Renesansne mrtve prirode. Mrtva priroda u slikarstvu: vrste i opis

Mrtva priroda u slikarstvu - slike statičnih neživih predmeta kombinovane u jedan ansambl. Mrtva priroda se može predstaviti kao samostalno platno, ali ponekad postaje dio kompozicije žanrovske scene ili cijele slike.

Šta je mrtva priroda?

Takvo slikarstvo se izražava u subjektivnom odnosu osobe prema svijetu. To pokazuje majstorovo inherentno razumijevanje ljepote, koja postaje oličenje društvenih vrijednosti i estetski ideal tog vremena. Mrtva priroda u slikarstvu postepeno se transformisala u poseban značajan žanr. Ovaj proces je trajao više od stotinu godina, a svaka nova generacija umjetnika razumijevala je platna i boje prema trendovima tog doba.

Uloga mrtve prirode u kompoziciji slike nikada nije ograničena na jednostavne informacije, slučajni dodatak glavnom sadržaju. Ovisno o povijesnim uvjetima i društvenim zahtjevima, objekti mogu više ili manje aktivno sudjelovati u stvaranju kompozicije ili imidža hotela, prikrivajući jedan ili drugi cilj. Mrtva priroda u slikarstvu kao samostalnom žanru dizajnirana je da pouzdano prenese ljepotu stvari koje svakodnevno okružuju osobu.

Ponekad pojedini detalj ili element odjednom poprimi duboko značenje, dobije svoje značenje i zvuk.

Priča

Kao stari i poštovani žanr, mrtva priroda u slikarstvu je poznavala svoje uspone i padove. Strogi, asketski i minimalistički pomogli su u stvaranju besmrtnih monumentalnih generaliziranih uzvišenih herojskih slika. Kipari sa izuzetnom ekspresivnošću uživali su u slici pojedinačnih predmeta. Vrste mrtve prirode u slikarstvu i sve vrste klasifikacija nastale su tokom formiranja istorije umjetnosti, iako su platna postojala mnogo prije pisanja prvog udžbenika.

Tradicija ikonopisa i mrtve prirode

U drevnom ruskom ikonopisu, onih nekoliko stvari koje se umjetnik usudio uvesti u strogi lakonizam kanonskih djela imalo je veliku ulogu. Oni doprinose ispoljavanju svega neposrednog i demonstriraju izražavanje osećanja u delu posvećenom apstraktnom ili mitološkom zapletu.

Vrste mrtve prirode u slikarstvu postoje odvojeno od ikonopisa, iako strogi kanon ne zabranjuje prikazivanje nekih predmeta svojstvenih žanru.

renesansa mrtve prirode

Međutim, djela 15.-16. stoljeća igraju važnu ulogu u renesansi. Slikar je prvo skrenuo pažnju na svijet oko sebe, nastojao utvrditi značaj svakog elementa u službi čovječanstva.

Moderno slikarstvo, mrtva priroda kao popularan i omiljeni žanr nastao je u Tricento periodu. Predmeti za domaćinstvo dobijali su određenu plemenitost i značaj vlasnika kojem su služili. Na velikim platnima mrtva priroda u pravilu izgleda vrlo skromno i diskretno - staklena tegla s vodom, srebro elegantne vaze ili nježni ljiljani na tankim stabljikama često zbijeni u tamnom kutu slike, kao siromašni i zaboravljeni rođaci.

Ipak, u slici lijepih i bliskih stvari bilo je toliko ljubavi u poetskom obliku da su moderno slikarstvo, mrtva priroda i njegova uloga u njoj već plaho gledali kroz praznine u pejzažima i teške zavjese žanrovskih scena.

Presudan trenutak

Teme su dobile pravi element u slikama i novo značenje u 17. veku - eri kada je mrtva priroda sa cvećem preovladavala i dominirala. Slikarstvo ove vrste steklo je brojne poklonike među plemstvom i svećenstvom. U složenim kompozicijama sa izraženom književnošću priča scene su dobile svoje mjesto zajedno sa glavnim likovima. Analizirajući djela tog doba, lako je uočiti da se značajna uloga mrtve prirode na sličan način manifestirala u književnosti, pozorištu i skulpturi. Stvari su počele da "glume" i "žive" u ovim delima - prikazani su kao glavni likovi, demonstrirajući najbolje i najkorisnije aspekte predmeta.

Umjetnički predmeti koje su izradili vrijedni i talentirani majstori nose lični otisak misli, želja i sklonosti određene osobe. slikanje je najbolje psihološki testovi pomažu u praćenju psihoemocionalnog stanja i postizanju unutrašnje harmonije i integriteta.

Stvari vjerno služe čovjeku, usvajajući njegov entuzijazam za kućne potrepštine i inspirirajući vlasnike da kupe nove lijepe, elegantne male stvari.

flamanska renesansa

Gvaš slikarstvo, mrtvu prirodu kao žanr ljudi nisu odmah prihvatili. Istorija nastanka, razvoja i široke primjene raznih ideja i principa služi kao podsjetnik na stalni razvoj misli. Mrtva priroda je postala poznata i moderna sredinom 17. vijeka. Žanr je započeo u Holandiji, svijetloj i prazničnoj Flandriji, gdje je sama priroda pogodna za ljepotu i zabavu.

Slikarstvo gvašom, mrtve prirode cvjetale su u vremenu grandioznih promjena, potpune promjene političkih, društvenih i vjerskih institucija.

flanders current

Buržoaski pravac razvoja Flandrije bio je novina i napredak za cijelu Evropu. Promjene u politički život dovela do sličnih inovacija u kulturi - horizonti koji su se otvorili prije umjetnika nisu više bili ograničeni na vjerske zabrane i nisu bili podržani relevantnim tradicijama.

Mrtva priroda je postala perjanica nove umjetnosti, koja je veličala sve prirodno, svijetlo i lijepo. Strogi kanoni katolicizma više nisu sputavali polet mašte i radoznalosti slikara, pa su se nauka i tehnologija počele razvijati zajedno s umjetnošću.

Obične svakodnevne stvari i predmeti, koji su se ranije smatrali niskim i nedostojnim pomena, odjednom su se uzdigli do predmeta pomnog proučavanja. Dekorativno slikarstvo, mrtva priroda i pejzaži postali su pravo ogledalo života - svakodnevice, prehrane, kulture, ideja o ljepoti.

Svojstva žanra

Odavde se, iz svjesnog, dubinskog proučavanja svijeta koji ga okružuje, razvio poseban žanr farbanje u domaćinstvu, pejzaž, mrtva priroda.

Umjetnost, koja je stekla određene kanone u 17. vijeku, odredila je glavni kvalitet žanra. Slika, posvećena svijetu stvari, opisuje glavna svojstva svojstvena predmetima koji okružuju osobu, pokazuje stav majstora i njegovog hipotetičkog suvremenika prema prikazanom, izražava prirodu i potpunost znanja o stvarnosti. Umjetnik je nužno prenio materijalno postojanje stvari, njihov volumen, težinu, teksturu, boje, funkcionalnu namjenu predmeta za domaćinstvo i njihovu vitalnu povezanost s ljudskom djelatnošću.

Zadaci i problemi mrtve prirode

Dekorativno slikarstvo, mrtva priroda i domaće scene apsorbirali su nove trendove epohe - odmak od kanona i istovremeno očuvanje konzervativnog naturalizma slike.

Mrtva priroda revolucionarnog doba tokom potpune pobede buržoazije odražava umetnikovo poštovanje prema novim oblicima nacionalnog života njegovih sunarodnika, poštovanje prema radu običnih zanatlija, divljenje prema prelepe slike ljepota.

Problemi i zadaci žanra formulisanog u 17. veku nisu uopšte razmatrani u evropskim školama sve do sredine 19. veka. U međuvremenu, umjetnici su si stalno postavljali nove i nove zadatke, a nisu nastavili mehanički reproducirati gotova kompoziciona rješenja i sheme boja.

Moderna platna

Fotografije mrtvih priroda za slikanje, pripremljene u modernim ateljeima, jasno pokazuju razliku između percepcije svijeta od strane suvremenika i osobe srednjeg vijeka. Dinamika objekata danas prevazilazi sve zamislive granice, a statika objekata je bila norma u to vrijeme. Kombinacije boja 17. stoljeća odlikuju se svjetlinom i čistoćom boja. Zasićene nijanse skladno se uklapaju u kompoziciju i naglašavaju ideju i ideju umjetnika. Odsustvo bilo kakvih kanona na najbolji način utjecali su na mrtve prirode 20. i 21. stoljeća, ponekad zadivljujući maštu svojom ružnoćom ili namjernom šarenilom.

Metode rješavanja problema mrtve prirode ubrzano se mijenjaju svake decenije, metode i tehnike ne idu u korak sa maštom priznatih i ne baš majstora.

Vrijednost današnjih slika je u izražavanju stvarnosti očima savremenih umjetnika; kroz utjelovljenje na platnu nastaju novi svjetovi koji ljudima budućnosti mogu puno reći o svojim kreatorima.

Uticaj impresionizma

Sljedeća prekretnica u istoriji mrtve prirode bio je impresionizam. Cijela evolucija smjera se ogledala u kompozicijama kroz boje, tehniku ​​i razumijevanje prostora. Posljednji romantičari milenijuma prenijeli su život na platno kakav jeste - brzi, jarki potezi i ekspresivni detalji postali su kamen temeljac stila.

Slikarstvo, mrtva priroda savremeni umetnici svakako nose otisak inspirativnih impresionista kroz boju, načine i tehnike slikanja.

Odstupanje od standardnih kanona klasicizma - tri ravni, središnja kompozicija i povijesni likovi - omogućilo je umjetnicima da razviju vlastitu percepciju boje i svjetla, kao i da demonstriraju slobodan let emocija publici na pristupačan i vizualan način. način.

