Der teuerste zeitgenössische Künstler. Die berühmtesten zeitgenössischen Künstler

Große internationale Auktionen beziehen zunehmend zeitgenössische russische Künstler in ihre Auktionen von Nachkriegs- und zeitgenössischer Kunst ein. Im Februar 2007 veranstaltete Sotheby’s die erste und geradezu sensationelle Spezialauktion russischer zeitgenössischer Kunst, die 22 Auktionsrekorde erzielte. „Artguide“ hat beschlossen, herauszufinden, welcher unserer zeitgenössischen Künstler am meisten gesammelt hat große Mengen An Internationale Auktionen und nachdem ich anhand der Ergebnisse von Auktionen die zehn teuersten lebenden russischen Künstler zusammengestellt hatte, entdeckte ich einige interessante Muster. Alle Verkaufspreise basieren auf Auktionshausdaten und verstehen sich inklusive Käuferaufgeld.

Alexander Winogradow und Wladimir Dubossarski. Nachtfitness. Fragment. Mit freundlicher Genehmigung der Autoren (www.dubossarskyvinogradov.com)

Natürlich konnte es keinen Zweifel darüber geben, wer genau der Anführer des Auktionsrennens wurde: Ilya Kabakovs grandioser „Käfer“, der im Februar 2008 bei Phillips de Pury für fast 3 Millionen Pfund verkauft wurde, ist wahrscheinlich jedem in Erinnerung, der sich für zeitgenössische Kunst interessiert Kunst. Ein lustiger Kinderreim, dessen Text mit einem Käfer auf eine Holztafel geschrieben ist, erlangte in der Kunstgeschichte und Marktinterpretation sogar eine nachdenkliche Intonation: „Mein Käfer bricht aus, springt, zwitschert, er will nicht hinein.“ meine Sammlung“ – das bedeutet metaphorisch die Begeisterung eines Sammlers zeitgenössische Kunst, feilschend um genau diesen Käfer. (Der von Kabakov zitierte Vers, geschrieben von der Architektin A. Maslennikova, einer Amateurdichterin aus Woronesch, wurde in der 1976 im Verlag „Kinderliteratur“ erschienenen Kindersammlung von Gedichten, Reimen und Rätseln „Zwischen Sommer und Winter“ veröffentlicht ” – und Kabakov illustrierte dieses Buch. Stimmt, dieser Käfer in seinem Schwarz-Weiß-Illustrationen hatte nicht).

Es sollte hinzugefügt werden, dass, wenn wir nicht die Top 10 der teuersten lebenden Künstler, sondern die Top 10 ihrer teuersten Werke erstellen würden, Kabakovs Gemälde die ersten drei Plätze dieser Liste belegen würden. Das heißt, die drei teuersten Werke eines lebenden russischen Künstlers gehören ihm – neben „Beetle“ sind dies „Luxury Room“ 1981 (Phillips de Pury, London, 21. Juni 2007, 2,036 Millionen Pfund) und „Vacation Nr. 10“ 1987 (Phillips de Pury London, 14. April 2011, 1,497 Millionen Pfund). Darüber hinaus „schenkte“ der großzügige Kabakov der Wiener Dorotheum-Auktion einen weiteren Rekord – vor einem Jahr, am 24. November 2011, ging das Gemälde „An der Universität“ für 754,8 Tausend Euro dorthin und wurde damit zum teuersten Werk der Gegenwart Kunst, die jemals auf dieser Auktion verkauft wurde.

Der Silbermedaillengewinner wird wahrscheinlich auch von vielen leicht genannt werden – das ist Eric Bulatov, dessen Leinwand „Ruhm der KPdSU“ bei derselben Phillips de Pury-Auktion wie Kabakovs „Käfer“ für einen Rekordpreis für den Künstler verkauft wurde.

Den dritten Platz belegte jedoch der Nonkonformist Evgeniy Chubarov, dessen späte Arbeit„Untitled“ ging im Juni 2007 für 720.000 Pfund an Phillips de Pury, was man als Überraschung hätte bezeichnen können, wenn nicht einige Monate zuvor, im Februar desselben Jahres, Chubarov bereits bei Sotheby's in London für Furore gesorgt hätte . bei einer Spezialauktion russischer zeitgenössischer Kunst, bei der sein Werk mit demselben Titel (oder besser gesagt ohne Titel) für 288.000 Pfund (mit einer oberen Schätzung von 60.000 Pfund) verkauft wurde und damit nicht nur das vermeintliche Spitzenlos übertraf Das Gemälde „Revolution – Perestroika“ von Bulatov wurde bei einer Auktion versteigert (Verkaufspreis 198.000 £), wurde aber auch zum damals teuersten Werk eines lebenden russischen Künstlers. Hier liegt übrigens die Ironie der Wechselkursschwankungen: Im November 2000 wurde Grisha Bruskins Polyptychon in New York für 424.000 US-Dollar verkauft, in Pfund Sterling waren es dann 296,7.000 Pfund, und im Februar 2007, als es … installiert wurde, kostet Chubarovs erster Rekord bereits nur 216,6 Tausend Pfund.

Werke der Viertplatzierten Vitaly Komar und Alexander Melamid sind häufige und recht erfolgreiche Lose auf westlichen Auktionen, obwohl ihre Schätzungen selten über 100.000 £ liegen. Das zweitteuerste Werk des Duos ist „The Yalta Conference“. „Das Urteil des Paris“ wurde 2007 bei Macdougalls Auktion für 184,4 Tausend Pfund verkauft. Allerdings sollte man natürlich berücksichtigen, dass das Gemälde, das ihnen den vierten Platz einbrachte, zu recht frühen Werken gehört, die selten auf Auktionen erscheinen, und das war auch der Fall 1976 auf der ersten (und sehr hochkarätigen) Auslandsausstellung von Komar und Melamid in der Ronald Feldman Gallery in New York ausgestellt.

Nach Komar und Melamid nehmen Oleg Vasiliev und Semyon Faibisovich regelmäßig an Auktionen teil Reck. Vasiliev wurde bei diesem ungewöhnlichen Rennen Dritter erfolgreiche Auktion Phillips de Pury 2008, der Ilya Kabakov und Erik Bulatov Rekorde einbrachte, und Faibisovich - Vierter. Dann wurde Vasilievs Gemälde „Variation zum Thema des Covers der Zeitschrift „Ogonyok““ aus dem Jahr 1980 für 356.000 Pfund mit einer Schätzung von 120.000 Pfund verkauft, und „Ein weiterer Blick auf das Schwarze Meer“ von Faibisovich aus dem Jahr 1986 300,5.000 £ mit einer Schätzung von 120.000 ₤. Schätzung 60-80.000 £. Werke beider Künstler erzielen bei Auktionen oft sechsstellige Beträge.

