Sandro Botticelli Descripción La Virgen y el Niño. Sandro Botticelli - biografía y pinturas del artista en el género del Renacimiento temprano - Art Challenge

madonna botticelli

Esta es una historia triste. No hay una palabra en los versos sobre lo que sucedió. Poemas, en general.

Por supuesto, me complace que estos poemas enamoraran a la brigada. Me gustaron otros también. Pero, creo, más porque me trataron bien. Y estos ... Todos vieron la imagen, sobre la cual escribí poesía. Virgen y el Niño. No inventó nada.

En la hacienda dejada por los enemigos, Entre las pinturas, entre los marcos antiguos Del lienzo en un pesado marco dorado, la Virgen nos sonrió en silencio.

Me quité el casco acanalado frente a ella, lo apreté contra mi pecho en oración.

Las batallas brutalizaron a los petroleros. Olvidaron de repente lo que les espera por delante.

Sólo sobre el calor. Sobre un cuerpo femenino suave, Todos soñaban con el mundo en ese momento. Para esto, probablemente, Botticelli creó a la guapa Madonna.

Por este silencio. Para el deleite de los Hombres que han olvidado lo que es una casa. Más claramente que el organizador de la fiesta del batallón, Madonna nos dijo que sería una misericordia ser heridos, que de nuevo deberíamos sumergirnos en el fuego de los ataques, para llevar la salvación a los bebés, para hacer que las mujeres sonrieran así.

De los ojos de la Virgen cálidos y radiantes Con gran dificultad apartando los ojos, volví a ponerme mi casco de tanque acanalado, Engrasé mi traje de caballero.

Todo fue así. ¡Nuestros muchachos comenzarían a memorizar estos versículos si encontraran una gota de falsedad en ellos!

No los escribí cuando vimos la imagen, no en la finca, sino ya en el banquillo. Pero ha pasado un poco de tiempo. Alrededor de una semana. Tal vez diez días.

El comandante del coche de un pelotón vecino se les ocurrió música. Quería que fuera la marcha de nuestra empresa. Solo que en lugar de una marcha, por alguna razón, resultó ser una canción triste. Ya había algo escuchado, familiar en eso, pero aún así obtuvo una buena canción.

No, nada en estos versos es inventado. No escribí solo que la Virgen no estaba sola, sino con un bebé. Pero el bebé era, por así decirlo, parte de la Virgen.

Es solo que no me gustan estos versos ... Yo mismo no puedo entender lo que no me gusta.

En el frente, los poemas eran para mí como los muchachos del carruaje. soldados Y estos versos eran diferentes de otros. También como soldados. Pero no en la vida cotidiana, sino en el desfile. Las mismas personas, la misma esencia, los mismos deseos. Pero en la vida cotidiana no son tan elegantes. Estos poemas eran diferentes a todos los demás que escribí ese otoño.

La ofensiva se desvaneció. La infantería se atrincheró y tomó posiciones defensivas. Nos llevaron a la retaguardia. Nos instalamos en una lujosa finca. En la mismísima en la que vimos esta foto. Pero se permitirá que dos camiones cisterna permanezcan en la propiedad. Nos arrestaron. No los alemanes, los suyos. Cuartel General del Cuerpo de Fusileros. Es una pena, por supuesto. Pero no llores por eso. Incluso antes de la guerra no vivíamos en haciendas.

Construyeron refugios. Los equipó. Se llevaron algo de la finca. Tomé la foto. Éste. Madona Botticelli. Fue el comandante del batallón quien nos dijo que Madonna fue pintada por Botticelli.

El capitán había sido ingeniero antes de la guerra. Una persona muy culta. Terriblemente odiaba a los juradores. ¡En una brigada de tanques! Y en general, estaba preocupado de que nosotros, la generación más joven, no saldríamos de la guerra endurecidos, con un intelecto primitivo, eso es lo que dijo. Al capitán le gustó que de toda la basura, y sus ojos se abrieron como platos en la propiedad, elegí esta foto en particular.

¿No es comprensible? Más recientemente, en octavo y noveno grado, coleccioné postales con reproducciones de pinturas. Botticelli no se cruzó conmigo. Cada vez más Shishkin y Brodsky. No he estado en las grandes ciudades. Leí que hay galerías de arte en el mundo. Pero, ¿qué son? ¿Quizás esta propiedad era una galería de arte? Lo único que no estaba colgado allí.

Pero por alguna razón, de todas las imágenes con cazadores, con magníficos castillos entre árboles de color marrón verdoso, por alguna razón, de todo este esplendor, elegí una imagen pequeña y tenue. Sólo una mujer con un bebé. Pero me encantó esta foto!

Ese día, el niño jefe nos visitaba en el banquillo. Jugó con nosotros en el "baldu". maniobra educativa. Un jugador que juega a la "balda" debe conocer bien la gramática. Por lo general, gana el que tiene más vocabulario.

Nos sentamos en una gran mesa ovalada de palisandro que ocupaba todo el espacio disponible. Las sillas también son macizas, con respaldos tallados. Hay una alfombra gruesa en el suelo, ya bastante sucia de arcilla. Otra alfombra con brillantes adornos orientales cubría el sofá. Sacamos toda esta basura de la finca incluso antes de cubrir el refugio con un techo. Dos pequeñas ventanas a los lados de la puerta. tenuemente Durante toda una semana, las frías lluvias prusianas cayeron sin cesar. es triste Bebería. Y lo más importante: hay algo en stock. ¿Cómo te atreves en presencia del capitán? Por supuesto, él no es nuestro jefe. Pero una persona muy correcta es nuestro chico principal.

Por la mañana, una comisión del departamento político del frente recorre la brigada. Sobre todo, dicen, algunos coronel se quejan. Bestia, dicen. Pero estamos a la orden. Estamos a la espera de la reposición. Estamos aprendiendo poco a poco. Un caso bien conocido es el de una brigada en formación. Anhelo.

