Esempi di pittura, generi, stili, varie tecniche e direzioni. Dipinti per interni: tipi, scopi, regole di applicazione Quali sono i generi di disegno

Studenti, dottorandi, giovani scienziati che utilizzano la base di conoscenze nei loro studi e nel loro lavoro ti saranno molto grati.

INTRODUZIONE

1. TIPI DI PITTURA

2. LA PITTURA E I SUOI ​​GENERI

CONCLUSIONE

BIBLIOGRAFIA

INTRODUZIONE

La parola "pittura" è formata dalle parole "vivere" e "scrivere". “Pittura”, spiega Dahl, “per rappresentare in modo corretto e vivido con un pennello o con le parole, con una penna”. Per il pittore raffigurare correttamente significa trasferire esattamente l'aspetto esteriore di ciò che ha visto, le sue caratteristiche più importanti. È stato possibile trasmetterli correttamente con mezzi grafici: linea e tono. Ma è impossibile trasmettere vividamente con questi mezzi limitati il ​​multicolore del mondo circostante, la pulsazione della vita in ogni centimetro della superficie colorata di un oggetto, il fascino di questa vita e il costante movimento e cambiamento. La pittura, uno dei tipi di belle arti, aiuta a riflettere veramente il colore del mondo reale.

Il colore - il principale mezzo pittorico ed espressivo nella pittura - ha tono, saturazione e leggerezza; sembra fondere in un tutto tutto ciò che è caratteristico del soggetto: sia ciò che può essere rappresentato da una linea, sia ciò che le è inaccessibile.

La pittura, come la grafica, utilizza linee, tratti e macchie chiare e scure, ma a differenza di essa, queste linee, tratti e macchie sono colorate. Trasmettono il colore della sorgente luminosa attraverso l'abbagliamento e le superfici ben illuminate, scolpiscono una forma tridimensionale con il colore dell'oggetto (locale) e il colore riflesso dall'ambiente, stabiliscono relazioni spaziali e profondità, descrivono la trama e la materialità degli oggetti.

Il compito della pittura non è solo mostrare qualcosa, ma anche rivelare l'essenza interiore del raffigurato, riprodurre "personaggi tipici in circostanze tipiche". Pertanto, una vera generalizzazione artistica dei fenomeni della vita è la base dei fondamenti della pittura realistica.

1. TIPI DI PITTURA

dipinto monumentale- Questo è un tipo speciale di dipinti su larga scala, che decorano le pareti e i soffitti delle strutture architettoniche. Rivela il contenuto dei principali fenomeni sociali che hanno avuto un impatto positivo sullo sviluppo della società, li glorifica e li perpetua, aiutando a educare le persone nello spirito del patriottismo, del progresso e dell'umanità. L'altezza del contenuto della pittura monumentale, le dimensioni significative delle sue opere, il legame con l'architettura richiedono grandi masse di colore, rigorosa semplicità e laconismo compositivo, chiarezza dei contorni e generalizzazione della forma plastica.

pittura decorativa Viene utilizzato per decorare edifici e interni sotto forma di pannelli colorati che, con un'immagine realistica, creano l'illusione di uno sfondamento del muro, un aumento visivo delle dimensioni della stanza o, al contrario, confermano le forme deliberatamente appiattite la planarità del muro e l'isolamento dello spazio. Motivi, ghirlande, ghirlande e altri tipi di decorazioni che adornano le opere di pittura e scultura monumentale collegano tra loro tutti gli elementi degli interni, sottolineandone la bellezza, la coerenza con l'architettura.

Pittura teatrale e decorativa(scene, costumi, trucco, oggetti di scena, realizzati secondo gli schizzi dell'artista) aiuta a rivelare più profondamente il contenuto dello spettacolo. Le particolari condizioni teatrali per la percezione della scena richiedono di tenere conto dei molteplici punti di vista del pubblico, della sua grande distanza, dell'impatto dell'illuminazione artificiale e dei riflessi colorati. Lo scenario dà un'idea del luogo e del tempo dell'azione, attiva la percezione dello spettatore di ciò che sta accadendo sul palco. L'artista teatrale cerca di esprimere in modo netto il carattere individuale dei personaggi, il loro status sociale, lo stile dell'epoca e molto altro ancora negli schizzi di costumi e trucco.

pittura in miniatura ebbe un grande sviluppo nel Medioevo, prima dell'invenzione della stampa. I libri scritti a mano erano decorati con i migliori copricapi, finali e dettagliate illustrazioni in miniatura. Gli artisti russi della prima metà del XIX secolo utilizzarono abilmente la tecnica pittorica della miniatura per creare piccoli ritratti (principalmente acquerelli). I colori puri e profondi degli acquerelli, le loro squisite combinazioni, la finezza del dipinto contraddistinguono questi ritratti, pieni di grazia e nobiltà.

pittura da cavalletto, eseguito su una macchina utensile - un cavalletto, utilizza come base materiale legno, cartone, carta, ma molto spesso una tela tesa su un telaio. Un dipinto da cavalletto, essendo un'opera indipendente, può rappresentare assolutamente tutto: reale e immaginario dell'artista, oggetti e persone inanimati, modernità e storia - in una parola, la vita in tutte le sue manifestazioni. A differenza della grafica, la pittura da cavalletto ha una ricchezza di colori, che aiuta a trasmettere emotivamente, psicologicamente multiforme e sottilmente la bellezza del mondo circostante.

Per tecnica e mezzo di esecuzione, la pittura si divide in olio, tempera, affresco, cera, mosaico, vetro colorato, acquerello, tempera, pastello. Questi nomi derivano dal legante o dal modo di utilizzare materiali e mezzi tecnici.

Pittura ad olio fatto con vernice cancellata su oli vegetali. La vernice densa, quando vengono aggiunti olio o diluenti e vernici speciali, si liquefa. La pittura ad olio può essere utilizzata su tela, legno, cartone, carta, metallo.

Tempera la verniciatura si effettua con vernici preparate su tuorlo d'uovo o caseina. La pittura a tempera si scioglie con l'acqua e si applica pastosa o liquida su muro, tela, carta, legno. La tempera in Rus' creava dipinti murali, icone e motivi su articoli per la casa. Ai nostri giorni la tempera viene utilizzata nella pittura e nella grafica, nelle arti e nei mestieri, nell'arte e nel design.

pittura ad affresco adorna gli interni sotto forma di composizioni monumentali e decorative applicate su intonaco bagnato con idropitture. L'affresco ha una piacevole superficie opaca ed è durevole in condizioni interne.

pittura a cera(encausto) era utilizzato dagli artisti dell'Antico Egitto, come testimoniano i famosi "ritratti di Fayum" (I secolo d.C.). Il legante nell'encausto è cera sbiancata. Le vernici a cera vengono applicate allo stato fuso su una base riscaldata, dopo di che vengono cauterizzate.

pittura a mosaico, o mosaico, è assemblato da singoli pezzi di pietre smaltate o colorate e fissati su uno speciale fondo di cemento. Lo smaltino trasparente, inserito nel terreno con diverse angolazioni, riflette o rifrange la luce, facendo lampeggiare e brillare il colore. I pannelli a mosaico si trovano nella metropolitana, negli interni di teatri e musei, ecc. La pittura su vetro colorato è un'opera d'arte decorativa progettata per decorare le aperture delle finestre in qualsiasi struttura architettonica. La vetrata è composta da pezzi di vetro colorato fissati con una robusta struttura metallica. Il flusso luminoso, irrompendo attraverso la superficie colorata della vetrata, disegna motivi multicolori decorativamente spettacolari sul pavimento e sulle pareti degli interni.

2. PITTURA E SUOI ​​GENERI

Generi di pittura (genere francese - genere, tipo) - la divisione storica dei dipinti secondo i temi e gli oggetti dell'immagine. Nella pittura moderna ci sono i seguenti generi: ritratto, storico, mitologico, battaglia, vita quotidiana, paesaggio, natura morta, genere animalesco.