Glavni zadaci impresionista su promjena slikovne tehnike i psihološkog sadržaja slike. A danas, čak i poznavajući situaciju tog doba, teško je naći tačan odgovor na pitanje zašto su impresionistički pejzaži, radosni i nesofisticirani poput poezije, izazvali oštro odbijanje i grubo ismijavanje izbirljivih kritičara i prosvećene javnosti.

Impresionističko slikarstvo nije se uklapalo u opšteprihvaćene okvire, pa su mrtve prirode i pejzaži doživljavani kao nešto vulgarno, nedostojno prepoznavanja zajedno sa drugim talogom visoke umetnosti.

Umetnička izložba, koja je postala svojevrsna misionarska aktivnost poznatih umetnika tog vremena, uspela je da dopre do srca i pokaže lepotu i gracioznost. klasična umjetnost. Trijumfalna povorka mrtvih priroda nije prestajala od kraja 19. stoljeća, a raznolikost žanrova i tehnika danas omogućava da se ne plašite bilo kakvih eksperimenata s bojom, teksturama i materijalima.

Kako je to čudna slika - mrtva priroda: tjera te da se diviš kopiji
one stvari kojima se ne divite originalima.

„Umjetnost se ili raspala u zasebne žanrove, pa ih spajala, stvarajući neku vrstu sveobuhvatne fuzije, i u različitim periodima istorije dolazio je do portreta, ili pejzaža, ili istorijske slike, ili svakodnevne slike. Ali ako je postavljen veliki slikovni eksperiment, ako je govor bio o analizi svijeta, o njegovoj dekompoziciji na komponente - i o sintezi ovih komponenti, onda čak i prije nego što su izvučeni konačni zaključci i uspostavljen novi sistem započeo svoj trijumfalni pohod oko svijeta, prošao je "test mrtve prirode". "Mrtva priroda" je pokazala sposobnost upada u "živo" - i to ne samo prikazati, već i objasniti. Međutim, procvat mrtve prirode, masovni interes umjetnika za nju, i što je najvažnije, sposobnost ovog žanra da u sebi uopšti sve što je umjetnosti u datom trenutku potrebno, a ostalo, kao nepotrebno, nastalo je tek kada se otkrije tajna drugačijeg. vrsta je otkrivena iza igre "prevare", čiji su se čuvari ispostavili kao stvari. Suprotno doslovnom prijevodu njenog naziva, mrtva priroda se pokazala kao najizdržljiviji od žanrova u ovom slučaju".

Šta je priroda morte? fr. nature morte, doslovno - "mrtva priroda", sa prirodom "priroda, priroda; prirodnost; suština, svojstvo" i morte "smrt"; goll. mirno, klica. Stilleben mrtva priroda, doslovno - tih ili nepomičan život, sa još "nepokretnim, mirnim; tihim" (još kao grob "tihi kao grob") i životnim "životom, postojanjem" (ovaj život, prirodni život rel. "zemaljsko biće"). ) ; u slikanju "prirode" (slika preuzeta iz života "slika iz prirode").

(uglavnom štafelajno slikarstvo), koji je posvećen prikazivanju stvari smještenih u jedno okruženje i organiziranih u grupu.

Posebna organizacija motiva(takozvani inscenacija) je jedna od glavnih komponenti figurativni sistemžanr mrtve prirode.

Pored neživih predmeta (na primjer, kućanskih predmeta), mrtva priroda prikazuje objekte divljih životinja, izolirane od svojih prirodnih veza i tako pretvorene u stvar - ribu na stolu, cvijeće u buketu itd.

Slika živih, pokretnih bića - insekata, ptica, životinja, čak i ljudi - ponekad se može uključiti u mrtvu prirodu, ali samo nadopunjujući njen glavni motiv.

U poređenju sa drugim žanrovima, u mrtvoj prirodi raste značaj malih predmeta izolovanih iz konteksta svakodnevnog života.

Žanrovske specifičnosti određuje povećanu pažnju umjetnika (i gledatelja) na strukturu i detalje volumena, površinske teksture i probleme slike.

Ciljevi Mrtva priroda kao žanr ne svodi se na izraz simbolike, na rješavanje dekorativnih problema ili na naturalistički precizno fiksiranje objektivnog svijeta, iako su ti zadaci uvelike doprinijeli formiranju mrtve prirode, a njene slike se često odlikuju bogatstvo asocijacija, živa dekorativnost i iluzorna tačnost prenosa prirode.

Slika stvari u mrtvoj prirodi ima samostalnu umjetničku vrijednost; umjetnik može u mrtvoj prirodi stvoriti prostranu, višeslojnu sliku sa složenom semantičkom implikacijom.

IN istorijski razvoj mrtva priroda, u njenom pretvaranju u različite ere Sadržaj posebno odražava društvenu uslovljenost umjetnosti u cjelini.

U likovnoj umjetnosti mrtva priroda (od franc. natur morte - "mrtva priroda") obično se naziva slika neživih predmeta spojenih u jednu kompozicionu grupu.

Mrtva priroda može imati i samostalno značenje i biti sastavni dio kompozicije žanrovske slike.

Mrtva priroda izražava odnos čovjeka prema svijetu oko sebe. Otkriva shvatanje lepog, koje je svojstveno umetniku kao čoveku svog vremena.

Umjetnost stvari je odavno sastavni dio svakog značajnog djela, mnogo prije nego što je postala samostalna oblast umjetničkog stvaralaštva.

Uloga mrtve prirode u slici nikada nije bila ograničena na jednostavne informacije, slučajni dodatak glavnom sadržaju.

U zavisnosti od istorijskih uslova i društvenih zahteva, objekti su manje ili više učestvovali u stvaranju slike, naglašavajući jednu ili drugu stranu ideje. Prije nego što se mrtva priroda razvila u samostalan žanr, stvari koje okružuju osobu svakodnevni život, samo su na ovaj ili onaj način uvrštene kao atribut u antičke slike. Ponekad je takav detalj dobio neočekivano dubok značaj, dobio svoje značenje.

Istorija mrtve prirode kao žanra.

Motivi mrtve prirode kao detalji kompozicija, ukrasne i simbolične slike stvari već se nalaze u antičke orijentalne, antičke i srednjovjekovne umjetnosti. Elementi mrtve prirode, u kojima se mogu vidjeti kompozicioni i tematski prototipovi njenih razvijenih tipova, uključeni su u starorimske freske i mozaike počevši od 1. stoljeća. Što se tiče klasične orijentalne, posebno kineske i japanske, umjetnosti, teško je govoriti o samoj mrtvoj prirodi: oblik umjetničke vizije i sistem žanrova ovdje su se bitno razlikovali od evropskih. Djelomično uporedivi sa žanrom mrtve prirode su djela takozvanog žanra "cvijeće i ptice", kao i pojedinačne slike voća (Tsui Bo, 2. polovina 11. vijeka, Mu-chi, 13. vek - u Kini; Ogata Korin, 2. polovina 17. - početak 18. stoljeća u Japanu).

Rođenje mrtve prirode kao samostalnog žanra povezano je s općom formacijom evropska umjetnost novo vrijeme, izdvajanje štafelajnog slikarstva i formiranje opsežnog sistema žanrova. Već u djelima talijanskih, a posebno holandskih majstora renesanse, postoji neviđena pažnja prema materijalnom svijetu, vezanost za konkretno-čulnu ljepotu stvari, čije slike, istovremeno, ponekad zadržavaju simboličko značenje, često svojstveno prikazivanju predmeta u srednjovjekovnoj umjetnosti. Povijest mrtve prirode kao žanra štafelajnog slikarstva, a posebno njenog tipa "trompel" oeil ("snag"), otvara "Mrtva priroda" italijanskog umjetnika Jacopa de Barbarija (1504.), u kojoj je glavna pažnja posvećeno je iluzionistički tačnom prenosu predmeta.Međutim, širenje žanrovske mrtve prirode pada na 2. polovinu 16. - početak 17. veka, čemu su doprinele prirodno-naučne sklonosti karakteristične za ovo doba, interesovanje za umetnost. u svakodnevnom životu i privatnostčovjeka, kao i sam razvoj metoda za umjetnički razvoj svijeta. Na slikama Holanđanina Petera Aartsena i njegovih sljedbenika, ponekad još uvijek religioznih u zapletu, veliko mjesto zauzima slika kuhinja i dućana s gomilom hrane i posuđa. Botanička tačnost reprodukcije različitog cvijeća, ljepota i raznolikost njihovih oblika i boja zauzimaju Fleming J. Brueghel Velvet ništa manje od njihove simbolike. 17. vek - vrhunac mrtve prirode. Raznolikost njegovih vrsta i oblika u to vrijeme povezana je s razvojem nacionalnih slikarskih škola. Formiranje italijanske mrtve prirode umnogome je determinisano reformama Caravaggia, koje su navele umjetnike da se okrenu jednostavnim, „niskim“ motivima i odredile stilske karakteristike slikarstva talijanskih slikara mrtve prirode. Omiljene teme majstora italijanskog N. (P. P. Bonzi, M. Campidoglio, G. Recco, G. B. Ruoppolo, E. Baskenis itd.) su cvijeće, povrće i voće, plodovi mora, kuhinjski pribor, muzički instrumenti i knjige. Općenito, talijansku mrtvu prirodu karakterizira ritmička raznolikost kompozicija, zasićenost i svjetlina boja, plastična ekspresivnost prijenosa objektivnog svijeta. Tradicije karavagizma opipljive su i u španjolskoj mrtvoj prirodi s ljubavlju prema profinjenoj plastičnosti forme koju otkrivaju kontrasti chiaroscura. Slike stvari (često svakodnevnih) u španjolskoj mrtvoj prirodi. odlikuju ih uzvišena ozbiljnost i poseban značaj, kao da su odvojenost od svakodnevnog života (J. Sanchez Cotan, F. Zurbaran, A. Pereda, itd.). Interes za svakodnevnu prirodu stvari, intimnost, često demokratičnost slika jasno su se očitovali u holandskoj mrtvoj prirodi.

