Lezione integrata di letteratura e MHK "Simboli artistici dei popoli del mondo. Nel paese del chintz di betulla"

Una varietà essenziale, o modificazione semantica, dell'immagine artistica, ma lo è anche il suo nucleo spirituale simbolo dell'arte, agendo nell'estetica di una delle categorie significative. All'interno dell'immagine c'è quella componente essenziale difficile da isolare a livello analitico, che volutamente erige spirito del destinatario realtà spirituale, non contenuto nell'opera d'arte stessa. Ad esempio, nel già citato "Girasoli" di Van Gogh, l'immagine artistica vera e propria si forma principalmente attorno all'immagine visiva di un mazzo di girasoli in una brocca di ceramica, e per la maggior parte degli spettatori potrebbe limitarsi a questo. A un livello più profondo di percezione artistica nei destinatari con elevata suscettibilità artistica ed estetica, questa immagine primaria inizia a svilupparsi in un simbolo artistico che sfugge assolutamente alla descrizione verbale, ma è lui che apre la porta per lo spirito dello spettatore ad alcune altre realtà, completamente rendersene conto evento estetico di questa immagine. Il simbolo come profondo completamento dell'immagine, il suo contenuto artistico ed estetico essenziale (non verbalizzato!) testimonia l'alto significato artistico ed estetico dell'opera, l'alto talento o addirittura il genio del maestro che l'ha creata. Innumerevoli opere d'arte di livello medio (anche se buono), di regola, hanno solo un'immagine artistica, ma non un simbolo. Non portano il ricevente ai livelli più alti della realtà spirituale, ma sono limitati ai livelli emotivo-psicologici e persino fisiologici della psiche del ricevente. Quasi la maggior parte delle opere di tendenze realistiche e naturalistiche, commedie, operette, tutta l'arte di massa sono a questo livello: hanno immagini artistiche, ma sono prive di simbolismo artistico. È tipico solo per alto arte di qualsiasi genere e culto sacro opere di alta qualità artistica.

Insieme a questo, nell'arte mondiale ci sono intere classi di opere d'arte (e talvolta intere epoche enormi - ad esempio l'arte dell'Antico Egitto), in cui l'immagine artistica è praticamente ridotta a quella simbolica. Esempi assoluti di tale arte sono l'architettura gotica, bizantino-russa icona il periodo del suo massimo splendore (secoli XIV-XV per la Rus') o la musica di Bach. Molte altre opere d'arte specifiche possono essere citate da quasi tutti i suoi tipi e periodi storici, in cui opera d'arte simbolica, o simbolo artistico. Qui si tratta di una realtà percepita sensualmente progettata concretamente, più diretta dell'immagine, che rimanda il destinatario alla realtà spirituale nel processo di contemplazione non utilitaristica e spiritualmente attiva dell'opera. Nel processo di comunicazione estetica con un simbolo nasce un'unica sostanza figurativo-semantica super densa di coscienza estetica dell'essere, che ha l'intenzione di svilupparsi in un'altra realtà, in un cosmo spirituale olistico, in una multi-essenza fondamentalmente non verbalizzata. livello di spazio semantico, il proprio campo di significati per ciascun destinatario, l'immersione in cui gli dà piacere estetico, gioia spirituale, una sensazione di piacere nel sentire una profonda fusione non fusa con questo campo, dissolvendosi in esso pur mantenendo l'autocoscienza personale e la distanza intellettuale .

In ambito artistico-semiotico il simbolo si colloca tra l'immagine artistica e il segno. La loro differenza si osserva nei gradi di isomorfismo e libertà semantica, nel concentrarsi su diversi livelli di percezione del destinatario, nel livello di energia spirituale ed estetica. Il grado di isomorfismo riguarda soprattutto la forma esterna delle corrispondenti strutture semantiche e decresce da quella mimetica (nel senso stretto del termine) mimesi) immagine artistica (qui raggiunge il suo limite massimo in ciò che viene designato come somiglianza) attraverso un simbolo artistico a un segno convenzionale, che, di regola, è generalmente privo di isomorfismo rispetto al significato. Il grado di libertà semantica è il più alto per un simbolo ed è in gran parte determinato da una certa “identità” (Schelling), “equilibrio” (Losev) tra “idea” e “immagine” esterna del simbolo. Nel segno e nell'immagine artistica è inferiore, perché nel segno (= nel simbolo filosofico e a livello artistico - identico al segno in termini di funzioni allegorie)è essenzialmente limitato da un'idea astratta che prevale sull'immagine, e viceversa nell'immagine artistica. In altre parole, nel segno (uguale all'allegoria) l'idea razionale, e nelle immagini dell'arte (classica), un grado sufficientemente elevato di isomorfismo con il prototipo limita la libertà semantica di queste formazioni semiotiche rispetto al simbolo artistico.

Di conseguenza, sono orientati a diversi livelli di percezione: il segno (allegoria) - a quello puramente razionale, e l'immagine e il simbolo artistico - a quello spirituale ed estetico. In questo caso il simbolo (ovunque, come nel caso dell'immagine, di cui si parla artistico simbolo) ha un focus più acuto sui livelli più alti della realtà spirituale rispetto a un'immagine, il cui campo artistico e semantico è molto più ampio e diversificato. Infine, il livello di energia spirituale-estetica (meditativa) di un simbolo è superiore a quello di un'immagine; sembra accumulare energia del mito, una delle cui emanazioni, di regola, agisce. Il simbolo è più destinato a destinatari con una maggiore suscettibilità spirituale ed estetica, cosa ben sentita ed espressa nei loro testi dai teorici del simbolismo e dai pensatori religiosi russi del primo Novecento, che abbiamo già visto più volte e su cui ci soffermeremo qui .

Il simbolo contiene in sé in forma piegata e rivela alla coscienza qualcosa che di per sé è inaccessibile ad altre forme e metodi di comunicazione con il mondo, essendo in esso. Pertanto, non può in alcun modo essere ridotto ai concetti di ragione o ad altri metodi di formalizzazione (diversi da se stessi). Il significato in un simbolo è inseparabile dalla sua forma, esiste solo in essa, traspare da essa, si dispiega da essa, perché solo in essa, nella sua struttura, è contenuto qualcosa che è organicamente inerente (appartenente all'essenza) simbolizzato. Oppure, come dice A.F. Losev, “il significante e il significato qui sono reciprocamente reversibili. L'idea è data concretamente, sensualmente; visivamente non c'è nulla in essa che non sarebbe nell'immagine, e viceversa.

Se un simbolo artistico differisce a livello semantico da un simbolo filosofico (= segno), allora in una certa misura differisce essenzialmente o sostanzialmente dai simboli culturali, mitologici, religiosi. Un simbolo artistico o estetico è un mediatore dinamico e creativo tra il divino e l'umano, la verità e l'apparenza (apparenza), l'idea e il fenomeno a livello di esperienza spirituale ed estetica, coscienza estetica (cioè a livello semantico). Alla luce di un simbolo artistico, i mondi spirituali olistici sono aperti alla coscienza, non esplorati, non rivelati, non pronunciabili e non descritti in alcun altro modo.

A loro volta, hanno in aggiunta simboli religioso-mitologici (o culturali generali, archetipici). sostanziale o quantomeno energia in comune con ciò che è simbolizzato. Il pensiero cristiano si è avvicinato all'essenza di tale comprensione del simbolo sin dai tempi della patristica, ma è stato espresso e formulato più chiaramente da p. Paolo Florenskij, basandosi sull'esperienza della patristica, da un lato, e sulle teorie dei simbolisti suoi contemporanei, in particolare del suo maestro Vyach. Ivanova, dall'altro.

Era convinto che "nel nome - il nominato, nel simbolo - il simbolizzato, nell'immagine - la realtà del raffigurato". presente, e questo perché il simbolo C'è simbolizzato" 277. Nell'opera "Imeslavie come premessa filosofica" Florensky ha dato una delle definizioni più ampie di simbolo, che mostra la sua duplice natura: "L'essere, che è più grande di se stesso, è la definizione fondamentale di un simbolo. A simbolo è qualcosa che è ciò che non è sé stesso, più grande di esso, e tuttavia essenzialmente manifestato attraverso esso. Riveliamo questa definizione formale: un simbolo è tale entità, la cui energia, fusa o, più precisamente, fusa con l' l'energia di qualche altra entità, più preziosa sotto questo aspetto, porta in sé quest'ultima in questo modo.

Simbolo, secondo Florenskij, fondamentalmente antinomico, quelli. unisce cose che si escludono a vicenda dal punto di vista del pensiero discorsivo unidimensionale. Pertanto, la sua natura è difficile da comprendere da una persona di moderna cultura europea. Tuttavia, per il pensiero degli antichi, il simbolo non presentava alcuna difficoltà, essendo spesso l'elemento principale di questo pensiero. Quelle personificazioni della natura nella poesia popolare e nella poesia dell'antichità, che ora sono percepite come metafore, non sono affatto tali, - credeva Florensky, - questo è precisamente simboli nel senso suddetto, e non "decorazioni e condimenti di stile", non figure retoriche. "... Per il poeta antico, la vita degli elementi non era un fenomeno di stile, ma un'espressione professionale dell'essenza." Per un poeta moderno, solo nei momenti di particolare ispirazione “questi strati profondi di vita spirituale sfondano la crosta della visione del mondo del nostro tempo, che è loro estranea, e il poeta ci parla in un linguaggio intelligibile di una vita incomprensibile a noi con tutte le creature della nostra anima» 279.

