La pintura de caballete como patrimonio cultural del planeta. Caballete, monumental, pintura decorativa Caballete y pintura decorativa

"Cuadro- quizás la más antigua de las artes conocidas por la humanidad. Las imágenes de animales y personas hechas en la era de la sociedad primitiva en las paredes de las cuevas han sobrevivido hasta nuestros días. Desde entonces, han pasado muchos milenios, pero la pintura siempre ha sido una compañera invariable de la vida espiritual del hombre.

Como cualquier rama independiente de la creatividad artística, la pintura tiene una serie de características únicas y originales. Habla de la vida, representa a las personas, la naturaleza, el mundo objetivo que rodea a una persona a través de Imágenes visuales. Estas imágenes se crean utilizando todo un sistema de técnicas desarrolladas y mejoradas por muchas generaciones de artistas.

A diferencia de un escritor, un artista no puede mostrar una cadena de eventos que ocurren en diferentes lugares en diferentes momentos. Al encarnar la trama, el pintor está limitado por los límites de un momento y un entorno inmutable. Por lo tanto, busca encontrar y representar en relieve una situación en la que los caracteres de los personajes, sus relaciones y todo el significado del evento de vida capturado se revelen más plenamente.

El "lenguaje" artístico de la pintura ayuda a lograr este objetivo. Después de todo, el autor de las pinturas cuenta, mostrando. Y en esta "narrativa visual" y el color, brillante o apagado, tranquilo o llameante, y el movimiento de las líneas, rápido, tenso o suave, lento, y muchas, muchas otras características de la solución pictórica son muy expresivas, contribuyen a la revelación. de sentimientos, pensamientos, estados de ánimo. Por lo tanto, el contenido de la imagen de la trama solo lo comprende completamente el espectador que no solo "lee" una determinada trama en ella, sino que también "ve" su encarnación pictórica.

Si un dibujo constituye, por así decirlo, el "esqueleto" de una pintura, entonces su "carne y sangre" es el color. Los artistas usan el color no solo para transmitir la coloración real de los objetos, sino también para crear un cierto estado de ánimo, con el propósito de la encarnación poética de la idea. Recuerda "La chica de los melocotones" de V.A. Serov: un tono gris azulado general, sombreado por una mancha rosa del vestido de la niña, sombras que penetran cada milímetro del lienzo y reflejos de una luz temblorosa y parpadeante; después de todo, esto crea esa impresión de frescura, pureza, alegría juvenil de la vida, que es la esencia misma del cuadro. ¡Y qué gran papel semántico tienen los numerosos tonos de rojo que se encuentran en el lienzo de I.E. Repin “Iván el Terrible y su hijo Iván”! Cuán importantes son los contrastes de blanco y negro en la trágica narración de V.I. Surikov!

existe dos tipos principales de pintura: monumental y de caballete. pintura monumental siempre asociado con la arquitectura: esta es la pintura de las paredes y techos de los edificios, decorándolos con imágenes de mosaicos y otros materiales, vidrieras, pinturas y adornos hechos de vidrios de colores, etc. pintura de caballete no está asociado con un edificio específico y se puede mover de una habitación a otra.

En pintura de caballete Hay muchas variedades ("géneros"). El más importante de ellos - tema pintura, retrato, paisaje y naturaleza muerta.

En las obras de ciertos géneros de pintura, por así decirlo, se destacan aspectos separados del ser. Entonces, retrato reproduce la forma de una persona. En otros casos, los héroes de los lienzos de retrato se muestran en su entorno cotidiano habitual, en otros no encontramos ningún detalle adicional. La tarea principal y, por supuesto, la más difícil del artista en este género es revelar el mundo interior de la persona representada, las características principales de su carácter y la psicología.

Las pinturas que muestran la vida de la naturaleza pertenecen al género paisaje. Los verdaderos maestros del arte del paisaje no solo representan la naturaleza de un país, región o lugar en particular, sino que también transmiten en sus pinturas la percepción de la naturaleza por parte de una persona, siempre asociada con la cosmovisión y las experiencias del artista. Por ejemplo, en la famosa "Vladimirka" de I. Levitan, que representa el camino por el que en la época zarista los prisioneros eran conducidos a trabajos forzados, los sentimientos de pesadez, tristeza y profunda amargura parecían espesarse. En el paisaje de A. Savrasov "Han llegado los grajos", el espectáculo de la primavera rusa temprana inspira un sentimiento de esperanza brillante, tristeza ligera y reflexiva. También encontramos imágenes penetrantes de carácter nacional entre los artistas soviéticos. Entonces, maestros del paisaje soviético: G. Nissky, M. Saryan, S. Gerasimov y varios otros, mostraron maravillosamente en sus pinturas los cambios que los años del sistema soviético hicieron en la apariencia de su tierra natal, cantaron la poesía y la belleza de los nuevos tiempos.

francés la palabra "naturaleza muerta" significa traducido literalmente "naturaleza muerta". Los maestros de este género representan frutas, verduras, flores, muebles, etc. Sin embargo, las naturalezas muertas verdaderamente artísticas no son de ninguna manera una repetición ciega de las formas, líneas y colores de la naturaleza. Así como en los paisajes, las naturalezas muertas reflejan de manera única las ideas de los contemporáneos sobre la belleza, sus pensamientos y estados de ánimo.

En la sección soviética de la Galería Tretyakov hay naturalezas muertas de I. Mashkov “Comida de Moscú. Pan”, “Comida de Moscú. Carne, caza". Aquí el artista representa productos heroicos, poderosos, jugosos, burlones en su solemne esplendor. Cantó la abundancia de los dones de la tierra, su fertilidad, generosidad. Este carácter de la imagen habla con elocuencia de una visión del mundo que afirma la vida, un optimismo puro, tan característico del pueblo soviético. Características similares, aunque cada vez expresadas a su manera, podemos encontrarlas en las maravillosas naturalezas muertas de los artistas soviéticos P. Konchalovsky, M. Saryan y otros. Todos los géneros de pintura, cada uno a su manera, pueden expresar grandes ideas y sentimientos que emocionan a las personas.