Sebbene il concetto di "genere" sia apparso nella pittura relativamente di recente, alcune differenze di genere esistono fin dall'antichità: immagini di animali nelle caverne del Paleolitico, ritratti dell'antico Egitto e della Mesopotamia del 3000 a.C., paesaggi e nature morte in epoca ellenistica e romana. mosaici e affreschi. La formazione del genere come sistema nella pittura da cavalletto iniziò in Europa nel XV-XV secolo. e terminò principalmente nel XVII secolo, quando, oltre alla divisione delle belle arti in generi, apparve il concetto di generi "alti" e "bassi", a seconda del soggetto dell'immagine, del tema, della trama.

Il genere "alto" comprendeva generi storici e mitologici, mentre il genere "basso" comprendeva ritratto, paesaggio e natura morta. Questa gradazione di generi durò fino al XIX secolo. Quindi, nel XVII secolo in Olanda, furono proprio i generi "bassi" a diventare protagonisti della pittura (paesaggio, genere quotidiano, natura morta), e il ritratto cerimoniale, che formalmente apparteneva al genere "basso" della ritrattistica, lo fece non appartenergli.

Divenuti una forma di riflessione della vita, i generi pittorici, con tutta la stabilità delle caratteristiche comuni, non sono invariabili, si sviluppano insieme alla vita, cambiando con lo sviluppo dell'arte. Alcuni generi muoiono o acquisiscono un nuovo significato (ad esempio, il genere mitologico), ne sorgono di nuovi, solitamente all'interno di quelli preesistenti (ad esempio, un paesaggio architettonico e un porto turistico sono apparsi all'interno del genere paesaggistico). Ci sono opere che combinano generi diversi (ad esempio, una combinazione del genere quotidiano con un paesaggio, un ritratto di gruppo con un genere storico).

Viene chiamato un genere di belle arti che riflette l'aspetto esterno ed interno di una persona o di un gruppo di persone ritratto. Questo genere è diffuso non solo nella pittura, ma anche nella scultura, nella grafica, ecc. I requisiti principali per un ritratto sono il trasferimento della somiglianza esterna e la rivelazione del mondo interiore, l'essenza del carattere di una persona. Per la natura dell'immagine, si distinguono due gruppi principali: ritratti cerimoniali e da camera. Il ritratto cerimoniale mostra una persona in tutta la sua crescita (a cavallo, in piedi o seduta), su uno sfondo architettonico o paesaggistico. In un ritratto da camera, viene utilizzata un'immagine a mezzo busto o al petto su uno sfondo neutro. Un autoritratto spicca in un gruppo speciale: l'immagine di se stesso dell'artista.

Il ritratto è uno dei generi più antichi di belle arti, originariamente aveva uno scopo di culto, veniva identificato con l'anima del defunto. Nel mondo antico, il ritratto si sviluppò maggiormente nella scultura, così come nei ritratti pittorici: ritratti Faiyum del I-III secolo. Nel Medioevo, il concetto di ritratto fu sostituito da immagini generalizzate, sebbene ci siano alcune caratteristiche individuali nella raffigurazione di personaggi storici su affreschi, mosaici, icone e miniature. Il tardo gotico e il Rinascimento sono un periodo turbolento nello sviluppo del ritratto, quando emerge il genere del ritratto, raggiungendo le vette della fede umanistica nell'uomo e della comprensione della sua vita spirituale.

Si chiama il genere delle belle arti dedicato a eventi e personaggi storici genere storico. Il genere storico, caratterizzato dalla monumentalità, si è sviluppato da tempo nella pittura murale. Dal Rinascimento al XIX secolo gli artisti hanno utilizzato le trame della mitologia antica, le leggende cristiane. Spesso i veri eventi storici rappresentati nella foto erano saturi di personaggi allegorici mitologici o biblici.

Il genere storico è intrecciato con altri: il genere quotidiano (scene storiche e quotidiane), il ritratto (immagine di personaggi storici del passato, composizioni storico-ritratto), il paesaggio ("paesaggio storico"), si fonde con il genere della battaglia.

Il genere storico si incarna in forme da cavalletto e monumentali, in miniature e illustrazioni. Originario dell'antichità, il genere storico combinava eventi storici reali con miti. Nei paesi dell'Antico Oriente esistevano anche tipi di composizioni simboliche (l'apoteosi delle vittorie militari del monarca, il trasferimento del potere a lui da parte di una divinità) e cicli narrativi di murali e rilievi. Nell'antica Grecia c'erano immagini scultoree di eroi storici, nell'antica Roma venivano creati rilievi con scene di campagne militari e trionfi.

Nel Medioevo in Europa, gli eventi storici si riflettevano nelle miniature delle cronache, nelle icone. Il genere storico nella pittura da cavalletto iniziò a prendere forma in Europa durante il Rinascimento, nei secoli XVII-XVIII. era considerato un genere "alto", portando alla ribalta (trame religiose, mitologiche, allegoriche, addirittura storiche).

Le immagini del genere storico erano piene di contenuti drammatici, alti ideali estetici e profondità delle relazioni umane.

Si chiama il genere delle belle arti dedicato agli eroi e agli eventi di cui raccontano i miti dei popoli antichi genere mitologico(dal greco. mito - tradizione). Il genere mitologico entra in contatto con quello storico e prende forma nel Rinascimento, quando le antiche leggende fornivano le più ricche opportunità per l'incarnazione di storie e personaggi con complessi toni etici, spesso allegorici. Nel XVII secolo -- Presto XIX secolo nelle opere del genere mitologico si sta espandendo la gamma di problemi morali ed estetici, che sono incarnati in alti ideali artistici e si avvicinano alla vita o creano uno spettacolo festoso. Dai secoli XIX-XX. i temi dei miti germanici, celtici, indiani e slavi divennero popolari.

genere di battaglia(dal francese bataille - battaglia) è un genere di pittura che fa parte del genere storico, mitologico ed è specializzato nel rappresentare battaglie, imprese militari, operazioni militari, glorificare l'abilità militare, la furia della battaglia, il trionfo della vittoria. Il genere della battaglia può includere elementi di altri generi: domestico, ritratto, paesaggio, animalesco, natura morta.

Si chiama un genere di belle arti che mostra scene della vita quotidiana, personale di una persona, vita quotidiana della vita contadina e urbana genere quotidiano. Un appello alla vita e ai costumi delle persone si trova già nei murali e nei rilievi dell'Antico Oriente, nella pittura e nella scultura di vasi antichi, nelle icone medievali e nei libri d'ore. Ma il genere quotidiano si è distinto e ha acquisito forme caratteristiche solo come fenomeno dell'arte secolare da cavalletto. Le sue caratteristiche principali iniziarono a prendere forma nei secoli XIV-XV. in pale d'altare, rilievi, arazzi, miniature nei Paesi Bassi, Germania, Francia. Nel XVI secolo nei Paesi Bassi il genere quotidiano cominciò a svilupparsi rapidamente e si isolò. Uno dei suoi fondatori fu Hieronymus Bosch.

Lo sviluppo del genere quotidiano in Europa è stato fortemente influenzato dal lavoro di Pieter Brueghel: si sposta verso un genere puramente quotidiano, mostra che la vita quotidiana può essere oggetto di studio e fonte di bellezza. Il XVII secolo può essere definito il secolo del genere quotidiano in tutte le scuole di pittura d'Europa.

Nel XVIII secolo. in Francia la pittura di genere si associa alla rappresentazione di scene galanti, “pastorali”, diventa raffinata e aggraziata, ironica. Le opere del genere quotidiano sono diverse: hanno mostrato il calore della vita domestica e l'esotismo di terre lontane, esperienze sentimentali e passioni romantiche. Il genere quotidiano, incentrato sulla rappresentazione della vita contadina e della vita di un abitante della città, si sviluppò vividamente nella pittura russa del XIX secolo: ad esempio, nelle opere di A.G. Venetsianov, P.A. Fedotov, V.G. Perov, I.E. Repin.