Il simbolo, nella comprensione di p. Paolo, ha "due soglie di ricettività": superiore e inferiore, all'interno delle quali rimane ancora un simbolo. Quello superiore protegge il simbolo dall'“esagerazione del misticismo naturale della materia”, dal “naturalismo”, quando il simbolo è completamente identificato con l'archetipo. L’antichità spesso cadeva in questo estremo. La New Age è caratterizzata dal superamento del limite inferiore, quando il legame soggettivo tra simbolo e archetipo viene spezzato, la loro comune sostanza-energia viene ignorata, e il simbolo viene percepito solo come segno dell'archetipo, e non come un vettore materiale-energetico.

Il simbolo, Florensky è convinto, è “un fenomeno esterno all'essenza più intima”, la scoperta dell'essere stesso, la sua incarnazione nell'ambiente esterno. È in questo senso, ad esempio, nel simbolismo sacro e profano che l'abito funge da simbolo del corpo. Ebbene, la manifestazione ultima di un tale simbolo nell'arte è, secondo Florenskij e gli antichi padri della Chiesa, icona come fenomeno artistico sacrale ideale, dotato dell'energia dell'archetipo.

Il risultato nel campo delle ricerche filosofiche per comprendere il simbolo artistico è stato riassunto in numerose opere AF Losev, proprio come Florensky, che considerava se stesso simbolista. Ne La dialettica della forma artistica egli mostra, come abbiamo visto, l'ontologia dello svolgersi di una serie espressiva dall'Uno Primordiale in eidos – mito – simbolo – personalità eccetera. Il simbolo, quindi, nei primi Losev appare come un'emanazione, o espressione, mito. "Finalmente sotto simbolo Capisco questo lato mito, che è appositamente espressivo. Il simbolo è l’espressività semantica del mito, O il volto esteriore del mito"280. Con l'aiuto del simbolo, l'espressione essenziale raggiunge per la prima volta il livello della manifestazione esterna. Il mito, come base e vita profonda della coscienza, si rivela all'esterno nel simbolo e costituisce effettivamente la sua base vitale (del simbolo). , il suo significato, la sua essenza. Losev sente profondamente questa dialettica del mito e "Il simbolo è l'eidos del mito, il mito è come l'eidos, il volto della vita. Il mito è la vita interiore del simbolo, l'elemento della vita che dà alla luce il suo volto e il suo aspetto esteriore." , o eidos, trovò una profonda incarnazione nell'"elemento della vita", e nel simbolo acquisì un aspetto esteriore espressione, quelli. effettivamente è apparso in realtà artistica.

Losev ha affrontato il problema del simbolo per tutta la sua vita. In uno dei suoi lavori successivi, Il problema del simbolo e dell'arte realista (1976), fornisce il seguente riassunto esteso della sua ricerca:

"1) Il simbolo di una cosa è infatti il suo significato. Tuttavia, questo è un significato tale che lo costruisce e lo genera modellicamente. Allo stesso tempo, non è possibile fermarsi neanche sul fatto che il simbolo di una cosa è il suo riflessione, o sul fatto che il simbolo di una cosa dà origine alla cosa stessa. E in entrambi i casi, la specificità del simbolo viene persa, e il suo rapporto con la cosa viene interpretato nello stile del dualismo metafisico o del Logicismo, scomparso da tempo nella storia.Il simbolo di una cosa è il suo riflesso, ma non passivo, non morto, ma che porta in sé forza e potere.la realtà stessa, poiché una volta che il riflesso ricevuto viene elaborato nella coscienza, analizzato nel pensiero, ripulito tutto casuale e insignificante e arriva a riflettere non solo la superficie sensuale delle cose, ma le loro leggi interne. In questo senso, bisogna capire che il simbolo di una cosa dà origine a una cosa "Genera" in questo caso significa "comprende" la stessa cosa oggettiva, ma nella sua regolarità interna, e non nel caos di cumuli casuali ". Questa generazione è solo penetrazione nella base profonda e regolare delle cose stesse, rappresentate nella riflessione sensoriale, solo molto vaghe, indefinite e caotiche.

2) Il simbolo di una cosa è la sua generalizzazione. Si tratta però di una generalizzazione non morta, non vuota, non astratta e non infruttuosa, ma che permette, anzi, addirittura comanda di ritornare alle cose generalizzate, introducendo in esse una regolarità semantica. In altre parole, la generalità che esiste nel simbolo, implicite, contiene già tutto ciò che è simbolizzato, anche se è infinito.

3) Il simbolo di una cosa è la sua legge, ma tale legge che genera le cose in modo semantico, lasciando intatta tutta la loro concretezza empirica.

4) Il simbolo di una cosa è l'ordinamento regolare di una cosa, dato però sotto forma di principio generale di costruzione semantica, sotto forma di modello che lo genera.

5) Il simbolo di una cosa è la sua espressione interna-esterna, ma è concepito secondo il principio generale della sua costruzione.

6) Il simbolo di una cosa è la sua struttura, ma non solitaria o isolata, ma carica di una serie finita o infinita di corrispondenti manifestazioni individuali di questa struttura.

7) Il simbolo di una cosa è il suo segno, però, non morto e immobile, ma dando vita a numerose, e forse innumerevoli, strutture regolari e singole, da lui designate in forma generale come immagine ideologica data astrattamente.

8) Il simbolo di una cosa è il suo segno, che non ha nulla in comune con il contenuto immediato di quelle singolarità che qui si denotano, ma queste singolarità marcate distinte e contrapposte sono qui determinate da quel principio costruttivo generale che le trasforma in una totalità unitaria , diretto in un certo modo.

9) Il simbolo di una cosa è l'identità, la compenetrazione della cosa significata e dell'immaginario ideologico che la significa, ma questa identità simbolica è un insieme uni-diviso, determinato da questo o quell'unico principio, che lo genera e lo trasforma in una serie finita o infinita di varie singolarità ottenute naturalmente, che si fondono nell'identità generale del principio o modello che le ha originate come in un certo comune per loro limite ". 282

Nella storia del pensiero estetico, il concetto classico di simbolo è stato sviluppato nel modo più completo dai simbolisti della fine del XIX e dell’inizio del XX secolo, come abbiamo già discusso in precedenza. Nel XX secolo il concetto di simbolo occupa un posto di rilievo nell'estetica ermeneutica. In particolare, G.G. Gadamer credeva che il simbolo fosse in una certa misura identico gioco; non rimanda il percettore a qualcos'altro, come credevano molti simbolisti, ma incarna in sé il suo significato, esso stesso manifesta il suo significato, come l'opera d'arte basata su di esso, ad es. è un "aumento dell'essere". Gadamer segna così la distruzione della tradizionale concezione classica del simbolo e delinea nuovi approcci non classici ad esso, sulle variazioni semantiche delle quali si baserà l’estetica del postmodernismo e molte pratiche artistiche della seconda metà del XX secolo.

Nell'estetica non classica, le tradizionali categorie artistiche Immagine E simbolo sono spesso sostituiti e sostituiti dal concetto simulacro- “somiglianza”, che non ha alcun prototipo, archetipo. Alcuni pensatori dell'orientamento postmoderno mantengono i concetti di simbolo e simbolico, ma sono riempiti nello spirito della teoria psicoanalitica strutturale con contenuti non tradizionali. In particolare, J.Lacan interpreta il simbolico come l'universale primario in relazione all'essere e alla coscienza, generando l'intero universo semantico del discorso simbolico, come l'unico reale e accessibile alla percezione umana, generando la persona stessa mediante l'atto di nominarla.

Canone

In numerose epoche e tendenze artistiche, in cui predominava il simbolo artistico piuttosto che l'immagine, un ruolo di primo piano nel processo creativo è stato svolto dal pensiero artistico canonico, dalla normazione della creatività, dalla canonizzazione del sistema figurativo ed espressivo mezzi e principi. Quindi, innanzitutto, a livello dell’estetica implicita canone divenne una delle categorie essenziali dell'estetica classica, definendo un'intera classe di fenomeni nella storia dell'arte. Di solito significa un sistema di regole e norme creative interne che prevalgono nell'arte in qualche periodo storico o in qualche direzione artistica e fissano le principali leggi strutturali e costruttive di specifici tipi di arte.

La canonicità è principalmente inerente all'arte antica e medievale. Il canone delle proporzioni del corpo umano fu stabilito nell'arte plastica dell'Antico Egitto, che fu ripensato dagli antichi classici greci e fissato teoricamente dallo scultore Policleto (V secolo a.C.) nel trattato "Canone" e praticamente incarnato nel statua "Dorifor", detta anche "Canone".". Il sistema di proporzioni ideali del corpo umano sviluppato da Policleto divenne la norma per l'antichità e, con alcune modifiche, per gli artisti del Rinascimento e del classicismo. Vitruvio applicò il termine “canone” all'insieme delle regole della creatività architettonica. Cicerone usò la parola greca "canone" per denotare una misura dello stile oratorio. Nella patristica canone fu chiamata la totalità dei testi delle Sacre Scritture, legalizzati dai concili ecclesiastici.

