Nei secoli antichi esisteva una leggenda del genere: non puoi disegnare o interpretare il diavolo sul palco, altrimenti colui che ha disobbedito dovrà affrontare una severa punizione. “Da dove veniamo? Chi siamo noi? Dove stiamo andando?"

Inizialmente, la direzione del simbolismo era inerente alla letteratura. Ma alla fineNel XIX secolo in Francia, questa tendenza sorse nelle belle arti e nel XX secolo guadagnò popolarità tra gli artisti russi.

Il simbolismo in Russia è associato a numerosi nomi famosi: N. Roerich, V. Serov, M. Vrubel. Una caratteristica della loro pittura è la concentrazione sul mistero e sul mistero dell'oggetto. I pittori russi dell'età dell'argento sono interessati al tormento spirituale dei personaggi, così come alle scene di temi mitologici. Questo stile strettamente legato al romanticismo.

Nonostante il suo grande dono, Mikhail Alexandrovich Vrubel non fu mai compreso durante la sua vita. Come tutti i simbolisti, la sua pittura era piena di mistero. Un dono raro al limite della follia. L'artista ha pagato un prezzo considerevole per il suo talento. Nelle opere di M.A. Vrubel traccia il problema del “demonismo”. In altre parole, un appello alla distruzione dei valori consolidati.

Uno studio sulla creatività di M.A. Molte figure famose hanno studiato Vrubel, inclusi storici dell'arte, artisti e scrittori. Le opinioni sul lavoro dell'artista sono divise. Alcuni lo consideravano mediocre e un ciarlatano, altri un genio.

Il grande scrittore russo Maxim Gorky fu critico nei confronti del lavoro di M. Vrubel, e il critico musicale e d'arte russo V. Stasov definì i demoni "esempi terrificanti di decadenza inappropriata e ripugnante".

Tamara e il Demone. 1890-1891. Illustrazione per la poesia di M. Yu Lermontov “Il demone”

Vrubel ha ricevuto recensioni elogiative da F.A. Usoltsev, famoso psichiatra russo, fondatore dell'ospedale privato dove fu curato l'artista:

“Ho sentito spesso dire che il lavoro di Vrubel è creatività malata. Ho studiato Vrubel a lungo e attentamente, e credo che il suo lavoro non sia solo del tutto normale, ma anche potente e duraturo, che nemmeno una terribile malattia potrebbe distruggerlo. Era un vero artista creativo, conosceva la natura, ne comprendeva i colori e sapeva trasmetterli, ma non ne era schiavo, bensì un rivale”.

Una valutazione imparziale e approfondita del dipinto di M. Vrubel è stata data dal famoso artista e storico dell'arte russo Alexander Nikolaevich Benois. Nel suo libro “La storia della pittura russa nel XIX secolo”, ha analizzato il lavoro di Vrubel:

“Degli artisti che sono progrediti di più Ultimamente, Vrubel ha causato la più grande controversia. Vrubel rimane ancora un mistero per la maggior parte delle persone, anche per coloro che seguono da vicino la pittura russa. Ciò, però, in parte dipende dal fatto che fino a poco tempo fa appariva molto raramente e ben lungi dall’essere presente alle mostre, ma, d’altra parte, quel poco che il pubblico riusciva a vedere dalle opere dell’artista, lo ha più imbarazzato che compiaciuto.”

MA Vrubel nacque il 5 marzo 1856 in una famiglia di militari. La madre del futuro artista morì quando aveva appena tre anni. Vrubel è cresciuto come un bambino curioso; fin dall'infanzia si è interessato alla musica, al teatro e alle belle arti; ha studiato approfonditamente la lingua latina e ha letto le opere degli antichi poeti romani in originale. Su insistenza di suo padre, le attività artistiche passarono in secondo piano e nel 1874 M.A. Vrubel entrò alla Facoltà di Giurisprudenza dell'Università di San Pietroburgo per ottenere una professione lavorativa. Ma nel 1880 era ancora iscritto all'Accademia delle Arti.

Mentre studiava all'Accademia, M.A. Vrubel dedica molto tempo lavoro indipendente. Crede che l'ispirazione non sia altro che uno stato d'animo e che bisogna lavorare duro e persistentemente per raggiungerlo. La sfera dei suoi interessi durante tutta la sua carriera creativa sarà la personalità. Insieme alla persona che la pensa allo stesso modo, un pittore russo, introdurranno la lessicologia arti visive un concetto come il “culto della natura profonda”.

Il 1884 fu un anno determinante nella vita dell’artista. Vrubel ha deciso di lasciare l'Accademia delle arti e di trasferirsi a Kiev su invito di A.V. Prakhov, storico dell'arte, archeologo e critico d'arte russo, per il restauro degli affreschi e dei dipinti nella chiesa di San Cirillo.

I sacerdoti della chiesa da decenni cercano un artista per restaurare gli antichi affreschi, che avevano circa 700 anni. Nessuno osò intraprendere questo lavoro, dal momento che la chiesa di San Cirillo aveva una cattiva reputazione - sul territorio della chiesa prima c'erano ospedale psichiatrico. Ma nel 1884, uno sconosciuto e modesto studente dell'Accademia di San Pietroburgo M.A. Vrubel accetta di restaurare i dipinti misteriosi. Questo periodo di creatività nella vita dell’artista è chiamato periodo di Kiev.

AV. Prakhov ha scritto di Vrubel:“Si sbaglia di grosso chi, senza sapere cosa ha spinto l'artista a sviluppare questa profondità, mai toccata da nessuno prima tema letterario, attribuisce il “demonismo” alla natura di Vrubel e collega la sua malattia mentale con la sua persistente ricerca del Demone”.

Vrubel si avvicinò in dettaglio al lavoro nell'antica chiesa, studiò i mosaici e gli affreschi degli antichi maestri russi della Cattedrale di Santa Sofia a Kiev e andò anche a Venezia per conoscere la pittura delle cattedrali di maestri italiani.

Le prime settimane di lavoro di M.A Vrubel non lasciò la chiesa, trascrisse meticolosamente i lineamenti del viso e ogni piega degli abiti dei santi. Immerso in un lavoro continuo, non prestò attenzione ai visitatori della chiesa di Cirillo, finché un giorno non vi entrò una donna, che presto sarebbe diventata fatale nel suo destino. Si chiamava Emilia, era la moglie dello stesso critico d'arte A.V. Prahov, che ha invitato l'artista a Kiev. La donna stupì Vrubel con il suo aspetto e i suoi modi. La famiglia Prakhov conduceva uno stile di vita sociale, organizzava regolarmente cene e tra i loro conoscenti c'erano molti artisti e personaggi famosi dell'arte dell'epoca.

MA Vrubel è affascinato da Emilia, usa ogni mezzo per attirare l'attenzione donna sposata. Completamente esausto per i tentativi, Vrubel suggerisce di raffigurare Emilia nell'immagine della Vergine Maria, e lei è d'accordo.

Avendo riconosciuto sua moglie nell'immagine della Vergine Maria A.V. Prahov si arrabbia e risolve i successivi contratti con l'artista. In breve tempo M.A. Vrubel rimane senza ordini e mezzi di sostentamento. E questo è solo l'inizio dei guai che dovrà sopportare a causa del suo amore fatale. La donna che ama non vuole più vederlo e lui decide di vendicarsi di lei in un modo unico.

Nei secoli antichi esisteva una leggenda del genere: non puoi disegnare o interpretare il diavolo sul palco, altrimenti colui che ha disobbedito dovrà affrontare una severa punizione.

Violando il divieto, Vrubel ha privato la sua vita di pace. È l'immagine del Demone che lo accompagnerà per tutta la vita e percorso creativo. Nel 1885 iniziò il suo lavoro su Il demone. Un anno dopo, descrisse il suo lavoro a suo padre come segue:“Lo Spirito non è solo malvagio, ma anche sofferente e addolorato, ma allo stesso tempo è uno Spirito potente e maestoso”.

Oggi, ricercatori, artisti e ammiratori di M.A. Vrubel sa che "Demon" aveva un prototipo. Konstantin Alekseevich Korovin, pittore russo, ha scritto nelle sue memorie sul dipinto di M. Vrubel:"Ho subito riconosciuto il volto di una signora che conoscevo, del tutto inappropriato per il Demone." La stessa signora del cuore dell'artista, Emilia Prakhova.

Il "Demone" si rivelò così terrificante che Vrubel decise di distruggerlo. Ma era troppo tardi e da quel momento la sua vita andò in declino.

Il tema mistico occupava un posto di primo piano nell'opera di M.A. Vrubel. Nel 1890 dipinse il secondo "Demone (seduto)", uno dei dipinti più famosi della fine del XIX secolo. Dopo che questa foto è stata pubblicata, Vrubel ha ricevuto fama mondiale. L'immagine mostra il potere da un lato e l'insopportabile malinconia e solitudine del suo eroe dall'altro. I tratti grandi trasmettono la tragedia delle esperienze interiori del personaggio. Il dipinto divenne un'illustrazione per l'edizione dell'anniversario e la poesia con lo stesso nome.

Il periodo luminoso del suo lavoro iniziò alla fine degli anni Novanta dell'Ottocento. È innamorato della giovane attrice teatrale N.I. Zabela, che presto sarebbe diventata sua moglie. Durante questo periodo apparvero opere come: un ritratto della moglie di N.I. Zabely-Vrubel (1898), “La principessa del cigno” (1900), “Lilla” (1900) e altri.

