Zusammenfassung: Musical als Musikgenre. Was ist ein Musical?

Musical

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Ein Musical (manchmal auch Musikkomödie genannt) ist ein Musical- und Bühnenwerk, in dem Dialoge, Lieder, Musik und Tänze miteinander verflochten sind, während die Handlung meist einfach ist. Das Musical wurde stark von vielen Genres beeinflusst: Operette, komische Oper, Varieté, Burleske. Als eigenständiges Genre der Theaterkunst lange Zeit wurde nicht erkannt und wird immer noch nicht von allen erkannt.

Das Musical ist ein inszeniertes Genre; die Arbeit an jedem Projekt beginnt mit dem Schreiben eines Theaterstücks. Die Inszenierung des Stücks obliegt dem Regisseur. Auch Choreografen und Gesangsspezialisten können an der Produktion teilnehmen.

Das Musical ist eines der kommerziellsten Theatergenres. Dies liegt an seinem Unterhaltungswert, der Themenvielfalt bei der Inszenierung und der unbegrenzten Auswahl an Ausdrucksmitteln für die Schauspieler.

Bei der Aufführung von Musicals werden sie häufig eingesetzt Massenszenen mit Gesang und Tanz kommen oft verschiedene Specials zum Einsatz. Auswirkungen.

Der Form nach ist ein Musical meist ein Theaterstück in zwei Akten.
Inhalt
1. Geschichte
1.1 Ursprünge des Musicals
1.2 Entwicklung in Amerika
1.3 Weitere Entwicklung
2 Die berühmtesten Musicals
2.1 Broadway-Musicals
2.2 Französische Musicals
2.3 Österreichische Musicals
2.4 Russische Musicals

Geschichte

Die Ursprünge des Musicals

Die Vorläufer des Musicals waren viele leichte Genres, die Varietés, französisches Ballett und dramatische Zwischenspiele vermischten. Im September 1866 wurde Black Crook auf der New Yorker Bühne aufgeführt, wo romantisches Ballett, Melodram und andere Genres miteinander verflochten waren. Sie gilt als Ausgangspunkt des neuen Genres. Der englische Produzent George Edwards beschrieb einen seiner Hits „Chorus Girl“ als Musikkomödie. Eine Musikkomödie bedeutete eine leichte Unterhaltungsdarbietung, bei der es nicht auf die Handlung ankam, sondern auf populäre Gesangseinlagen, die von öffentlichen Idolen vorgetragen wurden. Edwards‘ Produktionen haben gewonnen umwerfender Erfolg in New York, und bis zum Beginn des 20. Jahrhunderts wurde die Mode des neuen Genres von englischen Ideen bestimmt.

Entwicklung in Amerika

In den Jahren vor dem Ersten Weltkrieg gaben die talentierten Emigranten Herbert, Friml, Romberg und andere Impulse für die aktive Entwicklung des Musicals in Amerika. In den 20er und 30er Jahren erhielt das Musical mit der Ankunft der neuen amerikanischen Komponisten Jerome Kern, George Gershwin, Cole Porter und anderen einen wahrhaft amerikanischen Touch. Das Libretto wurde komplexer, in den Rhythmen machten sich Einflüsse von Jazz und Ragtime bemerkbar und in den Liedern zeigten sich typisch amerikanische Wendungen. Viele Lieder aus Musicals sind zu Musical-Klassikern geworden. Die schauspielerischen Fähigkeiten der Sänger haben deutlich zugenommen. 1932 wurde der Komponist Gershwin für seine Arbeit am Musical „Of Thee I Sing“ (1931) erstmals mit dem Pulitzer-Preis ausgezeichnet. Die Zusammenarbeit zwischen Rodgers und Hammerstein II brachte Produktionen wie Oklahoma! hervor. („Oklahoma!“, 1943), „Carousel“ (1945), „South Pacific“ (1949), zeichneten sich durch ein hohes Maß an Dramatik aus. Sie waren ein überwältigender Erfolg beim Publikum.

Nach dem Zweiten Weltkrieg wurde die Handlung der Musicals mit dem Erscheinen von „Westside Story“ (1957) von Leonard Bernstein ernster. Die Inszenierung basiert auf Shakespeares Tragödie Romeo und Julia und spielt im modernen New York. Die Ausdruckskraft der Tänze zeigte die wachsende Bedeutung der Choreografie.

Weitere Entwicklung

Ende der 60er Jahre des 20. Jahrhunderts unter dem Einfluss neuer Musikstile Es entsteht ein neues Verständnis des Musicals als Genre. Das Stück „Hair“ („Hair“, 1967) spiegelte die damals modischen Hippie-Ideen wider, daher wurde die Produktion als „Musical des primitiven amerikanischen Lyrical Rock“ bezeichnet. Seit den 70er Jahren nimmt die Zahl der Aufführungen ab, dafür werden Bühnenbilder und Kostüme neuer Musicals immer luxuriöser. Dramatische Veränderungen im Konzept des Musicals wurden durch die Inszenierung von „Jesus Christ Superstar“ (1971) durch den Komponisten Andrew Lloyd Webber und den Librettisten Tim Rice herbeigeführt. Das ernste Thema bewies das Musical „Evita“ (1978). Großer Weg, das das Genre im Laufe seiner Entwicklung durchlaufen hat. Webbers Kreation „Cats“ („Cats“, 1981) basiert auf dem Gedichtzyklus von T.S. Elliotts „Old Possum's Book of Practical Cats“ präsentiert lebendige, einprägsame Bilder, die Musik hat katzenartige Intonationen und die Tänze sind flexibel und flexibel. Zu anderen beliebtes Werk Webber entstand das Musical „Das Phantom der Oper“, das Detektiv- und Thrillerelemente vereint.

Das angloamerikanische Musical-Monopol endete 1985, als die französische Produktion von „Les Miserables“, basierend auf dem gleichnamigen Roman von Victor Hugo, auf der Londoner Bühne Premiere feierte. Die Autoren sind der Komponist Claude Michel Schonberg und der Librettist Alain Boublil. Hohes Niveau Das Musical als Genre wird durch „Miss Saigon“ bewiesen, eine Modernisierung von Puccinis Oper „Madama Butterfly“.

Die berühmtesten Musicals

Broadway-Musicals

Weltruhm Das Genre wurde durch Broadway-Musicals zum Leben erweckt.
My Fair Lady / „Meine wunderschöne Dame": Musik: Friedrich Law, Libretto und Liedtext: Alan Jay Lerner (1956)
Sound of Music, The / „The Sound of Music“-Musik: Richard Rodgers, Libretto: Howard Lindsay & Russell Cruise, Text: Oscar Hammerstein (1959)
Oliver! / „Oliver!“: Musik, Libretto und Text: Lionel Bart (1960)
Fiddler on the Roof / Fiddler on the Roof Musik: Jerry Bock, Libretto: Joseph Stein, Text: Sheldon Harnick (1964)
Jesus Christ Superstar / „Jesus Christ Superstar“ Musik: Andrew Lloyd-Webber, Text: Tim Rice (1970)
Les Miserables / Les Miserables: Musik: Claude-Michel Schonberg, Libretto: Alain Boublil (1980)
Katzen / „Cats“ Musik: Andrew Lloyd-Webber, Libretto: T.S. Eliot (1981)
42nd Street / „Forty-Second Street“: Musik: Harry Warren, Text: Al Dubin, Libretto: Mark Bramble und Mike Stewart (1981)
Phantom der Oper, Das Phantom der Oper Musik: Andrew Lloyd-Webber, Libretto: Richard Stilgoe und Andrew Lloyd-Webber, Text: Charles Hart (1986)
Jekyll & Hyde / „Jekyll and Hyde“ Musik: Frank Wildhorn, Libretto und Text: Leslie Bricusse (1989)
Die Dreigroschenoper / Musik: Kurt Weill, Libretto: Bertolt Brecht (nach Der Dreigroschenroman)

