Deutsche Architektur des 16. Jahrhunderts. Renaissance-Architektur in Deutschland

Der prominenteste Vertreter der Kunst der deutschen Renaissance war Albrecht Dürer (1471-1528) – ein herausragender Maler, Kupferstecher und Wissenschaftler.

Die Renaissance in Deutschland war zeitlich sehr kurz – etwa ab der Mitte des 15. Jahrhunderts. bis in die 1520er Jahre

Die Entwicklung der Kunstrenaissance in Deutschland erfolgte unter dem Einfluss von Ideen Reformation(religiöse und gesellschaftspolitische Bewegung in West- und Mitteleuropa XVI- Anfang des XVII Jahrhunderte, die darauf abzielten, das katholische Christentum im Einklang mit der Bibel zu reformieren). Auf diesem historische Periode muss auch Bauernkrieg (1524-1526). All dies: die brutale Unterdrückung der Bauernunruhen, die religiöse Spaltung und die Abkehr mehrerer Länder vom Katholizismus – unterbrach die Entwicklung der Renaissance in Deutschland.
Die wichtigsten Meister der deutschen Renaissance:

Meister E. S. (ca. 1420-nach 1468)
Matthias Grunewald (ca. 1470-1528)
Albrecht Dürer (1471-1528)
Lucas Cranach der Ältere (1472-1553)
Hans von Kulmbach (geb. 1480-1522)
Hans Baldung (ca. 1484-1545)
Hans Holbein (der Jüngere) (1497-1543)
Urs Graf (ca. 1490-ca. 1529)
Albrecht Altdorfer (geb. 1480-1538)
Veit Sthos (1447-1533)
Bernt Notke (ca. 1435-1509)
Hans Burgkmair (1473-1531)
Wilm Dedek
Daniel Gopfer (ca. 1470–1536), Kupferstecher

Wenden wir uns der Arbeit der bedeutendsten Meister zu.

Matthias Grunewald (1470/1475-1528)

Von seinen Werken sind nur wenige erhalten geblieben, nur etwa 10. Kreativität Grunewald (richtiger Name Matthias Gotthart Niedhardt) wurde zu Beginn des 20. Jahrhunderts wiederentdeckt. von den deutschen Expressionisten, die ihn als ihren direkten Vorgänger betrachteten. Sein Werk beeinflusste auch die Surrealisten. Matthias Grünewald gilt als der letzte große Maler der Nordgotik.
Grunewald gilt als Mann von umfassender Gelehrsamkeit und vielseitiger Begabung, als typischer Vertreter der Renaissance-Intelligenz. Er beschäftigte sich mit den Problemen der Religion, der Philosophie und der sozialen Struktur sowie der Wissenschaft. Seine Kunst ist durchdrungen von Humanismus und Mitgefühl für das menschliche Leid, das er überall sah. Vor seinen Augen fand die Reformation statt – die erste Revolution in Europa, die das Bewusstsein der Menschen erschütterte; er war Zeuge der Massaker an dem aufständischen Volk. Ausgestattet mit einer empfänglichen Seele schilderte Grunewald wie Bosch in seiner Kunst die wahre Tragödie des Lebens einer edlen und ehrlichen Seele eines Mannes, der in einer grausamen Welt, die ihr menschliches Gesicht verloren hatte, verfolgt und beleidigt wurde.
Das Hauptwerk Grunewalds und ein Meisterwerk der deutschen Malerei ist der Isenheimer Altar (1512-1516)

Museumsausstellung

Museum Unterlinden (Colmar, Frankreich). Der erste Schwung des Altars

Bis 1793 befand sich der Altar in der Isenheimer Kirche. Während der Französischen Revolution wurden Gemälde und Skulpturen zur Lagerung in die Regionalstadt Colmar transportiert. In Isenheim blieben geschnitzte Holzdetails erhalten, die seit 1860 verschollen sind. Drei Teile des Altarbildes sind derzeit separat in Colmar ausgestellt.
Der erste (äußere) Scan zeigt die Szene der Kreuzigung Christi. Das Kruzifix findet sich häufig auf gotischen Altarbildern. Aber noch nie zuvor wurde es von Matthias Grünewald so schmerzhaft dargestellt. Auf Golgatha stellte Grunewald neben Jesus seine Mutter Maria, den Apostel Johannes, Maria Magdalena und Johannes den Täufer dar. Die ganze Szene mit der gequälten Christusfigur, der schockierten, ohnmächtigen Gottesmutter und anderen Figuren löst einen Zustand tiefer Erschütterung aus.
Während des liturgischen Jahres wurden zu bestimmten Terminen die Türen des Altars geöffnet und brachten Gemälde zum Vorschein, die dem religiösen Ereignis entsprachen. Der Isenheimer Altar verfügt über drei Scanmöglichkeiten.

Der zweite Scan des Isenheimer Altars zeigt die Verkündigung, die Geburt Christi („Engelskonzert“) und die Himmelfahrt.

Die dritte Entwicklung des Isenheimer Altars mit Holzskulpturen der Heiligen Antonius, Augustinus und Hieronymus, die vermutlich vom Holzschnitzer Nicholas Hagenauer angefertigt wurden.

M. Grunewald „Die Verspottung Christi“ (1503). Alte Pinakothek (München)

Der Künstler stellte eine ikonografische Handlung des Evangeliums dar, die selten zuvor zu sehen war. Die Wächter brachten Christus zum Haus des Hohepriesters Kaiphas und verspotteten ihn. Sie legten ihm einen Verband über die Augen, schlugen ihm ins Gesicht und wollten wissen, wer ihn geschlagen habe. Grunewald schildert Christus als einen Mann von außergewöhnlicher Sanftmut und Geduld. Der Schrecken zynischer Empörung und Unmenschlichkeit wird von Grunewald durch die Farbe – kalte Töne und deren Dissonanzen – deutlich zum Ausdruck gebracht.
Das Gemälde zeigt auch die Figur von Josef von Arimathäa, der später den leblosen Körper Christi vom Kreuz nimmt. Und nun versucht Joseph, die Wache davon zu überzeugen, Mitleid mit Christus zu haben. Als ob hörbare und scharfe Flötenklänge, Trommelschläge, die von einem Mann ausgegeben werden, der links in der Tiefe steht.

Lucas Cranach der Ältere (1472-1553)

L. Cranach. Selbstporträt (1550). Uffizien-Galerie(Florenz)

Deutscher Maler und Grafiker der Renaissance, Meister der Porträt-, Genre- und Bibelkompositionen. In seinem Werk verband er die Traditionen der Gotik mit den Prinzipien der Renaissance.
Seiner Überzeugung nach war er ein Anhänger der Ideen der Reformation, ein Freund Luthers.

Lucas Cranach der Ältere „Porträt Martin Luthers“

Die Künstler Hans Cranach und Lucas Cranach der Jüngere sind seine Söhne.
Bildende Kunst studierte Cranach zunächst bei seinem Vater. Von früher Jugend an wanderte er auf der Suche nach einer Berufung durch Deutschland, Palästina, Österreich und die Niederlande.
Später gründete er eine Kunstwerkstatt, in der Assistenten arbeiteten, Bücher veröffentlichten und diese dann verkauften.
Die frühen Werke des Künstlers sind innovativ. Darin schilderte er die Widersprüchlichkeit seiner Zeit. Als Hofmaler erlangte er große Fähigkeiten im Porträtgenre und fing viele seiner Porträts ein berühmte Zeitgenossen. Cranachs Porträts entstehen mit Sympathie für die Modelle, aber ohne deren Idealisierung und ohne den großen Wunsch, in ihre Innenwelt einzudringen.

Lucas Cranach der Ältere „Melancholie“ (1532). Brett, Öl. 51x97cm. Landesmuseum Kunst (Kopenhagen)

Das Gemälde zeigt drei nackte Babys, die versuchen, mit Hilfe von Stöcken einen großen Ball durch einen Reifen zu rollen. Die geflügelte Frau schnitzt an einem Stab, vielleicht ist sie gerade dabei, einen weiteren Reifen herzustellen. Das ist melancholisch. Sie blickt nachdenklich an den spielenden Kindern vorbei. Nach den Vorstellungen der Renaissance basiert die ganze Welt auf Analogien. Melancholie wurde damals mit Saturn, dem Hund und der Zimmerei in Verbindung gebracht. Der Hexenritt in der schwarzen Wolke bezieht sich auf diese Analogien.

Lucas Cranach der Ältere „Madonna mit Kind (Madonna im Weinberg)“ (um 1520). Staatliches Museum der Schönen Künste. ALS. Puschkin (Moskau)

Hans Holbein der Jüngere (1497-1543)

Einer der größten deutschen Künstler. Der berühmteste Vertreter dieser Familie. Er studierte Malerei bei seinem Vater Hans Holbein dem Älteren.

Hans Holbein der Jüngere. Selbstporträt (1542). Uffizien-Galerie (Florenz)

Er arbeitete zwei Jahre lang mit seinem Bruder Ambrosius Holbein in Basel (Schweiz) in der Werkstatt von H. Herbster, wo er viele Humanisten und Wissenschaftler dieser Zeit traf, darunter Erasmus von Rotterdam, der sein Werk „Lob der Dummheit“ illustrierte.

Hans Holbein der Jüngere „Porträt des Erasmus von Rotterdam“

Holbein illustrierte auch andere Bücher und beteiligte sich an der Erstellung der deutschen Bibelübersetzung von Martin Luther. Wie sein Vater schuf er Buntglasfenster und malte Porträts.
Zu den bedeutendsten Werken der Basler Zeit Holbeins zählen das Porträt des Juristen Bonifatius Amerbach; zehn Bilder der Passion des Herrn; Fresken im Neuen Rathaus, Orgeltüren im dortigen Dom, Türen der Altarfaltung für das Freiburger Münster, Bilder der Geburt Christi und der Anbetung der Könige; Madonna mit Heiligen für die Stadt Solothurn; die berühmte „Madonna der Familie Meyer“, Porträts von Erasmus von Rotterdam, Dorothea Offenburg sowie Zeichnungen zum Alten Testament (91 Blatt) und „Totentanz“ (58 Blatt), von Lützelburger in Holz gestochen.