Ci sono opere d'arte che sembrano colpire lo spettatore in testa, sbalorditive e sorprendenti. Altri ti trascinano nel pensiero e nella ricerca di strati di significato e simbolismo segreto. Alcuni dipinti sono avvolti nel mistero e enigmi mistici, mentre altri sorprendono con prezzi esorbitanti.

Abbiamo esaminato attentamente tutti i principali risultati della pittura mondiale e ne abbiamo selezionati due dozzine strani dipinti. Salvador Dalì, le cui opere rientrano completamente nel formato di questo materiale e sono le prime a venire in mente, non sono state incluse appositamente in questa collezione.

È chiaro che la “stranezza” è un concetto piuttosto soggettivo e ognuno ha i propri dipinti straordinari che si distinguono dalle altre opere d’arte. Saremo lieti se li condividerai nei commenti e ce ne parlerai qualcosa.

"Grido"

Edvard Munch. 1893, cartone, olio, tempera, pastello.
Galleria Nazionale, Oslo.

L'Urlo è considerato un evento espressionista fondamentale e uno dei dipinti più famosi al mondo.

Ci sono due interpretazioni di ciò che viene raffigurato: è l'eroe stesso che è colto dall'orrore e urla silenziosamente, premendosi le mani sulle orecchie; oppure l'eroe si chiude le orecchie al grido del mondo e della natura che risuona intorno a lui. Munch ha scritto quattro versioni di "L'urlo", e esiste una versione secondo cui questo dipinto è il frutto della psicosi maniaco-depressiva di cui soffriva l'artista. Dopo un ciclo di cure in clinica, Munch non è tornato a lavorare sulla tela.

“Stavo camminando lungo il sentiero con due amici. Il sole stava tramontando - all'improvviso il cielo è diventato rosso sangue, mi sono fermato, sentendomi esausto, e mi sono appoggiato al recinto - ho guardato il sangue e le fiamme sul fiordo e sulla città nero-bluastro. I miei amici sono andati avanti e io sono rimasto lì, tremando per l'eccitazione, sentendo un grido infinito che penetrava la natura", ha detto Edvard Munch sulla storia della creazione del dipinto.

“Da dove veniamo? Chi siamo noi? Dove stiamo andando?"

Paolo Gauguin. 1897-1898, olio su tela.
Museo belle arti, Boston.

Secondo lo stesso Gauguin, il dipinto dovrebbe essere letto da destra a sinistra: tre gruppi principali di figure illustrano le domande poste nel titolo.

Tre donne con un bambino rappresentano l'inizio della vita; gruppo centrale simboleggia l'esistenza quotidiana della maturità; nel gruppo finale, secondo il progetto dell’artista, “ vecchia, avvicinandosi alla morte, sembra riconciliata e abbandonata ai suoi pensieri”, ai suoi piedi “uno strano uccello bianco... rappresenta la futilità delle parole”.

Profondo quadro filosofico il postimpressionista Paul Gauguin fu dipinto da lui a Tahiti, dove fuggì da Parigi. Una volta terminata l'opera, volle addirittura suicidarsi: "Credo che questo dipinto sia superiore a tutti i miei precedenti e che non creerò mai qualcosa di migliore o anche solo simile". Visse altri cinque anni e così accadde.

"Guernica"

Pablo Picasso. 1937, olio su tela.
Museo Reina Sofia, Madrid.

Guernica presenta scene di morte, violenza, brutalità, sofferenza e impotenza, senza specificarne le cause immediate, ma sono evidenti. Si dice che nel 1940 Pablo Picasso fu convocato dalla Gestapo a Parigi. La conversazione si è subito spostata sul dipinto. "Hai fatto questo?" - "No, l'hai fatto."

L'enorme affresco “Guernica”, dipinto da Picasso nel 1937, racconta la storia di un'incursione di un'unità di volontari della Luftwaffe sulla città di Guernica, a seguito della quale la città di seimila abitanti fu completamente distrutta. Il dipinto è stato dipinto letteralmente in un mese: i primi giorni di lavoro sul dipinto, Picasso ha lavorato per 10-12 ore e già nei primi schizzi si poteva vedere l'idea principale. Questo è uno dei migliori esempi dell'incubo del fascismo, nonché della crudeltà e del dolore umani.

"Ritratto dei coniugi Arnolfini"

Jan van Eyck. 1434, legno, olio.
Londra galleria Nazionale, Londra.

Il famoso dipinto è pieno di simboli, allegorie e riferimenti vari, fino alla firma "Jan van Eyck era qui", che ha trasformato il dipinto non solo in un'opera d'arte, ma in un documento storico che conferma la realtà dell'evento. alla quale era presente l'artista.

Il ritratto, presumibilmente di Giovanni di Nicolao Arnolfini e di sua moglie, è una delle opere più complesse della scuola occidentale della pittura rinascimentale settentrionale.

In Russia, negli ultimi anni, il dipinto ha guadagnato grande popolarità grazie alla somiglianza del ritratto di Arnolfini con Vladimir Putin.

"Demone seduto"

Michail Vrubel. 1890, olio su tela.
Stato Galleria Tretyakov, Mosca.

"Le mani gli resistono"

Bill Stoneham. 1972.

Quest'opera, ovviamente, non può essere classificata tra i capolavori della pittura mondiale, ma il fatto che sia strana è un dato di fatto.

Ci sono leggende che circondano il dipinto con un ragazzo, una bambola e le sue mani premute contro il vetro. Da “le persone stanno morendo a causa di questa immagine” a “i bambini in essa sono vivi”. L'immagine sembra davvero inquietante, il che suscita molte paure e speculazioni tra le persone con una psiche debole.

L'artista ha insistito sul fatto che il dipinto raffigurava se stesso all'età di cinque anni, che la porta rappresentava la linea di demarcazione tra il mondo reale e il mondo dei sogni e che la bambola era una guida che poteva guidare il ragazzo attraverso questo mondo. Le mani rappresentano vite o possibilità alternative.

Il dipinto ha guadagnato notorietà nel febbraio 2000 quando è stato messo in vendita su eBay con un retroscena che diceva che il dipinto era "infestato". “Hands Resist Him” è stato acquistato per 1.025 dollari da Kim Smith, che è stato poi semplicemente inondato di lettere da parte di storie inquietanti e chiede di bruciare il dipinto.

Dipinto di M.Yu. Lermontov

Michail Jurievich Lermontov (1814-1841)

Auto ritratto. 1837

Nella storia della cultura ci sono molti poeti e scrittori che allo stesso tempo si sono mostrati chiaramente nel campo delle belle arti. Lermontov, secondo la testimonianza del suo parente A.P. Shan-Girey, iniziò a disegnare quasi prima che a scrivere poesie. Dipinse per tutta la sua breve vita, e il suo patrimonio artistico comprende opere di vario genere: paesaggi e schizzi di viaggio, scene di battaglia, ritratti in miniatura. Naturalmente, la creatività visiva di Lermontov è inferiore a quella letteraria. Tuttavia, anche qui il talento dello scrittore si è mostrato.

Tiflis. Olio 1837

Le tradizioni dell'educazione nobiliare comprendevano, insieme alle lezioni di scherma, musica, lingue straniere, gioventù lezioni di pittura e disegno. Il fiorire della cultura dell'album è associato alla diffusa capacità di disegnare, e i migliori disegni di album di quel tempo si distinguono per la loro sicura padronanza della linea, la capacità di creare un'immagine in un istante, la precisione nei dettagli e l'estro compositivo. Tuttavia, tra i tanti che disegnavano con competenza, solo pochi diventarono professionisti: per la classe a cui apparteneva Lermontov, era più tipica la tipologia dell'artista dilettante, non vincolato dalla formazione accademica e dalla necessità di vendere opere. Registrando le sue impressioni e stati mentali su carta, l'artista dilettante teneva costantemente una sorta di diario lirico, poiché un senso romantico del mondo richiedeva la trasformazione obbligatoria dei sentimenti quotidiani dall'ordinario allo straordinario.

Nei primi esperimenti di Lermontov, l'attenzione fu attirata dalle opere che formavano il “ciclo spagnolo”. L'appello alla Spagna, tradizionale per l'arte di quel tempo, è associato alla drammatica storia della rivoluzione spagnola - ma la passione di Lermontov contiene anche motivazioni personali: nella famiglia c'era una leggenda sull'origine della famiglia dal duca spagnolo di Lerma. Il giovane poeta esprime il suo desiderio di libertà - il principale ideale romantico - utilizzando materiale spagnolo. Nel 1830 fu creata la tragedia “Gli spagnoli”. Acquerelli e disegni “Spagnolo con un pugnale”, “Spagnolo”, “Spagnolo con lanterna e monaco cattolico”, “Spagnolo con colletto di pizzo bianco”, un ritratto in miniatura di Emilia, l’eroina di “Gli Spagnoli”, rappresentano immagini parafrasi della tragedia. La cosa più significativa in questo ciclo è il “Ritratto del duca di Lerma” (1832-1833), il primo dipinto conosciuto di Lermontov. L'artista ha dato caratteristiche di autoritratto al suo leggendario antenato. La forte luce laterale enfatizza l'intenso dolore dentro occhi scuri, nella piega di una bocca ben chiusa. La “passione spagnola”, secondo il canone romantico, è nascosta, trattenuta da uno sforzo di volontà, proprio come il corpo è nascosto sotto la opaca copertura dei vestiti.

