Exemple de pictură, genuri, stiluri, diverse tehnici și direcții. Tablouri pentru interior - tipuri, scopuri, reguli de aplicare Ce genuri de pictură există?

Studenții, studenții absolvenți, tinerii oameni de știință care folosesc baza de cunoștințe în studiile și munca lor vă vor fi foarte recunoscători.

INTRODUCERE

1. TIPURI DE PICTURA

2. PICTURA ŞI GENURILE EI

CONCLUZIE

BIBLIOGRAFIE

INTRODUCERE

Cuvântul „pictură” este derivat din cuvintele „viu” și „scrie”. „A picta”, explică Dahl, „a înfățișa fidel și viu cu o pensulă sau cuvinte, un stilou.” Pentru pictor, a reprezenta corect înseamnă a transmite cu acuratețe aspectul exterior a ceea ce a văzut și trăsăturile sale cele mai importante. A fost posibil să le transmită corect folosind mijloace grafice - linie și ton. Dar este imposibil să transmitem viu cu aceste mijloace limitate multicolorul lumii înconjurătoare, pulsația vieții în fiecare centimetru al suprafeței colorate a unui obiect, farmecul acestei vieți și mișcarea și schimbarea constantă. Pictura, unul dintre tipurile de artă plastică, ajută la reflectarea veridică a culorii lumii reale.

Culoarea - principalul mijloc vizual și expresiv în pictură - are ton, saturație și lejeritate; pare să fuzioneze într-un întreg tot ceea ce este caracteristic unui obiect: atât ceea ce poate fi descris printr-o linie, cât și ceea ce îi este inaccesibil.

Pictura, ca și grafica, folosește linii deschise și întunecate, linii și pete, dar spre deosebire de aceasta, aceste linii, linii și pete sunt colorate. Ele transmit culoarea unei surse de lumină prin strălucire și suprafețe puternic luminate, sculptează o formă tridimensională cu culoarea subiectului (locală) și culoarea reflectată de mediu, stabilesc relații spațiale și profunzime și descriu textura și materialitatea obiectelor.

Sarcina picturii nu este doar de a arăta ceva, ci și de a dezvălui esența interioară a ceea ce este descris, de a reproduce „personaje tipice în circumstanțe tipice”. Prin urmare, o generalizare artistică veridică a fenomenelor vieții stă la baza fundamentelor picturii realiste.

1. TIPURI DE PICTURA

Pictură monumentală este un tip special de picturi la scară mare care decorează pereții și tavanele structurilor arhitecturale. Ea dezvăluie conținutul unor fenomene sociale majore care au avut un impact pozitiv asupra dezvoltării societății, le proslăvește și le perpetuează, ajutând la educarea oamenilor în spiritul patriotismului, progresului și umanității. Sublimitatea conținutului picturii monumentale, dimensiunea semnificativă a lucrărilor sale și legătura cu arhitectura necesită mase mari de culoare, simplitate strictă și laconism al compoziției, claritatea contururilor și generalitatea formei plastice.

Pictura decorativa folosit pentru a decora clădiri și interioare sub formă de panouri colorate, care cu imagini realiste creează iluzia de a sparge peretele, mărind vizual dimensiunea camerei sau, dimpotrivă, folosind forme aplatizate în mod deliberat, ele afirmă planeitatea peretele si incinta spatiului. Modele, coroane, ghirlande și alte tipuri de decor care împodobesc lucrări de pictură și sculptură monumentală leagă împreună toate elementele interiorului, subliniind frumusețea și coerența acestora cu arhitectura.

Pictură teatrală și decorativă(decor, costume, machiaj, recuzită, realizate după schițele artistului) ajută la dezvăluirea în continuare a conținutului spectacolului. Condițiile teatrale deosebite de percepere a decorului impun luarea în considerare a multiplelor puncte de vedere ale publicului, distanța mare a acestora, influența luminii artificiale și a luminilor de fundal colorate. Peisajul oferă o idee despre locul și timpul acțiunii și activează percepția privitorului asupra a ceea ce se întâmplă pe scenă. Artistul de teatru se străduiește să exprime în mod acut caracterul individual al personajelor, statutul lor social, stilul epocii și multe altele în schițe de costume și machiaj.

Pictură în miniatură a primit o mare dezvoltare în Evul Mediu, înainte de inventarea tiparului. Cărțile scrise de mână au fost decorate cu cele mai bune cascuri, terminații și ilustrații detaliate în miniatură. Artiștii ruși din prima jumătate a secolului al XIX-lea au folosit cu pricepere tehnica picturii în miniatură pentru a crea portrete mici (în principal acuarele). Culorile acuarele profunde pure, combinațiile lor rafinate și finețea rafinată a scrisului disting aceste portrete, pline de grație și noblețe.

Pictura de șevalet, realizat pe o mașină - un șevalet, folosește ca bază materială lemn, carton, hârtie, dar cel mai adesea pânză întinsă pe targă. Un tablou de șevalet, fiind o operă independentă, poate înfățișa absolut totul: faptic și fictiv de către artist, obiecte și oameni neînsuflețiți, modernitate și istorie - într-un cuvânt, viața în toate manifestările ei. Spre deosebire de grafică, pictura de șevalet are o bogăție de culoare, care ajută emoțional, psihologic, cu mai multe fațete și subtil să transmită frumusețea lumii din jurul nostru.

După tehnică și mijloace de execuție, pictura se împarte în ulei, tempera, frescă, ceară, mozaic, vitraliu, acuarelă, guașă, pastel. Aceste denumiri au fost derivate din liant sau din metoda de utilizare a mijloacelor materiale și tehnice.

Pictura in ulei realizat cu vopsea spalata cu uleiuri vegetale. Vopseaua groasă se subțiază atunci când i se adaugă ulei sau diluanți speciali și lacuri. Vopseaua în ulei poate fi folosită pe pânză, lemn, carton, hârtie și metal.

tempera vopsirea se face cu vopsea preparata cu galbenus de ou sau cazeina. Vopseaua tempera se dizolvă cu apă și se aplică pastă sau lichid pe perete, pânză, hârtie, lemn. În Rus', tempera a fost folosită pentru a crea picturi murale, icoane și modele pe obiecte de zi cu zi. În zilele noastre, tempera este folosită în pictură și grafică, în arte decorative și aplicate și în design artistic.

Pictură în frescă decorează interioare sub formă de compoziții monumentale și decorative aplicate pe tencuiala umedă cu vopsele pe bază de apă. Fresca are o suprafață mată plăcută și este rezistentă în condiții de interior.

Pictura pe ceară(encaustic) a fost folosit și de artiștii din Egiptul Antic, dovadă fiind faimoasele „portrete Fayum” (secolul I d.Hr.). Liantul din pictura encaustică este ceară albită. Vopselele de ceară se aplică în stare topită pe o bază încălzită, după care sunt arse.

Pictură în mozaic, sau mozaic, este asamblat din bucăți individuale de pietre smalt sau colorate și fixat pe un grund special de ciment. Smaltul transparent, introdus în pământ în diferite unghiuri, reflectă sau refractă lumina, determinând culoarea să se strălucească și să strălucească. Panourile mozaice pot fi găsite în metrou, în interioarele teatrelor și muzeelor ​​etc. Pictura cu vitralii este o operă de artă decorativă destinată decorarii deschiderilor de ferestre în orice structură arhitecturală. Vitraliul este realizat din bucăți de sticlă colorată ținute împreună de un cadru metalic puternic. Fluxul luminos, străpungând suprafața colorată a vitraliului, desenează modele decorative spectaculoase, multicolore, pe podea și pereții interiorului.

2. PICTURA ŞI GENURILE EI

Genurile de pictură (genul francez - gen, tip) sunt o diviziune stabilită istoric a lucrărilor picturii în conformitate cu temele și obiectele imaginii. În pictura modernă există următoarele genuri: portret, istoric, mitologic, luptă, cotidian, peisaj, natură moartă, gen animal.