Cómo escribir una pintura de caballete? En siglos pasados, varios tipos de madera servían como base, y en Oriente, además, la seda, el pergamino, el papel de arroz, etc. Los maestros modernos, por regla general, utilizan el lienzo como base. Para que el lienzo absorba y retenga la pintura, primero se pega y luego se imprima con una capa densa de una mezcla especial. Se aplica una imagen al lienzo imprimado con pinturas. Los artistas modernos suelen utilizar pinturas al óleo. Con mucha menos frecuencia, las pinturas se crean con acuarelas: acuarelas. Incluso menos utilizado pastel- pinturas prensadas en seco mezcladas con cola líquida.

Antes de tomar el pincel, el artista generalmente dibuja en bocetos preliminares (bocetos), y luego en el lienzo, las caras de los personajes, las formas de los objetos, los contornos de la situación, describe la construcción (composición) de la imagen futura. .

Luego estudia cuidadosamente en obras cuidadosamente ejecutadas de la naturaleza (estudios) las poses que necesita y los estados psicológicos de las personas, los muebles, la luz, y solo después de eso procede a crear la imagen en sí.

En última instancia, la idea del artista recibe una expresión completa y completa, y su imagen se convierte para nosotros en una fuente de gran alegría en el conocimiento de la vida.

Las imágenes de la pintura son muy claras y convincentes. Es capaz de transmitir volúmenes y espacios, naturaleza, encarnar ideas universales, hechos del pasado histórico y un vuelo de fantasía, revelar el complejo mundo de los sentimientos y el carácter humanos. La pintura puede ser de una sola capa (realizada inmediatamente) y multicapa, incluyendo pinturas base Y lijado aplicado a la capa de pintura seca capas transparentes y translúcidas de pintura.
Con ello se consiguen los más finos matices y matices de color.
La construcción del volumen y del espacio en la pintura está conectada con perspectiva lineal y aérea, propiedades espaciales de colores cálidos y fríos, modelado de luz y sombra de la forma, transferencia del fondo de color general del lienzo. Para crear una imagen, además del color, necesitas buen dibujo y composición expresiva. El artista, por regla general, comienza su trabajo con un lienzo buscando la solución más exitosa en bocetos. Luego, en numerosos bocetos pictóricos de la naturaleza, elaboró ​​los elementos necesarios de la composición.

PINTURA DE CABALLETE .
Las pinturas de caballete son aquellas que tienen un significado independiente (están escritas en el caballete). La pintura de caballete tiene muchos géneros.

Género (En francés "manera", "aspecto", "gusto", "costumbre", "género") - un tipo de obra de arte históricamente emergente y en desarrollo.
El género se puede anotar en el título de la imagen (aprox. "Pescadero").

Géneros de pintura de caballete:

Como se muestra en la imagen:
1.Retrato
2.Escenario
3.Naturaleza muerta
4.Hogar (género)
5.Histórico
6.Batalla
7.animalista
8.Bíblico
9.Mitológico
10.Cuento de hadas

1.Retrato - una imagen de una persona o grupo de personas que existe o existió en la realidad.
Tipos de retrato : medio cuerpo, hasta los hombros, hasta el pecho, retrato de cuerpo entero, retrato contra un paisaje, retrato en un interior (habitación), retrato con accesorios, autorretrato, retrato doble, retrato de grupo, retrato de pareja, retrato disfrazado , retrato en miniatura.

Según la naturaleza de la imagen, todos los retratos se pueden dividir en 3 grupos:
A ) retratos ceremoniales , por regla general, sugieren una imagen de cuerpo entero de una persona (a caballo, de pie o sentada), generalmente contra un paisaje o un fondo arquitectónico;
b) retratos a medio vestir (quizás no del todo completo, no hay antecedentes arquitectónicos);
V ) cámara retratos (íntimos), que utilizan el hombro, el pecho, la imagen de medio cuerpo, a menudo sobre un fondo neutro.

Retratistas rusos: Rokotov, Levitsky, Borovikovsky, Bryullov, Kiprensky, Tropinin, Perov, Kramskoy, Repin, Serov, Nesterov

2.Escenario (Francés "lugar", "país", "patria") - representa la naturaleza, el terreno, el paisaje.
tipos de paisajes : rural, urbano, marino (marina), urbano arquitectónico (veduta), industrial.
El paisaje puede ser lírico, heroico, épico, histórico, fantástico..

Pintores paisajistas rusos: Shchedrin, Aivazovsky, Vasiliev, Levitan, Shishkin, Polenov, Savrasov, Kuindzhi, Grobar y otros.

3.Naturaleza muerta (Francés "naturaleza muerta") - representa retratos originales de las cosas, su vida tranquila. Los artistas representan las cosas más ordinarias, muestran su belleza y poesía.

Artistas: Serebryakova, Falk

4.Género doméstico (pintura de género) - representa la vida cotidiana de una persona y nos familiariza con la vida de las personas de tiempos pasados.

Artistas: Venetsianov, Fedotov, Perov, Repin y otros.

5.género histórico - representa eventos históricos significativos, eventos del pasado, tiempos épicos. Este género a menudo se entrelaza con otros géneros: doméstico, batalla, retrato, paisaje..

Artistas: Losenko, Ugryumov, Ivanov, Bryullov, Repin, Surikov, Ge y otros.
Surikov, un destacado maestro de la pintura histórica: "La mañana de la ejecución de Streltsy", "Boyar Morozova", "Menshikov en Berezovo", "El cruce de los Alpes de Suvorov", "La conquista de Siberia por Yermak".

6.género de batalla - representa campañas militares, batallas, hechos de armas, operaciones militares.

7.género animal - representa el mundo animal.

PINTURA MONUMENTAL.

Siempre asociado a la arquitectura. Decora paredes y techos, pisos, aberturas de ventanas.

Tipos de pintura monumental(varía dependiendo de la técnica de ejecución):

1.Fresco (italiano "en crudo") - está escrito en yeso de cal crudo con pinturas (pigmento seco, tinte en polvo), diluido con agua. Cuando se seca, la cal libera una película de calcio muy delgada, que fija las pinturas debajo, hace que la pintura sea indeleble y muy duradera.

2.Pintura al temple - pinturas diluidas con huevo, cola de caseína o ligante sintético. Este es un tipo de pintura mural independiente y generalizado. A veces escriben con témpera sobre un fresco ya seco. Tempera se seca rápidamente y cambia de color a medida que se seca.