Nelle arti visive del Medioevo orientale ed europeo, soprattutto nel culto, si stabilì il canone iconografico. Sviluppati nel corso di una pratica artistica secolare, i principali schemi compositivi e gli elementi corrispondenti dell'immagine di alcuni personaggi, i loro vestiti, posture, gesti, dettagli paesaggistici o architettonici esistono dal IX secolo. furono fissati come canonici e servirono da modello per gli artisti dei paesi dell'area cristiana orientale fino al XVII secolo. Anche il canto e la poesia bizantina obbedivano ai propri canoni. In particolare, una delle forme più complesse di innografia bizantina (VIII secolo) era chiamata “canone”. Consisteva in nove canzoni, ognuna delle quali aveva una struttura specifica. La prima strofa di ogni canto (irmos) era quasi sempre compilata sulla base di temi e immagini tratte dall'Antico Testamento, nei restanti versi i temi dell'irmos si sviluppavano poeticamente e musicalmente. Nella musica dell'Europa occidentale dei secoli XII-XIII. sotto il nome di "canon" si sta sviluppando una forma speciale di polifonia. I suoi elementi furono preservati nella musica fino al XX secolo. (di P. Hindemith, B. Bartok, D. Shostakovich e altri). È ben nota la standardizzazione canonica dell’arte nell’estetica del classicismo, che spesso si sviluppa in accademismo formalistico.

Il problema del canone è stato posto sul piano teorico negli studi estetici e artistici solo nel XX secolo; più produttivo nei lavori di P. Florensky, S. Bulgakov, A. Losev, Yu. Lotman e altri scienziati russi. Florenskij e Bulgakov hanno considerato il problema del canone in relazione alla pittura di icone e hanno dimostrato che il canone iconografico ha consolidato la secolare esperienza spirituale-visiva dell'umanità (l'esperienza conciliare dei cristiani) nella penetrazione nel mondo divino, che ha liberato al massimo “il energia creativa dell'artista verso nuove conquiste, verso alti e bassi creativi” 283 . Bulgakov vedeva nel canone una delle forme essenziali della "Tradizione della Chiesa".

Losev ha definito il canone come "un modello quantitativo e strutturale di un'opera d'arte di tale stile, che, essendo un certo indicatore socio-storico, viene interpretato come il principio di costruzione di un insieme di opere noto" 284 . Lotman era interessato all'aspetto semiotico-informativo del canone. Credeva che il testo canonizzato sia organizzato non secondo il modello del linguaggio naturale, ma “secondo il principio della struttura musicale”, e quindi agisca non tanto come fonte di informazione quanto come suo attivatore. Il testo canonico riorganizza in modo nuovo le informazioni del soggetto, «ricodifica la sua personalità» 285 .

Il ruolo del canone nel processo di esistenza storica dell'arte è duplice. Essendo portatore delle tradizioni di un certo pensiero artistico e della corrispondente pratica artistica, il canone a livello strutturale e costruttivo esprimeva l'ideale estetico di una particolare epoca, cultura, persone, direzione artistica, ecc. Questo è il suo ruolo produttivo nella storia della cultura. Quando l'ideale estetico e l'intero sistema di pensiero artistico cambiarono con il cambiamento delle epoche culturali e storiche, il canone di un'epoca passata divenne un freno allo sviluppo dell'arte, impedendole di esprimere adeguatamente la situazione spirituale e pratica del suo tempo. Nel processo di sviluppo culturale e storico, questo canone viene superato da una nuova esperienza creativa. In una particolare opera d'arte, lo schema canonico non è portatore del significato artistico stesso, che nasce sulla sua base (nelle arti "canoniche", grazie ad esso) in ogni atto di creazione artistica o di percezione estetica, nel processo di la formazione di un'immagine artistica.

Il significato artistico ed estetico del canone sta nel fatto che lo schema canonico, fissato in qualche modo materialmente o esistente solo nella mente dell'artista (e nella percezione dei portatori di questa cultura), essendo base costruttiva di un simbolo artistico, come se provocasse un maestro di talento a superarlo concretamente dentro di sé attraverso il sistema stesso di deviazioni poco evidenti, ma artisticamente significative da esso nelle sfumature di tutti gli elementi del linguaggio pittorico ed espressivo. Nella psiche del percettore, lo schema canonico ha suscitato un complesso stabile di informazioni tradizionali per il suo tempo e la sua cultura, e specifiche variazioni artisticamente organizzate degli elementi della forma lo hanno spinto a scrutare profondamente un'immagine apparentemente familiare, ma sempre in qualche modo nuova, al desiderio di penetrare nei suoi fondamenti essenziali, archetipici, alla scoperta di aspetti ancora sconosciuti delle sue profondità spirituali.

L'arte della New Age, a partire dal Rinascimento, si sta allontanando attivamente dal pensiero canonico verso un tipo di creatività personale-individuale. L'esperienza della "cattedrale" viene sostituita dall'esperienza individuale dell'artista, dalla sua originale visione personale del mondo e dalla capacità di esprimerla in forme artistiche. E solo dentro veloce-cultura, a partire dalla pop art, concettualismo, poststrutturalismo e postmodernismo, nel sistema di pensiero artistico e umanitario, principi vicini al canonico, alcuni simulacri canone al livello dei principi convenzionali della creatività, quando nelle aree della produzione artistica e della sua descrizione verbale (l'ultima ermeneutica artistica), si formano tecniche canoniche peculiari e tipi di creazione di prodotti artistici e il loro supporto verbale. Oggi si potrebbe parlare dei "canoni", o meglio dei quasi-canoni della pop art, del concettualismo, della "nuova musica", della critica d'arte "avanzata", del discorso filosofico ed estetico, ecc., il cui significato è accessibile solo a chi "iniziato" ai "giochi di regole" all'interno di questi spazi canonici-convenzionali ed è chiuso a tutti gli altri membri della comunità, indipendentemente dal livello di sviluppo spirituale-intellettuale o estetico in cui si trovano.

Stile

Un'altra categoria significativa nella filosofia dell'arte e nella storia dell'arte è stile. In effetti è di più gratuito nelle forme di manifestazione e in una sorta di modificazione canone, più precisamente - abbastanza stabile per un certo periodo della storia dell'arte, una direzione specifica, tendenza, scuola o un artista, difficile da descrivere un sistema multilivello di principi del pensiero artistico, modi di espressione figurativa, tecniche figurative ed espressive, strutture costruttive e formali e così via. Nei secoli XIX-XX. questa categoria è stata sviluppata vigorosamente da molti storici e teorici dell'arte, esteti e filosofi. La scuola dei critici d'arte G. Wölfflin, A. Riegl e altri intendevano per stile un sistema abbastanza stabile di caratteristiche formali ed elementi dell'organizzazione di un'opera d'arte (piattezza, volume, pittoresco, qualità grafica, semplicità, complessità, apertura o forma chiusa, ecc.) e su questa base considerata è possibile considerare l’intera storia dell’arte come una storia sovraindividuale degli stili (“la storia dell’arte senza nomi” – Wölfflin). AF Losev definisce lo stile come «il principio di costruzione dell'intera potenzialità di un'opera d'arte sulla base delle sue diverse assegnazioni sovrastrutturali ed extraartistiche e dei suoi modelli primari, avvertiti però in modo immanente dalle strutture artistiche dell'opera»286 .

U. Spengler ne Il declino dell'Europa ha prestato particolare attenzione allo stile, come una delle caratteristiche principali ed essenziali della cultura, alle sue certe fasi epocali. Per lui lo stile è un “senso metafisico della forma”, determinato dall’“atmosfera della spiritualità” di una particolare epoca. Non dipende dalle personalità, né dal materiale o dai tipi d'arte, e nemmeno dalle direzioni dell'arte. Come una sorta di elemento metafisico di questa fase culturale, il “grande stile” stesso crea personalità, tendenze ed epoche nell’arte. Allo stesso tempo, Spengler intende lo stile in un senso molto più ampio di quello artistico ed estetico. "Gli stili si susseguono, come onde e pulsazioni. Non hanno nulla in comune con la personalità dei singoli artisti, con la loro volontà e coscienza. Al contrario, è lo stile che crea il massimo tipo artista. Lo stile, come la cultura, è un fenomeno primordiale nel senso goetheiano più stretto, qualunque sia lo stile delle arti, delle religioni, del pensiero o lo stesso stile di vita. Come la "natura", lo stile è un'esperienza sempre nuova della persona sveglia, del suo alter ego e immagine speculare nel mondo circostante. Ecco perché nel quadro storico generale di qualsiasi cultura può esserci un solo stile: stile di questa cultura 287 . Allo stesso tempo, Spengler non è d’accordo con la classificazione piuttosto tradizionale dei “grandi stili” nella storia dell’arte. Egli, ad esempio, ritiene che il gotico e il barocco non siano stili diversi: "questi sono la giovinezza e la vecchiaia dello stesso insieme di forme: lo stile maturante e maturo dell'Occidente" 288 . Lo storico dell'arte russo moderno V.G. Vlasov definisce lo stile come "il significato artistico della forma", come sensazione“un artista e uno spettatore dell’integrità globale del processo di formazione artistica nel tempo e nello spazio storici. Lo stile è l'esperienza artistica del tempo. Per lui lo stile è “una categoria della percezione artistica” 289 . E questa serie di definizioni e interpretazioni di stile piuttosto diverse può continuare290.