La comisión llegó de repente, a pesar de que estábamos esperando su llegada. El coronel bajó a nuestro refugio. Uno tan corpulento. Como nuestros muebles. Detrás de él está el oficial de guardia de la brigada y dos oficiales más del departamento político.

Mandé e informé. Intentó. Mostró la solución. Inmediatamente se dio cuenta de quién era y qué le gustaría. Por favor. no lo sentimos

El chico principal explicó sobre la "balda". Al Coronel le gustó menos que mi informe. Dijo que sería mejor hacer formación política. Pero lo dijo, no de manera ordenada.

Miró la tierra. Como aprobación. Estaba a punto de irse. Y de repente se le salieron los ojos.

Solo señala con el dedo la imagen y se queda en silencio, ahogándose de ira.

Y la imagen está en el techo sobre el sofá a mi cabeza, en la esquina derecha de la entrada. Está oscuro allí. Además, está en el fondo de un amplio marco de varias etapas con dorados desteñidos.

El coronel se queda mudo de ira y apoya el dedo en el aire.

Y Madonna sonríe. Es bueno sonreír así. Sostiene a un bebé en sus brazos y sonríe. Bien.

Y seguimos sin entender nada. Y los oficiales del departamento político, ya ves, tampoco entienden.

Y entonces el coronel estalló: - ¿Quién permitió el icono en el banquillo de los oficiales? Está loco, ¿verdad? ¿Qué pasa con el icono? Y en general, ¿qué tipo de icono puede tener un judío? Sí, incluso un ateo tan convencido. Pero ni siquiera podía abrir la boca.

Todo esto sucedió más rápido que un tiro. El coronel arrebató una finka con un mango de composición tipográfica de debajo del dobladillo de su túnica, se precipitó sobre el sofá y golpeó a la Virgen con un cuchillo: r-time. Jadeé. Es como si me pusieran una aleta. No necesitaba ningún trofeo. Traje solo una Madonna de la finca. ¿Por qué es así?

Bueno, ¡qué pasó después! El oficial al mando se acercó al coronel. Y se para con un Finn en sus manos y bocanadas. Nunca antes habíamos visto un capitán así. Uno tan terrible. Pálido. Y de repente ¡qué éxito! El coronel se derrumbó. Mientras se levantaba, se derrumbó. Ni siquiera se dobló en ninguna articulación. Bueno, te lo diré, ¡golpe! ¡Aquí hay un intelectual!

El coronel miente, no se mueve. No sabemos si está vivo o muerto. Y todos estábamos entumecidos. Y un oficial de brigada. Y oficiales del departamento político. ¡Es una broma! ¡El capitán le dio en la cara al coronel en público! ¡Y qué coronel!

Bueno, y cuando el coronel se levantó de un salto y sacó una pistola, entonces, eso significa que recuperé el sentido. Y la herida infligida a la Virgen dolía tanto, sangraba tanto en mí, y los anillos brillantes del mango tipográfico del cuchillo que yacía sobre la alfombra sucia me cortaban los ojos tanto que no podía hablarse de ninguna subordinación. En tal situación, ya no entienden quién es teniente y quién es coronel. Tomamos el arma. Manos torcidas. Lo ataron, al búfalo, con un cable telefónico y lo tiraron a la pata de la mesa. Los oficiales políticos, gracias a Dios, se dieron cuenta de que si los oficiales de las tripulaciones eran brutalizados, entonces era mejor no tratar con ellos. Ni siquiera me di cuenta cuando salieron del banquillo.

Dos horas más tarde, vino a nosotros un miembro del consejo militar en persona, un teniente general. Y con él, nuestro comandante de brigada. Y un montón de otros grandes jefes. Sólo entonces el coronel fue desatado. Quería decirle algo al general, pero el general lo miró muy mal. Si miras el fondo, ¿qué castigo podría ser peor que meter a un hombre en un tanque y ordenarle que ataque? Y, sin embargo, no me gustaría que me miraran así.

El jefe asumió toda la culpa. Y el general solo sacudió la cabeza con reproche y dijo algo completamente diferente y no como dicen los generales en tales casos:

- ¿Cómo puedes tú, una persona inteligente, permitir que un cuadro de Botticelli se pudra en esta humedad?

Todo sobre ese día fue extraordinario. Incluso el general resultó ser de alguna manera falso. Se fue, ordenando no tocar el cuadro. Y todos abandonaron el banquillo. Habiéndolo desenterrado, no esperábamos que tantas autoridades visitaran aquí.

Al mediodía del día siguiente, junto con los destacamentos políticos de ayer, irrumpieron en nuestra habitación dos alegres moscovitas con uniformes de paramilitares. Dijeron que el teniente general los había llevado urgentemente al frente en avión. Artistas de la restauración. Se pararon frente a la desgarrada Madonna, jadeando y gimiendo. Se pronunciaron muchas palabras diferentes incomprensibles. Me regañaron un poco. Pero se negaron a beber con nosotros. Buenos tíos. Luego enyesaron el cuadro por ambos lados con algo que olía a miel, lo clavaron en una cajita plana y se lo llevaron.

Hasta la mismísima ofensiva no había lugar para mí más repugnante que nuestro banquillo. ¡Y cómo la amaba antes de este incidente! ¡Qué hermosa era su imagen!

A veces, por la noche, cuando el banquillo se estremecía por las explosiones cercanas, me despertaba, encendía una linterna de trofeo de tres luces y miraba a la Virgen. La miré, iluminada por una luz verde. Miró la luz roja. Pero, sobre todo, me gustaba en lo habitual, en blanco. Los chicos me miraron y se quedaron en silencio. Ve por ellos. Si mirara una foto de alguna chica, habrían revuelto por toda la brigada que, dicen, Lucky finalmente se enamoró de una mujer. Y luego... Después de todo, la risa es de hecho una imagen. Y nada - se quedaron en silencio.

¿Qué pasa con la poesía. Por supuesto, todo era exactamente como estaba escrito en ellos. Pero no me gustan estos versos.