3.Mosaico (lat. "Dedicado a las musas") - pintura, dispuesta a partir de pequeños trozos de piedras de colores o smalt (vidrio de color opaco especialmente soldado)

4. Vitral (Francés "glaseado", del latín "vidrio") - pintura hecha de piezas de vidrio de color transparente, interconectadas por tiras de plomo (soldadura con plomo)

5.panel (francés "tablero", "escudo")
- a) una parte de una pared o techo (plafón), resaltada con un marco de estuco o adorno de cinta y rellena con pintura;
b) realizado con pinturas sobre lienzo, y luego pegado a la pared. Para paredes externas, el panel puede estar hecho de baldosas cerámicas.

ARQUITECTURA

Arquitectura - el arte de crear edificios y sus complejos que forman un entorno para la vida de las personas. Se diferencia de otros tipos de arte en que realiza no solo tareas ideológicas y artísticas, sino también prácticas.

tipos de arquitectura:
público (palacio);
residencial público;
planificación urbana;
restauracion;
jardinería paisajista (paisajismo);
industrial.

Medios expresivos de la arquitectura.:
composición del edificio;
escala;
ritmo;
claroscuro;
color;
naturaleza y edificios circundantes;
pintura y escultura.

1. Composición del edificio - la disposición de sus partes y elementos principales en una determinada secuencia . La composición del edificio es muy importante, ya que determina la impresión que da el edificio.. Al crear una composición arquitectónica, el arquitecto utiliza varias técnicas: la alternancia y combinación de diferentes espacios (abiertos y cerrados, iluminados y oscurecidos, comunicantes y aislados, etc.); varios volúmenes (alto y bajo, recto y curvilíneo, pesado y ligero, simple y complejo); elementos de superficies envolventes (planos y en relieve, sordos y calados, lisos y coloridos). La elección de la composición depende de para qué está destinado el edificio.

Tipos de composición:
- simétrico . La misma disposición de los elementos constructivos en relación con el eje de simetría, que marca el centro de la composición. Tales edificios eran característicos de la arquitectura de la era del clasicismo.
- Asimétrico . La parte principal del edificio se desplaza lejos del centro. Se utilizan varios volúmenes, que contrastan en forma, material y color, lo que conduce a una imagen arquitectónica dinámica. . característica de la construcción moderna.
Recepción de simetría y asimetría en la composición de elementos individuales, la disposición de columnas, ventanas, escaleras, puertas, etc.

2. Ritmo .Gran importancia organizadora en la composición arquitectónica pertenece al ritmo, es decir, una distribución clara de volúmenes y detalles de construcción que se repiten en un cierto intervalo (enfilada de habitaciones y salas, cambios sucesivos en los volúmenes de las habitaciones, agrupación de columnas, ventanas, esculturas )

tipos de ritmo:
-ritmo vertical . Alternancia de elementos individuales en la dirección vertical. Da al edificio la impresión de ligereza, aspiración hacia arriba.
- Ritmo Horizontal . La alternancia de elementos en la dirección horizontal hace que el edificio sea achaparrado, estable.
Al reunir y espesar detalles individuales en un lugar y descargarlos en otro, el arquitecto puede enfatizar el centro de la composición, darle al edificio un carácter dinámico o estático.

3. Escala . Relación proporcional del edificio y sus partes. Determina el tamaño de las partes individuales y los detalles del edificio en relación con el tamaño de todo el edificio como un todo, con la persona, el espacio circundante y otros edificios. La escala del edificio no depende del tamaño del edificio, sino de la impresión general que produce en la persona.

4. Claroscuro . Una propiedad que revela la distribución de áreas claras y oscuras en la superficie de la forma. Refuerza y ​​facilita la percepción visual de la forma arquitectónica, le da un aspecto más pintoresco. La iluminación artificial de los volúmenes del edificio se utiliza a nivel de calle, principal y de iluminación. La luz reflejada en el interior crea la ilusión de ligereza de las formas.

La peculiaridad de la arquitectura como arte es crear una unidad de composición arquitectónica a partir de una variedad de formas arquitectónicas. El medio más simple de crear unidad es dar al volumen del edificio una forma geométrica simple. En un conjunto complejo de un edificio, la unidad se logra por subordinación: las partes secundarias del edificio están subordinadas al volumen principal (centro compositivo). La tectónica es también una herramienta compositiva.

Tectónica-estructura constructiva del edificio revelada artísticamente.

5. Color . A menudo se usa en estructuras arquitectónicas, especialmente en espacios interiores (especialmente en edificios clásicos y barrocos). El interior moderno se caracteriza por colores brillantes y claros.

6. pintura y escultura Los medios artísticos para crear la unidad compositiva del edificio incluyen el arte monumental y aplicado, en particular la escultura y la pintura, cuya combinación con la arquitectura se denominó "síntesis de las artes".

7. Naturaleza circundante y edificios. .La arquitectura gravita hacia el conjunto. Para sus estructuras, es importante encajar en el paisaje natural (natural) o urbano (urbano). Las formas de arquitectura están determinadas: naturalmente (depende de las condiciones geográficas y climáticas, de la naturaleza del paisaje, la intensidad de la luz solar); socialmente (dependiendo de la naturaleza del sistema social, los ideales estéticos, las necesidades utilitarias y artísticas de la sociedad).

La arquitectura está estrechamente relacionada con el desarrollo de las fuerzas productivas y la tecnología. Ningún otro arte requiere tal concentración de esfuerzos colectivos y recursos materiales., por ejemplo: la Catedral de San Isaac fue construida por 500 mil personas durante 40 años.

La trinidad de la arquitectura: utilidad, fuerza, belleza. En otras palabras, estos son los componentes más importantes del conjunto arquitectónico: función, construcción, forma (Vitruvio, siglo I dC, teórico de la arquitectura romana antigua). La construcción se convirtió en arquitectura cuando el edificio conveniente adquirió una apariencia estética.