Karakterizira ga pažnja prema slikovnom razvoju svjetlosnog okruženja, raznolikosti tekstura različitih materijala, suptilnosti tonalnih odnosa i sheme boja - od izuzetno skromnog kolorita "monokromatskih doručka" V. Khede i P. Klas na intenzivno kontrastne, koloristički efektne kompozicije V. Kalfa ("Dezert"). Holandska mrtva priroda razlikuje obilje majstora koji su radili u ovom žanru i raznolikost tipova: pored "doručaka" i "desert", "riba" (A. Beyeren), "cvijeće i voće" (J. D. de Hem), "prebijena igra " (J. Venicke, M. Hondekuter), alegorijska mrtva priroda "vanitas" ("taština taština"), i dr. sve ove varijante. Flamanska mrtva priroda (uglavnom "pijace", "trgovine", "cvijeće i voće") odlikuje se opsegom kompozicija: višekomponentne su, veličanstvene i dinamične; ovo su himne plodnosti i izobilju (F. Snyders, J. Feit). U 17. veku Razvijaju se i nemačka (G. Flegel, K. Paudis) i francuska (L. Vožen) mrtva priroda. Od kraja 17. vijeka u francuskoj mrtvoj prirodi trijumfovali su dekorativni trendovi dvorske umjetnosti. Uz mrtvu prirodu cvijeća (J. B. Monnoyer i njegova škola), lov N. (A. F. Deporte i J. B. Oudry), samo povremeno se pojavljuju uzorci svakodnevne mrtve prirode. Ali u 18. veku u Francuskoj, jedan od najznačajnijih majstora mrtve prirode - J. B. S. Chardin, čija se djela ističu posebnom dubinom sadržaja, slobodom kompozicije i bogatstvom kolorističkih rješenja. Njegove slike svijeta svakodnevnih stvari su demokratske prirode, intimne i humane, kao zagrijane poezijom ognjišta. Sredinom 18. vijeka nastao je termin "nature morte", što je odražavalo prezir prema mrtvom prirodu od strane akademskih krugova, koji su preferirali žanrove čije je područje "živa priroda" ( istorijski žanr, portret, itd.). Ali napredna umjetnost uništila je akademsku hijerarhiju žanrova, što je ometalo razvoj mrtve prirode. Kompozicioni klišei mrtve prirode su nadživjeli, a zakonitosti ove slikovne forme ponovo su procijenjene. U 19. vijeku sudbinu mrtve prirode određuju vodeći majstori slikarstva, koji rade u mnogim žanrovima i uključuju mrtvu prirodu u borbu između estetskog i umjetničke ideje(F. Goya u Španiji, E. Delacroix, G. Courbet, E. Manet i impresionisti u Francuskoj, koji su se povremeno okretali mrtvoj prirodi). Međutim, 19. st dugo vremena nije predlagao glavne majstore specijalizirane za ovaj žanr mrtve prirode. Na pozadini rutinske salonske mrtve prirode 2. polovine 19. stoljeća. izdvajaju se, općenito, tradicionalno djelo Francuza A. Fantin-Latoura i Amerikanca W. Harneta, koji su na osebujan način oživjeli tip ulja "trompel". Uspon mrtve prirode vezuje se za izvođenje post -majstora impresionista, kojima svijet stvari postaje jedna od glavnih tema.Izražajne mogućnosti mrtve prirode, sve do dramatičnog izraza društvene i moralne pozicije umjetnika, oličene su u radu Holanđanina W. van. Gogh.kreativni koncept koji je imao veliki uticaj na razvoj mrtve prirode (kao i slikarstva uopšte) u umetnosti 20. veka. Od početka 20. veka mrtva priroda je bila svojevrsna kreativna laboratorija za slikarstva otkrivajući emocionalne i dekorativne i ekspresivne mogućnosti boje i teksture, a predstavnici kubizma (J. Braque, P. Picasso, H. Gris i drugi), koristeći analitičke mogućnosti svojstvene specifičnosti mrtve prirode, nastoje da uspostaviti nove načine prenošenja prostora i forme. Problemi (ili motivi) mrtve prirode privlače i majstore kasnijih trendova - od umetnika koji, u različitoj meri, kombinuju orijentaciju ka klasičnom nasleđu sa novim otkrićima u slikarstvu (Picaso u Francuskoj, A. Kanoldt u Nemačkoj, G. Morandi u Italiji), predstavnicima nadrealizma i “pop arta”, čija djela u cjelini nadilaze granice povijesno utemeljenog žanra N. Realističke tradicije N. (često s naglašenim društvenim trendom) u 20. stoljeću predstavljeni su radovima D. Rivere i D. Siqueirosa u Meksiku, R. Guttusa u Italiji.

Mrtva priroda se pojavila u ruskoj umetnosti u 18. veku. zajedno sa afirmacijom sekularnog slikarstva, odražavajući kognitivni patos epohe i želju da se istinito i tačno prenese objektivni svet ("trikovi" G. N. Teplova, P. G. Bogomolova, T. Uljanova itd.). Dalji razvoj ruske mrtve prirode je epizodičan. Njegov porast u prvoj polovini 19. veka. (F. P. Tolstoj, škola A. G. Venecijanova, I. T. Hruckog) povezuje se sa željom da se vidi lepota u malom i običnom. U 2. polovini 19. vijeka. I. N. Kramskoj, I. E. Repin, V. I. Surikov, V. D. Polenov, I. I. Levitan se samo povremeno okreću mrtvoj prirodi skicirane prirode; sličan položaj mrtve prirode u sistem umetnosti Lutalice su slijedile svoju ideju o dominantnoj ulozi zapletno-tematske slike. Samostalni značaj studije mrtve prirode raste na prijelazu iz 19. u 20. stoljeće. (M. A. Vrubel, V. E. Borisov-Musatov). Procvat ruske mrtve prirode pada na početak 20. vijeka. Njegovom najbolji primjeri uključuju: impresionističke po svom poreklu, ali drugačije obogaćene novim umetničkim pravcima, dela K. A. Korovina, I. E. Grabara, M. F. Larionova; djela umjetnika "Svijeta umjetnosti" (A. Ya. Golovin i drugi) koji se suptilno poigravaju s povijesnim i svakodnevnim karakterom stvari: romantizirane, uzdignute i oštro dekorativne slike P. V. Kuznjecova, N. N. Sapunova, S. Yu. Sudeikina , M. S. Saryan i drugi slikari kruga "Plava ruža"; sjajni, plastični N. majstori "Dijamanta" (P. P. Končalovski, I. I. Maškov, A. V. Kuprin, V. V. Roždestvenski, A. V. Lentulov, R. R. Falk, N. S. Gončarova) sa svojim kultom jedinstva boje i forme i patosom sam proces tumačenja prirode[...] 2.

U 17-18 veku. V sjevernoj Evropi mrtva priroda zauzeta važno mjesto. Prostor kuće je bio organizovan oko njega, sa njim se „rešavao“, „igrao“. Mrtva priroda je aktivno sudjelovala u samoj gušti izuzetne svakodnevne kulture baroka, rokokoa, pa čak i klasicizma. I tek odlaskom "galantnog doba" uloga mrtve prirode u svakodnevnom životu postaje sve više ukrasna i dekorativna.

U odnosu na slikarstvo, brojne knjige amblema su imale svojevrsnu ulogu rječnika iz kojih su obilno crpljeni simboli. Tako nakon amblematske umjetnosti nastaje umjetnost prikazivanja jednostavnih, svakodnevnih stvari, obdarenih drugačijim, uzvišenim značenjem. Pojavljuje se umjetnost mrtve prirode. Najekstremniji realizam je ovdje prirodno spojen s najekstremnijom alegorijom, alegorijom. I što su predmeti realističniji, to je njihova semantička zagonetka zanimljivija za gledaoca. Ponekad se može čuti mišljenje o bilo kakvom "smeću" koje su holandski majstori mrtve prirode 17.-18. stoljeća "uvukli" u svoje slike. Ali to uopšte nije „smeće“. Simbolička vizija svakodnevnih predmeta, nimalo nasumično skupljenih, tjera nas na razgovor visoka kultura razumijevanje života u Holandiji, rastrganog vjerskim i ideološkim sporovima.

U 17. veku u Holandiji je bilo mnogo majstora mrtve prirode. Ali, ako su na samom početku stoljeća slike Holanđana i Flamanski majstori imali više zajedničkog, onda se do kraja veka ocrtavala njihova originalnost. Radovi holandskih umjetnika su suzdržaniji, usklađenih boja, pokazuju veliku pažnju na detalje, na svaku pojedinu stvar. Flamanski radovi su dinamičniji, svetliji i objekti u njima čine složenu kompoziciju. I to uopće nije „mrtva priroda“, već uzavreli život.

U Holandiji postoje i razni centri mrtve prirode. U biznisu, buržoaskom Haarlemu, rođeni su "doručci", u aristokratskom Utrechtu, koji je od davnina poznat po uzgoju cvijeća, - buketi cvijeća, u luci u Hagu - obilne riblje kompozicije, u Leidenu (univerzitetski kampus) - "naučni" mrtve prirode (tzv. "Vanitas", posvećene krhkosti života).