Zwar waren es nicht die rekordverdächtigen „Soldaten“, die Faibisovich bei der Auktion berühmt machten, sondern das Gemälde „Beauty“, das am 12. März 2008 bei Sotheby’s verkauft wurde – dies war die zweite Auktion Auktions Haus zeitgenössische russische Kunst, mit Ausnahme der Moskauer Auktion 1988. Das Gemälde (sein anderer Name ist „Der Erste Mai“) wurde dann für 264.000 Pfund verkauft, mit einer Schätzung von 60.000 bis 80.000 Pfund; es entbrannte ein regelrechter Käuferkampf um das Gemälde. Ein weiteres Gemälde von Faibisovich „In der Moskauer Straße“ übertraf bei dieser Auktion die Schätzung zweimal und wurde für 126.000 Pfund verkauft. Wir fügen hinzu, dass laut dem Artprice-Portal Semyon Faibisovich das einzige ist Russische Künstler, gehörte 2011-2012 zu den 500 meistverkauften Büchern.

Ähnliches gilt für Oleg Tselkov, der in den Top 10 den achten Platz belegt. Bereits vor einem halben Jahrhundert hat er seinen Stil und sein Thema gefunden, ein wiedererkennbarer und maßgeblicher Künstler, der regelmäßig Auktionen mit seinen leuchtenden runden Gesichtern beliefert, die weiterhin Erfolg haben. Das zweitteuerste Gemälde von Tselkov, „Fünf Gesichter“, wurde im Juni 2007 bei MacDougall's für 223,1 Tausend Pfund verkauft, das dritte, „Zwei mit Käfern“, wurde im November desselben Jahres auf derselben Auktion verkauft (MacDougall's behauptet immer). (mehrere Tselkovs verschiedener Preisklassen wurden für 202,4 Tausend Pfund versteigert).

Grisha Bruskin in Auktionsgeschichte Russische zeitgenössische Kunst spielt seit 1988 eine besondere Rolle, mit einer Moskauer Sotheby’s-Auktion mit dem Titel „Russische Avantgarde und sowjetische zeitgenössische Kunst“, bei der sein „Fundamental Lexicon“ für sensationelle 220.000 Pfund verkauft wurde, das Zwölffache der Schätzung. Etwa das Gleiche, vielleicht sogar noch Sensationelleres, geschah mit dem Polyptychon „Logia. Teil I“ im Jahr 2000 bei Christie’s in New York: Das Polyptychon wurde für 424.000 US-Dollar versteigert und übertraf damit den oberen Schätzwert um das 21-fache (!) Mal – allein dies kann als eine Art Rekord angesehen werden. Höchstwahrscheinlich ist dieser außergewöhnliche Kauf nicht zuletzt auf die Bedeutung von Bruskins Namen als Held der legendären Moskauer Sotheby’s-Auktion zurückzuführen, denn keine andere Auktion von Bruskin kommt auch nur annähernd an diese Beträge heran.

Der Preis von Oscar Rabin schwankt nicht, sondern steigt stetig und sehr deutlich an, insbesondere für Werke aus der Sowjetzeit – alle teuersten auf einer Auktion verkauften Werke dieses Meisters wurden Ende der 1950er – Anfang der 1970er Jahre gemalt. Dies sind (zusätzlich zu seinem rekordverdächtigen „Socialist City“) „Baths (Smell the Cologne „Moscow“, 1966, Sotheby's, New York, 17. April 2007, 336.000 US-Dollar) und „Violin in the Graveyard“ (1969, Macdougall's, London, 27. November 2006, £168,46).

Die Top Ten werden durch Vertreter von mehr als komplettiert jüngere Generation— Alexander Vinogradov und Vladimir Dubossarsky, deren teuerste Gemälde bei Phillips de Pury verkauft wurden (das zweitteuerste ist „The Last Butterfly“, 1997, Phillips de Pury, New York, 181.000 US-Dollar). Diese Künstler setzen im Allgemeinen einen Trend fort, der in der Rangliste der Meisten deutlich sichtbar ist teure Gemälde lebende Künstler. Wir werden etwas weiter unten darauf eingehen, aber hier ist jetzt endlich eine Liste der teuersten Werke lebender russischer Künstler.

Top 10 Werke lebender russischer Künstler

1. Ilja Kabakow (geb. 1933). Insekt. 1982. Holz, Emaille. 226,5 x 148,5. Auktion von Phillips de Pury & Company, London, 28. Februar 2008. Schätzpreis 1,2–1,8 Millionen £. Verkaufspreis 2,93 Millionen £.

2. Erik Bulatov (geb. 1933). Ehre sei der KPdSU. 1975. Öl auf Leinwand. 229,5 x 229. Auktion von Phillips de Pury & Company, London, 28. Februar 2008. Schätzpreis 500–700.000 £. Verkaufspreis 1,084 Millionen £.

3. Evgeny Chubarov (geb. 1934). Untitled. 1994. Öl auf Leinwand. 300 x 200. Auktion von Phillips de Pury & Company, London, 22. Juni 2007. Schätzpreis 100–150.000 £. Verkaufspreis 720.000 £.

4. Vitaly Komar (geb. 1943) und Alexander Melamid (geb. 1945). Treffen zwischen Solschenizyn und Bell in Rostropowitschs Datscha. 1972. Öl auf Leinwand, Collage, Goldfolie. 175 x 120. Auktion von Phillips de Pury & Company, London, 23. April 2010. Schätzpreis 100–150.000 £. Verkaufspreis 657,25.000 £.

5. Oleg Wassiljew (geb. 1931). Vor dem Sonnenuntergang. 1990. Öl auf Leinwand. 210 x 165. Sotheby’s-Auktion, London, 12. März 2008. Schätzpreis 200–300.000 £. Verkaufspreis 468,5.000 £.

6. Semyon Faibisovich (geb. 1949). Soldaten. Aus der Serie „Stationen“. 1989. Öl auf Leinwand. 285,4 x 190,5. Auktion von Phillips de Pury & Company, London, 13. Oktober 2007. Schätzpreis 40-60.000 £. Verkaufspreis 311,2.000 £.

8. Oleg Tselkov (geb. 1934). Junge mit Luftballons. Leinwand, Öl. 103,5 x 68,5. MacDougall's-Auktion, London, 28. November 2008. Schätzpreis 200–300.000 £. Verkaufspreis 238,4.000 £.