Si chiama il genere delle belle arti, dove la cosa principale è l'immagine della natura, dell'ambiente, delle vedute della campagna, delle città, dei monumenti storici paesaggio(Paesaggio francese). Ci sono paesaggi rurali, urbani, architettonici, industriali, marini (marina) e fluviali.

Nell'antichità e nel Medioevo il paesaggio appare nei dipinti di templi, palazzi, icone e miniature. Nell'arte europea, i pittori veneziani del Rinascimento furono i primi a rivolgersi all'immagine della natura. Dal XVI secolo il paesaggio diventa un genere indipendente, si formano le sue varietà e direzioni: paesaggio lirico, eroico, documentario. Nel 19 ° secolo le scoperte creative dei maestri del paesaggio, la sua saturazione di questioni sociali, lo sviluppo della plein air (l'immagine dell'ambiente naturale) culminarono nelle conquiste dell'impressionismo, che diede nuove opportunità nella trasmissione pittoresca della profondità spaziale, la variabilità della luce e dell'aria ambientale e complessità dei colori.

Un genere di belle arti che mostra oggetti domestici, lavoro, creatività, fiori, frutta, selvaggina morta, pesce pescato, collocati in un ambiente domestico reale, si chiama natura morta(fr. nature morte - natura morta). La natura morta può essere dotata di un significato simbolico complesso, svolgere il ruolo di un pannello decorativo, essere il cosiddetto. "inganno", che fornisce una riproduzione illusoria di oggetti o figure reali, provocando l'effetto della presenza della natura genuina.

L'immagine degli oggetti è conosciuta nell'arte dell'antichità e del Medioevo. Ma la prima natura morta nella pittura da cavalletto è il dipinto dell'artista veneziano Jacopo de Barbari "Pernice con freccia e guanti". Già nel XVI secolo la natura morta si divide in tante tipologie: l'interno di una cucina con o senza persone, una tavola imbandita in ambiente rurale, "vanitas" con oggetti simbolici (un vaso di fiori, una candela spenta, strumenti musicali ). La natura morta olandese era particolarmente ricca, modesta nei colori e nelle cose raffigurate, ma squisita nella trama espressiva degli oggetti, nel gioco del colore e della luce.

Si chiama un genere di belle arti raffigurante animali genere animale(dal lat. animale - animale). L'artista animale presta attenzione alle caratteristiche artistiche e figurative dell'animale, alle sue abitudini, all'espressività decorativa della figura, alla silhouette. Spesso gli animali sono dotati di tratti inerenti alle persone, alle azioni e alle esperienze. Immagini di animali si trovano spesso nella scultura antica, nella pittura vascolare.

CONCLUSIONE

In conclusione, riassumiamo quanto sopra:

La pittura si divide in monumentale, decorativa, teatrale e decorativa, miniatura e da cavalletto.

Per tecnica e mezzo di esecuzione, la pittura si divide in olio, tempera, affresco, cera, mosaico, vetro colorato, acquerello, tempera, pastello.

Nella pittura moderna ci sono i seguenti generi: ritratto, storico, mitologico, battaglia, vita quotidiana, paesaggio, natura morta, genere animalesco.

La pittura storica è un'immagine di alcuni momenti storici, nonché di figure della vita pubblica del passato.

La pittura di battaglia mira a catturare battaglie, battaglie e guerre. La pittura mitologica raffigura eventi descritti in miti, poemi epici e leggende.

La pittura quotidiana (di genere) è un'immagine di scene della vita reale, delle sue realtà e dei suoi attributi.

La pittura paesaggistica (paesaggio) è un'immagine della natura naturale o di qualsiasi area.

Il ritratto è una rappresentazione artistica di una persona. Un tipo specifico di ritratto è l'autoritratto.

Una natura morta è un'immagine di vari oggetti inanimati, ad esempio frutti, fiori, articoli per la casa, utensili, collocati in un ambiente domestico reale e organizzati compositivamente in un unico gruppo.

BIBLIOGRAFIA

1. Batrakova SP Artista del XX secolo. e il linguaggio della pittura. M., 1996.

2. Vipper B.R. Introduzione allo studio storico dell'arte. M., Arti visive, 1985

3. Arte occidentale del XX secolo. Eredità classica e modernità. M., 1992.

4. Storia dell'arte straniera. M., Arti visive, 1984

5. Storia dell'arte mondiale. 3a edizione, Casa editrice dell'Accademia, M., 1998.

6. Dal costruttivismo al surrealismo. M., 1996.

7. Polyakov V.V. Storia dell'arte mondiale. Arti visive e architettura del XX secolo. M., 1993.

8. Sadokhin A.P. Culturologia: teoria e storia della cultura: libro di testo. -- M.: Eksmo, 2007.

9. Arte occidentale contemporanea. XX secolo: problemi e tendenze. M., 1982.

10. Suzdalev P. Sui generi della pittura. // Creatività, 2004, n. 2, 3. P. 45-49.

Documenti simili

Caratteristiche generali, classificazione e tipologie del paesaggio come uno dei generi attuali delle forme d'arte. Individuazione delle caratteristiche, delle relazioni del genere paesaggistico nella pittura, nella fotografia, nel cinema e nella televisione. La storia dell'emergere della fotografia a cavallo tra il XIX e il XX secolo.

abstract, aggiunto il 26/01/2014


Il concetto di pittura da cavalletto come forma d'arte indipendente. Pittura coreana del periodo Goguryeo. Belle arti e architettura di Silla. Artisti eccezionali e le loro creazioni. Caratteristiche del contenuto della pittura popolare coreana.

abstract, aggiunto il 04/06/2012


L'origine dell'arte nell'era delle caverne. Lo sviluppo dell'arte nell'antica Grecia e a Roma. Caratteristiche dello sviluppo della pittura nel Medioevo, nel Rinascimento e nel Barocco. Tendenze artistiche nell'arte contemporanea. L'essenza della bellezza da un punto di vista morale.

articolo, aggiunto il 16/02/2011


Un sistema per classificare l'arte in gruppi di tipo spaziale (plastico), temporale (dinamico), sintetico (spettacolare). Sviluppo storico, caratteristiche e modalità di utilizzo dei materiali artistici nella grafica, nella scultura e nella pittura.

test, aggiunto il 29/01/2010


Studio di rappresentanti della scuola pittorica italiana. Caratterizzazione delle caratteristiche delle principali tipologie di belle arti: grafica da cavalletto e applicata, scultura, architettura e fotografia. Studio delle tecniche e dei metodi di lavorazione con i colori ad olio.

tesina, aggiunta il 15/02/2012


Il ritratto come genere nella pittura. Storia del ritratto. Ritratto nella pittura russa. Costruzione della composizione del ritratto. Tecnica di pittura ad olio. Base per la pittura. Colori e pennelli per arte ad olio. Tavolozza di coloranti e miscelazione di vernici.

tesi, aggiunta il 25/05/2015


L'origine e lo sviluppo dell'arte olandese nel XVII secolo. Lo studio dell'opera dei più grandi maestri della pittura di genere e di paesaggio olandese e olandese. Lo studio delle caratteristiche specifiche di generi come il genere quotidiano, il ritratto, il paesaggio e la natura morta.

test, aggiunto il 04/12/2014


Natura morta come uno dei generi delle belle arti, conoscenza delle abilità e delle capacità della performance pittorica. Caratteristiche dell'uso di vernici acriliche liquide. Conoscenza dei compiti della pittura. Analisi dell'intensa arte ascetica di Bisanzio.

tesina, aggiunta il 09/09/2013


Caratteristiche della pittura d'interni, che esiste sia come genere d'arte indipendente sia come sfondo in opere raffiguranti eventi storici e quotidiani. Analisi delle caratteristiche interne nei dipinti dei maestri della pittura K. Bryullov, I. Repin.

test, aggiunto il 26/08/2011


Caratteristiche caratteristiche dell'arte antica romana. Radici storiche della cultura romana. Stile pittorico romano. Le principali direzioni e varietà della pittura antica romana: ritratti Fayum, pittura monumentale, pittura etrusca.