La arquitectura se originó en la antigüedad. En el antiguo Egipto, se crearon estructuras grandiosas en nombre de propósitos espirituales y religiosos.(tumbas, templos, pirámides). En la antigua Grecia, la arquitectura adquiere una apariencia democrática y los lugares de culto (templos) ya afirman la belleza y la dignidad de un ciudadano griego. Hay nuevos tipos de edificios públicos: teatros, estadios, escuelas. Y los arquitectos siguen principio humanista de la belleza, formulado por Aristóteles: "Lo bello no debe ser demasiado grande ni demasiado pequeño ". En la antigua Roma, los arquitectos utilizaron ampliamente estructuras abovedadas de arco hechas de hormigón. Nuevos tipos de edificios, foros, arcos triunfales y columnas reflejan las ideas de estado y poder militar.. En la Edad Media, la arquitectura se convierte en la principal y más popular forma de arte.. En las catedrales góticas aspirantes al cielo se expresaba un impulso religioso a Dios, y el apasionado sueño terrenal del pueblo sobre la felicidad. . La arquitectura del Renacimiento desarrolla sobre una nueva base los principios y formas de los clásicos antiguos, se introduce una nueva forma arquitectónica: el piso.El clasicismo canoniza las técnicas de composición de la antigüedad.

La unidad de la composición arquitectónica implica la unidad de estilo, que se crea mediante una combinación de características típicas del arte de una época determinada. Varios factores influyeron en el estilo de cada época: puntos de vista ideológicos y estéticos, materiales y técnicas de construcción, el nivel de desarrollo de la producción, las necesidades cotidianas y las formas artísticas.

Estilo - la suma de los elementos que revelan los rasgos de esta época.
Estilo - un conjunto históricamente establecido de medios y técnicas artísticas que caracterizan las características del arte de un tiempo determinado.
El estilo está presente en todas las formas de arte, pero se forma principalmente en la arquitectura. El estilo arquitectónico se formó durante décadas, o incluso siglos, por ejemplo, en el antiguo Egipto, el estilo se conservó durante 3 mil años, por lo que se denominó canónico (canon (norma, regla) - un conjunto de reglas que se desarrolló en el proceso de la práctica artística y está consagrado en la tradición).

Los principios básicos del estilo egipcio, característicos de todo el arte del Antiguo Egipto:
- unidad de imágenes e inscripciones jeroglíficas;
- imagen vertical de objetos y personas (menos significativa se representa en el plano de arriba);
- imagen línea por línea de escenas complejas con bandas horizontales;
- figuras de diferentes escalas, cuyo tamaño no depende de la ubicación en el espacio, sino del significado de cada una de ellas;
- la imagen de una figura humana, por así decirlo, desde diferentes puntos de vista (cara a cara) - el principio de aplanar la figura en un plano (cuando la cabeza y las piernas se representan de perfil, y el torso y los ojos Al frente).

CALENDARIO-PLANIFICACIÓN DE LECCIONES TEMÁTICAS.

La planificación calendario-temática depende de la edad de los alumnos. La opción ideal es la presencia de lecciones en los grados 5 (6) -11, el programa estatal de Yu. A. Solodovnikov y L. N. Predchetenskaya está diseñado para esto. Debe tenerse en cuenta que los detalles del trabajo en la gerencia media y alta son diferentes. . Los estudiantes de secundaria ya son capaces de percibir ideas generalizadas contenidas, por ejemplo, en el concepto de estilo, donde prevalece el fenómeno del principio "de lo general a lo particular". Los estudiantes de nivel medio, especialmente en los grados 5-6, no siempre están preparados para comprender el estilo, es decir, todavía no tienen la capacidad de ver el patrón general en muchos fenómenos específicos. Esta habilidad desarrolla gradualmente, por lo tanto, en el nivel medio, lecciones de "inmersión" en cualquier obra, evento, fenómeno, vida y camino creativo del autor, por ejemplo, "Mitos de la antigua Grecia", "El nacimiento de la ópera", "Florentine Kommerata" dará un mayor resultado. Estas clases pueden tomar la forma de dramatizaciones, juegos de negocios, concursos, disputas, etc. Al mismo tiempo, los estudiantes reciben información relacionada con personajes específicos, características de los medios expresivos de un arte en particular. La capacidad de ver patrones generales detrás de estos momentos "privados" surge en un nivel subconsciente. Pero las imágenes y situaciones específicas se recuerdan bien, vívidamente y durante mucho tiempo.
Más tarde, los estudiantes que han acumulado experiencia en la comunicación con obras de arte individuales, fenómenos culturales, adquieren la capacidad de realizar, formular y expresar un juicio generalizado. Este momento llega cuando el estudiante llega al 9° grado, con menos frecuencia al 8° grado. Los estudiantes de los grados 8 y 9 tienen percepciones diferentes. El grado 8 es la etapa del período de edad de transición, que se manifiesta de diferentes maneras. En un caso, los alumnos de octavo grado ya están preparados para un nivel de percepción más complejo, en el otro no lo están. Esta situación la decide el profesor en cada caso.
Si la escuela MHC estudia desde los grados 5 a 11, entonces el enfoque de dos etapas puede ser el más efectivo. Las lecciones en los grados 5-7 (8) son "inmersiones" emocionantes en el mundo de fenómenos específicos de la cultura, el arte, etc., utilizando formas de trabajo prácticas activas. Esto puede ser instigación, juegos, disputas, uso de programas de computadora, investigación usando Internet, trabajo de proyecto, cuestionarios, etc. Al mismo tiempo, se conserva el principio del historicismo: en la planificación temática, el maestro incluye obras clave y fenómenos culturales que reflejan las diversas etapas de su desarrollo. Es muy bueno si esto se combina con el curso de historia que los estudiantes toman en paralelo. Posible vinculación con las enseñanzas de bellas artes, literatura, música, etc.
El concepto elegido por el profesor como base puede definir diferentes materiales y actividades. Solodovnikov sugiere confiar en la mitología como posible principio para la organización de un objeto. Pero también son posibles otros principios.
Habiendo llegado a la segunda etapa, teniendo conocimiento sobre un fenómeno cultural específico, los estudiantes de los grados 9-11 pueden volver a recorrer este camino, pero desde el punto de vista de los estilos, las características de la imagen artística en una época particular. Las ideas separadas obtenidas anteriormente se agregan a un solo sistema de relaciones, las causas y los efectos se vuelven claros.

Al compilar un programa para los grados 6-8, el maestro puede tomar como base el contenido del curso opcional del MHC Danilova, donde el maestro puede elegir del material extenso y diverso lo que más se acerque a él y cumpla con las condiciones de su trabajar.
También es posible planificar lecciones de MHK en el nivel medio, cuando el principio concéntrico opera en cada clase, es decir, en cada clase, los estudiantes repasan constantemente temas relacionados con el arte del Mundo Antiguo, la Edad Media, Oriente, Rusia, el Renacimiento, etc.