9. Oscar Rabin (geb. 1928). Stadt und Mond (Sozialistische Stadt). 1959. Öl auf Leinwand. 90 x 109. Sotheby’s-Auktion, New York, 15. April 2008. Schätzpreis 120.000–160.000 US-Dollar. Verkaufspreis 337.000 US-Dollar (171,4 £ zum Wechselkurs von Dollar zu Pfund Sterling vom April 2008).

10. Alexander Vinogradov (geb. 1963) und Vladimir Dubossarsky (geb. 1964). Nachttraining. 2004. Öl auf Leinwand. 194,9 x 294,3. Auktion von Phillips de Pury & Company, London, 22. Juni 2007. Schätzpreis 15.000 bis 20.000 £. Verkaufspreis 132.000 £.

Es ist bekannt, dass Auktionspreise eine irrationale Sache sind und man an ihnen nicht die wahre Rolle und Bedeutung des Künstlers im künstlerischen Prozess beurteilen kann. Aber an ihnen und an den Top-Lots kann man grob die Vorlieben des Sammlers ablesen. Was sind Sie? Um diese Frage zu beantworten, müssen Sie kein Experte sein. Sie sind offensichtlich. Erstens sind alle Künstler (außer vielleicht Alexander Winogradow und Wladimir Dubossarski) seit Jahren „lebende Klassiker“, und zwar sehr respektable. Zweitens wurden die Rekorde bei fast jedem von ihnen nicht durch Arbeit aufgestellt den letzten Jahren, aber viel früher, das heißt, auch hier gilt das Muster „je älter, desto besser“. Drittens sind ausnahmslos alle Werke aus den Top 10 Staffeleigemälde. Viertens sind das alles Bilder von einer großen und sehr großen Größe große Größe. Die einzigen, die in dieser Hinsicht als mehr oder weniger „Standard“ gelten können, sind „Die Stadt und der Mond“ von Oscar Rabin und „Der Junge mit den Luftballons“ von Oleg Tselkov; alle anderen übertreffen die menschliche Körpergröße bei weitem (nicht einmal). in der Breite). Schließlich ist für alle diese Künstler das Thema der sowjetischen (insbesondere nonkonformistischen) Vergangenheit auf die eine oder andere Weise relevant und wird in vielen Fällen in ihren Werken akzentuiert. Es scheint, dass unsere Sammler eine starke Sehnsucht nach dieser sehr sowjetischen Vergangenheit verspüren (das ist allgemein bekannt). Russische Kunst Es sind russische Sammler, die im Westen kaufen).

Alexander Vinogradov und Vladimir Dubossarsky sind jünger als die anderen Auktionsleiter und versuchen etwas hartnäckig, aus den Dutzenden harter Nonkonformisten auszubrechen, aber das ist nur auf den ersten Blick so. In der Tat, wenn Sie sich vorstellen, wer aus der nächsten Generation nach Kabakov, Bulatov, Rabin, Vasilyev, Tselkov der beste Weg erfüllen möglicherweise die oben genannten Kaufkriterien (Staffelei-Gemälde). große Größen, Neuauflagen sowjetischer Genres, Motive und Stilistiken), dann werden es wahrscheinlich Winogradow und Dubossarski sein, würdige Erben der Meister vergangener Jahrzehnte. Zumindest gemessen an den Auktionsverkäufen.

Wenn Sie denken, dass alle großen Künstler der Vergangenheit angehören, dann haben Sie keine Ahnung, wie falsch Sie liegen. In diesem Artikel erfahren Sie mehr über die berühmtesten und talentiertesten Künstler unserer Zeit. Und glauben Sie mir, ihre Werke werden Ihnen nicht weniger in Erinnerung bleiben als die Werke der Meister vergangener Epochen.

Wojciech Babski

Wojciech Babski – modern Polnischer Künstler. Abschluss seines Studiums in Schlesisch Polytechnisches Institut, verband sich aber mit . IN In letzter Zeit zieht hauptsächlich Frauen an. Konzentriert sich auf den Ausdruck von Emotionen und strebt danach, mit einfachen Mitteln die größtmögliche Wirkung zu erzielen.

Liebt Farben, verwendet aber oft Schwarz- und Grautöne, um den besten Eindruck zu erzielen. Keine Angst davor, mit verschiedenen neuen Techniken zu experimentieren. In letzter Zeit erfreut er sich zunehmender Beliebtheit im Ausland, vor allem im Vereinigten Königreich, wo er seine Werke, die bereits in vielen Privatsammlungen zu finden sind, erfolgreich verkauft. Neben der Kunst interessiert er sich für Kosmologie und Philosophie. Hört Jazz. Lebt und arbeitet derzeit in Kattowitz.

Warren Chang

Warren Chang – modern Amerikanischer Künstler. Geboren 1957 und aufgewachsen in Monterey, Kalifornien, schloss er 1981 sein Studium am Art Center College of Design in Pasadena mit Auszeichnung ab, wo er einen BFA erhielt. In den nächsten zwei Jahrzehnten arbeitete er als Illustrator für verschiedene Unternehmen in Kalifornien und New York, bevor er 2009 eine Karriere als professioneller Künstler begann.

Seine realistischen Gemälde lassen sich in zwei Hauptkategorien einteilen: biografische Innengemälde und Gemälde, die Menschen bei der Arbeit darstellen. Sein Interesse an diesem Malstil geht auf die Arbeit des Künstlers Johannes Vermeer aus dem 16. Jahrhundert zurück und erstreckt sich auf Themen, Selbstporträts, Porträts von Familienmitgliedern, Freunden, Studenten, Atelierinnenräumen, Klassenzimmern und Häusern. Sein Ziel ist es realistische Gemälde Schaffen Sie Stimmung und Emotionen durch die Manipulation von Licht und die Verwendung gedämpfter Farben.

Chang wurde berühmt, nachdem er sich der traditionellen bildenden Kunst zuwandte. In den letzten 12 Jahren hat er zahlreiche Auszeichnungen und Ehrungen erhalten, von denen die prestigeträchtigste die Master Signature der Oil Painters of America ist, der größten Ölmalergemeinschaft in den Vereinigten Staaten. Nur eine von 50 Personen hat die Möglichkeit, diese Auszeichnung zu erhalten. Warren lebt derzeit in Monterey und arbeitet in seinem Atelier. Außerdem unterrichtet er (bekannt als talentierter Lehrer) an der San Francisco Academy of Art.