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Capítulo 1 Sandro Botticelli Botticelli (Botticelli) Sandro, Alessandro di Mariano Filipepi - pintor italiano del Renacimiento temprano; nacido en 1445, Florencia, muerto el 17/05/1510 en el mismo lugar. Estudió con Fra Filippo Lippi y Andrea Verrocchio, influenciado por Antonio del Pollaiolo. Antes

Del libro del autor

Madonna del Silencio A veces, cuando, deprimida y humillada, pierdo hasta el poder de la imaginación, que se seca en mí, y sólo puedo pensar en mis sueños, entonces les doy la vuelta, como un libro al que se le da la vuelta, y se convierte en dar vueltas, sin leer, algunas palabras inevitables.

Sandro Botticelli es un destacado representante de la pintura florentina de la época del Quattrocento. Tras su muerte, el maestro pasó al olvido. Esto continuó hasta mediados del siglo XIX, cuando el público volvió a despertar el interés por su obra y biografía. El nombre Sandro Botticelli es uno de los primeros que vienen a la mente tanto de la gente común como de los especialistas cuando se trata del arte del Renacimiento temprano.

Infancia y juventud

Un dato interesante que no todos conocen: Botticelli no es el verdadero nombre del artista. De niño, su nombre era Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi. El 1 de marzo de 1445 nació el hijo menor, Sandro, en la familia del curtidor florentino Mariano. Además de él, los padres tuvieron tres hijos mayores: Giovanni y Simone, que se dedicaron al comercio, y Antonio, que eligió el oficio de joyero.

No hay consenso sobre el origen del apellido del pintor. La primera teoría conecta el apodo de Botticelli con las actividades comerciales de los dos hermanos mayores del artista ("botticelle" se traduce como barril). Los partidarios de otra teoría también creen que Sandro obtuvo el apodo de su hermano Giovanni, pero por una razón diferente: era un hombre gordo. Otros investigadores afirman que el nuevo apellido pasó a Botticelli de otro hermano: Antonio ("battigello" - "artesano de plata").

En su juventud, durante 2 años, Sandro fue aprendiz de joyero. Pero en 1462 (o en 1464, las opiniones de los investigadores difieren) ingresó al taller de arte de Fra Filippo Lippi. Cuando este último abandonó Florencia en 1467, Andrea Verrocchio se convirtió en el mentor del futuro genio. Por cierto, estudió en el taller de Verrocchio al mismo tiempo que Botticelli. Dos años más tarde, en 1469, Sandro inició un trabajo independiente.

Cuadro

Se desconocen las fechas exactas de escritura de la mayoría de las pinturas del artista. Los expertos han determinado fechas aproximadas en base a análisis estilísticos. La obra que pasó a la historia como la primera y de total propiedad de Botticelli es “La alegoría del poder”. Escrito en 1470, estaba destinado a la sala del Tribunal Comercial de Florencia. Ahora es una exposición de la Galería de los Uffizi.

Numerosas imágenes pertenecen también a las primeras obras independientes del artista. La más famosa es la Virgen de la Eucaristía, escrita alrededor de 1470. En el mismo período, Botticelli tiene su propio taller. El hijo de su antiguo mentor, Filippino Lippi, llega a Sandro como estudiante.

Después de 1470, las características del estilo del maestro se manifiestan cada vez más: una paleta brillante, la transferencia de tonos de piel con la ayuda de ricas sombras ocres. El logro de Botticelli como pintor es la capacidad de revelar vívida y sucintamente el drama de la trama, dotando a las imágenes de expresión, sentimientos y movimiento. Esto ya se manifestó claramente en el díptico temprano (1470-1472) sobre la hazaña del Antiguo Testamento, que decapitó al invasor asirio Holofernes.

La primera imagen de un cuerpo desnudo de Botticelli es la pintura "San Sebastián". El día de la santa mártir, el 20 de enero de 1474, fue presentada solemnemente a los habitantes de la ciudad. El lienzo vertical se colgó de una columna de la iglesia de Santa Maria Maggiore.

A mediados de la década de 1470, Sandro recurrió al género de retratos de las bellas artes. Durante este período, apareció el “Retrato de un hombre desconocido con una medalla de Cosimo Medici”. No se sabe con certeza quién era el joven representado en la imagen de 1474-1475. Se supone que se trata de un autorretrato. Algunos investigadores creen que el hermano Antonio sirvió de modelo para el artista, otros que el propio autor de la medalla o un representante de la familia Medici está representado en el lienzo.

Con esta poderosa familia florentina y su séquito, el pintor se hizo cercano en los años 70. El 28 de enero de 1475, Giuliano Medici, hermano del jefe de la República Florentina, participó en un torneo con un estandarte pintado por Botticelli. Alrededor de 1478, el artista pintó un retrato del propio Giuliano.

En el famoso lienzo "La adoración de los magos", la familia Medici está representada casi con toda su fuerza junto con su séquito. Botticelli también formó parte de él, cuya figura se puede ver en la esquina derecha.

El 26 de abril de 1478, como resultado de un complot fallido contra los Medici, Giuliano fue asesinado. Por orden de Lorenzo sobreviviente, el artista pintó un fresco sobre la puerta que conduce al Palazzo Vecchio. La imagen de los conspiradores ahorcados, realizada por Botticelli, no duró ni 20 años. Después de que el gobernante menos afortunado Piero de' Medici fuera expulsado de Florencia, fue destruido.

A fines de la década de 1470, el pintor se estaba volviendo popular fuera de la Toscana. El Papa Sixto IV quiso ver a Sandro encargado de pintar las paredes de la capilla recién construida. En 1481, Botticelli llegó a Roma y, junto con otros artistas, comenzó a trabajar en frescos. Sus pinceles pertenecen a tres, entre ellos "La tentación de Cristo", así como 11 retratos de papas. Después de 30 años, se pintará el techo de la Capilla Sixtina y se hará famoso en todo el mundo.