Französische Musicals

In Frankreich gingen Musicals zunächst einen anderen Weg: Sie waren weniger spektakulär und nutzten ein Minimum an Kulissen (im Vergleich zum Broadway) und erinnerten im Allgemeinen eher an Konzerte mehrerer Popsänger. Ein markantes Beispiel dafür ist die Originalfassung des Musicals Nôtre-Dame de Paris von Riccardo Cocciante und Luc Plamondon. Doch im Laufe der Zeit änderten sich die Geschmäcker, und in den letzten Jahren wurden in Frankreich musikalische Darbietungen präsentiert, die in Bezug auf Kostüme und Bühnenbild recht farbenfroh waren, wie „Romeo et Juliette“, „Autant en Emporte le Vent“, „Le Roi Soleil“ usw.
Starmania / „Starmania“: Musik: Michel Berger, Libretto: Luc Plamondon (1979)
Misérables, Les / Les Miserables: Musik: Claude-Michel Schonberg, Libretto: Alain Boublil (1980)
La legende de Jimmy / „The Legend of Jimmy“: Musik: Michel Berger, Libretto: Luc Plamondon (1990)
Nôtre-Dame de Paris / „Notre-Dame de Paris“: Musik: Riccardo Cocciante, Libretto: Luc Plamondon (1998)
Romeo et Juliette / „Romeo und Julia“: Musik: Gerard Presgurvic, Libretto: Gerard Presgurvic (2000)
Ali Baba / „Ali Baba“: Musik: Chatel Aboulker (12. Juni 2001)
Les Dix Commandements / „10 Gebote“: Musik: Pascal Obispo (2001)
Le Petit Prince / „Der kleine Prinz“: Musik: Riccardo Cocciante, Libretto: Elisabeth Anaïs (2002)
Don Juan / „Don Juan“: Musik: Felix Gray (3. August 2003)
Le Roi Soleil / „Der Sonnenkönig“: Musik: Albert Cohen, Libretto: Elie Chouraqui (2005)
Dracula, Entre l’amour et la mort / „Dracula: zwischen Liebe und Tod“: Musik: Simon Leclerc, Libretto: Roger Tabra (2005) – Kanadisches Musical auf Französisch
Cléopâtre, la dernière reine d’Egypte / „Kleopatra, die letzte Königin Ägyptens“: (2009)

Österreichische Musicals
Elisabeth / „Elizabeth“: Musik: Sylvester Levi, Libretto: Michael Kunze (1992)
Tanz der Vampire / „The Vampire’s Ball“: Musik: Sylvester Levi, Libretto: Jim Steinman (1997)
Mozart! / „Mozart!“: Musik: Sylvester Levi, Libretto: Michael Kunze (1999)
Rebecca / „Rebecca“: Musik: Sylvester Levi, Libretto: Michael Kunze (2006)

Russische Musicals
„Orpheus und Eurydike“ ist vielleicht der Begründer des russischen Musicals. Wird immer noch vom St. Petersburg Rock Opera Theatre aufgeführt
„Juno und Avos“ ist eine Rockoper von Alexei Rybnikov, die 1981 auf der Lenkom-Bühne uraufgeführt wurde.
„Der Stern und der Tod von Joaquin Murieta“ – das Stück wurde in der UdSSR auf Schallplatte veröffentlicht.
„Nord-Ost“ ist das erste russische Musical von Weltrang. Regie: Georgy Vasiliev und Alexey Ivashchenko
„www.silicone Fool.ru“ ist ein Musical von Alexander Pantykin und Konstantin Rubinsky, das 2007 in Jekaterinburg aufgeführt wurde und 2008 zwei „Goldene Masken“-Nominierungen erhielt.
"Nacht offene Türen„ – ein Musical von Evgeny Karmazin und Konstantin Rubinsky, das 2005 in Jekaterinburg aufgeführt wurde und die Goldene Maske in zwei Kategorien erhielt, darunter „ Beste Leistung».
„12 Stühle“ ist ein russisches Musical nach dem gleichnamigen Roman von I. Ilf und E. Petrov.
„Mowgli“ ist ein russisches Fantasy-Musical, das im Moskauer Operettentheater aufgeführt wird. Läuft seit 2005 in Moskau. Musik und Libretto – Vlad Stashinsky, Regisseur – Alina Chevik, Musikdirektorin – Vlad Stashinsky, Choreograf – Boris Baranovsky, Designer – Viktor Arefiev, Kostümbildnerin – Valentina Komolova, Maskenbildnerin – Andrey Drykin, Lichtdesigner – A . P. Suchkow.
„Monte Christo“ ist ein russisches Musical nach dem Roman „Der Graf von Monte Christo“ von A. Dumas. Komponist – Roman Ignatiev, Autor des Librettos – Yuliy Kim, Produzent des Musicals – Vladimir Tartakovsky und Alexey Bolonin, Regisseur – Alina Chevik, Choreografin – Irina Korneeva, Produktionsdesigner – Vyacheslav Okunev, Maskenbildner und Perückenkünstler – Andrey Drykin, Beleuchtung Designer - Gleb Filshtinsky, Parkour-Stuntkoordinator - Oleg Krasnyansky
„The Last Test“ ist ein Fantasy-Musical von Anton Kruglov und Elena Khanpira.
„Kinder der Sonne“ ist ein Ethno-Musical von Vladimir Podgoretsky.
„Die Stadtmusikanten von Bremen“ ist ein Familienmusical, das auf den überaus beliebten Liedern von Gennady Gladkov mit Texten von Yuri Entin basiert.

In seinem Buch „On the Musical“ zitiert E. Campus Otto Schneidereits bekanntes Paradoxon zur Operette und schlägt vor, es in Bezug auf die Musikgattung zu paraphrasieren. Und das passiert:

Das Musical ist das am meisten untersuchte Musik Genre.

Das Musical ist das am wenigsten erforschte Musikgenre.

Jeder kennt das Musical, weil jeder Musicals kennt.

Das Musical ist niemandem bekannt, denn niemand weiß, was ein Musical ist.

Derzeit gibt es keine einheitliche Definition eines Musicals. So ist es definiert Musik-Enzyklopädie: „Ein Musik- und Bühnengenre, das die Ausdrucksmittel Musik, Schauspiel, Choreografie und Oper nutzt.“ Es war ihre Kombination und Wechselbeziehung, die dem Musical eine besondere Dynamik verliehen, charakteristisches Merkmal„Viele Musicals sind mit nicht schwer wahrnehmbaren künstlerischen Mitteln zur Lösung schwerwiegender dramatischer Probleme geworden.“

Musical – Musical, oder, wie sie oft schreiben und sagen, Musical – eine Kurzform der Konzepte Musical Comedy (Musikalische Komödie) und Musical Play (Musikstück, Musikdarbietung).

Versuche, ein Musical zu definieren, werden noch dadurch erschwert, dass sich das Genre im 20. Jahrhundert deutlich weiterentwickelt hat; die ersten Experimente in diesem Genre haben wenig Ähnlichkeit mit den Aufführungen der letzten Jahrzehnte; Darüber hinaus unterscheiden sich europäische Musicals auch von ihren Broadway-„Brüdern“; dies zeigt sich sowohl in der Organisation als auch direkt im Handlungsinhalt der Produktionen.

Das Musical ist eines der angesagtesten Genres des modernen Musiktheaters. Manche halten es einfach für eine amerikanische Version der Operette. Darin liegt kein großer Fehler. Kunstgattungen neigen dazu, sich weiterzuentwickeln, und die Operette hat ihre nationale und nationale Bedeutung immer wieder verändert Genrespezifität. Die sentimentalen und melodramatischen Operetten von I. Kalman und F. Lehár unterschieden sich so stark von der Wiener Operette Ende des 19. Jahrhunderts Jahrhundert, und die Musikkomödien sowjetischer Autoren unterschieden sich so sehr von westlichen Produkten, dass sie manchmal auch Anlass dazu gaben, von ihnen als einem neuen Genre zu sprechen. Doch erst im amerikanischen Musiktheater vollzog sich ein qualitativer Sprung, der es vielen ermöglicht, das Musical als eigenständiges Bühnengenre zu betrachten, wenn auch in enger Verwandtschaft und Kontinuität mit der Operette.

