Buschstil. Frivole Gemälde von Francois Boucher, Lieblingsmaler Ludwigs XV

Gemälde von Francois Boucher wurden vom König von Frankreich, seiner Geliebten und dem gesamten Hofadel bestellt. Dieser Künstler ist einer der klügsten Vertreter des Rokoko, der im 18. Jahrhundert zu Recht als Gesetzgeber verschiedener Künste in Paris und darüber hinaus galt.

Familien- und Malerziehung

Der berühmte Maler wurde 1703 in Paris in der Familie eines Künstlers geboren, der Muster für Stickereien entwickelte. Als Nicolas Boucher von Kindheit an die außergewöhnliche Fähigkeit seines Sohnes zum Zeichnen erkannte, schickte er ihn zum Lernen in die Werkstatt von Lemoine, der als herausragender Meister der Malerei in Frankreich galt.

Von Natur aus war François fleißig und fleißig und begeisterte die Lehrer mit seinem Gehorsam und seinem Talent. Er meisterte es nach und nach Verschiedene Arten Kunst: Als Dekorateur entwirft er Muster für Tapeten, versucht sich erfolgreich im Umgang mit Gravuren und schafft talentierte Gemälde.

Im Alter von 16 Jahren beginnt er mit der Arbeit an seinem ersten Verlagsauftrag für die Gestaltung von Daniels französischer Geschichte, und ein Jahr später erhält er für eines davon einen akademischen Preis malerische Gemälde.

Eine der Seiten der Biografie von Francois Boucher ist die Erstellung einer Reihe von Stichen auf der Grundlage der Gemälde von Watteau, die ihn zwei Jahre seines Lebens in Anspruch nahmen und ihm dabei halfen, die Werke und die Art dieses Malers zu studieren.

Seit seinem 22. Lebensjahr werden die Gemälde des Künstlers Francois Boucher aktiv auf Ausstellungen präsentiert, wo sie sowohl vom Publikum als auch von Kritikern stets mit Bewunderung wahrgenommen wurden. Da er genau wusste, was seine Kunden von ihm verlangten, schuf er Werke, bei denen er seinen Bestand an Maltechniken und eine Reihe von Themen nutzte, die von der damaligen Mode und dem Geschmack der Aristokratie vorgegeben waren.

Nachdem er ein Stipendium der Akademie erhalten hatte, unternahm er 1727 eine Studienreise nach Italien, wo er nicht nur studierte, sondern auch empfing zusätzliche Bestellungen für Gemälde vermögender Kunden.

Das Werk von Francois Boucher

Nach seiner Rückkehr aus Italien erhielt Bouchers Werk volle Anerkennung. Ab 1734 wurde er Mitglied der Royal Academy und anschließend deren Professor. Der Künstler arbeitet seit vielen Jahren in Versailles, schmückt die königliche Residenz mit Wandgemälden und Dekorationen und beteiligt sich an der Gestaltung der Säle der Königlichen Bibliothek in Paris.

Das Hauptthema der Gemälde von Francois Boucher sind Naturbeschreibungen, Genreskizzen, Porträts sowie Arbeiten zu mythischen und biblischen Themen. Boucher zeigte sein brillantes Können als Maler bei der Schaffung von Genregemälden, indem er jedes Detail und Detail sorgfältig zeichnete: Alle Kompositionen und Menschen darauf, ihre Gesichtszüge wirken sehr natürlich und lebensecht.

Das Gemälde „Frühstück“ von F. Boucher ist eine seiner Perlen Gemälde. Darin stellte der Künstler eine Familie (vermutlich seine eigene) dar und vermittelte erfolgreich die Atmosphäre herzlicher Beziehungen, Wohlstand und Liebe. Die Farbgebung wird durch zarte Farbtöne dargestellt, von hellen bis hin zu dunklen Tönen.

Die Einrichtung des Raumes und die dekorativen Elemente (ein Tisch mit gemusterten Beinen, ein vergoldeter Spiegel, antike Uhren, Geschirr, Spielzeug) werden bis ins kleinste Detail präzise beschrieben. Die Kleidung ist sehr detailliert gezeichnet: Kleider, Spitzen, Mützen. Der Künstler schenkte große Aufmerksamkeit die kleinsten Details charakterisieren die Epoche, und selbst der Buddha, der auf einem Regal steht, kann dem Betrachter etwas über die Mode im 18. Jahrhundert erzählen. An chinesische Kunst. Dieses Kunstwerk führt den Betrachter in die Epoche und die Bräuche der Menschen ein.

Porträts der Marquise de Pompadour

Im Jahr 1756 erlangte der Künstler großen Ruhm: Er erhielt vom französischen König den Auftrag für ein Porträt seiner Favoritin, Madame de Pompadour, und führte es brillant aus. Die Beschreibung des Gemäldes von Francois Boucher „Marquise de Pompadour“ kann aus der Sicht der Epoche und des Status der Dame als Favoritin des Königs erfolgen. Ihr Name wurde zu Lebzeiten ein bekannter Name. Sie war nur fünf Jahre lang die Geliebte des Königs, doch auch danach beteiligte sie sich, da sie die Freundschaft des Monarchen bewahrt hatte, noch viele weitere Jahre an der Regierung.

Die Haltung der Höflinge ihr gegenüber war unterschiedlich: Einige hielten sie für egoistisch und rachsüchtig, andere schätzten sie wegen ihres Geistes, ihrer Schönheit und ihrer Gelehrsamkeit. Besitzen guter Geschmack Sie beteiligte sich aktiv an der Entwicklung der Innenräume und der Dekoration königlicher Paläste und förderte viele Künstler.

Der Künstler malte es mit einem Buch in der Hand, während er auf der Couch in seinem Zimmer saß. Sie trägt die modischsten Toilettenartikel dieser Zeit: ein mit Rosen und Spitze besetztes Kleid, Pantoletten (die dank ihr in Mode kamen). Alles repräsentiert einen Zustand der Frische und Reinheit. Die Haltung der Marquise strahlt Ruhe und Selbstvertrauen aus, das Buch in ihrer Hand und der Schrank hinter ihr machen auf ihre hohe Bildung aufmerksam.

Die Marquise de Pompadour selbst bezeichnete dieses Porträt als „sehr ähnlich, aber zu schön“, da ihr die Direktheit und Intelligenz innewohne. Anschließend malte Bush mehr als einmal Porträts von ihr und wurde Hofmaler und Dekorateur.

Bilder zu mythologischen und biblischen Themen

In Werken mit mythischen und biblischen Helden zeigte F. Boucher seine Vorstellungskraft und Kreativitätsfreiheit, indem er großartige Werke einsetzte Farbschema und Maltechniken. Als Hintergrund sind immer antike Gebäude vorhanden, allerdings nicht real, sondern vom Künstler erfunden. Im Mittelpunkt aller Werke stehen die Helden der Mythen, Skizzen und Beschreibungen ihrer Beziehungen.

Am häufigsten enthalten sie Jupiter, Venus, verschiedene Nymphen, Najaden und Amoretten.

Fancois Bouchers Gemälde „Toilette der Venus“ zeigt die Göttin der Liebe umgeben von Amoretten, sie ist fast völlig nackt und ähnelt im Schreibstil einer Palastdame des Rokoko. Wie immer hat der Künstler viele Details ausgearbeitet. Die lockigen Locken der Venus, mit Perlen spielende Amoretten, ein luxuriöses Sofa mit einem goldenen dreidimensionalen Ornament, bedeckt mit Seide, Tauben zu ihren Füßen und in ihren Händen, eine daneben stehende kupferne Teekanne und ein liegender Krug – all das ist Erinnert eher an das Boudoir einer französischen Dame, allerdings mit einer mythischen Figur im Zentrum.

Francois Boucher: Gemälde mit biblischen Titeln

Es handelt sich um folgende Werke:

„Aurora und Cephalus“.
„Herkules und Omphale“, 1730er Jahre.
„Venus bittet Vulkan um eine Waffe für Aeneas.“
„Jupiter und Kallisto“, 1744.
„Leda und der Schwan“.
Badende Diana, 1742.
„Toilette der Venus“;
„Venus tröstet Amor“, 1751.
„Gideons Opfer“ usw.

Landschaften von F. Boucher

Einer der Arbeitsbereiche des Künstlers ist die Schaffung von Kulissen und Wandteppichen, für die er Landschaften malte und die Umgebung von Paris und Beauvais zeichnete. In den Gemälden von Francois Boucher wird die Beschreibung der Natur und des ländlichen Lebens der französischen Provinz in Form von pastoralen Szenen mit jungen Dorffrauen dargestellt, die im Urlaub sind oder Liebesbeziehungen eingehen.

Auch die Kulissen, die Boucher für die Gestaltung von Aufführungen in den Theatern Frankreichs malte, hatten ein solches Thema.

Die Gemälde von Francois Boucher gelten seit vielen Jahren als „Spiegel, der das Hofleben Frankreichs unter König Ludwig XV.“ widerspiegelt. Mit Hilfe seines Könnens und seiner filigranen Technik gelang es dem Künstler, den Geschmack des Publikums des 18. Jahrhunderts in der Malerei widerzuspiegeln. Kunstkenner schätzen vor allem seine koloristische Lösung der Gemälde und die Fähigkeit, auf der Leinwand ein besonderes leuchtendes Licht zu erzeugen, das sich später im Stil der Impressionisten widerspiegelt.