Deși conceptul de „gen” a apărut în pictură relativ recent, anumite diferențe de gen au existat încă din cele mai vechi timpuri: imagini cu animale din peșteri din epoca paleolitică, portrete ale Egiptului Antic și Mesopotamiei din anul 3 mii î.Hr., peisaje și naturi moarte în elenistică și mozaicuri și fresce romane. Formarea genului ca sistem în pictura de șevalet a început în Europa în secolele XV-XV. și s-a încheiat în principal în secolul al XVII-lea, când, pe lângă împărțirea artei plastice în genuri, a apărut și conceptul de genuri „înalt” și „jos”, în funcție de subiectul imaginii, temei, intrigii.

Genul „înalt” a inclus genuri istorice și mitologice, iar genul „jos” a inclus portret, peisaj și natură moartă. Această gradare a genurilor a existat până în secolul al XIX-lea. Astfel, în secolul al XVII-lea în Olanda, tocmai genurile „jos” au devenit lider în pictură (peisaj, viața de zi cu zi, natura moartă), dar portretul ceremonial, care aparținea în mod formal genului „jos” al portretului, a făcut nu aparțin unor asemenea.

Devenind o formă de afișare a vieții, genurile de pictură, în ciuda stabilității trăsăturilor lor generale, nu sunt imuabile; ele se dezvoltă odată cu viața, schimbându-se pe măsură ce arta se dezvoltă. Unele genuri se sting sau capătă un nou sens (de exemplu, genul mitologic), apar altele noi, de obicei în cadrul celor existente anterior (de exemplu, un peisaj arhitectural și un port de agrement au apărut în genul peisaj). Apar lucrări care combină diverse genuri (de exemplu, o combinație a unui gen de zi cu zi cu un peisaj, un portret de grup cu un gen istoric).

Se numește un gen de artă plastică care reflectă aspectul extern și intern al unei persoane sau al unui grup de oameni portret. Acest gen este larg răspândit nu numai în pictură, ci și în sculptură, grafică etc. Principalele cerințe pentru un portret sunt transmiterea asemănării exterioare și dezvăluirea lumii interioare, esența caracterului unei persoane. Pe baza naturii imaginii, se disting două grupuri principale: portretele ceremoniale și cele de cameră. Un portret ceremonial arată o persoană în plină creștere (pe un cal, în picioare sau așezat), pe un fundal arhitectural sau peisaj. Un portret de cameră folosește o imagine de jumătate de lungime sau până la piept pe un fundal neutru. Autoportretul iese în evidență într-un grup special - reprezentarea artistului despre sine.

Portretul este unul dintre cele mai vechi genuri de artă plastică; inițial a avut un scop de cult și a fost identificat cu sufletul defunctului. În lumea antică, portretul s-a dezvoltat mai mult în sculptură, precum și în pictura portretelor - portretele Fayyum din secolele I - III. În Evul Mediu, conceptul de portret a fost înlocuit cu imagini generalizate, deși în fresce, mozaicuri, icoane și miniaturi existau unele trăsături individuale în reprezentarea figurilor istorice. Goticul târziu și Renașterea reprezintă o perioadă rapidă de dezvoltare a portretului, când are loc formarea genului portretului, atingând culmile credinței umaniste în om și înțelegerii vieții sale spirituale.

Se numește un gen de artă plastică dedicat evenimentelor și personajelor istorice genul istoric. Genul istoric, care se caracterizează prin monumentalitate, se dezvoltă de mult timp în pictura murală. Din Renaștere până în secolul al XIX-lea. artiștii au folosit subiecte din mitologia antică și legendele creștine. Adesea, evenimentele istorice reale descrise în imagine au fost saturate cu personaje alegorice mitologice sau biblice.

Genul istoric este împletit cu altele - genul de zi cu zi (scene istorice și de zi cu zi), portretul (reprezentări ale unor personaje istorice din trecut, portrete-compoziții istorice), peisaj („peisaj istoric”) și se îmbină cu genul de luptă.

Genul istoric este întruchipat în forme de șevalet și monumentale, în miniaturi și ilustrații. Originar din cele mai vechi timpuri, genul istoric a combinat evenimente istorice reale cu mituri. În țările din Orientul Antic, existau chiar tipuri de compoziții simbolice (apoteoza victoriilor militare ale monarhului, transferul puterii către el de către o divinitate) și cicluri narative de picturi și reliefuri. În Grecia Antică existau imagini sculpturale ale eroilor istorici, în Roma Antică erau create reliefuri cu scene de campanii militare și triumfuri.

În Evul Mediu în Europa, evenimentele istorice au fost reflectate în cronici și icoane în miniatură. Genul istoric în pictura de șevalet a început să prindă contur în Europa în perioada Renașterii, în secolele XVII-XVIII. a fost considerat ca un gen „înalt”, punând în valoare (subiecte religioase, mitologice, alegorice, istorice).

Picturile de genul istoric erau pline de conținut dramatic, idealuri estetice înalte și profunzimea relațiilor umane.

Un gen de artă plastică dedicat eroilor și evenimentelor despre care vorbesc miturile popoarelor antice se numește gen mitologic(din greacă mythos - legendă). Genul mitologic intră în contact cu istoricul și prinde contur în timpul Renașterii, când legendele antice ofereau oportunități bogate pentru întruchiparea poveștilor și a personajelor cu tentă complexă etică, adesea alegorice. În secolul al XVII-lea -- începutul În secolul al XIX-lea, în lucrările genului mitologic s-a extins gama de probleme morale și estetice, care au fost întruchipate în idealuri artistice înalte și fie s-au apropiat de viață, fie au creat un spectacol festiv. Din secolele XIX - XX. Temele miturilor germanice, celtice, indiene și slave au devenit populare.

Gen de luptă(din franceză bataille - bătălie) este un gen de pictură care face parte din genul istoric, mitologic și este specializat în înfățișarea bătăliilor, a isprăvilor militare, a operațiunilor militare, a glorifica vitejii militare, a furiei luptei și a triumfului victoriei. Genul de luptă poate include elemente ale altor genuri - domestic, portret, peisaj, animalistic, natură moartă.

Un gen de artă plastică care prezintă scene din viața de zi cu zi, personală, din viața de zi cu zi a unei persoane din viața țărănească și urbană se numește gen de zi cu zi. Apelurile la viața și morala oamenilor se găsesc deja în picturile și reliefurile din Orientul Antic, în pictura și sculptura în vase antice, în icoanele medievale și cărțile de ore. Dar genul cotidian s-a remarcat și a dobândit forme caracteristice doar ca fenomen al artei seculare de șevalet. Principalele sale trăsături au început să prindă contur în secolele XIV-XV. în picturi de altar, reliefuri, tapiserii, miniaturi în Olanda, Germania, Franța. În secolul al XVI-lea, în Țările de Jos, genul de zi cu zi a început să se dezvolte rapid și a devenit izolat. Unul dintre fondatorii săi a fost Hieronymus Bosch.

Dezvoltarea genului de zi cu zi în Europa a fost foarte influențată de opera lui Pieter Bruegel: el trece la un gen cotidian pur, arată că viața de zi cu zi poate fi un obiect de studiu și o sursă de frumusețe. Secolul al XVII-lea poate fi numit secolul genului cotidian în toate școlile de pictură din Europa.

În secolul al XVIII-lea în Franța, pictura de gen este asociată cu reprezentarea scenelor galante, „pastorale”, și devine rafinată și grațioasă, ironică. Lucrările de genul cotidian au fost variate: au arătat căldura vieții de acasă și exotismul țărilor îndepărtate, experiențe sentimentale și pasiuni romantice. Genul de zi cu zi, concentrat pe prezentarea vieții țărănești și a vieții unui oraș, s-a dezvoltat viu în pictura rusă a secolului al XIX-lea: de exemplu, în lucrările lui A.G. Venetsianov, P.A. Fedotov, V.G. Perov, I.E. Repin.