Ognuno di essi ha qualcosa in comune e qualcosa che contraddice altre definizioni, ma nel complesso si ritiene che tutti i ricercatori siano adeguati Tatto(comprendere intrinsecamente) l'essenza profonda di questo fenomeno, ma non può esprimerlo accuratamente a parole. Ciò indica ancora una volta che lo stile, come molti altri fenomeni e fenomeni della realtà artistica ed estetica, è una questione relativamente sottile tanto da poter essere definita più o meno adeguatamente e inequivocabilmente. Qui sono possibili solo alcuni approcci descrittivi circolari, che alla fine creeranno nella percezione del lettore un'idea abbastanza adeguata di ciò che viene effettivamente discusso.

A livello di epoche culturali e tendenze artistiche, i ricercatori parlano degli stili artistici dell'antico Egitto, di Bisanzio, del romanico, del gotico, del classicismo, del barocco, del rococò, dell'Art Nouveau. Nei periodi di confusione degli stili globali di un'epoca o di una tendenza importante, si parla degli stili delle singole scuole (ad esempio, per il Rinascimento: gli stili delle scuole senese, veneziana, fiorentina e altre) o degli stili di specifici artisti (Rembrandt, Van Gogh, Gauguin, Bergman, ecc.).

Nella storia dell'arte, gli stili principali sono sorti, di regola, in epoche sintetiche, quando le arti principali si sono formate in una certa misura sul principio di una sorta di unificazione attorno e sulla base dell'arte principale, che di solito era l'architettura. La pittura, la scultura, le arti applicate e talvolta la musica ne erano guidate, ad es. sul sistema di principi per lavorare con la forma e l'immagine artistica (principi di organizzazione dello spazio, in particolare), che sta emergendo in architettura. È chiaro che lo stile in architettura e in altre forme d'arte (proprio come lo stile di vita o lo stile di pensiero - si parla anche di tali stili) si è formato storicamente e intuitivamente, in modo extraconscio. Nessuno si è mai posto un compito specifico: creare questo o quell'stile, contraddistinto da tali e tali tratti e caratteristiche. In effetti, lo stile "grande" è un ottimo mediato in modo complesso manifestazione ed espressione artistica a livello macro (il livello di un'intera epoca o di un grande movimento artistico) di alcune caratteristiche essenziali spirituali, estetiche, ideologiche, religiose, sociali, soggettive-pratiche di una certa comunità storica di persone, uno specifico stadio etno-storico della cultura ; una sorta di macrostruttura del pensiero artistico, adeguata a una certa comunità socio-culturale, etno-storica di persone. Anche i materiali specifici dell'arte, la tecnica e la tecnologia della loro lavorazione nel processo creativo possono avere una certa influenza sullo stile.

Lo stile è, in una certa misura, un sistema materialmente fisso e relativamente definito di principi figurativo-espressivi del pensiero artistico, ben e accuratamente percepiti da tutti i destinatari con un certo livello di estro artistico, sensibilità estetica, “senso dello stile”; si tratta di una tendenza più o meno chiaramente avvertita verso una formazione artistica olistica, che esprime profonde intuizioni spirituali e plastiche (inconscio artistico collettivo, archetipi plastici, protoforme, esperienze di cattedrali, ecc.) di una particolare epoca, periodo storico, direzione, personalità creativa, alzarsi per sentire lo spirito del loro tempo; è, in senso figurato, grafia estetica epoche; ottimale per una data epoca (direzioni, scuole, personalità) modello di visualizzazione estetica(sistema di caratteristiche principi di organizzazione mezzi artistici e metodi di espressione), internamente spiritualizzato principi, ideali, idee, impulsi creativi non verbalizzati, vitali per quest'epoca, provengono dai livelli più alti della realtà. Se non c'è questa spiritualità, lo stile scompare. Rimangono solo le sue tracce esterne: modo, sistema di ricevimenti.

Lo stile, nonostante tutta la tangibilità di un senso estetico altamente sviluppato della sua presenza in certe opere d'arte, anche per i “grandi” fenomeni stilistici non è qualcosa di assolutamente definito e “puro”. Con la presenza e la predominanza di un insieme integrale di alcune caratteristiche stilistiche dominanti in esso, quasi ogni opera di questo stile contiene sempre elementi e caratteristiche che gli sono casuali, estranei, il che non solo non toglie nulla alla “eleganza” di quest'opera, ma piuttosto, al contrario, ne esalta il valore artistico, l'attività, la sua concreta vitalità come fenomeno estetico di questo particolare stile. Quindi, ad esempio, la presenza di molti elementi romanici nei monumenti dell'architettura gotica non fa altro che sottolineare l'espressione dell'originalità gotica di questi monumenti.

In conclusione del discorso sullo stile, cercherò di dare una breve descrizione di uno degli stili "grandi", mostrando allo stesso tempo l'insufficienza di una simile descrizione verbale. Prendiamo, ad esempio, Gotico- uno dei più grandi stili internazionali di arte europea sviluppata (brevi caratteristiche delle caratteristiche stilistiche classicismo E barocco si trovano sopra (Sezione prima. Cap. I. § 1), dove appaiono come descrizioni delle caratteristiche della coscienza artistica ed estetica delle corrispondenti tendenze nell'arte).

Gotico (il termine deriva da "Goti" - un nome generalizzato da parte dei romani delle tribù europee che conquistarono l'Impero Romano nei secoli III-V, sinonimo di "barbari"; come caratteristica dell'arte, i pensatori rinascimentali iniziarono ad applicarsi a arte medievale in senso beffardamente dispregiativo), che dominò nell'arte dell'Europa occidentale nei secoli XIII-XV, nacque come la forma stilistica più alta, ultima e più adeguata di espressione artistica dello spirito stesso della cultura cristiana nella sua modificazione occidentale (nell'arte Oriente - nell'area ortodossa - lo stile bizantino, che fiorì a Bisanzio e nei paesi della sua influenza spirituale - particolarmente attivo tra i popoli slavi meridionali e nell'antica Russia). Si formò principalmente nell'architettura e si diffuse in altri tipi di arte, principalmente legati al culto cristiano e allo stile di vita dei cittadini cristiani medievali.

Il significato profondo di questo stile risiede nella coerente espressione artistica dell'essenza della visione cristiana del mondo, che consiste nell'affermare la priorità del principio spirituale nell'uomo e nell'Universo rispetto a quello materiale, con un profondo rispetto interiore per la materia come portatrice del spirituale, senza e al di fuori del quale non può esistere sulla Terra. Il gotico ha raggiunto, a questo riguardo, forse, il meglio possibile nella cultura cristiana. Il superamento della materia, del materiale, della materialità da parte dello spirito, della spiritualità è stato realizzato qui con sorprendente potenza, espressione e coerenza. Ciò era particolarmente difficile da implementare nell'architettura in pietra, ed è qui che i maestri gotici raggiunsero l'apice della perfezione. Attraverso il lavoro scrupoloso di molte generazioni di costruttori, guidati da una mente artistica cattedrale unificata del loro tempo, hanno costantemente cercato modi per smaterializzare completamente le pesanti strutture in pietra delle volte della chiesa nel processo di transizione da una volta a crociera a una volta a crociera, in cui l'espressione della tettonica costruttiva fu completamente sostituita dalla plasticità artistica.

Di conseguenza, la pesantezza del materiale (la pietra) e le tecniche di costruzione volte a superarne le proprietà fisiche sono completamente nascoste a chi entra nel tempio. Il tempio gotico si trasforma con mezzi puramente artistici (organizzando lo spazio interno e l'aspetto plastico esterno) in uno speciale fenomeno scultoreo e architettonico della trasformazione essenziale (trasformazione) del continuum spazio-temporale terreno in uno spazio completamente diverso - più sublime , estremamente spiritualizzato, irrazionale-mistico nel suo orientamento interno. In definitiva, tutte le principali tecniche ed elementi artistici ed espressivi (ma sono anche costruttivi e compositivi) concorrono a creare lo stile gotico.

Questi includono sottili colonne aggraziate dal profilo complesso (a differenza dei massicci pilastri romanici), che salgono a un'altezza quasi inaccessibile fino alle volte a sesto acuto senza peso, affermando la predominanza della verticale sull'orizzontale, della dinamica (ascensione, erezione) sulla staticità, dell'espressione sul riposo. Nella stessa direzione funzionano innumerevoli archi e volte a sesto acuto, sulla base delle quali si forma effettivamente lo spazio interno del tempio; enormi monofore piene di vetrate colorate, che creano un'indescrivibile atmosfera surreale di colore chiaro costantemente vibrante e mutevole nel tempio; navate allungate, che conducono lo spirito dello spettatore lungo un percorso stretto, visivamente ascendente e di vasta portata verso l'altare (spiritualmente contribuiscono anche all'ascensione, all'erezione verso l'alto, in un altro spazio); Altari di chiusura a più foglie con lancetta intagliata con immagini gotiche degli eventi e dei personaggi del Vangelo centrale e strutture dell'altare con lancetta traforata - retabli (retablo francese - dietro il tavolo). Nella stessa forma allungata a lancetta sono realizzati i sedili dell'altare e del tempio, gli oggetti di servizio e applicati e gli utensili del tempio.