Hans Holbein der Jüngere „Madonna von Darmstadt“ („Madonna aus der Familie Meyer“) (1526)

Das Gemälde wurde von Holbein unter dem Einfluss der italienischen religiösen Malerei der Renaissance und der Porträtkunst der alten niederländischen Meister gemalt. In der Bildmitte steht die Jungfrau Maria mit dem Jesuskind, umgeben von Mayer, seiner ersten verstorbenen und zweiten Ehefrau und Tochter. Wer die beiden anderen links abgebildeten Charaktere sind, ist nicht genau bekannt. Die Madonna von Darmstadt ist ein Beweis für Mayer Mayers Bekenntnis zum katholischen Glauben. Der ungewöhnliche Rahmen des Bildes erklärt sich aus seiner Bestimmung für die Privatkapelle der Familie Meyer im Schloss Gundeldingen.
1526-1528. Der Künstler blieb in England, wo er Thomas More kennenlernte. Bei seinem ersten Besuch in England sowie bei seinem zweiten (1532–1543) malte er überwiegend Porträts und war sogar Hofmaler von König Heinrich VIII.

Hans Holbein der Jüngere „Porträt Heinrichs VIII.“

Holbeins Gemälde zeichnen sich durch Ausdruckskraft der Zeichnung, Plastizität, durchdachte Modellierung, Transparenz des Hell-Dunkels, Helligkeit und Breite des Pinsels aus. Seine Zeichnungen sind voller Beobachtung, manchmal nicht ohne bissigen Sarkasmus, sie verblüffen durch die Schönheit der Form und Ausführung. Er übertrug die Blütezeit der italienischen Renaissance nach Deutschland, verlor jedoch nicht seinen Nationalcharakter.

Hans Holbein der Jüngere „Bildnis der Christina von Dänemark“ (1538). Londoner Nationalgalerie

Künstler der „Donau-Malschule“

„Donauschule der Malerei“ – die Richtung der deutschen bildenden Kunst in der ersten Hälfte des 16. Jahrhunderts. (1500-1530)
In den Werken traten Künstler der „Donauschule“ auf neues Genre- Landschaft.
In der Frage nach dem Ursprung der Schule besteht keine Einigkeit: Nach Angaben der meisten Autoren waren ihre Gründer der junge Lucas Cranach der Ältere, Jörg Brey der Ältere sowie der aus der Donauregion stammende Roelant Fruauf der Jüngere.
Andere glauben, dass die Schule auf lokalem Boden entstand und die Besucher Cranach und Bray, die entlang der Donau reisten, davon beeinflusst wurden.

Wolf Gruber „Donaulandschaft bei Krems“ (1529). Kupferstichkabinett (Berlin)

Die Malerei der „Donauschule“ zeichnete sich durch künstlerische Fantasie, lebendige Emotionalität, fabelhafte Naturwahrnehmung, Interesse an Wald- und Flusslandschaften, Raum und Licht, dynamische Pinselführung, zeichnerische Ausdruckskraft und Farbintensität aus.

Lucas Cranach der Ältere „Die Hirschjagd Kurfürst Friedrichs III. des Weisen“ (1529)

Der Einfluss anderer Länder ist auf den Architekturstil in Deutschland spürbar, besonders häufig sind Elemente der französischen Gotik und der italienischen Renaissance zu finden. Aber auch zur Weltarchitektur leistete das Land insbesondere zu Beginn des 20. Jahrhunderts seinen Beitrag.

Deutschland hat eine reiche Tradition lokaler Architektur mit einzigartige Stile alte Bauernhäuser und Stadtvillen. Früher wurden überall hölzerne Fachwerkhäuser gebaut, da Holz früher günstiger war als guter Stein. Alle Häuser in deutschen Dörfern sind mit Holzschnitzereien verziert.

Von den Karolingern bis zur Romanik.

Die Römer errichteten Stadtmauern, Bäder, Villen, Tempel, doch die Geschichte der eigentlichen deutschen Architektur begann um 790 mit dem Bau der Schlosskapelle in Aachen durch Kaiser Karl den Großen. Dieses 16-seitige Gebäude mit einem Oktaeder in der Mitte wurde der byzantinischen Kirche San Vitale in Ravenna (Italien) nachempfunden. Es war Teil des längst zerstörten großen Kaiserpalastes, einer der vielen Residenzen Karls.

Ein weiterer Kaiserpalast aus dem 11. Jahrhundert, der viele Male umgebaut wurde, ist bis heute in Goslar im Gorets-Gebirge erhalten geblieben. Die Aachener Kapelle diente als Vorbild für weitere Kultbauten der karolingischen Renaissance, von denen einige noch erhalten sind - Dom in Essen und die Klosterkirche St. Peter in Bad Wimpfen.

Eine Besonderheit dieser Kirchen ist das Westwerk, ein westlicher Querbau mit Chorkapelle.

Größer und komplexer architektonischer Stil Deutschland erschien nach dem 10. Jahrhundert in einem wiederbelebten Reich. Ihr Vorbild ist die Kirche St. Michael in Hildesheim.

Zwischen 1001 und 1033 wurde ein großformatiges Bauwerk mit einfachen geometrischen Formen errichtet. Beeindruckend sind die halbkreisförmigen Apsiden auf beiden Seiten des Gebäudes, zwei runde Mitteltürme und vier zylindrische Türme mit Treppen. Später führte die Blüte des romanischen Stils in Deutschland zum Bau prächtiger Kathedralen am Rhein – in Mainz, Trier, Worms und Speyer. Ihre strengen Proportionen werden durch das Dekor mit Halbkreisbögen an der Basis gemildert. Köln ist reich an Denkmälern romanischer Architektur.

Gotisch.

Die ersten Beispiele der Gotik sind in Limburg an der Lahn zu sehen Aussehen Die 1211 begonnene Kathedrale ist noch immer überwiegend romanisch und der Innenraum wird bereits von gotischen Spitzbogengewölben geprägt.

Die ersten gotischen Bauwerke in Deutschland sind die Liebfrauenkirche in Trier und die Kirche St. Elisabeth in Marburg. Kirche St. Elisabeth – Saal; Seine Mittel- und Seitenschiffe sind gleich hoch, was typisch für Deutschland werden sollte. Im Jahr 1248 wurde in Köln mit dem Bau eines Doms begonnen. Nach dem Bau der Chöre verlangsamten sich die Arbeiten und der Kölner Dom gehörte zu den prachtvollen Kirchen, die bis ins 19. Jahrhundert auf ihre Fertigstellung warteten. Ein weiterer Dom ist Ulm; Der 1890 fertiggestellte 161 m hohe Turm ist der höchste der Welt.

12. und 13. Jahrhundert waren eine Zeit bedeutender Klosterbauten. Die einzigartige, stadtähnliche Anlage Maulbronn ist nahezu vollständig erhalten. Heute ist es in die Liste des UNESCO-Weltkulturerbes aufgenommen.

Die meisten gotischen Gebäude bestehen aus Stein, doch an der Ostseeküste und in einigen norddeutschen Städten entstand die sogenannte Backsteingotik.

Renaissance.

Die architektonischen Formen der italienischen Renaissance konnten sich in Deutschland nicht sofort durchsetzen, sie dienten zunächst nur der Dekoration oder in absurder Kombination mit gotischen Elementen. So ist beispielsweise in der Kapelle der Fuggerbankiers von 1512 in der Kirche St. Anna in Augsburg – dem ersten Renaissancebau in Deutschland – das gotische Gittergewölbe erhalten. Das katholische München ist enger mit Italien verbunden als andere Städte und verfügt ausschließlich über Renaissance-Denkmäler. Die bedeutendsten sind die Kirche St. Michael, die 1597 von den Jesuiten erbaut wurde, und der Königspalast.

In Norddeutschland fanden überwiegend protestantische, niederländische und flämische Einflüsse ihren markantesten Ausdruck im Stil der Weserrenaissance, der durch übermäßige Verzierung gekennzeichnet ist.

Barock- und Rokokostil der deutschen Architektur.

Der Barockstil hat seinen Ursprung in Italien, doch deutsche Architekten und Handwerker gaben ihm vor allem im katholischen Süden eine eigene Identität.

Die Gegenreformation führte hier dazu, dass der Gottesdienst fast in einem theatralischen Rahmen abgehalten wurde, bei dem alles die Sinne ansprach. Der Höhepunkt von Luxus, Pracht und Fantasie war die Wallfahrtskirche der Vierzehn Heiligen, deren Bau 1744 nach dem Projekt von Johann Balthasar Neumann (1687-1753) begann.

Neumann baute auch die Schlösser des Erzbischofs Schönborn in Brühl, Bruchsal und Würzburg oder beteiligte sich an deren Bau.

Barocker Luxus und Rokoko-Fantasie waren nicht auf Süddeutschland beschränkt. Der Innenhof und die Pavillons des Dresdner Zwingers gelten als einer der luxuriösesten Orte für höfische Feste, und die eleganten Rokoko-Innenräume des Potsdamer Schlosses Sanssouci Friedrichs des Großen zerstören das Klischee der preußischen Askese.

Vom Klassizismus bis zum Stilmix.

Im 18. Jahrhundert. antike Klassiker galten als obligatorisch für die Hauptstädte. In Sanssouci (Potsdam) errichtete der Hofarchitekt Friedrichs des Großen, Georg Wenzel von Knobelsdorff (1699–1753), eine klassizistische Kolonnade. Im Jahr 1791 wurde der Eingang zu Berlin durch das kolossale Brandenburger Tor geadelt, das den Propyläen der Athener Akropolis nachempfunden war.

Karl Friedrich Schinkel (1781 – 1841) war der größte preußische Architekt seiner Zeit und Leiter des Bauamtes. Er veränderte das Gesicht Berlins und seiner Umgebung durch den Bau von Museen, Palästen und Herrenhäusern im neoklassizistischen Stil. In Bayern konkurrierte ihm Franz Karl Leo von Klenze (1784–1864). Er verlieh München ein wahrhaft königliches Aussehen, indem er beispielsweise die Glyptothek errichtete, das erste öffentliche Skulpturenmuseum der Welt. Von Klenze entwarf auch Denkmäler zur Verehrung des aufkeimenden deutschen Nationalismus – Walhalla hoch über der Donau und den Befreiungspavillon bei Kelheim.

Nach der Vereinigung Deutschlands im Jahr 1871 wurden Nationaldenkmäler errichtet. Es gab eine intensive Suche nach einem architektonischen Stil, der dem Geist des Zweiten Reiches entsprechen würde, aber viele Gebäude stammen aus dem späten 19. Jahrhundert. Tatsächlich handelt es sich lediglich um eklektische Kombinationen von Elementen verschiedener Architekturstile.

In der luxuriösen Rokokokirche der Würzburger Residenz beteten königliche Persönlichkeiten.

Moderne in der deutschen Architektur.