Er schaffte es meisterhaft, ein festliches und abwechslungsreiches Gemälde zu schaffen, indem er seine Talente in anderen Kunstwerken einsetzte. In der Biografie von Francois Boucher spielten Gemälde eine große, aber nicht die einzige Rolle. Er arbeitete aktiv in der Wandteppichfabrik und schuf mehr als 40 Skizzen für Wandteppiche. Nach seinen Skizzen wurden Porzellanprodukte hergestellt, Boucher schuf Gravuren für die Buchgestaltung (nach den Werken von Moliere, Ovid usw.), malte Dekorationen für Theateraufführungen Ballette Perseus (1746) und Gallant India (1735). Dadurch konnte er ein beeindruckendes Vermögen anhäufen.

letzten Lebensjahre

Der Niedergang von Francois Bouchers Werk vollzog sich allmählich, als ein neuer Kunststil, der Klassizismus, in Mode kam. Das Interesse der Öffentlichkeit an der Arbeit des Künstlers begann zu sinken und nach dem Tod der Marquise de Pompadour verlor er die Unterstützung königlicher Gerichtshof, blieb aber weiterhin Direktor der Royal Academy of Painting and Sculpture.

Die letzten Lebensjahre von F. Bush verliefen in Frieden und Ruhe. Er starb 1770 und hinterließ etwa tausend Gemälde und andere Werke, die als Künstler berühmt wurden toller Maler Rokoko-Ära.

Gemälde von F. Bush sind ausgestellt in berühmte Museen Frankreich, USA und andere Länder.

Francois Boucher(Französisch François Boucher, 29. September 1703, Paris - 30. Mai 1770) - französischer Maler, Graveur, Dekorateur. Heller Vertreter künstlerische Kultur Rokoko.

Porträt von François Boucher von Gustaf Lundberg

Francois Boucher ist ein prominenter Vertreter des Rokoko und ein Meister Bildende Kunst In französische Malerei Anfang des 18. Jahrhunderts. Bouchers Werk ist nur in einigen Schattierungen und Blickwinkeln äußerst schwer zu charakterisieren, da es visuelle Aktivität gilt nicht nur für Gemälde.

Das Werk Bouchers als Maler ist außerordentlich vielfältig; er wandte sich dem Allegorischen und dem Maler zu mythologische Themen, dargestellte Dorffeste und das modische Pariser Leben, gemalte Genreszenen, Pastorale, Landschaften, Porträts.

Boucher erhielt zahlreiche Auszeichnungen, darunter den Titel eines Hofmalers (1765). Er war aktiv an der Dekoration der Residenzen des Königs und der Madame de Pompadour, Privatvillen in Paris, beteiligt. Die Mätresse Ludwigs XV., die Marquise de Pompadour, die er in mehreren Porträts festhielt, war seine Bewundererin. IN letzten Jahren Life war der Direktor der Royal Academy of Painting and Sculpture und „der erste Maler des Königs“. Die besten Werke Bouchers zeichnen sich durch außergewöhnlichen Charme und perfekte Ausführung aus.

Francois Boucher (1703-1770) war ein typischer Vertreter eines leichten, festlichen, gehobenen Stils dekorative Künste Rokoko. Seine Malerei wurde von der Arbeit von Antoine Watteau beeinflusst, aber die leichte Traurigkeit, die in seinen Gemälden zu sehen war, war Boucher fremd. Wir können sagen, dass Watteau dem Rokoko den Geist und Boucher das Fleisch gab. Die Leinwände des Meisters sind voller Sinnlichkeit, aber auf französische Art: wenn Liebe die Form eines schönen Spiels annehmen kann.

Im reichen malerischen Nachlass von François Boucher (1703-1770), der im sinnlichen und raffinierten Stil des Rokoko arbeitete, ist Dianas Bad eines der beliebtesten Gemälde. Auf der Leinwand erschien die schönste olympische Göttin Diana französischer Künstler die bezauberndste Zauberin, die sich nach ihrem Jagdvergnügen am Ufer des Baches ausruht. Boucher war nicht bestrebt, beim Schreiben ihres Bildes genau den griechischen Mythen über die Göttin zu folgen. Die Mythologie als solche interessiert ihn nicht, er nutzt sie nur als bequemen Vorwand für die Darstellung eines nackten weiblichen Körpers, jung und schön. Seine Diana ist ein sanftes Wesen, an Glückseligkeit und Fürsorge gewöhnt, sie lebt nur, um gierigen Blicken Freude zu bereiten.

Toilette der Venus (1751) (108 x 85) (New York, Met)

Die „Toilette der Venus“ wurde dem Künstler von seiner Gönnerin, der Günstling Ludwigs XV., Madame Pompadour, für ihr Chateau Bellevue in der Nähe von Paris bestellt. Madame Pompadour selbst spielte Hauptrolle in der gleichnamigen Aufführung im Theater von Versailles. Auf der Leinwand sieht Venus wie eine Hofdame des 18 Pracht ihrer Formen, sieht aus wie eine Puppe. Amoretten kleiden diese bezaubernde Kokette nicht so sehr, sie spielen vielmehr mit ihren Haaren und ihrem Schmuck. Tauben, heilige Vögel, schlängeln sich um die Venus, einer von ihnen schmiegt sich an die Brust der Göttin. Der Körper der Schönheit ist in seltenen und raffinierten, aber etwas unnatürlichen Farben bemalt. Bush tat dies bewusst: Er wollte die Natur nicht nachahmen und begründete dies damit, dass auch die Natur unvollkommen sei.

Madame Bergeret (um 1766) (143,5 x 105,4) (Washington, National Gallery)

„Porträt von Madame Bergeret“ – eines der interessantesten im Werk des Meisters. Es ist nicht genau geklärt, wer auf der Leinwand abgebildet ist. Vielleicht ist dies eine der drei Ehefrauen von Bergeret de Grandcourt, einem Sammler, der die größte Sammlung von Gemälden und Zeichnungen von Boucher besaß, oder der Marquise de Pompadour selbst, da die Autorin die Pose von „Madame Bergeret“ in ihrem späteren Porträt wiederholen wird , und der Künstler idealisierte stets die Merkmale der Modelle. Eine edle Kundin posiert für die Malerin in einem üppigen, schillernden Kleid aus heller Seide, das Oberteil ist mit einem Blumenstrauß und einer voluminösen blauen Schleife verziert, deren Farbe an die Bänder des breitkrempigen Strohhuts in ihrer Hand erinnert. Die Arbeit basiert auf einer Kombination aus sanften Silber-Oliv-Tönen, typisch für Gemälde XVIII Jahrhundert.

Venus bittet Vulkan um Waffen für Aeneas (1732) (252 x 175) (Paris, Louvre)

Aeneas, der Held von Vergils Gedicht Aeneis, war dazu bestimmt, in Italien zu landen und die Stadt Rom zu errichten. Dort angekommen war er in eine ganze Reihe von Kriegen verwickelt, die Juno provoziert hatte. Venus, die Mutter des Aeneas, kam ihm immer wieder zu Hilfe. Das Gemälde von Boucher (1732) zeigt eine nackte Venus, die Göttin der Schönheit und Liebe, die kokett auf einer Wolke sitzt, umgeben von Schwänen und Tauben – diese Vögel gelten als ihre Attribute. Sie sieht ihren Mann Vulkan an und bittet ihn, eine Rüstung für ihren Sohn anzufertigen.

Boucher, der Hofmaler des französischen Königs Ludwig Aber sein leichter, anmutiger Stil, der für die Kunst des Rokoko charakteristisch ist, war ideal für Gemälde, Schmuck, Wandteppiche und Dekorationen des königlichen Palastes.

Diana nach dem Baden (1742) (56 x 73) (Paris, Louvre)

Boucher stellte die jungfräuliche Jagdgöttin Diana am Ufer eines durchsichtigen Baches dar. Sie warf lässig ihren Köcher mit den Pfeilen beiseite. Im Vordergrund sieht der Betrachter ihren Bogen und die „Früchte der Arbeit“ – zwei geschossene Tauben und einen Hasen. Der Künstler wollte niemanden täuschen: In Form einer Göttin porträtierte er ein völlig irdisches Mädchen. Die Mythologie ist hier nur ein guter Vorwand, um sich der nackten weiblichen Natur zuzuwenden. Obwohl Diana schon immer als strenge Göttin galt, die an die Strapazen eines Jagdlebens gewöhnt war, kann sich Boucher das Vergnügen nicht verkneifen, sie vor dem Hintergrund luxuriöser Vorhänge zu schreiben. Mit einer Geste einer Odaliske sortiert Diana mit blassrosa geschwollenen Fingern eine Perlenkette. Ihr Körper ist der Körper der verwöhnten Geliebten eines Herzogs. Es ist schwer vorstellbar, dass diese anmutige Schönheit mehrere Stunden damit verbringen könnte, Wild zu jagen. Noch schwieriger ist es, sich vorzustellen, dass diese Diana ihre Hunde auf den unglücklichen Aktäon hetzt, der zufällig ihre Nacktheit sah. Vielmehr wird sie ihre Arme öffnen, um ihn zu treffen. Die entspannten Posen der Göttin und der Nymphe, ihrer treuen Dienerin, zeugen vom Können des Zeichners Bush.