- este es uno de los principales tipos de bellas artes; es una representación artística del mundo objetivo con pinturas de colores en la superficie. La pintura se divide en: de caballete, monumental y decorativa.

- representada principalmente por obras realizadas con pinturas al óleo sobre lienzo (cartón, tablas de madera o desnudo). Es la forma más popular de pintura. Es esta forma la que generalmente se aplica al término " cuadro".

es una técnica de dibujo en paredes en el diseño de edificios y elementos arquitectónicos en edificios. Especialmente común en Europa fresco - pintura monumental sobre yeso húmedo con pinturas hidrosolubles. Esta técnica de dibujo es muy conocida desde la antigüedad. Posteriormente, esta técnica se utilizó en el diseño de muchos templos religiosos cristianos y sus bóvedas.

pintura decorativa - (de la palabra latina de decoro - decorar) es una forma de dibujar y aplicar imágenes a objetos y detalles interiores, paredes, muebles y otros elementos decorativos. Se refiere a las artes y oficios.

Las posibilidades del arte pictórico se revelan con especial claridad en la pintura de caballete del siglo XV, desde el momento de la masificación de las pinturas al óleo. Es en él que está disponible una variedad especial de contenido y una profunda elaboración de forma. En el corazón de los medios artísticos pictóricos están los colores (las posibilidades de los colores), en unidad inseparable con el claroscuro y la línea; el color y el claroscuro se desarrollan y desarrollan mediante técnicas de pintura con una plenitud y un brillo inaccesibles a otras formas de arte. Esta es la razón de la perfección del modelado volumétrico y espacial inherente a la pintura realista, la transmisión viva y precisa de la realidad, la posibilidad de realizar las tramas concebidas por el artista (y los métodos de construcción de las composiciones), y otras virtudes pictóricas.

Otra diferencia en las diferencias en los tipos de pintura es la técnica de ejecución según los tipos de pinturas. No siempre es suficiente características comunes para determinar. La frontera entre pintura y gráfica en cada caso particular: por ejemplo, las obras realizadas en acuarela o pastel pueden pertenecer a ambas áreas, según el enfoque del artista y las tareas que se le asignen. Aunque los dibujos sobre papel están relacionados con los gráficos, el uso de diversas técnicas pictóricas a veces desdibuja la distinción entre pintura y gráficos.

Debe tenerse en cuenta que el término semántico "pintura" en sí mismo es una palabra del idioma ruso. Se tomó como término durante la formación de las bellas artes en Rusia durante la era barroca. El uso de la palabra "pintura" en ese momento se aplicaba solo a cierto tipo de representación realista con pinturas. Pero originalmente proviene de la técnica de pintura de íconos de la iglesia, que usa la palabra "escribir" (refiriéndose a escribir) porque esta palabra es una traducción del significado en los textos griegos (aquí hay tales "dificultades de traducción"). El desarrollo en Rusia de su propia escuela de arte y la herencia del conocimiento académico europeo en el campo del arte, desarrolló el alcance de la palabra rusa "pintura", inscribiéndola en la terminología educativa y el lenguaje literario. Pero en el idioma ruso, se formó una característica del significado del verbo "escribir" en relación con la escritura y los dibujos.

géneros de pintura

En el curso del desarrollo de las bellas artes, se formaron varios géneros clásicos de pintura, que adquirieron sus propias características y reglas.

Retrato- Esta es una imagen realista de una persona en la que el artista intenta lograr la semejanza con el original. Uno de los géneros más populares de la pintura. La mayoría de los clientes utilizaron el talento de los artistas para perpetuar su propia imagen o, queriendo obtener una imagen de un ser querido, familiar, etc. Los clientes buscaban obtener una semejanza de retrato (o incluso embellecerlo) dejando una encarnación visual en la historia. Los retratos de varios estilos son la parte más masiva de la exposición de la mayoría de los museos de arte y colecciones privadas. Este género también incluye un tipo de retrato como Auto retrato - una imagen del propio artista, escrita por él mismo.

Escenario- uno de los géneros pictóricos populares en los que el artista busca mostrar la naturaleza, su belleza o peculiaridad. Los diferentes tipos de naturaleza (el estado de ánimo de la estación y el clima) tienen un vívido impacto emocional en cualquier espectador; esta es una característica psicológica de una persona. El deseo de obtener una impresión emocional de los paisajes ha hecho de este género uno de los más populares en la creación artística.

- este género es en muchos aspectos similar al paisaje, pero tiene una característica clave: las pinturas representan paisajes con la participación de objetos arquitectónicos, edificios o ciudades. Una dirección especial son las vistas de las calles de las ciudades que transmiten la atmósfera del lugar. Otra dirección de este género es la imagen de la belleza de la arquitectura de un edificio en particular: su apariencia o la imagen de sus interiores.

- un género en el que la trama principal de las pinturas es un evento histórico o su interpretación por parte del artista. Curiosamente, este género incluye una gran cantidad de pinturas sobre un tema bíblico. Desde la Edad Media, las escenas bíblicas se consideraban hechos "históricos" y la iglesia era el principal cliente de estas pinturas. Las escenas bíblicas "históricas" están presentes en la obra de la mayoría de los artistas. El renacimiento de la pintura histórica se produce durante el neoclasicismo, cuando los artistas recurren a conocidas tramas históricas, hechos de la antigüedad o leyendas nacionales.

- refleja escenas de guerras y batallas. Una característica no es solo el deseo de reflejar un hecho histórico, sino también transmitir al espectador la exaltación emocional de la hazaña y el heroísmo. Posteriormente, este género también se vuelve político, permitiendo que el artista transmita al espectador su visión (su actitud) sobre lo que está sucediendo. Podemos ver un efecto similar de un acento político y la fuerza del talento del artista en el trabajo de V. Vereshchagin.