Ganz am Anfang des 20. Jahrhunderts. - die Zeit der kurzen Blütezeit des Jugendstils, dessen leuchtendstes Beispiel die Entwicklung von Matildenhehe in Darmstadt war. Im Jahr 1899 siedelte sich hier eine Zunft von Künstlern und Architekten an.

Zum ersten Mal im Jahrzehnt des neuen Jahrhunderts war eine beispiellose Blüte architektonischer Stile und neuer Trends zu beobachten. Ungewöhnliche einteilige Bauwerke – Erich Mendelssohns Einsteinturm in Potsdam,

Das schiffsartige Bürogebäude des Chilihauses in Hamburg und die kreisrunde Reinhall in Düsseldorf zeugen vom Erfolg des Expressionismus. Im Gegensatz dazu gibt der innovative Bau der Fagus-Schuhfabrik in Alfeld von Walter Grapius (1883-1969) mit Flachdach, Glaswänden und einem kubischen Baukörper vor weitere Entwicklung die Architektur.

Die gigantischen Zerstörungen der Kriegsjahre konnten durch die Wiederaufbauprogramme der 1950er und 1960er Jahre teilweise kompensiert werden. Die meisten Gebäude wurden in der damals vorherrschenden sanften, ruhigen Bauweise errichtet. Es entstanden aber auch Originalbauten, etwa der Thyssen-Turm in Düsseldorf.

Wahrscheinlich gibt es in Deutschland mehr moderne Kirchen als anderswo. Die Kaiser-Wilhelm-Gedächtniskirche im Westen Berlins ist eine interessante Kombination aus moderner Gedenkstätte und Nachkriegsruine. Vor den Olympischen Spielen 1972 entwarf Günther Boenisch ein sehr originelles Stadion. Prominente Baudenkmäler der jüngeren Zeit sind Werke ausländischer Architekten wie Scott James Sterling (Staatsgalerie Stuttgart) und Brit Norman Foster (Frankfurt Commercial Bank und Reichstagsrestaurierung in Berlin).

Renaissance-Architektur in den germanischen Ländern

1. ALLGEMEINE BEDINGUNGEN UND STIL

Die frühesten Spuren des Einflusses der italienischen Renaissance auf die Architektur der deutschen Länder finden sich als Einzelphänomene in den ersten Jahrzehnten des 16. Jahrhunderts. Für neue Formen war es schwierig, die Schöpfungen des Vertrauten zu bekämpfen Gothic Style; Letzteres enthielt viele wirklich wertvolle Elemente; es entsprach voll und ganz dem nationalen Geschmack und stellte eine erstklassige, konstruktive und künstlerische Leistung dar. Stimmt, schon in den ersten Jahrzehnten des Italieners Frührenaissance Die nordische Malerei und kurz darauf die Skulptur traten in eine neue Phase. Der Inhalt dieser Entwicklungsphase unterschied sich jedoch davon neue Ära Italienische Kunst, da sich das gesamte spirituelle Leben des Nordens davon unterschied. Der Einfluss des Humanismus auf die Kunst des Nordens war vernachlässigbar. Von der „Wiederbelebung der Antike“ lässt sich hier noch weniger sagen. Der Einfluss ihrer architektonischen und künstlerischen Denkmäler auf Künstler aus dem Norden entstammt nicht der ursprünglichen Quelle. Über Oberitalien hinaus drangen nordische Künstler ohnehin kaum vor. Die meisten waren gezwungen, sich auf andere Quellen zu beschränken. Dies waren in erster Linie die von den Italienern in den deutschen Ländern errichteten Gebäude. Italienische Herren traten in den Dienst von Herrschern, die durch familiäre oder kirchliche Bindungen mit Italien verbunden waren, beispielsweise in Österreich, Süddeutschland und sogar in den Ländern des slawischen Ostens. Je nachdem, ob die italienischen Meister den Bau selbst überwachten oder nur Projekte produzierten, die später von nordischen Meistern ausgeführt wurden, kam das italienische Kunstverständnis hier entweder in reiner oder in verzerrter Form zum Ausdruck. Einzelne Werke weisen eine solche Reinheit der italienischen Interpretation auf, dass sie sich nicht von den Werken der italienischen Renaissance unterscheiden. Frankreich war eine weitere Quelle des Einflusses der Renaissance auf die Meister des Nordens. Allerdings veränderte die französische Interpretation Inhalt und Wesen der Renaissance erheblich, die Renaissancemotive verloren die Klarheit und Schärfe ihrer ursprünglichen Formen.

Von großer Bedeutung für die Architektur des Nordens war die Tatsache, dass die architektonischen Formen der Renaissance vor allem von Malern wahrgenommen wurden, die sie als Hintergründe für Gemälde verwendeten, insbesondere von Kupfer- und Holzstechern; von hier aus verbreiteten sie sich in vielen Drucken; Die in diesen Stichen enthaltenen flüchtigen und schlecht durchdachten Skizzen (und es ist zu beachten, dass die Autoren größtenteils selbst Motive aus zweiter und dritter Hand erhielten) dienten den meisten deutschen Meistern als Hauptinformationsquelle über „Antike“. Formen. Hinzu kommen die übrigen Werke der kleinen angewandten Kunst französischer und italienischer Herkunft, die in den deutschen Gebrauch gelangten: Geschirr, bewegliche Gegenstände, Intarsien, italienische Gravuren usw Buchgrafiken. Kein Wunder also, dass sich die Architektur des Nordens unbedingt für kleine Formen interessiert. Es hatte seinen Ursprung in der angewandten Kunst. Die nordischen Meister gelangten nicht zu einer tieferen allgemeinen Wahrnehmung der Renaissance mit ihren großen Problemen der architektonischen Komposition in der Form, in der diese Probleme in Italien gestellt und gelöst wurden, und mit ihrer Klarheit des architektonischen Organismus. Es fehlte ihnen ebenso an Verständnis für die italienische Kunst wie an einer theoretischen Vorbereitung dafür. Zwar stießen die Werke von Vitruv auf großes Interesse. Bereits 1539 bearbeitete der niederländische Meister Pieter Keck van Aelst das Vitruv-Handbuch und bald darauf das Sebastiano-Serlio-Handbuch, und der Nürnberger Theoretiker V. Rivius veröffentlichte es 1548, also zu der Zeit, als das Wissen über die neue Welt von Formen hatten bereits einen Schritt nach vorne gemacht, die erste deutsche Übersetzung der fünf Bände von Vitruv; eine tiefere Einsicht in das Wesen des Klassizismus fehlte jedoch noch.

Von großer Bedeutung für die Architektur des Nordens war die Tatsache, dass die architektonischen Formen der Renaissance vor allem von Malern wahrgenommen wurden, die sie als Hintergründe für Gemälde verwendeten, insbesondere von Kupfer- und Holzstechern; von hier aus verbreiteten sie sich in vielen Drucken; Die in diesen Stichen enthaltenen flüchtigen und schlecht durchdachten Skizzen (und es sollte beachtet werden, dass die Autoren (zum größten Teil selbst Motive aus zweiter und dritter Hand) für die meisten deutschen Meister als Hauptinformationsquelle über „antike“ dienten Formen. Dazu kommen die übrigen Werke kleiner angewandter Kunst französischer und italienischer Herkunft, die Einzug in den deutschen Alltag hielten: Geschirr, bewegliche Sachen, Intarsien, italienische Stiche und Buchgrafiken. Kein Wunder also, dass die bedingungslose Anziehungskraft des Nordens so groß ist Architektur zu kleinen Formen. Es zeigte seinen Ursprung in der angewandten Kunst. Die Meister des Nordens gelangten nicht zu einer tieferen allgemeinen Wahrnehmung der Renaissance mit ihren großen Problemen der architektonischen Komposition, wie diese Probleme in Italien gestellt und gelöst wurden, und mit ihrer Klarheit der Als architektonischer Organismus mangelte es ihnen ebenso an Verständnis für die italienische Kunst wie an theoretischer Vorbereitung dafür. Vitruv erregte großes Interesse. Bereits 1539 bearbeitete der niederländische Meister Peter Kekvan Alst das Vitruv-Handbuch und bald darauf das Sebastiano-Serlio-Handbuch, und der Nürnberger Theoretiker V. Rivius veröffentlichte es 1548, also zu der Zeit, als die Erkenntnis der neuen Formenwelt entstand hatte bereits einen Schritt nach vorne gemacht, die erste deutsche Übersetzung der fünf Bände von Vitruv; eine tiefere Einsicht in das Wesen des Klassizismus fehlte jedoch noch.

Die meisten Architekten und Steinmetze beschränkten sich darauf, verschiedene Formen aus Radierungen und Holzstichen auszuwählen: die Formen von Portalen, Säulen, Gesimsen, Kronen usw., um dann gelegentlich über den Reichtum an Renaissance-Motiven frei zu verfügen. Solche Muster ermöglichten es nicht, ein wirkliches Gespür für das Relief architektonischer Elemente, für deren harmonisches Zusammenspiel in einem architektonischen Organismus und für Proportionen zu erlangen.

Die Einflüsse waren zu äußerlich, um eine Revolution in der künstlerischen Wahrnehmung und eine kraftvolle Originalentwicklung herbeizuführen. Es fehlten sowohl die Rahmenbedingungen als auch die Intensität und Gleichmäßigkeit der Einflüsse. Die Formen der Renaissance kamen von außen und kamen zudem zu einer Zeit, als die Notwendigkeit einer Stilreform noch nicht reif war. Aufgrund der Vielfalt der germanischen Stämme musste die Wahrnehmung der Renaissanceformen heterogen sein. Auf jeden Fall verstanden die Österreicher, Franken, Süd- und Mitteldeutschland und Belgien dank direkter Beziehungen zu Italien oder dank natürlicher Begabung den italienischen Charakter der Interpretation viel besser als die Bevölkerung des Nordens. Was die Künstler selbst betrifft, so wollten sie einerseits nicht auf die konstruktiven und dekorativen Errungenschaften der Spätgotik verzichten, andererseits verwendeten sie auch neue Formen der Dekoration. Unter den Architekten gab es nur wenige talentierte Meister, und so phänomenale Künstlerpersönlichkeiten wie Brunelleschi und Bramante, die einen entscheidenden Einfluss auf die gesamte Kunst der Renaissance hatten, gab es überhaupt nicht. Und zu vielfältig waren die Aufgaben, die die deutschen Meister lösen mussten. Die Architekten der herrschenden Fürsten ließen sich natürlich von ausländischen, kulturellen Einflüssen inspirieren. Allerdings gab es mit der damaligen politischen Zersplitterung der deutschen Länder in Deutschland kein einziges gleichwertiges Gericht. königlicher Gerichtshof Frankreich. Die Reichsstädte und das Bürgertum waren konservativ und die meisten Befehle kamen von ihnen. Die Kirche sollte kaum als wichtiger Faktor der architektonischen Tätigkeit angesehen werden, da nach dem starken Aufschwung der christlichen Kunst in der vorangegangenen Ära der Bedarf an Kirchenbauten nur noch in Ausnahmefällen auftrat. Und dann, von Volksbewusstsein die religiöse Inspiration des Mittelalters, die in den grandiosen Dombauten ihren monumentalen Ausdruck fand, verschwand. An seine Stelle trat eine demokratische, auf säkulare Bedürfnisse ausgerichtete bürgerliche Denkweise.