Pittura- il tipo più comune di belle arti, le cui opere vengono create utilizzando vernici applicate su qualsiasi superficie.

Nelle opere d'arte create dai pittori vengono utilizzati disegno, colore, chiaroscuro, espressività dei tratti, trama e composizione. Ciò consente di riprodurre sull'aereo la ricchezza colorata del mondo, il volume degli oggetti, la loro originalità materiale qualitativa, la profondità spaziale e l'ambiente luce-aria.

La pittura, come ogni arte, è una forma di coscienza sociale, è un riflesso artistico e figurativo del mondo. Ma, riflettendo il mondo, l'artista incarna contemporaneamente i suoi pensieri e sentimenti, aspirazioni, ideali estetici nelle sue opere, valuta i fenomeni della vita, spiegandone l'essenza e il significato a modo suo, esprime la sua comprensione del mondo.

Il mondo della pittura è ricco e complesso, i suoi tesori sono stati accumulati dall'umanità nel corso di molti millenni. Le opere di pittura più antiche sono state scoperte dagli scienziati sulle pareti delle grotte abitate da popoli primitivi. Con sorprendente accuratezza e nitidezza, i primi artisti rappresentarono scene di caccia e abitudini degli animali. È così che è nata l'arte di dipingere dipinti su muro, che aveva caratteristiche caratteristiche della pittura monumentale.

dipinto monumentale Esistono due tipi principali di pittura monumentale affrescare (dall'affresco italiano - fresco) e mosaico (dall'italiano mosaique, letteralmente - dedicato alle muse).

Affrescare- Si tratta di una tecnica di verniciatura con vernici diluite con acqua pura o di calce, su intonaco fresco e umido.

Mosaico- un'immagine composta da particelle omogenee o diverse di pietra, smalto, piastrelle di ceramica, che sono fissate in uno strato di terreno - calce o cemento.

L'affresco e il mosaico sono i principali tipi di arte monumentale che, per la loro durabilità e solidità del colore, vengono utilizzati per decorare volumi e piani architettonici (pittura murale, plafoni, pannelli). Tra i monumentalisti russi, i nomi di AA. Deineki, P.D. Korina, A.V. Vasnetsova, B.A. Talberg, D.M. Merpert, B.P. Miliukov e altri.

pittura da cavalletto(immagine) ha un carattere e un significato indipendenti. L'ampiezza e la completezza della copertura della vita reale si riflettono nella varietà di tipologie inerenti alla pittura da cavalletto e generi: natura morta, famiglia, storico, generi di battaglia, paesaggio, ritratto.

A differenza del dipinto monumentale da cavalletto, non è collegato al piano del muro e può essere esposto liberamente. Il significato ideologico e artistico delle opere d'arte da cavalletto non cambia. a seconda del luogo in cui si trovano, anche se il loro suono artistico dipende dalle condizioni di esposizione.

Oltre a questi tipi di pittura, ci sono decorativo- bozzetti di scene e costumi teatrali e cinematografici, - nonché miniature E iconografia.

Un monumento di alta maestria dell'antica pittura russa del XV secolo. di diritto è considerato un capolavoro creato da Andrei Rublev - l'icona "Trinità", conservata nella "Galleria statale Tretyakov" dell'Associazione museale tutta russa (ill. 6). Qui, nella forma perfetta e più alta per l'epoca, si esprime l'ideale morale dell'armonia dello spirito con il mondo e la vita. L'icona è piena di profondi contenuti poetici e filosofici. L'immagine dei tre angeli è inscritta in un cerchio che soggioga tutte le linee di contorno, la cui consistenza produce un effetto quasi musicale. Toni schiariti e puri, in particolare il blu fiordaliso ("cavolo ripieno") e il verde trasparente, si fondono in una gamma finemente coordinata. Questi colori contrastano con la veste color ciliegio scuro dell'angelo centrale, sottolineando il ruolo principale della sua figura nella composizione complessiva.

La bellezza della pittura di icone russa, nomi Teofano il Greco, Andrey Rublev, Dionisio, Prokhor di Gorodets, Daniil Cherny si aprì al mondo solo dopo il XX secolo. imparato come cancellare le icone antiche dai documenti successivi.

Purtroppo c'è una comprensione semplificata dell'arte, quando nelle opere si cerca l'intelligibilità obbligatoria della trama, il riconoscimento di ciò che il pittore ha raffigurato, dal punto di vista del “simile” o del “diverso”. Allo stesso tempo dimenticano: non in tutti i tipi di arte si può trovare una somiglianza diretta tra ciò che è raffigurato su tela e l'immagine di una vita concreta familiare. Con questo approccio è difficile valutare i meriti del dipinto di Andrei Rublev. Per non parlare di tipi di creatività "non pittorici" come la musica, l'architettura, le arti applicate e decorative.

La pittura, come tutte le altre forme d'arte, ha un linguaggio artistico speciale, attraverso il quale l'artista trasmette le sue idee e sentimenti che riflettono la realtà. Nella pittura, "un'immagine a tempo pieno della realtà si realizza attraverso un'immagine artistica, una linea e un colore. Nonostante tutta la sua perfezione tecnica, la pittura non è ancora un'opera d'arte, se non suscita empatia, emozioni nello spettatore.

Con una performance assolutamente esatta, l'artista viene privato dell'opportunità di mostrare il suo atteggiamento nei confronti dell'immagine, se si pone l'obiettivo di trasmettere solo la somiglianza!

Nei maestri famosi, l'immagine non trasmette mai completamente e accuratamente la realtà, ma la mostra solo da un certo punto di vista. L'artista rivela principalmente ciò che considera consapevolmente o intuitivamente particolarmente importante, la cosa principale in questo caso. Il risultato di un atteggiamento così attivo nei confronti della realtà non sarà solo un'immagine accurata, ma immagine artistica della realtà, in cui l'autore, riassumendo i singoli dettagli, sottolinea la caratteristica più importante. Pertanto, la visione del mondo e la posizione estetica dell'artista si manifestano nell'opera.

Natura morta- uno dei generi indipendenti di pittura. L'originalità del genere risiede nelle sue grandi possibilità pittoriche. Attraverso l'essenza materiale di oggetti specifici, un vero artista può riflettere in forma figurativa gli aspetti essenziali della vita, dei gusti e dei costumi, dello status sociale delle persone, di importanti eventi storici e talvolta di un'intera epoca. Attraverso la selezione mirata degli oggetti dell'immagine e la loro interpretazione, esprime il suo atteggiamento nei confronti della realtà, rivela i suoi pensieri e sentimenti.

Per fare un confronto, prendiamo una natura morta dipinta da un eccezionale pittore sovietico SM. Saryan(1880-1972), "Fiori di Yerevan" (ill. 7). Il maestro ha espresso il suo atteggiamento nei confronti dei fiori con le parole che sono diventate l'epigrafe della monografia delle sue opere creative: “Cosa può esserci di più bello dei fiori che adornano la vita di una persona? ... Quando vedi i fiori, vieni subito contagiato da uno stato d'animo gioioso ... La purezza dei colori, la trasparenza e la profondità che vediamo nei fiori possono essere visti solo nel piumaggio degli uccelli e dei frutti”1.

"Dietro l'apparente leggerezza e immediatezza della scrittura si nasconde una grande cultura pittorica e la vasta esperienza di un artista di grande talento. La sua capacità, come d'un fiato, di scrivere un quadro di grandi dimensioni (96x 103 cm), ignorando deliberatamente i dettagli tipici della modo creativo del pittore, che cerca di trasmettere la cosa principale: la ricchezza sconfinata dei colori della natura della nativa Armenia.

genere domestico, o semplicemente "genere" (dalla parola francese genere - genere, tipo) - il tipo più comune di pittura da cavalletto in cui l'artista si riferisce all'immagine della vita nelle sue manifestazioni quotidiane.