Genul de artă plastică, în care principalul lucru este reprezentarea naturii, a mediului, a vederilor peisajului rural, a orașelor, a monumentelor istorice, se numește peisaj(peisaj francez). Există peisaje rurale, urbane, arhitecturale, industriale, maritime (portul de agrement) și fluvial.

În antichitate și în Evul Mediu, peisajele apar în picturile de temple, palate, icoane și miniaturi. În arta europeană, pictorii venețieni ai Renașterii au fost primii care au apelat la reprezentarea naturii. Din secolul al XVI-lea peisajul devine un gen independent, se formează varietățile și direcțiile sale: peisaj liric, eroic, documentar. În secolul 19 descoperirile creative ale maeștrilor peisagistici, saturarea acestuia cu probleme sociale, dezvoltarea plein air (reprezentarea mediului natural) au culminat cu realizările impresionismului, care a oferit noi oportunități în transmiterea picturală a profunzimii spațiale, variabilitatea mediul de lumină-aer și complexitatea schemei de culori.

Un gen de artă plastică care prezintă obiecte de uz cotidian, muncă, creativitate, flori, fructe, vânat ucis, pește prins, plasate într-un mediu real de zi cu zi, se numește natură moartă(franceză nature morte - natură moartă). O natură moartă poate fi înzestrată cu o semnificație simbolică complexă, poate juca rolul unui panou decorativ sau poate fi așa-numita. „trick”, care oferă o reproducere iluzorie a obiectelor reale sau a figurilor care evocă efectul prezenței unei naturi autentice.

Reprezentarea obiectelor este cunoscută în arta antichității și în Evul Mediu. Dar prima natură moartă din pictura de șevalet este considerată a fi pictura artistului de la Veneția Jacopo de Barbari „Părnicicu cu săgeată și mănuși”. Deja în secolul al XVI-lea, natura moartă era împărțită în mai multe tipuri: un interior de bucătărie cu sau fără oameni, o masă setată într-un cadru rural, „vanitas” cu obiecte simbolice (o vază cu flori, o lumânare stinsă, instrumente muzicale). Natura moartă olandeză era deosebit de bogată, modestă în culori și în lucrurile descrise, dar rafinată în textura expresivă a obiectelor, în jocul de culoare și lumină.

Se numește un gen de artă plastică care prezintă animale gen animalistic(din lat. animal - animal). Artistul animal acordă atenție caracteristicilor artistice și figurative ale animalului, obiceiurilor sale, expresivității decorative a figurii și siluetei. Adesea animalele sunt înzestrate cu trăsături, acțiuni și experiențe inerente oamenilor. Imaginile animalelor se găsesc adesea în sculptura antică și pictura în vază.

CONCLUZIE

În concluzie, să rezumam cele de mai sus:

Pictura este împărțită în monumentală, decorativă, teatrală și decorativă, miniatură și șevalet.

Pe baza tehnicii și a mijloacelor de execuție, pictura este împărțită în ulei, tempera, frescă, ceară, mozaic, vitraliu, acuarelă, guașă și pastel.

În pictura modernă există următoarele genuri: portret, istoric, mitologic, luptă, cotidian, peisaj, natură moartă, gen animal.

Pictura istorică este imagini ale anumitor momente istorice, precum și personalități publice ale trecutului.

Pictura de luptă își propune să surprindă bătălii, bătălii și războaie. Pictura mitologică înfățișează evenimente descrise în mituri, epopee și legende.

Pictura de zi cu zi (de gen) este o reprezentare a scenelor din viața reală, realitățile și atributele sale.

Pictura de peisaj (peisaj) este o imagine a naturii naturale sau a oricărei zone.

Portretul este o reprezentare artistică a unei persoane. Un tip specific de portret este un autoportret.

O natură moartă este o imagine a diferitelor obiecte neînsuflețite, de exemplu, fructe, flori, obiecte de uz casnic, ustensile, plasate într-un mediu real de zi cu zi și organizate compozițional într-un singur grup.

BIBLIOGRAFIE

1. Batrakova SP Artista secolului XX. și limbajul picturii. M., 1996.

2. Whipper B.R. O introducere în studiul istoric al artei. M., Arte Plastice, 1985

3. Arta occidentală a secolului XX. Moștenire clasică și modernitate. M, 1992.

4. Istoria artei străine. M., Arte Plastice, 1984

5. Istoria artei mondiale. Ediția a III-a, Editura „Academia”, M., 1998.

6. De la constructivism la suprarealism. M., 1996.

7. Polyakov V.V. Istoria artei mondiale. Arte plastice și arhitectură ale secolului XX. M., 1993.

8. Sadokhin A.P. Culturologia: teoria și istoria culturii: Manual. -- M.: Eksmo, 2007.

9. Arta occidentală contemporană. Secolul XX: probleme și tendințe. M., 1982.

10. Suzdalev P. Despre genurile picturii. // Creativitate, 2004, Nr. 2, 3. P. 45-49.

Documente similare

Caracteristici generale, clasificare și tipuri de peisaj ca unul dintre genurile actuale de artă. Identificarea trăsăturilor și relațiilor genului peisajului în pictură, fotografie, cinema și televiziune. Istoria apariției artei fotografice la începutul secolelor al XIX-lea și al XX-lea.

rezumat, adăugat 26.01.2014


Conceptul picturii de șevalet ca formă de artă independentă. Pictura coreeană din perioada Goguryeo. Tipuri de arte plastice și arhitectură din Silla. Artiști remarcabili și creațiile lor. Caracteristici ale conținutului picturii populare coreene.

rezumat, adăugat 06.04.2012


Nașterea artei în epoca peșterilor. Dezvoltarea artei în Grecia antică și Roma. Caracteristici ale dezvoltării picturii în Evul Mediu, Renaștere și Baroc. Mișcări artistice în arta contemporană. Esența frumuseții din punct de vedere moral.

articol, adăugat 16.02.2011


Un sistem de clasificare a artei în grupuri de tipuri spațiale (plastice), temporare (dinamice), sintetice (spectaculoase). Dezvoltare istorică, caracteristici și tehnici de utilizare a materialelor artistice în grafică, sculptură și pictură.

test, adaugat 29.01.2010


Studiu al reprezentanților școlii italiene de pictură. Caracteristicile caracteristicilor principalelor tipuri de artă plastică: șevalet și grafică aplicată, sculptură, arhitectură și fotografie. Studiul tehnicilor și tehnicilor de lucru cu vopsele în ulei.

lucrare de curs, adăugată 15.02.2012


Portretul ca gen în pictură. Istoria picturii portretelor. Portret în pictura rusă. Construirea unei compoziții portret. Tehnica picturii în ulei. Baza pentru pictură. Vopsele și pensule de artă în ulei. Paleta de vopsele și amestecarea vopselelor.

teză, adăugată 25.05.2015


Originea și dezvoltarea artei olandeze în secolul al XVII-lea. Studierea lucrărilor celor mai mari maeștri ai picturii de gen olandez și olandez. Studiul caracteristicilor specifice ale unor genuri precum viața de zi cu zi, portretul, peisajul și natura moartă.

test, adaugat 12.04.2014


Natura moartă ca unul dintre genurile de artă plastică, familiarizarea cu abilitățile picturii. Caracteristici ale utilizării vopselelor acrilice lichide. Introducere în sarcinile picturii. Analiza artei intens ascetice a Bizanțului.

lucrare curs, adăugată 09.09.2013


Caracteristicile picturii interioare, care există atât ca gen independent de artă, cât și ca fundal în lucrările care descriu evenimente istorice și cotidiene. Analiza caracteristicilor interioare în picturi de către maeștrii picturii K. Bryullov, I. Repin.

test, adaugat 26.08.2011


Trăsături caracteristice artei romane antice. Rădăcinile istorice ale culturii romane. Stilul roman de pictură. Principalele direcții și varietăți ale picturii romane antice: portrete Fayum, pictura monumentală, pictura etruscă.