Unter diesen Bedingungen konnte von einer ganzheitlichen künstlerischen Wahrnehmung, von einem einzigen Wunsch und dem bewussten Einsatz einer neuen Formenwelt zur Schaffung eines strahlenden neuen Stils keine Rede sein. Schon das Material schränkte die Möglichkeit ein, die neue Formenwelt auf die nordische Architektur zu übertragen. Die italienische Renaissance bestand hauptsächlich aus Steinarchitektur, und in den deutschen Ländern setzte sich die dem nördlichen Klima entsprechende Holz- und Fachwerkarchitektur durch; daher die Unmöglichkeit, die italienische Formenauffassung direkt anzuwenden. In bürgerlichen Häusern war Fachwerk weiterhin eine beliebte Technik. In Gebieten, in denen lange Zeit Backstein verwendet wurde, blieb die Backsteinarchitektur erhalten; Zwar wurde Stein für Portale, Fenstergesimse und Gesimse verwendet, doch ansonsten blieb die Backsteinarchitektur lange Zeit naturgemäß den alten Traditionen treu. Natürlich wurde Stein als Material für kunstvollere Gebäude bevorzugt. In der Steintechnik erzielt die nördliche Renaissance brillante Effekte und höchste künstlerische Werte. In der Steintechnik kommt zudem die Originalität der nördlichen Renaissance am deutlichsten zum Vorschein.

Die gesamte Entwicklung des Stils der nördlichen Renaissance ist nicht durch die Entwicklung eines bestimmten architektonischen Systems gekennzeichnet, sondern durch die Art und Methode der Übernahme und Anwendung neuer Elemente, insbesondere dekorativer Mittel. Nordische Meister dachten zunächst nur daran, abgedroschene Formen zu ersetzen Dekoration für ihre noch völlig gotischen Raumkompositionen. Aus der italienischen Renaissance übernahmen sie zunächst nur das, was ihnen am meisten ins Auge fiel – „antike“ dekorative Elemente Säulen, Pilaster, Konsolen, gezackte Schnitzereien, Blattwerk, Polster mit Eiermotiv, Bänder mit Perlenmotiv und Ornamente. Alle diese Innovationen wurden naiv – aufgrund unzureichenden Verständnisses der organischen Natur der Renaissanceformen – zur Fertigstellung des mittelalterlichen Gebäudeskeletts und seiner Einzelteile eingesetzt. Pilaster und Gesimse wurden auf Fassaden mit ganz anderen Proportionen übertragen, nämlich auf Fassaden mit deutlich geringerer Geschosshöhe und besonders oft auf Stufengiebel; Dadurch wurden die Pilaster deutlich verkürzt und die übrigen Elemente verändert; der Giebel blieb nicht nur über den Schmalseiten der Häuser 1 erhalten; An den Längsseiten des Gebäudes ragten oberhalb der Dachkante aufgesetzte Giebel kleinerer Größe hervor, oft mit reicher Verzierung. Anstelle der Fläschchen, die die Giebel vervollständigten, befanden sich kugel- und pyramidenförmige Anhängsel (Obelisken). Die schrägen Kanten der Giebel erhielten eine lebhafte Wellenlinie (natürlich ein Erbe des spätgotischen Esels aus Vimpergas); Bei einer Stufenform wurden die hervorstehenden Ecken mit fantastischen, geschwungenen Rahmungen und Ornamenten ausgefüllt. Neben den Giebeln sind Erkerfenster (Laternen) die wichtigsten architektonischen Momente, die oft aus dem Boden selbst neben dem Eingang oder über dem Eingang des Hauses, in der Mitte der Wand oder in den Ecken ragen und manchmal herausragen die Wandebene nur in den Obergeschossen; Schließlich sind die charakteristischen architektonischen Elemente Treppentürme und in Rathäusern Außentreppen und Balkone. All dies wurde in neue Formen gekleidet und insbesondere die Laternen wurden mit lebenden Ornamenten und Skulpturen veredelt.

1. Der Giebel ist für ein nördliches Wohngebäude ebenso charakteristisch wie ein Turm für eine nördliche Kirche.

In der Zeit der Hochrenaissance waren die Türme mehrstöckige Gebäude mit Pilastern, einem Kuppelzelt und einer Laterne. Auch die Portale waren reich verziert. In der Epoche der entwickelten Renaissance wurde die Portalöffnung in der Regel durch eine halbrunde Archivolte verschlossen. Das Design war eher dekorativ als architektonisch. Windows wurde einfacher gestaltet als Portale. Sie schlossen jedoch horizontal, manchmal mit Archivolten mittelalterlicher Form. Fensterarchitrave behielten lange Zeit das gotische Profil bei, insbesondere die tiefen Rillen in der Wand, die sich bis etwa ein Drittel der Fensterhöhe erstreckten, und die Wände der Erkerfenster unter den Fenstern sind spätgotischen Ursprungs. Letzteres bleibt oft in Kirchenfenstern erhalten, obwohl sich die Art der Linien und Details im Geiste der Renaissance ändert (Abb. 72). Im Allgemeinen beschränkt sich die architektonische und dekorative Gestaltung auf akzentuierte Gebäudeteile, die dadurch eine nahezu eigenständige Bedeutung im Gesamtkörper erlangen.

Architektonische Details werden sehr frei interpretiert. Die Verwendung von Säulen kam bei nordischen Meistern erst um die Mitte des 16. Jahrhunderts zusammen mit dem Fortschritt der Renaissance in Mode. Allerdings handelte es sich nicht um eine reine klassische Säule, sondern um eine Säule mit allerlei Zieransätzen. Sogar sein Kofferraum war verziert. Das untere Drittel des Stammes war mit einem Ornament bedeckt. Der übrige Stamm war, ähnlich wie in der romanischen Kunst, mit Flöten, Arabesken oder Spiral- und Rautenmustern verziert. Entasis fehlt normalerweise. Gegen, große Liebe verwendet – insbesondere in Erkern – eine gewölbte, sich dann wieder verjüngende Balustrade oder Kandelabersäule (Abb. 62), die bereits in der oberitalienischen Frührenaissance auftauchte. Die Kapitelle gehen in der Regel auf die korinthischen Kapitelle der italienischen Renaissance zurück, stellen jedoch oft eine sehr pathetische Verarbeitung davon dar. Architekten beschränken sich auf einen eher groben Akanthuskranz, aus dem grobe Voluten wachsen. Pilaster sind säulenartig gestaltet, verjüngen sich oft hermenartig oder gehen in echte Hermen über. Letztere werden auch als freie Träger verwendet. Die Aufteilung der Gesimse ist meist nachlässig, ungeschickt und oft völlig willkürlich. Oftmals ist der Architrav genauso profiliert wie das Hauptgesims. Bestimmte Proportionen in Bezug auf Breite und Relief einzelner Bruchelemente werden nicht eingehalten. Wo es sorgfältige Abstufungen gibt, die einen festen Kanon offenbaren, muss man fast immer von der Beteiligung italienischer Meister oder dem direkten Einfluss italienischer Vorbilder ausgehen. Generell liegen die nördlichen Bauten der Renaissance in puncto Organizität, Solidität und Isolation weit hinter den italienischen Vorbildern zurück. Größere Meister, die Italienisch konnten architektonische Werke Aus eigener Erfahrung spürten sie den unbedeutenden Wert von Wohngebäuden und versuchten, zumindest in Süddeutschland, mit einem Ersatz – dem Anstrich der Fassade – nachzuhelfen; Sie versahen die Flächen der Wände mit geschriebener Architektur, die durch Figuren oder malerische Ornamente belebt wurde.

In Innenausstattung Dem Ganzen wird weniger Aufmerksamkeit geschenkt als seinen einzelnen Teilen. Gleichzeitig tritt der Wunsch, vor allem die eindrucksvolle Wirkung des Raumes zu bewahren, in den Hintergrund. Die großen Palastsäle sind größtenteils sehr lang und niedrig und daher unverhältnismäßig. Doch dank der guten Beleuchtung durch die angeschlossenen Fenster, dank der Qualität des Materials, der Farben und der charmanten Detaillierung der Details – Türen, Kamine, Öfen, Erkerfenster usw. – herrschen sie angenehme Stimmung. Schließlich brachte die strenge Zunftorganisation der nördlichen Architekten ein enormes technisches, dekoratives und allgemein anwendbares Können hervor. Die Mauern von Burgen und wohlhabenderen Bürgerhäusern waren mit hohen Holzpaneelen verkleidet; Die Wände der Flure wurden weiß belassen, die Türen waren in diesem Fall jedoch mit außergewöhnlich ausdrucksstarken Architraven eingerahmt (Abb. 55). Das Holz behält seine natürliche Farbe oder ist leicht fleckig. Türzargen und -füllungen wurden bei reicher Gestaltung (Abb. 56) zu einer vollständigen architektonischen Struktur mit Sockel, Pilastern oder Säulen, mit Gebälk und Giebelüberbau entwickelt. Oftmals wurde sogar Rustikales reproduziert (Abb. 55). Gleichzeitig werden Paneele und Balken hier natürlich stärker betont als in der Architektur der Fassade. Seit dem Ende des 16. Jahrhunderts sind Stuckverzierungen in Palästen keine Seltenheit; In bürgerlichen Häusern wurden Stuckverzierungen jedoch erst im 17. Jahrhundert verwendet, und selbst dann in relativ einfacher Ausführung. Flachdecken werden wie im Mittelalter aus vorspringenden Profilbalken oder Balken mit Schnittkanten hergestellt. Zwischenfelder sind voller Dekorationen. Bei einer reichen Gestaltung werden sie verlegt – aus Italien übernommene Holzdecken, unterteilt in quadratische, vieleckige, sternförmige, rechteckige Felder mit Filets, die durch Brücken usw. miteinander verbunden sind (Abb. 57). Tafeln und Friese sind mit Ornamenten gefüllt. Bei den Gewölben werden zunächst Netz- und Kreuzrippengewölbe verwendet, später überwiegen Kreuzgewölbe ohne Rippen. In der weltlichen Architektur wurden Bögen im Allgemeinen nur in Wirtschaftsräumen (über Eingängen, Fluren, Galerien usw.) verwendet. In diesem Fall wurden die Bögen meist einfach ausgeführt. In Gebäuden, die näher an der italienischen Renaissance stehen, werden außerdem Tonnengewölbe und Kuppeln verwendet. Sie werden dekorativ durch Fortsetzungen von Pilastern am Rand von Kuppeln oder durch Fortsetzungen anderer transparenter Linien der Wand und manchmal durch völlig unabhängige Zierformen zergliedert.