I templi gotici all'esterno e all'interno sono pieni di un'enorme quantità di sculture tridimensionali, realizzate, come la pittura gotica, in un modo vicino al naturalistico, enfatizzato anche nel Medioevo dalla colorazione realistica delle sculture. Si è creata così una certa opposizione spazio-ambientale tra l'architettura estremamente irrazionale che aspira a distanze mistiche e la plasticità terrena e la pittura che vi confluiscono organicamente in modo costruttivo, ma le si oppongono nello spirito. A livello artistico (e questa è una caratteristica dello stile gotico), si esprimeva l'antinomia essenziale del cristianesimo: l'unità dei principi opposti nell'uomo e nel mondo terreno: spirito, anima, spirituale e materia, corpo, corporeo.

Allo stesso tempo, non si può parlare nel senso letterale del naturalismo della scultura e della pittura gotica. Questo è un naturalismo speciale, artisticamente ispirato, pieno di sottile materia artistica, che eleva lo spirito di chi percepisce ai mondi spirituale ed estetico. Con il peculiare naturalismo delle espressioni facciali e dei gesti di file apparentemente statuarie di statue gotiche, colpiscono la ricchezza e la plasticità artistica delle pieghe dei loro vestiti, soggette ad alcune forze fisicamente incondizionate; o la squisita linea di curvatura dei corpi di molte figure gotiche ancora in piedi - la cosiddetta curva gotica (curva a S della figura). La pittura gotica è soggetta ad alcune leggi peculiari di speciale espressione cromatica. Molti volti, figure, abiti scritti in modo quasi naturalistico (o illusorio-fotograficamente) nelle pitture d'altare stupiscono con il loro potere ultraterreno soprannaturale. Un esempio eccezionale in questo senso è l'arte dell'artista olandese Rogier van der Weyden e di alcuni dei suoi studenti.

Le stesse caratteristiche stilistiche sono caratteristiche anche dell'aspetto esterno dei templi gotici: scultoreo, aspirazione verso l'alto dell'intero aspetto dovuto alle forme ogivali di archi, volte, tutti i piccoli elementi architettonici e, infine, enormi frecce che incoronano i templi traforati, come se tessuto con pizzo di pietra, torri puramente decorative, scopo architettonico; rosoni di finestre geometricamente accurati e decorativi, innumerevoli decorazioni ornamentali, in contrasto all'interno di un unico organismo architettonico con la plasticità seminaturalistica delle sculture e frequenti ornamenti floreali da rami con foglie. La natura organica e una forma matematicamente verificata e geometricamente prescritta formano in gotico un'immagine integrale altamente artistica e altamente spirituale, orientando, aspirando, elevando lo spirito di un credente o soggetto estetico ad altre realtà, ad altri livelli di coscienza (o essere). Se a ciò aggiungiamo l'atmosfera sonora (l'acustica nelle chiese gotiche è eccellente) dell'organo e del coro della chiesa che eseguono, ad esempio, il canto gregoriano, allora il quadro di alcune caratteristiche essenziali dello stile gotico sarà più o meno completo, anche se lungi dall'essere sufficiente.

Più di duecentocinquanta paesi, diverse migliaia di nazionalità, nazionalità, popoli grandi e piccoli, esistono e interagiscono tra loro sul pianeta Terra. E ognuno di essi ha le proprie caratteristiche, usi e costumi, tratti caratteristici formatisi nel corso dei secoli. Ci sono anche simboli artistici dei popoli del mondo, che riflettono la loro idea di essere, religione, filosofia e altre conoscenze e concetti. In diversi paesi differiscono tra loro, possedendo l'originalità e l'originalità inerenti a questo o quel pezzo del pianeta. Non dipendono direttamente dal potere statale, ma talvolta si formano durante i cambiamenti di autorità e governanti da parte delle persone stesse. Quali sono i simboli artistici dei popoli del mondo nel senso generalmente accettato del termine?

Simbolo

In parole povere, il simbolo è un segno ipertrofico. Cioè, un'immagine, di regola, schematica e condizionale di un oggetto, animale, pianta o concetto, qualità, fenomeno, idea. Ciò che distingue un simbolo da un segno è il contesto sacro, il momento della normatività e della spiritualità sociale o religioso-mistico, espresso nell'immagine (di regola, schematicamente e semplificato).

Simboli artistici dei popoli del mondo

Probabilmente, ciascuno dei paesi ha i propri miracoli artificiali realizzati dalle persone. Non per niente anticamente venivano individuati sette miracoli, considerati, ovviamente, simboli artistici originali (il primo elenco fu compilato, come si dice, da Erodoto nel V secolo a.C., conteneva solo tre miracoli ). Questi includevano la piramide di Cheope, i giardini di Babilonia, la statua di Zeus, il faro di Alessandria e altri. L'elenco è variato nel corso dei secoli: alcuni nomi si sono aggiunti, altri sono scomparsi. Molti simboli artistici dei popoli del mondo non sono sopravvissuti fino ad oggi. Dopotutto, infatti, in ogni momento ce n'era un numero incommensurabile tra i vari popoli. Proprio il numero sette era considerato sacro, magico. Ebbene, il tempo ha conservato oggi solo pochi simboli dei popoli del mondo.

Elenco

La posizione di leader in esso, ovviamente, è occupata dalle piramidi egiziane. Gli scienziati stanno ancora discutendo sulla loro origine e sul fenomeno della costruzione. Ma resta il fatto: questa è una delle meraviglie globali del mondo sopravvissute fino ad oggi fin dai tempi antichi. Un simbolo artistico che vale davvero la pena guardare!
In Cina, orgoglio nazionale e impeccabile simbolo artistico della Grande Muraglia. Dura per molti chilometri, dalle profondità dei secoli ai nostri tempi!
In Inghilterra, questa è Stonehenge, a prima vista, una raccolta di pietre ammucchiate in pile. Ma che fascino! E quanti anni ha questo edificio magico, gli scienziati non possono ancora determinarlo esattamente. Non c'è da stupirsi che molti pellegrini si riversino lì ogni anno.

Tra i più antichi si possono distinguere soprattutto gli idoli dell'Isola di Pasqua. Queste sono opere davvero monumentali!

Quelli più moderni includono: la Torre Eiffel (Parigi), la Statua della Libertà (New York), la Statua di Cristo in Brasile (Rio). Queste opere create dall'uomo sono state create già nella nostra epoca. Ma una certa modernità non ci impedisce di percepirli come simboli artistici globali dei popoli del mondo (vedi immagini sopra e sotto).

Ma in generale, ci sono moltissimi simboli e c'è la speranza che ne appaiano di nuovi, ampliando l'elenco già familiare!

Maggiori informazioni

MHK Grado 8 LEZIONE N. _5_

Tema: Simboli artistici dei popoli del mondo.

Obiettivi: 1) Far conoscere agli studenti i simboli artistici dei popoli del mondo, rivelare il significato dell'immagine della betulla russa nella poesia, nella pittura e nella musica

2) Migliorare il senso del linguaggio, la capacità di lettura espressiva.

3) Coltivare l'amore per la parola poetica, la capacità di trattare la parola con attenzione e premurosità durante la lettura di opere poetiche, coltivare un senso di amore per la madrepatria, la natura.

Durante le lezioni:

Organizzare il tempo

Aggiornamento delle conoscenze degli studenti sull'argomento:

Non proprio

A) Il romanzo "La vita e le incredibili avventure di Robinson Crusoe" è stato scritto dallo scrittore inglese D. Defoe? (SÌ).

B) la parola "civiltà" in greco antico suona come "civile, pubblico, statale"? (no, dal latino e da altri romani).

C) Civiltà: il livello di sviluppo materiale e spirituale della società (sì).

D) Cultura è associata alla parola “culto” e significa reverenza, adorazione (sì).

E) Nel dizionario di Ozhegov, la parola “cultura” ha il seguente significato: elaborazione, cura, coltivazione” e “educazione mentale e morale” (no, nel dizionario di V. Dahl)

E) Il concetto di “civiltà” è più ampio del concetto di “cultura” (sì)

G) La cultura è un concetto temporaneo e la civiltà è universale (no, anzi)

H) Chiamiamo persona colta qualcuno che agisce in conformità con le norme di pensiero e di comportamento accettate nella società (sì)

I) Pitagora cercò di ricreare l'immagine di una persona colta nell'era dell'antichità (no, Platone)

K) Confucio è un pensatore giapponese? (no, cinese)

L) L'artista Hieronymus Bosch visse nel XV secolo nei Paesi Bassi? (SÌ)

Definire il concetto di MHC

Quale dio era il patrono delle arti, quali erano i nomi dei suoi assistenti?

Post degli studenti su I. Bosch

III. Esplorare un nuovo argomento:

Non riesco a immaginare la Russia senza una betulla, -
è così brillante in slavo,
che, forse, in secoli diversi
da una betulla: è nata tutta la Rus'.
Oleg Shestinskij

1. Presentazione dell'argomento e obiettivi della lezione. Oggi durante la lezione faremo un breve viaggio intorno al mondo e conosceremo i simboli artistici dei popoli del mondo, faremo una passeggiata attraverso il "paese del chintz di betulla" e, naturalmente, ci immergeremo nelle nostre distese native di Kalmyk, a noi familiare fin dall'infanzia.