Offensichtlich konnte Boucher seinem Temperament entsprechend kein Meister sein Historienmalerei(obwohl es offiziell als solches betrachtet wurde). Gleichzeitig kann jedoch nicht gesagt werden, dass der Künstler bei der Arbeit an komplexen, mehrteiligen Kompositionen Schwierigkeiten hatte. Es ist Bush nie passiert, dass irgendein Detail lächerlich und „zusammengeklebt“ aussah. Der Meister hat immer überraschend geschickt „operiert“, zum Beispiel mit Vorhängen und Stillleben. Ein Beispiel für ein brillantes Stillleben ist „Stillleben mit Bogen, zwei Tauben und Hase“, das der Betrachter im Gemälde „Badende Diana“ sehen kann. Er fügt sich sehr geschickt in die Bildkomposition ein, verliert sich nicht vor dem allgemeinen Hintergrund, verdeckt aber nicht die Haupthandlung. Achten Sie auch auf die blauen Vorhänge, die einerseits einen wunderbaren Kontrast zu Dianas zarter Haut bilden und andererseits die grauen Flügel der Tauben und das graue Hasenfell hervorheben. Auch der nassgrüne Hintergrund des Bildes kann als gelungen bezeichnet werden. Es erinnert den Betrachter daran klares Wasser, schattige Eichenwälder, abendliche Kühle – ein Wort, das Gefühle mildert, angenehme Erinnerungen und verträumte Gedanken weckt. Vor diesem Hintergrund sehen schöne nackte Frauen vielleicht noch vorteilhafter aus, als sie im prächtigsten Boudoir aussehen würden.

Rinaldo und Armida (1734) (135,5 x 170,5) (Paris, Louvre)

Die Geburt und der Triumph der Venus (1740) (130 x 162) (Stockholm, Nationalmuseum)

„Der Triumph der Venus“ (1740). Dieses Gemälde kaufte der schwedische Gesandte Tessin für 1600 Livres von Boucher.

Autumn Pastoral (1749) (260 x 199) (London, Wallace Collection)

„Autumn Pastoral“ ist eines von zwei Gemälden, die François Boucher als Finanzminister Ludwigs XV. in Auftrag gab. Das zweite Gemälde trägt den Titel „Summer Pastoral“. Die Handlung beider „Pastorale“ wurde von der Pantomime des produktiven Dramatikers Charles Simon Favard (1710-1792) inspiriert. IN dieser Fall das Bild zeigt eine rührende Szene - ein Hirtenjunge füttert Lisette mit Weintrauben, Hauptfigur Pantomime. Boucher verliebte sich so sehr in diese Geschichte, dass er mindestens zwei weitere Gemälde darauf malte und der Hirte und Lisette sich schließlich in Porzellanfiguren verwandelten. Wir wissen nicht, ob Boucher selbst die Skizzen für diese Figuren angefertigt hat. Es ist durchaus möglich, dass der Finanzminister, der eigene Verbindungen zur Porzellanmanufaktur hatte, diesen Auftrag einem anderen Künstler erteilte (Busches Dienste dürften dem Minister zu teuer erschienen sein). Eines ist bekannt: lange Jahre Der Hirte und Lisette wurden nicht nur in Frankreich, sondern in ganz Europa zu den Lieblingshelden der „Porzellanmeister“. Zwar „komponierte“ der Dramatiker Favard den Hirten, die Trauben und Lisette geriet sehr bald in Vergessenheit.

Ruhende Odaliske (Porträt von Mademoiselle Louise O "Murphy) (1752) (59 × 73) (Alte Pinakothek, München)

Denis Diderot, der schärfste Kritiker Bouchers, kritisierte den Meister wiederholt dafür, dass er zu gern „Mädchen malte“. „Und wie sind diese Mädchen? – Didro ist empört. – Anmutige Vertreter der Halbwelt.“ Tatsächlich dachte Boucher kaum über die „moralische“ Seite seiner Arbeit nach. Und er malte nackte Frauen nicht nur in Form von Göttinnen und Nymphen (auf mythologischen Leinwänden sieht Nacktheit nicht so trotzig aus, da sie auf die Handlung selbst zurückzuführen ist), sondern stellte oft auch ganz irdische Odalisken dar. Auf diesem Bild schafft er beispielsweise ein geradezu sinnliches Bild. Ein junges Mädchen, fast ein Teenager, liegt ausgestreckt auf einem Sofa. Boucher umgibt die junge Schönheit mit raffiniertestem Luxus. Weiche Kissen, Vorhänge, ein Räuchergefäß – all das schafft eine Atmosphäre sinnlicher Glückseligkeit. Der Betrachter versteht mittlerweile sofort, dass die Heldin der Leinwand erst vor kurzem in eine solche Umgebung geraten ist und noch keine Zeit hatte, sich daran zu gewöhnen. Und diese „Frische“ sollte dem Mädchen in den Augen der „perversen Aristokraten“ des 18. Jahrhunderts noch mehr Charme verleihen. Es wird angenommen, dass Louise O'Murphy, die Tochter eines irischen Schuhmachers, für dieses Bild von Boucher posierte. Im Alter von vierzehn Jahren begann das Mädchen als Model zu arbeiten und erregte bald die Aufmerksamkeit Ludwigs XV., der sie anfertigte eine seiner Geliebten. Er blieb dem Charme Louises und des berühmten Casanova nicht gleichgültig, der sie „eine schneeweiße Lilie, die schönste von allen“ nannte irdische Lebewesen". Zusammenfassend stellen wir fest, dass das Gemälde „Liegendes Mädchen“ ein großer Erfolg war – Boucher musste sogar mehrere Kopien davon schreiben.

In fast allen seinen Werken, die sich der Liebe und dem sinnlichen Vergnügen widmen, reduziert Boucher das erzählerische Element auf ein Minimum und überlässt es dem Betrachter, sich einfach an der rosa Nacktheit der Nymphen und den Porzellangesichtern der Hirten zu erfreuen. Aber das Gemälde „Von Vulkan gefangener Mars und Venus“ sollte als Ausnahme von dieser Regel betrachtet werden. Es veranschaulicht einen ganzen Mythos. Wie sich der Leser erinnert, war Venus die Frau von Vulkan, einem lahmen, aber sehr geschickten Gott in der Schmiedekunst. Die Liebesgöttin interessierte sich jedoch weitaus weniger für diese herausragenden Fähigkeiten ihres Mannes als vielmehr für die männliche Schönheit des Kriegsgottes Mars. Und eines Tages wurde sie seine Geliebte. Frustriert und beleidigt baute Vulkan das dünnste, aber sehr starke Netzwerk auf, in das sich die unglücklichen Liebenden verstrickten. Boucher wählt für sein Gemälde den dramatischsten Moment dieser Geschichte. Der Vulkan wirft sein magisches Netz auf Liebende. Venus, immer noch nichts ahnend, schlummert sanft in den Armen des Kriegsgottes. Und er wacht kaum auf und blickt entsetzt auf den beeindruckenden Ehemann der Venus. Verzweiflung steht dem Mars ins Gesicht geschrieben – schließlich ist er unbewaffnet und kann daher den Eifersüchtigen keine würdige Abfuhr erteilen. Der Künstler stellte seinen Schild, seinen Helm und seinen Speer im Vordergrund des Bildes dar – damit der Betrachter versteht, dass der Mars seine „Ausrüstung“ nicht erreichen konnte, selbst wenn er es wirklich wollte. Verängstigte Putten versuchen entweder, ihre Geliebten zu bedecken oder sich vor Vulkan zu verstecken, und das am Fußende des Bettes platzierte Räuchergefäß verströmt weiterhin einen süßen, sinnlichen und angesichts einer neuen Wendung der Ereignisse unpassenden Duft.

Porträt der Marquise de Pompadour (1759) (91 × 68) (London, Wallace Collection)

Porträtmalerei war nicht Bouchers Stärke. Im Laufe seines Lebens malte er etwa ein Dutzend Porträts. Die Hälfte davon stellt Madame Pompadour dar, was zweifellos von der engen Freundschaft zwischen dem Künstler und der Geliebten des Königs zeugt. Das Bild, das Sie vor sich sehen, ist das letzte Porträt von Madame Pompadour. Diese Leinwand hing einst in Versailles und ging nach dem Tod des königlichen Günstlings an ihren Bruder über. Obwohl Madame Pompadour Boucher sehr liebte und ihn für einen brillanten Maler hielt, machte sie sich keine Illusionen über seine Fähigkeit, Porträts zu malen. Zu einem ihrer Porträts von Boucher kommentierte sie: „Ich sehe hier wunderschön aus, aber ganz anders als ich selbst.“

Es ist jedoch notwendig, die Originalität der Art und Weise zu beachten, in der diese Porträts gemalt wurden. Einerseits fehlen ihnen nicht die Merkmale eines traditionellen formalen Porträts, andererseits sind sie von Intimität, der persönlichen Beziehung des Künstlers zum Modell, geprägt. Als dieses Porträt entstand, war Madame Pompadour nicht mehr die Geliebte des Königs, obwohl sie alle Privilegien der „offiziellen Favoritin“ behielt. Da sie „de jure“ nur eine Marquise war, erhielt sie „de facto“ die einer Herzogin gebührenden Ehrungen. Aus dem Porträt von 1759 geht jedoch hervor, dass es sich eher nicht um eine herrische und ehrgeizige Person handelt, die uns ansieht, sondern um eine kluge, gebildete Dame mit einem feinen künstlerischen Geschmack. Boucher selbst erinnerte sich so an sie, viele Zeitgenossen sprachen so über sie und stellten fest, dass es bei Madame de Pompadour weder Arroganz noch Exzentrizität gibt, die normalerweise für „Vögel eines solchen Fluges“ charakteristisch sind. Im Gegenteil, alle sprachen mit einer Stimme über die Höflichkeit und das Taktgefühl der berühmtesten Geliebten des Königs.