Na ovim čudne slike objekti povučeni iz stvarnog okolnog prostora činili su svoj neobičan i snažno simboliziran svijet. I u svijetu da ne postoje slučajni objekti. Još u drugoj polovini 16. vijeka u Pragu, na dvoru cara Rudolfa II, koji je strastveno volio umjetnost, nastalo je društvo pod nazivom „rudolfijski krug“. Uključivao je naučnike i astrologe, alhemičare, umjetnike i pjesnike. Najvišim ciljem ovdje se smatralo poznavanje Univerzuma, njegovih osnovnih zakona, vječnih veza svijeta i čovjeka. Vrlo brzo, ovo društvo postaje središte novog umjetničkog pravca – „manirizma“. Za "rudolfije" ne postoje "beznačajni" objekti ili fenomeni. Važan je i hod planeta, i let ptice, i kretanje bakterija pod mikroskopom (tada samo otvorenim), i rast proste poljske trave. A umjetnik je taj koji sve to mora spojiti u jedinstvenu harmoniju na svom platnu.

Ali budući da sam predmet, njegova forma, karakteristike sadrže njegovo značenje, onda je potrebno s velikom pažnjom prenijeti predmet na platnu. Tako „prevara“ prirodno ulazi u slikarstvo – iluzija istinite slike predmeta (obično insekta ili kapi vode), koja se do kraja 18. stoljeća izrodila u jednostavan mađioničarski trik.

Istovremeno, čak ni tačna slika objekta nije bila nimalo jednoznačna. Naprotiv, stvari, namjerno isključene iz poznatog okruženja, pokazivale su sasvim drugačije, a često i suprotno značenje. Tako su, na primjer, mrtve prirode s dragocjenim priborom i izvrsnim posuđem, koje su suvremenici nazivali „luksuznim“, češće „čitali“ kao poziv na napuštanje ekscesa.

Ako uporedimo simboličku, ispunjenu hirovitim značenjima, mrtvu prirodu sa književnošću, onda od svega književnih žanrova možda najprikladnija, možda, lirska poezija. Ne bez razloga, poezija je već povezana sa amblematikom. I nije uzalud da, uporedo sa procvatom mrtve prirode, upravo lirska poezija doživljava svoj uspon u Holandiji 17. veka (to je posebno vidljivo kada se mrtva priroda poredi sa tzv. „poezijom za prilika”, gdje sitni dijeloviživot). I kao što je lirsku pjesmu nemoguće opisati potpuno racionalno, tako ne postoji ni jedna više ili manje Detaljan opis simbolika određene mrtve prirode. Gledaocu se nudi igra - zasnovana na stvarnim svojstvima predmeta, da pogodi njegovo simboličko značenje u kompoziciji koju je sastavio umjetnik.

Ponekad je, međutim, umjetnik pomogao gledaocu. Tako je na slici Aartsena „Mesarnica“ (1551.) u prvom planu stol pun raznih vrsta mesa, ribe i kobasica. U pozadini, u samoj dubini, je poprište bijega u Egipat – bijega od sveg tog bogatstva koje donosi neminovnu smrt.

Često je umjetnik direktno uključio tekst u sliku. To je svakako učinjeno u učenim leidenskim mrtvim prirodama „Vanitas“ (latinski „praznina, uzaludnost, beskorisnost, laž, besmislenost“). Ovdje su postali uobičajeni citati iz Biblije ili antičkih autora, posvećena temi„taština taština“: „Svako telo je trava, i sva je lepota njena kao cvet poljski“ (iz Knjige proroka Isaije), „Dani su čovekovi kao trava, kao cvet poljski , pa cvjeta” (iz Psaltira), “Prošli pored ruža, ne tražite više” (iz Horacija). Tekst je bio stavljen ili u prelepu kartušu, ili je pažljivo ispisan na otrcanom listu papira (starina je postala sinonim za autentičnost), ili stavljen na otvorenu stranicu starog sveska, ili je bio naslov knjige, kao što je su slučajno bačeni.

I svaki predmet na slici tada odgovara tekstu: ruža, divlje cvijeće, insekti su tradicionalni simbol kratkog ljudskog postojanja, a leptiri i vilini konjici su simbol spasenja duše. Postepeno su se birali posebno značajni predmeti za takve mrtve prirode. Peščani sat je podsjećao na prolaznost života, buketi cvijeća - uvenulog i prolaznog, lampe za pušenje, lule - kratkotrajne, i kraljevske regalije - na sva bogatstva koja nećete ponijeti sa sobom u drugi život. Posebno se isticala ljudska lubanja - živopisan simbol krhkosti, praznih (ili polupijanih) staklenih pehara, što je značilo krhkost ljudskog postojanja, i stub svijeće - simbol izumrlog života.

Često se u mrtvim prirodama "Vanitasa" nalaze "slučajni" prostori starih knjiga (već prošla vremena), mjernih instrumenata (više nisu potrebni), flauta i violina ("njihov zvuk je tako lijep i prolazan"). U francuskim mrtvim prirodama pojavljuju se likovi koji puše mehuriće sapuna - ljudski život se poredi sa najtanjim i najnevernijim mehurićima. A u Engleskoj, nakon 1649. godine, u mnogim "Vanitasima" postoje portreti pogubljenog Charlesa I Stuarta - kraj ovog kralja samo je potvrdio ideju o krhkosti zemaljske sreće i nesigurnosti zemaljske moći.

Vrlo često cvijeće i bilje služe kao simbol slabosti. Pogotovo ako je cvijeće i bilje samoniklo. Smješteni na pozadini praznog prozorskog otvora, dodatno naglašavaju beznađe. Ponekad insekti pojedu listove cvijeća, a u blizini se razbacuju prazne ljuske ili orasi.

Zapravo su cvjetne mrtve prirode bile podijeljene na "vijence" i "bukete". Posebno su teško razumljivi "vijenci". U žanru "vijenaca" pisali su poznati majstori - J. Brueghel Velvet, D. Segers, Ya.D. de Heem. Otac D. Seghers, redovnik jezuitskog reda, stekao je posebnu slavu na ovom polju. U znak divljenja njegovom umijeću, okrunjene Evropljane darivale su mu skupe poklone - zlatni krst sa alegorijskim likovima od emajla, zlatnim kostima i zlatnom paletom itd. Cvijeću koje je naslikao pjesnici su posvetili pjesme.

Vijenac omotan oko središnje slike (a mogao je biti vrlo različit, najčešće je to portret koji su radili drugi majstori) podsjećao je na poznati simbol Vječnosti - zmiju omotanu oko krilatog sata. Stoga su takve kompozicije imale veličajuće značenje. U sam vijenac utkani su bijeli ljiljani i klasovi kruha, koji se tradicionalno povezuju s Kristom ili Marijom i govore o čistoći proslavljenih. Osim toga, mnogo je ovdje simboliziralo godišnja doba: cvijeće - proljeće, klasje i voće - ljeto, grožđe i povrće - jesen, limun - zimu („sve se mijenja, samo dobro sjećanje ostaje nepromijenjeno“).

Jezik cvijeća, koji je renesansa pozajmila iz srednjovjekovne simbolike, bio je razumljiv gotovo svakom obrazovanom aristokrati u 17. vijeku. I stoga je vijence publika lako „čitala“. Bogorodici su posvećene snježne kapljice, pomorandže, ruže, perunike; njen poziv Hristu simbolizovali su tulipani; grana čička - Hristova muka; trijumf nebeske ljubavi često je izražavao narcis.

Vijenci su omotani ne samo oko portreta. Često su to satovi, euharistijski kalež, čaše vina, pa čak i kartuša s tekstom. Ponekad se mali vijenac stavlja direktno u pehar. Ova kompozicija seže do jednog od poznatih amblema: pehara sa širokom posudom napunjenom vinom, u kojoj lebdi cvjetni vijenac. Natpis je glasio: "Šta mislite o sudbini smrtnika?" Tako je svečani vijenac u svom značenju bio povezan s „Vanitasom“.

Mrtve prirode u obliku buketa (u vazi, vrču ili samo na stolu) obično su bile sastavljene od tri vrste. A glavni fokus slike pao je na razne objekte. U radijalnoj kompoziciji (cvjetne stabljike raširene iz jedne tačke), slika cvijeta smještena na konvergenciji stabljika postaje glavna. Kompozicije druge vrste, poput tepiha, ispunjavaju cijeli prostor platna. Zatim se gradi vertikalna hijerarhija boja i njihovih značenja. Treća sorta je kompoziciono ugrađena u lik trokuta. Ovdje najznačajniji cvijet služi kao centralna os, a ostali cvjetovi su grupisani simetrično oko njega. Međutim, stroga simetrija je ubrzo narušena i postaje omiljena, koju je razvio Ya.D. de Heem Buket u obliku slova S sa gracioznim loknama, koji predviđa rokoko stil.

Postoji čak i osebujna ikonografska shema s jasnom podjelom na prostorne zone. Ispod, u blizini vaze, obično se nalaze znaci krhkosti - polomljeno ili uvelo cvijeće, trošne latice, prazne školjke, gusjenice, mušice; u centru - simboli skromnosti i čistoće (srednja umjerenost), okruženi bujnim kratkovječnim cvjetovima (đurđevaci, ljubičice, zaboravnice, ciklame okružene ružama, karanfilima, anemonama itd.); kompozicija je okrunjena velikim cvijetom, često s pozitivnim značenjem, svojevrsnom krunom vrline (pa čak i okružena leptirima i vretencima). Istovremeno, sama vaza je bila upoređena s krhkom posudom, ali je mogla imati i tumačenje tijela kao „posuda odvratnosti i grijeha“.