Pictura- cel mai comun tip de artă plastică, ale cărui lucrări sunt create folosind vopsele aplicate pe orice suprafață.

Operele de artă create de pictori folosesc desenul, culoarea, lumina și umbra, expresivitatea loviturilor, textura și compoziția. Acest lucru face posibilă reproducerea pe plan a bogăției colorate a lumii, volumul obiectelor, originalitatea lor materială calitativă, adâncimea spațială și mediul de lumină-aer.

Pictura, ca orice artă, este o formă de conștiință socială și este o reflectare artistică și figurativă a lumii. Dar, reflectând lumea, artistul întruchipează simultan în lucrările sale gândurile și sentimentele, aspirațiile, idealurile estetice, evaluează fenomenele vieții, explicând esența și sensul lor în felul său și își exprimă înțelegerea lumii.

Lumea picturii este bogată și complexă, comorile ei au fost acumulate de omenire de-a lungul multor milenii. Cele mai vechi lucrări de pictură au fost descoperite de oamenii de știință pe pereții peșterilor în care trăiau oamenii primitivi. Primii artiști au descris scenele de vânătoare și obiceiurile animalelor cu o acuratețe și o claritate uimitoare. Așa a apărut arta picturii pe perete, care avea trăsături caracteristice picturii monumentale.

Pictură monumentală Există două tipuri principale de pictură monumentală frescă (din frescă italiană - fresh) și mozaic (din italianul mozaic, literalmente dedicat muzelor).

Frescă este o tehnică de vopsire cu vopsele diluate cu apă curată sau var pe tencuială proaspătă, umedă.

Mozaic– o imagine formată din particule de piatră, smalt, plăci ceramice, omogene sau diferite ca material, care sunt fixate într-un strat de pământ - var sau ciment.

Fresca și mozaicul sunt principalele tipuri de artă monumentală, care, datorită durabilității și rezistenței culorilor, sunt folosite pentru decorarea volumelor și planurilor arhitecturale (picturi murale, abajururi, panouri). Printre monumentaliștii ruși numele sunt binecunoscute A.A. Deineki, P.D. Korina, A.V. Vasnetsova, B.A. Talberga, D.M. Merperta, B.P. Miliukova și alții.

Pictura de șevalet(poza) are un caracter și un sens independent. Amploarea și completitudinea acoperirii vieții reale se reflectă în diversitatea tipurilor și genuri: natură moartă, viață de zi cu zi, istoric, genuri de luptă, peisaj, portret.

Spre deosebire de pictura monumentală, pictura de șevalet nu este legată de planul peretelui și poate fi expusă liber. Semnificația ideologică și artistică a operelor de artă de șevalet nu se schimbă. in functie de locul in care se afla, desi sunetul lor artistic depinde de conditiile de expunere.

Pe lângă tipurile de pictură de mai sus, există decorativ- schițe de decoruri și costume de teatru și film, - precum și miniaturiȘi pictura cu icoane.

Un monument de înaltă pricepere a picturii rusești antice din secolul al XV-lea. Icoana „Trinitatea”, creată de Andrei Rublev, este considerată pe bună dreptate o capodoperă, stocată în Asociația Muzeului All-Rusian „Galeria de Stat Tretiakov” (fig. 6). Aici idealul moral al armoniei spiritului cu lumea și viața este exprimat într-o formă perfectă, cea mai înaltă pentru timpul său. Icoana este plină de conținut poetic și filozofic profund. Imaginea a trei îngeri este înscrisă într-un cerc, subordonând toate liniile de contur, a căror consistență produce un efect aproape muzical. Tonurile strălucitoare, pure, în special albastru floarea de colț („rula de varză”) și verde transparent, se îmbină într-o gamă fin coordonată. Aceste culori contrastează cu halatul vișiniu închis al îngerului mijlociu, subliniind rolul principal al figurii sale în compoziția generală.

Frumusețea picturii icoanelor rusești, nume Teofan Grecul, Andrei Rublev, Dionysius, Prokhor din Gorodets, Daniil Cherny deschis lumii abia după secolul al XX-lea. a învățat să șterge icoanele antice din înregistrările ulterioare.

Din păcate, există o înțelegere simplificată a artei, când în lucrări se caută claritatea obligatorie a intrigii, recunoașterea a ceea ce a descris artistul, din punctul de vedere al „similar” sau „disimilar”. În același timp, uită: nu în toate tipurile de artă se poate găsi o asemănare directă cu ceea ce este descris pe pânză cu o imagine a unei vieți concrete familiare. Cu această abordare, este dificil de evaluat meritele picturii lui Andrei Rublev. Ca să nu mai vorbim de astfel de tipuri „non-vizuale” de creativitate precum muzica, arhitectura, artele aplicate și decorative.

Pictura, ca toate celelalte forme de artă, are un limbaj artistic aparte prin care artistul își transmite ideile și sentimentele care reflectă realitatea. În pictură, „imaginea la scară largă a realității se realizează prin imaginea artistică, linia și culoarea. În ciuda întregii sale perfecțiuni tehnice, pictura nu este încă o operă de artă dacă nu evocă empatie și emoții privitorului.

Cu o execuție absolut exactă, artistul este lipsit de posibilitatea de a-și arăta atitudinea față de ceea ce este descris dacă scopul său este să transmită doar asemănări!

Pentru maeștri celebri, imaginea nu transmite niciodată complet și exact realitatea, ci o reflectă doar dintr-un anumit punct de vedere. Artistul identifică în primul rând ceea ce conștient sau intuitiv consideră deosebit de important, principalul lucru în acest caz. Rezultatul unei astfel de atitudini active față de realitate nu va fi doar o imagine exactă, ci imagine artistică a realității, în care autorul, rezumând detalii individuale, subliniază cele mai importante, caracteristice. Astfel, viziunea asupra lumii și poziția estetică a artistului se manifestă în lucrare.

Natură moartă- unul dintre genurile independente de pictură. Unicitatea genului constă în marile sale posibilități vizuale. Prin esența materială a unor obiecte specifice, un adevărat artist poate reflecta în formă figurativă aspectele esențiale ale vieții, gusturile și moravurile, statutul social al oamenilor, evenimentele istorice importante și, uneori, o întreagă epocă. Prin selecția țintită a obiectelor imagine și interpretarea lor, el își exprimă atitudinea față de realitate, își dezvăluie gândurile și sentimentele.

Pentru comparație, să luăm o natură moartă pictată de un pictor sovietic remarcabil DOMNIȘOARĂ. Saryan(1880-1972), „Flori de Erevan” ​​(fig. 7). Maestrul și-a exprimat atitudinea față de flori în cuvintele care au devenit epigraful monografiei lucrărilor sale de creație: „Ce poate fi mai frumos decât florile care decorează viața unei persoane? ...Când vezi flori, ești imediat molipsit de o dispoziție veselă... Puritatea culorilor, transparența și profunzimea pe care le vedem în flori nu se vede decât în ​​penajul păsărilor și al fructelor”1.

„În spatele aparentei ușurință și spontaneitate a picturii se află o mare cultură picturală și vasta experiență a unui artist foarte talentat. Capacitatea sa, ca într-o singură respirație, de a picta un tablou mare (96x103 cm), ignorând în mod deliberat detaliile tipice. a modului creator al pictorului, străduindu-se să transmită principalul lucru - bogăția nelimitată de culori a naturii Armeniei noastre natale.

Genul de zi cu zi, sau pur și simplu „gen” (de la cuvântul francez gen - gen, tip) - cel mai comun tip de pictură de șevalet în care artistul se îndreaptă spre înfățișarea vieții în manifestările sale de zi cu zi.