- Este es un género de pintura con composiciones de objetos inanimados, utilizando flores, productos, utensilios. Este género es uno de los más recientes y se formó en la escuela holandesa de pintura. Quizás su aparición se deba a la peculiaridad de la escuela holandesa. El apogeo económico del siglo XVII en Holanda provocó el deseo de lujo asequible (pinturas) en un número significativo de la población. Esta situación atrajo a Holanda a un gran número de artistas, provocando una intensa competencia entre ellos. Los modelos y talleres (personas con ropa adecuada) no estaban disponibles para los artistas pobres. Dibujando cuadros para la venta, utilizaban medios improvisados ​​(objetos) para componer cuadros. Esta situación en la historia de la escuela holandesa es la razón del desarrollo de la pintura de género.

Pintura de género - la trama de las pinturas son escenas cotidianas de la vida cotidiana o de vacaciones, generalmente con la participación de la gente común. Además de la naturaleza muerta, se generalizó entre los artistas holandeses en el siglo XVII. Durante el período del romanticismo y el neoclasicismo, este género toma un nuevo nacimiento, las pinturas tienden no tanto a reflejar la vida cotidiana como a romantizarla, a introducir un cierto significado o moralidad en la trama.

Puerto pequeño- un tipo de paisaje que representa vistas al mar, paisajes costeros con vistas al mar, amaneceres y atardeceres en el mar, barcos o incluso batallas navales. Aunque hay un género de batalla separado, las batallas navales aún pertenecen al género de la marina. El desarrollo y popularización de este género también se puede atribuir a la escuela holandesa del siglo XVII. Fue popular en Rusia gracias al trabajo de Aivazovsky.

- una característica de este género es la creación de pinturas realistas que representan la belleza de animales y pájaros. Una de las características interesantes de este género es la presencia de pinturas que representan animales inexistentes o míticos. Los artistas que se especializan en imágenes de animales se llaman animalistas.

historia de la pintura

La necesidad de una imagen realista ha existido desde la antigüedad, pero tenía una serie de desventajas debido a la falta de tecnología, una escuela sistemática y educación. En la antigüedad, a menudo se pueden encontrar ejemplos de pintura aplicada y monumental con la técnica de pintura sobre yeso. En la antigüedad, se le dio más importancia al talento del artista intérprete o ejecutante, los artistas estaban limitados en la tecnología de hacer pinturas y la oportunidad de recibir una educación sistemática. Pero ya en la antigüedad se formaron conocimientos y obras especializadas (Vitruvio), que serán la base de un nuevo florecimiento del arte europeo en el Renacimiento. La pintura decorativa recibió un desarrollo significativo durante la antigüedad griega y romana (la escuela se perdió en la Edad Media), cuyo nivel se alcanzó solo después del siglo XV.

Pintura de un fresco romano (Pompeya, siglo I a. C.), ejemplo del estado del arte de la pintura antigua:

La "Edad Oscura" de la Edad Media, el cristianismo militante y la Inquisición conducen a la prohibición del estudio del patrimonio artístico de la antigüedad. Se prohíbe la vasta experiencia de los maestros antiguos, el conocimiento en el campo de las proporciones, la composición, la arquitectura y la escultura, y muchos tesoros artísticos se destruyen debido a su dedicación a las deidades antiguas. El retorno a los valores del arte y la ciencia en Europa ocurre solo durante el Renacimiento (renacimiento).

Los artistas del Renacimiento temprano (renacimiento) tienen que ponerse al día y revivir los logros y el nivel de los artistas antiguos. Lo que admiramos en el trabajo de los primeros artistas del Renacimiento fue el nivel de los maestros de Roma. Un claro ejemplo de la pérdida de varios siglos de desarrollo del arte (y la civilización) europea durante la "edad oscura" de la Edad Media, el cristianismo militante y la Inquisición: ¡la diferencia entre estas pinturas de 14 siglos!

El surgimiento y la difusión de la tecnología de hacer pinturas al óleo y la técnica de dibujar con ellas en el siglo XV da lugar al desarrollo de la pintura de caballete y un tipo especial de producción artística: pinturas al óleo en color sobre lienzo imprimado o madera.

La pintura recibió un gran salto en el desarrollo cualitativo en el Renacimiento, en gran parte debido al trabajo de Leon Battista Alberti (1404-1472). Primero sentó las bases de la perspectiva en la pintura (el tratado "Sobre la pintura" en 1436). A él (su trabajo sobre la sistematización del conocimiento científico) la escuela de arte europea le debe la aparición (renacimiento) de una perspectiva realista y proporciones naturales en las pinturas de los artistas. El famoso y familiar dibujo de Leonardo da Vinci "Hombre de Vitruvio"(proporciones humanas) de 1493, dedicado a la sistematización del antiguo conocimiento de Vitruvio sobre las proporciones y la composición, fue creado por Leonardo medio siglo después del tratado de Alberti "Sobre la pintura". Y el trabajo de Leonardo es una continuación del desarrollo de la escuela de arte europea (italiana) del Renacimiento.

Pero la pintura recibió un desarrollo brillante y masivo, a partir de los siglos XVI y XVII, cuando la técnica de la pintura al óleo se generalizó, aparecieron varias tecnologías para hacer pinturas y se formaron escuelas de pintura. Es el sistema de conocimiento y educación artística (técnica del dibujo), combinado con la demanda de obras de arte de la aristocracia y los monarcas, lo que conduce al rápido florecimiento de las bellas artes en Europa (período barroco).

Las posibilidades financieras ilimitadas de las monarquías, la aristocracia y los empresarios europeos se convirtieron en un terreno excelente para el desarrollo posterior de la pintura en los siglos XVII-XIX. Y el debilitamiento de la influencia de la iglesia y el estilo de vida secular (multiplicado por el desarrollo del protestantismo) permitió el nacimiento de muchos temas, estilos y tendencias en la pintura (barroca y rococó).

En el curso del desarrollo de las bellas artes, los artistas han formado muchos estilos y técnicas que conducen al más alto nivel de realismo en las obras. A fines del siglo XIX (con el advenimiento de las tendencias modernistas), se iniciaron interesantes transformaciones en la pintura. La disponibilidad de la educación artística, la competencia masiva y las altas demandas de habilidad de los artistas por parte del público (y compradores) dan lugar a nuevas direcciones en las formas de expresión. Las bellas artes ya no están limitadas solo por el nivel de la técnica de interpretación, los artistas se esfuerzan por aportar significados especiales, formas de "mirar" y filosofía a las obras. Lo que muchas veces va en detrimento del nivel de rendimiento, se convierte en especulación o en una forma de escándalo. La variedad de estilos emergentes, las animadas discusiones e incluso los escándalos dan lugar al desarrollo del interés por nuevas formas de pintura.