Reis. 55. Türschmuck im Schloss Eferding.

Reis. 57. Holzdecke des Rathauses, Gerlitz.

Im Kircheninneren wird reichlich Stuck verwendet.

Bei den begonnenen gotischen Kirchenbauten blieb die Dekoration relativ schlicht. Manchmal wurden die Wände mit äußerlich wahrgenommenen Formen verziert, wie sie sich in der modernen Profanarchitektur entwickelt haben. Pilaster und Halbsäulen aus der Renaissance, die oft auf Konsolen in Fensterhöhe sitzen, halten das Hauptgesims, über dem sich ein Netz- oder Kreuzgewölbe erhebt.

Die Rippen sind verstärkt und mit Rollen mit Renaissancemotiven verziert – Eier, Blätter, Pfeifen. In Kirchen, die näher an den italienischen Vorbildern liegen, ist das Pilastersystem vollständig entwickelt. In diesem Fall ist die gesamte dekorative Seite stark von der italienischen Kunst beeinflusst. Die Hauptdekorationen des Kircheninneren sind Altäre, Treppen, Kanzeln, Emporien für die Orgel, Chorbänke, Gräber und Epitaphien. Alle von ihnen sind in ein System bedeutender Renaissance-Formen gekleidet künstlerischer Wert und manchmal sogar einzigartige Schönheit. Die Gitter, die in vielen Kirchen das Chorgestühl umgeben, zeigen den besonderen Stil der nordischen Schmiedekunst. Es zeichnet sich durch spiralförmig gedrehte, zahlreiche, an bestimmten Stellen durchsetzte runde Grate aus, die durch Rhythmus, abgeflachte Verzierungen, Masken und fantastische Tiere hervorgerufen werden. Die Gitter enden mit den gleichen abgeflachten Blättern und stilisierten Blüten (Abb. 58).

Reis. 58. Gitter der Peterskirche, Gerlitz.

Das Ornament stammt aus dem Italienischen, insbesondere aus der lombardischen Renaissance, die entweder direkt aus Italien oder über Burgund und Frankreich vordrang. Die ursprüngliche Entwicklung des Ornaments beginnt jedoch bald. Sowohl einzelne Ornamentarten als auch einzelne lokale Stile entwickeln sich unabhängig voneinander. Die früheste Form der italienischen Ornamentik im Norden ist die Arabeske. Die niederländische und insbesondere die flämische Frührenaissance stehen der italienischen Interpretation so nahe, dass man manche Werke so meinen könnte, als seien sie in Italien entstanden. Daneben gibt es noch eine andere, etwas gröbere Interpretation: breite, abgeflachte Blätter und Ranken umgeben in der Mitte befindliche Medaillons mit stark hervortretenden Reliefköpfen. Ein solches Ornament findet sich außerdem am Niederrhein und in Westfalen; am Rhein und in Westfalen fällt es jedoch etwas dünner und eleganter aus. In Süddeutschland verwandelt sich der Akanthus manchmal in schwere, fleischige Blattbündel, die Fühler sind grob geformt und beschränken sich in den meisten Fällen nur auf Muster von Delphinen und Füllhörnern, die aus Vasen wachsen (Basel und Augsburg); manchmal ist der Akanthusbaum sorgfältig modelliert und bildet kleine, anmutige Muster, und das Akanthusblatt geht in kleine Voluten über (Nürnberg).

Die Entwicklung der Arabeske in Norddeutschland hängt teils von den Niederlanden und Westfalen, teils von Süddeutschland ab. Neben dem Akanthus ist in der nördlichen Renaissance vor allem das Kleeblatt auf einem langen Stiel verbreitet, das in seiner Gestaltung seine Herkunft vom Akanthus verrät. In den Projekten des großen westfälischen Ziermeisters Aldegrever (1502 – ca. 1555) bildet das Kleeblatt die Grundlage. In den Intarsien verwandelt sich das Ornament vollständig in rein flächige Formen und wird so zu einem Marineornament, das bereits in der italienischen Renaissance breite Anwendung fand (Abb. 59). In der Nähe der Seelandschaft befindet sich das um die Mitte des 16. Jahrhunderts entstandene „angewandte Ornament“, das besonders deutlich die nördliche Renaissance charakterisiert. 1. Es besteht aus linearen, bandförmigen, sehr leicht hervorstehenden Plexus, die durch Klammern miteinander verbunden sind und durch die Nachahmung von Nagel- und Schraubenköpfen wie genagelt wirken: So werden geschnitzte Metallplatten befestigt. Wenn die Enden der Bänder aus der Oberfläche herausragen und sich verdrehen, entsteht ein Rollenornament. Am deutlichsten kommt es in dekorativen Schilden, den sogenannten Kartuschen, zum Ausdruck; Letztere erwecken den Eindruck mehrerer übereinandergelegter Platten, die wie ein übereinandergelegtes Ornament ausgeschnitten und miteinander verwoben sind. Die Motive hier, wie auch im aufgebrachten Ornament, sind: stereometrische Formen – Rautenquadrate, Pyramiden, Kegel – Sterne, Gesichter, Masken, Löwenköpfe, Obststräuße usw. Die Auflege- und Volutenornamente ersetzen fast vollständig das Blattornament der Frührenaissance. In der angewandten Kunst aus Holz und Metall dominieren sie bis ins 17. Jahrhundert sowie im architektonischen Schmuck. Ab Beginn des 17. Jahrhunderts gehen sie in den hässlichen „Knorpelstil“ 1* über, der wiederum der Vorläufer des Barock und ein direkter Übergang zu diesem ist. Darüber hinaus verwendet die Malerei an Decken und Gewölben – seltener an Wänden – das aus Italien exportierte Groteske.
Die Groteske reichte jedoch nicht über den deutschen Süden (Österreich und Süddeutschland) hinaus und wurde auch hier in der Regel unter der Anleitung von Meistern aufgeführt, die ihre Ausbildung in Italien erhalten hatten.

1. Als Schöpfer des angewandten Ornaments ist der Nürnberger Bildhauer Peter Fletner anzusehen; die ersten Exemplare in Lübeck (Intarsien) erschienen um 1540. Fletner starb 1546.
1* Der Knorpelstil wird auch mit dem Wort „Ohrstil“ bezeichnet, da er die wurmartig abgerundeten Formen des menschlichen Ohrs auf die Fassungen und Verzierungen überträgt.

Reis. 60. Rathaus in Heilbronn.

Von den Gebäudetypen nimmt das Schloss den ersten Platz ein. Im 16. Jahrhundert vollzog sich der Übergang von einer Festung zu einer Burg; aber erst in der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts verliert die Burg ihre Anklänge an die Verteidigungsanlage. Zunächst handelt es sich bei den Burgen um um- und ausgebaute antike Festungen. Als Vorbild für die Neubauten diente das französische Schloss. Große Ensembles befanden sich fast immer um zwei Höfe: den äußeren (Basse Cour) und den inneren (Cour d'honneur), um die sich die Flügel des Schlosses auf drei oder vier Seiten gruppierten. Bei den Neubauten dominierte die richtige Anordnung, auch wenn sie nicht immer eine strenge Symmetrie einhielten. Die Ecken wurden durch Türme oder mächtige Risalite betont. Bequemlichkeit spielte bei der Umsetzung des Plans eine größere Rolle als zuvor. In mittelalterlichen Burgen und Festungen gab es viele Durchgangsräume. Jetzt sind Korridore angeordnet. Lediglich in den Fürstenschlössern wurde bewusst die bisherige Lage beibehalten, so dass der Zugang zu den Gemächern des Fürsten über die von der Bediensteten bewohnten Räume erfolgte. In den großen Schlössern des deutschen Südens gibt es einen rechteckigen Arkadenhof, dessen Arkadengalerien wie Gänge getrennte Räume verbinden. Weiter nördlich haben die Burgen jedoch wenig Ähnlichkeit mit italienischen Palästen. Gerade in der Architektur des Schlosses fehlte dem deutschen Meister der für den Italiener charakteristische Sinn für große Formen und Monumentalität. Es reicht aus, einzelne Teile des alten Schlosses in Stuttgart mit Teilen italienischer Paläste zu vergleichen, um zu verstehen, wie weit die künstlerische Wahrnehmung nördlicher Meister von ihren italienischen Zeitgenossen und Weggefährten entfernt war und wie unzusammenhängend alte und neue Motive im ersten vermischt und verglichen wurden. Zwar kann man deutschen Werken bei aller Primitivität einen gewissen malerischen Charme nicht absprechen. Die Italiener versuchten, sogar eine einfache Behausung in einen Palast zu verwandeln, und im Norden ähnelte sogar der Fürstenpalast sowohl von der Lage als auch von der Ausstattung her einem Bürgerhaus. Die untere Etage diente größtenteils als Büro- oder Wirtschaftsraum, die zweite Etage für das höfische Leben und die dritte Etage für Bedienstete. Die wichtigsten Räume waren die Audienzräume – ein Saal mit Empfangsraum, ein Vorsaal und eine Kapelle des Schlosses. Die Anzahl und Größe der Wohnräume war bescheiden. Neben diesen letzten und oben genannten Festsälen unterscheiden sich nur die Plätze vor dem Schloss, Treppen und Eingänge in der kunstvollen Renaissancedekoration. Die Kapellen der Burgen behielten ihren gotischen Charakter meist bis zum Beginn des 17. Jahrhunderts.