Prevale una visione convenzionalmente romantica della natura, della storia e delle persone primi lavori Lermontov, che si tratti di acquerelli paesaggistici “Birch Birch” e “Sail” (quest'ultimo precede la famosa poesia) o “Ancient Army”, dove l'esercito è russo e le montagne caucasiche. Più vivaci e diretti sono i disegni del cosiddetto “Junker TeFradi”, realizzati durante la permanenza del poeta alla scuola Junker (1832-1834). La maggior parte dei ritratti e delle scene di genere sono stati realizzati dalla vita; l'intonazione romantica non sopprime, ma, al contrario, esalta l'espressività altamente individuale del disegno. La stessa espressione - nello spirito di Orlovsky - è presente nelle vedute caucasiche e nelle immagini dei cavalieri circassi, nelle illustrazioni del racconto di A. Marlinsky "Amalat-bek". È caratteristico che in questo periodo - dopo essersi diplomato alla scuola per cadetti - Lermontov prese lezioni di pittura dall'artista P.E. Zabolotsky.

Strada militare georgiana vicino a Mtskheta. Olio

Il punto di svolta nella biografia di Lermontov fu il 1837: la morte di Pushkin. La famosa poesia "La morte del poeta" è stata seguita da un riferimento al Caucaso: la percezione precedentemente romantica del Caucaso è stata messa alla prova e integrata dai fatti del proprio destino. Nel Caucaso si è manifestato nel modo più completo potenziale creativo Lermontov è sia un poeta che un artista. I paesaggi più interessanti realizzati a olio sono “Vista di Pyatigorsk”, “Vista caucasica dalla saklya” (“Strada militare georgiana vicino a Mtskheta”), “Vista del monte Krestovaya”, “Vista di Tiflis”, “Vicinanze del villaggio di Karagach” (“Veduta caucasica con cammelli”) e altri (tutti 1837-1838). Questi paesaggi sono panoramici: l'orizzonte è basso, lo spazio è costruito ritmicamente con piani prospettici che si dispiegano in profondità; sono tutti strutturalmente ordinati, con la luce che funge da principio creativo e organizzativo. All'ambiente aereo, immateriale e mutevole, la luce conferisce ricchezza di toni, sfumature e sfumature di colore.

A. A. Stolypin (Mongó) in costume curdo. Acquerello. 1841

Qualsiasi panorama caucasico di Lermontov è come un piccolo frammento dell'universo, che tuttavia esprime l'intera infinità dell'universo. Rovine, monasteri, templi, aggrappati ai pendii delle montagne, appaiono allo spettatore come naturali inclusioni nel paesaggio naturale. Le figure delle persone inscritte in ogni paesaggio - cavalieri, conducenti e cammelli, donne georgiane che raccolgono l'acqua nel Kura - sono soggette a un ritmo inizialmente dato; la loro piccola scala enfatizza l’immensità cosmica dell’insieme. Ma nonostante l’intonazione romantica, i panorami di Lermontov, come ha dimostrato il ricercatore della sua opera Irakli Andronikov, coincidono in gran parte con la topografia reale dei luoghi raffigurati.

Negli ultimi anni della sua vita, Lermontov dedicò molto tempo alla ritrattistica, raffigurando amici e conoscenti. Conservato ritratto scenico AN Muravyova, ritratti ad acquerello A.A. Kikin e A.A. Stolypin (Mongo) sotto forma di curdo, due bellissimi ritratti di persone sconosciute (su uno di loro si ipotizza che qui sia raffigurato il poeta decabrista A.I. Odoevskij). Di grande importanza per l’iconografia di Lermontov è il romantico autoritratto del 1837, in cui l’artista si raffigura sullo sfondo delle montagne del Caucaso nelle vesti di poeta e guerriero. Lermontov, un ufficiale militare, mostrò coraggio personale partecipando a una campagna militare contro gli abitanti degli altipiani nel 1840-1841. Ha catturato una delle battaglie di questa campagna nel meraviglioso disegno "Episodio della battaglia di Valerik", successivamente dipinto dal suo amico, l'artista G.G. Gagarin. La tragica dinamica della battaglia è costituita dai drammi personali vissuti dai suoi partecipanti nel corso della battaglia. Il tema dei “disastri della guerra” è continuato dall'acquerello, che contrasta con i suoi colori squisiti con la cerimonia di lutto che raffigura: “Sotto Valerik. Funerali dei defunti." In generale, i disegni e gli acquerelli di Lermontov esprimono al massimo l’essenza romantica della sua arte. Se nei dipinti il ​​romanticismo si manifestava nella struttura della trama, in motivi orientali, allora la grafica catturava il ritmo e l'intensità della visione del mondo romantica, l'esperienza romantica della natura. I rapidi schizzi sono pieni di dinamica: la linea si raddoppia e si spezza in un tratto, affrettandosi a registrare ciò che vede: cavalieri (matita, 1832-1834), un circasso che spara al galoppo (matita, 1832-1834), un combattimento di cavalleria ( seppia, 1830-1832).

Lermontov, come Byron, incarnava l'ideale di una personalità romantica: tragica e brillante. È difficile dire in quale direzione si sarebbe sviluppata la creatività artistica del poeta se la sua vita non fosse stata interrotta il 15 luglio 1841 da un duello sparato ai piedi del monte Mashuk. Naturalmente, rispetto alle opere letterarie, gli esperimenti visivi di Lermontov sono più coerenti con il solito canone romantico. Tuttavia, nelle opere successive, le tracce del suo genio ribelle appaiono sempre più spesso. Forse anche qui Lermontov era sul punto di fare scoperte straordinarie.

Post originale e commenti su

Quando viene menzionato il nome Lermontov, poche persone pensano immediatamente ai suoi dipinti. Ciò è dovuto al fatto che Mikhail Yuryevich è associato principalmente alla poesia, poiché questo aspetto è meglio conosciuto.

Oltre ad essere un artista delle parole, Lermontov era anche un poeta della tela. Ciò significa che potrebbe trasmettere magistralmente lo stato eroe lirico non solo su carta, ma anche nei dipinti. Le sue immagini sembrano vive, trasmettono emozioni ed esperienze. Facciamo conoscenza con Mikhail Yuryevich come artista e mostriamo la connessione tra le sue due incarnazioni: un pittore e un poeta. Considereremo anche il modo in cui lo stesso Lermontov è raffigurato nella musica e nei dipinti di altri.

Lermontov come artista

Nei ricordi di molti dei suoi amici, il piccolo Misha viene descritto mentre disegna costantemente qualcosa. Anche il ritratto di un bambino di un artista sconosciuto lo raffigura con il gesso in mano.

Non è stato stabilito in modo affidabile se Lermontov abbia studiato disegno durante l'infanzia, ma è noto che già durante la sua permanenza al Noble Boarding School dell'Università di Mosca ha preso lezioni da A. Solonitsky. Quindi M. Yu Lermontov arrivò all'opinione su cui il suo insegnante insisteva, che tutto dovrebbe essere naturale e il più vicino possibile alla realtà. Questo è stato successivamente il caso non solo dei dipinti e della grafica di Lermontov, ma anche della poesia.

Dopo essersi diplomato in collegio, il futuro classicista non rinuncia a disegnare. A San Pietroburgo continua a studiare sotto la guida di Pyotr Zabolotsky.

Non solo coloro che lo circondano, ma anche gli insegnanti hanno notato che il dipinto di Lermontov merita attenzione. Se non avesse scritto poesie, sarebbe diventato famoso come artista, ed è del tutto possibile che la vita sarebbe andata in modo completamente diverso.

Volume del patrimonio artistico

I dipinti di Lermontov ci sono pervenuti in quantità relativamente piccole. Ma questo è abbastanza per formare un'opinione generale su questo ruolo del poeta. Il patrimonio comprende dipinti ad olio, acquerelli, disegni individuali, schizzi e persino caricature.

Si può immaginare che queste non siano tutte le opere che aveva Lermontov. Se non altro perché questo non è sufficiente per raggiungere la maestria che aveva Mikhail Yuryevich. Molte delle sue opere furono cedute o perdute.

La letteratura sull'artista Lermontov è limitata ad alcune note superficiali. Un'idea generale della sua personalità nella pittura è data da B. Mosolova e N. Wrangel. Ma questi saggi non hanno nulla a che fare con un'analisi scientifica e professionale che traccerebbe un parallelo con le opere poetiche.

Vale la pena notare gli album con schizzi e manoscritti di opere, dove troviamo la grafica di Lermontov. Il dipinto o è un commento alla registrazione, oppure la registrazione stessa serve a spiegare l'immagine, dando così origine a un legame inestricabile tra i due tipi di arte, il cosiddetto sincretismo.

Considerando l’approccio non standard alla creatività, sembra piuttosto strano che l’attività artistica di Lermontov venga dimenticata. È del tutto possibile che ciò sia stato fatto intenzionalmente. Mikhail Yuryevich non ha mai avuto un amore speciale per i tiranni, e se questo potesse essere velato nella poesia, allora vignette e caricature taglienti gettano un'ombra sull'autorità dell'allora nobiltà e nobiltà.

I dipinti di Lermontov

I dipinti di Lermontov sono estremamente naturalistici. Ci sono diverse ragioni per questo. In primo luogo, Lermontov apparteneva a un’epoca in cui c’era già stato un allontanamento dalla monumentalità dell’immagine, ma il modernismo, che richiedeva la trasformazione, non aveva ancora acquisito slancio.