Der wesentliche strukturelle Unterschied zwischen einer Operette und einem Musical liegt in der Rolle, die der Musik im Vergleich zu gesprochenen Szenen zukommt. So schreiben die Autoren des Buches „In der Welt der Operette“ darüber: „Die Operette, die die europäischen Klassiker des Genres der Oper näher bringen wollten, behielt weitgehend die Merkmale einer einheitlichen musikalischen Form mit Ensembles und Finale bei. mit Leitmotiven und Elementen symphonischer Entwicklung. Das Musical ist da in einem größeren Ausmaß ist eine Theaterform, bei der Musik neben Choreografie, bildender Kunst, Inszenierungseffekten usw. eines der Mittel zur musikalischen Bühnenbearbeitung ist.“ . In seiner Struktur ähnelt das Musical jener Art von Operette, die in Russland wie in anderen Ländern als „musikalische Komödie“ bezeichnet wurde und die Anhänger der Reinheit des Genres manchmal grundlegend von der Operette trennten. Letzteren Standpunkt vertrat insbesondere der Komponist I. Dunaevsky. „In der Operette“, sagte er, „spielt Musik eine wichtige Rolle, die in sogenannten Musikkomödien möglicherweise nicht notwendig ist.“ In einer Operette werden alle oder fast alle dramatischen Handlungen, die Entwicklung der Charaktere und die Handlung mit den Mitteln der Musik gelöst. Musikalische Dramaturgie in der Operette ist daher obligatorisch und der wichtigste Faktor, was das ganze Stück zementiert. Ihre Rolle, also die Rolle der Musik in der Operette, ist grundsätzlich dieselbe wie in der Oper, wird jedoch durch leichtere melodische und formale Mittel ausgedrückt. Sie können die Musik problemlos aus einer Musikkomödie entfernen und das Stück in einem gewöhnlichen Schauspielhaus aufführen, was in unserem Land oft üblich ist. Es ist unmöglich, Musik aus einer Operette zu entfernen, weil sie das Stück definiert, die gesamte Entwicklung der Handlung darauf aufbaut und in den musikalischen Nummern die Charaktere und ihre Bewegung in der Handlung bestimmt werden.“

Was I. Dunaevsky in Bezug auf Operette und Musikkomödie gesagt hat, lässt sich auf Operette und Musical übertragen. In der Operette als großer musikalischer Bühnenform, die hohe stimmliche Anforderungen an die Sänger stellt, ist die Musik das dominierende Element. Gesprächsszenen dienen oft nur als Brücken, die die musikalischen Einlagen vorbereiten. Das Operettenlibretto konnte nicht als Grundlage für eine eigenständige Inszenierung dienen. In einem Musical steht das Theaterstück im Vordergrund, also der literarische Stoff. Daher ist der Inhalt der Handlung wichtig. Bezeichnend ist, dass Musicals in den USA wiederholt mit verschiedenen Literatur- und Theaterpreisen ausgezeichnet wurden beste Stücke des Jahres .

Das hohe literarische Niveau der meisten Musicals wird maßgeblich dadurch bestimmt, dass es üblich ist, bekannte und manchmal auch wirkliche Stücke zu übernehmen herausragende Werke klassisch und moderne Literatur. Die Hauptquellen für die Musicals waren die Werke von T. Plautus, W. Shakespeare, M. Cervantes, F. Voltaire, C. Dickens, B. Shaw, F. Molnar, S. Sholom Aleichem, J. O'Neill, V . Hugo, B. Stoker, M. Mitchell, A. de Saint-Exupéry, auch viele moderne Amerikanische Schriftsteller- T. Capote,

E. Rice, T. Wilder, M. Anderson und andere. Die besten Musical-Libretti zeichnen sich durch interessante Themen, originelle Charaktere, brillante Dialoge, spektakuläre Höhepunkte und hochpoetische Liedverse aus. Über Komponisten und Dramatiker von Musicals wird in der Regel als gleichberechtigte Partner gesprochen und geschrieben.

Wie eine Operette spricht das Musical sein Publikum ebenfalls in der Sprache moderner Alltags- und Popmusik an, allerdings ist die musikalische Form hier einfacher und kompakter. Es gibt keine detaillierten mehrteiligen Schlussabschlüsse von Akten, die Liedform dominiert, Ensembles sind selten, aber es gibt oft Szenen mit einem Solisten oder mehreren Solisten mit einem Chor. Musicals sind voller Action. Dem unterliegt alles: jede Zeile und Musiknummer, jede Tanzbewegung und jede komische Reprise. Gesangs- und Tanzszenen sollen direkt aus dem Geschehen erwachsen und es weiterentwickeln. Sie müssen intrinsisch motiviert sein.

Oper und Operette haben den Zuschauer an Ballettszenen vom Typ Divertissement gewöhnt: Manchmal sind es einzelne Nummern, manchmal werden ganze Suiten unterbrochen, wodurch die Entwicklung der Hauptintrige gestoppt wird. Das Musical verbindet solche Szenen im besten Fall mit der Handlung, mit der Entwicklung der Charaktere. Ballettepisoden sind somit keine Einschubnummern mehr, sondern Teil des Geschehens. Doch damit nicht genug: Choreografie und Bewegung werden neben dem Gesang zum wichtigsten Element im System der Ausdrucksmittel des Musicals. Musikalische Zahlen werden in der Regel auch plastisch gelöst. Die Persönlichkeiten der Charaktere kommen sowohl beim Singen als auch beim Tanzen zum Vorschein.

In der Oper und Operette übernimmt der Choreograph meist eine mehr oder weniger wichtige, aber immer noch zweitrangige und episodische Rolle, beschränkt auf Ballettepisoden und die sogenannten „Backup-Tänzer“. Bei der Inszenierung von Musicals ist er häufig tatsächlich der zweite Regisseur. Manchmal ist es das Wichtigste. Eine ganzheitliche choreografische Lösung und virtuose plastische Zeichnung machen den vielleicht beeindruckendsten Aspekt der besten Broadway-Produktionen aus.

„Obwohl das Musical der europäischen Operette in der Intensität des Gesangseinsatzes unterlegen ist, legt es gleichzeitig viel mehr Wert auf plastische Ausdrucksmittel.“ Dieser Umstand stellt zusammen mit der sorgfältigen Entwicklung der dramatischen Linie besondere Anforderungen an die Kunst eines Musicaldarstellers. Ideal ist hier eine Kombination der Qualitäten eines Schauspielers, eines Sängers und eines Tänzers – ein Komplex, der äußerst selten vorkommt. Das Kino hat uns die Gelegenheit gegeben, einige der „Stars“ des amerikanischen Musicals kennenzulernen. Wir hatten das Vergnügen, die charmante Julia Andrews (die erste Darstellerin der Rolle der Eliza Dolittle) in der Verfilmung des Musicals von R. Rodgers und O. Hammerstein „The Sound of Music“ auf der Leinwand zu sehen; im Film „My Fair Lady“ Hauptrolle spielte die berühmte Filmschauspielerin Audrey Hepburn. Im selben Film wurde die Rolle von Elizas Vater brillant von Stanley Holloway gespielt, und Professor Higgins wurde hervorragend von Rex Harrison gespielt. Beide sind Teilnehmer der ersten Broadway-Premiere dieses Musicals. Wir lernten die Kunst von Barbra Streisand kennen, der Darstellerin der Titelrolle im Filmmusical „Funny Girl“. Die Aufführung dieser besonderen Rolle im Broadway-Stück von 1964 markierte übrigens den Beginn der großen Popularität der Schauspielerin. All dies ermöglicht es uns, einen allgemeinen Überblick über den kreativen Komplex eines Schauspielers in einem Musical zu bekommen. Wie Sie sehen, gibt es unter den Schauspielern des Musicals herausragende Sängerinnen wie Barbra Streisand und Sängerinnen mit bescheideneren Fähigkeiten wie Julia Andrews. In vielen Musicals wird vom Künstler weniger das Singen als vielmehr das ausdrucksstarke und rhythmische Sprechen seiner Zeilen verlangt. Gesangspart, wie es Rex Harrison als Professor Higgins meisterhaft tat. In jedem Fall muss ein Musicaldarsteller jedoch über eine große innere Musikalität, ein Gespür für Rhythmus und ein Bewusstsein dafür verfügen, dass Musik eine Fortsetzung der Sprache und ein Ausdruck des Charakters ist. Das Gleiche gilt für die bildende Kunst, die dem Schauspieler als Mittel zum Ausdruck von Gedanken und Charakter dienen soll, so natürlich wie Gesang oder Dialog. So setzt das Musical auf Schauspieler mit universellem Talent oder, wie man manchmal sagt, „synthetische“, also solche mit der Fähigkeit zur Synthese, die verschiedene Arten von beruflichen Fähigkeiten vereinen – Sprache, Mimik, Gesang, Plastizität, Tanz, Unterordnung sie zu einer einzigen Linie des Bühnenverhaltens, der Aufgabe, ein Gesamtbild zu schaffen. Eine solche Vielseitigkeit findet sich bei Schauspielern unterschiedlicher Genres und Fachrichtungen.