In Süddeutschland verfügte ein reiches städtisches Bürgerhaus immer über einen Innenhof mit Galerien, der bereits in der Gotik genutzt wurde. Im Untergeschoss sind Hauswirtschaftsräume und Lagerhallen untergebracht. Die Wohnräume befinden sich im Obergeschoss und sind über eine großzügige, geschmackvoll eingerichtete Eingangshalle zugänglich. In den Niederlanden, Norddeutschland und Dänemark Eingangstür führt zu einem hohen Vorraum, der zwei Etagen einnimmt, dem sogenannten „Dile“, und bei schmalen Gebäuden zum Vordach, das die gesamte Breite des Hauses einnimmt. Direkt vom Vestibül bzw. vom Vestibül aus führt eine Treppe in das Obergeschoss. Besonders sorgfältig gestaltet ist es in Form einer Wendeltreppe oder in Form einer Treppe mit geraden Läufen. Schon früh gibt es malerische Lösungen für das Problem. Dank der Treppen und Galerien, die in das Obergeschoss führen, macht das Vestibül, das schon durch seine Höhe beeindruckt, einen wohltuenden Eindruck. Besonders reich an Rathäusern ist das 16. Jahrhundert. Hier zeigt sich der Wunsch der Städte, den Sitz der städtischen Regierung hervorzuheben. Im Untergeschoss befinden sich wie in der Gotik große Säle und gewölbte Handelsräume. Im Obergeschoss, wohin eine große offene Treppe führt (Abb. 60), gibt es einen großen Stadtversammlungssaal, Sitzungsräume für große und kleine Räte, Büros und Räume für Anwälte. Häufig wird – nach Vorbild des Mittelalters – ein Turm an das Gebäude angebaut. Die Dekoration, insbesondere des großen Rathauses, ist brillant. Unter anderen öffentlichen Gebäuden nehmen Universitäten den ersten Platz ein. In der Gestaltung des Grundrisses der Universitätsgebäude wird deren ursprünglicher Zusammenhang mit mittelalterlichen Klöstern deutlich.

Gebäude für Handel und Handelsbeziehungen, Börsen, Getreidespeicher, Werkstatthäuser usw. haben ihr inneres Erscheinungsbild größtenteils so stark verändert, dass man ihren ursprünglichen Charakter kaum noch erahnen kann.

Die nördliche Kirchenarchitektur zeigte während der Renaissance keine ursprünglichen Fortschritte. Der damals tobende religiöse Streit schuf die ungünstigsten Bedingungen für die normale Entwicklung der Kirchenarchitektur. Bis zum letzten Viertel des 16. Jahrhunderts war der gotische Charakter der Kirchen universell, und auch später – im 17. Jahrhundert – bis zum Ende des 30-jährigen Krieges herrschte bis zum Ende rein äußere Gotik in Kombination mit Renaissance-Elementen vor des 30-jährigen Krieges. Die Hauptform war weiterhin die durch Pfeiler gegliederte Hallenkirche mit einer Passage um den Chor oder einem einfachen Chor. Ab etwa 1580 entfaltete sich die große Bautätigkeit der Jesuiten. Die Jesuiten übertrugen jedoch nicht, wie man meinen könnte, den Grundriss der Gesu-Kirche in Rom auf die nördlichen Kirchen. In den Niederlanden und am Rhein bauten sie Schiffskirchen mittelalterlichen Grundrisses. Diese Kirchen offenbaren immer eine gewisse Erhabenheit der architektonischen Idee. Den meisten übrigen nördlichen Kirchen fehlt es an Komposition und Dekoration monumentaler und integraler Merkmale, die den ausdrucksstarken Raumeindruck bestimmen.

Der in der Renaissance erstarkte Protestantismus betrat die Bühne mit neuen architektonischen Ambitionen.

Im katholischen Gottesdienst ist der Hauptmoment des kirchlichen Ritus die Messe, im protestantischen Gottesdienst die Predigt. Daher musste zunächst auf die günstige Lage der Kanzel geachtet werden; es war notwendig, sie so anzuordnen, dass alle Mitglieder der Gemeinde von allen Orten im Kirchenraum aus den Prediger gut hören und sehen konnten. Daher war es notwendig, über die zentrale Position der Kanzel innerhalb der Kirche nachzudenken. Darüber hinaus ist für die Messkommunion ein begrenzter und äußerst einfacher Gottesdienst am Thron erhalten geblieben. Daher gibt es im protestantischen Gottesdienst zwei Hauptpunkte, auf die der Blick der Gläubigen gerichtet sein sollte – die Kanzel und den Thron. Es stellte sich die Aufgabe, Kanzel und Thron so anzuordnen, dass sie von überall gut und möglichst gleichzeitig sichtbar waren. Dies sollte das Ganze bestimmen architektonische Komposition Kirchen. Die Renaissance hat für dieses Problem keine völlig zufriedenstellende Lösung gefunden. Vielleicht wurde es bis heute nicht gefunden, obwohl einige der späteren Kirchenbauten dem Ideal sehr viel näher kommen. Mehr als einmal versuchten sie, die protestantische Kirche auf dem Schema des Zentralbaus aufzubauen, kamen aber nicht zu einem eindeutigen Normaltyp. Oft blieb der Gebäudekörper alt, und der neue Charakter des Innenraums wird nur durch die Position des Throns bestimmt, bei dem es sich um einen einfachen Steintisch handelt, sowie durch Reihen von Bänken, die dauerhafte Sitzplätze bilden, und die Einfügung eines empor mit den gleichen Bänken. Eine häufigere Form einer protestantischen Kirche bildet in der Spätrenaissance eine stützenlose Hallenkirche mit einer kleinen Nische für den Thron, in deren Ecken sich – auf beiden Seiten des Throns – eine Kanzel befindet und ein Taufbecken; Auf der gegenüberliegenden Seite befinden sich Empora für die Orgel. So hatte der Grundriss die Form eines Rechtecks, und der Thron befand sich auf der kurzen Seite, deren Ecken in diesem Fall oft abgeschrägt waren, oder in der Mitte der langen Seite. Ein Beispiel für eine solche Komposition war die Kapelle des Alten Schlosses in Stuttgart (nach 1553). Es besteht aus einem rechteckigen Saal mit einer polygonalen Nischenlaterne an der äußeren Längsseite. In einer Nische steht ein Thron und daneben an der Ecke der Wand eine Kanzel. Emporen befinden sich auf der gegenüberliegenden Seite und auf beiden kurzen Seiten. Damit wurde die Forderung nach einer guten Sichtbarkeit von Thron und Kanzel von überall her erfolgreich erfüllt.

Der Einfachheit des Gottesdienstes stand eine große Zurückhaltung bei der Dekoration gegenüber. Daher blieb die künstlerische Wirkung solcher „Predigtaudienzen“ weit hinter dem künstlerischen Leben der katholischen Kirche zurück; Zwar entstanden bereits in der Renaissance einige nennenswerte protestantische Kirchenbauten, zu monumentalen, großen Formen gelangte der Protestantismus jedoch nur in einigen Werken der Folgezeit.

Die Entwicklung der nördlichen Renaissance zeigt uns, dass auch hier, ebenso wie in Spanien und Frankreich, gotische und antike Dekorationselemente zunächst ohne Zwischenverbindungen nebeneinander und dann Schritt für Schritt als Ergebnis gegenseitiger Verknüpfung auftauchen Zugeständnisse werden stärker vereint, durchdringen sich gegenseitig und verschmelzen zu einem Ganzen. Diese Mischung einheimischer Kunststile mit neuen Formelementen ist bezeichnend für den Charakter der Frührenaissance. Im Kontext der Geschichte der Stilentwicklung entspricht diese Epoche dem oberitalienischen Quattrocento. Ihre Bauten sind voller malerischem Charme und oft geradezu übertriebenem, dekorativem Reichtum. Im Laufe des 16. Jahrhunderts werden die Formen klarer. In der Mitte dieses Jahrhunderts nahm 1. eine eigentümliche, nördliche Renaissance Gestalt an – eine Hochrenaissance. Am Ende des Jahrhunderts beginnt die Metamorphose des Stils erneut. In der Hofarchitektur und in der vom Hof ​​beeinflussten Architektur werden italienische Ideen in ihrer strengeren „theoretischen“ Interpretation gestärkt und dann besiegt. Die Spätrenaissance beginnt. In den architektonischen Formen jedoch der Volkskunst, insbesondere der Kunst abgelegener Gebiete, des Mittelalters Motive bleiben bis ins erste Viertel des 17. Jahrhunderts bestehen und verschwinden erst hier unter dem Einfluss der allmählich eindringenden groben Elemente des beginnenden Barock.

1. Debross- der Oberherr der Hugenotten - wählte für seine berühmte Kapelle in Charenton die Form einer antiken Basilika, mit der Änderung, dass die Empora, die zwei Stockwerke einnehmen, um den gesamten erhöhten Mittelraum herum angeordnet sind.

PRÜFUNG

in der Disziplin „Geschichte der Architektur und Baugeräte“

VOLLSTÄNDIGER NAME. Student: Schtscherbinin Sergej Andrejewitsch

Rekordbuchnummer

Richtung

Lehrer: Danielyan Artur Surenovich

Krasnodar 2013

1. Einleitung 3

2. Architektur der „Renaissance“ 4

3Renaissance-Architektur in Deutschland 5-20

4. Literatur 21

Einführung.

Architektur ist die Kunst, Gebäude und Bauwerke sowie deren Komplexe zu konstruieren und dabei eine materiell organisierte Umgebung zu schaffen, die der Mensch für sein Leben und seine Aktivitäten im Einklang mit dem Zweck, den modernen technischen Möglichkeiten und der ethischen Einstellung der Gesellschaft benötigt.

Auf jeder Stufe der Entwicklung menschlicher Erfahrung hat sich Architektur in Abhängigkeit von materiellen, sozialen und klimatischen Bedingungen sowie in direktem Zusammenhang mit diesen entwickelt nationale Besonderheiten Leben und künstlerische Traditionen, die von allen Menschen hoch geschätzt werden.

Seit der Antike werden funktionale, technische und architektonisch-künstlerische Anforderungen an die Architektur gestellt, so sagte der antike römische Theoretiker Vetruvius vor mehr als zweitausend Jahren architektonische Strukturen muss 3 Eigenschaften haben:

1 - Nutzen;

2 - Stärke;

3 - Schönheit.

In der Architektur sollte jedoch in jedem Fall die maßgebende Anforderung ein vollständiger, d sowie architektonische und künstlerische Begriffe.

Die künstlerischen Vorzüge von Gebäuden bestehen nicht nur in ihrer Dekoration, Formgebung, Verzierung, Skulptur und dergleichen, sondern vor allem in der Ausdruckskraft der gesamten Komposition, d Umfeld.