Nelle belle arti russe, il genere quotidiano prese una posizione di primo piano nel XIX secolo, quando 154 importanti rappresentanti della tendenza democratica nella pittura diedero il loro contributo al suo sviluppo: V.C. Perov (1833-1882), K.A. Savitsky (1844-1905), N.A. Yaroshenko (1846-1896), V.E. Makovsky (1846-1920), I.E. Repin (1844-1930).

L'indubbio successo creativo di A.A. Plastova (1893-1972) viene considerato il dipinto "Primavera", in cui l'artista ha espresso un sentimento casto e sottile di ammirazione per la maternità. Sullo sfondo della leggera neve primaverile, la figura di una madre che lega una sciarpa sulla testa del suo bambino sembra fantastica. L'artista ha dedicato molti dipinti di genere alle semplici situazioni di vita dei suoi compaesani.

genere storico formato nell'arte russa nella seconda metà del XIX secolo. Ha aiutato i principali artisti russi a prestare molta attenzione al passato della Patria, ai problemi acuti della realtà di allora. La pittura storica russa raggiunse il suo apice negli anni 80-90 del secolo scorso grazie all'opera di CIOÈ. Repin, V.I. Surikov, V.M. Vasnetsova, K.P. Bryullov. Famoso artista russo P.D. Corin (1892-1967) ha creato un trittico (una composizione di tre tele separate collegate da un tema comune) "Alexander Nevsky". L'opera è stata creata durante il duro periodo della Grande Guerra Patriottica (1942-1943). Negli anni difficili della guerra, l'artista si è rivolto all'immagine del grande guerriero dell'antica Rus', mostrando il suo legame inestricabile con il popolo, con la stessa terra russa. Il trittico di Korin è diventato uno dei documenti più sorprendenti del periodo eroico della nostra storia, esprimendo la fede dell'artista nel coraggio e nella resilienza delle persone sottoposte a dure prove.

Genere battaglia(dal francese bataille - battaglia) è considerato una sorta di genere storico. Le opere eccezionali di questo genere includono dipinti AA. Deineka Difesa di Pietrogrado (1928), Difesa di Sebastopoli (1942) e Downed Ace (1943).

Scenario spesso usato come importante aggiunta ai dipinti storici e di battaglia di tutti i giorni, ma può anche fungere da genere indipendente. Le opere di pittura di paesaggio ci sono vicine e comprensibili, anche se la persona sulla tela è spesso assente.

Le immagini della natura emozionano tutte le persone, suscitando in loro stati d'animo, esperienze e pensieri simili. Chi di noi non è vicino ai paesaggi dei pittori russi: “Sono arrivate le torri” A.K. Savrasova, "Scongelamento" F. Vasilieva,"Segale" I.I. Shishkin,"Notte sul Dnepr" A.I. Kuindzhi,"Cortile di Mosca" VD. Polenova e "Al di sopra della pace eterna" I.I. Levitan. Iniziamo involontariamente a guardare il mondo attraverso gli occhi di artisti che hanno rivelato la bellezza poetica della natura.

I pittori di paesaggi vedevano e trasmettevano la natura a modo loro. I loro motivi preferiti erano I.K. Aivazovsky (1817-1900), raffigurante un diverso stato del mare, navi e persone alle prese con gli elementi. Le sue tele sono caratterizzate da una sottile gradazione di chiaroscuro, dall'effetto dell'illuminazione, dall'euforia emotiva, da una tendenza all'eroismo e al pathos.

Opere notevoli in questo genere di pittori paesaggisti sovietici: ST. Gerasimov (1885-1964), autore di dipinti come "L'inverno" (1939) e "Il ghiaccio è passato" (1945),

N.P. Krymova(1884-1958), il creatore dei dipinti "Autunno" (1918), "Giorno grigio" (1923), "Mezzogiorno" (1930), "Prima del crepuscolo" (1935) e altri, acquerelli AP Ostroumova-Lebedeva(1871-1955) - "Pavlovsk" (1921), "Pietrogrado. Campo di Marte (1922), dipinti SONO. Gritsaya (nato nel 1917)"Giardino d'estate" (1955), "Mezzogiorno" (1964), "Maggio. Calore primaverile "(1970), ecc.

Ritratto(dal francese portraire - raffigurare) - un'immagine, un'immagine di una persona o di un gruppo di persone che esiste o è esistita nella realtà.

Uno dei criteri più importanti per la ritrattistica è la somiglianza dell'immagine con il modello (originale). Esistono varie soluzioni compositive nel ritratto (busto, vita, figura intera, gruppo). Ma con tutta la varietà di soluzioni e modi creativi, la qualità principale della ritrattistica non è solo il trasferimento della somiglianza esterna, ma anche la rivelazione dell'essenza spirituale della persona ritratta, della sua professione, dello stato sociale.

Nell'arte russa, la ritrattistica iniziò la sua brillante storia dall'inizio del XVIII secolo. F.S. Rokotov (1735-1808), D.G. Levitsky (1735-1822), V.A. Borovikovsky (1757-1825) entro la fine del XVIII secolo. ha raggiunto il livello delle più alte conquiste dell'arte mondiale.

All'inizio del XIX secolo. Artisti russi V.A. Tropinino (1776-1857) E O.A. Kiprenskij (1782-1836) ha creato ritratti ampiamente conosciuti di A.S. Puškin.

I Wanderers hanno continuato le tradizioni della ritrattistica pittorica russa: V.G. Perov (1833/34-1882), N.N. Ge (1831 - 1894), I.N. Kramskoy (1837-1887), I.E. Repin (1844-1930) e così via.

Un brillante esempio di risoluzione delle composizioni di ritratti di figure di spicco della scienza e dell'arte è una serie di tele create dall'artista M.V. Nesterov (1877-1942). Il maestro, per così dire, trovò i suoi eroi nel momento più intenso del loro pensiero creativo, concentrato, ricerca spirituale (ill. 13). È così che sono stati risolti i ritratti di famosi scultori sovietici ID. Shadra (1934) e V.I. Muchina (1940), accademico IP Pavlova (1935) ed eminente chirurgo S.S. Yudina (1935).

- questo è uno dei principali tipi di belle arti; è una rappresentazione artistica del mondo oggettivo con vernici colorate sulla superficie. La pittura si divide in: da cavalletto, monumentale e decorativa.

- rappresentate principalmente da opere realizzate con colori ad olio su tela (cartone, tavole di legno o nude). È la forma di pittura più popolare. È questa forma che viene solitamente applicata al termine " pittura".

è una tecnica di disegno sui muri nella progettazione di edifici ed elementi architettonici negli edifici. Particolarmente comune in Europa affrescare - dipinto monumentale su intonaco fresco con vernici idrosolubili. Questa tecnica di disegno è nota fin dall'antichità. Successivamente, questa tecnica fu utilizzata nella progettazione di molti templi religiosi cristiani e delle loro volte.

pittura decorativa - (dalla parola latina decoro - decorare) è un modo di disegnare e applicare immagini su oggetti e dettagli interni, pareti, mobili e altri oggetti decorativi. Si riferisce ad arti e mestieri.

Le possibilità dell'arte pittorica sono rivelate in modo particolarmente chiaro dalla pittura da cavalletto del XV secolo, dal momento dell'uso di massa dei colori ad olio. È in esso che è disponibile una speciale varietà di contenuti e una profonda elaborazione della forma. Al centro dei mezzi artistici pittorici ci sono i colori (le possibilità dei colori), in unità inseparabile con il chiaroscuro e la linea; colore e chiaroscuro vengono sviluppati e sviluppati dalle tecniche pittoriche con una pienezza e una luminosità inaccessibili ad altre forme d'arte. Questa è la ragione della perfezione della modellazione volumetrica e spaziale insita nella pittura realistica, della trasmissione vivace e accurata della realtà, della possibilità di realizzare le trame concepite dall'artista (e dei metodi di costruzione delle composizioni) e di altre virtù pittoriche.