Der Anspruch der Universalität stellt das Musical nicht nur an die „Stars“, sondern an das gesamte Ensemble. Effektive, sorgfältig gestaltete Ensembleszenen verblüfften vor allem das europäische Publikum in amerikanischen Produktionen, das von der Operette an die statischen Chorepisoden, an die gesichtslose Menge der Chorsänger und an Ballettnummern gewöhnt war, die in keiner Weise mit der Haupthandlung verbunden waren. Es schien, dass die Produktion von Aufführungen wie „My Fair Lady“ oder „West Side Story“ in jedem einzelnen Fall von einer in ihren Fähigkeiten einzigartigen Truppe durchgeführt wurde. In gewisser Weise war dies tatsächlich der Fall, denn sehr oft und gerade in letzter Zeit wird eine Theatertruppe nur für eine Inszenierung rekrutiert. Bei der Übertragung amerikanischer Musicals auf die europäische, auch russische Bühne – in Theater mit einer festen Truppe und einem umfangreichen, abwechslungsreichen Repertoire – standen Regisseure stets vor der Schwierigkeit, ein Ensemble zusammenzustellen.

Die künstlerischen Merkmale des Musicals stehen in engem Zusammenhang mit der amerikanischen Theatertradition und der bestehenden Theaterpraxis in den Vereinigten Staaten. Der ungezügelte Werberummel um die am Stück beteiligten „Stars“, Regisseure, Produzenten sind unvermeidliche Begleiter des Musicals, ebenso wie der Wunsch, seine Melodien mit allen Mitteln der Popularisierung in Welthits zu verwandeln.

Die traditionelle Auffassung des Musicals als unterhaltsame Kunst schließt die objektive Tatsache nicht aus, dass diese Kunst als eine Art Spiegel dient öffentliches Leben. Die künstlerischen Errungenschaften des Musicals ermöglichten es, nicht nur Eigentum einer Nation zu werden, sondern auch einen gravierenden Einfluss auf das moderne Musiktheater zu haben.

„Musical als Musikgenre“

Einführung

Was ist ein Musical?

Phasen der musikalischen Entwicklung

Musical in Russland

Musical „Notre-Dame de Paris“ (Videovorführung)

Vorführung des Musicals „Notre Dame de Paris“

Abschluss

Vom Lehrer vorbereitet

theoretische Disziplinen Minasyan G.Zh.

Einführung

Modern Musikalische Kunst gefüllt mit einer Vielzahl von Genres und Trends. Heutzutage kann man Vertreter von treffen klassische Schule, und verschiedene Jugend-Subkulturen und alle Arten von Musikstilen. Jeder, der auf die Bühne geht, drückt seine Gedanken und Gefühle auf unterschiedliche Weise aus: Jemand sitzt am Klavier und spielt Klassiker, von der Bühne strömt reine, helle Musik, erfüllt von tiefen Gefühlen. Nicht jeder kann diese Art von Musik vollständig verstehen, aber sie berührt viele. Dennoch bietet die moderne Bühne viele musikalische Produkte für große Auswahl Verbraucher. Diese Musik ist für jeden verständlich, hat aber oft keine tiefe Bedeutung.

Die Welt verändert sich, neue Menschen kommen in sie und mit ihnen verändern sich neue Gedanken und Ideen, Vorstellungen vom Leben und Lebenswerte. Aber dennoch bleiben die ewigen, hellen Dinge für immer in den Herzen der Menschen – Liebe, Freundschaft, Treue. All dies spiegelt sich in der musikalischen Kreativität wider. Mit der Denkweise verändern sich auch die Ausdrucksmittel: Es entstehen neue Musikinstrumente, auch elektronische, neue Lichtanlage. Durch die Verschmelzung von Elementen moderner Musikkunst und klassischer Musik entstehen neue Genres.

Das Musical ist das beliebteste und vielversprechendste Genre der musikalischen Bühnenproduktion.

Studienobjekt – moderne Musikgenres

Forschungsgegenstand: Musical als Musikgenre

Ziel der Studie ist es herauszufinden, welche modernen und klassischen Ausdrucksmittel im Musical zum Einsatz kommen.

AUFGABEN:

1. Betrachten Sie die Merkmale des Musicals als musikalische Bühnenaufführung

Genre;

2. Studieren Sie die Geschichte des Musicals als Musical -

Bühnengenre;

3. Analysieren Sie die Entwicklungsstadien des Musicals

1. Was ist ein Musical?

Musical (manchmal auch Musikkomödie genannt) ist ein musikalisches Bühnenwerk, in dem Dialoge, Lieder, Musik, wichtige Rolle Choreografie spielt.

Das Musical ist ein besonderes Bühnengenre, in dem dramatische, musikalische, gesangliche, choreografische und plastische Künste zu einer untrennbaren Einheit verschmelzen. An moderne Bühne- eines der komplexesten und einzigartigsten Genres, in dem sich auf die eine oder andere Weise fast alle Stilrichtungen widerspiegeln darstellende Künste das gab es schon vorher.

Die drei Hauptbestandteile eines Musicals sind Musik, Text und Libretto. Das Libretto eines Musicals bezieht sich auf das „Stück“ oder die Geschichte der Show – und zwar auf die gesprochene (nicht gesungene) Zeile. Allerdings kann sich „Libretto“ auch auf Dialog und Text zusammen beziehen, wie das Libretto in einer Oper. Musik und Text bilden zusammen eine Partitur. Interpretation des Musicals kreative Gruppe hat großen Einfluss auf die Art und Weise, wie das Musical präsentiert wird. Zum Kreativteam gehören der Regisseur, der Musikdirektor und in der Regel ein Choreograf. Die Produktion von Musicals wird auch gestalterisch durch technische Aspekte wie Bühnenbild, Kostüme, Bühnenausstattung, Beleuchtung etc. geprägt. Dies variiert im Allgemeinen von Produktion zu Produktion (obwohl einige bemerkenswerte Aspekte der Produktion tendenziell von der Originalproduktion übernommen werden, wie beispielsweise Bob Fosses Choreografie in Chicago).

Für ein Musical gibt es keine feste Länge, es kann von einem kurzen Einakter bis hin zu mehreren Akten und mehreren Stunden (oder sogar mehreren Abenden) dauern. Allerdings dauern die meisten Musicals zwischen einer halben und drei Stunden. Musicals werden heute meist in zwei Akten mit einer Pause von zehn bis 20 Minuten aufgeführt. Der erste Akt ist fast immer etwas länger als der zweite Akt und präsentiert im Allgemeinen den Großteil der Musik. Ein Musical kann aus 4-6 Hauptmelodien bestehen, die während der gesamten Aufführung wiederholt werden, oder aus einer Reihe von Liedern bestehen, die nicht direkt musikalisch miteinander verbunden sind. Gesprochene Dialoge werden normalerweise zwischen Musiknummern eingestreut, obwohl die Verwendung von „Gesangsdialogen“ oder Rezitativen nicht ausgeschlossen ist, insbesondere in Musicals wie „Les Misérables“.

Musiktheater ist eng mit einer anderen Theaterkunstform verbunden, der Oper. Diese Formen unterscheiden sich normalerweise in vielen Faktoren. Musicals legen in der Regel einen größeren Schwerpunkt auf gesprochene Dialoge (obwohl einige Musicals ausschließlich aus Gesang bestehen, wie etwa „Jesus Christ Superstar“ und „Les Misérables“, und andererseits einige Opern, wie „Die Zauberflöte“ und die meisten Operetten, einige unbegleitete musikalische Dialoge haben. Insbesondere Musicals werden fast nie in einer anderen Sprache als der des Publikums aufgeführt. Musicals, die beispielsweise in London oder New York produziert werden, werden ausnahmslos auf Englisch gesungen, auch wenn sie ursprünglich (wiederum) in einer anderen Sprache geschrieben wurden. Les Misérables“, ursprünglich auf Französisch verfasst, ist gutes Beispiel). Während Opernsänger Während ein Musiktheatersänger in erster Linie ein Sänger und erst in zweiter Linie ein Schauspieler ist, ist er in der Regel zunächst ein Schauspieler, der zumindest eine Melodie tragen kann und ein Ohr hat, aber oft kein professioneller Sänger ist. Komponisten von Musikpartituren müssen häufig die Einschränkungen solcher Interpreten berücksichtigen, und Theater, die Musicals aufführen, verwenden in der Regel eine Verstärkung der Gesangsstimmen der Schauspieler, was im Kontext der Oper verpönt wäre.

