' Sabbath. Kompozičním středem obrazu je také ošklivý dav bez tváře, soustředěný kolem postavy kozla v mnišském rouchu, naslouchající každému slovu Satanova posla. Lidské tváře jsou ošklivé grimasy, které ani nevypadají jako tváře lidí – Goya jako by chtěl zdůraznit, jak člověk může snadno ztratit svůj lidský vzhled.

V „Duel with Clubs“ lze nalézt i reakci na vojenské události odehrávající se v blízkosti umělce – dva lidé, kteří si jsou tak podobní, se snaží jeden druhého ochromit těžkými kyji v brutálním souboji naslepo. Není vidět, jak jejich nohy stojí na zemi - zdá se, že se vznášejí v prostoru, stejně jako postavy v obrazech „Atropos, nebo osudy“ a „Asmodeus“.

Tyto obrazy jsou plné mystiky, zdá se, že zobrazují úplně jiný, neskutečný svět, nelze ani říci, kdo jsou postavy na obrazech - lidé nebo nějaké fantastické bytosti. Děj obrazu „Atropos“ je interpretací obrazů starověkých řeckých bohyň osudu - Moir nebo osud jako takový Homer, Hésiodos, Virgil a další starověcí autoři. Moirai vedla Atropa, nemilosrdná bohyně, která přestřihla nit života svými nůžkami. Jejími společníky byly Clotho a Lachesis, ale na plátně je i čtvrtá postava připomínající muže, který má svázané ruce – možná proto, že je bezmocný před bohyněmi, které určují jeho osud.

„Pes“ je namalován ve světlejších barvách než ostatní „Temná plátna“, ale stále v sobě nese smutek a beznaděj – obraz zobrazuje hlavu psa, který se topí buď ve vlnách moře, nebo v hromadách písku – přesný děj obraz je nevysvětlitelný, možná nebyl vůbec dokončen, lze jen spekulovat. Psí tlama směřuje vzhůru, smutné oči hledí kamsi před sebe, jako by hledali spásu. Na Laurentově fotografii z roku 1874 jsou na obraze vidět obrysy připomínající útes a ptačí postavy, na které se pes může dívat.

Rozsah všech čtrnácti obrazů je černý, hnědý, pískový, tmavé odstíny, na obrazech prakticky nejsou žádné jasné, syté barvy, kromě toho, že v „Souboji“ vyniká kousek modré oblohy a v „Saturnu“ jasně červená krev. Díky takovým tónům se mnohonásobně umocňují emoce, které v sobě nesou samotné náměty obrazů. Ne náhodou se těmto obrazům říká „Ponuré“.

Ale je třeba říci, že všechny názvy a interpretace obrazů jsou výsledkem činnosti jiných lidí, dalších generací. Nemáme možnost dozvědět se, co bylo skutečně uvnitř umělce, když maloval stěny svého domu, za jakým účelem to dělal, komu chtěl tyto obrazy zanechat a co s nimi říci. Se známými biografickými fakty o Goyovi, s událostmi odehrávajícími se ve 20. letech 19. století ve Španělsku, lze vyvodit pouze analogie. Tyto události se nemohly odrazit v díle Goyi, který byl pozorný a citlivý, obával se změn v životě své země, všímal si lidských neřestí a slabostí a odhaloval je, jako to dělal v seriálu „Caprichos“.

Jisté je, že nástěnné malby „Domu neslyšících“ jsou jedinečným dědictvím španělského a světového umění, obrazy jsou na dobu, kdy byly namalovány, skutečně neobvyklé a výjimečné. Vidíme v nich „skutečného“ Goyu – umělec je koneckonců namaloval na stěny svého domu, a ne proto, aby je vystavil nebo prodal – což znamená, že mohl přesně vyjádřit své myšlenky a názory na tyto věci. plátna.

Řada ikonických děl slavného Španěla.

Goya

Francisco de Goya je slavný španělský umělec a rytec. Svou počáteční slávu získal jako tvůrce krásných gobelínů, ale skutečnou slávu se mu dostalo jako dvorního umělce španělské koruny. Co dělá Goyova díla jedinečnými, je jeho kreativní přístup a odvážné použití barev. Mistrův styl inspiroval mnoho napodobitelů a měl vážný vliv na svět umění.

deštník (1777)

Toto dílo je součástí série 63 děl, které umělec vytvořil na začátku své kariéry. Předpokládá se, že práce na tomto cyklu pomohla mistrovi studovat způsoby lidské interakce, což se později ukázalo jako důležité při vytváření pozdějších mistrovských děl. „Umbrella“ kombinuje motivy francouzské a španělské módy.

Pes (1823)

Skupina slavných „Černých obrazů“, kterou Francisco vytvořil v pozdějších fázích své tvůrčí práce, zahrnuje také obraz psa, který se v uměleckém prostoru obrazu snadno ztratí. Obvykle je dílo interpretováno jako symbol boje člověka s problémy a zlými silami.