Brojne staklene, kristalne, pa i glinene posude, sa i bez cvijeća, doživljavale su se kao nešto krhko, nepouzdano, spremno za lomljenje. Skupe posude samo su naglašavale ovaj osjećaj, noseći dodatni osjećaj uzaludnosti bogatstva. Sadržaj posuda tumačen je na različite načine. Voda je tema krštenja, čišćenja, vino je tema pričesti. Međutim, vino, posebno nedovršeno vino, moglo bi simbolizirati život koji nije u potpunosti proživljen i ostatak beskorisnog luksuza.

Gotovo uvijek su cvjetne mrtve prirode bile dopunjene predmetima razbacanim po stolu. Najčešće su to prazne školjke - znak praznih tjelesnih užitaka. Plodovi limuna koji su izvana lijepi, a iznutra kiseli. Jaje je tradicionalni znak Vaskrsenja. Plod nara koji rasprsne simbol je plodnosti, Hrista i njegove pomirbene žrtve. Jagode su znak ovozemaljskog zadovoljstva i iskušenja. I sve to zajedno (cvijeće, posude, predmeti) služilo je jednoj ideji.

Sredinom 17. stoljeća posebno su se raširile mrtve prirode s prikazom gmizavaca i vodozemaca. Njihovo prisustvo u mrtvoj prirodi opovrgava njeno značenje kao "mrtve prirode". Umjesto toga, ovdje se uklapa njegov holandski naziv - "stilleven" ("tihi, nepomični život").

Češće od ostalih bili su italijanski slikari. Ali Holanđani takođe imaju guštere i zmije koje puze po tvrdoj travi. To uopće nije slikareva sklonost gmizavcima. Samo što je zmija dugo bila simbol prevare i zla, a trava je bila krhka ljudska egzistencija. U isto vrijeme, atraktivne bobice su često stavljane u travu - "zadovoljstvo je prepuno zla". Miševi, žabe, ježevi su također smatrani đavolskim životinjama i često su prikazivani umjesto zmije. Omiljeni animalistički zaplet bila je slika zmije koja grabi leptira. Tako zlo guta svu nadu u spasenje.

Većina predstavnika faune mrtve prirode su insekti. Važnost ovdje postoji tradicionalna ideja o tri stupnja postojanja (zemaljsko postojanje, smrt, zagrobni život duše). Najupečatljivije utjelovljenje ovih ideja u mrtvim prirodama bila je slika gusjenice, krizalisa i leptira. Tako se slika leptira, spremnog da poleti iz školjke, nedvosmisleno „čita“ kao „duša koja napušta smrtno tijelo“. Istu antinomiju života i smrti prikazivao je leptir pored gusjenice ili puža. Muva ili pauk smatrani su simbolom zla, smrti, grijeha, škrtosti. Stoga se muva koja sjedi na jabuci ili breskvi tradicionalno povezuje s temom jeseni.

Od većih životinja, vjeverice su, na primjer, simbolizirale težak rad, bez kojeg su zemaljska dobra nemoguća. Ali ponekad je mogla predstavljati i neozbiljnost. Zec je "znak sluha, osjetljivosti, obilja, plahosti, stidljivosti, straha." Rakovi ili jastozi su peripetije svijeta, ali i mudrost, razboritost, sporost. Često postoji slika papagaja. Suprotno uvriježenom vjerovanju, u srednjem vijeku ova ptica je bila upoređena s pravednicima i simbolizirala je rječitost, zahvalnost ili predstavljala vjernika. Majmun je, s druge strane, doživljavan kao životinja koja oponaša ljudske postupke i simbolizira razne poroke, grešnika, pa čak i samog đavola. Ona, vezana ili okovana, zavisnik je od poroka i ovozemaljskih poslova. Ako bi se majmun pogledao u ogledalo, to se doživljavalo kao slika taštine.

Često mačka ulazi u svijet mrtve prirode. Iza pozitivne osobine ova životinja - spretnost i želja za slobodom - često je bila posvećena Majci Božjoj (posebno sa trakom u obliku krsta na leđima). Ali obično je ova životinja bila povezana s mračnim silama, magijom. Već u srednjem vijeku mačka je simbolizirala đavola, a miš - dušu, stalno izloženu opasnosti. U moderno doba, mačka, posebno kada bi kandžama pokupila veliki komad mesa, bila je stalni podsjetnik na tjelesna zadovoljstva. Zato što je tako karakteristično (posebno za Snydersa i njegovu školu) slike mačaka ljuta na sto zatrpan ribom i divljači. Pas je, naprotiv, kao antipod mački, vjerni čuvar koji pokušava otjerati životinju lopovu od obilnog stola.

Brojni zlatni i srebrni predmeti (vaze, šolje, ukrasni predmeti), kao i simboli moći (kraljevske krune, žezla), nesumnjivo pripadaju krugu smrti u mrtvim prirodama. Umjetnikovo iskreno divljenje izuzetnim rijetkostima savršeno je spojeno s moraliziranjem. Ponekad, posebno u kasnim mrtvim prirodama, u vid slikara dolazi i mala skulptura. Ovo je nesumnjivo polje mitoloških likova. Satir se savio pod teretom sata - vrijeme, pobjeđujući đavolski, tjelesni početak u čovjeku; skidati Merkur - sigurnost od ispraznih ovozemaljskih briga itd. 3.

Kao određena vrsta ili žanr slikarstva, mrtva priroda poznaje svoje uspone i padove u istoriji umetnosti.

Stroga, intenzivno asketska umetnost Vizantije, stvarajući besmrtne, monumentalno-generalizovane, uzvišeno herojske slike, koristila je slike pojedinačnih predmeta sa izuzetnom ekspresivnošću.

U drevnom ruskom ikonopisu važnu ulogu imalo je i onih nekoliko predmeta koje je umjetnik uveo u svoja strogo kanonska djela. Doneli su spontanost, vitalnost, ponekad su se činili otvorenim izrazom osećanja u delu posvećenom apstraktnom mitološkom zapletu.

Mrtva priroda je igrala još veću ulogu u slikama umjetnika 15.-16. stoljeća tokom renesanse. Slikar, koji je prvi obratio veliku pažnju na svet oko sebe, nastojao je da ukaže na mesto, da odredi vrednost svake stvari koja služi čoveku. Predmeti za domaćinstvo stekli su plemenitost i ponosni značaj svog vlasnika, onoga kome su služili. Na velikim platnima mrtva priroda obično je zauzimala vrlo skromno mjesto: staklena posuda s vodom, elegantna srebrna vaza ili nježni bijeli ljiljani na tankim stabljikama koji su se često skupljali u kutu slike. Međutim, u prikazu ovih stvari bilo je toliko poetske ljubavi prema prirodi, njihovo je značenje toliko produhovljeno da se ovdje već vide sve one osobine koje su odredile samostalni razvoj čitavog žanra u budućnosti.

Predmeti, materijalni element, dobijaju novo značenje u slikarstvu u 17. veku - u doba razvijenog žanra mrtve prirode. U složenim kompozicijama s književnom radnjom zauzeli su svoje mjesto zajedno s drugim junacima djela. Analizirajući djela ovog vremena, može se vidjeti koliku je važnu ulogu počela da igra mrtva priroda na slici. Stvari su se u ovim radovima počele pojavljivati ​​kao glavne karaktera, pokazujući šta umjetnik može postići posvetivši svoju vještinu ovoj vrsti umjetnosti.

Predmeti napravljeni vještim, marljivim, mudrim rukama nose otisak čovjekovih misli, želja i sklonosti. Služe mu, oduševljavaju ga, izazivaju legitiman osjećaj ponosa. Nije ni čudo što o epohama koje su odavno nestale s lica zemlje saznajemo iz onih krhotina posuđa, kućnog pribora i ritualnih predmeta koji za arheologe postaju razbacane stranice povijesti čovječanstva.

zavirivanje u svijet, prodirući radoznalim umom u njegove zakonitosti, razotkrivajući fascinantne misterije života, umjetnik ga sve potpunije i višestrano odražava u svojoj umjetnosti. On ne samo da oslikava svijet oko sebe, već i prenosi svoje razumijevanje, svoj stav prema stvarnosti.

Istorija nastanka i razvoja različitih žanrova slikarstva živo je svedočanstvo neumornog rada ljudske svesti, koja nastoji da obuhvati beskonačnu raznovrsnost delatnosti, da je estetski shvati.

Mrtva priroda je relativno mlad žanr. Samostalni značaj u Evropi dobija tek u 17. veku. Istorija razvoja mrtve prirode je zanimljiva i poučna.

Mrtva priroda je posebno puno i živopisno procvala u Flandriji i Holandiji. Njegov nastanak povezan je sa onim revolucionarnim istorijskim događajima, usled kojih su ove zemlje, stekavši nezavisnost, početkom 17. veka, krenule putem buržoaskog razvoja. Za tadašnju Evropu to je bio važan i progresivan fenomen. Pred umjetnošću su se otvorili novi horizonti. Istorijski uslovi, novo javni odnosi usmjerene i određene kreativne zahtjeve, promjene u rješavanju problema sa kojima se slikar suočava. bez direktnog prikazivanja istorijskih događaja, umjetnici su iznova pogledali na svijet, pronašli nove vrijednosti u čovjeku. Život se rutinski javljao pred njima sa do sada nepoznatim značajem i punoćom. Privukle su ih karakteristike nacionalni život, zavičajna priroda, stvari koje čuvaju otisak rada i dana običnih ljudi. Odavde su, iz svjesnog, dubinskog, potaknutog zanimanja za život naroda, rođeni zasebni i nezavisni žanrovi svakodnevnog slikarstva, pejzaža i nastali mrtva priroda.