Las tecnologías modernas de dibujo por computadora (digital) están relacionadas con los gráficos y no se pueden llamar pintura, aunque muchos programas y equipos de computadora le permiten repetir completamente cualquier técnica de pintura con pinturas.

, cartón, cartón, papel, seda), e implica una percepción independiente y no condicionada del entorno.

Los materiales principales de la pintura de caballete son las pinturas al óleo, al temple y acuarela, gouache, pastel, acrílico. En el Lejano Oriente, la pintura con tinta (principalmente monocromática), a menudo integrando caligrafía, se ha generalizado predominantemente.

El monotipo ocupa un lugar especial, una técnica de pintura de pseudoimpresión, que utiliza el método de aplicar una capa de pintura sobre papel, que es característico del grabado, imprimiendo desde un tablero (metal, plástico, vidrio).

El cuadro europeo, por regla general, está separado del entorno por un marco o paspartú, la tradición oriental deja el cuadro en una hoja o rollo, a veces duplicándolo sobre una base decorativa.

La pintura de caballete es uno de los principales tipos de bellas artes, el más rico en géneros y estilos.

La pintura de caballete se enseña en escuelas y estudios de arte, en escuelas secundarias de arte e institutos de arte, el más grande de los cuales en Rusia se encuentra en San Petersburgo, la Escuela de Arte de Ryazan. G.K. Wagner en Riazán y en Moscú.

Fundación Wikimedia. 2010 .

Vea qué es "Pintura de caballete" en otros diccionarios:

Un tipo de pintura que, a diferencia de lo monumental, no está relacionado con la arquitectura, tiene un carácter independiente. Las pinturas de caballete (pinturas) se pueden transferir de un interior a otro, que se muestran en otros países. El término... ... Enciclopedia de arte

Un tipo de bellas artes cuyas obras se crean utilizando pinturas aplicadas a una superficie dura. En las obras de arte creadas por la pintura, se utilizan el color y el dibujo, el claroscuro, la expresividad... ... Enciclopedia de arte

Un tipo de bellas artes cuyas obras se crean utilizando pinturas aplicadas a una superficie. La pintura es un medio importante de reflexión artística e interpretación de la realidad, que influye en los pensamientos y sentimientos de la audiencia. Gran diccionario enciclopédico

Y; y. 1. Arte visual que reproduce objetos y fenómenos del mundo real con la ayuda de pinturas. Óleo, acuarela J. aceite. retrato, paisaje género, batalla Participa en la pintura. Interesado en la pintura. Lecciones… … diccionario enciclopédico

cuadro- y, sólo unidades, f. 1) Un tipo de bellas artes que reproduce objetos y fenómenos del mundo real con la ayuda de pinturas. Pintura de acuarela. Pintura de retrato. La historia del desarrollo de la pintura. 2) recogido. Obras de este tipo de arte. Exhibición… … Diccionario popular de la lengua rusa.

CUADRO- un tipo de bellas artes, cuyas obras se crean en un plano utilizando pinturas y materiales coloreados. El sistema de combinaciones cromáticas (color) permite transmitir los más finos matices de la realidad, y en general pictórica... Sabiduría euroasiática de la A a la Z. Diccionario explicativo

Pintura antigua- pintura con pinturas a la cera (encáustica) o al temple sobre yeso, mármol, piedra caliza, madera, arcilla; Se conocen pinturas de sociedades y edificios residenciales, criptas, lápidas, así como productos. pintura de caballete. Bolyp en los monumentos de otros gr. cuadro... ... Mundo antiguo. Referencia del diccionario.

cuadro- ▲ arte a través, arte de pintura de tono de color que representa la realidad con pintura. pintura de caballete: la pintura es una obra de pintura. lienzo. lienzo. díptico. tríptico. pintura decorativa monumental: pintura mural, ... ... Diccionario ideográfico de la lengua rusa

PINTURA, y, para mujeres. 1. Creación de bellas artes de imágenes artísticas con la ayuda de pinturas. Clases de pintura. Escuela de pintura. 2. recogido Obras de este arte. Ferrocarril de pared Ferrocarril de caballete | adj. pintoresco, guau. Taller de pintura. ... ... Diccionario explicativo de Ozhegov

Un tipo de bellas artes, obras de arte que se crean utilizando pinturas aplicadas a una superficie dura. Al igual que otros tipos de arte (Ver Arte), Zh. realiza tareas ideológicas y cognitivas, y ... Gran enciclopedia soviética

Libros

• Giotto de Bondone. Pintura de caballete, Yuri Astakhov, La era del Prerrenacimiento dio vida al arte humanista de Giotto di Bondone. Sus frescos aseguraron la gloria del primer maestro de la época para el artista. En gran medida, determinó... Categoría: Artistas extranjeros Serie: Obras Maestras de la Pintura Editor:

Según una antigua leyenda, la pintura se originó a partir de una niña en la antigüedad, cuando rodeó la sombra de su amado hombre en la pared. Bueno, esta leyenda tiene un significado profundo, porque el comienzo de la pintura dio precisamente la necesidad de un retrato de una persona.

Retrato, naturaleza muerta, paisaje, trama: estos son géneros relacionados con la pintura de caballete. ¿Y por qué precisamente "pintura de caballete"? Esto se debe a que el nombre proviene de la palabra “máquina”, es decir, Esta es una pintura hecha en un caballete.

Por cierto, la palabra caballete (de "Malbrett") tiene raíces alemanas y significa "tablero de dibujo".

La pintura de caballete es un tipo de pintura que no depende de ningún objeto y es un arte completamente autónomo. Por ejemplo, está la pintura monumental, que está ligada a las estructuras arquitectónicas. Se trata de la decoración de paredes, techos y otros edificios. Hay pintura decorativa - pintura de vasos, ropa, platos, muebles, etc. Pero la pintura de caballete se percibe como una unidad independiente. Es como una ventana a otra realidad o tiempo.

Los artistas más famosos de esta pintura son: Pablo Picasso, Vincent van Gogh, Ivan Aivazovsky, Mikhail Vrubel, Diego Velázquez y otros.