Mahi (1797–1805)

Obě díla („Maja Nude“ a „Maja Dressed“) se nacházejí vedle sebe ve stejném sále muzea Prado (Madrid). Mezi umělci, kteří vytvořili obrazy inspirované těmito Goyovými díly, bychom měli zmínit Ignacia Zuloagu a Edouarda Maneta. Dodnes není známo, kdo sloužil jako model pro hlavní postavu obrazu, ale tradičně je 13. vévodkyně z Alby nazývána umělcovou inspirací.

Na podstavci pomníku umělce, instalovaného před muzeem Prado, je sochařský obraz podle obrazu „Nahý Mácha“.

Velká koza (1821–1823)

Černý obraz je často vnímán uměleckými kritiky jako satira na téma pověry a zobrazuje Satana, jak mluví se skupinou čarodějnic.

Karel IV a jeho rodina (1801)

Portrét ukazuje okázale oblečeného španělského krále a jeho rodinu. Je třeba poznamenat, že umělcova neochota lichotit a fibovat vedla k tomu, že Goya podle moderních výzkumníků ukázal na portrétu panovníka a jeho rodiny zkorumpovanou povahu jejich moci. Pravděpodobně osoba sotva viditelná vlevo je autorem díla.

Válečné katastrofy (1810–1820)

Tato série 82 tisků patří mezi Goyova nejvýznamnější díla. Historici umění rozdělují sérii do tří částí:

• Prvních 47 rytin ukazuje hrůzy války.
• Druhých 18 děl zobrazuje následky hladomoru.
• Posledních 17 odráží zklamání spojené s obnovením bourbonské monarchie.

Tato série je fenomenální vizualizací autorovy pozice, která obsahuje rozhořčení a odvážná politická prohlášení.

Válečné katastrofy. 39 prací ze série.

Spánek rozumu rodí monstra (1799)

Tato skladba je součástí série „Caprichos“, která se skládá z 80 děl. Umělec spící mezi nástroji je obklopen příšerami, které symbolizují nevědomost a další nectnosti společnosti.

Saturn požírající svého syna (1819-1823)

Toto mistrovské dílo je založeno na římském mýtu, podle kterého Titán Saturn snědl své děti, protože mu bylo předpovězeno, že zemře rukou jednoho z jeho synů. Proroctví však bylo předurčeno k naplnění.
„Saturn požírá svého syna“ je znepokojivý portrét, který je součástí série „černých maleb“.

Třetího května 1808 (1814)

2. května 1808 se obyvatelé Madridu vzbouřili proti francouzským okupantům. Goya zobrazuje tuto scénu na obraze „Třetího května 1808“. Uprostřed plátna je odvetný úder francouzských jednotek, v jehož důsledku byly zastřeleny stovky Španělů. Obraz, revoluční ve stylu a úrovni symbolismu, inspiroval Pabla Picassa k vytvoření slavné „Guernica“.

Pohřeb sardinky (cca 1808-1814)

Akademie San Fernando, Madrid Goya představuje populární karneval jako démonický festival. Na nátlak inkvizice byl umělec nucen změnit původní verzi obrazu a nahradit nápis na praporu mortus (zemřel) grimasou masky. Bublající radost a pokřivená radost nespoutaného davu jsou groteskní alegorií na existující společenský řád. Goya se ve svém díle bouří proti řádům zavedeným inkvizicí a demonstruje bezmoc svých současníků v jejich tváři.

Portrét Francisca Bayeuxe (1795)

Po roce 1794 vytvořil Goya řadu portrétů ze života. Díky autorovu bystrému pozorování a precizní technice se jeho díla vyznačují hlubokým psychologismem a pronikáním do vnitřního světa člověka. Zde je portrét dvorního malíře a Goyova švagra Francisca Bayeuxe (1734–1795) krátce před jeho smrtí. Modelčinu osobnost charakterizuje unavený, lehce podrážděný výraz obličeje a nedbale zapnutý kabátek. Zmrzlá póza, charakteristický záklon ruky a pozorný pohled zároveň zdůrazňují vnitřní přednosti portrétovaného.

Inkviziční soud (kolem 1800)

Goya se opakovaně věnoval tématu inkvizičního procesu, zdůrazňoval krutost obřadu a tragický osud jeho obětí, které byly nasazeny na čepice kacířů. Světelné efekty a způsob nanášení barev dokreslují soudní proces, který vedou tmáři. Obličeje soudců – mnichů a kněží – jsou zdeformovány grimasami smrti a jejich postavy splývají v jedinou amorfní hmotu.

Game of Blind Man's Bluff (1791)

Scény každodenního života a lidové zábavy, vyznačující se bohatými barvami a snadnou kompozicí, ukázaly nové trendy v umělcově tvorbě. Goya odhaluje skutečný svět v celé jeho nekonečné rozmanitosti. Přitažlivost tohoto náčrtu pro gobelín určený k výzdobě pracovny v paláci El Escorial se projevuje v jasných barvách a lehkosti pohybu postav. Pro Goyu je typické ztvárnění postav v jemné, akvarelové barvě, postavy postav se jakoby rozplývají v tenkém oparu.

Slavné obrazy Francisca Goyi aktualizováno: 21. ledna 2018 uživatelem: Gleb