In secondo luogo, il primo insegnante di Lermontov, A. Solonitsky, gli ha insegnato la realtà nella sua rappresentazione, poiché ha trovato l’autenticità solo in una rappresentazione accurata. Cioè, è impossibile rappresentare il paesaggio come lo vede l'autore in confronto. È necessario presentarlo così com'è e ognuno sceglierà i propri sentimenti e associazioni.

In terzo luogo, i contemporanei di Lermontov affermano che aveva una memoria straordinaria, quasi fotografica, che rendeva possibile rappresentare piccole cose, senza natura, avendo solo schizzi e schizzi.

Ma nonostante tutto il desiderio di una rappresentazione accurata, ciò non ha impedito a Lermontov di sviluppare il proprio stile pittorico.

Acquerelli di Lermontov

Poiché il primo insegnante di Lermontov era un acquarello, non sorprende che lo scrittore stesso sia diventato dipendente dalla pittura ad acquerello.

Le sue opere, come quelle realizzate ad olio, sono una rappresentazione grafica di ciò che accade nelle sue opere. Quindi, mentre era nel Caucaso settentrionale, scrisse più di una poesia sotto l'impressione dei paesaggi e della vita dei popoli caucasici. Ma è difficile stabilire, a meno che non si guardi la data, se sia stata scritta prima la poesia o il dipinto. È anche difficile dire in modo inequivocabile quale di questi abbia avuto più successo.

Il dipinto di Lermontov si distingue per la purezza dell'applicazione delle vernici, senza impurità. Linee estremamente precise e abile controllo della forma rendono l'immagine realistica e accurata. Sebbene gli esperti notino molti errori, questi sono compensati dalla vivacità e dalla ricchezza emotiva dei dipinti.

Il Caucaso nei dipinti di Lermontov

A lui è dedicata la leggendaria poesia che portò fama e popolarità al poeta tragica morte Puškin. Ha giocato un ruolo fatale. Da un lato, è stato costretto ad andarsene casa natale e scontare la pena nel Caucaso. D’altra parte, la pittura nell’opera di Lermontov ha acquisito una direzione nuova e ispirata.

Nelle opere è apparso un nuovo motivo: il Caucaso settentrionale e le sue melodie. Per canti dovremmo intendere i temi e i costumi degli indigeni.

Oltre alle poesie, i dipinti di Lermontov raccontano il periodo della permanenza del poeta lì. Il Caucaso appare per la prima volta come una terra romantica. Le rocce non ispirano più paura: stupiscono con la loro imponenza, la natura condivide generosamente le sue bellezze. Lermontov fu il primo a scoprirne il romanticismo nel Caucaso.

I capolavori poetici di quel tempo sono come descrizioni poetiche dei dipinti.

Dipinti ad olio

I dipinti di M. Yu Lermontov con immagini del Caucaso non si limitano agli acquerelli. Uno dei dipinti più famosi è “Il passo della croce”, dipinto nel 1837-1838.

Lo stesso Lermontov definì questa regione un "mondo meraviglioso" e paragonò le persone alle aquile libere. Non c'è da meravigliarsi che le immagini degli abitanti della regione stessa siano patetiche. Ma la maggior parte dei dipinti sono stati dipinti a memoria, poiché il poeta aveva una memoria straordinaria. Ma questo non toglie nulla alla pittura di Lermontov. I dipinti sono estremamente realistici.

"Cross Pass" è il frutto della creatività già più matura di Lermontov. Ciò è evidenziato dalla costruzione competente, dal rispetto della prospettiva sia nella sfera dimensionale che nella resa dei colori.

Disegni su autografi

Interessanti sono anche i disegni del poeta presenti sui manoscritti, in prossimità delle iscrizioni dedicatorie e negli album di diverse famiglie. Ciò non rappresenta il dipinto di Lermontov nella stessa luce in cui viene presentato nelle grandi tele. Non solo è stato realizzato in fretta, ma è stato anche realizzato in un unico colore. Un disegno del genere trasmette l’atteggiamento di Lermontov nei confronti di cosa o chi ha dipinto. Cioè, ha trasmesso esattamente quelle caratteristiche che erano più memorabili e sorprendenti.

Esistono molti di questi disegni, poiché sono stati creati durante il lavoro sulla prossima opera poetica.

I primi schizzi grafici che conosciamo oggi sono quelli sul Salterio. In realtà è più un fatto divertente che un'opera d'arte. Non hanno né una penna raffinata né un tema speciale.

Disegni perduti

I disegni dei bambini di Lermontov andarono perduti per sempre. Apprendiamo della loro esistenza solo da documenti biografici e lettere di contemporanei.

Ci sono anche informazioni sui disegni: non si limitava a disegnare, ma realizzava dipinti tridimensionali con cera fusa. Se ne fa menzione in diverse lettere, ma la ricerca dei dipinti non ha avuto successo.

Sono perduti anche i disegni dell'album di Vereshchagina, con il quale Lermontov corrispondeva da vicino.

Disegni immaginari di Lermontov

Uno dei disegni attribuiti a Lermontov, ma in realtà non gli appartiene, è “Testa di guerriero con l’elmo”. L’argomento principale a favore del falso autore è la grafia, che non è la stessa del resto dei dipinti di Lermontov.

Il secondo dipinto del genere è “Tempesta in mare”. Se l'opera precedente era stata eseguita con maggiore abilità di quella che aveva il poeta in quel momento, allora "La Tempesta", al contrario, era disegnata con mano incerta e lenta. Mentre Lermontov in questo periodo aveva già acquisito un proprio stile e dipingeva molto meglio.

“I due aiutanti” è un dipinto dipinto dall’amico intimo di M. Yu Lermontov, Gagarin. Ciò è evidenziato da caratteristiche costruzione, selezione e applicazione delle vernici.

Oltre a questi dipinti, le caratteristiche stilistiche che i dipinti nell'opera di Lermontov non avevano sono inerenti a quanto segue: "Lapide con un'urna", "Cosacco che spara a cavallo", "Testa di un contadino", "Vista caucasica" e alcuni altri.

Poesie nella pittura di Lermontov o pittura in poesie?

È difficile dare una risposta definitiva su come vengono rappresentati nella pittura. Possiamo dire con certezza che questi due tipi di arte si completano a vicenda con successo. A seconda del dipinto e della poesia, servivano a illustrarsi a vicenda, a seconda di ciò che vide la luce per primo. Pertanto, la poesia “Caucaso” è stata senza dubbio ispirata dai paesaggi romantici e incantevoli della zona. E poi la poesia si è riflessa nella pittura.

La poesia "Caucaso" è permeata delle esperienze dell'eroe lirico che all'alba vita coscienteè costretto a prestare servizio nel Caucaso, lontano dalla sua terra natale. Ma ama questa regione, che gli dà tanto piacere nel contemplarne le bellezze. È difficile, bisogna ammetterlo, rappresentare tali esperienze su tela. Ma qui la funzione aggiuntiva funziona.

Le opere pittoriche di Lermontov sono di natura illustrativa ed esplicativa. Questo vale soprattutto per i ritratti e i paesaggi. Volendo trasmettere il carattere, l'umore e le caratteristiche dell'eroe lirico, l'autore sembra insistere sulla propria versione della percezione del personaggio.

Pittura Pittura

Un tipo di arte le cui opere vengono create utilizzando vernici applicate su qualsiasi superficie dura. IN opere d'arte, creato dalla pittura, dal colore e dal disegno, vengono utilizzati chiaroscuro, espressività dei tratti, trama e composizione, che consente di riprodurre su un piano la ricchezza colorata del mondo, il volume degli oggetti, la loro originalità qualitativa, materiale, profondità spaziale e ambiente con aria leggera. La pittura può trasmettere uno stato di staticità e una sensazione di sviluppo temporaneo, pace e ricchezza emotiva e spirituale, l'immediatezza transitoria di una situazione, l'effetto del movimento, ecc.; Nella pittura sono possibili una narrazione dettagliata e una trama complessa. Ciò consente alla pittura non solo di incarnare visivamente i fenomeni visibili del mondo reale, di mostrare un quadro ampio della vita delle persone, ma anche di sforzarsi di rivelare l’essenza dei processi storici, del mondo interiore dell’uomo e di esprimere idee astratte. Grazie alle sue ampie capacità ideologiche e artistiche, la pittura è un importante mezzo di riflessione artistica e interpretazione della realtà; ha un contenuto sociale significativo e varie funzioni ideologiche.

L'ampiezza e la completezza della copertura della realtà reale si riflette nell'abbondanza di generi inerenti alla pittura (genere storico, genere quotidiano, genere di battaglia, ritratto, paesaggio, natura morta). Sono presenti dipinti: monumentali e decorativi (dipinti murali, paralumi, pannelli), destinati a decorare l'architettura e svolgere un ruolo importante nell'interpretazione ideologica e figurativa di un edificio architettonico; cavalletto (dipinti), solitamente non associato ad alcun luogo specifico nell'insieme artistico; scenografia (bozzetti di scenografie e costumi teatrali e cinematografici); iconografia; miniatura. I tipi di pittura includono anche diorama e panorama. I dipinti ad olio si differenziano in base alla natura delle sostanze che legano il pigmento (sostanza colorante) e ai metodi tecnologici di fissaggio del pigmento sulla superficie. Pittura con colori ad acqua su intonaco - bagnato (affresco) e secco (a secco), tempera, pittura a colla, pittura a cera, smalti, pittura con vernici ceramiche e ai silicati, ecc. Il mosaico e le vetrate sono direttamente correlati alla pittura; come quella monumentale la pittura è un compito artistico. Per creare dipinti vengono utilizzati anche acquerello, tempera, pastello e inchiostro.