Después de regresar del Vaticano, en la primera mitad de la década de 1480, Botticelli crea las principales obras maestras. Están inspirados en la cultura antigua y en la filosofía de los humanistas, seguidores del neoplatonismo, con los que el artista se acercó durante ese período. "Primavera", escrita en 1482, es la obra más misteriosa del autor, que aún no tiene una interpretación clara. Se cree que el artista creó la imagen, inspirándose en el poema "Sobre la naturaleza de las cosas" de Lucrecio, a saber, el pasaje:

“Aquí llega la primavera, y viene Venus, y Venus tiene alas

El mensajero viene delante, y Zephyr detrás, delante de ellos.

Flora-madre camina y, esparciendo flores en el camino,

Lo llena todo de colores y de un dulce olor...

Vientos, diosa, corre delante de ti; con tu enfoque

Las nubes se van del cielo, la tierra es un exuberante magistral

Se está colocando una alfombra de flores, las olas del mar sonríen,

Y el cielo azul brilla con luz derramada.

Esta pintura, así como otras dos perlas de este período: los lienzos "Pallas y el centauro" y "El nacimiento de Venus", fueron propiedad de Lorenzo di Pierfrancesco Medici, primo segundo del duque de Florencia. Caracterizando estas tres obras, los investigadores notan la melodiosa y plasticidad de las líneas, la musicalidad del color, el sentido del ritmo y la armonía, expresados en sutiles matices.

A fines de la década de 1470 y principios de la de 1480, Botticelli trabajó en ilustraciones para La Divina Comedia. Pocos sobrevivieron de una serie de dibujos con una pluma sobre pergamino, entre ellos, "El abismo del infierno". De las obras de tema religioso de este período, la Virgen y el Niño entronizados (1484), La Anunciación de Cestello (1484-1490), la Virgen Magnificat tondo (1481-1485) y la Virgen de la granada (c. 1487) se distinguen.

En los años 1490-1500, Botticelli fue influenciado por las enseñanzas del monje dominico Girolamo Savonarola, quien criticaba las órdenes eclesiásticas de la época y los excesos de la vida secular. Imbuido de llamados al ascetismo y al arrepentimiento, Sandro comenzó a utilizar matices más oscuros y comedidos.

Los paisajes y los elementos interiores han desaparecido de los fondos de los retratos, como puede verse en el “Retrato de Dante” (c. 1495). Escritas hacia 1490, “Judit saliendo de la tienda de Holofernes” y “Lamentación de Cristo” son las obras características del pintor de esa época.

La acusación de Savonarola de herejía y ejecución en 1498, e incluso antes, la muerte de Lorenzo Medici y los disturbios políticos que siguieron en la Toscana conmocionaron a Botticelli. Ha aumentado el misticismo y la tristeza en la creatividad. La Natividad Mística de 1500 es el principal monumento de este período y la última obra significativa del artista.

Vida personal

Poco se sabe sobre la vida personal de Botticelli. El artista no tenía esposa e hijos. Varios investigadores creen que Sandro estaba enamorado de Simonetta Vespucci, la primera belleza de Florencia y la dama del corazón de Giuliano Medici.

Sirvió como modelo para muchas de las pinturas del pintor. Simonetta murió en 1476 a la edad de 23 años.

Muerte

En los últimos 4,5 años de su vida, Botticelli no escribió y vivió en la pobreza. El gran maestro de la época del Quattrocento fue enterrado en el cementerio de la iglesia florentina de Ognisanti el 17 de mayo de 1510.

Obras de arte

DE ACUERDO. 1470 - "Alegoría de la Fuerza"
DE ACUERDO. 1470 - "Adoración de los Reyes Magos"
c.1470 - "Madonna de la Eucaristía"
1474 - "San Sebastián"
1474-1475 - "Retrato de un desconocido con una medalla de Cosimo Medici"
DE ACUERDO. 1475 - "Retrato de Giuliano Medici"
1481-1485 - Virgen Magníficat
DE ACUERDO. 1482 - "Primavera"
1482-1483 - "Palas y el Centauro"
DE ACUERDO. 1485 - "Venus y Marte"
DE ACUERDO. 1485 - "Nacimiento de Venus"
DE ACUERDO. 1487 - "Madonna con una granada"
DE ACUERDO. 1490 - "Lamentación de Cristo"
DE ACUERDO. 1495 - "Calumnias"
DE ACUERDO. 1495 - "Retrato de Dante"
1495-1500 - "Judit saliendo de la tienda de Holofernes"
1500 - "Natividad mística"

Virgen y el niño con un ángel - Sandro Botticelli. 1465-1467. Témpera, madera. 87x60cm

Madonna and Child es uno de los motivos más frecuentes (junto con los temas mitológicos) en las obras de Sandro Botticelli. Hay muchas variaciones sobre este tema en su obra. "Madonna and Child with an Angel" es una pequeña pintura hecha en la manera característica reconocible del maestro en una tabla de madera con sus colores favoritos: témpera. Debido a la textura especial de la superficie colorida, es posible obtener una imagen gráfica sorprendentemente clara y uniforme, manteniendo la sutileza de los medios tonos y la suavidad de los colores.

La composición con la colocación diagonal escalonada de los personajes le da a este grupo estático un poco de vivacidad, que se refleja más en la figura de un ángel. Soportando el peso del niño Cristo, se sienta de espaldas al espectador, pero gira como si alguien lo llamara fuera del cuadro. Tiene un rostro apacible y juvenil, cabello exuberante, rojizo y rizado y un espectacular atuendo aireado, todo en intrincados pliegues, volantes y detalles de varias capas. El rango angelical se otorga solo por pequeñas alas casi imperceptibles detrás de la espalda y un halo sobre la cabeza en forma de un disco dorado plano.

La parte opuesta del cuadro, que destaca por su mayor tamaño y la riqueza cromática del manto, la ocupa la figura de la Virgen María. Se la representa en tres cuartos, casi de perfil, impactando al espectador con su rostro pálido, a la vez espiritual y muy triste. Con tristeza, mira a su amado hijo, previendo su difícil destino y su cruel muerte en la cruz por los pecados de la humanidad.