Umjetnost mrtve prirode, koja se razvila u 17. vijeku, odredila je glavne kvalitete ovog žanra. Slika, posvećena svijetu stvari, govorila je o osnovnim svojstvima svojstvenih predmetima koji okružuju osobu, otkrivala stav umjetnika i suvremenika prema prikazanom, izražavala prirodu i potpunost spoznaje stvarnosti. Slikar je prenio materijalnu egzistenciju stvari, njihov volumen, težinu, teksturu, boju, funkcionalnu vrijednost predmeta za domaćinstvo, njihovu živu vezu sa ljudskom djelatnošću.

Ljepotu i savršenstvo kućnog posuđa određivala je ne samo njihova potreba, već i vještina njihovog tvorca. Mrtva priroda revolucionarnog doba pobjedničke buržoazije odražavala je umjetnikovo poštovanje prema novim oblicima nacionalnog života njegovih sunarodnika, poštovanje prema radu.

Formulisan u 17. veku, zadaci žanra u uopšteno govoreći postojao u evropskoj školi do sredine 19. veka. Međutim, to ne znači da umjetnici nisu sebi postavljali nove zadatke, mehanički ponavljajući gotova rješenja.

Tokom epoha, ne samo da su se menjali načini i načini slikanja mrtve prirode, već se gomilalo umetničko iskustvo, u procesu formiranja razvijao se složeniji i neprestano obogaćujući pogled na svet. Ne jedan predmet kao takav, već njegova različita svojstva postala su predmet reinkarnacije, a kroz razotkrivanje novoshvaćenih kvaliteta stvari iskazan je sopstveni, savremeni odnos prema stvarnosti, preispitivanje vrednosti, mera razumevanja stvarnosti.

Renesansna mrtva priroda

Krajem renesanse u sjevernoj Evropi mrtva priroda se iz dekorativnog žanra pretvorila u filozofska izjava u bojama

XVI–XVIII vek - Zlatno vrijeme u istoriji evropske mrtve prirode. Tih godina je bilo dvije glavne umjetničke škole koji se specijalizovao za prikazivanje cveća, voća i predmeta, - flamanski i holandski, - kojim su se rukovodili majstori iz drugih zemalja. Uprkos činjenici da su Flandrija (Belgija) i Holandija bile susjedne države, njihovi slikari su ulagali drugačije značenje u prikaz "mrtve prirode" (tzv. mrtva priroda u Flandriji), ili " miran život” (kako se zvalo u Holandiji).

glavni cilj Holandski majstori- izraziti ideju "taštine taštine", slabosti svih stvari, blizine smrti. Ove teme su najviše zanimale protestantske teologe. Stoga u mrtvim prirodama holandskih umjetnika često vidimo lobanju, ugašenu svijeću i zaustavljeni sat. Sve je to uokvireno makovima - simbolima vječni san, narcisi - simboli prolaznosti života, ljubičice - simboli krhkosti ljepote itd.

U Flandriji sve je bilo suprotno. Za razliku od protestantske Nizozemske, Belgija je prolazila kroz katoličku renesansu, a zadatak dostojan umjetnika nije bio poricanje, već afirmacija, veličanje Božjeg stvaranja. Kao što je njemački mistik Paracelsus rekao: "U riječima, biljkama i kamenjem, Bog je posvuda." Stoga je flamanska mrtva priroda slavlje života, slavlje savršene prirode. Frans Snyders, Rubensov kolega i prijatelj, smatra se virtuozom ovog žanra. Godine 1618-1621. naslikao je četiri platna pod opštim nazivom "Prodavnice": "Ribarnica", "Prodavnica za igru" (prebijena ptica), "Prodavnica povrća" i "Prodavnica voća", koja se danas čuvaju u Ermitažu. Prema Olgi Prokhorovoj, zaposlenici muzeja kandidata za likovnu kritiku, ovo je enciklopedija flamanske mrtve prirode sa svojim glavnim alegorijskim temama - "Godišnja doba", "Pet čula" (ukus, sluh, miris, dodir, vid) i „Četiri elementa“ (vazduh, voda, vatra, Zemlja). Najbogatija simbolima je Voćarnica. "Around the World" ih dešifruje.

Foto mrtva priroda

Mrtva priroda, likovni žanr

Mrtva priroda (francuski nature morte, ital. natura morta, doslovno - mrtva priroda; holandski stilleven, njemački Stilleben, engleska mrtva priroda, doslovno - tih ili nepomičan život), žanr likovne umjetnosti (uglavnom štafelajno slikarstvo), koji je posvećen slika stvari koje okružuju osobu, smeštene, po pravilu, u realnom kućnom okruženju i kompoziciono organizovane u jednu grupu. Posebna organizacija motiva (tzv. inscenacija) jedna je od glavnih komponenti figurativnog sistema žanra mrtve prirode.

Pored neživih predmeta (na primjer, kućnih predmeta), mrtva priroda prikazuje objekte divljači, izolirane od prirodnih veza i tako pretvorene u stvar - ribu na stolu, cvijeće u buketu, itd. život može uključivati ​​slike ljudi, životinja, ptica, insekata. Prikaz stvari u mrtvoj prirodi ima samostalnu umjetničku vrijednost, iako je u procesu razvoja često služio za izražavanje simboličkog sadržaja, rješavanje dekorativnih problema ili precizno fiksiranje objektivnog svijeta u prirodnim znanostima itd. život može karakterizirati ne samo stvari same po sebi, već i društveni status, sadržajem i životnim stilom njihovog vlasnika, stvaraju brojne asocijacije i društvene analogije.

Mrtva priroda (freska iz Pompeja). 63-79 godina, Napulj. Nacionalna galerija Capodimonte

Pozorišne maske. 2. vek Mozaik Hadrijanove vile u TIVOLIMA. Pohranjen u Muzeju Kapitola u Rimu.

Motivi mrtve prirode kao detalji kompozicija susrećemo se već u umjetnosti antičkog istoka i antike, neki fenomeni u srednjovjekovnoj umjetnosti dijelom su uporedivi sa mrtvom prirodom. Daleki istok(na primjer, tzv. žanr "cvijeće-ptice"), ali rađanje mrtve prirode kao samostalnog žanra događa se u modernim vremenima, kada se u stvaralaštvu ital. a posebno holandskih majstora renesanse. Istorija mrtve prirode kao žanra štafelajnog slikarstva, a posebno njenog tipa „trompe l“ oeil“ (tzv. blende), otvara se iluzionistički precizno rekreirajućim objektima „Mrtva priroda“ autora Italijan Jacopo de Barbari (1504.) Žanr mrtve prirode širi se u drugoj polovini 16. početkom XVII stoljeća, čemu su doprinijele prirodno-naučne sklonosti karakteristične za ovu epohu, interesovanje umjetnosti za svakodnevni i privatni život čovjeka, kao i sam razvoj metoda za umjetnički razvoj svijeta (djeli sv. Holanđanin P. Aartsen, Fleming J. Brueghel Velvet, itd.).

Vrijeme procvata mrtve prirode - XVII vijek. Raznolikost njegovih tipova i oblika u to vrijeme povezana je s razvojem nacionalnih realističkih slikarskih škola. U Italiji i Španiji, uspon mrtve prirode uvelike je olakšan radom Caravaggia i njegovih sljedbenika (vidi Karavagizam). Omiljene teme mrtve prirode bile su cvijeće, povrće i voće, plodovi mora, kuhinjski pribor itd. (P. P. Bonzi, M. Campidoglio, J. Recco, J. B. Ruoppolo, E. Baskenis, itd.). Špansku mrtvu prirodu karakteriše uzvišena strogost i poseban značaj slike stvari (X. Sanchez Cotan, F. Zurbaran, A. Pereda i dr.). Interes za svakodnevnu prirodu stvari, intimnost, često demokratičnost slika jasno su se očitovali u holandskoj mrtvoj prirodi. Karakteriše ga posebna pažnja na prenos svetlosnog okruženja, raznolika tekstura materijala, suptilnost tonalnih odnosa i sheme boja - od izuzetno skromnog kolorita "monohromatskih doručaka" V. Khede i P. Klasa do intenzivno kontrastne, koloristički spektakularne kompozicije V. Kalfa ("desert"). Dutch mrtva priroda razlikuje obilje različitih vrsta ovog žanra: "ribe" (A. Beyeren), "cvijeće i voće" (J. D. de Heem), "prebijena igra" (J. Venike, M. Hondekuter), alegorijska mrtva priroda "vanitas" ( "taština taštine") itd. Flamanska mrtva priroda (uglavnom "tržnice", "trgovine", "cvijeće i voće") odlikuje se obimom i istovremeno dekorativnim kompozicijama: to su himne plodnosti i izobilja (F. Snyders, J. Feit), 17. vijek Razvijaju se i nemačka (G. Flegel, K. Paudis) i francuska (L. Božen) mrtva priroda. WITH krajem XVII V. u francuskoj mrtvoj prirodi trijumfovali su dekorativni trendovi dvorske umjetnosti (cvijeće J. B. Monnoyera i njegove škole, lovačka mrtva priroda A. F. Deporta i J. B. Oudryja). Na toj pozadini istinskom humanošću i demokratičnošću ističu se radovi jednog od najznačajnijih majstora francuske mrtve prirode - J. B. S. Chardina, obilježeni strogošću i slobodom kompozicije, suptilnošću kolorističkih rješenja. Sredinom XVIII vijeka. u periodu konačnog formiranja akademske hijerarhije žanrova nastao je pojam "nature morte", koji je odražavao preziran odnos prema ovom žanru pristalica akademizma, koji su preferirali žanrove čije je područje "živa priroda" (istorijski žanr, portret , itd.).