În arta plastică rusă, genul de zi cu zi a ocupat o poziție de lider în secolul al XIX-lea, când 154 de reprezentanți remarcabili ai mișcării democratice în pictură au contribuit la dezvoltarea acesteia: VC. Perov (1833-1882), K.A. Savitsky (1844-1905), N.A. Iaroșenko (1846 -1896), V.E. Makovski (1846-1920), I.E. Repin (1844-1930).

Succesul creativ fără îndoială al A.A. Plastova (1893-1972) Pictura „Primăvara” este considerată a fi în care artista și-a exprimat un sentiment cast și subtil de admirație pentru maternitate. Figura unei mame care leagă o eșarfă pe capul copilului ei arată grozav pe fundalul zăpezii ușoare de primăvară. Artistul a dedicat multe picturi de gen situațiilor simple de viață ale consatenilor săi.

Genul istoric format în arta rusă în a doua jumătate a secolului al XIX-lea. El a ajutat artiștii ruși de seamă să acorde o atenție deosebită trecutului patriei lor, problemelor acute ale realității de atunci. Pictura istorică rusă a atins apogeul în anii 80-90 ai secolului trecut în creativitate I.E. Repina, V.I. Surikova, V.M. Vasnetsova, K.P. Bryullov. Celebrul artist rus P.D. Corinne (1892-1967) a creat un triptic (o compoziție din trei picturi separate conectate printr-o temă comună) „Alexander Nevsky”. Lucrarea a fost creată în vremurile grele ale Marelui Război Patriotic (1942-1943). În anii grei ai războiului, artistul a apelat la imaginea marelui războinic al Rusiei Antice, arătându-și legătura indisolubilă cu poporul, cu însuși pământul rusesc. Tripticul lui Korin a devenit unul dintre cele mai izbitoare documente ale perioadei eroice a istoriei noastre, exprimând credința artistului în curajul și rezistența oamenilor care au fost supuși la grele încercări.

Gen de luptă(din francezul bataille - battle) este considerat ca un tip de gen istoric. Lucrările remarcabile ale acestui gen includ picturile A.A. Deineki„Apărarea Petrogradului” (1928), „Apărarea Sevastopolului” (1942) și „Downdown Ace” (1943).

Decor adesea folosit ca un plus important pentru picturile istorice și de luptă de zi cu zi, dar poate acționa și ca un gen independent. Lucrările de pictură peisagistică ne sunt apropiate și de înțeles, deși persoana de pe pânză este adesea absentă.

Imaginile naturii îi entuziasmează pe toți oamenii, oferindu-le stări, experiențe și gânduri similare. Cine dintre noi nu este aproape de peisajele pictorilor ruși: „Cururile au sosit” A.K. Savrasova, „Dezgheț” F. Vasileva,"Secară" I.I. Shishkina,„Noapte pe Nipru” A.I. Kuindzhi,„curtea Moscovei” VD. Polenovași „Peste pacea veșnică” I.I. Levitan. Începem involuntar să privim lumea prin ochii artiștilor care au dezvăluit frumusețea poetică a naturii.

Artiștii de peisaj au văzut și au transmis natura fiecare în felul său. Aveau propriile lor motive preferate. I.K. Aivazovsky (1817-1900),înfățișând diferite stări ale mării, nave și oameni care se luptă cu elementele. Pânzele sale se caracterizează printr-o gradație subtilă de clarobscur, efect de lumină, exaltare emoțională și o tendință către eroism și patos.

Lucrări remarcabile în acest gen ale pictorilor peisagişti sovietici: NE. Gerasimova (1885-1964), autor al unor picturi precum „Winter” (1939) și „The Ice Gone” (1945),

N.P. Krymova(1884-1958), creatorul picturilor „Toamna” (1918), „Ziua cenușie” (1923), „Amiaza” (1930), „Înainte de amurg” (1935) și altele, acuarele A.P. Ostroumova-Lebedeva(1871-1955) - „Pavlovsk” (1921), „Petrograd. Câmpul lui Marte” (1922), picturi A.M. Gritsaya (născut în 1917)„Grădina de vară” (1955), „După-amiază” (1964), „Mai. Căldura primăverii” (1970), etc.

Portret(din franceză portraire - a descrie) - o imagine, o imagine a unei persoane sau a unui grup de oameni care există sau au existat în realitate.

Unul dintre cele mai importante criterii pentru portretizare este asemănarea imaginii cu modelul (original). Sunt posibile diverse soluții de compunere într-un portret (lungimea bustului, lungimea taliei, lungimea întregii, grupul). Dar, cu toată varietatea de soluții și maniere creative, principala calitate a portretului nu este doar transmiterea asemănării exterioare, ci și revelarea esenței spirituale a persoanei portretizate, a profesiei sale și a statutului social.

În arta rusă, portretul și-a început istoria strălucită la începutul secolului al XVIII-lea. F.S. Rokotov (1735-1808), D.G. Levitsky (1735-1822), V.A. Borovikovsky (1757-1825) până la sfârșitul secolului al XVIII-lea. a ajuns la nivelul celor mai înalte realizări ale artei mondiale.

La începutul secolului al XIX-lea. artiști ruși V.A. Tropinin (1776-1857)Și O.A. Kiprensky (1782-1836) a creat portrete larg cunoscute ale lui A.S. Pușkin.

Tradițiile portretului pictural rusesc au fost continuate de artiștii itineranți: V.G. Perov (1833/34-1882), N.N. Ge (1831 - 1894), I.N. Kramskoy (1837-1887), I.E. Repin (1844-1930) si etc.

Un exemplu genial de rezolvare a compozițiilor pentru portrete ale unor personaje proeminente din știință și artă este o serie de pânze create de artist. M.V. Nesterov (1877-1942). Maestrul părea să-și găsească eroii în momentul cel mai intens al gândirii lor creatoare, concentrate, căutării spirituale (fig. 13). Așa au fost concepute portretele unor sculptori sovietici celebri I.D. Shadra (1934) și V.I. Mukhina (1940), academician I.P. Pavlova (1935)și un chirurg proeminent S.S. Yudina (1935).

- acesta este unul dintre principalele tipuri de artă plastică; este o reprezentare artistică a lumii obiective folosind vopsele colorate pe o suprafață. Pictura este împărțită în: șevalet, monumentală și decorativă.

- reprezentate în principal de lucrări realizate cu vopsele în ulei pe pânză (carton, scânduri de lemn sau goale). Este cel mai popular tip de pictură. Acest tip este de obicei aplicat termenului " pictura".

este o tehnică de pictură pe pereți la decorarea clădirilor și a elementelor arhitecturale din clădiri. Deosebit de comun în Europa frescă - pictura monumentala pe tencuiala umeda cu vopsele solubile in apa. Această tehnică de desen este binecunoscută încă din antichitate. Mai târziu, această tehnică a fost folosită în proiectarea multor biserici religioase creștine și a bolților acestora.

Pictura decorativa — (de la cuvântul latin de la decoro - a decora) este un mod de a desena și de a aplica imagini la obiecte și detalii interioare, pereți, mobilier și alte obiecte decorative. Se referă la artele decorative și aplicate.

Posibilitățile artei picturale au fost deosebit de clar dezvăluite de pictura de șevalet încă din secolul al XV-lea, de la utilizarea în masă a vopselelor în ulei. În el este disponibilă o varietate specială de conținut și o formă profund dezvoltată. În centrul mijloacelor artistice picturale se află culorile (posibilitățile vopselelor), în unitate inextricabilă cu clarobscurul și linia; culoarea și clarobscurul sunt dezvoltate și dezvoltate prin tehnici de pictură cu o completitudine și luminozitate inaccesibile altor tipuri de artă. Acest lucru determină perfecțiunea modelării volumetrice și spațiale inerente picturii realiste, redarea vie și exactă a realității, posibilitatea realizării intrigiilor concepute de artist (și metodelor de construire a compozițiilor) și alte avantaje vizuale.