Madonna está vestida con un vestido rojo con mangas abiertas a la moda italiana de entonces. Por arriba se cubre con un voluminoso manto o capa negra con una ancha franja en el borde y un espectacular ribete en la parte superior. El peinado liso estricto está decorado con una pequeña gorra con suaves pliegues que cubre el cuello y cae sobre el mismo pañuelo delgado. Madonna tiene cejas-hilos arqueados muy finos y cabello claro y rojizo. Todo esto nos remite a la moda de la Italia del Renacimiento, pero no de la Judea de principios del siglo I d.C. En aquellos días, los artistas a menudo vestían a sus héroes históricos o mitológicos con ropa contemporánea a ellos mismos.

El regordete bebé Cristo, un niño encantador, cubierto con una tela ligera doblada, extiende sus manos hacia su madre. Sólo un halo delata su esencia divina. Sentada en una hermosa silla tallada, la madre parece recibirlo de las manos del ángel que lo sostiene.

Uno de los elementos utilizados con frecuencia por el maestro completa la imagen: un gran arco de piedra con columnas que lo sostienen en el fondo. Detrás no hay paisaje, solo un cielo azul sin fondo.

La imagen se distingue por una atmósfera lírica especial, un ligero toque de tristeza y colores cálidos. Los rostros de los personajes aquí no solo son muy expresivos, son reconocibles, aunque tienen individualidad. Por sus características, uno puede determinar inequívocamente que tenemos una pintura frente a nosotros, que ciertamente pertenece al pincel del talentoso Sandro Botticelli.

"Madonna Magnificat": la más famosa de las pinturas de Botticelli sobre un tema religioso, escrita para capillas privadas. Recibió el nombre de la primera palabra de la oración de la Madre de Dios, cuyo texto es claramente visible en la extensión de un libro abierto.

El Niño Jesús sostiene una granada en una mano, y con la otra lleva la mano de la Virgen, quien escribe el comienzo de un canto de acción de gracias en el libro abierto (Evangelio de Lucas 1:4):

“Y María dijo: Mi alma engrandece al Señor”.

Dos niños, acompañados de un tercero, mayor, sostienen un libro y un tintero. Dos ángeles levantan una corona sobre la cabeza de la Virgen, representándola como la Reina del Cielo. La graciosa corona dorada está formada por estrellas, que simbolizan la Estrella de la Mañana, como a veces se llama a la Madre de Dios.

"Madonna Magnificat" - un típico tondo florentino ( "tondo"- un cuadro o relieve, de forma redonda, italiano) enfatiza la naturaleza refinada de la pintura de Sandro Botticelli. La forma redonda le da al artista la oportunidad de realizar experimentos ópticos. "Madonna Magnificat" de 1485, debido a la flexión especial de las líneas curvas y el ritmo circular general, da la impresión de una pintura pintada sobre una superficie convexa.

Tondo se remonta al apogeo del taller de Botticelli, cuando de él salieron numerosas copias de sus pinturas, realizadas por los alumnos de Botticelli según sus dibujos y cartones. En primer lugar, se trataba de imágenes de la Virgen, por las que había una gran demanda.

Esta composición hábilmente inscrita en un círculo es una de las creaciones más notables del maestro. Las exquisitas líneas de las manos que rodean la figura del niño Cristo, por así decirlo, continúan con el gesto de uno de los hermosos ángeles y, a través de las manos de otros personajes, se cierran sobre la corona de María. Tal anillo de manos es como una especie de remolino, en cuyo centro se ve un paisaje lejano y pacífico. Como en la pintura "Madonna with a Pomegranate", Cristo sostiene una granada en su mano, un símbolo de sufrimiento e inmortalidad, que traerá a la humanidad. Todo el cuadro está impregnado de una atmósfera de melancolía reflexiva.

El rostro de la Madonna Magnificat está marcado por todas las cualidades que formaban parte del ideal de belleza cultivado por Botticelli. Entre ellos se encuentran la piel fina y clara y una estructura facial firme pero elegante. La expresión de pureza e inocencia se complementa con un toque de ternura que se muestra a través de unos labios redondeados. El cabello grueso y trenzado da una impresión terrenal, que recuerda la apariencia de una campesina, pero las prendas de moda (una bufanda y un velo transparente) parecen transformar a una mujer real tomada por Botticelli como modelo en la imagen ideal de la Virgen.

Esta pintura fue la obra más cara de Botticelli, en su creación se utilizó la mayor cantidad de pintura dorada. Por lo general, el oro, como la pintura más cara, no se usaba en tales cantidades; Al ordenar una pintura, tales condiciones se especificaron en detalle.

Desde Florencia

En una ciudad antigua extraña y extrañamente cercana
La tranquilidad de un sueño cautivó la mente.
Sin pensar en lo temporal y lo bajo,
Tejiendo a través de las calles estrechas al azar...

En galerías de arte - en un cuerpo flácido
Despertó todas las melodías de los milagros
Y en las Madonnas de otro Botticelli,
No creyendo, sirves a tantas masas tranquilas...

...

sasha negro

Decidí dedicar la quinta parte de mi historia a esa parte del trabajo de Botticelli que atravesó toda su carrera: este imagen de las madonas .

Muchos de ustedes probablemente no podrán nombrar más de cinco o seis Madonnas de Botticelli, pero hubo muchas más. Sobre humildes especulaciones conté más de quince Y esos son solo los que he podido encontrar. Las fechas de creación de muchos de ellos no están establecidas con precisión y suelen fluctuar dentro de los 10 años. Al mismo tiempo, se atribuyen a la misma imagen diferentes fechas de creación de la imagen y diferentes lugares de residencia de la imagen. Es posible que se trate de copias realizadas por el artista en diferentes años y luego terminaron en varias galerías, o simplemente pueden ser errores de los autores que citan estas reproducciones. La historia guarda silencio sobre esto. Como no soy ni historiador ni crítico de arte, les dejaré esta pregunta a ellos.