Il colore è il mezzo espressivo più specifico per la pittura. La sua espressione e capacità di evocare varie associazioni sensoriali esalta l'emotività dell'immagine e determina le possibilità visive, espressive e decorative della pittura. Nelle opere d'arte, il colore forma un sistema integrale (colore). Di solito vengono utilizzati più colori correlati e le loro sfumature (scala colorata), sebbene esista anche una pittura in sfumature dello stesso colore (monocromatico). La composizione cromatica fornisce una certa unità coloristica dell'opera, influenza il corso della sua percezione da parte dello spettatore, essendone una parte essenziale struttura artistica. Altro mezzo espressivo della pittura è il disegno (linea e chiaroscuro), che insieme al colore, organizza ritmicamente e compositivamente l'immagine; La linea delimita i volumi tra loro, è spesso la base costruttiva di una forma pittorica, e consente di riprodurre in generale o nel dettaglio i contorni degli oggetti e dei loro più piccoli elementi. Il chiaroscuro consente non solo di creare l'illusione di immagini tridimensionali, di trasmettere il grado di illuminazione o oscurità degli oggetti, ma crea anche l'impressione di movimento di aria, luce e ombra. Un ruolo importante nella pittura è giocato anche dal punto o dal tratto del pittore, che è la sua tecnica tecnica principale e gli consente di trasmettere molti aspetti. La pennellata contribuisce alla scultura plastica e tridimensionale della forma, trasmettendone il carattere materiale e la consistenza, e in combinazione con il colore ricrea la ricchezza coloristica del mondo reale. La natura della pennellata (liscia, continua o impastata, separata, nervosa, ecc.) Aiuta anche a creare l'atmosfera emotiva dell'opera, trasmettendo i sentimenti e l'umore immediati dell'artista, il suo atteggiamento verso ciò che viene raffigurato.

Convenzionalmente si distinguono due tipologie immagine pittorica: lineare-planare e volumetrico-spaziale, ma non ci sono confini chiari tra loro. La pittura a piano lineare è caratterizzata da macchie piatte di colore locale, delineate da contorni espressivi, linee chiare e ritmate; Nella pittura antica e in parte moderna, esistono metodi convenzionali di costruzione spaziale e riproduzione di oggetti che rivelano allo spettatore la logica semantica dell'immagine, la collocazione degli oggetti nello spazio, ma quasi non violano la bidimensionalità del dipinto aereo. Il desiderio di riprodurre il mondo reale come lo vede una persona, sorto nell'arte antica, ha causato la comparsa di immagini volumetrico-spaziali nella pittura. In questo tipo di pittura si possono riprodurre i rapporti spaziali con il colore, si può creare l'illusione di uno spazio tridimensionale profondo, si può distruggere visivamente il piano pittorico con l'aiuto di gradazioni tonali, prospettive ariose e lineari, distribuendo caldo e freddo colori; le forme volumetriche sono modellate con colori, chiaroscuri. Nelle immagini volumetrico-spaziali e lineare-planari viene utilizzata l'espressività della linea e del colore e l'effetto del volume, anche scultoreo, è ottenuto mediante la gradazione dei toni chiari e scuri distribuiti in una macchia di colore chiaramente limitata; Allo stesso tempo, la colorazione è spesso eterogenea, le figure e gli oggetti non si fondono con lo spazio circostante in un unico insieme. Pittura tonale ( cm. Tone), attraverso uno sviluppo cromatico complesso e dinamico, mostra sottili cambiamenti sia nel colore che nel tono a seconda dell'illuminazione ( cm. Valer), nonché dall'interazione dei fiori vicini ( cm. Riflesso); il tono generale unisce gli oggetti con l'ambiente luce-aria e lo spazio che li circonda. Nei dipinti di Cina, Giappone e Corea si è sviluppato un tipo speciale di immagine spaziale, in cui c'è una sensazione di spazio infinito visto dall'alto, con linee parallele che si estendono in lontananza e non convergono in profondità; figure e oggetti sono quasi privi di volume; la loro posizione nello spazio è mostrata principalmente dal rapporto dei toni.

Un'opera pittorica è costituita da una base (tela, legno, carta, cartone, pietra, vetro, metallo, ecc.), solitamente ricoperta di primer, e da uno strato pittorico, talvolta protetto con una pellicola protettiva di vernice. Le possibilità visive ed espressive della pittura, le caratteristiche della tecnica di scrittura dipendono in gran parte dalle proprietà dei colori, che sono determinate dal grado di macinazione dei pigmenti e dalla natura dei leganti, dallo strumento utilizzato dall'artista, dai diluenti che usa usi; la superficie liscia o ruvida della base e del primer influisce sulle tecniche di applicazione delle vernici, sulla trama delle opere d'arte e il colore traslucido della base o del primer influisce sulla colorazione; A volte le parti della base o del primer prive di vernice possono svolgere un certo ruolo nella costruzione coloristica. La superficie dello strato pittorico di un dipinto, cioè la sua consistenza, può essere lucida o opaca, continua o discontinua, liscia o irregolare. Il colore o la sfumatura richiesta si ottiene sia miscelando i colori sulla tavolozza che tramite velatura. Il processo di creazione di un dipinto o di una pittura murale può svolgersi in più fasi, particolarmente chiare e coerenti nella tempera medievale e nella pittura a olio classica (disegno sul terreno, pittura di fondo, velatura). Esiste anche una pittura di natura più impulsiva, che consente all'artista di incarnare direttamente e dinamicamente le sue impressioni di vita attraverso il lavoro simultaneo su disegno, composizione, scultura di forme e colorazione ( cm. Alla prima).

La pittura è nata nel tardo Paleolitico (40-8 mila anni fa). Si sono conservate pitture rupestri (nel sud della Francia, nel nord della Spagna, ecc.), realizzate con colori di terra (ocra), fuliggine nera e carbone utilizzando bastoncini spaccati, pezzi di pelliccia e dita (immagini di singoli animali, e poi scene di caccia). Nella pittura paleolitica sono presenti sia immagini di silhouette lineari che semplici modellazioni di volumi, ma il principio compositivo in essa contenuto è ancora poco espresso. Idee più sviluppate e astrattamente generalizzate sul mondo si riflettevano nella pittura neolitica, in cui le immagini sono collegate in cicli narrativi e appare l'immagine di una persona ( cm. Arte primitiva).

La pittura della società proprietaria di schiavi aveva già un sistema figurativo sviluppato e ricchi mezzi tecnici. Nell'Antico Egitto, così come nell'antica America, esisteva la pittura monumentale, che agiva in sintesi con l'architettura ( cm. Sintesi delle arti; pittura di tombe, meno spesso di edifici). Associato principalmente al culto funebre, era di carattere narrativo estensivo; Il posto principale in esso era occupato da un'immagine generalizzata e spesso schematica di una persona. La rigorosa canonizzazione delle immagini, manifestata nelle caratteristiche della composizione, nel rapporto delle figure e riflettendo la rigida gerarchia prevalente nella società, è stata combinata con osservazioni audaci e accurate della vita e un'abbondanza di dettagli tratti dal mondo circostante (paesaggio, utensili domestici , immagini di animali e uccelli). Pittura antica i cui principali mezzi artistici ed espressivi erano la linea di contorno e la macchia di colore, aveva qualità decorative, la sua planarità enfatizzava la superficie del muro.

Nell'antichità la pittura agiva in unità artistica con l'architettura e la scultura e adornava templi, abitazioni, tombe e altre strutture ( cm. Pompei, Ercolano, Paestum, tomba di Kazanlak), servivano non solo a scopi cultuali, ma anche secolari. Si sono aperte nuove, specifiche possibilità della pittura, fornendo una rappresentazione ad ampio raggio della realtà. Nell'antichità sorsero i principi del chiaroscuro e varianti uniche della prospettiva lineare e aerea. Insieme a quelli mitologici, furono create scene quotidiane e storiche, paesaggi, ritratti e nature morte. L'affresco antico (su intonaco multistrato con aggiunta di polvere di marmo negli strati superiori) aveva una superficie lucida e lucida. Nell'antica Grecia non esisteva quasi nessun dipinto da cavalletto sopravvissuto (su tavole, meno spesso su tela), principalmente utilizzando la tecnica dell'encausto ( cm. Pittura a cera); I ritratti di Fayyum danno un'idea dell'antica pittura da cavalletto.