U 19. vijeku sudbinu mrtve prirode odredili su vodeći majstori slikarstva, koji su radili u mnogim žanrovima i uključili mrtvu prirodu u borbu estetski pogledi i umjetničke ideje (F. Goya u Španiji, E. Delacroix, G. Courbet, E. Manet u Francuskoj). Među majstorima 19. veka koji su se specijalizovali za ovaj žanr ističu se i A. Fantin-Latour (Francuska) i W. Harnet (SAD). Novi uspon mrtve prirode bio je povezan s izvođenjem postimpresionističkih majstora, kojima svijet stvari postaje jedna od glavnih tema (P. Cezanne, V. van Gogh). Od početka XX veka. mrtva priroda je svojevrsna kreativna slikarska laboratorija. U Francuskoj majstori fovizma (A. Matisse i drugi) idu putem pojačane identifikacije emotivnih i dekorativno-ekspresivnih mogućnosti boje i teksture, a predstavnici G. Morandi u Italiji, S. Lukyan u Rumuniji, B. Kubista i E. Filla u Češkoj, itd.). Društvene trendove u mrtvoj prirodi 20. stoljeća predstavljaju djela D. Rivere i D. Siqueirosa u Meksiku, R. Guttusa u Italiji.

U ruskoj umetnosti mrtva priroda pojavio u 18. veku. zajedno sa afirmacijom sekularnog slikarstva, odražavajući kognitivni patos epohe i želju da se istinito i tačno prenese objektivni svet ("trikovi" G. N. Teplova, P. G. Bogomolova, T. Uljanova itd.). Dalji razvoj ruske mrtve prirode dugo je bio epizodičan. Njegov porast u prvoj polovini XIX veka. (F. P. Tolstoj, škola A. G. Venecijanova, I. T. Hruckog) povezuje se sa željom da se vidi lepota u malom i običnom. U drugoj polovini XIX veka. na skicu mrtve prirode, V.D. slike. Samostalna vrijednost studije mrtve prirode raste za prijelaz iz XIX i XX veka. (M. A. Vrubel, V. E. Borisov-Musatov). Procvat ruske mrtve prirode pada na početak 20. vijeka. Njegovi najbolji primjeri uključuju impresionistička djela K. A. Korovina, I. E. Grabara; djela umjetnika "Svijeta umjetnosti" (A. Ya. Golovin i dr.) koja se suptilno poigravaju povijesnim i svakodnevnim karakterom stvari; oštro dekorativne slike P. V. Kuznjecova, N. N. Sapunove, S. Yu. Sudeikina, M. S. Saryana i drugih, I. I. Maškova, A. V. Kuprina, V. V. Roždestvenskog, A. V. Lentulova, R. R. Falk, N. S. Gončarove). Sovjetska mrtva priroda, koja se razvija u skladu sa umjetnošću socijalističkog realizma, obogaćena je novim sadržajima. U 20-30-im godinama. uključuje i filozofsko shvatanje moderne u kompoziciono izoštrenim delima (K. S. Petrov-Vodkin), i tematske „revolucionarne“ mrtve prirode (F. S. Bogorodski i drugi), i pokušaje da se opipljivo povrati „stvar“ koju su odbacili tzv. ciljeve kroz eksperimente u oblasti boje i teksture (D. P. Shterenberg, N. I. Altman), i punokrvno rekreaciju šarenog bogatstva i raznolikosti objektivnog sveta (A. M. Gerasimov, Končalovski, Maškov, Kuprin. Lentulov, Sarjan, A. A. Osmerkin i drugi), kao i traganje za suptilnom harmonijom boja, poetizacija svijeta stvari (V. V. Lebedev, N. A. Tyrsa i drugi). U 40-50-im godinama. P. V. Kuznjecov, Yu. P. P. Konchalovsky, V. B. Elkonik, V. F. Stozharov, A. Yu. Nikich aktivno rade mrtve prirode. Među majstorima mrtve prirode u saveznim republikama ističu se A. Akopjan u Jermeniji, T. F. Narimanbekov u Azerbejdžanu, L. Svemp i L. Endzelina u Letoniji, N. I. Kormašov u Estoniji. Privlačnost povećane "objektivnosti" slike, estetizacija svijeta stvari koje okružuju osobu odredile su interes za mrtvu prirodu mladih umjetnika 70-ih i ranih 80-ih. (Ya. G. Anmanis, A. I. Akhaltsev, O. V. Bulgakova, M. V. Leis, itd.).

Lit .: B. R. Vipper, Problem i razvoj mrtve prirode. (Život stvari), Kazan, 1922; Yu. I. Kuznjecov, Zapadnoevropska mrtva priroda, L.-M., 1966; M. M. Rakova, ruska mrtva priroda kasno XIX- početak 20. vijeka, M., 1970; I. N. Pruzhan, V. A. Pushkarev, Mrtva priroda u ruskom i sovjetskom slikarstvu. L., ; Yu. Ya. Gerchuk, Živa bića, M., 1977; Mrtva priroda u evropskom slikarstvu 16. - početka 20. veka. Katalog, M., 1984; Sterling Ch., La nature morte de l "antiquité a nos jours, P., 1952; Dorf B., Uvod u mrtvu prirodu i slikarstvo cvijeća, L., 1976; Ryan A., Tehnike slikanja mrtve prirode, L. , 1978.

Renesansa (renesansa). Italija. XV-XVI vijeka. ranog kapitalizma. Državom vladaju bogati bankari. Zanimaju ih umjetnost i nauka.

Bogati i moćni oko sebe okupljaju talentovane i mudre. Pjesnici, filozofi, slikari i vajari svakodnevno razgovaraju sa svojim pokroviteljima. U nekom trenutku se činilo da narodom vladaju mudraci, kako je to Platon želio.

Sjetite se starih Rimljana i Grka. Izgradili su i društvo slobodnih građana, gdje je glavna vrijednost ličnost (ne računajući robove, naravno).

Renesansa nije samo kopiranje umjetnosti drevnih civilizacija. Ovo je mješavina. Mitologija i kršćanstvo. Realizam prirode i iskrenost slika. Ljepota fizička i duhovna.

Bio je to samo bljesak. Period visoke renesanse traje oko 30 godina! Od 1490-ih do 1527 Od početka procvata Leonardove kreativnosti. Prije pljačke Rima.

Privid idealnog svijeta brzo je izblijedio. Italija je bila previše krhka. Ubrzo ju je porobio drugi diktator.

Međutim, ovih 30 godina odredilo je glavne karakteristike evropskog slikarstva za 500 godina unapred! Do .

Realizam slike. Antropocentrizam (kada je centar svijeta čovjek). Linearna perspektiva. Uljane boje. Portret. Pejzaž…

Nevjerovatno, u ovih 30 godina nekoliko majstori genija. U drugim slučajevima rađaju se jedan u 1000 godina.

Leonardo, Michelangelo, Raphael i Tizian su titani renesanse. Ali nemoguće je ne spomenuti njihova dva prethodnika: Giotta i Masaccia. Bez kojih ne bi bilo renesanse.

1. Giotto (1267-1337)

XIV vijek. Proto-renesansa. Njegov glavni lik je Giotto. Ovo je majstor koji je sam napravio revoluciju u umjetnosti. 200 godina prije visoke renesanse. Da nije bilo njega, teško da bi nastupila era kojom se čovječanstvo toliko ponosi.

Prije Giotta postojale su ikone i freske. Nastali su prema vizantijskim kanonima. Lica umjesto lica. ravne figure. Proporcionalna neusklađenost. Umjesto pejzaža - zlatna pozadina. Kao, na primjer, na ovoj ikoni.

I odjednom se pojavljuju Giottoove freske. Na njima trodimenzionalne figure. Lica plemenitih ljudi. Staro i mlado. Tužan. Tugaljivo. Iznenađen. Drugačije.

Freske Giotta u crkvi Scrovegni u Padovi (1302-1305). Lijevo: Oplakivanje Krista. Sredina: Judin poljubac (detalj). Desno: Navještenje sv. Ane (Marijine majke), fragment.

Glavna Giottova kreacija je ciklus njegovih fresaka u kapeli Scrovegni u Padovi. Kada se ova crkva otvorila za parohijane, u nju su se slijevale gomile ljudi. Ovo nikada nisu vidjeli.

Uostalom, Giotto je učinio nešto bez presedana. Preveo je biblijske priče na jednostavan, razumljiv jezik. I postali su mnogo dostupniji. obični ljudi.

To je ono što će biti karakteristično za mnoge majstore renesanse. Lakonizam slika. Žive emocije likova. Realizam.

Više o freskama majstora pročitajte u članku.

Giotto je bio divljen. Ali njegova inovacija nije dalje razvijena. Moda za internacionalnu gotiku došla je u Italiju.

Tek nakon 100 godina pojavit će se dostojan Giottov nasljednik.

2. Masaccio (1401-1428)

Početak 15. vijeka. tzv Rana renesansa. Na scenu stupa još jedan inovator.

Masaccio je bio prvi umjetnik koji je koristio linearnu perspektivu. Dizajnirao ga je njegov prijatelj, arhitekta Brunelleschi. Sada je prikazani svijet postao sličan stvarnom. Arhitektura igračaka je stvar prošlosti.

Usvojio je Giottov realizam. Međutim, za razliku od svog prethodnika, on je već dobro poznavao anatomiju.

Umjesto kockastih likova, Giotto su lijepo građeni ljudi. Baš kao i stari Grci.

Masaccio nije preživio dug zivot. Umro je, kao i njegov otac, neočekivano. Sa 27 godina.

Međutim, imao je mnogo sljedbenika. Masters naredne generacije otišao u kapelu Brancacci da uči iz njegovih fresaka.

Tako su inovaciju Masaccia pokupili svi veliki umjetnici visoke renesanse.

3. Leonardo da Vinci (1452-1519)

Leonardo da Vinci je jedan od titana renesanse. Uticao je na razvoj slikarstva.