Aurelio Bruni

Aurelio Bruni – Italienischer Künstler. Geboren am 15. Oktober 1955 in Blair. Er erhielt ein Diplom in Szenografie vom Institut für Kunst in Spoleto. Als Künstler ist er Autodidakt, da er auf dem in der Schule gelegten Fundament selbstständig „ein Haus des Wissens aufgebaut“ hat. Im Alter von 19 Jahren begann er mit der Ölmalerei. Lebt und arbeitet derzeit in Umbrien.

Brunis frühe Gemälde haben ihre Wurzeln im Surrealismus, doch mit der Zeit beginnt er, sich auf die Nähe von lyrischer Romantik und Symbolik zu konzentrieren und diese Kombination mit der exquisiten Raffinesse und Reinheit seiner Charaktere zu verstärken. Belebte und unbelebte Objekte erhalten die gleiche Würde und sehen fast hyperrealistisch aus, verstecken sich aber gleichzeitig nicht hinter einem Vorhang, sondern ermöglichen Ihnen, das Wesen Ihrer Seele zu sehen. Vielseitigkeit und Raffinesse, Sinnlichkeit und Einsamkeit, Nachdenklichkeit und Fruchtbarkeit sind der Geist von Aurelio Bruni, genährt von der Pracht der Kunst und der Harmonie der Musik.

Aleksander Balos

Alkasander Balos ist ein zeitgenössischer polnischer Künstler, der sich auf Ölmalerei spezialisiert hat. Geboren 1970 in Gliwice, Polen, lebt und arbeitet er seit 1989 in den USA, in Shasta, Kalifornien.

Als Kind studierte er Kunst unter der Anleitung seines Vaters Jan, einem Autodidakten und Bildhauer junges Alter, künstlerische Tätigkeit erhielt die volle Unterstützung beider Eltern. 1989, im Alter von achtzehn Jahren, verließ Balos Polen in Richtung USA, wo er Schullehrer und die Teilzeitkünstlerin Katie Gaggliardi ermutigte Alkasander, sich einzuschreiben Kunstschule. Anschließend erhielt Balos ein Vollstipendium an der University of Milwaukee, Wisconsin, wo er Malerei bei Philosophieprofessor Harry Rozin studierte.

Nach seinem Bachelor-Abschluss im Jahr 1995 zog Balos nach Chicago, um dort zur Schule zu gehen bildende Kunst deren Methoden auf Kreativität basieren Jacques-Louis David. Figurativer Realismus und Porträtgemälde bildete in den 90er und frühen 2000er Jahren den Großteil von Balos‘ Werken. Heute nutzt Balos die menschliche Figur, um Merkmale hervorzuheben und Fehler aufzuzeigen. menschliche Existenz ohne Lösungen anzubieten.

Die thematischen Kompositionen seiner Bilder sollen vom Betrachter unabhängig interpretiert werden können, erst dann erhalten die Bilder ihre wahre zeitliche und subjektive Bedeutung. Im Jahr 2005 zog der Künstler nach Nordkalifornien. Seitdem hat sich das Thema seiner Arbeit erheblich erweitert und umfasst nun freiere Malmethoden, darunter Abstraktion und verschiedene Multimedia-Stile, die dabei helfen, Ideen und Ideale der Existenz durch Malerei auszudrücken.

Alyssa Monks

Alyssa Monks ist eine zeitgenössische amerikanische Künstlerin. Geboren 1977 in Ridgewood, New Jersey. Schon als Kind begann ich mich für die Malerei zu interessieren. Studierte an der New School in New York und Staatliche Universität Montclair und schloss 1999 sein Studium am Boston College mit einem B.A. ab. Gleichzeitig studierte sie Malerei an der Lorenzo de' Medici-Akademie in Florenz.

Anschließend setzte sie ihr Studium im Masterstudiengang an der New York Academy of Art in der Abteilung für Figurative Kunst fort, die sie 2001 abschloss. 2006 schloss sie ihr Studium am Fullerton College ab. Einige Zeit lang lehrte sie an Universitäten und Universitäten Bildungsinstitutionen Im ganzen Land unterrichtete sie Malerei an der New York Academy of Art sowie an der Montclair State University und dem Lyme Academy of Art College.

„Mit Filtern wie Glas, Vinyl, Wasser und Dampf verzerre ich menschlicher Körper. Mit diesen Filtern können Sie erstellen große Gebiete abstraktes Design, durch das Farbinseln hindurchschauen – Teile des menschlichen Körpers.

Meine Bilder verändern sich modernes Aussehen zu den bereits etablierten, traditionellen Posen und Gesten badender Frauen. Sie könnten einem aufmerksamen Betrachter viel über scheinbar selbstverständliche Dinge wie die Vorteile von Schwimmen, Tanzen usw. erzählen. Meine Figuren pressen sich gegen das Glas des Duschfensters, verzerren ihren eigenen Körper und erkennen, dass sie dadurch den berüchtigten männlichen Blick auf eine nackte Frau beeinflussen. Dicke Farbschichten werden gemischt, um Glas, Dampf, Wasser und Fleisch aus der Ferne zu imitieren. Doch aus der Nähe betrachtet, ist das Erstaunliche physikalische Eigenschaften Ölgemälde. Durch das Experimentieren mit Farb- und Farbschichten finde ich einen Punkt, an dem abstrakte Pinselstriche zu etwas anderem werden.

Als ich anfing, den menschlichen Körper zu malen, war ich sofort fasziniert und sogar besessen davon und glaubte, dass ich meine Bilder so realistisch wie möglich machen musste. Ich habe mich zum Realismus „bekennt“, bis er anfing, sich aufzulösen und Widersprüche in sich aufzudecken. Ich erforsche jetzt die Möglichkeiten und das Potenzial eines Malstils, in dem gegenständliche Malerei und Abstraktion aufeinander treffen – wenn beide Stile gleichzeitig koexistieren können, werde ich das tun.“

Antonio Finelli

Italienischer Künstler – „ Zeitbeobachter” – Antonio Finelli wurde am 23. Februar 1985 geboren. Lebt und arbeitet derzeit in Italien zwischen Rom und Campobasso. Seine Werke wurden in mehreren Galerien in Italien und im Ausland ausgestellt: Rom, Florenz, Novara, Genua, Palermo, Istanbul, Ankara, New York und sind auch in privaten und öffentlichen Sammlungen zu finden.

Bleistiftzeichnungen“ Zeitbeobachter„Antonio Finelli nimmt uns mit auf eine ewige Reise durch die innere Welt der menschlichen Zeitlichkeit und der damit verbundenen gewissenhaften Analyse dieser Welt, deren Hauptelement der Durchgang durch die Zeit und die Spuren, die sie auf der Haut hinterlässt, sind.