Aquí no podré detenerme en todas las Madonnas de Botticelli debido al volumen limitado de la publicación, pero si es posible intentaré concentrarme en las imágenes más vívidas. Si los lectores tienen alguna pregunta sobre el resto de las pinturas, haga preguntas y tal vez en los comentarios o en la próxima publicación intentaré responderlas, por supuesto, dentro de la competencia y mi conocimiento limitado en esta área.

En la primera parte de mis relatos ( ) sobre la obra de Sandro Botticelli, ya he citado 4 reproducciones de una gran serie de imágenes de las Vírgenes. Estas fueron las fotos virgen y el niño con un ángel "1465, Galería del Orfanato, Uffizi; " Madonna en la logia "(Madonna della Loggia) 1467, Galería Uffizi; " Madonna en el jardín de rosas "(Circa 1470, Museo Isabella Stewart Gardner, Boston, EE. UU.) (Observo que en Internet hay una imagen de "espejo" casi idéntica, pero con el nombre "Madonna del Roseto", marcada 1460, Galería de los Uffizi, Florencia); y, finalmente, " virgen y el niño con dos ángeles (1 468-1469, Nápoles, Museo Capodimonte). Aquí no me detendré en ellos.

Virgen y el Niño con San Juan Bautista, 1468, Louvre, París

Madonna in Glory, hacia 1469-1470, Uffizi, Florencia

Basándose en el ejemplo de Philippe Lippi y Verrocchio, el artista da una interpretación actualizada de la imagen de la Virgen. Alarga las proporciones de la figura, enfatiza la sutileza de las manos.

Sobre la cabeza de María hay un velo transparente, un detalle que toma prestado de Lippi y repetirá a menudo. Su atuendo cae libremente, a diferencia del traje de una ciudadana, que es típico de las pinturas de su maestro, que llevan asociaciones de vida.

Con la cabeza caída como una flor, la Madre de Dios se ve conmovedora y frágil. casi etéreo, aunque las cortinas se ajustan plásticamente a su cuerpo.

Los querubines, que forman un halo alrededor de la cabeza de la Virgen, este motivo simbólico de glorificación, solo enfatizan la humildad de la imagen presentada por Botticelli.

La Virgen y el Niño con un ángel (Madonna of the Eucharist), 1471, Isabella Stewart Gardner Museum, Boston, EE. UU.

En un espacio cerrado con una ventana abierta que da al sinuoso paisaje toscano -el río y las colinas-, Botticelli presenta un grupo de figuras que se encuentran en una relación compositiva más compleja que las primeras muestras de sus Madonnas.

Las figuras ya no están tan juntas. María, con la cabeza ligeramente inclinada, en triste reflexión, toca la espiguilla. La dirección de su mirada es incierta. Sentado en el regazo de la Madre, el Niño grave levantaba la mano en un gesto de bendición.

Un ángel joven con una cara ovalada puntiaguda y sofisticación infantil es una imagen inusual para los primeros Botticelli. Le pasa al cristocito uvas y mazorcas en una fuente, signo del sacramento de la Eucaristía, de los futuros sufrimientos del Señor, de su Pasión.

La imagen siente la atmósfera de pensamiento profundo, desapego y algún tipo de desunión interna de los personajes.

Un ángel trae a María un jarrón con uvas y mazorcas de maíz. Las uvas y las mazorcas de maíz: el vino y el pan son una imagen simbólica del sacramento; según el artista, deberían formar el centro semántico y compositivo del cuadro, uniendo las tres figuras. Una tarea similar fue establecida por Leonardo da Vinci. En el cierre de "Madonna Benois" en el tiempo. En él, María le ofrece al niño una flor crucífera, símbolo de la cruz. Pero Leonardo necesita esta flor solo para crear un vínculo psicológico claramente tangible entre madre e hijo; necesita un objeto en el que pueda centrar igualmente la atención de ambos y dar sentido a sus gestos. El jarrón con uvas de Botticelli también absorbe por completo la atención de los personajes. Sin embargo, no los une, sino que los separa internamente; mirándola pensativamente, se olvidan el uno del otro.

En la imagen hay una atmósfera de reflexión y soledad interior. Esto se ve facilitado en gran medida por la naturaleza de la iluminación, uniforme, difusa, casi sin sombras. La luz transparente de Botticelli no conduce a la intimidad, a la comunicación íntima, mientras que Leonardo crea la impresión del crepúsculo: envuelven a los héroes, los dejan solos unos con otros.

Madonna con ocho ángeles cantores (Madonna de Berlín), tondo, hacia 1477

Desafortunadamente, no pude encontrar una descripción de esta imagen, si alguien la tiene, publíquela en los comentarios.

Madonna con un libro, 1479-1485, Museo Poldi Pezzoli, Milán

Las pinturas de Botticelli están llenas de imágenes simbólicas. La imagen “Madonna con un libro” también se llama “Madonna enseñando a leer al niño Jesús”. La capacidad de leer en tiempos de analfabetismo general imponía respeto. Los libros eran muy raros, en su mayoría científicos o teológicos.

Se ha establecido que el libro que está frente a María es el Libro de Horas de María, simboliza la autoridad de la enseñanza de la iglesia.

Las cerezas que se encuentran junto al libro simbolizan el paraíso prometido, la puerta que se ha abierto para los creyentes en Cristo.

Los clavos y la corona de espinas en las manos del Niño simbolizan los próximos sufrimientos del Salvador.

Madonna Magnificat, circa 1481-1486, escena: Madonna con el Niño Jesús y cinco ángeles,

Tondo, Galería de los Uffizi, Florencia

Las imágenes de las Madonnas pintadas por Botticelli a mediados de la década de 1480 son más complicadas que sus primeras imágenes de la Virgen María. Esto se aplica tanto a los tipos de composición finamente elaborados como al contenido interno de la imagen. En el rostro de la Virgen siempre hay una sombra de tristeza, ansiedad e incertidumbre, y la figura del Niño se representa, por regla general, con los símbolos de la Pasión, recordando el camino sacrificial de Cristo.