Un'altra differenza nelle differenze tra i tipi di pittura è la tecnica di esecuzione in base ai tipi di vernici. Non sempre sono sufficienti le caratteristiche comuni da determinare. Il confine tra pittura e grafica in ogni singolo caso: ad esempio, opere realizzate ad acquerello o pastello possono appartenere ad entrambi gli ambiti, a seconda dell'approccio dell'artista e dei compiti a lui assegnati. Sebbene i disegni su carta siano legati alla grafica, l’uso di varie tecniche pittoriche a volte offusca la distinzione tra pittura e grafica.

Va tenuto presente che il termine semantico "pittura" stesso è una parola della lingua russa. È stato utilizzato come termine durante la formazione delle belle arti in Russia durante l'era barocca. L'uso della parola "pittura" a quel tempo si applicava solo a un certo tipo di rappresentazione realistica con i colori. Ma originariamente deriva dalla tecnica di pittura delle icone della chiesa, che usa la parola "scrivere" (riferendosi alla scrittura) perché questa parola è una traduzione del significato nei testi greci (ecco queste "difficoltà di traduzione"). Lo sviluppo in Russia della propria scuola d'arte e l'eredità della conoscenza accademica europea nel campo dell'arte, hanno sviluppato la portata della parola russa "pittura", iscrivendola nella terminologia educativa e nel linguaggio letterario. Ma nella lingua russa, una caratteristica del significato del verbo "scrivere" si è formata in relazione alla scrittura e al disegno di immagini.

Generi di pittura

Nel corso dello sviluppo delle belle arti si formarono diversi generi classici di dipinti, che acquisirono le proprie caratteristiche e regole.

Ritratto- Questa è un'immagine realistica di una persona in cui l'artista cerca di ottenere una somiglianza con l'originale. Uno dei generi pittorici più popolari. La maggior parte dei clienti ha utilizzato il talento degli artisti per perpetuare la propria immagine o, volendo ottenere l'immagine di una persona cara, di un parente, ecc. I clienti cercavano di ottenere una somiglianza con il ritratto (o addirittura di abbellirlo) lasciando un'incarnazione visiva nella storia. I ritratti di vari stili costituiscono la parte più massiccia dell'esposizione della maggior parte dei musei d'arte e delle collezioni private. Questo genere include anche un tipo di ritratto come auto ritratto - un'immagine dell'artista stesso, scritta da lui stesso.

Scenario- uno dei generi pittorici popolari in cui l'artista cerca di mostrare la natura, la sua bellezza o particolarità. Diversi tipi di natura (l'umore della stagione e il tempo) hanno un vivido impatto emotivo su qualsiasi spettatore: questa è una caratteristica psicologica di una persona. Il desiderio di ottenere un'impressione emotiva dai paesaggi ha reso questo genere uno dei più popolari nella creazione artistica.

- questo genere è per molti versi simile al paesaggio, ma ha una caratteristica fondamentale: i dipinti raffigurano paesaggi con la partecipazione di oggetti architettonici, edifici o città. Una direzione speciale sono le viste sulle strade delle città che trasmettono l'atmosfera del luogo. Un'altra direzione di questo genere è l'immagine della bellezza dell'architettura di un particolare edificio: il suo aspetto o l'immagine dei suoi interni.

- un genere in cui la trama principale dei dipinti è un evento storico o la sua interpretazione da parte dell'artista. È interessante notare che questo genere comprende un numero enorme di dipinti su un tema biblico. Poiché nel Medioevo le scene bibliche erano considerate eventi "storici" e la chiesa era il principale committente di questi dipinti. Scene bibliche "storiche" sono presenti nel lavoro della maggior parte degli artisti. La rinascita della pittura storica avviene durante il neoclassicismo, quando gli artisti si rivolgono a trame storiche ben note, eventi dell'antichità o leggende nazionali.

- riflette scene di guerre e battaglie. Una caratteristica non è solo il desiderio di riflettere un evento storico, ma anche di trasmettere allo spettatore l'esaltazione emotiva dell'impresa e dell'eroismo. Successivamente, questo genere diventa anche politico, consentendo all'artista di trasmettere allo spettatore la sua visione (il suo atteggiamento) su ciò che sta accadendo. Possiamo vedere un effetto simile dell'accento politico e della forza del talento dell'artista nell'opera di V. Vereshchagin.

- Questo è un genere di pittura con composizioni di oggetti inanimati, utilizzando fiori, prodotti, piatti. Questo genere è uno dei più recenti e si è formato nella scuola di pittura olandese. Forse il suo aspetto è dovuto alla particolarità della scuola olandese. Il periodo di massimo splendore economico del XVII secolo in Olanda portò in una parte significativa della popolazione il desiderio di beni di lusso accessibili (dipinti). Questa situazione attirò un gran numero di artisti in Olanda, provocando tra loro un'intensa competizione. Modelli e laboratori (persone con abiti adeguati) non erano a disposizione degli artisti poveri. Disegnando dipinti in vendita, hanno usato mezzi improvvisati (oggetti) per comporre dipinti. Questa situazione nella storia della scuola olandese è la ragione dello sviluppo della pittura di genere.

Pittura di genere - la trama dei dipinti sono scene quotidiane della vita quotidiana o delle vacanze, solitamente con la partecipazione di gente comune. Oltre alla natura morta, si diffuse tra gli artisti olandesi nel XVII secolo. Durante il periodo del romanticismo e del neoclassicismo, questo genere assume una nuova nascita, i dipinti tendono non tanto a riflettere la vita di tutti i giorni quanto a romanticizzarla, a introdurre un certo significato o moralità nella trama.

Marina- un tipo di paesaggio che raffigura vedute marine, paesaggi costieri a picco sul mare, albe e tramonti sul mare, navi o anche battaglie navali. Sebbene esista un genere di battaglia separato, le battaglie navali appartengono ancora al genere della marina. Lo sviluppo e la divulgazione di questo genere possono essere attribuiti anche alla scuola olandese del XVII secolo. Era popolare in Russia grazie al lavoro di Aivazovsky.

- una caratteristica di questo genere è la creazione di dipinti realistici raffiguranti la bellezza di animali e uccelli. Una delle caratteristiche interessanti di questo genere è la presenza di dipinti raffiguranti animali inesistenti o mitici. Vengono chiamati artisti specializzati in immagini di animali animalisti.

Storia della pittura

La necessità di un'immagine realistica esiste fin dai tempi antichi, ma presentava una serie di svantaggi dovuti alla mancanza di tecnologia, di una scuola e di un'istruzione sistematiche. Nell'antichità si trovano spesso esempi di pittura applicata e monumentale con la tecnica della pittura su intonaco. Nell'antichità, veniva attribuita maggiore importanza al talento dell'esecutore, gli artisti erano limitati nella tecnologia di produzione dei colori e nell'opportunità di ricevere un'istruzione sistematica. Ma già nell'antichità si formarono conoscenze e opere specializzate (Vitruvio), che costituiranno la base di una nuova fioritura dell'arte europea nel Rinascimento. La pittura decorativa ebbe uno sviluppo significativo durante l'antichità greca e romana (la scuola andò perduta nel Medioevo), il cui livello fu raggiunto solo dopo il XV secolo.

Dipinto di affresco romano (Pompei, I secolo a.C.), esempio dello stato dell'arte della pittura antica:

I "Secoli bui" del Medioevo, il cristianesimo militante e l'Inquisizione portano al divieto di studio del patrimonio artistico dell'antichità. La vasta esperienza degli antichi maestri, la conoscenza nel campo delle proporzioni, della composizione, dell'architettura e della scultura sono bandite e molti tesori artistici vengono distrutti a causa della loro dedizione alle antiche divinità. Il ritorno ai valori dell'arte e della scienza in Europa avviene solo durante il Rinascimento (revival).