Finelli malt Porträts von Menschen jeden Alters, Geschlechts und jeder Nationalität, deren Mimik den Lauf der Zeit andeutet, und der Künstler hofft, auch auf den Körpern seiner Figuren Beweise für die Gnadenlosigkeit der Zeit zu finden. Antonio definiert seine Werke mit einem allgemeinen Titel: „Selbstporträt“, denn in seinen Bleistiftzeichnungen stellt er nicht nur eine Person dar, sondern lässt den Betrachter darüber nachdenken echte Ergebnisse der Zeitablauf innerhalb einer Person.

Flaminia Carloni

Flaminia Carloni ist eine 37-jährige italienische Künstlerin und Tochter eines Diplomaten. Sie hat drei Kinder. Sie lebte zwölf Jahre in Rom und drei Jahre in England und Frankreich. Sie erhielt einen Abschluss in Kunstgeschichte von der BD School of Art. Anschließend erhielt sie ein Diplom als Kunstrestauratorin. Bevor sie ihre Berufung fand und sich ganz der Malerei widmete, arbeitete sie als Journalistin, Koloristin, Designerin und Schauspielerin.

Flaminias Leidenschaft für die Malerei entstand bereits im Kindesalter. Ihr Hauptmedium ist Öl, weil sie es liebt, „coiffer la pate“ zu machen und auch mit dem Material zu spielen. Sie erkannte eine ähnliche Technik in den Werken des Künstlers Pascal Torua. Flaminia lässt sich von großen Meistern der Malerei wie Balthus, Hopper und François Legrand sowie verschiedenen künstlerischen Strömungen inspirieren: Street Art, chinesischer Realismus, Surrealismus und Renaissance-Realismus. Ihr Lieblingskünstler ist Caravaggio. Ihr Traum ist es, die therapeutische Kraft der Kunst zu entdecken.

Denis Tschernow

Denis Chernov ist ein talentierter ukrainischer Künstler, geboren 1978 in Sambir, Region Lemberg, Ukraine. Nach seinem Abschluss in Charkow Kunstschule 1998 blieb er in Charkow, wo er derzeit lebt und arbeitet. Er studierte außerdem an der Staatlichen Akademie für Design und Kunst in Charkow, Fachbereich Grafik, und schloss sein Studium 2004 ab.

Er nimmt regelmäßig daran teil Kunstausstellungen Derzeit gibt es mehr als sechzig davon, sowohl in der Ukraine als auch im Ausland. Die meisten Werke von Denis Chernov befinden sich in Privatsammlungen in der Ukraine, Russland, Italien, England, Spanien, Griechenland, Frankreich, den USA, Kanada und Japan. Einige der Werke wurden bei Christie's verkauft.

Denis arbeitet in einem breiten Spektrum grafischer und malerischer Techniken. Bleistiftzeichnungen gehören zu seinen liebsten Malmethoden, eine Liste seiner Themen Bleistiftzeichnungen ist auch sehr vielfältig, er malt Landschaften, Porträts, Akte, Genrekompositionen, Buchillustrationen, literarische und historische Rekonstruktionen und Fantasien.

Viele Menschen glauben, dass es im 21. Jahrhundert keine Künstler mehr gibt. In Wirklichkeit ist dies jedoch nicht der Fall. Und heutzutage gibt es viele talentierte und berühmte Künstler, dessen Arbeiten in Ausstellungen gezeigt werden, die viel Geld einbringen. Nachfolgend finden Sie eine Liste der 20 berühmtesten und wohlverdienendsten Künstler, die aktiv sind Kreative Aktivitäten nicht nur auf dem Territorium Russlands.

Der 1962 geborene russische Künstler Alexander Ivanov ist vor allem für sein Werk „Love“ bekannt, das 1996 gemalt und für fast 100.000 Rubel verkauft wurde. Sein Stil ist Abstraktionismus. Er ist auch Geschäftsmann, sammelt Aktivitäten und eröffnete das Fabergé-Museum in Baden-Baden.

Olga Bulgakova ist eine der wenigen talentierten und berühmten Künstlerinnen Russlands, geboren 1951, und eine der Russische Akademie arts als korrespondierendes Mitglied. Ein Vertreter der Malbewegung der Breschnew-Ära, die „Karneval“ genannt wird. Ihr bekanntestes Werk ist „Der Traum vom roten Vogel“ aus dem Jahr 1988.

Der russische Künstler Mikhail Brusilovsky, der unter dem Pseudonym Misha Shaevich arbeitet, ist in dieser Wertung enthalten und belegt den 18. Platz. Dieser weltberühmte Künstler

Der talentierte russische Künstler Lev Tabenkin wurde 1952 geboren Russische Hauptstadt- Moskau. Dieser Maler sieht das Bild wie ein Bildhauer. Es fühlt sich an, als wären seine geschriebenen Figuren aus Ton geformt. Einer der meisten Berühmte Gemälde Löwe ist „ Jazzorchester", geschrieben im Jahr 2004. Es wurde für 117.650 Rubel verkauft.

Das AES+F-Projekt besteht aus vier Menschen Tatsächlich besteht der Name aus den Anfangsbuchstaben der Nachnamen der Teilnehmer: Tatyana Arzamasova, Lev Evzovich, Evgeniy Svyatsky, Vladimir Fridnes. Die Kreativität dieses Unternehmens zeichnete sich bereits in den Neunzigerjahren durch eine sehr gute Präsentation aus und wurde erst in den Zweitausendern gewürdigt. Heutzutage erstellen sie größtenteils große animierte Wandgemälde, die auf Dutzenden von Bildschirmen ausgestrahlt werden. Eines der bekanntesten Werke dieser Firma: „Warrior 4“.

Der russische Künstler Sergei Wolkow wurde 1956 in Petrosawodsk geboren. Seine Werke zeichnen sich dadurch aus, dass er in der Zeit der Perestroika-Kunst entstand. Die Gemälde sind sehr ausdrucksstark gemalt, wobei sehr nachdenkliche Aussagen und Ideologien zum Ausdruck kommen. Sein bekanntestes Gemälde ist Double Vision. Triptychon".

Die Künstler Alexander Vinogradov und Vladimir Dubossarsky wurden beide 1963 und 1964 in Moskau geboren. Sie begannen 1994 zusammenzuarbeiten, nachdem sie sich auf einem Festival kennengelernt hatten, und schufen ein ungewöhnliches und grandioses Projekt. Das ursprüngliche Design hat den Respekt vieler Sammler verdient. Ihre Bilder hängen darin berühmte Plätze wie die Tretjakow-Galerie, das Russische Museum und sogar das Centre Pompidou. Sie selbst sind die Gründer der Art Strelka-Galerie und die Organisatoren des Art Klyazma-Festivals.