Eremitage: François Boucher – Landschaft bei Beauvais

Mühle in Sharenton (1750er Jahre) (72 x 92) (Orleans, Museum of Fine Arts)

Bouchers Landschaften gerieten, wie auch seine Werke in anderen Genres, 1990 aus der Mode spätes XVIII Jahrhunderte. Die idyllischen Landschaftsbilder wurden durch romantische Leinwände ersetzt, die dem Betrachter eine Vorstellung von der Großartigkeit der Natur vermitteln sollten. Verfallene Mühlen und stille Teiche, die sowohl der Künstler selbst als auch seine Kunden so sehr liebten, gerieten viele Jahre lang in Vergessenheit. Diese Landschaften können wirklich nicht als der Höhepunkt von Bouchers Werk angesehen werden, und doch kann man der Tatsache, dass sie von Hand geschrieben wurden, kaum widersprechen. großer Meister. Es lohnt sich nicht, in ihnen nach einem wahren Abbild der Natur zu suchen, aber ihre Schönheit liegt nicht in ihrer Wahrhaftigkeit. Der Held unserer Ausgabe schrieb die meisten seiner Landschaftsbilder auf der Grundlage von Eindrücken von Landreisen. An den Skizzen, die er von diesen Reisen mitbrachte, arbeitete er zu Hause in seinem Pariser Atelier. Einige davon wurden zum Material für zukünftige Wandteppiche, andere wurden zu kleinen Landschaften „verarbeitet“. Was die Details der Landschaft angeht, war Boucher recht entgegenkommend: Auf Wunsch des Kunden konnte er eine Dorfhütte, eine alte Buckelbrücke, eine Hirtenfigur oder eine Wäscherin in die Bildkomposition einbeziehen. Ein typisches Beispiel für Bouchers „Landschaftsidyll“-Arbeit ist oben abgebildet.

Skizze „Wasser“ (1748)

François Boucher war einer der besten Zeichner des 18. Jahrhunderts. Mit außergewöhnlicher Genauigkeit bemerkte er die kleinsten naturalistischen Details. Kunsthistoriker gehen davon aus, dass Boucher im Laufe seines Lebens mindestens zehntausend Zeichnungen geschaffen hat verschiedene Techniken. Viele davon sind Skizzen für seine zukünftigen Gemälde. Die oben dargestellte Skizze wurde beispielsweise später bei der Arbeit an dem Gemälde „Wasser“ aus dem Zyklus „Vier Elemente“ verwendet, das die Türen in einem der königlichen Schlösser schmückte. Neben Skizzen schuf Boucher auch vollständig fertige Zeichnungen, die jeweils als eigenständige Kunstwerke gelten können. In diesen Fällen wandte sich der Meister meist der weiblichen Natur zu – sowohl bekleidet als auch nackt. Seine Zeichnung „Akt auf dem Bett“ strahlt Glückseligkeit und Charme aus. Normalerweise zeichnete der Künstler mit schwarzer, roter und weißer Kreide gelbes Papier, aber manchmal wurden Pastell- und Farbtinte verwendet. Schon zu seinen Lebzeiten genoss Bush als Zeichner einen sehr hohen Ruf, was sich auch daran zeigt, dass seine Zeichnungen bei Kunstsammlern sofort ausverkauft waren. Einige von ihnen waren gleichzeitig teurer als die „vollständigen“ Gemälde anderer Maler.

Francois Boucher: Nackt im Bett

Toilette der Venus (nach 1743) (101 x 86,7) (St. Petersburg, Eremitage)

Die besten mythologischen Werke von Boucher sind gepaarte Leinwände "Sonnenaufgang", 1753 und "Sonnenuntergang", und auch „Triumph der Venus“ Und „Dianas Bad“. In all diesen Werken fehlt das narrative Element völlig. Aber fast überall gibt es Schönes weibliche Körper(Am liebsten schrieb Bush natürlich die Liebesgöttin Venus). Sehr charakteristisch für das Werk des Meisters ist ein ovales Medaillon. „Toilette der Venus“, wo die Göttin in der ganzen Pracht ihrer Nacktheit gezeigt wird. beachte das männliche Körper So offenherzig hat Boucher noch nie dargestellt. In „Venus und Mars gefangen von Vulkan“ sehen wir nur die Köpfe und Schultern von Vulkan und Mars. Doch der Künstler rückt die Venus in den Vordergrund und gibt dem Betrachter die Möglichkeit, ihre Betrachtung zu genießen prächtige Formen. Interessanterweise erscheint Jupiter (in den Szenen, in denen er die eine oder andere seiner „mythologischen Geliebten“ verführt) nie in der Gestalt eines Mannes vor dem Betrachter. Bei Leda ist er ein Schwan, bei Danae ist er ein Natursekt, bei Callisto ist er Diana.

Sonnenaufgang (1748) (321 × 270) (London, Wallace Collection)

Toilette (1742) (52,5 x 66,5) (Madrid, Thyssen-Bornemisz-Museum)

Nicht allen Kunden gefiel Bouchers charakteristisches Menü, das aus pastoralen, mythologischen und Boudoir-Szenen bestand. Ja, muss man denken, und der Meister selbst hatte manchmal genug von Nymphen und Hirten. Und dann kamen bezaubernde Genreszenen unter seinem Pinsel zum Vorschein – mit modern gekleideten Puppenfrauen, wohlerzogenen Kindern und eleganten Details des Alltags. Das vielleicht berühmteste Genregemälde von Boucher ist „Morgenkaffee“ von 1739. Offenbar posierten seine Frau und seine Schwester sowie seine beiden Kinder für den Meister. Die durch das Fenster brechende Sonne malt das raffinierte Innere des Raumes in sanften Tönen. Alle Anwesenden sehen zufrieden miteinander aus, die Kaffeekanne raucht in den Händen des Dieners, die Kinder sind Engel. Solche Genreszenen erfreuten sich bei den Kunden großer Beliebtheit. Beispielsweise bestellte die schwedische Kronprinzessin Louise Ulrika beim Künstler vier Gemälde (nach Tageszeit – morgens, nachmittags, abends und nachts) „mit modisch gekleideten Figuren und.“ schöne Gesichter". Graf Tessin war auch ein großer Fan von Bouchers Genrebildern. Für ihn malte der Künstler die unten platzierte Frau, die das Strumpfband zurechtrückt (1742). Beachten Sie, wie sehr sich diese Gemälde von denen unterscheiden Genreszenen Chardin. Jedes Detail – bis hin zum Schuhabsatz der Schönheit, bis hin zum Kinderspielzeug – spricht hier von „Lebenskunst“. Und es ist offensichtlich, dass Boucher diese „Kunst“ ganz anders versteht als Chardin.

Morgenkaffee (1739) (81,5 × 61,5) (Paris, Louvre)

Vielleicht haben sie nirgendwo und nie nach „Angenehmheit“ und Kultiviertheit gestrebt wie am Hofe von König Ludwig XV. Die Kunst, unbeschwert zu leben, „die Blumen des Vergnügens zu pflücken“, wurde als echte Kunst verehrt. Manchmal scheint es, als läge in der Luft bereits die Vorahnung eines Gewitters, einer drohenden Katastrophe. Und dass es genau diese Vorahnung war, die den Wunsch auslöste, sich mit größtmöglicher Eleganz und Bequemlichkeit niederzulassen, sich mit rötlichen Schäferinnen, Porzellanpuppen und idyllischen Landschaften zu umgeben. Es war es, was vom Leben verlangte, wie ein Theater zu sein. Und Boucher nährte gekonnt die Illusionen seiner Kunden. Seine Bilder lassen den Betrachter in die Welt bezaubernder Träume und bezaubernder Fiktion eintauchen. Beachten Sie, dass der Meister uns nie sagt: „Sehen Sie, wie wahr das ist.“ Er sagt: „Schau, wie süß es ist.“ Er erzieht uns nicht, inspiriert uns nicht zu hohen Zielen, sondern bedauert nur, dass das Leben so kurz und im Grunde so traurig ist. Und da er dies bereut, versucht er, ihre Ecken zu glätten, ihre Hässlichkeit zu verhüllen und sie zumindest ein wenig angenehmer zu machen. Täuschung? Lassen. Aber ein Mensch braucht nicht immer die Wahrheit. Manchmal braucht er mehr Trost.

Porzellan

Die „Porzellankunst“ Frankreichs hat natürlich viel Boucher und natürlich Madame Pompadour zu verdanken. Ab den 1740er Jahren entwickelte die Mätresse des Königs großes Interesse an der Porzellanmanufaktur in Vincennes. Ihr Interesse war so hartnäckig, dass Ludwig XV. ihr 1751 diese kleine Fabrik schenkte. Und meine Dame krempelte die Ärmel hoch und machte sich an die Arbeit. Auf ihre Initiative hin „verlagerte“ sich die Porzellanproduktion nach und nach nach Sèvres (der Umzug erfolgte 1753–56). Gleichzeitig zog die Marquise de Pompadour Francois Boucher an, neue Projekte für ihre Manufaktur zu entwickeln.