Da Vinci je bio taj koji je sam podigao status umjetnika. Zahvaljujući njemu, predstavnici ove profesije više nisu samo zanatlije. To su tvorci i aristokrate duha.

Leonardo je napravio proboj prvenstveno u portretiranju.

Vjerovao je da ništa ne smije odvratiti pažnju od glavne slike. Oko ne bi trebalo da luta od jednog detalja do drugog. Tako su nastali njegovi poznati portreti. Sažeto. Harmoničan.

Glavna Leonardova inovacija je ta što je pronašao način da slike učini ... živim.

Prije njega, likovi na portretima izgledali su kao manekeni. Linije su bile jasne. Svi detalji su pažljivo nacrtani. Naslikani crtež nikako ne može biti živ.

Leonardo je izmislio sfumato metodu. Zamaglio je linije. Učinio je prijelaz iz svjetla u sjenu veoma mekim. Čini se da su njegovi likovi prekriveni jedva primjetnom izmaglicom. Likovi su oživjeli.

Sfumato će ući u aktivni vokabular svih velikih umjetnika budućnosti.

Često postoji mišljenje da je Leonardo, naravno, genije, ali nije znao kako išta dovesti do kraja. I često nije završio slikanje. I mnogi njegovi projekti ostali su na papiru (usput, u 24 toma). Uglavnom, bačen je u medicinu, pa u muziku. Čak je i umjetnost služenja svojevremeno voljela.

Međutim, razmislite sami. 19 slika - i on je najveći umjetnik svih vremena i naroda. A neko nije ni blizu veličine, dok napiše 6.000 platna u životu. Očigledno ko ima veću efikasnost.

O sebi čuvena slika pročitajte čarobnjaka u članku.

4. Michelangelo (1475-1564)

Mikelanđelo je sebe smatrao vajarom. Ali on je bio univerzalni majstor. Kao i njegove druge renesansne kolege. Stoga ni njegovo slikarsko nasljeđe nije ništa manje grandiozno.

Prepoznatljiv je prvenstveno po fizički razvijenim karakterima. On je prikazao savršenog čovjeka u kojem fizička ljepota znači duhovnu ljepotu.

Stoga su svi njegovi likovi tako mišićavi, izdržljivi. Čak i žene i starci.

Michelangelo. Fragmenti freske Last Judgment” u Sikstinskoj kapeli, Vatikan.

Mikelanđelo je često slikao lik golog. A onda sam dodala odjeću na vrh. Da tijelo bude što reljefnije.

Sam je oslikao plafon Sikstinske kapele. Iako je ovo nekoliko stotina brojki! Nije čak dozvolio nikome da trlja boju. Da, bio je nedruštven. Imao je čvrstu i svadljivu ličnost. Ali najviše od svega, bio je nezadovoljan ... sobom.

Mikelanđelo je živeo dug život. Preživeo pad renesanse. Za njega je to bila lična tragedija. Njegovi kasniji radovi puni su tuge i tuge.

Općenito, kreativni put Michelangela je jedinstven. Njegova rana djela su pohvale ljudskom heroju. Slobodni i hrabri. U najboljim tradicijama antičke Grčke. Kao njegov David.

U posljednjim godinama života - to su tragične slike. Namerno grubo tesani kamen. Kao da su pred nama spomenici žrtvama fašizma 20. veka. Pogledajte njegovu "Pijetu".

Skulpture Mikelanđela na Akademiji lepih umetnosti u Firenci. Lijevo: David. 1504 Desno: Pieta iz Palestrine. 1555

Kako je to moguće? Jedan umjetnik je u jednom životu prošao sve faze umjetnosti od renesanse do 20. vijeka. Šta će raditi sljedeće generacije? Idi svojim putem. Znajući da je letvica postavljena veoma visoko.

5. Rafael (1483-1520)

Raphael nikada nije zaboravljen. Njegova genijalnost je uvijek bila priznata: i za života i nakon smrti.

Njegovi likovi su obdareni senzualnom, lirskom ljepotom. On se s pravom smatra najljepšim ženske slike ikada stvorena. Spoljašnja ljepota odražava duhovnu ljepotu heroina. Njihova krotkost. Njihova žrtva.

Čuvene reči „Lepota će spasiti svet“ upravo je rekao Fjodor Dostojevski. To mu je bila omiljena slika.

Međutim, senzorne slike nisu jedine forte Raphael. Vrlo je pažljivo razmišljao o kompoziciji svojih slika. Bio je nenadmašan arhitekta u slikarstvu. Štoviše, uvijek je pronalazio najjednostavnije i najskladnije rješenje u organizaciji prostora. Čini se da drugačije ne može biti.

Rafael je živio samo 37 godina. Iznenada je umro. Od prehlade i lekarskih grešaka. Ali njegovo naslijeđe se ne može precijeniti. Mnogi umjetnici su obožavali ovog majstora. I umnožili su njegove senzualne slike na hiljade svojih platna.

Tizian je bio neprevaziđen kolorista. Takođe je mnogo eksperimentisao sa kompozicijom. Generalno, bio je hrabar inovator.

Zbog takvog sjaja talenta, svi su ga voljeli. Nazvan "kralj slikara i slikar kraljeva".

Govoreći o Tizianu, želim da stavim uzvičnik iza svake rečenice. Uostalom, on je bio taj koji je unio dinamiku u slikarstvo. Patos. Entuzijazam. Svijetla boja. Sjaj boja.

Pred kraj života razvio je neobičnu tehniku ​​pisanja. Potezi su brzi i gusti. Boja je nanošena četkom ili prstima. Iz ovoga - slike su još življe, dišu. A radnje su još dinamičnije i dramatičnije.

Zar te ovo ne podsjeća ni na šta? Naravno, to je tehnika. I tehnika umjetnici 19 vijeka: Barbizon i. Tizian će, kao i Michelangelo, proći kroz 500 godina slikarstva u jednom životu. Zato je genije.

O poznato remek-delo pročitajte čarobnjaka u članku.

Renesansni umjetnici su vlasnici velikog znanja. Da bi se ostavilo takvo nasljeđe, bilo je potrebno mnogo učiti. U oblasti istorije, astrologije, fizike i tako dalje.

Stoga nas svaka njihova slika tjera na razmišljanje. Zašto je prikazano? Koja je šifrovana poruka ovde?

Gotovo nikad ne griješe. Zato što su dobro osmislili svoj budući rad. Iskoristili su sav prtljag svog znanja.

Bili su više od umjetnika. Bili su filozofi. Objasnili su nam svijet kroz slikanje.

Zato će nam uvek biti duboko interesantni.

Tada se mnogima dopalo, a radovi umjetnika mi se čine odličnim vizuelna pomoć u procesu proučavanja kombinacija boja. Zapravo, zašto iznova izmišljati točak ako su veliki majstori dugo proučavali principe harmonije, kombinacije nijansi i aktivno ih koristili prilikom slikanja. Planiram da napišem seriju postova na tu temu i oslanjaću se na Ittenovoj knjizi Umetnost boje.

Često problem sa kombinacijama boja dolazi iz činjenice da nemamo dovoljno zapažanja i oko nije uvježbano da vidi uspješne kombinacije, preklapaju se određeni stereotipi, iz neznanja nema dovoljno hrabrosti i samopouzdanja u odabiru boja. Hajde da se borimo :)

Itten nas u svom radu o boji vodi kroz najznačajnije ere u razvoju umjetnosti i rada s bojom, a kao primjer navodi velike umjetnike. A danas ćemo početi sa renesansnim umjetnicima. Jan van Eyck, Piero della Francesca, Leonardo da Vinci, Tizian, Grunewald.

"Jan van Eyck počeo stvarati slike, čiju su kompozicijsku osnovu određivale stvarne boje prikazanih ljudi i predmeta. Kroz blijeđenje i čistoću, posvjetljivanje i potamnjenje ovih boja, zvuk slike postajao je sve bliži realistično sličnom. Boja je postala sredstvo za prenošenje prirodnosti stvari."

"Portret bračnog para Arnolfini" rađen je u prigušenim toplim bojama tamne jeseni

"Gentska oltarna pala" je obojena toplim bojama, ali boje su već jasnije i čistije, bliže proljeću

"Piero della Francesca Slikao je ljude, oštro ocrtavajući figure izrazitim izražajnim bojama, koristeći komplementarne boje koje su davale slikovitu ravnotežu slikama.

„Portret Federiga da Montefeltra i Batiste Sforce“ takođe je urađen u toplim bojama, u bojama jeseni

"Montefeltro Altar": vrlo lijepa kombinacija boja, nježnih nijansi, proljetno-ljetni raspon.

Ispada kombinacija tri osnovna tona i dva naglasna tona:

"Leonardo da Vinci napustio jarke boje. Svoje je slike gradio na beskonačno suptilnim tonalnim prijelazima."

"Mona lisa"

"Obožavanje magova"

"Tizian počeo težiti slikovitim modulacijama hladnog i toplog, izblijedjelog i zasićenog.

"prekrasna"

„Boja karakteristična za njega kasne slike je formirao on, na osnovu raznih tamnih i svijetlih nijansi iste boje.

"Krunisanje trnjem". Tako vesela slika i po temi i po bojama. Najbolja stvar u novembru :)

Ali s druge strane, prelazi boja unutar iste boje su vrlo jasno vidljivi.

"Grunewald kontrastirao jednu boju s drugom. Iz takozvane objektivno postojeće kolorističke supstance mogao je pronaći svoju boju za svaki motiv slike.

"Isenheim oltar"

U okviru jednog rada, Grunewald je koristio razne sheme boja i žrtvovao ukupnu harmoniju zarad prenošenja značenja odvojeni dijelovi radi.

Ostaje da se zaključi da ako ste Jesen, onda biste trebali pogledati i druga djela renesansnih umjetnika :)