Auch der russische Künstler Vladimir Yankilevsky wurde in die Liste der bestbezahlten und berühmtesten Künstler aufgenommen. Er wurde 1938 in Moskau geboren. Vladimirs Vater war ebenfalls Künstler und sein Sohn erbte seinen Beruf. Vladimir arbeitet im Stil des Surrealismus – Kreativität mit paradoxen Kombinationen. Bereits 1970 malte er eines der berühmtesten Gemälde mit dem Titel „Triptychon 10. Anatomie der Seele II“.

Der Künstler Vladimir Nemukhin wurde 1925 in dem kleinen Dorf Priluki in der Region Moskau geboren. Er nahm an vielen ausländischen Ausstellungen in Europa teil. In den neunziger Jahren lebte und führte er aktive Arbeit in Deutschland, zog aber 2005 nach Russland. Sein Werk zeichnet sich durch eine dreidimensionale Komposition, das Vorhandensein von Gegenreliefs und verschiedenen Querschnittsmotiven, beispielsweise einem Kartenspiel, aus.

Künstler mit ungewöhnlicher Name, der Sohn eines spanischen politischen Emigranten, wurde 1943 in dem kleinen Dorf Wassiljewka in der Region Samara geboren. Er war Organisator der Künstlergruppe „Argo“ und ist Mitglied des Moskauer Künstlerverbandes. Francisco wurde außerdem mit dem Staatspreis für Leistungen auf dem Gebiet der bildenden Künste ausgezeichnet. Der Künstler ist sowohl in Russland als auch im Ausland kreativ tätig.

Der Künstler Alexander Melamed war einer der Teilnehmer des sehr berühmten kreatives Duett Komarov-Melamed, aber es löste sich bereits 2003 auf, dann begannen sie getrennt zu arbeiten. Wohnsitz seit 1978 ist New York. Die meisten seiner berühmten Werke schrieb er zusammen mit Vitaly Komar; gemeinsam gründeten sie auch die Sots Art-Bewegung und waren Organisatoren der Bulldozer-Ausstellung.

Dieser russische Künstler, der als einer der Begründer des Moskauer Konzeptualismus gilt, wurde 1937 in Moskau geboren, wo er sein Studium am Druckinstitut abschloss. Laut Viktor Pivovarov selbst wurde sein erstes Werk im Alter von fünf Jahren geschrieben. Er ist auch ein Vertreter der „inoffiziellen“ Kunst. Seine Gemälde befinden sich in einigen der berühmtesten und größten Ausstellungszentren: im Russischen Museum, Tretjakow-Galerie, Puschkin-Museum im. A. S. Puschkin.

Dieser Künstler wurde 1934 in Tiflis geboren. Er ist einer der klügsten Vertreter monumentale Malerei. Zurab ist bekannt für seine Arbeit in Form des Denkmals für Peter I., das sich in Moskau befindet, sowie des Denkmals vor dem UN-Gebäude in New York. Zurab ist Präsident der Russischen Kunstakademie, die eine eigene Museumsgalerie betreibt. Die Werke dieses Künstlers sind nicht nur in Russland, sondern auf der ganzen Welt bekannt.

Der russische Künstler Oscar Rabin ist als Organisator der Bulldoor-Ausstellung im Jahr 1974 bekannt. Vier Jahre später wurde ihm die sowjetische Staatsbürgerschaft entzogen. Wurde auch als einer der ersten Künstler bekannt, die Geschäfte machten Privatverkauf Gemälde in der Sowjetunion. Im Moment ist es festen Platz Wohn- und Arbeitsort ist Paris. Seine Bilder sind in größten Museen und Ausstellungszentren: Moskauer Museum für moderne Kunst, Tretjakow-Galerie, Russisches Museum und andere.

Der russische Künstler Oleg Tselkov gilt als der Künstler, der das Hauptwerk ins Leben gerufen hat kreative Bewegung in den sechziger Jahren des 20. Jahrhunderts und zeigte in seinen Gemälden sehr grobe und scharfe Züge, auch in der Darstellung von Menschen, die wie Tonfiguren aussehen. Seit 1977 macht Oleg weiter kreativer Weg in Paris. Seine Gemälde befinden sich in folgenden Ausstellungszentren: Russisches Museum, Tretjakow-Galerie, Eremitage. Eines der berühmtesten Gemälde ist „Junge mit Luftballons“ aus dem Jahr 1954.

Der 1934 in Moskau geborene russische Künstler Grigory Bruskin, oder Grischa, ist seit 1969 Mitglied des Künstlerverbandes. Den größten Ruhm erlangte er durch große Auktion Sotheby's, wo er sein Werk mit dem Titel „Fundamental Lexicon“ zum höchsten Preis verkaufte, was zu einem Rekord wurde. Derzeit lebt und arbeitet er sowohl in New York als auch in Moskau, weshalb er auch als amerikanischer Künstler bezeichnet wird.

Dieser russische Künstler zeichnet sich dadurch aus, dass er realistische Dinge mit äußerster Präzision darstellt. Seine eigentliche kreative Tätigkeit begann im Jahr 1985, als er bei Malaya Gruzinskaya ausstellte und die Aufmerksamkeit und Anerkennung von Sammlern aus New York erlangte. Seitdem wurden seine Werke in vielen europäischen Ländern ausgestellt und befinden sich in Ausstellungszentren in Amerika, Deutschland und Polen. Jetzt lebt und betreibt er kreative Aktivitäten in Moskau.

Dieses Duett existierte leider bis 2003, war aber ein großer Erfolg. Zwei russische Künstler wurden durch die Gründung einer Bewegung wie der Sots Art berühmt, die ein Ableger der inoffiziellen Kunst ist. Dies war eine Art Reaktion auf die Entstehung der Pop-Art im Westen. Leinwände mit Werken dieser Künstler befinden sich in großen Museen, darunter im Louvre.

Der russische Künstler ist dafür bekannt, dass er in seinem Werk sowohl Malerei als auch Text verbinden konnte; später wurde dies als soziale Kunst bezeichnet. Während der Sowjetzeit war er als Illustrator für Kinderbücher beliebt. Er lebte einige Zeit in New York, dann in Paris. Er war der erste Künstler, der eine Ausstellung im Centre Pompidou hatte. Sein kreative Arbeiten befinden sich in der Tretjakow-Galerie, im Russischen Museum und im Centre Pompidou.