Zumindest für sich genommen ist keines dieser Merkmale wirklich definierend, und in der Praxis ist es oft schwierig, zwischen den verschiedenen Arten des leichten Musiktheaters zu unterscheiden, darunter „Operette“, „komische Oper“, „leichte Oper“ und „Musiktheater“. „, „Musical Comedy“, „Parody“, „Music Hall“ und sogar „Revue“. Einige Werke (z. B. Leonard Bernstein und Stephen Sondheim) erhielten sowohl „Musiktheater“- als auch „Opern“-Arrangements. Ebenso gab es für einige alte Operetten oder leichte Opern moderne Produktionen oder Adaptionen, die sie als Musicals behandeln. Sondheim sagte: „Ich glaube wirklich, dass es ein Musical ist, wenn etwas am Broadway gezeigt wird, und wenn es dort aufgeführt wird.“ Opernhaus, das ist eine Oper.“ Ist das so. Die Örtlichkeit, die Provinzialität, die Erwartungen des Publikums machen das eine oder andere aus. Dies gilt vor allem für Musicals Theaterwerke, die eindeutig „nicht opernhaft“ sind, aber es bleibt zwangsläufig eine gewisse Überschneidung zwischen leichteren Opernformen und musikalisch komplexeren oder anspruchsvolleren Musicals: etwas dazwischen, bei dem Produktionsstile per Definition fast genauso wichtig sind wie der eigentliche musikalische oder dramatische Inhalt.

Wie bei einer gut gemachten Operette oder Oper werden auch im Libretto eines Musicals die Momente mit der größten dramatischen Intensität oft in Liedform aufgeführt. Es ist allgemein bekannt, dass „wenn die Emotion zu stark für das Sprechen (oder Rezitativ) wird, man singt; Wenn es zu stark für das Lied wird, tanzt man.“ Das Lied ist (jedenfalls idealerweise) so arrangiert, dass es zum Charakter der Figur und seinen Situationen innerhalb der Geschichte passt, obwohl es Zeiten in der Geschichte des Musicals gab (z. B. die 1920er Jahre). ), als diese Integration zwischen Musik und Geschichte unbedeutend war.

Die Inszenierung beginnt oft mit einem Lied, das den Ton des Musicals vorgibt, einige oder alle Hauptfiguren vorstellt und die Atmosphäre des Stücks zeigt. Innerhalb der komprimierten Natur eines Musicals müssen Autoren Charaktere und Handlung entwickeln. Musik bietet ein Mittel, Emotionen auszudrücken. Allerdings werden in einem fünfminütigen Lied meist weit weniger Worte gesungen als in einem fünfminütigen Dialog gesprochen. Es bleibt daher weniger Zeit für die Entwicklung des Dramas als bei einem reinen Theaterstück gleicher Länge, da ein Musical in der Regel mehr Zeit für die Musik als für die Dialoge aufwendet.

2. Die Geschichte des Musicals

Wie alt ist das Musical? Die Kunst, Geschichten durch Lieder zu erzählen, reicht bis in die Antike zurück. Wir wissen, dass die alten Griechen Musik und Tanz in ihr Leben einschlossen Theateraufführungen bereits im 5. Jahrhundert v. Chr. Einige von ihnen schrieben für jedes Musical spezielle Lieder, andere verwendeten bestehende. Diese Stücke kombinierten politische und soziale Satire und alles andere, was die Massen unterhalten konnte. Mit Hilfe von Liedern war es möglich, Aktionen zu kommentieren, über das Geschehen zu sprechen usw.

Die Römer kopierten fast alle Formen und Traditionen des griechischen Theaters, nahmen aber auch einige Änderungen vor. Insbesondere begannen sie, Schuhe mit Metall auszukleiden, damit die Bewegungen der Tänzer besser zu hören waren, was die Bedeutung von Spezialeffekten betonte.

Die Vorläufer des modernen Musicals waren viele leichte Genres, die Varieté, französisches Ballett und dramatische Einlagen vermischten. Im September 1866 wurde Black Crook auf der New Yorker Bühne aufgeführt, wo romantisches Ballett, Melodram und andere Genres miteinander verflochten waren. Sie gilt als Ausgangspunkt des neuen Genres. Eine Musikkomödie bedeutete eine leichte Unterhaltungsdarbietung, bei der es nicht auf die Handlung ankam, sondern auf populäre Gesangseinlagen, die von öffentlichen Idolen vorgetragen wurden.

In den 80er Jahren war das Wort Musical für die meisten damaligen „sowjetischen“ Menschen seltsam und unverständlich. Das Musical ist jedoch dasselbe vollwertige Theater- und Musikgenre wie beispielsweise Oper und Operette. Es liegt auf der Hand, dass das Wort „Musical“ seinen Ursprung hat englisches Wort"musikalisch" - musikalisch. Und in der russischsprachigen Interpretation konnte man vor nicht allzu langer Zeit die fehlerhafte, falsche Aussprache „musikalisch“, „musikalisch“, „musikalisch“ usw. bis ins Unendliche finden.

Versucht man, das Genre des Musicals zu charakterisieren und seine Bühnenzugehörigkeit zu bestimmen, dann wird sofort klar, dass es sich um ein synkretistisches Genre handelt. Das Musical verflechtet Drama (dramatischer Konflikt), Musikalische Kompositionen(oft von Schauspielern dargeboten), Choreografie, Gesang, Plastizität. Derzeit gibt es auf der modernen Bühne kein anderes Genre, das verschiedene Trends und Stile so komplex zusammenfasst. Während das Musical lief Erstphase Viele glaubten bei seiner Gründung nicht an seinen Erfolg.

Es war allgemein anerkannt, dass ein Musical ein „Ein-Stück-Theater“ sei, doch bald änderte das Publikum seine Meinung. Denn diese Aufführungen waren nicht nur leicht, gut inszeniert und angenehm anzusehen, sondern wirften auch wichtige Themen auf und ließen Klassiker für ein breites Publikum wieder auferstehen. Das Wort „klassisch“ bedeutet hier sowohl Musik als auch Literatur und vielleicht sogar weitgehend Literatur.

So zum Beispiel Victor Hugos Roman „Die Kathedrale Notre Dame von Paris„, war eines der glücklicherweise vergessenen Werke des 19. Jahrhunderts. Und wenn Notre Dame de Paris das Publikum nicht in die Luft gesprengt hätte, hätten viele vielleicht nie etwas über die schöne und traurige Esmeralda erfahren, die aus Liebe starb, und über Quasimodo, dessen Liebe unerwidert blieb und der alle verlor, die er liebte.

Aber das Wichtigste zuerst. Schließlich war „Notre Dame de Paris“ natürlich bereits die Blütezeit der Musikkultur. Das Musical gelangte über den Jazz nach Russland, doch die gleiche Situation herrschte auch in seinem historischen Heimatland – Amerika, wo man sagen kann, dass das Musical bereits in den 30er Jahren zu entstehen begann. Du sagst, das Musical ist da Soviet Russland? Kann nicht sein! Erinnern Sie sich an die Filme von G. Alexandrov? Das Bild „Jolly Guys“ fällt mir wahrscheinlich sofort ein, und da ist Utyosovs Jazz-Team. Die Tradition, musikalische Elemente in Filme einzubeziehen, können wir auch in den Filmen „Circus“ und „Wolga-Wolga“ erkennen. Allerdings war es deutlich schwieriger, das Musical auf der Bühne zu zeigen, obwohl es seit 1960 regelmäßig Vorsingen gab.

Wie bereits erwähnt, gelten die Vereinigten Staaten von Amerika zu Recht als Geburtsort des Musicals. Der amerikanische Weg der Entwicklung, ob in politischer oder kulturelle Sphären gilt als besonders. Historiker aus allen Ländern nennen es ohne lange nachzudenken den „American Way“. Wegen große Mengen Unter den Siedlern und Puritanern konnte sich die Theaterkunst in Amerika nicht auf die gleiche Weise entwickeln wie die europäische Kunst. Das ist zum Teil der Grund, warum alles so passiert ist, wie es passiert ist.