Nel Medioevo in Europa occidentale, Bisanzio, Russia, Caucaso e Balcani si sviluppò la pittura con contenuto religioso: affresco (sia su intonaco secco che umido applicato su pietra o muratura), pittura di icone (su tavole preparate principalmente con tempera all'uovo) , così come miniature di libri (su pergamena o carta preparata; eseguite a tempera, acquerello, tempera, colla e altri colori), che a volte includevano soggetti storici. Icone, pitture murali (soggette alle divisioni architettoniche e al piano del muro), così come i mosaici, le vetrate colorate, insieme all'architettura, formavano un unico insieme negli interni delle chiese. La pittura medievale è caratterizzata dall'espressione del colore sonoro, prevalentemente locale e della linea ritmica, dall'espressività dei contorni; le forme sono generalmente piatte, stilizzate, lo sfondo è astratto, spesso dorato; Esistono anche tecniche convenzionali per modellare volumi che sembrano sporgere su un piano pittorico privo di profondità. Il simbolismo della composizione e del colore ha giocato un ruolo significativo. Nel I millennio d.C. e. La pittura monumentale (con vernici a colla su gesso bianco o primer di calce su terreno argilloso-paglia) ha registrato un forte aumento nei paesi dell'Asia occidentale e centrale, India, Cina e Ceylon (ora Sri Lanka). Durante l'era feudale, l'arte delle miniature si sviluppò in Mesopotamia, Iran, India, Asia centrale, Azerbaigian e Turchia, caratterizzata da colori tenui, ritmo ornamentale aggraziato e vivide osservazioni della vita. La pittura dell'Estremo Oriente con inchiostro, acquerello e tempera su rotoli di seta e carta - in Cina, Corea, Giappone - si è distinta per la sua poesia, la straordinaria vigilanza nel vedere le persone e la natura, il modo di dipingere laconico e la migliore resa tonale della prospettiva aerea.

Nell'Europa occidentale durante il Rinascimento, i principi di una nuova arte basata su visione del mondo umanistica, aprendo e conoscendo il mondo reale. Il ruolo della pittura è aumentato, sviluppando un sistema di mezzi per rappresentare realisticamente la realtà. Alcune conquiste della pittura rinascimentale furono anticipate nel XIV secolo. Pittore italiano Giotto. Lo studio scientifico della prospettiva, dell'ottica e dell'anatomia, l'uso delle tecniche di pittura ad olio migliorate da J. van Eyck (Paesi Bassi) hanno contribuito alla scoperta delle possibilità inerenti alla natura della pittura: riproduzione convincente forme volumetriche in unità con il trasferimento della profondità spaziale e dell'ambiente luminoso, rivelando la ricchezza cromatica del mondo. Nuovo periodo di massimo splendoreè sopravvissuto l'affresco; Acquistò importanza anche il dipinto da cavalletto, conservando l'unità decorativa con l'ambiente circostante ambiente soggetto. Il sentimento dell'armonia dell'universo, l'antropocentrismo della pittura e l'attività spirituale delle sue immagini sono caratteristici delle composizioni su temi religiosi e mitologici, dei ritratti, della vita quotidiana e scene storiche, immagini di nudo. La tempera fu gradualmente sostituita da una tecnica combinata (vetratura e lavorazione dei dettagli a olio utilizzando la tempera di fondo), e poi da una pittura a olio multistrato tecnicamente avanzata senza tempera. Insieme alla pittura liscia e dettagliata su tavole con fondo bianco (caratteristica degli artisti della scuola olandese e di alcune scuole italiane Primo Rinascimento) Scuola veneziana pittura sviluppata nel XVI secolo. tecniche di pittura libera e ad impasto su tele con fondi colorati. Contemporaneamente alla pittura in colori locali, spesso vivaci, con uno schema chiaro, si sviluppò anche la pittura tonale.I più grandi pittori del Rinascimento: Masaccio, Piero della Francesca, A. Mantegna, Botticelli, Leonardo da Vinci, Michelangelo, Raffaello, Giorgione, Tiziano , Veronese, Tintoretto in Italia, J. van Eyck, P. Bruegel il Vecchio nei Paesi Bassi, A. Dürer, H. Holbein il Giovane, M. Niethardt (Grunewald) in Germania, ecc.

Nei secoli XVII-XVIII. Il processo di sviluppo della pittura europea è diventato più complicato. Scuole nazionali si formarono in Francia (J. de La Tour, F. Champagne, N. Poussin, A. Watteau, J. B. S. Chardin, J. O. Fragonard, J. L. David), Italia (M. Caravaggio, D. Fetti, J. B. Tiepolo, J. M. Crespi , F. Guardi), Spagna (El Greco, D. Velazquez, F. Zurbaran, B. E. Murillo, F. Goya), Fiandre (P. P Rubens, J. Jordaens, A. van Dyck, F. Snyders), Olanda ( F. Hals, Rembrandt, J. Wermeer, J. van Ruisdael, G. Terborch, C. Fabricius), Gran Bretagna (J. Reynolds, T . Gainsborough, W. Hogarth), Russia (F. S. Rokotov, D. G. Levitsky, V. L. Borovikovsky ). La pittura proclamava nuovi ideali sociali e civili, rivolti a una rappresentazione più dettagliata e accurata della vita reale nel suo movimento e diversità, in particolare l'ambiente quotidiano di una persona (paesaggio, interni, oggetti domestici); approfondito problemi psicologici, incarnava il sentimento di un rapporto conflittuale tra l'individuo e il mondo circostante. Nel XVII secolo Il sistema dei generi si espanse e prese chiaramente forma. Nei secoli XVII-XVIII. Insieme al fiorire della pittura monumentale e decorativa (soprattutto in stile barocco), che esisteva in stretta unità con la scultura e l'architettura e creava un ambiente emotivo che influenzava attivamente le persone, la pittura da cavalletto ha svolto un ruolo importante. Si formarono vari sistemi pittorici, entrambi con caratteristiche stilistiche comuni (pittura barocca dinamica con la sua caratteristica composizione aperta a forma di spirale; pittura classicista con un disegno chiaro, rigoroso e chiaro; pittura rococò con un gioco di squisite sfumature di colore, luci e sbiadimenti toni) e non rientrano in alcun quadro stilistico specifico. Sforzandosi di riprodurre la vivacità del mondo, l'ambiente luminoso-aria, molti artisti hanno migliorato il sistema di pittura tonale. Ciò ha causato l'individualizzazione delle tecniche tecniche della pittura a olio multistrato. La crescita dell'arte da cavalletto e la crescente necessità di opere progettate per la contemplazione intima hanno portato allo sviluppo di tecniche di pittura da camera, sottili e leggere: pastelli, acquerelli, inchiostro e vari tipi di miniature di ritratti.

Nel 19 ° secolo Presero forma nuove scuole nazionali di realismo. pittura in Europa e in America. Si ampliarono le connessioni tra la pittura in Europa e in altre parti del mondo, dove l'esperienza della pittura realistica europea ricevette un'interpretazione originale, spesso basata su antiche tradizioni locali (in India, Cina, Giappone e altri paesi); La pittura europea è stata influenzata dall'arte dei paesi dell'Estremo Oriente (principalmente Giappone e Cina), che si è riflessa nel rinnovamento delle tecniche per l'organizzazione decorativa e ritmica del piano pittorico. Nel 19 ° secolo la pittura ha risolto problemi complessi e urgenti sulla visione del mondo e ha svolto un ruolo attivo nella vita pubblica; La critica tagliente della realtà sociale divenne importante nella pittura. Per tutto il XIX secolo. nella pittura si coltivavano anche i canoni dell'accademismo, lontano dalla vita, e l'idealizzazione astratta delle immagini; Emersero tendenze naturalistiche. Nella lotta contro la distrazione tardo classicismo e l'accademismo da salotto, la pittura del romanticismo prese forma con il suo attivo interesse per eventi drammatici storia e modernità, l'energia del linguaggio pittorico, il contrasto di luci e ombre, la ricchezza del colore (T. Gericault, E. Delacroix in Francia; F. O. Runge e K. D. Friedrich in Germania; in molti modi O. A. Kiprensky, Sylvester Shchedrin , K.P. Bryullov, A.A. Ivanov in Russia). La pittura realistica, basata sull'osservazione diretta dei fenomeni caratteristici della realtà, giunge a una rappresentazione della vita più completa, concretamente attendibile, visivamente convincente (J. Constable in Gran Bretagna; C. Corot, maestri della scuola di Barbizon, O. Daumier in Francia ; A.G. Venetsianov, P. A. Fedotov in Russia). Durante l'ascesa del movimento rivoluzionario e di liberazione nazionale in Europa, la pittura del realismo democratico (G. Courbet, J. F. Millet in Francia; M. Munkacsi in Ungheria, N. Grigorescu e I. Andreescu in Romania, A. Menzel, V. Leibl in Germania, ecc.) ha mostrato la vita e il lavoro delle persone, la loro lotta per i propri diritti, ha affrontato gli eventi più importanti della storia nazionale, ha creato immagini vivide di gente comune e personaggi pubblici di spicco; In molti paesi sono emerse scuole di paesaggi realistici nazionali. Strettamente connesso con l'estetica russa, si distingueva per la sua acutezza socio-critica democratici rivoluzionari dipinti degli itineranti e degli artisti a loro vicini: V. G. Perov, I. N. Kramskoy, I. E. Repin, V. I. Surikov, V. V. Vereshchagin, I. I. Levitan.