4 géneros principales de pintura de caballete

¡El mundo de la pintura es enorme! Y para distinguirlos de alguna manera, comenzaron a aparecer géneros de pintura de caballete, que ayudaron a los artistas a navegar en su campo y generalizar las características artísticas.

Interesante! Hubo una vez en que cada género tenía su propio rango. Los géneros de paisaje y retrato fueron considerados los más bajos, y el género narrativo de la variedad histórica fue el mejor valorado. Ya entonces, el famoso Voltaire consideraba injustas estas actitudes. Para él, todos los géneros eran buenos, excepto los aburridos.

1. Retrato.

El artista de este género se enfrenta a una tarea difícil. Para pintar un retrato de una persona, debe tener experiencia y habilidad madura. Parece que es fácil, pero el retrato no solo debe ser similar al original, sino también estar vivo.

Como dijo Kramskoy - "sería necesario escribir como si estuviera sonriendo, o no, ahora cómo temblaban los labios, en una palabra, el diablo sabe qué, ¡viva!".

Recuerde, probablemente haya visto retratos que representan a una persona con una semejanza exacta. Pero algo en él no estaba bien, como si hubiera sido reemplazado. Similar, pero no similar. ¿Familiar?

Esto se debe a que es necesario no solo dibujar con precisión las formas del rostro de una persona, sino también sentir su mundo interior y, mejor aún, conocer bien a la persona. Ahí es cuando puedes transferir completamente a la persona "viva" al lienzo, lo que se llama personalidad. Puedes verificar estas palabras mirando los retratos de Velásquez, Serov, Rembrandt o Repin.

2. Paisaje.

En este género, el artista traslada al espectador la plenitud de experiencias y emociones desde la percepción de la naturaleza: vistas al mar, paisajes, edificios, etc. El artista no solo representa la naturaleza de un lugar determinado, sino que también pone en la imagen su visión del mundo, el estado de ánimo y el pensamiento asociado con el objeto.

Interesante! Si recordamos la famosa "Vladimirka" de I. Levitan, la imagen evoca inmediatamente algún tipo de sentimiento de pena, tristeza y pesadez. Pero la imagen muestra el camino por el que se conducía a los prisioneros a trabajos forzados en la época zarista.

Es imposible no mencionar a los maestros del paisaje soviético:

• M. Saryan;
• G. Nissky;
• S. Gerasimov.

3. Trama

Hay 5 subespecies de pintura narrativa: histórica, cotidiana, mitológica, religiosa y de batalla. Este género requiere que el artista restaure la plenitud de los eventos: la atmósfera, las personas, las prioridades de la vida, el tiempo, los sentimientos, etc. Es como si un pintor estuviera retomando un fragmento del pasado, pero muy brillante y preciso.

Algunas imágenes de este género pueden ser fácilmente percibidas por una persona. Y otros pueden requerir algún conocimiento en la materia y atención especial (por ejemplo, pinturas religiosas o mitológicas).

Las subespecies históricas y de batalla están relacionadas. El pintor representa la primera subespecie como si la imagen fuera un portal al pasado, que muestra todos los problemas de esa época: la vida, los prejuicios y las creencias. En el segundo subtipo, el artista intenta transmitir el ambiente hostil, la vida militar, la lucha por la patria, el coraje de los soldados y el patriotismo del pueblo.

En cuanto a las subespecies cotidianas, aquí el maestro enfoca nuestra atención en las cosas cotidianas de la vida cotidiana para que en la imagen se perciban de una manera nueva e inusual.

Los personajes de Anatoly Kozelsky se recuerdan con una sonrisa: guau, tanto humor y fantasía, ¡increíble!

4. Naturaleza muerta.

Esta palabra francesa significa "naturaleza muerta". El pintor de este género representa objetos inanimados: comida, interior, flores, etc. Pero esto no es de ninguna manera una repetición ciega de la forma y el color del objeto, el artista también deja sus pensamientos, estados de ánimo y experiencias en la imagen.

En sus naturalezas muertas "Comida de Moscú. Carne, Caza" y "Comida de Moscú. Pan" I. Mashkov transmite su admiración y júbilo por los dones de la naturaleza, así como la mirada que afirma la vida y el optimismo que siempre ha sido característico de la Unión Soviética. gente.

¿Cómo pintan los maestros un cuadro de caballete?

Clásicos de la pintura de caballete - lienzo, óleo o témperas. A veces se utilizan pasteles, acuarelas, gouache e incluso tinta (en el Lejano Oriente). Bueno, en ninguna parte sin el viejo caballete. Ya han pasado siglos, y este sigue siendo el mismo instrumento de tres o cuatro patas.

Por cierto, ¿sabías que en siglos pasados ​​la madera se utilizaba como base para la pintura de caballete? En Occidente, los artistas tomaron papel de arroz, seda y pergamino. Pero ahora, claro, es un lienzo encolado e imprimado.

Históricamente sucedió que la mayoría de las veces el cuadro está pintado al óleo. Las pinturas conservan su brillo y color durante mucho tiempo.

Las pinturas al temple también se utilizan con no menos frecuencia. Se caracterizan por un secado uniforme y no se agrietan (craquelado), como puede ocurrir con algunas pinturas al óleo. El temple es una técnica estricta y dura. Por ejemplo, para la transición de tonos, el pintor impone una capa sobre otra, y el volumen se revela cambiando el tono del pigmento o matizando.

Finalmente

¡Un maestro experimentado no toma inmediatamente un pincel y comienza a crear obras maestras! Primero, el artista comienza con un boceto, luego se ocupa de los contornos del entorno, las formas de los objetos y la construcción de la imagen futura (composición).

Cuando está listo, el artista procede a estudiar a las personas, el escenario, las poses adecuadas, la luz, la actitud mental, etc. Todo esto le permite al artista poner la imagen terminada en su cabeza, luego de lo cual comienza a pintar. Sólo así el cuadro cobra vida y se convierte en objeto de nuestra admiración.

PAG. S. Unas palabras sobre la enseñanza de la pintura de caballete.

En Rusia, la pintura de caballete se enseña en la Escuela de Arte GK Wagner (Ryazan), en el Instituto V. Surikov (Moscú) y en el Instituto E. Repin (San Petersburgo).