Die Puritaner, die nicht nur für die Reinheit des Glaubens, sondern auch für die Reinheit des Lebens kämpften, drängten den Menschen fast zweihundert Jahre lang die Meinung auf, dass Theater ein Genre mit „niedrigem Schauspiel“ sei. Das glaubten die Puritaner spirituelle Entwicklung Ein Mensch kann nur durch Askese und Intellekt empfangen – weder das eine noch das andere, so die Puritaner, war im Theater vorhanden. Trotz dieser harten und unerträglichen Unterdrückung verschwand das amerikanische Theater nicht, doch einige seiner Genres erblickten nie das Licht der Welt.

Bis zum 19. Jahrhundert war Theater in Amerika illegal und gegenkulturell, daher blühten grobe, vereinfachte Formen auf. Die Schauspieler waren größtenteils Einwanderer aus Europa oder „schwarze Amerikaner“; sie fügten den Theateraufführungen ihre Volksmusik hinzu. So fand die Entstehung des Theaters noch statt, und in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts erschien „etwas“. Zwar waren die Aufführungen im amerikanischen Theater nur unterhaltsam.

Oft erscheint etwas von Anfang an und dann überlegt man, wie man es nennen soll. Diese Aufführungen wurden also Ministerel – die Show – genannt – der Name selbst spricht von der Ironie seiner Schöpfer ihm gegenüber. In diesen Aufführungen machten die Schauspieler lustige Parodien auf das Leben der Schwarzen und das Leben der Schwarzen. Das Interessanteste ist, dass alle Schauspieler weiß und alle Musiker schwarz waren.

Eine solche Leidenschaft für die schwarze Kultur war zwar zunächst humorvoll, musste aber Konsequenzen haben. Seine bemerkenswerteste Folge war die Geburt des Jazz. Jazz wurde auf der Bühne aktiv eingesetzt, um Burlesque-Auftritte und Auftritte im Geiste des Farce-Vaudevilles zu inszenieren. Diese Produktionen wurden bereits mit Hilfe von Schauspielern und Musikern aufgeführt. Jazz erfreute sich so großer Beliebtheit, dass es zu Beginn des Zweiten Weltkriegs schwierig war, ihn zu finden lustige Show, das keine Jazzelemente enthält. Von der primitiven schwarzen Musik hat sich der Jazz zu einer Musik entwickelt, die über die Philosophie des amerikanischen Lebens spricht und sich infolgedessen verändert hat dramatisches Genre Aufführungen. Der Jazz vereinte alle bisher getrennten Genres – und so war das Musical geboren.

3. Stadien der musikalischen Entwicklung

Theaterkunst der USA bis zum Ende des 19. Jahrhunderts. Es hat sich auf komplexe Weise entwickelt, auf einem besonderen Weg, der kaum mit dem gesamteuropäischen zu tun hat. Die englischen Puritaner, die die Mehrheit der Einwanderer in das junge Land stellten, brachten eine äußerst intolerante Haltung gegenüber der künstlerischen Kultur im Allgemeinen und gegenüber der Theaterkunst im Besonderen mit. Die Ursprünge hierfür lassen sich bis ins 17. Jahrhundert zurückverfolgen, in die Zeit der englischen bürgerlichen Revolution, als das englische Parlament 1642 per Sondererlass sämtliche Theateraufführungen verbot. Dennoch konnte sich England trotz seiner Insellage nicht losgelöst von den allgemeinen Tendenzen der europäischen Aufklärung des 18. Jahrhunderts entwickeln, die das Theater in den Dienst ihrer Ideologie stellte und daher der Theaterkunst große Aufmerksamkeit schenkte. Aufgrund ihrer Entfernung zu Europa hatten die Vereinigten Staaten eine viel größere Fähigkeit, der Integration von Trends zu widerstehen künstlerische Kultur. Die puritanischen Siedler, die konsequent die Ideologie der Askese predigten, wiesen dem Theater zwei Jahrhunderte lang die Rolle einer „niedrigen“ und gesellschaftlich missbilligten Form menschlichen Handelns zu und proklamierten die intellektuelle, nicht aber die künstlerische Entwicklung als Mittelpunkt des spirituellen Lebens. Dies konnte das Theater nicht völlig zerstören, aber es bestimmte ganz bestimmte Formen seiner Entwicklung.

Existenz im 19. Jahrhundert. Das amerikanische Theater außerhalb der offiziellen Ideologie trug zur Entwicklung seiner einfachsten und gröbsten Formen bei, die für einen unerfahrenen und daher bescheidenen Zuschauer konzipiert waren. Darüber hinaus waren Theatertruppen und Einzelschauspieler, die aus Europa zuwanderten, in der Regel nicht die talentiertesten und nicht die reichsten Menschen, denen es in ihrer Heimat nicht gelang, Erfolg zu haben. Am weitesten verbreitet waren damals Wandertruppen, die aus wenigen Schauspielern bestanden. Die kleine Zusammensetzung der Truppen bestimmte ihr Repertoire: eine Reihe heterogener, überwiegend komischer Nummern, kurzer Sketche, Musik- oder Tanzszenen. Wie jedes Wandertheater, dessen materielles Wohlergehen direkt mit den spezifischen Interessen des Publikums zusammenhängt, waren diese Truppen gezwungen, „lokale Besonderheiten“ zu beherrschen, einschließlich schwarzer Folklore. Bis zur Mitte des 19. Jahrhunderts. amerikanisch Theatergenres, die trotz Anleihen aus dem europäischen Theater eine ganz besondere Spielart darstellen. Sie alle hatten ein gemeinsames Ziel: Unterhaltung. Die Unterschiede zwischen diesen Genres waren eher formaler als grundlegender Natur.

Ende der 60er Jahre des 20. Jahrhunderts kam es unter dem Einfluss neuer Musikstile zu einem neuen Verständnis des Musicals als Genre. Das Stück „Hair“ („Hair“, 1967) spiegelte die damals modischen Hippie-Ideen wider, daher wurde die Produktion als „Musical des primitiven amerikanischen Lyrical Rock“ bezeichnet. Seit den 70er Jahren nimmt die Zahl der Aufführungen ab, dafür werden Bühnenbilder und Kostüme neuer Musicals immer luxuriöser. Dramatische Veränderungen im Konzept des Musicals wurden durch die Inszenierung von „Jesus Christ Superstar“ (1971) durch den Komponisten Andrew Lloyd Webber und den Librettisten Tim Rice herbeigeführt. Das ernste Thema des Musicals „Evita“ (1978) bewies den langen Weg, den das Genre in seiner Entwicklung zurückgelegt hat. Webbers Kreation „Cats“ („Cats“, 1981), basierend auf dem Gedichtzyklus von T. S. Elliott „Old Possum's Book of Practical Cats“, präsentiert lebendige, einprägsame Bilder, Katzen sind in der Musikintonation erkennbar und Tänze sind flexibel und flexibel. Ein weiteres beliebtes Werk von Webber war das Musical „Das Phantom der Oper“, das Detektiv- und Thrillerelemente vereint.

Das angloamerikanische Musical-Monopol endete 1985, als die französische Produktion von „Les Miserables“, basierend auf dem gleichnamigen Roman von Victor Hugo, auf der Londoner Bühne Premiere feierte. Die Autoren sind der Komponist Claude Michel Schonberg und der Librettist Alain Boublil. Das hohe Niveau des Musicals als Genre beweist „Miss Saigon“, eine Modernisierung von Puccinis Oper „Madama Butterfly“.

4. Musical in Russland

In Russland begann sich schon vor sehr langer Zeit eine Beziehung zum Musical zu entwickeln, wenn auch in einer etwas anderen, eigentümlichen Abwandlung dieses Genres. Die ersten Annäherungen an das Musical waren jedoch die gleichen wie in Amerika – durch den Jazz. Dies geschah in den Filmen von G. Alexandrov und insbesondere in „Merry Guys“ unter Beteiligung der Jazzband von L. Utesov. Trotz der Tatsache, dass die Partitur nicht viel enthält Musikalische Nummern Tatsächlich sind sie autorisierte Teilnehmer des Films, der existiert Gleichberechtigung mit den Schauspielern. Diese Linie wurde vom Regisseur im Zirkus und – etwas weniger organisch – in Wolga-Wolga fortgesetzt, wo oft Musiknummern eingefügt wurden. Diese Erfahrung von Alexandrov hat praktisch keine Entsprechungen im sowjetischen Kino, wo die Entwicklung des Genres der Musikkomödie hauptsächlich entlang der Linie der Operette verlief (von den frühen Filmen von I. Pyryev bis zum Werk des Klassikers des Genres J. Frid). .