Arrivò all'incarnazione artistica del mondo circostante nella sua naturalezza e costante variabilità all'inizio degli anni '70 dell'Ottocento. Pittura impressionista (E. Manet, C. Monet, O. Renoir, C. Pissarro, A. Sisley, E. Degas in Francia), che ha aggiornato la tecnica e i metodi di organizzazione della superficie pittorica, rivelando la bellezza del colore puro e della struttura effetti. Nel 19 ° secolo in Europa dominava la pittura a olio da cavalletto, la sua tecnica in molti casi acquisì un carattere individuale e libero, perdendo gradualmente la sua intrinseca rigorosa sistematicità (facilitata anche dalla diffusione di nuove vernici prodotte in fabbrica); la tavolozza si è ampliata (sono stati creati nuovi pigmenti e leganti); invece di terreni di colore scuro all'inizio del XIX secolo. Furono reintrodotti i terreni bianchi. Dipinto monumentale e decorativo, utilizzato nel XIX secolo. quasi esclusivamente colla o colori ad olio caddero in rovina. Tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo. si stanno tentando di far rivivere la pittura monumentale e di fondere vari tipi di pittura con opere di arte decorativa e applicata e di architettura in un unico insieme (principalmente nell'arte del “moderno”); I mezzi tecnici della pittura monumentale e decorativa vengono aggiornati e viene sviluppata la tecnica della pittura ai silicati.

Alla fine dei secoli XIX-XX. lo sviluppo della pittura diventa particolarmente complesso e contraddittorio; Vari movimenti realistici e modernisti coesistono e lottano. Ispirato da ideali Rivoluzione d'Ottobre 1917, armato di metodo realismo socialista, la pittura si sta sviluppando intensamente nell'URSS e in altri paesi socialisti. Nuove scuole di pittura stanno emergendo nei paesi dell’Asia, Africa, Australia e America Latina.

Pittura realistica della fine del XIX - XX secolo. si distingue per il desiderio di comprendere e mostrare il mondo in tutte le sue contraddizioni, per rivelare l'essenza dei processi profondi che si verificano nella realtà sociale, che a volte non hanno un aspetto sufficientemente visivo; la riflessione e l'interpretazione di molti fenomeni della realtà acquisivano spesso un carattere soggettivo e simbolico. Dipinto del XX secolo Insieme al metodo di rappresentazione volumetrico-spaziale visivamente visibile, utilizza ampiamente nuovi (così come quelli risalenti all'antichità) principi convenzionali di interpretazione del mondo visibile. Già nella pittura del postimpressionismo (P. Cezanne, W. van Gogh, P. Gauguin, A. Toulouse-Lautrec) e in parte nella pittura “moderna”, emersero tratti che determinarono le caratteristiche di alcuni movimenti del XX secolo. secolo. (espressione attiva dell'atteggiamento personale dell'artista nei confronti del mondo, emotività e associatività del colore, che ha poca connessione con le relazioni colorate naturali, forme esagerate, decoratività). Il mondo è stato interpretato in un modo nuovo nell'arte dei pittori russi tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo - nei dipinti di V. A. Serov, M. A. Vrubel, K. A. Korovin.

Nel 20 ° secolo la realtà è contraddittoria, e spesso profondamente soggettivamente realizzata e tradotta nei dipinti dei più grandi artisti dei paesi capitalisti: P. Picasso, A. Matisse, F. Léger, A. Marquet, A. Derain in Francia; D. Rivera, J.C. Orozco, D. Siqueiros in Messico; R. Guttuso in Italia; J. Bellows, R. Kent negli Stati Uniti. Nei dipinti, nei dipinti murali e nei pannelli pittoreschi si esprimeva una comprensione veritiera delle tragiche contraddizioni della realtà, trasformandosi spesso in una denuncia delle deformità del sistema capitalista. Associato alla comprensione estetica della nuova era “tecnica” è il riflesso del pathos dell'industrializzazione della vita, la penetrazione nella pittura di forme geometriche, “macchine”, a cui spesso si riducono le forme organiche, la ricerca di nuove forme che corrispondono alla visione del mondo dell'uomo moderno, in cui può essere utilizzato arte decorativa, architettura e industria. Diffuso nella pittura, soprattutto nei paesi capitalisti, dall'inizio del XX secolo. ha ricevuto vari movimenti modernisti, che riflettono la crisi generale della cultura della società borghese; tuttavia, la pittura modernista riflette indirettamente anche i problemi “malati” del nostro tempo. Nella pittura di molti movimenti modernisti (fauvismo, cubismo, futurismo, dadaismo e successivamente surrealismo), singoli elementi più o meno facilmente riconoscibili del mondo visibile sono frammentati o geometrizzati, appaiono in combinazioni inaspettate, a volte illogiche, dando origine a molte associazioni e si fondono con forme puramente astratte. L'ulteriore evoluzione di molti di questi movimenti portò ad un completo abbandono della rappresentazione e all'emergere della pittura astratta ( cm. Arte astratta), che segnò il crollo della pittura come mezzo di riflessione e comprensione della realtà. Dalla metà degli anni '60. nei paesi Europa occidentale e in America, la pittura a volte diventa uno degli elementi della pop art.

Nel 20 ° secolo Il ruolo della pittura monumentale e decorativa, sia figurativa (ad esempio, la pittura monumentale democratica rivoluzionaria in Messico) che non figurativa, solitamente piatta, in armonia con le forme geometrizzate dell'architettura moderna, è in aumento.

Nel 20 ° secolo Cresce l'interesse per la ricerca nel campo delle tecniche pittoriche (tra cui cera e tempera; per la pittura monumentale si inventano nuovi colori - silicone, resine siliconiche, ecc.), Ma prevale ancora la pittura ad olio.

La pittura multinazionale sovietica è strettamente connessa con l’ideologia comunista, con i principi dell’appartenenza al partito e della nazionalità dell’arte; rappresenta qualitativamente nuova fase sviluppo della pittura, che è determinato dal trionfo del metodo del realismo socialista. Nell'URSS, la pittura si sta sviluppando in tutte le repubbliche sindacali e autonome e stanno emergendo nuove scuole nazionali di pittura. La pittura sovietica è caratterizzata da un acuto senso della realtà, dalla materialità del mondo e dalla ricchezza spirituale delle sue immagini. Il desiderio di abbracciare la realtà socialista in tutta la sua complessità e completezza ha portato all'uso di molte forme di genere piene di nuovi contenuti. Già dagli anni '20. Il tema storico-rivoluzionario acquisisce un significato speciale (tele di M. B. Grekov, A. A. Deineka, K. S. Petrov-Vodkin, B. V. Ioganson, I. I. Brodsky, A. M. Gerasimov). Quindi compaiono dipinti patriottici che raccontano il passato eroico della Russia dramma storico La Grande Guerra Patriottica del 1941-45, la forza spirituale dell'uomo sovietico.

I ritratti svolgono un ruolo importante nello sviluppo della pittura sovietica: immagini collettive di persone del popolo, partecipanti alla riorganizzazione rivoluzionaria della vita (A. E. Arkhipov, G. G. Rizhsky, ecc.); ritratti psicologici che mostrano il mondo interiore, la composizione spirituale della persona sovietica (M. V. Nesterov, S. V. Malyutin, P. D. Korin, ecc.).

Stile di vita tipico Popolo sovietico riflesso nella pittura di genere, che dà un'immagine poeticamente vivida di nuove persone e un nuovo modo di vivere. La pittura sovietica è caratterizzata da grandi tele intrise del pathos della costruzione socialista (S. V. Gerasimov, A. A. Plastov, Yu. I. Pimenov, T. N. Yablonskaya, ecc.). L'affermazione estetica delle forme di vita uniche dell'Unione e delle repubbliche autonome è alla base delle scuole nazionali che si sono sviluppate nella pittura sovietica (M. S. Saryan, L. Gudiashvili, S. A. Chuikov, U. Tansykbaev, T. Salakhov, E. Iltner, M. A Savitsky, A. Gudaitis, A. A. Shovkunenko, G. Aitiev, ecc.), che rappresentano i componenti di un unico cultura artistica Società socialista sovietica.

Nella pittura di paesaggio, come in altri generi, nazionale tradizioni artistiche unito alla ricerca di qualcosa di nuovo, con un moderno senso della natura. La linea lirica della pittura paesaggistica russa (V.N. Baksheev, N.P. Krymov, N.M. Romadin, ecc.) è completata dallo sviluppo panorama industriale con i suoi ritmi rapidi, con motivi di natura trasformata (B. N. Yakovlev, G. G. Nissky). Alto livello raggiunto pittura di natura morta(I. I. Mashkov, P. P. Konchalovsky, M. S. Saryan).

L'evoluzione delle funzioni sociali della pittura è accompagnata da sviluppo generale cultura pittoresca. Entro i limiti di un unico metodo realistico, la pittura sovietica raggiunge una varietà di forme artistiche, tecniche, stili individuali. Ampio ambito di costruzione, creazione di grandi dimensioni edifici pubblici e complessi commemorativi hanno contribuito allo sviluppo della pittura monumentale e decorativa (opere di V. A. Favorsky, E. E. Lansere, P. D. Korin), al rilancio della tecnica della pittura a tempera, degli affreschi e dei mosaici. Negli anni '60 - primi anni '80. È aumentata l'influenza reciproca della pittura monumentale e da cavalletto, è aumentato il desiderio di sfruttare al massimo e arricchire i mezzi espressivi della pittura ( cm. anche l'Unione delle Repubbliche Socialiste Sovietiche e articoli sulle repubbliche dell'Unione Sovietica).

"Nostra Signora di Vladimir" 1a metà 12 ° secolo Galleria Tretyakov. Mosca.