O altă diferență în diferențele dintre tipurile de pictură este tehnica de execuție în funcție de tipurile de vopsele. Semnele generale nu sunt întotdeauna suficiente pentru a face o hotărâre. Granița dintre pictură și grafică în fiecare caz în parte: de exemplu, lucrările realizate în acuarelă sau pasteluri pot aparține ambelor zone, în funcție de abordarea artistului și de sarcinile pe care le stabilește. Deși desenele pe hârtie sunt clasificate drept grafice, utilizarea diferitelor tehnici de pictură estompează uneori distincția dintre pictură și grafică.

Trebuie luat în considerare faptul că termenul semantic „pictură” în sine este un cuvânt în limba rusă. A fost folosit ca termen în timpul formării artei plastice în Rusia în perioada barocului. Folosirea cuvântului „pictură” în acel moment se aplica doar unui anumit tip de pictură realistă. Dar inițial provine din tehnica bisericească de a picta icoane, care folosește cuvântul „scrie” (legat de scriere) deoarece acest cuvânt este o traducere a sensului din textele grecești (cele sunt „pierdute în traducere”). Dezvoltarea în Rusia a propriei școli de artă și moștenirea cunoștințelor academice europene în domeniul artei au dezvoltat sfera cuvântului rus „pictură”, înscriindu-l în terminologia educațională și limba literară. Dar în limba rusă s-a format o particularitate a sensului verbului „a scrie” în legătură cu scrierea și desenul de imagini.

Genuri de pictură

În cursul dezvoltării artei plastice, s-au format mai multe genuri clasice de picturi, care și-au dobândit propriile caracteristici și reguli.

Portret este o reprezentare realistă a unei persoane în care artistul încearcă să obțină o asemănare cu originalul. Unul dintre cele mai populare genuri de pictură. Majoritatea clienților au folosit talentul artiștilor pentru a-și perpetua propria imagine sau, dorind să obțină o imagine a unei persoane dragi, a unei rude etc. Clienții au căutat să obțină un portret asemănător (sau chiar să o înfrumusețeze) lăsând o întruchipare vizuală în istorie. Portretele de diferite stiluri sunt cea mai populară parte a expoziției majorității muzeelor ​​de artă și colecțiilor private. Acest gen include și un astfel de tip de portret ca auto portret - o imagine a artistului însuși, pictată de el însuși.

Decor- unul dintre genurile populare de pictură în care artistul caută să înfățișeze natura, frumusețea sau particularitatea ei. Diferite tipuri de natură (dispoziția sezonului și vremea) au un impact emoțional puternic asupra oricărui spectator - aceasta este o trăsătură psihologică a unei persoane. Dorința de a obține o impresie emoțională din peisaje a făcut din acest gen unul dintre cele mai populare în creativitatea artistică.

- acest gen este în multe privințe similar cu peisajul, dar are o caracteristică cheie: picturile înfățișează peisaje cu participarea obiectelor arhitecturale, clădirilor sau orașelor. O atenție specială sunt priveliștile din stradă ale orașelor care transmit atmosfera unui loc. O altă direcție a acestui gen este reprezentarea frumuseții arhitecturii unei anumite clădiri - aspectul acesteia sau imaginile interioarelor sale.

- un gen în care subiectul principal al picturilor este un eveniment istoric sau interpretarea acestuia de către artist. Ceea ce este interesant este că un număr mare de picturi pe o temă biblică aparțin acestui gen. Deoarece în Evul Mediu, scenele biblice erau considerate evenimente „istorice”, iar principalii clienți ai acestor picturi erau biserica. Subiectele biblice „istorice” sunt prezente în lucrările majorității artiștilor. A doua naștere a picturii istorice are loc în vremurile neoclasicismului, când artiștii apelează la subiecte istorice cunoscute, evenimente din antichitate sau legende naționale.

- reflectă scene de războaie și bătălii. Particularitatea nu este doar dorința de a reflecta un eveniment istoric, ci și de a transmite spectatorului elevația emoțională a faptei și eroismului. Ulterior, acest gen devine și politic, permițând artistului să transmită spectatorului punctul său de vedere (atitudinea sa) asupra a ceea ce se întâmplă. Putem vedea un efect similar al accentului politic și al forței talentului artistului în opera lui V. Vereshchagin.

este un gen de pictură cu compoziții din obiecte neînsuflețite, folosind flori, produse și feluri de mâncare. Acest gen este unul dintre cele mai recente și s-a format în școala olandeză de pictură. Poate că apariția sa este cauzată de particularitatea școlii olandeze. Boom-ul economic al secolului al XVII-lea din Olanda a dus la dorința de lux (picturi) la prețuri accesibile în rândul unui număr semnificativ al populației. Această situație a atras un număr mare de artiști în Olanda, provocând o concurență intensă între aceștia. Modelele și atelierele (oameni în haine adecvate) nu erau disponibile artiștilor săraci. Când pictau tablouri de vânzare, au folosit mijloace improvizate (obiecte) pentru a compune tablourile. Această situație din istoria școlii olandeze este motivul dezvoltării picturii de gen.

Pictura de gen — subiectul picturilor sunt scene cotidiene din viața de zi cu zi sau sărbători, de obicei cu participarea oamenilor obișnuiți. La fel ca natura moartă, a devenit răspândită printre artiștii olandezi în secolul al XVII-lea. În perioada romantismului și neoclasicismului, acest gen a luat o nouă naștere; picturile se străduiesc nu atât să reflecte viața de zi cu zi, cât să o romanticeze, să introducă un anumit sens sau moralitate în intriga.

Marina- un tip de peisaj care înfățișează vederi la mare, peisaje de coastă cu vedere la mare, răsărituri și apusuri de soare pe mare, nave sau chiar bătălii navale. Deși există un gen de luptă separat, bătăliile navale aparțin în continuare genului „marina”. Dezvoltarea și popularizarea acestui gen pot fi atribuite și școlii olandeze din secolul al XVII-lea. A fost popular în Rusia datorită lucrării lui Aivazovsky.

— o caracteristică a acestui gen este crearea de picturi realiste care înfățișează frumusețea animalelor și a păsărilor. Una dintre trăsăturile interesante ale acestui gen este prezența picturilor care înfățișează animale inexistente sau mitice. Sunt chemați artiștii specializați în imagini cu animale animaliştilor.

Istoria picturii

Nevoia de imagini realiste a existat din cele mai vechi timpuri, dar a avut o serie de dezavantaje din cauza lipsei de tehnologie, a școlilor sistematice și a educației. În cele mai vechi timpuri, se pot găsi mai des exemple de pictură aplicată și monumentală cu tehnica desenului pe tencuială. În vremurile străvechi, s-a acordat o importanță mai mare talentului interpretului; artiștii erau limitati în tehnologia de realizare a vopselelor și oportunitatea de a primi o educație sistematică. Dar deja în antichitate s-au format cunoștințe și lucrări de specialitate (Vitruvius), care va sta la baza unei noi înfloriri a artei europene în Renaștere. Pictura decorativă a primit o dezvoltare semnificativă în timpul antichității grecești și romane (școala s-a pierdut în Evul Mediu), al cărei nivel a fost atins abia după secolul al XV-lea.

Pictura unei fresce romane (Pompeii, secolul I î.Hr.), un exemplu al nivelului de tehnologie a picturii antice:

„Evul întunecat” al Evului Mediu, creștinismul militant și Inchiziția duc la interzicerea studiului moștenirii artistice a antichității. Vasta experiență a maeștrilor antici, cunoștințele în domeniul proporțiilor, compoziției, arhitecturii și sculpturii sunt interzise, ​​iar multe comori artistice sunt distruse din cauza dăruirii lor față de zeitățile antice. O întoarcere la valorile artei și științei în Europa are loc numai în timpul Renașterii (renaștere).