In meinem Test möchte ich über die Renaissance in den Niederlanden sprechen. Zeigen Sie die architektonischen Bauten des ausgewählten Zeitraums und sprechen Sie kurz darüber. Nennen Sie prominente Architekten.

Renaissance-Architektur:

Renaissance-Architektur – die Periode der Entwicklung der Architektur in europäischen Ländern vom Anfang des 15. bis Anfang des 17. Jahrhunderts, im allgemeinen Verlauf der Renaissance und der Entwicklung der Grundlagen des Geistes und materielle Kultur Antikes Griechenland und Rom. Diese Periode stellt einen Wendepunkt in der Geschichte der Architektur dar, insbesondere in Bezug auf den vorangegangenen Baustil, die Gotik. Im Gegensatz zur Architektur der Renaissance suchte die Gotik nach Inspiration in ihrer eigenen Interpretation der klassischen Kunst.

Den Formen kommt dabei eine besondere Bedeutung zu Antike Architektur: Symmetrie, Proportionen, Geometrie und die Reihenfolge der Bestandteile, wie die erhaltenen Beispiele römischer Architektur deutlich belegen. Die komplexen Proportionen mittelalterlicher Gebäude werden durch eine geordnete Anordnung von Säulen, Pilastern und Stürzen ersetzt, asymmetrische Umrisse werden durch einen Halbkreis eines Bogens, eine Halbkugel einer Kuppel, Nischen und Ädikulen ersetzt. Die Architektur wird wieder geordnet.

Die Entwicklung der Renaissance-Architektur führte zu Innovationen bei der Verwendung von Bautechniken und Materialien sowie zur Entwicklung des architektonischen Vokabulars. Es ist wichtig anzumerken, dass die Erneuerungsbewegung durch eine Abkehr von der Anonymität der Handwerker und die Entstehung eines persönlichen Stils bei Architekten gekennzeichnet ist. Es sind nur wenige Meister bekannt, die Werke im romanischen Stil errichtet haben, sowie Architekten, die prächtige gotische Kathedralen errichteten. Während Renaissance-Werke, selbst kleine Gebäude oder nur Projekte, seit ihrer Entstehung sorgfältig dokumentiert wurden.

Der erste Vertreter dieser Richtung kann Filippo Brunelleschi genannt werden, der in Florenz arbeitete, einer Stadt, die neben Venedig als Denkmal der Renaissance gilt. Dann breitete es sich auf andere italienische Städte, nach Frankreich, Deutschland, England, Russland und andere Länder aus.

Renaissance-Architektur in Deutschland.

Die Widersprüche der gesellschaftlichen Entwicklung Deutschlands spiegelten sich in der deutschen Architektur des 15. Jahrhunderts wider. Wie in den Niederlanden gab es nicht die entscheidende Wende hin zu einem neuen figurativen Inhalt und einer neuen Sprache architektonischer Formen, die die Architektur Italiens charakterisiert. Obwohl die Gotik als vorherrschender Baustil bereits zu Ende ging, waren ihre Traditionen immer noch sehr stark; die überwiegende Mehrheit der Gebäude des 15. Jahrhunderts. trägt auf die eine oder andere Weise den Abdruck seiner Wirkung. Die Sprösslinge des Neuen mussten sich in einem schwierigen Kampf ihren Weg durch die Dicke konservativer Schichtungen bahnen.

Der Anteil der Denkmäler religiöser Architektur in Deutschland im 15. Jahrhundert. war größer als in den Niederlanden. Der in früheren Jahrhunderten begonnene Bau der grandiosen gotischen Kathedralen (z. B. des Ulmer Münsters) wurde fortgesetzt und abgeschlossen. Die neuen Tempelbauten waren jedoch nicht mehr von dieser Größenordnung. Dabei handelte es sich um einfachere Kirchen, meist vom Hallentyp; Kirchenschiffe gleicher Höhe ohne Querschiff (was typisch für diese Zeit ist) trugen zur Verschmelzung ihres Innenraums zu einem einzigen sichtbaren Ganzen bei. Besonderes Augenmerk wurde auf die dekorative Lösung der Gewölbe gelegt: Gewölbe aus Netzgewebe und andere komplexe Designs überwogen. Beispiele für solche Bauwerke sind die Frauenkirche in Ingolstadt (1425 – 1536) und die Kirche in Annaberg (1499 – 1520). Auch die Erweiterungen der alten Kirchen zeichnen sich durch einen einzigen Saalraum aus – den Chor der Kirche St. Laurentius in Nürnberg und der Chor der Frauenkirche Esslingen. Die architektonischen Formen selbst erlangten im Geiste der „flammenden“ Gotik große Komplexität und Skurrilität. Der Kreuzgang des Doms in Eichstätt (zweite Hälfte des 15. Jahrhunderts) kann als Beispiel für den dekorativen Formenreichtum gelten, der bereits weit vom früheren strengen Spiritualismus entfernt war.

Deutschland zu Anfang des XVI V. war in viele Zwergstaaten zersplittert. Es war eine Zeit des Interessenkonflikts verschiedener Klassen und religiöser Stürme. Die Blüte der Kultur in Deutschland verlief nicht so organisch wie in Italien. Es gab kein eigenes antikes Erbe, die Antike wurde bereits in der Bearbeitung durch die Italiener bekannt. Im Gegensatz zur säkularen Kunst Italiens nimmt in Deutschland die Religiosität nicht ab, humanistische Theologen befürworten die Erneuerung der katholischen Kirche.

Der Vier-Jahreszeiten-Zyklus umfasste sechs Gemälde, die jeweils zwei Monaten gewidmet waren. „Ernte“, „Heuernte“, „Gloomy Day“, „Jäger im Schnee“ und „Rückkehr der Herde“ sind erhalten geblieben
Deutschland war als Zentrum Europas äußeren Einflüssen ausgesetzt. Die deutsche Kunst entwickelte sich im allgemeinen Mainstream der europäischen Renaissance und entwickelte in vielerlei Hinsicht ihren eigenen Weg. In der Kunst Deutschlands XV-XVI Jahrhunderte. Gothic-Reminiszenzen tauchten auf. Lokale Kunsttraditionen waren wichtig für die Entwicklung der deutschen Kunst. Mystische Schriftsteller des XIII.-XIV. Jahrhunderts. lieferte den Künstlern der nächsten zwei Jahrhunderte reichhaltiges Material.
Die Kunst der deutschen Renaissance nahm in einer der dramatischsten Perioden der deutschen Geschichte Gestalt an. Byzanz fiel 1453. Ketzerische Lehren verbreiteten sich. Viele erwarteten das Ende der Welt im Jahr 1500.

Albrecht Dürer (1471-1528). Die Renaissance in Deutschland wird als Dürer-Ära bezeichnet. Dürer ist der erste deutsche Künstler, dessen Popularität bereits zu seinen Lebzeiten europaweite Popularität erlangte.
Albrecht Dürer war, wie viele Schöpfer der Renaissance, eine universelle Persönlichkeit. Sein Talent wurde gleichermaßen in der Gravur, Malerei und Kunsttheorie entwickelt. Sein schöpferisches Credo kommt in der Abhandlung „Vier Bücher über Proportionen“ zum Ausdruck, in der er in Bezug auf den Künstler schrieb: „Weiche nicht von der Natur ab in der Hoffnung, dass du selbst das Beste finden könntest, denn du wirst getäuscht werden, denn Wahrlich, die Kunst liegt in der Natur: Wer sie zu entdecken weiß, dem gehört sie.

Dürer wurde 1471 in Nürnberg in der Familie eines Juweliers geboren. Er war das dritte Kind einer großen Familie. Albrecht erhielt seine ersten zeichnerischen Fähigkeiten in der Werkstatt seines Vaters und studierte anschließend drei Jahre lang bei Michael Wolgemuth in der größten Werkstatt der Stadt. Am 1. Dezember 1489 schloss Dürer sein Studium ab und machte sich gemäß den Geschäftsregeln auf den Weg, um die Städte Deutschlands zu bereisen. Die Wanderungen dauerten 4 Jahre. 1493 fertigte Dürer sein erstes Selbstporträt an, in dem er als verträumter junger Mann mit einer Blume in der Hand erschien. Im Frühjahr 1494 berief sein Vater Dürer nach Nürnberg, wo er die Tochter des einflussreichen Nürnberger Bürgers, Mechanikers und Musikers Hans Frey, die 15-jährige Agnes, heiratete.
Kurz nach der Hochzeit reiste der Künstler nach Italien. Während seines Aufenthalts in Italien legte Dürer großen Wert auf die Darstellung des nackten Körpers. Von Venedig nach Nürnberg zurückgekehrt, stellte Dürer in zahlreichen Aquarellen die Alpenberge und die auf seinem Weg liegenden Städte dar („Ansicht von Innsbruck“ 1495, „Ansicht von Trient“).

Holzschnitt (aus dem Griechischen. Xylon – Baum und grapho – ich schreibe) – Holzschnitt, wenn die Druckplatte im Buchdruck gedruckt wird – von einer ebenen Fläche eines mit Farbe bedeckten Holzbretts.
1495-1500 - Start selbständige Tätigkeit, als der aus Italien zurückgekehrte Künstler gleichzeitig begann, sich in der Malerei, im Holzschnitt und im Kupferstich zu versuchen. Dürer schuf Stiche zu mythologischen, alltäglichen und literarischen Themen. Er bearbeitet Altarbilder und verleiht ihnen realistische Authentizität. Dürers Porträts markierten den Beginn der Blüte dieser Gattung in der deutschen Malerei. Ende der 90er Jahre. Sein Name erlangte nicht nur in Deutschland, sondern auch in Europa Berühmtheit, vor allem durch die Beliebtheit von Kupferstichen. Die Hauptsache für Dürer waren damals Holzschnitte. Er wandte sich dem weit verbreiteten Einblatt-Holzschnitt zu und schuf schließlich eine Reihe von Drucken, die in Form gebundener Bücher mit begleitendem Text auf der Rückseite der Blätter verbunden waren. In der zweiten Hälfte der 90er Jahre. Dürer geht zu neue Technologie: Er führt Formschraffuren mit geschwungenen Linien und Kreuzstrichen ein, die tiefe Schatten erzeugen. Zu den besten Holzschnitten dieser Zeit zählen „St. Katharina“ 1498, eine Kupferstichserie „Apokalypse“. Die in der Apokalypse enthaltenen Beschreibungen der Katastrophen und des Todes der Menschheit machten damals großen Eindruck. Dürers Illustrationen spiegeln reformistische Gefühle wider. Babylon ist das päpstliche Rom und die Figuren sind in zeitgenössische deutsche und venezianische Kostüme gekleidet. Die Serie besteht aus 15 Kupferstichen, denen Dürer später ein Titelblatt hinzufügte. Frühere Blätter – „Die Öffnung des Siebten Siegels“, „Anbetung des Vaters“ zeichnen sich durch eine Fülle von Figuren aus, in den späteren – „Sieben Lampen“ – sind die Figuren vergrößert, die Formen werden allgemeiner interpretiert. Im letzten Blatt des „Himmlischen Jerusalem“ wird gezeigt, wie ein Engel den besiegten Satan in der Unterwelt einsperrt. Ein anderer Engel zeigt Johannes den himmlischen Jerusalem, das wie eine mittelalterliche Stadt mit massiven Toren und zahlreichen Türmen aussieht.