2. Imparare nuovo materiale.

Insegnante: Ci sono più di 250 paesi sul nostro pianeta, dove vivono diverse migliaia di popoli diversi, ognuno dei quali ha le proprie tradizioni e caratteristiche. Probabilmente hai sentito più di una volta tali combinazioni: "accuratezza tedesca", "galanteria francese", "temperamento africano", "freddezza degli inglesi", "irascibilità degli italiani", "ospitalità dei georgiani", ecc. Dietro ciascuna di sono caratteristiche e caratteristiche che si sono sviluppate in una certa popolazione nel corso degli anni.

E allora, che dire della cultura artistica? Ci sono immagini e caratteristiche così stabili in esso? Indubbiamente. Ogni nazione ha la propria simbuoi, che riflettono idee artistiche sul mondo.

Immagina di essere arrivato in un paese sconosciuto. Cosa ti interesserà innanzitutto? Naturalmente, che lingua si parla qui? Quali attrazioni verranno mostrate per prime? Cosa adorano e in cosa credono? Quali leggende, miti e leggende vengono raccontate? Come ballano e cantano? E molti molti altri.

Cosa ti verrà mostrato, ad esempio, se visiti l'Egitto?

Alunno: Le antiche piramidi, considerate una delle meraviglie del mondo e da tempo diventate il simbolo artistico di questo paese.

Alunno: Sull'altopiano roccioso del deserto, che proiettano ombre chiare sulla sabbia, per più di quaranta secoli ci sono stati tre enormi corpi geometrici: piramidi tetraedriche perfettamente regolari, le tombe dei faraoni Cheope, Chefren e Mykerin. Il loro rivestimento originale è andato perduto da tempo, le camere sepolcrali con i sarcofagi sono state saccheggiate, ma né il tempo né le persone sono riuscite a turbare la loro forma idealmente stabile. I triangoli delle piramidi contro il cielo azzurro sono visibili da ogni parte, a ricordare l'Eternità.

Insegnante: Se hai un incontro con Parigi, vorrai sicuramente salire in cima alla famosa Torre Eiffel, diventata anche un simbolo artistico di questa meravigliosa città. Cosa sai di lei?

Alunno: Costruito nel 1889 come decorazione dell'Esposizione Mondiale, suscitò inizialmente sdegno e indignazione tra i parigini. I contemporanei in competizione tra loro gridarono:

Alunno: A proposito, a quel tempo era l'edificio più alto del mondo, la sua altezza era di 320 metri! I dati tecnici della torre sono sorprendenti ancora oggi: quindicimila parti metalliche collegate da più di due milioni di rivetti formano una sorta di "laccio di ferro". Settemila tonnellate poggiano su quattro pilastri e non esercitano sul suolo più pressione di quella di un uomo seduto su una sedia. Sarebbe stata demolita più di una volta e torreggia con orgoglio su Parigi, offrendo l'opportunità di ammirare le attrazioni della città da una prospettiva a volo d'uccello...

Insegnante: E quali sono i simboli artistici di USA, Cina, Russia?

Alunno: La Statua della Libertà per gli USA, il Palazzo Imperiale della Città Proibita per la Cina, il Cremlino per la Russia.

Insegnante: Ma molti popoli hanno i loro simboli speciali e poetici. Ci parli di uno di loro?

Alunno: Rami bizzarramente curvi di ciliegio sottodimensionato - sakura - un simbolo poetico del Giappone.

Se chiedi:

Cos'è l'anima

Isole del Giappone?

Nel profumo delle ciliegie di montagna

All'alba.

Insegnante: Cosa c'è di così attraente nei fiori di ciliegio in Giappone? Forse un'abbondanza di petali di sakura bianchi e rosa pallido su rami spogli che non hanno ancora avuto il tempo di ricoprirsi di verde?

La bellezza dei fiori è sbiadita così in fretta!

E la bellezza della giovinezza era così fugace!

La vita è passata invano...

Guardando la lunga pioggia

E penso: come nel mondo non tutto è per sempre!

Komachi (Tradotto da A. Gluskina)

Alunno: Il poeta è attratto dalla bellezza dell'impermanenza, dalla fragilità e dalla caducità della vita. I ciliegi fioriscono rapidamente e la giovinezza è fugace.

Insegnante: Quale tecnica artistica utilizza l'autore?

Alunno: Personificazione. Un fiore di ciliegio per un poeta è un essere vivente capace di provare gli stessi sentimenti di una persona.

Insegnante:

Nebbia primaverile, perché ti sei nascosta

Fiori di ciliegio che ora svolazzano in giro

Sulle pendici delle montagne?

Non solo lo splendore ci è caro, -

E il momento che svanisce è degno di ammirazione!

Tsurayuki (Tradotto da V. Markova)

Insegnante: righe di commento.

Alunno: I petali dei fiori di ciliegio non sbiadiscono mai. Voltando allegramente, volano a terra al minimo soffio di brezza e ricoprono il terreno di fiori che non hanno ancora avuto il tempo di appassire. Il momento in sé è importante, la fragilità della fioritura. Questa è la fonte della Bellezza.

Insegnante: La betulla dal tronco bianco è diventata un simbolo poetico artistico della Russia.

Adoro la betulla russa
O brillante o triste
In un prendisole sbiancato,
Con i fazzoletti nelle tasche
Con bellissime chiusure
Con orecchini verdi.
La adoro elegante
Che chiaro, ribollente,
Che triste, piangere.
Adoro la betulla russa.
Piegato sotto il vento
E si piega, ma non si rompe!
A. Prokofiev.

Insegnante: Già in età adulta, Igor Grabar disse: “Cosa potrebbe esserci di più bello di una betulla, l'unico albero in natura, il cui tronco è di un bianco abbagliante, mentre tutti gli altri alberi del mondo hanno tronchi scuri. Albero fantastico, soprannaturale, albero da favola. Mi sono innamorato appassionatamente della betulla russa e per molto tempo l'ho quasi dipinta da sola.

Insegnante: Il tema della Patria è strettamente intrecciato con l'immagine della betulla. Ogni linea di Yesenin è riscaldata da un sentimento di sconfinato amore per la Russia.

Betulla

Betulla bianca

Sotto la mia finestra.

coperto di neve,

Esattamente argento.

Su rami soffici

confine di neve

I pennelli fiorirono

Frangia bianca.

E c'è una betulla

Nel silenzio assonnato

E i fiocchi di neve stanno bruciando

Nel fuoco dorato

Un'alba, pigra

Andando in giro,

Rami delle docce

Nuovo argento. 1913

Insegnante. Le betulle bianche toccano l'anima non solo della nostra, ma anche degli stranieri. Dopo aver visitato Mosca, al famoso calciatore Pelé è stato chiesto cosa lo ha colpito e apprezzato di più in Russia. Rispose: "Betulle".

Insegnante: Passeranno centinaia di anni, ma la betulla simboleggerà la nostra patria immortale e potente.

E ora passiamo ai simboli artistici della nostra piccola patria: Kalmykia.

Quale pensi che sarà il simbolo di Kalmyk?...

La rosa caspica della Russia

Il 2010 è stato dichiarato l'anno della saiga in Calmucchia

Tabella: compilata durante la lezione.

Un paese

simbolo artistico

Compiti a casa- scrivere un messaggio su qualsiasi immagine artistica dei popoli del mondo.

PIRAMIDI

Studente: Sull'altopiano roccioso del deserto, che proiettano ombre chiare sulla sabbia, per più di quaranta secoli ci sono stati tre enormi corpi geometrici: piramidi tetraedriche perfettamente regolari, le tombe dei faraoni Cheope, Chefren e Mykerin. Il loro rivestimento originale è andato perduto da tempo, le camere sepolcrali con i sarcofagi sono state saccheggiate, ma né il tempo né le persone sono riuscite a turbare la loro forma idealmente stabile. I triangoli delle piramidi contro il cielo azzurro sono visibili da ogni parte, a ricordare l'Eternità.

TORRE EIFFEL 1

Discepolo: Costruito nel 1889 come decorazione dell'Esposizione Mondiale, suscitò inizialmente l'indignazione e l'indignazione dei parigini. I contemporanei in competizione tra loro gridarono:

“Protestiamo contro questa colonna di lamiera imbullonata, contro questa ciminiera ridicola e vertiginosa, eretta per glorificare il vandalismo industriale. La costruzione di questa inutile e mostruosa Torre Eiffel nel pieno centro di Parigi non è altro che una profanazione..."

È interessante che questa protesta sia stata firmata da personaggi della cultura molto famosi: il compositore Charles Gounod, gli scrittori Alexandre Dumas, Guy de Maupassant... Il poeta Paul Verlaine disse che questa “torre scheletrica non avrebbe resistito a lungo”, ma la sua cupa previsione era non destinato a realizzarsi. La Torre Eiffel è ancora in piedi ed è una meraviglia dell'ingegneria.