La forma redonda le da al artista la oportunidad de realizar experimentos ópticos. "Madonna Magnificat" de 1485, debido a la especial flexión de las líneas curvas y al ritmo circular general, da la impresión de una pintura escrita sobre una superficie convexa;

"Madonna Magnificat" - "Aumento de la Virgen" - un típico tondo florentino ("tondo" - una imagen o relieve, de forma redonda, italiano) enfatiza la naturaleza refinada de la pintura de Sandro Botticelli. Tondo se remonta al apogeo del taller de Botticelli, cuando de él salieron numerosas copias de sus pinturas, realizadas por los alumnos de Botticelli según sus dibujos y cartones. En primer lugar, se trataba de imágenes de la Virgen, por las que había una gran demanda. Entre ellos se encuentra esta obra maestra.

"Madonna Magnificat": la más famosa de las pinturas del artista sobre un tema religioso, escrita para capillas privadas; Lleva el nombre de la primera palabra de la oración de la Madre de Dios,cuyo texto es claramente visible en la extensión de un libro abierto . El Niño Jesús sostiene una granada en una mano, y con la otra lleva la mano de la Virgen, quien inscribe el comienzo del canto de acción de gracias en el libro desplegado (Heb. Lucas I: 46). Dos niños, acompañados de un tercero mayor, sostienen un libro y un tintero, mientras dos ángeles levantan una corona sobre la cabeza de la Virgen.

Esta composición hábilmente inscrita en un círculo es una de las creaciones más notables del maestro. Las exquisitas líneas de las manos que rodean la figura del niño Cristo, por así decirlo, continúan con el gesto de uno de los hermosos ángeles y, a través de las manos de otros personajes, se cierran sobre la corona de María. Tal anillo de manos es como una especie de remolino, en cuyo centro se ve un paisaje lejano y pacífico. Como en la "Madonna con una granada", Cristo sostiene una fruta en su mano, un símbolo de la inmortalidad, que traerá a la humanidad.

El rostro de la Madonna Magnificat está marcado por todas las cualidades que formaban parte del ideal de belleza cultivado por Botticelli. Entre ellos se encuentran la piel fina y clara y una estructura facial firme pero elegante. La expresión de pureza e inocencia se complementa con un toque de ternura que se muestra a través de unos labios redondeados. El cabello grueso y trenzado da una impresión terrenal, que recuerda la apariencia de una campesina, sin embargo, las prendas de moda -un pañuelo y una colcha transparente- parecen transformar a una mujer real tomada por Botticelli como modelo en la imagen ideal de la Virgen. .

María y el Niño Jesús, fragmento del Retablo de Bardi, 1484-85, Berlín, Galería de Arte

Los sermones de Savonarola tuvieron una fuerte influencia en muchas personas de arte religiosas y talentosas, y Botticelli no pudo resistir.

Alegría, culto a la belleza abandonó para siempre su obra. Si las Vírgenes anteriores aparecían en la grandeza solemne de la Reina del Cielo, ahora esta es una mujer pálida, con los ojos llenos de lágrimas, que ha experimentado y vivido mucho.

Las facciones del rostro, las manos de la Virgen se vuelven cada vez más alargadas, frágiles, sobrenaturales. Toda la figura de la Madre de Dios, los pliegues verticales de la ropa, las rayas azules de la capa, los mechones de cabello sueltos enfatizan la dirección hacia arriba. La cara de un bebé está llena de tristeza infantil.

La flora circundante, el cenador de mimbre, el interior circundante: todo está dibujado con una decoración sobrenatural.

Juan el Bautista y Juan el Evangelista están representados en los lados derecho e izquierdo del altar. Sus rostros son estrictos, tristes, arrugados por las penalidades y penurias que han soportado. No son visibles en el fragmento anterior, si alguien está interesado en una versión extendida de la reproducción, escriba en los comentarios y se la puedo mostrar.

Madonna con una granada, 1487, Tondo, Galería de los Uffizi, Florencia

(Virgen con el Niño Jesús y seis ángeles).

El artista recibió una orden pública de representantes del departamento de impuestos para la Sala de Audiencias del Palazzo Signoria.

Al igual que la "Madonna Magnificat", la pintura es un tondo florenita, la forma redonda le da al artista la oportunidad de realizar experimentos ópticos. Pero en la "Virgen de la granada" se utiliza la técnica inversa, creando el efecto de una superficie cóncava.

Si las primeras Madonnas de Botticelli irradian una mansedumbre ilustrada, generada por la armonía de los sentimientos, entonces en las imágenes de las Madonnas posteriores, creadas bajo la influencia de los sermones ascéticos de Savonarola, el artista triste y decepcionado parte del deseo de encontrar la encarnación. de eterna belleza.

El rostro de Madonna en sus pinturas se vuelve pálido y sin sangre, con los ojos llenos de lágrimas. Estos rostros todavía pueden compararse con las imágenes medievales de la Madre de Dios, pero no tienen la grandeza solemne de la Reina del Cielo. Estas son mujeres del nuevo tiempo, que han experimentado y experimentado mucho.

Composición de altar para la iglesia de San Bernabé en Florencia, 1488

madonna en el trono cuatro ángeles y santos - a la izquierda: Catalina de Alejandría, Agustín, Bernabé,
derecha: Juan Bautista, Ignacio y el Arcángel Miguel.

La profundidad apasionada de las emociones dejó su huella en las obras de Sandro Botticelli. La pintura de Botticelli de finales de la década de 1480, cuando la atmósfera de disturbios religiosos se intensifica en la ciudad, indica que el artista está abrumado por la emoción, experimenta una conmoción que luego lo llevará a la discordia en su alma. Durante este período, Botticelli completó el retablo de la iglesia florentina de San Barnaba. Entre las grandes composiciones religiosas, la obra maestra indudable es " Altar de San Bernabé".

Debido al poder de ejecución, algunas imágenes de esta composición se ven realmente magníficas. Así es Santa Catalina, una imagen llena de pasión oculta y, por tanto, mucho más viva que la imagen de Venus; San Bernabé - un ángel con rostro de mártir.