Artiștii Renașterii timpurii (renașterea) au trebuit să recupereze și să reînvie realizările și nivelul artiștilor antici. Ceea ce admirăm în lucrările artiștilor din Renașterea timpurie a fost nivelul maeștrilor Romei. Un exemplu clar al pierderii a mai multor secole de dezvoltare a artei (și civilizației) europene în timpul „Evului Întunecat” al Evului Mediu, al creștinismului militant și al Inchiziției - diferența dintre aceste picturi din secolul al XIV-lea!

Apariția și răspândirea tehnologiei de realizare a vopselelor în ulei și a tehnicii de pictură cu acestea în secolul al XV-lea a dat naștere la dezvoltarea picturii de șevalet și a unui tip special de produse ale artistului - picturi colorate cu vopsele în ulei pe pânză grunduită sau lemn.

Pictura a primit un salt uriaș în dezvoltarea calitativă în timpul Renașterii, în mare parte datorită lucrării lui Leon Battista Alberti (1404-1472). El a fost primul care a pus bazele perspectivei în pictură (tratatul „Despre pictură” din 1436). Școala de artă europeană îi datorează lui (lucrarea sa de sistematizare a cunoștințelor științifice) apariția (renașterea) perspectivei realiste și a proporțiilor naturale în picturile artiștilor. Desen faimos și familiar de Leonardo da Vinci "Omul Vitruvian"(proporții umane) din 1493, dedicat sistematizării cunoștințelor străvechi ale lui Vitruvius despre proporții și compoziție, a fost creat de Leonardo o jumătate de secol mai târziu decât tratatul lui Alberti „Despre pictură”. Iar opera lui Leonardo este o continuare a dezvoltării școlii de artă europene (italiane) a Renașterii.

Însă pictura a primit o dezvoltare luminoasă și masivă începând cu secolele al XVI-lea și al XVII-lea, când tehnica picturii în ulei s-a răspândit, au apărut diverse tehnologii de realizare a vopselelor și s-au format școli de pictură. Sistemul de cunoaștere și educație artistică (tehnici de desen), combinat cu cererea de opere de artă în rândul aristocrației și monarhilor, a condus la înflorirea rapidă a artei plastice în Europa (perioada baroc).

Capacitățile financiare nelimitate ale monarhiilor, aristocrațiilor și antreprenorilor europene au devenit un teren excelent pentru dezvoltarea ulterioară a picturii în secolele XVII-XIX. Iar influența slăbită a bisericii și a unui stil de viață secular (înmulțit de dezvoltarea protestantismului) a permis nașterea multor subiecte, stiluri și mișcări în pictură (baroc și rococo).

Pe parcursul dezvoltării artei plastice, artiștii au dezvoltat multe stiluri și tehnici care duc la cel mai înalt nivel de realism în lucrările lor. Până la sfârșitul secolului al XIX-lea (odată cu apariția mișcărilor moderniste), în pictură au început transformări interesante. Disponibilitatea educației artistice, competiția de masă și cerințele ridicate ale abilităților artiștilor de către public (și cumpărători) dau naștere la noi direcții în metodele de exprimare. Arta plastică nu mai este limitată doar de nivelul tehnicii; artiștii se străduiesc să introducă în opere semnificații speciale, moduri de „a privi” și filozofie. Ceea ce vine adesea în detrimentul nivelului de performanță, devine speculație sau o metodă de șocare. Varietatea stilurilor emergente, discuțiile aprinse și chiar scandalurile dau naștere la dezvoltarea interesului pentru noi forme de pictură.

Tehnologiile moderne de desen pe computer (digital) aparțin graficii și nu pot fi numite pictură, deși multe programe și echipamente de calculator vă permit să repetați complet orice tehnică de pictură cu vopsele.

Nu este un secret pentru nimeni că pictura are propria sa tipologie și este împărțită în genuri. Acest fenomen a apărut în Europa în secolul al XV-lea, când s-a format conceptul de pictură de primă clasă, care includea picturi de natură mitologică și istorică, iar picturile de clasa a doua includeau peisaje, portrete și naturi moarte. Dar această sortare și-a pierdut relevanța în jurul anului 1900, când erau prea multe genuri și stiluri și ar fi fost prea demodat pentru a folosi o împărțire clară doar în aceste două grupuri. De aceea vreau să vorbesc astăzi despre tipurile actuale de pictură.

Natură moartă (nature morte- „natura moartă”) - imagini cu lucruri neînsuflețite. Acest gen a apărut în secolul al XV-lea și și-a câștigat independența în secolul al XVII-lea, datorită artiștilor olandezi. Genul a devenit independent datorită apariției Epocii de Aur în Olanda; artiștii au fost răsfățați de abundența de mâncare și de alte lucruri care anterior erau considerate articole de lux și bogăție; pe această bază un gen atât de îngust precum natura moartă olandeză a apărut. În zilele noastre, natura moartă este un tip de pictură larg răspândit și este la mare căutare în rândul cumpărătorilor de tablouri.

Portret- o persoană sau un grup de persoane descrise în imagine. Scopul acestui stil este foarte vag; portretul se suprapune adesea cu alte stiluri, cum ar fi peisajul sau natura statică. Portretele pot fi, de asemenea, istorice, postume sau religioase. Există și un autoportret, care este atunci când artistul se desenează.

Decor- un gen foarte important în pictură. În ea, artistul pictează fie o natură sau un teren curat sau transformat de om. De mult a depășit priveliștile obișnuite la mare sau la munte, iar astăzi este unul dintre cele mai populare tipuri de pictură. Peisajele pot fi urbane, rurale, maritime, montane etc. Anterior, peisajele erau pictate doar în aer liber, când artistul picta din viață ceea ce vedea. În zilele noastre, această practică devine din ce în ce mai puțin comună, iar artiștii moderni preferă să lucreze din fotografii.

Marina- aceeași natură moartă de mare, doar cu numele corect. Porturile înfățișează evenimente care au loc pe mare, bătălii, valuri mari, nave de marfă etc. Un reprezentant proeminent al acestui gen a fost Ivan Aivazovsky.

Pictură de istorie- a apărut din necesitate, în perioada Renașterii, artiștii au pictat evenimente culturale și istorice importante. Picturile istorice nu se bazează întotdeauna pe istorie; ele includ și diverse tipuri de pictură, cum ar fi mitologia, evanghelia și evenimentele biblice.

Pictura de luptă- o temă care dezvăluie tema războiului și a vieții militare. Artistul încearcă să descrie un moment important, epic, cheie al unei bătălii sau bătălii. În același timp, fiabilitatea poate dispărea treptat în fundal.

Animalistica-reprezentări de animale, cele mai vechi picturi erau în acest gen, deoarece până și artiștii primitivi pictau animale și le vânau. Aproape întotdeauna se îmbină cu peisajul.

În orice moment, prezența unui tablou în interiorul unei camere a fost un semn de inteligență și bun gust al proprietarilor. Decorarea pereților cu tablouri a devenit un clasic în timpul nostru, care este utilizat pe scară largă în decorarea camerei.

Tipuri de tablouri pentru interior

Este clar că nu toată lumea poate achiziționa un tablou adevărat pictat de un artist celebru. Dar poate fi înlocuit cu succes prin reproducere. Autenticitatea nu este la fel de importantă pentru interior ca și conținutul imaginii, care, împreună cu paleta de nuanțe, ar trebui să se potrivească armonios în interiorul general al camerei și să evoce doar emoții pozitive.

Imagini modulare

Mai recent, au intrat în modă picturile modulare, care constau din părți sau segmente individuale, cu alte cuvinte - picturi segmentate. Fiecare segment este interconectat cu cel învecinat și toate în întregime adaugă o singură parcelă și o temă. Astfel de picturi adaugă originalitate și rafinament interiorului. Numărul de segmente poate fi orice. Astfel de picturi decorează nu numai interiorul camerei de zi, ci și pereții birourilor, restaurantelor și cafenelelor. Picturile modulare oferă o selecție uriașă de stiluri și tendințe în arta plastică. Poate fi atât peisaj, cât și abstracție, avangardă și alte direcții. Să aruncăm o privire mai atentă la unele dintre ele.