Die zweite Holzschnittserie trägt den Titel „Große Leidenschaften“. Es wurde erst 1510-1511 fertiggestellt. Die ersten 7 Blätter erzählen von den tragischsten Episoden aus dem Leben Christi („Gebet um den Kelch“, „Geißelung“, „Siehe den Mann“, „Die Kreuztragung“, „Beweinung“ und „Die Grablegung“). Eines der beliebtesten Blätter der Serie war „Die Kreuztragung“, in dem Dürer Christus als unter der Last des Kreuzes gefallen darstellte.
Die Motive von Kupferstichen sind vielfältig. Dies sind mythologische, literarische und alltägliche Handlungen. Eines der bekanntesten Werke ist „Der verlorene Sohn“. Zu den Genrebildern gehört „Drei Bauern“.

Der Stich „Melancholie“ aus dem Jahr 1514 ist eines der geheimnisvollsten Werke Dürers. Es stellt eine personifizierende Frau dar, die allein in einem Lorbeerkranz sitzt kreatives Genie. Sie hat einen Schlüsselbund und eine Handtasche an ihrer Seite, ein geschlossenes Buch auf ihren Knien, einen Kompass in ihrer rechten Hand – ein Symbol für Geometrie und Baukunst. An der Wand hinter der Frau hängen eine Waage, eine Sanduhr, eine Glocke usw magisches Quadrat. Dürers Protagonist ist ein Mann, den der Künstler in die Mitte des Universums stellt. Dürer schafft im „Selbstbildnis“ einen verallgemeinernden Typus des Renaissance-Menschen.
Ätzen (fr. eai fort – Buchstaben, starker Wodka, d. h. Salpetersäure) – eine Art der Gravur auf Metall, bei der die Tiefenelemente der Druckplatte durch Ätzen des Metalls mit Säuren erzeugt werden. Die eingeritzten Vertiefungen werden mit Farbe ausgefüllt, die Platte mit angefeuchtetem Papier abgedeckt und auf einer Spezialmaschine abgedruckt.

1500, ein Porträt des Unbekannten 1504, ein Porträt von Pirckheimer 1524. In einem Selbstporträt von 1500 stellte Dürer sich selbst im Bilde Christi dar. Dürer platzierte seine Selbstporträts in vielen Gemälden, er signierte fast alle seiner Hauptwerke mit seinem vollen Namen, ließ Stiche und sogar Zeichnungen mit einem Monogramm versehen. Bei Porträts spiegelt sich der Einfluss der niederländischen Schule in der Gründlichkeit der Ausführungsdetails wider; Porträts zeichnen sich durch außergewöhnliche Ausdruckskraft aus.
Dürer erwartete die Entstehung einer Stimmungslandschaft, er glaubte, dass alles in der Natur es wert sei, eingefangen zu werden – ein Stück Rasen, ein Kaninchen.
In dem Gemälde „Vier Apostel“ schuf Dürer monumentale Figuren voller Selbstbewusstsein und Selbstbewusstsein.
In seinen theoretischen Werken teilte Dürer das auf Können basierende Handwerk und die auf Theorie basierende Kunst ein. 1525 veröffentlichte Dürer die „Anleitung zum Messen mit Zirkel und Lineal“, ein Jahr später die „Anleitung zur Befestigung von Städten, Burgen und Festungen“, nach Dürers Tod folgte 1528 sein Werk „Vier Bücher über den Menschen“. Proportionen“ wurde veröffentlicht. .

Lucas Cranach der Ältere (1472-1553) wurde in der Familie eines Künstlers in Oberfranken geboren, studierte bei seinem Vater, ließ sich dann in Thüringen nieder und wurde Hofmaler des sächsischen Kurfürsten. Cranach war vertraut
mit Luther, illustrierte seine Schriften. Cranachs frühe Werke verbinden Dramatik und Lyrik. In den Landschaften ist alles liebevoll und sorgfältig ausgeschrieben. In monumentalen Altarkompositionen (Katharinenaltar, Fürstenaltar) verwendet der Künstler auch Genremotive. Seine „Maria mit Kind“ und „Venus“ stehen italienischen Vorbildern nahe, mit denen er bestens vertraut war. Cranach strebte in den Porträts seiner Zeitgenossen eine detaillierte Übertragung aller Details der äußeren Erscheinung an.

IN letzte Periode Die Kreativität des Meisters wird von mythologischen und märchenhaften Handlungen dominiert, die Merkmale des Manierismus manifestieren sich.
Albrecht Altdorfer (ca. 1480–1538), Leiter der „Donauschule“. Arbeitete in Süddeutschland und Österreich. Die Themen seiner Gemälde sind biblisch und mythologisch.
Altdorfers Zeichnungen sind Gesamtkunstwerke. Im Jahr 1510 „Waldlandschaft mit der Schlacht bei St. George“, in dem der Wunsch nach tonaler Malerei am deutlichsten zum Ausdruck kommt. Den Beginn der Meisterreife markiert die Schaffung des Altars des Klosters St. Florian in der Nähe der österreichischen Stadt Linz in den Jahren 1516–1518. Die Höhe des Altars beträgt 2 m 70 cm, darauf sind 16 Gemälde angebracht. Bei geschlossenen Türen werden 4 Gemälde mit Szenen aus der Legende des Hl. Sebastian. Als sich das 1. Flügelpaar öffnete, sah der Betrachter acht Gemälde, die die Passion Christi darstellten.

Cranach und Luther kannten sich, 1522 veröffentlichte Cranach mit eigenem Geld Luthers Buch „Das Septemberevangelium“ und versah es mit Stichen. Die obere Reihe bestand aus Nachtszenen und der Geißelung Christi. Das untere Bild enthielt Szenen bei hellem Tageslicht. In allen Kompositionen verlief die Horizontlinie auf gleicher Höhe. Alle Szenen sind von einem Aufwallen der Leidenschaften durchdrungen, die manchmal verborgen, manchmal hervorbrechen. Die dramatische Zuspitzung zeigt sich vor allem in der fast boschischen Groteske. In allen Szenen ist Christus das von Gott vorgesehene Schlachtopfer. Farbe ist das bemerkenswerteste Merkmal der Altarmalerei. Im Gebet um den Kelch sind rote Reflexe auf einen Hintergrund aus reinem Gold geschrieben. Am meisten tolle Arbeit Altdorfer „Alexanders Schlacht mit Darius“ 1529; Darin spielt sich die Handlung vor dem Hintergrund einer grandiosen Landschaft ab, die von oben gezeigt wird.

Im Werk der Künstler der „Donauschule“, aber nicht nur unter ihnen, besteht eine Einheit des Menschen mit der Natur. Der Rückgriff auf die Antike war in der deutschen Renaissance zweifacher Natur. Künstler griffen gerne Themen aus der antiken Geschichte und Mythologie auf. Aber die antiken griechischen und römischen Themen sind noch lange nicht im antiken Geist gelöst.
Grunewald, also fälschlicherweise seit dem 17. Jahrhundert. wurde als der größte bezeichnet Deutscher Maler, Architekt Matthias Nithardt (ca. 1470-1528). Nithardt arbeitete in Frankfurt am Main, Mainz, war der Mainzer Hofmaler
Erzbischöfe und Kurfürsten. Im Werk des Künstlers kam der Nationalgeist am deutlichsten zum Ausdruck, seine Weltanschauung ist der des Volkes nahe, religiöse Bilder werden im Geiste mystischer Häresien interpretiert. Grunewalds kreative Art ist geprägt von Dramatik und Ausdruck, einem besonderen Verhältnis von Farbe und Licht. Grunewalds berühmtestes Werk, der Isengey-Altar, war eine monumentale neunteilige Komposition, ergänzt durch eine bemalte Holzskulptur. Im Zentrum der Komposition steht die Szene der Kreuzigung Christi, erfüllt von tiefer Tragödie, der Übertragung von Qual und Schmerz.

Silberblei ergibt farblose, unauslöschliche Linien
auf grundiertem oder getöntem Papier. Beim Zeichnen mit einem Silberstift entstehen keine Flecken.
Lucarne (fr. lucarne) – eine Fensteröffnung verschiedene Formen in einer Dachschräge oder Kuppel.
Hotel (fr. Hotel) - in der französischen Architektur - ein Stadthaus, das sich normalerweise auf einem relativ beengten Grundstück befindet, tief in das Gebiet hineinragt und mit geschlossenen Nebengebäuden und hohen Steinzäunen von der Straße und den Nachbargrundstücken abgegrenzt ist und so ein geschlossenes Gebäude bildet Innenhof mit Vordereingang von der Straße aus. Der Garten liegt hinter dem Hauptgebäude.

Hans Holbein der Jüngere (ca. 1497-1543), ein Vierteljahrhundert jünger als Dürer, formte sich als Künstler in der Renaissance und wurde zu ihrer markantesten Figur. Von allen deutschen Künstlern stand Holbein der italienischen Renaissance am nächsten. Das Leben des Künstlers ist nur in den meisten Fällen bekannt allgemein gesagt. Im Haus seines Vaters Hans Holbein dem Älteren, einem berühmten Maler, erlernt er die Grundlagen der Malerei. Er wandert als Lehrling, im Erwachsenenalter arbeitet er in Frankreich und den Niederlanden, seit 1532 lebt er in England, wo er von Thomas More und Heinrich VIII. gefördert wird. Die Stärken von Holbeins Talent waren das Zeichnen und Porträtieren. Holbeins frühe Porträts entstanden in der Technik eines Silberstifts, nach 1522 greift der Meister häufiger auf weichere Materialien zurück – schwarze und farbige Kreidestifte. Der Künstler malt seine späteren Porträts auf rosa Papier, das dem menschlichen Gesicht Wärme verleiht.