Raffaello. Affresco "Parnaso" nella Stanza della Segnatura in Vaticano. 1509-1511

J. Wermer. "Bicchiere di vino". Intorno al 1660. Galleria d'arte. Berlino-Dahlem.

P. V. Kuznetsov. "Natura morta con cristallo." 1928. Museo Russo. Leningrado.
Letteratura: VII, vol.1-6, M., 1956-66; IRI, vol.1-13, M., 1953-69; K. Yuon, Sulla pittura, (M.-L.), 1937; D. I. Kiplik, Tecnica pittorica, (6a ed.), M.-L., 1950; A. Kamensky, Allo spettatore sulla pittura, M., 1959; B. Slansky, Tecnica pittorica, trad. dal ceco., M., 1962; G. A. Nedoshivin, Conversazioni sulla pittura, (2 ed.), M., 1964; B. R. Vipper, Articoli sull'arte, M., 1970; Ward J., Storia e metodi della pittura antica e moderna, v. 1-4, L., 1913-21; Fosca F., La peinture, qu"est-ce que c"est, Porrentruy-Brux.-P., 1947; Venturi L., Pittura e pittori, Cleveland, 1963; Cogniat R., Histoire de la peinture, t. 1-2, P., 1964; Barron J. N., Il linguaggio della pittura, Cleveland, (1967); Nicolaus K., Handbuch der Gemaldekunde di DuMont, Colonia, 1979.

Fonte: "Popolare" enciclopedia dell'arte." Ed. Polevoy V.M.; M.: Casa editrice "Enciclopedia sovietica", 1986.)

Uno dei tipi arti visive. Un dipinto viene creato utilizzando vernici applicate sulla superficie di un muro, tavola, tela, metallo, ecc. Il nome stesso "pittura" suggerisce che l'artista "dipinge la vita" in tutta la sua ricchezza, diversità e splendore colorato. Ecco come si differenzia dal bianco e nero grafica. Come nessun'altra forma d'arte, la pittura è capace di incarnare l'intera gamma di sentimenti, esperienze, relazioni tra le persone; osservazioni accurate della natura e voli di fantasia, grandi idee e impressioni istantanee, il brivido della vita, dell'aria e della luce.

La statua è tridimensionale, è percorribile da tutti i lati; pittura – l'arte dei colori su un aereo; Lo spettatore vede l'immagine da un solo punto di vista. Uno dei compiti della pittura, che ogni epoca risolve a modo suo, è creare l'illusione della profondità dello spazio, della tridimensionalità dei volumi su un piano. Questa è la convenzione del linguaggio pittorico. Inoltre, i colori a disposizione dell’artista non sono identici ai colori reali, la sua tavolozza è molto più povera di quella naturale.

Il pittore seleziona dal mondo che lo circonda ciò che corrisponde al suo compito artistico, modifica, enfatizza, generalizza molte cose in una, si sforza di trasmettere le qualità interiori delle persone e le leggi della natura, inaccessibili alla visione diretta, le sue esperienze, il suo atteggiamento verso di loro. I principali mezzi espressivi della pittura: colorazione(gamma colorata che ha un impatto emotivo sullo spettatore); composizione(rapporto tra parti dell'immagine); prospettiva(lineare, inverso, parallelo, ecc.); Chiaroscuro (distribuzione della luce e dell'ombra), linee e macchie colorate; ritmo, consistenza(la natura della superficie pittorica: liscia o goffrata). Nel modo di scrivere, nel movimento del pennello, nelle peculiarità dell'applicazione della vernice su una tela o su un'altra superficie, si avverte sempre l'individualità dell'artista, la sua “calligrafia” creativa unica.

Secondo lo scopo e la natura dell'esecuzione si distinguono la pittura monumentale, da cavalletto, decorativa e di scena teatrale. A dipinto monumentale includere dipinti murali ( affreschi) E mosaici, vetrate, paralumi, pannelli, indissolubilmente legati all'architettura, con la parete (soffitto, pavimento) dell'edificio per il quale sono stati realizzati; in parte icone e grandi composizioni d'altare ripiegate (“Pala d'altare di Ghent” di J. van Eika, 1432). Le opere monumentali non possono essere trasferite in altro interno. Le icone, altari pieghevoli destinati alle chiese, possono tecnicamente essere collocate in un altro spazio (molte di esse sono ora esposte nei musei), tuttavia, private del loro ambiente naturale, strappate all'insieme, perdono una parte significativa del loro impatto sullo spettatore. Il linguaggio artistico della pittura monumentale si distingue per severità e grandezza, laconicismo di forme generalizzate e grandi macchie di colore. Dipinto monumentale esiste fin dai tempi antichi - anche i primitivi creavano pitture rupestri ( Altamira in Spagna, 15-10 mila a.C. e.).

Rembrandt. "Ritratto di Hendrikje Stoffels alla finestra." OK. 1659

Lavori pittura da cavalletto– dipinti – sono realizzati utilizzando un cavalletto e non sono destinati a una stanza specifica. Nell'epoca apparvero le prime opere da cavalletto Rinascimento(XV-XVI secolo). La base (tavola, tela tesa su barella, ecc.) era ricoperta con un primer bianco a base di gesso (gesso) mescolato con colla o olio. Il primer ha livellato la superficie e “illuminato” lo strato di vernice dall'interno. Insieme ai bianchi, molti maestri (P.P. Rubens ecc.) utilizzavano primer colorati (marrone dorato, rosso), che davano unità al colore dell'immagine. Le vernici venivano applicate sopra il primer in uno o più strati; A volte prodotto finito ricoperto di vernice. I dipinti incorniciati sono come una finestra su un mondo creato dall'immaginazione dell'artista. Di norma, mantengono l'unità di luogo, tempo e azione.

La pittura decorativa (sia narrativa che ornamentale) è progettata non solo per decorare la superficie del muro, ma anche per accentuarne gli elementi strutturali ( colonne, pilastri, archi eccetera.); viene eseguito utilizzando la tecnica dell'affresco, ecc. Un tipo di pittura decorativa è grisaglia, ampiamente utilizzato per decorare gli interni dei palazzi, dove imitava i rilievi scultorei (Palazzo Sheremetev a Kuskovo, XVIII secolo). Le ceramiche sono anche decorate con dipinti decorativi. Si chiama pittura di piatti in ceramica pittura vascolare.

La pittura teatrale e di scena è la scenografia e la realizzazione di costumi per rappresentazioni teatrali e film; bozzetti di mise-en-scene individuali.
Tecniche pittoriche di base: pittura ad olio, tempera, pittura con colla, encausto e così via. Acquarello, guazzo, pastello occupano una posizione intermedia tra la pittura e le tecniche grafiche. I pigmenti colorati venivano originariamente estratti dai minerali (ocra giallo-marrone dall'argilla, rosso dall'ematite, bianco dalla calce, nero dal carbone o dall'osso bruciato, blu e verde dal lapislazzuli e dalla malachite, ecc.). Successivamente apparvero le vernici prodotte chimicamente. Tutte le tecniche di pittura utilizzano gli stessi pigmenti, ma leganti diversi: sostanze liquide e adesive che impediscono lo sgretolamento delle polveri di vernice. Gli antichi maestri egiziani dipingevano con colori a colla mescolati con caseina; queste vernici non si sono diffuse, il che ha permesso di trasmettere molti piccoli dettagli. Dipinti di leggendari maestri dell'antica Grecia e lapidi che non ci sono pervenute Ritratti di Fayum venivano dipinti con la tecnica dell'encausto: i colori venivano fusi in cera fusa a caldo. Le spesse vernici a cera hanno permesso di creare una trama espressiva in rilievo. Nel Medioevo entrò in uso la tempera: colori mescolati con tuorlo d'uovo o proteine ​​con vari additivi. Le immagini a tempera si distinguono per una combinazione di colori tenui. La tempera è forte e durevole e non si screpola nel tempo, a differenza della pittura a olio.

La pittura ad olio apparve durante il Rinascimento; la sua invenzione è attribuita all'olandese J. van Eyck. I pigmenti venivano diluiti con lino, noce, ecc. oli vegetali; Grazie a ciò, le vernici si asciugavano rapidamente, potevano essere applicate in strati sottili e trasparenti, che conferivano al dipinto una luminosità e lucentezza speciali. Lo svantaggio dei colori ad olio è che col tempo perdono la loro elasticità, si scuriscono e si ricoprono di crepe (craquelure). Lavorare con i colori ad olio consente un'enorme varietà di tecniche: dalla finitura fine e attenta alla pittura ampia e capricciosa “alla prima”; con il loro aiuto puoi creare una superficie smaltata liscia e una trama plastica in rilievo. È in questa tecnica che l'artista può esprimere pienamente la sua individualità creativa e trasmettere tutta la diversità strutturata del mondo: vetro trasparente, soffice pelliccia, calore della pelle umana.
Il vero piacere per gli intenditori della pittura deriva dal contemplare il miracolo di trasformare le pennellate in forme vive, la carne dei colori nella carne delle cose. Maestri del Rinascimento", piccolo olandese", nel XVII secolo. cercavano di creare una sensazione di “miracolosità” degli oggetti raffigurati; dipingevano con i pennelli più fini, applicando pennellate piccole e impercettibili. In cont. 19esimo secolo gli artisti si sforzano di "esporre" il processo creativo, di rivelare la bellezza non solo dell'oggetto raffigurato, ma anche della trama della stessa muratura pittorica (grumi di vernice, sue gocce e cedimenti, "mosaico" di tratti, ecc.) . Maestri del 20° secolo Usano un'ampia varietà di tecniche e tecniche di pittura.