Ein Jahrzehnt lang (von 1756 bis 1766) erstellte der Künstler unzählige Skizzen, nach denen in der Fabrik Figuren und Sets hergestellt wurden. Unter die interessantesten Werke seine Zeichnungen könnten „The Science of Love“, 1763 (oben rechts) genannt werden. Diese Komposition wurde nach der Skizze des Meisters nicht von irgendjemandem, sondern von Etienne Maurice Falcone geschaffen. Bemerkenswert ist auch die Figurenserie „Kinder“ aus weißem Porzellan. Charmante Kinder, die nach den Zeichnungen des Künstlers geformt wurden, tun nichts anderes, als Blumen zu pflücken und Lieder zu singen. Was die nach Bouchers Zeichnungen bemalten Gottesdienste betrifft, ist das Vasenset „Liebende im Garten“ (unten) nicht zu übersehen. Diese Vasen zeichnen sich jedoch durch große Eleganz aus moderner Betrachter sie wirken vielleicht etwas „überladen“ mit Details.

Das Werk des Künstlers hatte großen Einfluss auf die Entwicklung der dekorativen Keramik in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts. Butes Zeichnungen wurden nicht nur von Sevres-Meistern, sondern auch von Meistern aus anderen europäischen Ländern verwendet. In der berühmten Porzellanmanufaktur Meißen bei Dresden wurde Bouchers Skizze beispielsweise für die „Gartenszene“ (oben links) verwendet. Nach dem Tod von Madame Pompadour im Jahr 1764 scheiterte Bouchers Zusammenarbeit mit der Manufaktur in Sèvres allmählich, da die neue Günstling des Königs, Madame Dubarry, die Geschäfte hier übernahm.

Porzellan

Nest (1740) (98 x 146) (Paris, Louvre) Schäferin

Heute kann man sich kaum noch vorstellen, wie beliebt pastorale Szenen in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts waren. Zwar begannen sie nach der Revolution, sie mit der gleichen Begeisterung zu schelten, mit der sie zuvor gelobt und gekauft hatten. Irgendwann wurden die Schäferinnen in den Augen der Radikalen fast zu Hauptsymbolen des verhassten „alten Regimes“. Zur Zeit Bouchers wurden jedoch Pastorale des Meisters, wie zum Beispiel „Hirtin“ oder „Nest“ (oben), sowohl in Form von Wandteppichen als auch als Zeichnungen für Porzellanservices reproduziert. Und natürlich wurden viele Gravuren daraus angefertigt, denn nicht nur Aristokraten, sondern auch Menschen aus ganz einfachem Stand wünschten sich elegante Haushaltsgegenstände.

Hübsche, geschmackvoll gekleidete (oder halbbekleidete) Hirten könnten nicht nur die königlichen Gemächer schmücken, sondern auch die Wohnung einer armen Näherin. Letzterer musste sich natürlich nicht mit dem Meisterwerk des Meisters begnügen, sondern mit einem minderwertigen Stich. Bouchers Theater diente als Quelle der „pastoralen Inspiration“, wo im 17.-18. Jahrhundert häufig pastorale Theaterstücke mit Musik und Poesie aufgeführt wurden. Die ersten Stücke dieser Art erschienen in XVI Jahrhundert- in Italien. Von dort wanderten sie nach Frankreich aus. Die pastoralen Aufführungen hatten hier meist die Form von Ballett oder Pantomime. Es ist bekannt, dass Boucher solche Aufführungen mehr als einmal entworfen hat und viele ihrer Handlungsstränge später die Grundlage seiner idyllischen Hirtenszenen bildeten.

Schloss Versailles: Francois Boucher – Pastoral

Odaliske (1743) (53 x 65) (Reims, Kunstmuseum)

Dieses Werk kann als „Prototyp“ des fast ein Jahrzehnt später entstandenen „Reclining Girl“ bezeichnet werden. Eine junge Schönheit liegt träge auf einem Sofa. Verträumtheit steht ihr im Gesicht geschrieben: Es ist dem Betrachter zugewandt, doch der Blick der Frau ist in die Ferne gerichtet. Sowohl der Titel als auch bestimmte orientalische Details lassen darauf schließen, dass die Handlung im Harem eines Sultans spielt (wenn auch in einem stark europäisierten Harem).

Modistka (1746) (64 × 53) (Stockholm, Nationalmuseum)

Eine bezaubernde Genreszene, die wie absichtlich für ein Damenboudoir oder Büro geschrieben wurde. Eine Hutmacherin sitzt auf dem Boden und bringt ihrer Kundin eine Schachtel mit Mustern von Bändern – zur Auswahl. Vermutlich hat sich die Kundin schon seit längerem für Bänder entschieden, denn im Gesicht der jungen Schneiderin erkennt der Betrachter deutlich die unterwürfige Müdigkeit.

Mühle (1751) (66 x 84) (Paris, Louvre)

Eine von Bouchers charakteristischen Landschaften. Es gibt alles, was sich der ausgefallenste Kunde nur wünschen kann. Eine alte Mühle, wackelige Zäune, eine Brücke, Tauben, süße Kinder. Sogar die Wäscherin, die in der anmutigen Pose einer Hofdame Wäsche wäscht und dabei einen tiefen Knicks macht.
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Strukturelemente - das alles ist schön dargestellt, ein wenig märchenhaft, wie eine Illustration in einem Kinderbuch.

Porträt von Francois Boucher

Francois Boucher ist ein prominenter Vertreter des Rokoko und ein Meister der bildenden Künste der französischen Malerei des frühen 18. Jahrhunderts. Es ist äußerst schwierig, Bouchers Werk in nur einer Schattierung und einem einzigen Blickwinkel zu charakterisieren, da sich seine malerische Tätigkeit nicht nur auf Gemälde erstreckt.

Das Werk Bouchers als Maler ist äußerst vielfältig, er wandte sich allegorischen und mythologischen Themen zu, stellte Dorffeste und das modische Pariser Leben dar, malte Genreszenen, Pastoralen, Landschaften und Porträts.

Boucher erhielt zahlreiche Auszeichnungen, darunter den Titel eines Hofmalers (1765). Er war aktiv an der Dekoration der Residenzen des Königs und der Madame de Pompadour, Privatvillen in Paris, beteiligt. Die Mätresse Ludwigs XV., die Marquise de Pompadour, die er in mehreren Porträts festhielt, war seine Bewundererin. In den letzten Jahren seines Lebens war er Direktor der Royal Academy of Painting and Sculpture und „der erste Maler des Königs“. Die besten Werke Bouchers zeichnen sich durch außergewöhnlichen Charme und perfekte Ausführung aus.

François Boucher (1703–1770) war ein typischer Vertreter der leichten, festlichen, hochdekorativen Kunst des Rokoko. Seine Malerei wurde von der Arbeit von Antoine Watteau beeinflusst, aber die leichte Traurigkeit, die in seinen Gemälden zu sehen war, war Boucher fremd. Wir können sagen, dass Watteau dem Rokoko den Geist und Boucher das Fleisch gab. Die Leinwände des Meisters sind voller Sinnlichkeit, aber auf französische Art: wenn Liebe die Form eines schönen Spiels annehmen kann.

Im reichen malerischen Nachlass von François Boucher (1703-1770), der im sinnlichen und raffinierten Stil des Rokoko arbeitete, ist Dianas Bad eines der beliebtesten Gemälde. Die schönste olympische Göttin Diana erschien auf der Leinwand des französischen Künstlers als bezauberndste Zauberin, die sich nach ihrem Jagdspaß am Ufer des Baches ausruhte. Boucher war nicht bestrebt, beim Schreiben ihres Bildes genau den griechischen Mythen über die Göttin zu folgen. Die Mythologie als solche interessiert ihn nicht, er nutzt sie nur als bequemen Vorwand für die Darstellung eines nackten weiblichen Körpers, jung und schön. Seine Diana ist ein sanftes Wesen, an Glückseligkeit und Fürsorge gewöhnt, sie lebt nur, um gierigen Blicken Freude zu bereiten.

Toilette der Venus (1751) (108 x 85) (New York, Met)

Die „Toilette der Venus“ wurde dem Künstler von seiner Gönnerin, der Günstling Ludwigs XV., Madame Pompadour, für ihr Chateau Bellevue in der Nähe von Paris bestellt. Madame Pompadour selbst spielte eine wichtige Rolle in der gleichnamigen Aufführung im Theater von Versailles. Auf der Leinwand sieht Venus wie eine Hofdame des 18 Pracht ihrer Formen, sieht aus wie eine Puppe. Amoretten kleiden diese bezaubernde Kokette nicht so sehr, sie spielen vielmehr mit ihren Haaren und ihrem Schmuck. Tauben, heilige Vögel, schlängeln sich um die Venus, einer von ihnen schmiegt sich an die Brust der Göttin. Der Körper der Schönheit ist in seltenen und raffinierten, aber etwas unnatürlichen Farben bemalt. Bush tat dies bewusst: Er wollte die Natur nicht nachahmen und begründete dies damit, dass auch die Natur unvollkommen sei.