Gli artisti del primo Rinascimento (revival) devono recuperare e far rivivere i risultati e il livello degli artisti antichi. Ciò che ammiriamo nel lavoro degli artisti del primo Rinascimento era il livello dei maestri di Roma. Un chiaro esempio della perdita di diversi secoli di sviluppo dell'arte (e della civiltà) europea durante i "secoli bui" del Medioevo, del cristianesimo militante e dell'Inquisizione: la differenza tra questi dipinti di 14 secoli!

L'emergere e la diffusione della tecnologia di produzione dei colori ad olio e della tecnica di disegno con essi nel XV secolo dà origine allo sviluppo della pittura da cavalletto e ad un tipo speciale di produzione artistica: dipinti ad olio colorati su tela o legno innescati.

La pittura fece un enorme salto nello sviluppo qualitativo nel Rinascimento, in gran parte grazie al lavoro di Leon Battista Alberti (1404-1472). Per primo pose le basi della prospettiva nella pittura (il trattato "Sulla pittura" nel 1436). A lui (il suo lavoro sulla sistematizzazione della conoscenza scientifica) la scuola d'arte europea deve l'apparizione (rinascita) di una prospettiva realistica e di proporzioni naturali nei dipinti degli artisti. Il famoso e familiare disegno di Leonardo da Vinci "Uomo vitruviano"(proporzioni umane) del 1493, dedicato alla sistematizzazione dell'antica conoscenza di proporzioni e composizione di Vitruvio, fu creato da Leonardo mezzo secolo dopo il trattato "Sulla pittura" di Alberti. E l'opera di Leonardo è una continuazione dello sviluppo della scuola d'arte europea (italiana) del Rinascimento.

Ma la pittura ricevette uno sviluppo brillante e massiccio, a partire dai secoli XVI-XVII, quando si diffuse la tecnica della pittura ad olio, apparvero varie tecnologie per realizzare vernici e si formarono scuole di pittura. È il sistema di conoscenza e di educazione artistica (tecnica del disegno), combinato con la richiesta di opere d'arte da parte dell'aristocrazia e dei monarchi, che porta alla rapida fioritura delle belle arti in Europa (periodo barocco).

Le illimitate possibilità finanziarie delle monarchie, dell'aristocrazia e degli imprenditori europei divennero un terreno eccellente per l'ulteriore sviluppo della pittura nei secoli XVII-XIX. E l'indebolimento dell'influenza della chiesa e dello stile di vita secolare (moltiplicato dallo sviluppo del protestantesimo) ha permesso la nascita di molti soggetti, stili e tendenze nella pittura (barocco e rococò).

Nel corso dello sviluppo delle belle arti, gli artisti hanno formato molti stili e tecniche che portano al massimo livello di realismo nelle opere. Entro la fine del XIX secolo (con l'avvento delle tendenze moderniste), iniziarono interessanti trasformazioni nella pittura. La disponibilità di educazione artistica, la concorrenza massiccia e le elevate richieste di abilità degli artisti da parte del pubblico (e degli acquirenti) danno origine a nuove direzioni nei modi di espressione. L'arte non è più limitata solo dal livello della tecnica esecutiva, gli artisti si sforzano di portare nelle opere significati speciali, modi di "sguardo" e filosofia. Ciò che spesso va a discapito del livello di prestazione, diventa speculazione o modo scandaloso. La varietà di stili emergenti, discussioni vivaci e persino scandali danno origine allo sviluppo di interesse per nuove forme di pittura.

Le moderne tecnologie di disegno computerizzato (digitale) sono legate alla grafica e non possono essere chiamate pittura, sebbene molti programmi e apparecchiature per computer consentano di ripetere completamente qualsiasi tecnica pittorica con i colori.

Non è un segreto che la pittura abbia una sua tipizzazione ed sia divisa in generi. Questo fenomeno ebbe origine in Europa nel XV secolo, poi si formò il concetto di pittura di prim'ordine, comprendeva dipinti di orientamento mitologico e storico, paesaggi, ritratti, nature morte furono attribuiti al secondo grado. Ma questa classificazione perse la sua rilevanza intorno al 1900, quando c’erano troppi generi e stili e sarebbe troppo antiquato utilizzare una divisione netta solo in questi due gruppi. Ecco perché voglio parlare dei tipi attuali di pittura oggi.

Natura morta (natura morta- "natura morta") - immagini di cose inanimate. Questo genere ebbe origine nel XV secolo, ottenne l'indipendenza nel XVII, grazie ad artisti olandesi. Il genere divenne indipendente in connessione con l'inizio dell'età dell'oro in Olanda, gli artisti furono viziati dall'abbondanza di cibo e altre cose che prima erano considerate lusso e ricchezza, fu su questo suolo che un genere così ristretto come quello olandese ancora apparve la vita. Oggi la natura morta è un tipo di pittura molto diffusa ed è molto richiesta tra gli acquirenti di dipinti.

Ritratto- una persona o un gruppo di persone raffigurate nella foto. Le cornici di questo stile sono molto vaghe, il ritratto molto spesso si interseca con altri stili, come il paesaggio o la natura morta. I ritratti sono anche storici, postumi, religiosi. C'è anche un autoritratto, è allora che l'artista disegna se stesso.

Scenario- un genere molto importante nella pittura. In esso l'artista ritrae la natura primordiale o trasformata dall'uomo, oppure il territorio. È andato da tempo oltre le solite vedute del mare o delle montagne e oggi è uno dei tipi di pittura più apprezzati. I paesaggi sono urbani, rurali, marittimi, montani, ecc. In precedenza, i paesaggi venivano dipinti solo all'aria aperta, quando l'artista dipingeva dalla natura ciò che vedeva. Oggigiorno questa pratica è sempre meno comune e gli artisti contemporanei preferiscono lavorare partendo dalla fotografia.

Marina- la stessa natura morta marina, solo con il nome corretto. Le marine raffigurano eventi che si svolgono in mare, battaglie, grandi onde, navi mercantili, ecc. Un rappresentante di spicco di questo genere era Ivan Aivazovsky.

pittura di storia- nacque per necessità, nel Rinascimento gli artisti dipinsero importanti eventi culturali e storici. I dipinti storici non sono sempre basati sulla storia, ma includono anche vari tipi di dipinti, come: mitologia, Vangelo ed eventi biblici.

Pittura di battaglia- un tema che rivela il tema della guerra e della vita militare. L'artista cerca di rappresentare un momento importante, epico, chiave di una battaglia o di una battaglia. Allo stesso tempo, l'affidabilità può gradualmente passare in secondo piano.

Animalismo- L'immagine degli animali, i dipinti più antichi erano di questo genere, perché anche gli artisti primitivi dipingevano animali e li cacciavano. Quasi sempre abbinato al paesaggio.

In ogni momento, la presenza di un quadro all'interno di una stanza era segno dell'intelligenza e della buona educazione dei proprietari. Decorare le pareti con dipinti ai nostri tempi è diventato un classico, ampiamente utilizzato nella decorazione d'interni.

Tipi di dipinti per interni

È chiaro che non tutti possono acquistare un vero quadro dipinto da un artista famoso. Ma può essere sostituito con successo dalla riproduzione. L'autenticità non è importante per gli interni quanto il contenuto dell'immagine, che, insieme alla tavolozza di sfumature, dovrebbe adattarsi armoniosamente all'interno generale della stanza ed evocare solo emozioni positive.