Seit Mitte der 1960er Jahre gab es zahlreiche Versuche, Musicals auf der sowjetischen Bühne zu inszenieren. West Side Story wurde sogar im Leninsky-Komsomol-Theater in Leningrad aufgeführt. Allerdings überwiegend das Produktionsspektrum musikalische Darbietungen schwankte zwischen Sozialjournalismus wie Brechts Zong-Oper („Der gute Mann aus Sichuan auf Taganka“, „Die Dreigroschenoper“ und „Menschen und Leidenschaften“ im Lensovet-Theater) und lyrischer musikalischer Operettenkomödie, gespielt mit mehr oder weniger psychologischer Überzeugungskraft (Dulcinea Tobosskaya im Majakowski-Theater). und Lensovet, Levsha im Lensovet-Theater und sogar Khanum im Bolschoi-Dramatheater). Es gab jedoch eine Reihe echter Durchbrüche in Richtung des Musicals. Sie wurden in der Regel mit Rock-Kreativität in Verbindung gebracht Russische Komponisten. So sah die Aufführung von Krechinskys Hochzeit im Leningrader Operettentheater (Komponist A. Kolker, Regisseur V. Vorobiev) völlig unerwartet aus. Und natürlich Lenkomovs Auftritte von M. Zakharov - Til (Komponist G. Gladkov), „Der Stern und Tod von Joaquin Murieta“ sowie „Juno“ und „Avos“ (Komponist A. Rybnikov). Der letzte von ihnen lebte auf unerklärliche Weise nach den Gesetzen des amerikanischen Musicals und sorgte jahrzehntelang für eine stabile Publikumsreaktion (trotz der Tatsache, dass die Darsteller weitgehend am restlichen Repertoire des Theaters beteiligt waren).

5. Zeitgenössisches Musical in Russland .

Seit 1999 beginnt Russland mit der Produktion von Musicals nach westlichen Prinzipien. Das erste war ein lizenziertes Projekt des polnischen Musicals Metro. Die Ergebnisse waren ermutigend und die Zahl der lizenzierten Musicals begann sich zu vermehren: Notre Dame, Chicago, 42nd Street, The Witches of Eastwick ...

Ein original russisches Musical könnte ein viel ernsterer Gesprächseinstieg sein. Natürlich nicht „Lips“ im Theater des Mondes, das trotz einer guten literarischen und musikalischen Grundlage (V. Nabokov, A. Zhurbin) eine gewöhnliche Repertoireaufführung blieb. Aber - das erste, in angemessenem Maßstab hergestellt und von kompetenter Produktionsarbeit von Nord-Ost begleitet. Allerdings scheint die Tragödie mit den Geiseln auf Dubrovka neben anderen schrecklichen Folgen, die ein erfolgreiches Projekt sofort zunichte machte, das russische Musical weit zurückgeworfen zu haben. Die Wiederbelebung von Nord-Ost hat nicht geklappt; die psychologische Belastung durch das Geschehen erwies sich als unerträglich.

Abschluss

Nach der Analyse von Fachliteratur und Informationen im Internet kam ich zu dem Schluss, dass es sich bei Musical um ein synkretistisches Genre handelt, das verbindetdramatische, musikalische, gesangliche, choreografische und bildende Kunst.Es entstand aus mehreren Genres gleichzeitig- Varietés, französisches Ballett und dramatische Einlagen. Implementieren künstlerische Gestaltung Das Musical nutzt vielfältige Ausdrucksmittel, moderne Ausstattung und Spezialeffekte. Nämlich Ton, Bewegung, Sprache, Licht und Lasershow.

Musicals gelten traditionell als eines der beliebtesten komplexe Formen Theaterproduktion. Um es auf der Bühne zum Leben zu erwecken, sind viele Ressourcen erforderlich. An der Produktion sind viele Personen beteiligt (Schauspieler, Bühnenarbeiter, Lichttechniker, Tontechniker, Verwaltung, Werbeagenten usw.). Darüber hinaus gilt das Musical heute als das teuerste Genre.

Das Libretto zum Musical basiert auf verschiedenen Handlungssträngen: historische Ereignisse, Mythen, fiktive Geschichten, Märchen, Geschichten und Romane. Obwohl das Musical als Unterhaltungsgenre gilt, können die Ideen dennoch als Grundlage dienen hohe Ideen und tiefe Bedeutung.

Moderne Ausdrucksmittel sind in der Lage, die Sinnesorgane des Menschen am stärksten zu beeinflussen. Moderne Geräte sind in der Lage, nahezu alle Geräusche zu reproduzieren und die notwendigen Lichteffekte zu erzeugen. Die Kulisse, die Kostüme – all das macht das Erlebnis viel lebendiger.

Daher bin ich zu dem Schluss gekommen, dass es sich tatsächlich um ein Musical handeltdas beliebteste und vielversprechendste Genre der musikalischen Bühnenproduktion. AlsDas Musical verbindet akademische Traditionen (professioneller Gesang, klassisches Ballett, irgendwo symphonische Kunst) und moderne Trends (Poptanz und Gesang, synthetischer Sound, Lichtvorführung). Gemeinsam sind sie fähigSie beeinflussen am stärksten die emotionale Seite eines Menschen und mit ihrer Hilfe können Sie Ihre künstlerische Absicht viel deutlicher zum Ausdruck bringen.

Referenzliste:

Geschichte des ausländischen Theaters: ein Lehrbuch über Kultur und Kunst. / Ed. L. Gitelman. – St. Petersburg: Peter, 2005.

Kiryanova, N.V. Geschichte der Weltliteratur und Kunst. / N. V. Kiryanova. – M.: Nauka, 2006.

Shabalina T. Artikel „Musical“

www. ru.wikipedia.org/wiki

www.muzikl.net

Staatliche Universität Jugra

Humanitär Institut

Abteilung für Pädagogik und Psychologie

Zusammenfassung zum Thema

„Musical als Musikgenre“

nach akademischer Disziplin

„Die Geschichte der Entwicklung von Leidenschaft und Jazzmusik »

Durchgeführt:

Student im vierten Jahr

Gruppe Nr. 9175

IHR. Sokolova

Geprüft:

außerordentlicher Professor der Abteilung

Musikalische Bildung

N.M. Provozina

Chanty-Mansijsk

1. Was ist ein Musical?

2. „The American Way“ der musikalischen Entwicklung.

3. Musical in Russland.

Referenzliste.

Was ist ein Musical?

Zeitgenössische Musikkunst ist voller verschiedener Genres und Trends. Jetzt können Sie auf der Bühne Vertreter der klassischen Schule, verschiedener Jugend-Subkulturen und aller möglichen Musikstile treffen. Was ist ein Musical und was zeichnet dieses einzigartige Genre aus?

Ein Musical (manchmal auch Musikkomödie genannt) ist ein musikalisches Bühnenwerk, in dem Dialoge, Lieder und Musik miteinander verflochten sind und Choreografie eine wichtige Rolle spielt.

Das Musical ist ein besonderes Bühnengenre, in dem dramatische, musikalische, gesangliche, choreografische und plastische Künste zu einer untrennbaren Einheit verschmelzen. Ihre Kombination und Wechselbeziehung verlieh dem Musical eine außergewöhnliche Dynamik; ein charakteristisches Merkmal vieler Musicals war die Lösung schwerwiegender dramatischer Probleme mit künstlerischen Mitteln, die nicht schwer zu erkennen sind. Gegenwärtig handelt es sich um eines der komplexesten und einzigartigsten Genres, in dem sich in gewisser Weise fast alle zuvor existierenden Stile der Bühnenkunst widerspiegeln. Obwohl sich das Musical noch in der Anfangsphase seiner Entstehung befand, glaubten viele nicht an seinen Erfolg.