Madame Bergeret (um 1766) (143,5 x 105,4) (Washington, National Gallery)

„Porträt von Madame Bergeret“ – eines der interessantesten im Werk des Meisters. Es ist nicht genau geklärt, wer auf der Leinwand abgebildet ist. Vielleicht ist dies eine der drei Ehefrauen von Bergeret de Grandcourt, einem Sammler, der die größte Sammlung von Gemälden und Zeichnungen von Boucher besaß, oder der Marquise de Pompadour selbst, da die Autorin die Pose von „Madame Bergeret“ in ihrem späteren Porträt wiederholen wird , und der Künstler idealisierte stets die Merkmale der Modelle. Eine edle Kundin posiert für die Malerin in einem üppigen, schillernden Kleid aus heller Seide, das Oberteil ist mit einem Blumenstrauß und einer voluminösen blauen Schleife verziert, deren Farbe an die Bänder des breitkrempigen Strohhuts in ihrer Hand erinnert. Das Werk basiert auf einer Kombination aus sanften Silber-Oliv-Tönen, die für die Malerei des 18. Jahrhunderts charakteristisch sind.

Venus bittet Vulkan um Waffen für Aeneas (1732) (252 x 175) (Paris, Louvre)

Aeneas, der Held von Vergils Gedicht Aeneis, war dazu bestimmt, in Italien zu landen und die Stadt Rom zu errichten. Dort angekommen war er in eine ganze Reihe von Kriegen verwickelt, die Juno provoziert hatte. Venus, die Mutter des Aeneas, kam ihm immer wieder zu Hilfe. Bouchers Gemälde (1732) zeigt eine nackte Venus, die Göttin der Schönheit und Liebe, die kokett auf einer Wolke sitzt, umgeben von Schwänen und Tauben – diese Vögel gelten als ihre Attribute. Sie sieht ihren Mann Vulkan an und bittet ihn, eine Rüstung für ihren Sohn anzufertigen.

Diana nach dem Baden (1742) (56 x 73) (Paris, Louvre)

Offensichtlich konnte Bush seinem Temperament entsprechend kein Meister der Historienmalerei sein (obwohl er offiziell als solcher galt). Gleichzeitig kann jedoch nicht gesagt werden, dass der Künstler bei der Arbeit an komplexen, mehrteiligen Kompositionen Schwierigkeiten hatte. Es ist Bush nie passiert, dass irgendein Detail lächerlich und „zusammengeklebt“ aussah. Der Meister hat immer überraschend geschickt „operiert“, zum Beispiel mit Vorhängen und Stillleben. Ein Beispiel für ein brillantes Stillleben ist „Stillleben mit Bogen, zwei Tauben und Hase“, das der Betrachter im Gemälde „Badende Diana“ sehen kann. Er fügt sich sehr geschickt in die Bildkomposition ein, verliert sich nicht vor dem allgemeinen Hintergrund, verdeckt aber nicht die Haupthandlung. Achten Sie auch auf die blauen Vorhänge, die einerseits einen wunderbaren Kontrast zu Dianas zarter Haut bilden und andererseits die grauen Flügel der Tauben und das graue Hasenfell hervorheben. Auch der nassgrüne Hintergrund des Bildes kann als gelungen bezeichnet werden. Es erinnert den Betrachter an klares Wasser, schattige Eichenwälder, abendliche Kühle – mit einem Wort, das mildert Gefühle, weckt angenehme Erinnerungen und verträumte Gedanken. Vor diesem Hintergrund sehen schöne nackte Frauen vielleicht noch vorteilhafter aus, als sie im prächtigsten Boudoir aussehen würden.

Rinaldo und Armida (1734) (135,5 x 170,5) (Paris, Louvre)

Die Geburt und der Triumph der Venus (1740) (130 x 162) (Stockholm, Nationalmuseum)

„Der Triumph der Venus“ (1740). Dieses Gemälde kaufte der schwedische Gesandte Tessin für 1600 Livres von Boucher.

Autumn Pastoral (1749) (260 x 199) (London, Wallace Collection)

„Autumn Pastoral“ ist eines von zwei Gemälden, die François Boucher als Finanzminister Ludwigs XV. in Auftrag gab. Das zweite Gemälde trägt den Titel „Summer Pastoral“. Die Handlung beider „Pastorale“ wurde von der Pantomime des produktiven Dramatikers Charles Simon Favard (1710-1792) inspiriert. In diesem Fall zeigt das Bild eine berührende Szene – ein junger Hirte füttert Lisette, die Hauptfigur der Pantomime, mit Weintrauben. Boucher verliebte sich so sehr in diese Geschichte, dass er mindestens zwei weitere Gemälde darauf malte und der Hirte und Lisette sich schließlich in Porzellanfiguren verwandelten. Wir wissen nicht, ob Boucher selbst die Skizzen für diese Figuren angefertigt hat. Es ist durchaus möglich, dass der Finanzminister, der eigene Verbindungen zur Porzellanmanufaktur hatte, diesen Auftrag einem anderen Künstler erteilte (Busches Dienste dürften dem Minister zu teuer erschienen sein). Eines ist bekannt: Der Hirte und Lisette wurden viele Jahre lang zu den Lieblingshelden der „Porzellanmeister“ nicht nur in Frankreich, sondern in ganz Europa. Zwar „komponierte“ der Dramatiker Favard den Hirten, die Trauben und Lisette geriet sehr bald in Vergessenheit.

Ruhende Odaliske (Porträt von Mademoiselle Louise O "Murphy) (1752) (59 × 73) (Alte Pinakothek, München)

Denis Diderot, der schärfste Kritiker Bouchers, kritisierte den Meister wiederholt dafür, dass er zu gern „Mädchen malte“. „Und wie sind diese Mädchen? – Didro ist empört. – Anmutige Vertreter der Halbwelt.“ Tatsächlich dachte Boucher kaum über die „moralische“ Seite seiner Arbeit nach. Und er malte nackte Frauen nicht nur in Form von Göttinnen und Nymphen (auf mythologischen Leinwänden sieht Nacktheit nicht so trotzig aus, da sie auf die Handlung selbst zurückzuführen ist), sondern stellte oft auch ganz irdische Odalisken dar. Auf diesem Bild schafft er beispielsweise ein geradezu sinnliches Bild. Ein junges Mädchen, fast ein Teenager, liegt ausgestreckt auf einem Sofa. Boucher umgibt die junge Schönheit mit raffiniertestem Luxus. Weiche Kissen, Vorhänge, ein Räuchergefäß – all das schafft eine Atmosphäre sinnlicher Glückseligkeit. Der Betrachter versteht mittlerweile sofort, dass die Heldin der Leinwand erst vor kurzem in eine solche Umgebung geraten ist und noch keine Zeit hatte, sich daran zu gewöhnen. Und diese „Frische“ sollte dem Mädchen in den Augen der „perversen Aristokraten“ des 18. Jahrhunderts noch mehr Charme verleihen. Es wird angenommen, dass Louise O'Murphy, die Tochter eines irischen Schuhmachers, für dieses Bild von Boucher posierte. Im Alter von vierzehn Jahren begann das Mädchen als Model zu arbeiten und erregte bald die Aufmerksamkeit Ludwigs XV., der sie anfertigte eine seiner Geliebten. Er blieb dem Charme Louises und des berühmten Casanova nicht gleichgültig, der sie „eine schneeweiße Lilie, das schönste aller irdischen Geschöpfe“ nannte. Abschließend stellen wir fest, dass das Gemälde „Das liegende Mädchen „war ein großer Erfolg – Boucher musste sogar mehrere Exemplare davon schreiben.

Porträt der Marquise de Pompadour (1759) (91 × 68) (London, Wallace Collection)

Eremitage: François Boucher – Landschaft bei Beauvais

Mühle in Sharenton (1750er Jahre) (72 x 92) (Orleans, Museum of Fine Arts)

Bouchers Landschaftsbilder gerieten, wie auch seine Werke anderer Genres, Ende des 18. Jahrhunderts aus der Mode. Die idyllischen Landschaftsbilder wurden durch romantische Leinwände ersetzt, die dem Betrachter eine Vorstellung von der Großartigkeit der Natur vermitteln sollten. Verfallene Mühlen und stille Teiche, die sowohl der Künstler selbst als auch seine Kunden so sehr liebten, gerieten viele Jahre lang in Vergessenheit. Diese Landschaften können wirklich nicht als der Höhepunkt von Bouchers Werk angesehen werden, und doch kann man kaum der Tatsache widersprechen, dass sie von der Hand eines großen Meisters geschrieben wurden. Es lohnt sich nicht, in ihnen nach einem wahren Abbild der Natur zu suchen, aber ihre Schönheit liegt nicht in ihrer Wahrhaftigkeit. Der Held unserer Ausgabe schrieb die meisten seiner Landschaftsbilder auf der Grundlage von Eindrücken von Landreisen. An den Skizzen, die er von diesen Reisen mitbrachte, arbeitete er zu Hause in seinem Pariser Atelier. Einige davon wurden zum Material für zukünftige Wandteppiche, andere wurden zu kleinen Landschaften „verarbeitet“. Was die Details der Landschaft angeht, war Boucher recht entgegenkommend: Auf Wunsch des Kunden konnte er eine Dorfhütte, eine alte Buckelbrücke, eine Hirtenfigur oder eine Wäscherin in die Bildkomposition einbeziehen. Ein typisches Beispiel für Bouchers „Landschaftsidyll“-Arbeit ist oben abgebildet.