Immagini modulari

Più recentemente sono diventati di moda i dipinti modulari, costituiti da parti o segmenti separati, in altre parole, dipinti segmentati. Allo stesso tempo, ogni segmento è interconnesso con quello vicino e tutti nel loro insieme si sommano a una trama, tema. Tali dipinti conferiscono originalità e raffinatezza agli interni. Il numero di segmenti può essere qualsiasi. Tali dipinti adornano non solo l'interno del soggiorno, ma anche le pareti di uffici, ristoranti, caffè. I dipinti modulari offrono una vasta selezione di stili e aree di belle arti. Può essere sia paesaggio che astrazione, avanguardia e altre aree. Diamo uno sguardo più da vicino ad alcuni di essi.

Astrazione nei dipinti

Usando un dipinto astratto per decorare le pareti, porterai all'interno un elemento luminoso e straordinario. Una trama non convenzionale e immagini incomprensibili diventeranno una decorazione vera e unica per ogni stanza, perché tali dipinti sono creati in uno stile unico e quindi possono essere selezionati appositamente per qualsiasi stanza, sia essa un ufficio, una camera da letto o una cucina. Tali dipinti aiutano a creare lo stile desiderato nella stanza.

È importante sapere che quando si scelgono i quadri per l'interno di una stanza, è necessario mostrare il senso delle proporzioni in modo che la stanza non si trasformi in una galleria d'arte.

Manifesti all'interno

Molti credono erroneamente che i manifesti siano manifesti di carta raffiguranti artisti famosi. In realtà non è affatto così. Sul poster può essere raffigurato tutto: dalle star dello spettacolo, agli animali, alla natura, alle iscrizioni e agli slogan o alle fotografie personali. È anche errato affermare che i manifesti siano stampati su carta sottile e abbiano una durata molto breve. L'immagine, infatti, può essere applicata su carta spessa, vicina ad una vera e propria tela, oppure su carta fotografica. I poster moderni sono di qualità simile ai costosi dipinti d'élite. Il loro scopo principale è la decorazione di una parte dell'interno della stanza, anche se a volte svolgono una funzione pubblicitaria, informativa o commerciale negli uffici e in altri locali.

Dipinti in varie stanze

L'appartamento è composto da più ambienti, ognuno dei quali svolge il proprio scopo funzionale. Pertanto, i dipinti per ciascuna stanza dovrebbero essere appropriati e adattarsi all'interno generale per colore e tema.

Dipinto in soggiorno

Scegliendo un'immagine nel soggiorno, devi considerare il tema dell'interno della stanza. Se il soggiorno è decorato in uno stile squisito, ad esempio lo stile impero, l'immagine dovrebbe essere collocata in una bella e massiccia cornice per tele e avere anche un tema e una combinazione di colori adatti.

Se l'interno della stanza è realizzato in stile moderno, puoi utilizzare poster o dipinti in bianco e nero.

Dipinti in cucina

L'immagine in cucina dovrebbe corrispondere allo scopo generale della stanza. Un tema appropriato può essere una natura morta colorata, bellissimi fiori. In ogni caso, l'immagine dovrebbe essere succosa e pittoresca, donando una sensazione calda. In cucina puoi posizionare non uno, ma diversi piccoli dipinti o fotografie, poster. È auspicabile che abbiano le stesse dimensioni e nella stessa cornice.

Dipinti in camera da letto

All'interno della camera da letto, i dipinti con una trama calma avranno un bell'aspetto, dando una sensazione di pace e conforto, ad esempio, può essere un fiume o un boschetto di betulle. Ma allo stesso tempo la trama non dovrebbe essere noiosa e noiosa.

Selezioniamo un luogo per l'immagine

Dopo aver acquistato un dipinto, i proprietari potrebbero avere una serie di problemi e difficoltà associati alla corretta scelta del luogo per l'ubicazione di questo dipinto, alla scelta dello sfondo corretto, dell'illuminazione, dell'altezza, del posizionamento più conveniente, ecc.

Illuminazione della pittura

L'immagine apparirà impressionante con la giusta illuminazione. L'opzione migliore per questo è un'illuminazione uniforme e luminosa della stanza. Ma in alcuni casi i dipinti richiedono un’illuminazione individuale. Ad esempio, se su di esso è presente un riflesso della luce centrale, oppure è necessario focalizzare l'attenzione principale su un'immagine o un gruppo di immagini. In questo caso le lampade sono posizionate in modo che la luce cada sui dipinti in modo uniforme, senza creare abbagliamenti e ombre. Tipicamente, per tali scopi vengono utilizzate lampade alogene.

sfondo adatto

Se sulla stessa parete sono presenti dipinti che differiscono per forma e tavolozza di colori, allora è meglio utilizzare per loro uno sfondo neutro, poiché un muro con un motivo colorato distrarrà dalla percezione desiderata della tela, annullando l'idea di posizionare l'immagine all'interno. Lo sfondo migliore per un dipinto, secondo gli esperti, è una parete bianca pura o altri colori chiari a tinta unita.

Parete fotografica

Prima di appendere un quadro, le pareti devono essere completamente preparate per questo. I lavori di riparazione dovrebbero essere completati, le pareti dipinte, i mobili installati e l'illuminazione aggiuntiva installata. Dovrebbe essere assegnato uno spazio adeguato per l'immagine in modo che quest'opera d'arte appaia appropriata e vantaggiosa all'interno.

Distanza tra le immagini

Se si desidera posizionare un intero gruppo di quadri in una stanza, è necessario mantenere la distanza corretta tra loro. Tutti i dettagli e gli elementi dei dipinti dovrebbero essere diversi per non fondersi in un unico punto eterogeneo. Ecco a cosa serve la distanza tra loro. La distanza più corretta tra i dipinti è la dimensione diagonale del dipinto, moltiplicata per due.

Dipinti in bianco e nero all'interno

Il duo bianco e nero è una combinazione classica spesso utilizzata dagli artisti d'avanguardia. Un tale duetto è in grado di esprimere emozioni molto più luminose di un dipinto classico con un'ampia tavolozza di colori. Secondo gli esperti, i dipinti con motivi in ​​bianco e nero sono universali per i design moderni, quando i proprietari non vogliono preoccuparsi di complesse combinazioni di colori, trame, ecc. La concisione di tali tele con la giusta scelta di trama e stile è ideale per arredare qualsiasi stanza, che si tratti di un asilo nido, di un soggiorno, di una cucina o di un bagno. Non preoccuparti, questo duo acromatico porterà una nota gotica all'interno. Per evitare che ciò accada, è necessario aggiungere alcuni elementi decorativi luminosi alla tavolozza dei colori generale e la stanza, insieme all'immagine, brillerà immediatamente di nuovi colori. Prima di acquistare un dipinto in bianco e nero, devi decidere se sarà il centro dell'interno o solo una parte di esso.

La posizione corretta dell'immagine

La regola principale per la posizione dell'immagine nella stanza è determinare l'altezza corretta, che dovrebbe essere all'altezza degli occhi di una persona in piedi o seduta. Se vuoi posizionare più quadri uno accanto all'altro, è necessario che siano disposti simmetricamente o asimmetricamente. Insieme, le immagini dovrebbero formare un'unica composizione. Se vuoi posizionare un dipinto grande e diversi piccoli uno accanto all'altro, il dipinto grande dovrebbe essere posizionato al centro e quelli più piccoli attorno ad esso. Le cornici dei quadri dovranno essere uguali, o nello stesso stile.

Non è possibile disporre le immagini in ordine crescente o decrescente in base alle dimensioni: questo non è di moda e non è rilevante. Prima di appendere i quadri al muro, è necessario posizionarli sul pavimento, considerando attentamente le opzioni per il posizionamento di maggior successo.

Pittura fai da te

Se hai immaginazione creativa e talento artistico, puoi facilmente disegnare un'immagine per l'interno con le tue mani o ricamarla. Se non ci sono abilità artistiche, puoi creare un'immagine fotografica. Per fare questo, puoi ordinare le tue foto preferite in stampa fotografica, inserirle in una cornice e ottenere meravigliosi poster che non solo decoreranno la stanza, ma diventeranno anche cari e amati da tutta la famiglia.