TORRE EIFFEL2

Studente: A proposito, a quel tempo era l'edificio più alto del mondo, la sua altezza era di 320 metri! I dati tecnici della torre sono sorprendenti ancora oggi: quindicimila parti metalliche collegate da più di due milioni di rivetti formano una sorta di "laccio di ferro". Settemila tonnellate poggiano su quattro pilastri e non esercitano sul suolo più pressione di quella di un uomo seduto su una sedia. Sarebbe stata demolita più di una volta e torreggia con orgoglio su Parigi, offrendo l'opportunità di ammirare le attrazioni della città da una prospettiva a volo d'uccello...

SAKURA

Studente: rami stranamente curvi di ciliegio sottodimensionato - sakura - un simbolo poetico del Giappone.

Se chiedi:

Cos'è l'anima

Isole del Giappone?

Nel profumo delle ciliegie di montagna

All'alba.

Norinaga (Tradotto da V. Sanovich)

BETULLA

A. Prokofiev.

BETULLA

Betulla bianca

Sotto la mia finestra.

coperto di neve,

Esattamente argento.

Su rami soffici

confine di neve

I pennelli fiorirono

Frangia bianca.

E c'è una betulla

Nel silenzio assonnato

E i fiocchi di neve stanno bruciando

Nel fuoco dorato

Un'alba, pigra

Andando in giro,

Rami delle docce

Nuovo argento.

TULIPANI

Vieni in Kalmykia ad aprile: vedrai come fiorisce la steppa. I tulipani lo ricoprono con un tappeto continuo. Giallo, rosso, rosa e perfino nero! E l'odore... vertiginoso.

Come dice la gente del posto: "I tulipani sono come i cavalli, non crescono in un posto. Quest'anno qui, l'anno prossimo - in un altro posto. A volte devi anche cercarli".

La Festa dei Tulipani è il risveglio della steppa. Questa vacanza è molto breve: i tulipani fioriscono per 10 giorni, non di più, e poi inizia l'estate torrida e calda.

In Kalmykia, aprile è il periodo dei tulipani. La terra sta guadagnando forza, prende vita, piena di nuovi colori e suoni.

La vittoria del sole e del caldo è stata coronata da una corona di tulipani scarlatti.

LOTO

Una cosa sorprendente, sempre quando parlano del Loto, credono che questo sia il fiore dell'Egitto e c'è addirittura una leggenda secondo cui il Dio del Sole Ra apparve dal fiore di Loto, donando alla Terra luce e calore. Al centro delle leggende sul loto ci sono le idee dell'umanità sulla fertilità e sulla vita, sulla longevità e sulla salute. Tuttavia, Kalmykia può anche vantarsi di avere vaste distese dove e la "regina dei fiumi" Volga, dove questo fiore, chiamato "rosa del Caspio", sboccia magnificamente e piace alla vista.

Loto

Testa bassa assonnata
Sotto il fuoco della luce del giorno,
Tranquillo profumo di loto
In attesa di notti scintillanti.

E galleggia e basta
Nel cielo una dolce luna,
Alza la testa
Risvegliarsi dal sonno.

Brilla su lenzuola profumate
Le sue lacrime pure rugiadano,
E trema d'amore
Guardando tristemente il cielo.

G.Heine

saiga

In Kalmykia, il 2010 è stato dichiarato l'anno della Saiga. Il decreto in merito è stato firmato l'ultimo giorno d'autunno dal capo della repubblica Kirsan Ilyumzhinov.
Lo scopo dell'evento è preservare la popolazione della saiga europea, uno dei più antichi rappresentanti sopravvissuti della fauna relitta, intensificare le attività delle strutture di protezione della natura sul territorio della Repubblica di Kalmykia e sviluppare una serie di misure per migliorare l’efficienza della protezione della saiga.

Kalmykia - il centro del buddismo in Europa

Il 27 dicembre 2005 è stato inaugurato un nuovo tempio buddista nel centro di Elista con la statua del Buddha Shakyamuni più alta d'Europa. Questo tempio, costruito grazie agli sforzi del capo della Repubblica di Kalmykia Kirsan Ilyumzhinov, dello Shajin Lama di Kalmykia Telo Tulku Rinpoche, così come dell'intero popolo di Kalmykia, diventerà nei prossimi anni il centro per lo studio della lingua tibetana Buddismo, nonché luogo di pellegrinaggio per numerosi seguaci di questa religione in Russia e nei paesi europei. Il tempio è stato eretto su un sito benedetto da Sua Santità il Dalai Lama durante la sua visita in Calmucchia nel novembre 2004.

Informazioni sull'autore

Vafina Oksana Nikolaevna

Luogo di lavoro, posizione:

MOU "SOSH 28"

Regione di Belgorod

Caratteristiche delle risorse

Livelli di istruzione:

Istruzione generale di base

Classi):

Elementi):

Letteratura

Il pubblico di destinazione:

Insegnante (insegnante)

Tipo di risorsa:

Materiale didattico

Breve descrizione della risorsa:

Sviluppo della lezione

Lezione integrata di letteratura e MHC.

Tema: Simboli artistici dei popoli del mondo. "Nel paese del chintz di betulla".

Obiettivi:1) Far conoscere agli studenti i simboli artistici dei popoli del mondo, rivelare il significato dell'immagine della betulla russa nella poesia, nella pittura e nella musica; mostrare il brillante talento originale di Sergei Yesenin; formare la capacità di trovare mezzi figurativi ed espressivi della lingua, per determinare il loro ruolo nei testi.

2) Migliorare il senso del linguaggio, la capacità di lettura espressiva.

Durante le lezioni

Non riesco a immaginare la Russia senza una betulla, -
è così brillante in slavo,
che, forse, in secoli diversi
da una betulla: è nata tutta la Rus'.
Oleg Shestinskij

1. Impostazione psicologica. (Suona la canzone "C'era una betulla nel campo")

2. Presentazione dell'argomento e obiettivi della lezione. Oggi, durante la lezione di letteratura e MHK, faremo un breve viaggio intorno al mondo e conosceremo i simboli artistici dei popoli del mondo, faremo una passeggiata nel “paese della betulla calico”, sveleremo il significato di il simbolo poetico della Russia nella poesia, nella pittura, nella musica.

3. Imparare nuovo materiale.

Insegnante:Ci sono più di 250 paesi sul nostro pianeta, dove vivono diverse migliaia di popoli diversi,ognuno dei quali ha le proprie tradizioni e caratteristiche.Devi aver sentito queste combinazioni più di una volta.: "la pulizia tedesca", "la galanteria francese","Temperamento africano", "freddezza inglichan”, “irascibilità degli italiani”, “ospitalità dei georgiani”, ecc.Dietro ciascuno di essi ci sono le caratteristiche e le caratteristiche che si sono sviluppate tra un certo popolo nel corso degli anni.

E allora, che dire della cultura artistica? Ha qualcosa di simile?immagini e tratti stabili? Indubbiamente. Ogni nazione ha i suoi simbolibuoi, che riflettono idee artistiche sul mondo.

Immagina di essere arrivato in un paese sconosciuto. Cosa, innanzitutto,ti interessa? Naturalmente, che lingua si parla qui? Quali attrazioni verranno mostrate per prime? Cosa adorano e in cosa credono? Quali leggende, miti e leggende vengono raccontate? Come ballanoe cantare? E molti molti altri.

Cosa ti verrà mostrato, ad esempio, se visiti l'Egitto?

Alunno: D antiche piramidi, considerate una delle meraviglie del mondo e lo sono da tempoil simbolo artistico di questo paese.

Alunno:Sull'altopiano rocciosodeserti, che proiettano ombre nette sulla sabbia, da più di quaranta secolici sono tre enormi corpi geometrici, perfettamente regolaritetraedrico piramidi, tombe dei faraoni Cheope, Chefren e MiKerin. Il loro rivestimento originale è andato perduto da tempo, saccheggiatocamere di rematura con sarcofagi, ma né il tempo né le persone riuscirono a rompere la loro forma perfettamente stabile. Triangoli delle piramidi sullo sfondo dii cieli azzurri sono visibili da ogni parte, a ricordo dell'Eternità.

Insegnante: Se hai un incontro con Parigi, vorrai sicuramente salire in cima al famoso Torre Eiffel, diventare anche hu-il simbolo di questa meravigliosa città. Cosa sai di lei?

Alunno:Costruito nel 1889anno come decorazione dell'Esposizione Mondiale, suscitò inizialmente l'indignazione e l'indignazione dei parigini. I contemporanei in competizione tra loro gridarono:

È interessante notare che questa protesta è stata firmata da personaggi della cultura molto famosi: il compositore Charles Gounod, gli scrittori Alexandre Dumas, Guy de Maupassant... Il poeta Paul Verlaine ha detto che questa “torre scheletrica non resisterà a lungo”, ma la sua cupa previsione non avverarsi. La Torre Eiffel è ancora in piedi ed è una meraviglia dell'ingegneria.

Alunno:A proposito, a quel tempo era l'edificio più alto del mondo, la sua altezza era di 320 metri! I dati tecnici della torre sono sorprendenti ancora oggi: quindicimila parti metalliche collegate da più di due milioni di rivetti formano una sorta di "laccio di ferro". Settemila tonnellate poggiano su quattro pilastri e non esercitano sul suolo più pressione di quella di un uomo seduto su una sedia. Sarebbe stata demolita più di una volta e torreggia con orgoglio su Parigi, offrendo l'opportunità di ammirare le attrazioni della città da una prospettiva a volo d'uccello...