Dieser talentierte russische Künstler kann zusammen mit seiner Frau Emilia als der wichtigste Künstler des Landes und Begründer des Moskauer Konzeptualismus angesehen werden. Er wurde 1933 in Dnepropetrowsk geboren, seit 1988 lebt er in New York. Seine Werke sind in der Eremitage, der Tretjakow-Galerie und dem Russischen Museum zu sehen. Ilya erhielt den Preis des japanischen Kaisers und seine beiden Werke „Käfer“ und „Luxuszimmer“ sind die teuersten Gemälde.

Wenn Sie es kaum erwarten können, sich Ihren Traum zu erfüllen – das Zeichnen zu lernen – dann ist diese Video-Lektionsreihe genau das Richtige für Sie für den ersten Schritt.

Modische Gemälde sind solche, die dem Geist und den Trends der Designentwicklung entsprechen modernes Interieur.

Gemälde verliehen dem Haus seit jeher Adel und eine gewisse Aristokratie. Und das wirkt sich auch positiv auf das Image des Hausbesitzers aus. Schließlich Gebildete Person, der eine Vorliebe für Kunstwerke hat, verlangt immer Respekt.

Aber wenn dies früher vor allem wohlhabenden Leuten oder wahren Kennern der Malerei vorbehalten war, belasten Innengemälde heute nicht mehr den Geldbeutel eines jeden, der Kunst schätzt und etwas davon versteht. Oder zumindest so tut, als würde er es verstehen, was auch nicht schlecht ist. Schließlich ist es so besser als nichts.

Die Zeiten ändern sich, die Malstile ändern sich und die Vorlieben derjenigen, die Gemälde kaufen, ändern sich. Wir werden über diese Vorlieben sprechen und versuchen herauszufinden, was sie sind Modegemälde derzeit.

Welche Gemälde liegen derzeit im Trend?

Es muss zugegeben werden, dass die Malerei im Genre der Landschaft oder des Stilllebens im Stil des klassischen Realismus derzeit für diejenigen interessanter ist, die schon immer Anhänger dieser Art von Kunst waren. Das heißt, sie kaufen solche Gemälde häufiger aufgrund ihrer künstlerischer Wert und nicht zum Zweck der Innendekoration.

Leider stößt die klassische Malerei derzeit nicht auf großes Interesse bei der Gestaltung moderner Innenräume.

Genauer gesagt ist diese Art von Innengemälden immer noch gefragt, eignet sich jedoch am besten für Innenräume, die im Stil des Barock, Klassizismus oder Neoklassizismus eingerichtet sind. Aber solche Innenräume sind inhärent in einem größeren Ausmaß wohlhabende Menschen, die Luxusimmobilien besitzen. Und wie Sie wissen, haben wir nicht so viele davon, wie wir gerne hätten.

Dies bedeutet nicht, dass Gemälde im Stil des klassischen Realismus kein Interesse und Respekt verdienen. Ganz im Gegenteil, aber die Mode erstreckt sich leider auch auf die bildende Kunst ...

Aus modischer Sicht betrachten wir daher die derzeit beliebtesten Arten und Stile der Innenmalerei.

Was sind modische Gemälde für den Innenraum?

Unter Innengemälden verstehen wir neben Originalwerken von Künstlern auch Kopien berühmter Gemälde, traditionelle Plakate und modulare Gemälde.

Liebe Besucher!

Auf der Website können Sie in der Rubrik ein hochwertiges Gemälde auf Naturleinwand, ein spektakuläres modulares Gemälde oder ein stilvolles Poster auswählen . Du wirst gefragt große Menge Optionen in verschiedene Genres und Stile des berühmtesten Herstellers von Innengemälden - der Moskauer Firma Artwall. Lieferung in ganz Russland ohne Vorauszahlung. Rabatte bis zu 30 %. Viel Glück bei Ihren Einkäufen!

Es muss gesagt werden, dass der Anspruch an die Gestaltung moderner Innenräume weniger von der Art der Innenmalerei als vielmehr von ihrem Stil bestimmt wird. Das heißt, der Stil des gewählten Gemäldes muss unbedingt dem Stil der Inneneinrichtung entsprechen. Nur in diesem Fall passt es organisch hinein allgemeines Konzept und verleihen dem Innenraum ein vollendetes Aussehen.

Handelt es sich um ein Gemälde, so wird das Gemälde im Stil des Expressionismus oder Abstraktionismus gewählt.

Bei Postern im klassischen Design, also der üblichen rechteckigen Form, bleiben die Vorlieben dieselben.

Für modulare Gemälde, die derzeit sehr in Mode sind, werden sehr ungewöhnliche, spektakuläre Bilder verschiedener Themen ausgewählt.

Im Allgemeinen sind, um es kurz zu machen, derzeit modische Gemälde zur Dekoration moderner Innenräume solche, die Bilder verwenden, die zum Nachdenken und Fantasieren anregen, das heißt mutig, originell, kreativ.

All das gilt natürlich in erster Linie für mutige Designlösungen im Innenraum und nicht für klassische.

Nehmen wir also ein separates Beispiel Verschiedene Arten Innengemälde.

Kopien von Gemälden berühmter Künstler

Wie bereits erwähnt, eignet sich die Malerei im impressionistischen Stil eher für ein modernes Interieur. Solche Gemälde sind ausdrucksvoller, dynamischer und entsprechen daher besser dem Rhythmus unserer Zeit. Darüber hinaus ist es überhaupt nicht notwendig, dass es sich dabei um Werke handelt moderne Autoren. Auch Landschaften und Stillleben, beispielsweise von Vincent Van Gogh oder Monet, wirken im Innenraum recht modern und modisch. Das wird in gewisser Weise nicht nur Ihren Geschmack, sondern auch Ihre Ausbildung unterstreichen.

Gemälde im impressionistischen Stil eines modernen Autors.
Eine Kopie eines Gemäldes im gleichen Stil, jedoch von einem weltberühmten Künstler.
Das Gemälde passt gut zum Einrichtungsstil des Raumes.
Ein Gemälde im impressionistischen Stil, das einen leidenschaftlichen spanischen Tanz darstellt, passt farblich gut zu einigen Einrichtungselementen und fügt sich insgesamt gut in das vorgeschlagene Innenarchitekturkonzept ein.