Abstracția în picturi

Folosind o pictură abstractă pentru a decora pereții, vei aduce un element luminos, extraordinar în interior. Un complot neconvențional și imagini ciudate vor deveni un decor real și unic pentru orice cameră, deoarece astfel de picturi sunt create într-un stil unic și, prin urmare, pot fi selectate special pentru orice cameră, fie că este vorba despre un birou, un dormitor sau o bucătărie. Astfel de picturi ajută la crearea stilului dorit în cameră.

Este important de știut că atunci când alegeți tablouri pentru interiorul unei camere, este necesar să arătați un simț al proporției, astfel încât camera să nu se transforme într-o galerie de artă.

Afișe în interior

Mulți oameni cred în mod eronat că afișele sunt postere de hârtie care înfățișează artiști celebri. De fapt, acest lucru nu este deloc adevărat. Afișul poate înfățișa totul: de la vedete din show-business, animale, natură, până la inscripții și sloganuri sau fotografii personale. Este, de asemenea, o afirmație eronată că afișele sunt tipărite pe hârtie subțire și sunt de foarte scurtă durată. De fapt, imaginea poate fi aplicată pe hârtie groasă, aproape de pânza reală, sau pe hârtie fotografică. Posterele moderne sunt aproape de calitate a tablourilor scumpe de lux. Scopul lor principal este de a decora o parte din interiorul camerei, deși uneori efectuează funcții publicitare, informaționale și comerciale în birouri și alte spații.

Tablouri în diverse încăperi

Apartamentul este format din mai multe camere, fiecare având propriul scop funcțional. Prin urmare, picturile pentru fiecare cameră ar trebui să fie adecvate și să se potrivească în interiorul general prin culoare și temă.

Pictură în sufragerie

Atunci când alegeți un tablou pentru camera de zi, trebuie să țineți cont de tema interiorului camerei. Dacă camera de zi este decorată într-un stil elegant, de exemplu, în stilul Imperiului, atunci tabloul ar trebui să fie plasat într-un cadru frumos și masiv pentru picturi și, de asemenea, să aibă o temă și o schemă de culori adecvate.

Dacă interiorul camerei este proiectat într-un stil modern, atunci puteți folosi postere sau picturi alb-negru.

Tablouri în bucătărie

Pictura din bucătărie ar trebui să corespundă scopului general al camerei. O temă potrivită ar putea fi o natură moartă colorată, flori frumoase. În orice caz, imaginea ar trebui să fie bogată și pitorească, dând o senzație caldă. În bucătărie puteți plasa nu unul, ci mai multe picturi sau fotografii mici, postere. Este de dorit ca acestea să aibă aceeași dimensiune și în aceleași cadre.

Tablouri în dormitor

În interiorul dormitorului, picturile cu un complot calm vor arăta grozav, dând un sentiment de pace și confort, de exemplu, ar putea fi un râu sau o livadă de mesteacăn. Dar, în același timp, intriga nu ar trebui să fie plictisitoare și plictisitoare.

Alegerea unui loc pentru pictură

După achiziționarea unui tablou, proprietarii pot întâmpina o serie de probleme și dificultăți legate de alegerea corectă a locului pentru a plasa acest tablou, selectarea fondului corect, iluminarea, înălțimea, cea mai convenabilă amplasare etc.

Iluminând tabloul

Imaginea va arăta impresionantă dacă este iluminată corespunzător. Cea mai bună opțiune pentru aceasta este iluminarea uniformă a încăperii. Dar, în unele cazuri, picturile necesită iluminare individuală. De exemplu, dacă există strălucire de la lumina centrală sau este necesar să se concentreze atenția principală asupra unui tablou sau a unui grup de picturi. În acest caz, lămpile sunt poziționate astfel încât o lumină uniformă să cadă asupra tablourilor, fără a crea strălucire sau umbre. De obicei, lămpile cu halogen sunt utilizate în astfel de scopuri.

Fundal potrivit

Dacă pe un perete există picturi diferite ca formă și paletă de culori, atunci este mai bine să folosiți un fundal neutru pentru ele, deoarece un perete cu un model pestriț va distrage atenția de la percepția dorită a pânzei, ceea ce anulează ideea de așezarea picturii în interior. Cel mai bun fundal pentru un tablou, conform experților, este un perete alb pur sau alte nuanțe deschise și solide.

Perete pentru pictură

Înainte de a agăța o poză, pereții trebuie să fie complet pregătiți pentru aceasta. Lucrările de renovare trebuie finalizate, pereții trebuie vopsiți, montat mobilier și instalat iluminat suplimentar. Trebuie alocat un spațiu adecvat pentru pictură, astfel încât această operă de artă să pară adecvată și avantajoasă în interior.

Distanța dintre picturi

Dacă doriți să plasați un întreg grup de tablouri într-o cameră, trebuie păstrată distanța corectă între ele. Toate detaliile și elementele picturilor trebuie să fie diferite pentru a nu se contopi într-un singur loc pestriț. De aceea avem nevoie de distanță între ei. Cea mai corectă distanță dintre picturi este dimensiunea diagonală a tabloului înmulțită cu două.

Tablouri alb-negru în interior

Duetul alb-negru este o combinație clasică folosită adesea de artiștii de avangardă. Un astfel de duet este capabil să exprime emoțiile mult mai clar decât un tablou clasic cu o paletă largă de culori. Potrivit experților, picturile cu modele alb-negru sunt universale pentru modelele moderne, atunci când proprietarii nu doresc să se deranjeze cu combinații complexe de culori, texturi etc. Laconismul unor astfel de picturi cu alegerea corectă a poveștii și stilului este ideal pentru decorarea în orice cameră, fie că este vorba de o creșă, sufragerie, bucătărie sau baie. Nu vă faceți griji că acest duet acromatic va aduce o notă gotică în interior. Pentru a preveni acest lucru, trebuie să adăugați câteva elemente decorative strălucitoare la paleta generală de culori, iar camera, împreună cu pictura, va străluci imediat cu noi culori. Înainte de a cumpăra un tablou alb-negru, trebuie să decideți dacă acesta va fi centrul interiorului sau doar o parte a acestuia.

Amplasarea corectă a tabloului

Regula principală pentru amplasarea unui tablou într-o cameră este determinarea înălțimii corecte, care ar trebui să fie la nivelul ochilor unei persoane în picioare sau așezate. Dacă doriți să plasați mai multe tablouri una lângă alta, acestea ar trebui să fie amplasate simetric sau asimetric. Împreună, picturile ar trebui să formeze o singură compoziție. Dacă doriți să plasați unul lângă celălalt un tablou mare și mai multe picturi mici, atunci tabloul mare ar trebui să fie amplasat în centru, iar cele mai mici ar trebui să fie amplasate în jurul lui. Ramele tablourilor trebuie să fie aceleași, sau în același stil.

Nu puteți aranja picturile în ordinea crescătoare sau descrescătoare a dimensiunii lor - acest lucru nu este nici la modă, nici relevant. Înainte de a agăța pozele pe perete, trebuie să le așezi pe podea, luând în considerare cu atenție cele mai bune opțiuni de plasare.

Pictura DIY

Dacă aveți imaginație creativă și talent artistic, atunci veți putea să desenați o imagine pentru interior cu propriile mâini sau să o brodați. Dacă nu aveți abilități artistice, puteți crea o pictură fotografică. Pentru a face acest lucru, poți să comanzi fotografiile tale preferate în imprimare foto, să le așezi într-un cadru și să obții tablouri-afișe minunate care nu numai că vor decora camera, dar vor deveni și dragi și iubiți de întreaga familie.