Die drei Hauptbestandteile eines Musicals sind Musik, Text und Libretto. Das Libretto eines Musicals bezieht sich auf das „Stück“ oder die Geschichte der Show – und zwar auf die gesprochene (nicht gesungene) Zeile. Allerdings kann sich „Libretto“ auch auf Dialog und Text zusammen beziehen, wie das Libretto in einer Oper. Musik und Text bilden zusammen eine Partitur. Die Interpretation des Musicals durch das Kreativteam hat großen Einfluss auf die Art und Weise, wie das Musical präsentiert wird. Zum Kreativteam gehören der Regisseur, der Musikdirektor und in der Regel ein Choreograf. Die Produktion von Musicals wird auch gestalterisch durch technische Aspekte wie Bühnenbild, Kostüme, Bühnenausstattung, Beleuchtung etc. geprägt. Dies variiert im Allgemeinen von Produktion zu Produktion (obwohl einige bemerkenswerte Aspekte der Produktion tendenziell von der Originalproduktion übernommen werden, wie beispielsweise Bob Fosses Choreografie in Chicago).

„The American Way“ der Entwicklung des Musicals.

Wie alt ist das Musical? Die Kunst, Geschichten durch Lieder zu erzählen, reicht bis in die Antike zurück. Wir wissen, dass die alten Griechen bereits im 5. Jahrhundert v. Chr. Musik und Tanz in ihre Theateraufführungen einbezog. Einige von ihnen schrieben für jedes Musical spezielle Lieder, andere verwendeten bestehende. Diese Stücke kombinierten politische und soziale Satire und alles andere, was die Massen unterhalten konnte. Mit Hilfe von Liedern war es möglich, Aktionen zu kommentieren, über das Geschehen zu sprechen usw.

Die Vorläufer des modernen Musicals waren viele leichte Genres: Operette, komische Oper, Varieté, Burleske. Manche halten es sogar einfach für eine amerikanische Version der Operette. Darin liegt kein großer Fehler. Kunstgenres entwickeln sich tendenziell weiter, und die Operette hat ihre nationalen und Genrespezifika mehr als einmal geändert. Die sentimental-melodramatischen Operetten von I. Kalman und F. Lehár unterschieden sich so sehr von der Wiener Operette des späten 19. Jahrhunderts, und die Musikkomödien sowjetischer Autoren unterschieden sich so sehr von westlichen Produkten, dass sie manchmal auch Anlass gaben, über sie zu sprechen ein neues Genre. Die Worte „Das ist keine Operette“ waren vielen Operettenautoren des 20. Jahrhunderts wohlbekannt. Der wesentliche strukturelle Unterschied zwischen einer Operette und einem Musical liegt in der Rolle, die der Musik im Vergleich zu gesprochenen Szenen zukommt. Die Operette hat die Merkmale einer durchgängigen musikalischen Form mit Ensembles und Finale, mit Leitmotiven und Elementen symphonischer Entwicklung weitgehend beibehalten. Das Musical ist in größerem Maße eine Theaterform, in der Musik neben Choreografie, Plastizität, Inszenierungseffekten usw. eines der Mittel der musikalischen Bühnenbearbeitung ist. „In der Struktur ähnelt das Musical dem Typus der Operette dass wir, wie auch in anderen Ländern, den Namen „musikalische Komödie“ erhalten haben und welche Befürworter der Reinheit des Genres sich manchmal grundlegend von der Operette trennten. Im amerikanischen Musiktheater vollzog sich ein qualitativer Sprung, der es vielen ermöglichte, über das Musical nachzudenken als eigenständiges Bühnengenre, allerdings in enger Verwandtschaft mit der Operette.

Eine große Rolle bei der Entstehung des Musicals (man könnte sagen, dass das Musical dank dieses Genres entstand) spielte der Jazz zu Beginn des 20. Jahrhunderts. Nach und nach wurde es nicht nur zur Musik, sondern auch zu einer Denkweise und drang in alle Bereiche der künstlerischen Kultur ein, einschließlich des Theaters. Nach und nach wurden Jazzkompositionen als einzigartige nationale Musik anerkannt und erfreuten sich immer größerer Beliebtheit. In den frühen 1940er Jahren war es schwierig, eine Aufführung im Genre der Musikkomödie zu finden, die keine Jazznummern enthielt. Im Vergleich dazu wirkte die Trivialität anderer Szenen und Skizzen immer vulgärer. Ein qualitativer Sprung in den Musik- und Theateraufführungen war unvermeidlich. Es war das Jazz-Denken, das alle Musik- und Unterhaltungsgenres, die sich nicht allzu sehr unterschieden, auf neuen Prinzipien vereinte und ihrer Leichtigkeit und Oberflächlichkeit eine unerwartete Tiefe verlieh. Der Wandel im Charakter der Musik brachte zwangsläufig eine grundlegende Veränderung der dramatischen Grundlage mit sich. Also an der Schnittstelle von scheinbar Unvereinbarem künstlerische Richtungen Es entstand ein Musical.

Die Geschichte des Weltmusicals reicht heute etwa 100 Jahre zurück. Während einige Experten Georges Bizets Oper „Carmen“ (1874) für das erste Musical der Welt halten, gehen einige sogar noch weiter und beginnen mit Mozarts „Die Zauberflöte“ (1791) zu rechnen. Als unbestrittene Vorläufer des Musicals können John Gays Beggar's Opera (1787) oder die komischen Opern von Gilbert und Sullivan (Mitte des 19. Jahrhunderts) gelten. Als erstes echtes amerikanisches Musical gilt „Show Boat“ des Komponisten Jerome Kern und des Librettisten Oscar Hammerstein (1927). Darin erreichte der Grad der Integration von Text und Musik erstmals „musikalische Konsistenz“. Allerdings bezeichnete man „Das schwimmende Schiff“ damals nicht als Musical, sondern auch als Musikkomödie.

Als offizielles Geburtsdatum des neuen Genres gilt der März 1943, als das Stück am Broadway uraufgeführt wurde Oklahoma! R. Rogers und O. Hammerstein. Obwohl die Autoren ihre Aufführung zunächst traditionell als „musikalische Komödie“ bezeichneten, empfanden Publikum und Kritiker sie als eine Innovation, die die etablierten Kanons zerstörte. Die Aufführung war kompositorisch ein Ganzes: Es gab keine eingefügten Divertissement-Gesänge und -Gesänge Tanznummern; Handlung, Charaktere, Musik, Gesang – alle Komponenten existierten untrennbar miteinander und betonten und entwickelten auf verschiedene Weise die Grundlinie des Bühnenwerks. Hinter der einfachen und unprätentiösen Handlung standen Grundwerte – Liebe, soziale Gemeinschaft, Patriotismus. Nicht umsonst erklärte der Bundesstaat Oklahoma zehn Jahre später das Lied aus dieser Aufführung zu seiner offiziellen Hymne.

Nach der außerordentlich erfolgreichen Uraufführung schlugen die Autoren einen neuen Begriff zur Bezeichnung des Genres des Stücks vor: Musical. Musical Oklahoma! hat die Broadway-Bühne seit mehr als fünf Jahren nicht verlassen; Anschließend bereiste er auf einer Tournee ganz Amerika. 1944 erhielt er den Pulitzer-Preis. Zum ersten Mal wurde eine Schallplatte veröffentlicht, bei der nicht einzelne Musiknummern, sondern die gesamte Aufführung aufgezeichnet wurde. Der Film wurde 1955 gedreht Oklahoma!, der zwei Oscars erhielt – für die beste Musik und die beste Tonarbeit. Im Jahr 2002 wurde es erneut am Broadway aufgeführt. Das gab die Drama League of New York bekannt Oklahoma! bestes Musical Jahrhundert.

Damit begann eine neue Ära in der Geschichte des amerikanischen und dann des Welttheaters, die von Komponisten wie J. Gershwin, R. Rogers, L. Bernstein, E. Lloyd Webber, J. Herman und anderen verherrlicht wurde.

In Amerika ist das Epizentrum solch einer lebendigen Musik- und Theateraufführung natürlich der Broadway – die ikonische Straße von New York, in der sich eine große Anzahl von Theatern und Musikhallen konzentriert, hat schon immer die Fantasie von Schauspielern und Zuschauern angeregt. Broadway-Musicals sind zu einer echten Marke geworden, Hollywoodstars nehmen regelmäßig an lokalen Produktionen teil und Theaterliebhaber lesen gespannt Rezensionen neuer Aufführungen in Zeitungen. An der Kreuzung von Broadway und 42nd Street liegt der Times Square, wo sich die berühmten Broadway-Theater befinden. Heute gibt es in diesem Viertel etwa 40 große Theater, die die Basis des amerikanischen Theaters bilden Theaterkultur. Daher ist der Name der Straße längst ein Begriff geworden, der in den USA im Prinzip ein Synonym für diese Kunst ist.