Skizze „Wasser“ (1748)

François Boucher war einer der besten Zeichner des 18. Jahrhunderts. Mit außergewöhnlicher Genauigkeit bemerkte er die kleinsten naturalistischen Details. Kunsthistoriker gehen davon aus, dass Boucher im Laufe seines Lebens mindestens zehntausend Zeichnungen in verschiedenen Techniken schuf. Viele davon sind Skizzen für seine zukünftigen Gemälde. Die oben dargestellte Skizze wurde beispielsweise später bei der Arbeit an dem Gemälde „Wasser“ aus dem Zyklus „Vier Elemente“ verwendet, das die Türen in einem der königlichen Schlösser schmückte. Neben Skizzen schuf Boucher auch vollständig fertige Zeichnungen, die jeweils als eigenständige Kunstwerke gelten können. In diesen Fällen wandte sich der Meister meist der weiblichen Natur zu – sowohl bekleidet als auch nackt. Seine Zeichnung „Akt auf dem Bett“ strahlt Glückseligkeit und Charme aus. Normalerweise malte der Künstler mit schwarzer, roter und weißer Kreide auf gelbem Papier, manchmal verwendete er jedoch auch Pastell- und Farbtinte. Schon zu seinen Lebzeiten genoss Bush als Zeichner einen sehr hohen Ruf, was sich auch daran zeigt, dass seine Zeichnungen bei Kunstsammlern sofort ausverkauft waren. Einige von ihnen waren gleichzeitig teurer als die „vollständigen“ Gemälde anderer Maler.

Toilette der Venus (nach 1743) (101 x 86,7) (St. Petersburg, Eremitage)

Wie bereits erwähnt, griff Boucher auf mythologische Themen zurück, vor allem um schöne nackte Frauen umgeben von den optionalesten Details darstellen zu können. Darüber hinaus eigneten sich diese Motive am besten für Porzellan, dekorative Tafeln und Wandteppiche. Normalerweise vermied Boucher dramatische Szenen und wählte lieber „handlungslose Handlungen“ für seine Gemälde, die es ermöglichten, den anmutigen Haltungen von Nymphen und Göttinnen die größte Aufmerksamkeit zu schenken.
Die besten mythologischen Werke von Boucher sind die Gemäldepaare „Sonnenaufgang“, 1753 und „Sonnenuntergang“ sowie „Der Triumph der Venus“ und „Badende Diana“. In all diesen Werken fehlt das narrative Element völlig. Aber fast überall sind schöne weibliche Körper in Hülle und Fülle vorhanden (am liebsten schrieb Boucher natürlich über die Liebesgöttin Venus). Sehr charakteristisch für das Werk des Meisters ist das ovale Medaillon „Die Toilette der Venus“, in dem die Göttin in der ganzen Pracht ihrer Nacktheit dargestellt ist. Beachten Sie, dass Boucher männliche Körper nie so offen dargestellt hat. In „Venus und Mars gefangen von Vulkan“ sehen wir nur die Köpfe und Schultern von Vulkan und Mars. Doch der Künstler rückt die Venus in den Vordergrund und gibt dem Betrachter die Möglichkeit, die Betrachtung ihrer prächtigen Formen zu genießen. Interessanterweise erscheint Jupiter (in den Szenen, in denen er die eine oder andere seiner „mythologischen Geliebten“ verführt) nie in der Gestalt eines Mannes vor dem Betrachter. Bei Leda ist er ein Schwan, bei Danae ist er ein Natursekt, bei Callisto ist er Diana.

Sonnenaufgang (1748) (321 × 270) (London, Wallace Collection)

Toilette (1742) (52,5 x 66,5) (Madrid, Thyssen-Bornemisz-Museum) Frau, die ein Strumpfband zurechtrückt (1742)

Nicht allen Kunden gefiel Bouchers charakteristisches Menü, das aus pastoralen, mythologischen und Boudoir-Szenen bestand. Ja, muss man denken, und der Meister selbst hatte manchmal genug von Nymphen und Hirten. Und dann kamen bezaubernde Genreszenen unter seinem Pinsel zum Vorschein – mit modern gekleideten Puppenfrauen, wohlerzogenen Kindern und eleganten Details des Alltags. Das vielleicht berühmteste Genregemälde von Boucher ist „Morgenkaffee“ von 1739. Offenbar posierten seine Frau und seine Schwester sowie seine beiden Kinder für den Meister. Die durch das Fenster brechende Sonne malt das raffinierte Innere des Raumes in sanften Tönen. Alle Anwesenden sehen zufrieden miteinander aus, die Kaffeekanne raucht in den Händen des Dieners, die Kinder sind Engel. Solche Genreszenen erfreuten sich bei den Kunden großer Beliebtheit. Beispielsweise gab die schwedische Kronprinzessin Louise Ulrika dem Künstler vier Gemälde (nach Tageszeit – morgens, nachmittags, abends und nachts) „mit modisch gekleideten Figuren und schönen Gesichtern“ in Auftrag. Auch Graf Tessin war ein großer Fan der Genrebilder Bouchers. Für ihn malte der Künstler das darunter platzierte Bild „Frau, die ihr Strumpfband zurechtrückt“ (1742). Beachten Sie, wie sehr sich diese Gemälde von Chardins Genreszenen unterscheiden. Jedes Detail – bis hin zum Schuhabsatz der Schönheit, bis hin zum Kinderspielzeug – spricht hier von „Lebenskunst“. Und es ist offensichtlich, dass Boucher diese „Kunst“ ganz anders versteht als Chardin.

Morgenkaffee (1739) (81,5 × 61,5) (Paris, Louvre) Morgenkaffee (1739)

Ein Jahrzehnt lang (von 1756 bis 1766) erstellte der Künstler unzählige Skizzen, nach denen in der Fabrik Figuren und Sets hergestellt wurden. Zu den interessantesten Werken, die auf seinen Zeichnungen basieren, zählt „Die Wissenschaft der Liebe“ von 1763 (oben rechts). Diese Komposition wurde nach der Skizze des Meisters nicht von irgendjemandem, sondern von Etienne Maurice Falcone geschaffen. Bemerkenswert ist auch die Figurenserie „Kinder“ aus weißem Porzellan. Charmante Kinder, die nach den Zeichnungen des Künstlers geformt wurden, tun nichts anderes, als Blumen zu pflücken und Lieder zu singen. Was die nach Bouchers Zeichnungen bemalten Gottesdienste betrifft, ist das Vasenset „Liebende im Garten“ (unten) nicht zu übersehen. Diese Vasen zeichnen sich durch große Eleganz aus, obwohl sie für den modernen Betrachter vielleicht etwas „überladen“ mit Details wirken.

Nest (1740) (98 x 146) (Paris, Louvre) Schäferin

Hübsche, geschmackvoll gekleidete (oder halbbekleidete) Hirten könnten nicht nur die königlichen Gemächer schmücken, sondern auch die Wohnung einer armen Näherin. Letzterer musste sich natürlich nicht mit dem Meisterwerk des Meisters begnügen, sondern mit einem minderwertigen Stich. Bouchers Theater diente als Quelle der „pastoralen Inspiration“, wo im 17.-18. Jahrhundert häufig pastorale Theaterstücke mit Musik und Poesie aufgeführt wurden. Die ersten Stücke dieser Art erschienen im 16. Jahrhundert in Italien. Von dort wanderten sie nach Frankreich aus. Die pastoralen Aufführungen hatten hier meist die Form von Ballett oder Pantomime. Es ist bekannt, dass Boucher solche Aufführungen mehr als einmal entworfen hat und viele ihrer Handlungsstränge später die Grundlage seiner idyllischen Hirtenszenen bildeten.

Schloss Versailles: Francois Boucher – Pastoral

Odaliske (1743) (53 x 65) (Reims, Kunstmuseum) Odaliske (1743)

Modistka (1746) (64 × 53) (Stockholm, Nationalmuseum)

Eine bezaubernde Genreszene, die wie absichtlich für ein Damenboudoir oder Büro geschrieben wurde. Eine Hutmacherin sitzt auf dem Boden und bringt ihrer Kundin eine Schachtel mit Mustern von Bändern – zur Auswahl. Vermutlich hat sich die Kundin schon seit längerem für Bänder entschieden, denn im Gesicht der jungen Schneiderin erkennt der Betrachter deutlich die unterwürfige Müdigkeit.

Mühle (1751) (66 x 84) (Paris, Louvre)

Die Entführung Europas (1732-1734) (231 x 274) (London, Wallace Collection)

Der weltberühmte französische Dekorateur, Graveur und Maler Francois Boucher wurde im September 1703 in der Hauptstadt Frankreichs geboren. Er trat in die Fußstapfen seines Vaters, der seinen Lebensunterhalt mit dem Zeichnen von Mustern für Stickereien und Gravuren verdiente, und half ihm schon in jungen Jahren in der Werkstatt, wobei er Talent in der bildenden Kunst zeigte. Als sein Vater dies bemerkte, gab er ihm die Möglichkeit, bei dem berühmten Kupferstecher Jean Kars zu studieren.

Der Beginn eines unabhängigen Lebens ermöglichte es François, durch eigene Arbeit Geld zu verdienen und nützliche Kontakte zu hochrangigen Kunden seines Lehrers zu knüpfen.

Carier-Start

Im Jahr 1720 setzte Boucher seine Studien bei dem damals berühmten Wandmaler Lemoine fort und erlernte ab 1722 mit Hilfe der Anweisungen von Jean-Francois Cara Sr. die Kunst der Gestaltung von Drucken und Büchern.

Das erste ernsthafte Werk des Malers entstand 1722, als er den Auftrag erhielt, Illustrationen für eine Neuausgabe von Gabriel Daniels Werk anzufertigen. Französische Geschichte". Das Jahr 1723 brachte dem Künstler eine Auszeichnung: Das Gemälde von Francois Boucher „Böses Merodach, Sohn und Erbe Nebukadnezars, befreit König Joachim von den Fesseln“ machte das Talent des Malers der breiten Öffentlichkeit zugänglich.