Juan Bautista en el retablo de Botticelli es una de las imágenes más profundas y humanas del arte de todos los tiempos.

Altar de San Marcos(La coronación de María con ángeles, Evangelista Juan

y Santos Agustín, Jerónimo y Eligius), 1488-90, Uffizi, Florencia

Una de las obras más llamativas de Botticelli es " Altar de San Marcos" ("Coronación de María con Ángeles, Evangelista Juan y Santos Agustín, Jerónimo y Eligio"), escrito alrededor de 1488-1490 para la capilla de los orfebres en la iglesia de San Marco. La capilla estaba dedicada a su patrón San Eligio. La parte central del altar está marcada por elementos arcaicos: las figuras de ángeles y santos difieren marcadamente en escala; un nicho fantástico en el que se encierra la escena de la coronación, contrasta con el tratamiento más realista del entorno espacial de los cuatro personajes principales.

Al mismo tiempo, hay mucha vivacidad en las pinturas de la predela en la imagen de Juan entre los montones de bloques de piedra en la isla de Patmos o San Agustín en su celda casi desierta, en la lacónica y tensa Anunciación, en la escena del arrepentimiento de San Jerónimo en una cueva rocosa, y finalmente, en la figura enérgica de San Eligio, forjando milagrosamente una nueva pata de caballo, y en el ángulo inusual de un jinete desmontado con una capa ondeante. El caballo blanco de este episodio es un motivo de Leonard que, como cualquier préstamo de Botticelli de otros artistas, adquiere el carácter de una interpretación profundamente personal. El cuadro contiene esa expresión intensa que hace que las formas se doblen, adquieran giros bruscos y se deformen.

A fines de la década de 1480, las imágenes religiosas de un plan íntimo y de cámara son reemplazadas en la obra de Botticelli por composiciones a gran escala, como si estuvieran dirigidas a un público más masivo. Al resolver temas, ahora suenan cada vez más diferentes entonaciones, se llena con un sonido dramático agudo. Se amplía el formato mismo de las obras de Sandro de este período sobre motivos religiosos, lo que les otorga una nueva significación. Un ejemplo típico de este tipo de composición es retablo de san marco.

Si en los años 1484-1489 Botticelli parece estar complacido consigo mismo y experimentando serenamente un período de gloria y dominio, entonces la "Coronación" ya atestigua la confusión de sentimientos, nuevas inquietudes y esperanzas.

Hay mucha emoción en la representación de los ángeles, el gesto de juramento de St. Jerome respira confianza y dignidad. Al mismo tiempo, hay aquí un cierto alejamiento de la "perfección de las proporciones" (quizás por eso esta obra no tuvo mucho éxito). Hay una tensión creciente que, sin embargo, se relaciona exclusivamente con el mundo interior de los personajes y, por lo tanto, no carece de grandeza, la nitidez del color se intensifica, independizándose cada vez más del claroscuro.

A pesar de la gran popularidad que la obra disfrutó inmediatamente después de su finalización, le esperaba un destino difícil y muchos años de deambular. Del altar de la capilla de la iglesia se trasladó a la Sala Capitular del monasterio de San Marco, de allí a la Galería de la Academia de Florencia y luego, en 1919, a los Uffizi. Solo después de la finalización de su larga restauración, realizada en el laboratorio del Opificio delle Pietra Dura en 1989, se pueden considerar completados los movimientos topográficos de la pintura. En cuanto a la restauración, sólo eliminó en parte los daños causados a la magnífica obra por los numerosos viajes de una sala a otra. Debido a ellos, el marco original del altar se perdió irremediablemente, el cual fue reemplazado por un marco tallado procedente de la ahora desaparecida iglesia de Battilani. La pintura necesitaba restauración ya desde 1830 (cuando estaba en la Academia y fue restaurada por Achchayi) y hasta 1921, cuando Fabrizio Lucarini se hizo cargo de ella, reescribiendo completamente la túnica verde del ángel de la izquierda. Pero a pesar de estos "trabajos, continuó el desconchado y la pérdida de la capa pictórica, lo que dio lugar a la última y más completa restauración, que parece haber detenido el proceso de destrucción del cuadro.

La fuerza de impacto de esta pintura se debe en gran parte a la interpretación de la visión celestial, saturada de motivos religiosos y simbólicos con tintes apocalípticos. Se inspiraron en los sermones de Savonarola en Florencia, que pronto provocaron una agitación política que terminó con la expulsión de los Medici en 1494. Juan, el autor del Evangelio, las Epístolas y el Apocalipsis, representado con un libro abierto levantado (con las páginas en blanco, pues aún espera las palabras del Apocalipsis), aparece en la composición como figura mediadora entre los contempladores de la visión (Agustín, Jerónimo, Eligio) y el giro fantástico de los ángeles alrededor de los arcos iris de querubines y serafines, bordeando la escena de la Coronación de María. La aparición de los ángeles sobre el fondo de rayos dorados, en un resplandor deslumbrante, entre la lluvia de rosas y el paisaje terrenal con sus rocas y un prado desértico sobre el que se alzan los santos, parecen subrayar el contraste entre la fantasmagórica y atractiva realidad celestial y las adversidades del mundo material.

La excelente restauración permite apreciar la trascendencia del retablo de San Marcos en la obra de Botticelli, que marca el paso de soluciones pictóricas más realistas y racionales, propias de la pintura del Quattrocento, a las últimas obras del artista.

Madonna bajo el dosel, alrededor de 1493, Pinacoteca Ambrosiana, Milán

El cuadro fue pintado para Guido di Lorenzo, rector de Santa Maria degli Angeli y amigo de Lorenzo el Magnífico.

En la década de 1990, en la obra del maestro, el simbolismo adquiere un carácter enfáticamente místico, y surgen temas de orden moral y ético. A diferencia de las pinturas anteriores, durante este período, Botticelli se enfoca en transmitir los sentimientos internos de los personajes y no en el esplendor externo.