Insegnante:E quali sono i simboli artistici di USA, Cina, Russia?

Alunno:La Statua della Libertà per gli USA, il Palazzo Imperiale della Città Proibita per la Cina, il Cremlino per la Russia.

Insegnante:Ma molte nazioni hanno anche i loro simboli speciali e poetici. Ci parli di uno di loro?

Alunno:Rami bizzarramente curvi di ciliegio sottodimensionato - sakura - un simbolo poetico del Giappone.

Se chiedi:

Cos'è l'anima

Isole del Giappone?

Nel profumo delle ciliegie di montagna

All'alba.

Norinaga (Tradotto da V. Sanovich)

Insegnante:Cosa c'è di così attraente nei fiori di ciliegio in Giappone? Forse, un'abbondanza di petali di sakura bianchi e rosa pallido su rami spogli che non hanno ancora avuto il tempo di ricoprirsi di verde?

Alunno:La bellezza dei fiori è sbiadita così in fretta!

E la bellezza della giovinezza era così fugace!

La vita è passata invano...

Guardando la lunga pioggia

E penso: come nel mondo non tutto è per sempre!

Komachi (Tradotto da A. Gluskina)

Alunno:Il poeta è attratto dalla bellezza dell'impermanenza, dalla fragilità e dalla caducità della vita. I ciliegi fioriscono rapidamente e la giovinezza è fugace.

Insegnante:Quale tecnica artistica utilizza l'autore?

Alunno:Personificazione. Per un poeta, un fiore di ciliegio è una creatura vivente capace di provare gli stessi sentimenti di una persona.

Alunno:

Nebbia primaverile, perché ti sei nascosta

Fiori di ciliegio che ora svolazzano in giro

Sulle pendici delle montagne?

Non solo lo splendore ci è caro, -

E il momento che svanisce è degno di ammirazione!

Tsurayuki (Tradotto da V. Markova)

Insegnante:Commenta le righe.

Alunno:I petali dei fiori di ciliegio non sbiadiscono mai. Girando allegramente, volano versoterra dal minimo soffio di brezza e ricoprono la terra prima che abbiano tempo -appassito di fiori. Il momento in sé è importante, la fragilità della fioritura. nome-ma questa è la fonte della bellezza.

Insegnante:Il tronco bianco è diventato un simbolo poetico artistico della Russiano betulla.

Insegnante:Probabilmente, il cuore russo non cesserà mai di essere sorpreso dalla bellezza inaspettata e nativa della familiare, a quanto pare, betulla. Già in età adulta, Igor Grabar diceva: “Cosa potrebbe esserci di più bello di una betulla, l'unico albero in natura il cui tronco è di un bianco abbagliante, mentre tutti gli altri alberi del mondo hanno tronchi scuri. Albero fantastico, soprannaturale, albero da favola. Mi sono innamorato appassionatamente della betulla russa e per molto tempo l'ho quasi dipinta da sola.

La storia di uno studente sul dipinto di I. Grabar "February Blue".

I. Grabar scrisse il suo "Febbraio Azzurro" nell'inverno - primavera del 1904, quando era in visita ad amici nella regione di Mosca. Durante una delle sue solite passeggiate mattutine, fu colpito dalla festa del risveglio della primavera e in seguito, essendo già un venerabile artista, raccontò in modo molto vivido la storia della creazione di questa tela. “Mi trovavo vicino ad un meraviglioso esemplare di betulla, rara nella struttura ritmica dei suoi rami. Lanciando un'occhiata a lei, lasciai cadere il bastone e mi chinai per raccoglierlo. Quando ho guardato la cima della betulla dal basso, dalla superficie della neve, sono rimasto sbalordito dallo spettacolo di fantastica bellezza che si è aperto davanti a me: una sorta di rintocchi ed echi di tutti i colori dell'arcobaleno, uniti dal smalto azzurro del cielo. La natura sembrava celebrare una festa senza precedenti fatta di cielo azzurro, betulle perlate, rami di corallo e ombre di zaffiro sulla neve lilla. Non sorprende che l'artista abbia voluto con passione trasmettere "almeno un decimo di questa bellezza".

Insegnante: Ragazzi, non solo Grabar si è rivolto all'immagine di una bellissima betulla, davanti a voi c'è una mostra di opere di artisti, dove questo bellissimo albero è l'eroina. Che umore respirano queste riproduzioni di artisti?

Cosa puoi dire dei dipinti degli artisti?

Alunno:Allegra, piena di luce, la betulla in essi è spiritualizzata.

Alunno: Kuindzhi "Birch Grove" (1879), - intriso di sano e allegro ottimismo. L'artista ha catturato la natura giubilante e bagnata dalla pioggia, che è nella sua stagione estiva migliore e più lussuosa. La composizione dell'immagine è originale, l'armonia dei suoi colori puri è sorprendente.

Insegnante.Betulla. Cos'è quest'albero?

"La betulla è un albero con corteccia bianca, legno duro e foglie a forma di cuore", riporta spassionatamente il Dizionario esplicativo della lingua russa.

Forse il dizionario esplicativo dovrebbe essere impassibile.

Ma per quanto riguarda la lingua russa, allora, forse, nessun albero ha meritato un numero così elevato di epiteti, confronti, frasi affettuose, non è stato associato a parole così entusiaste come la betulla. Questo può essere rintracciato nel folklore e, soprattutto, nella poesia russa, dove la betulla si stabilì molto tempo fa, saldamente e, a quanto pare, per sempre.

Il "paese del chintz di betulla" di Esenin è straordinariamente bello e caro al cuore di tutti. Un paese dove passeggiare per ore in una pineta, immersi in un soffice tappeto di muschio grigio-azzurro. In un paese dove crescono alti boschetti di ginepro. E sulle collinette palustri fioriscono mirtilli rossi e mirtilli rossi. Un paese dove laghi misteriosi si nascondono nella natura selvaggia. Un paese dove tutto prende vita intorno. Il mondo della natura è pieno non solo di colori, suoni, movimento, ma anche animato.

Alunno: Buongiorno

Le stelle dorate si sono addormentate,

Lo specchio dell'acqua stagnante tremò,

La luce splende sulle backwaters del fiume

E arrossa la griglia del cielo.

Le betulle assonnate sorridevano,

Trecce di seta arruffate,

Orecchini verdi fruscianti,

E le rugiade d'argento stanno bruciando.

Il recinto di canniccio ha un'ortica troppo cresciuta

Vestito di brillante madreperla

E, dondolandosi, sussurra scherzosamente:

"Buongiorno!"

InsegnanteD: Quali immagini vedi nella poesia?

Alunno:Stella, betulla, ortica.

Insegnante:Con l'aiuto di quali mezzi figurativi ed espressivi viene creata l'immagine di una betulla?

Alunno:personificazione (betulle sorridenti, trecce arruffate), epiteti (betulle assonnate, trecce di seta, rugiada d'argento), metafore (rugiada brucia, trecce arruffate).

Insegnante:La pittura a colori è una delle caratteristiche delle poesie di Yesenin. Quali colori usa per descrivere la betulla? A cosa servono i "dettagli colore"?

Alunno:Argento, verde, altri - madreperla. I "dettagli colorati" aiutano a comprendere lo stato d'animo del poeta, ad acuire sentimenti e pensieri, a rivelarne la profondità.

Insegnante:Qual è lo stato d'animo della poesia?

Alunno:Romantico, ottimista, gioioso, emozionato.

Insegnante:Nella poesia "Acconciatura verde". (1918) l'umanizzazione della betulla nell'opera di Esenin raggiunge il suo pieno sviluppo.

Alunno:Leggere una poesia

Insegnante: Di chi parla la poesia? A chi assomiglia la betulla?

Alunno: La betulla diventa come una donna.

capelli verdi,

seno di ragazza,

O betulla sottile,

Cosa hai guardato nello stagno?

Insegnante: Qual è la betulla simboleggiata nella poesia russa?

Alunno:È simbolo di bellezza, armonia, giovinezza; lei è brillante e casta.

Insegnante: Negli antichi riti pagani fungeva spesso da "albero di maggio", simbolo della primavera. Esenin, descrivendo le vacanze primaverili popolari, menziona una betulla nel significato di questo simbolo nelle poesie "Trinità mattutina ..." (1914) e "Le canne frusciavano sullo stagno ..." (1914)

Insegnante: A quale usanza popolare si riferisce la poesia "Le canne frusciavano sugli stagni ..."

Alunno: Nella poesia "Le canne frusciavano sullo stagno" stiamo parlando di un'azione importante ed affascinante della settimana di Semitsk - Trinità - predizione del futuro sulle ghirlande.

La fanciulla rossa predisse il futuro in sette.

Un'onda disfece una ghirlanda di cuscuta.

Le ragazze intrecciavano ghirlande e le gettavano nel fiume. Secondo una ghirlanda che salpò lontano, si incagliò, si fermò o annegò, giudicarono il destino che li attendeva (matrimonio lontano o vicino, adolescenza, morte di una promessa sposa).

Ah, non sposare una ragazza in primavera,

L'ha spaventata con i segni della foresta.

Insegnante: Cosa ha offuscato l'incontro di primavera?

Insegnante: Quali immagini rafforzano il motivo dell'infelicità?