Italienische Feiertage und triumphale Rückkehr

Im Jahr 1727 reiste Boucher nach Italien, um sein Wissen aufzufrischen und sich das Werk genauer anzusehen berühmte Meister dein Geschäft.

Großer Einfluss auf weitere Kreativität Dem Künstler wurden Werke von Giovanni Lanfranco und Pietro da Cortona zur Verfügung gestellt. Francois Boucher, dessen Gemälde vielen Rokoko-Fans bekannt sind, fasste in seinen Werken bestimmte Traditionen und Maltechniken zusammen und wählte den für seine Figur am besten geeigneten Stil.

Als der Künstler 1731 aus Italien zurückkehrte, kandidierte er für die Mitgliedschaft in der Königlichen Akademie des Departements. Drei Jahre später wurde er dank des Gemäldes „Rinaldo und Armida“ schließlich als Mitglied der Akademie zugelassen. Im gleichen Zeitraum arbeitete Boucher in der Manufaktur in Beauvais.

Die 30er und 40er Jahre des 18. Jahrhunderts brachten dem Maler zahlreiche offizielle Aufträge für die Ausmalung von Wohnungen in Versailles, insbesondere in den Gemächern des Dauphins, in kleinen Gemächern und im Zimmer der Königin.

Er malte auch die Säle der Königlichen Bibliothek. Boucher nutzte die Gunst Ludwigs XV. und seiner Mätresse, der Marquise de Pompadour, und erhielt den Auftrag, ihre Residenzen sowie die Villen des Adels in der Nähe des Hofes zu schmücken.

Worüber hat Francois Boucher geschrieben?

Allegorische und mythologische Szenen gehören zu den Lieblingsthemen von Francois Boucher. zeichnet sich durch Anmut, pikante Belustigung und eine gewisse Lebensfreude aus, betont Hauptidee Leinwände. Auch wählte der Maler häufig Szenen aus dem ländlichen und im Gegensatz dazu aus dem städtischen Leben für seine Leinwände: zum Beispiel Jahrmärkte, Feierlichkeiten, das modische Leben der wohlhabenden Pariser.

Der Wunsch nach Perfektion und die Anstrengungen, die Boucher in seine Werke steckte, ermöglichten es ihm, 1755 die Leitung der Gobelin-Manufaktur zu übernehmen. Er schuf sehr fruchtbar: zahlreiche Stiche, Bühnenbilder für Aufführungen und Opern, Gemäldefächer, Miniaturen, ornamentale Gemälde aus Porzellan, Gemälde für die Gobelinmanufakturen der königlichen Familie und natürlich berühmte Illustrationen zu den Büchern von Boccaccio, Moliere und Ovid brachten den wohlverdienten Ruhm von Francois Boucher. Die Gemälde des Künstlers werden in vielen Museen auf der ganzen Welt aufbewahrt: im Louvre, im Petit Palais Museum, im Lyon Museum Bildende Kunst, St. Petersburger Eremitage, National Londoner Galerie, Madrid Prado Museum und viele andere.

Die besondere Art des Künstlers, die sich durch Raffinesse, Anmaßung und den Wunsch, der Realität zu entfliehen, auszeichnet, zieht ausnahmslos die Aufmerksamkeit der Besucher von Museen und Galerien auf sich.

Boucher kannte die Manieren des Pariser Adels gut und versuchte dennoch, ihre wahren Wünsche und Laster hinter den Gesichtern gewöhnlicher ländlicher Hirtinnen zu verbergen.

Francois Boucher: Gemälde

Im Jahr 1765 wurde Boucher „der erste Maler des Königs“ und zum Direktor für Malerei und Bildhauerei ernannt.

Dies ist vielleicht der höchste Höhepunkt in der Karriere, von dem die damaligen Künstler träumten.

1770 verlieh dem Künstler ein weiteres Ornat – eine Ehrenmitgliedschaft in der St. Petersburger Akademie der Künste.

Die Gemälde von Francois Boucher mit Titeln, die ihren Inhalt vollständig offenbaren, bestechen durch ihre Reinheit in der Ausführung und eine besondere Art, die sich in der Zeit entwickelt hat frühe Jahre Kreativität des Künstlers.

Unter den meisten Berühmte Werke Der Maler sollte Werke wie „Pygmalion und Galatea“ hervorheben. Liebesbrief“, „Jupiter und Kallisto“, „Die Entführung Europas“, „Triumph der Venus“, „Herkules und Omphala“.

Der große Schöpfer starb im Mai 1770 im Alter von 67 Jahren. Die Erinnerung an Francois Bouche, dessen Stiche und Miniaturen mehr als eine Generation aufstrebender Künstler inspirierten, hinterließ deutliche Spuren in der Geschichte der bildenden Künste. Art XVIII Jahrhundert wird noch lange in den Herzen der Kenner seines Talents leben.

heilige Familie

Johannes der Täufer

Der heilige Petrus geht auf dem Wasser

Ruhen Sie sich auf dem Flug nach Ägypten aus

Herbst

Kittfischer

Amoretten sind Schnitter

Herbst

Putti mit Seifenblasen

Kunstgenies

Allegorie der Malerei

Amoretten – Allegorie der Malerei

Allegorie der Musik

Musikalische Putten

Ziel der Liebe

Musik und Tanz

Euterpe

Verschwörungsamoren

Toilette der Venus

Venus tröstet Amor

Toilette der Venus

Venus auf der Welle

Venus und Amor

Triumph der Venus

Venus entwaffnet Amor

Venus und Vulkan

Mars und Venus von Vulkan eingefangen

Amor-Training

Diana nach der Jagd

Diana nach dem Schwimmen

Sonnenaufgang

Sonnenuntergang

Vulkans Schmiede (Vulkan zeigt Venus die Waffe für Aeneas)

Muse Erato

Die Entführung Europas

Die Vergewaltigung Europas

Rinaldo und Armida

Aurora und Cephalus

Herkules und Omphale

Leda und der Schwan

Badegast entdeckt

Pan und Syringa

Kurzbiographie von Francois Boucher

Francois Boucher (1703–1770), französischer Maler und Dekorateur.

Er wurde am 29. September 1703 in Paris in der Familie eines Dekorateurs und eines Druckgraphikers geboren.

Boucher ist der prominenteste Vertreter des Rokoko (eine Stilrichtung in der europäischen Kunst in der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts). Er hat brillante Karriere, erhielt ständig königliche Aufträge und war mit vielen Kunstliebhabern befreundet. Im Jahr 1723 erhielt Boucher den Großen Preis der Französischen Akademie für das Gemälde „Die Befreiung von Joachim, dem Gefangenen Nebukadnezars“.

Das Lieblingsmodell des Künstlers war damals Marie Jeanne Busot, die bald seine Frau wurde. Er veröffentlichte weiterhin Stiche (Molière, 1734–1737; Die Schreie von Paris, 1737) und erhielt zunehmend teure Aufträge. 1734 wurde Bush in die Akademie gewählt; Das eröffnet eine lange offizielle Karriere Professor (1737), Direktor der Akademie und „der erste Maler des Königs“ (1765).

Der Künstler arbeitet in der Tapisserie-Manufaktur in Beauvais und in der Königlichen Tapisserie-Manufaktur in Paris, fertigt Kulissen für Theater- und Opernproduktionen, ist hin- und hergerissen zwischen den Befehlen von König Ludwig XV. und der Marquise de Pompadour sowie seinen Freunden.

Im Jahr 1736 malte Boucher eine Serie von „Pastoralen“ in 14 Teilen und 1739 „Geschichte der Psyche“. Für die Royal Tapestry Manufactory schuf er zwei Serien – „Die Liebe der Götter“ und „Aminte“ (1755-1756). Der Wandteppich „Chinesische Divertissements“ (1764 von Ludwig Seine Zeit.

Nach dem Tod der Marquise de Pompadour im Jahr 1764 stellte der Künstler weiterhin im Salon aus, obwohl das Publikum zunehmend J. B. Greuze und O. Fragonard anzog. Bush altert, sein Sehvermögen lässt nach, aber er arbeitet weiter. Er unternimmt eine Reise nach Flandern (1766), malt Bilder zu religiösen Themen („Die Anbetung der Hirten“, 1764 usw.), schmückt den Marsilla-Palast (1769) und schafft zahlreiche Dekorationen für Opernaufführungen(Castor und Pollux, 1764; Theseus, 1765; Sylvia, 1766).

Wenige Monate vor seinem Tod wurde Bush zum Ehrenmitglied der Akademie der Künste in St. Petersburg gewählt.

Er kann als Begründer des Ganzen angesehen werden Kunstschule. Der Künstler hat geschaffen neuer Kanon weibliche Schönheit, perfekt geeignet für die Pariser Gesellschaft dieser Zeit (The Swarthy Odalisque, 1745; Hercules and Omphala, 1731-1734).

Bouchers Landschaften sind voller Charme und Fantasie („Landschaft bei Beauvais“, 1742 usw.). Der Künstler zeigte sich als Dekorateur (Ruhe auf der Flucht nach Ägypten, 1757) und Ornamentalist, der im 19. Jahrhundert so oft nachgeahmt wurde.

Als Meister virtuoser Zeichnungen fertigte Boucher über 10.000 davon an.