Poster im modernen Stil

Plakate bieten im Gegensatz dazu mehr Möglichkeiten zur Fantasie klassische Gemälde Schon allein deshalb, weil es sehr viele Bilder gibt, die zur Herstellung von Plakaten verwendet werden anderer Geschmack und Stil. Dazu gehören Abstraktion, orientalischer, afrikanischer Stil, Stadtlandschaft, thematische Poster wie Auto-Moto und andere. Daher gibt es immer etwas zur Auswahl. Wünschenswert ist lediglich, dass das Motiv des Plakats dem Zweck des Raumes entspricht bzw. diesem nicht widerspricht.

Da es sich hier um Poster handelt, möchte ich Ihnen übrigens eine Frage stellen: Was genau ist der Unterschied zwischen einem Poster und einem Gemälde?

Ich frage, weil diese beiden Konzepte sehr oft verwechselt werden und beide als Gemälde bezeichnet werden. Nun, wenn wir sie mit einem so allgemeinen Begriff wie Innengemälden kombinieren, dann ist alles richtig. Malerei ist im Allgemeinen nur das, was von Menschenhand geschaffen wird. Alle anderen mit verschiedenen Technologien erstellten Bilder eignen sich lediglich für Poster.

Hier nur einige Beispiele.

Modulare Bilder

Modulare Gemälde sind im Wesentlichen auch Poster, ihr Bild ist jedoch in mehrere Elemente oder Module unterteilt. Dies hat sie heutzutage sehr beliebt gemacht, da solche Gemälde sehr ungewöhnlich und modern aussehen. Kurz gesagt handelt es sich hierbei um modische Gemälde, zusammen mit natürlich auch anderen Arten von Innengemälden, die in diesem Artikel erwähnt werden. Hier können Sie aus dem Produktkatalog eines der bekanntesten Hersteller Russlands ein modulares Gemälde jeden Stils, Genres und jeder Richtung auswählen.

Modulare Gemälde können sowohl horizontal als auch vertikal im Innenraum platziert werden. Im ersten Fall erweitern sie die Wand optisch, im zweiten erhöhen sie die Decken.

Eine weitere wichtige Eigenschaft modularer Gemälde besteht darin, dass sie im Gegensatz zu klassischen Gemälden auch bei sehr großen Formaten nicht sperrig wirken, da sie keine Rahmen haben und das Bild in einzelne Segmente unterteilt ist. Ein Beispiel dessen, was unten gesagt wurde, sehen Sie im ersten Bild.

Welche Innengemälde sind derzeit in Mode?

Modische Gemälde sind solche, die frisch, stilvoll und ungewöhnlich aussehen. Beispiele für solche Innengemälde haben Sie in diesem Artikel gesehen. Aber natürlich müssen sie sowohl zum Designstil Ihres Raumes als auch zu dessen Zweck passen. Dann wird es schön, harmonisch und modern sein.

Was meinte ich mit dem Zweck des Raumes?

Genauer gesagt, was Sie als Innengemälde für Ihr Zuhause auswählen können, wird im Artikel beschrieben.

Viel Glück bei Ihrer Wahl und kreative Ideen im Innendesign!

Mit freundlichen Grüßen, Alexander Tkachenko.

Wir präsentieren Ihnen einige der schönsten interessante Künstler 21. Jahrhundert. Natürlich gibt es neben diesen Autoren noch andere zeitgenössische Künstler Welt, die Ihrer Aufmerksamkeit würdig ist, aber diese fünf sollten Sie auf keinen Fall gleichgültig lassen.

Megan Howland

Megan Howland ist eine amerikanische Künstlerin, die zeitgenössische Ölgemälde herstellt. Sie hat einen pragmatischen Ansatz kreativer Vorgang und glaubt, dass die Malerei es ihr ermöglicht, sich auf eine Weise auszudrücken, die Worte nicht können.

Beim Malen denkt sie über die menschliche Spiritualität und Natur nach und erforscht die Beziehungen zwischen der Menschheit und anderen Lebewesen und Organismen. Beim Malen geht es für Megan darum, Informationen aufzunehmen und eine visuelle Reaktion darauf zu schaffen. Das Hauptziel ihrer Arbeit besteht darin, einen Komplex emotionaler Porträts der Zustände zu schaffen, in denen wir Menschen uns befinden können.

In letzter Zeit malt Megan menschliche Figuren und webt aufwendig eine Vielzahl von Vögeln und Blumen hinein. Ihre Malerei ist ein Beispiel für das, was sie als „aufschlussreichen und erschreckenden Kampf um das Gleichgewicht“ bezeichnet, also um die Harmonie des Zusammenlebens von Mensch und Natur.

Die Inspiration des Künstlers kommt vom Anhören aller Arten von Podcasts, dem Lesen von Gedichten und wissenschaftlichen Zeitschriften.

Joe Francis Dowden

Joe Francis Dowden ist ein professioneller britischer Künstler, der seine Werke in Aquarellfarben anfertigt. Er ist auf die Gestaltung von Landschaften (sowohl Wald als auch Meer) spezialisiert. Dowdens Werke befinden sich in Privatsammlungen in den USA, Australien und Fernost.

Als er dreiundzwanzig wurde, gab er seinen Job als Website-Designer auf und nahm einen Teilzeitjob als Fensterputzer an. In seiner Freizeit malt er Bilder. Und seine Arbeit als Wäscher ermöglicht es ihm, bisher unbekannte Arten für zukünftige Landschaften zu finden.

Dowdens Werke sind voller Details und bestechen durch ihre realistische Wiedergabe von Textur und Volumen. Schlüsselelement Beim Aquarellieren berücksichtigt der Künstler das Licht. Und deshalb rät er jedem, der Aquarellmalerei erlernen möchte, auf das Licht zu achten, denn es erweckt jede Landschaft zum Leben.

Dowden liebt nicht nur das Malen, sondern ist auch bereit, sein Wissen gerne mit allen zu teilen – Videos der Meisterkurse des Künstlers finden Sie auf YouTube.

Philip Barlow

In jüngster Zeit verbreiteten sich moderne Gemälde des Künstlers Philip Barlow im gesamten Internet, der mit seiner unkonventionellen Sicht auf die Malerei selbst den anspruchsvollsten Betrachter interessierte. Und die Einzigartigkeit dieser Gemälde liegt darin, dass er sie so malt, als hätte er sie gesehen die Umwelt kurzsichtige Person.

Kurzsichtige Menschen erkennen sich in diesen Aquarellen wieder, und die Glücklichen mit gutem Sehvermögen bewundern die ursprüngliche Schönheit und sonnige Atmosphäre der Gemälde.

Breite Lichtflecken, Nachahmung des Bokeh-Effekts, verschwommene Formen und Grenzen, die mit leuchtenden Farben ineinander übergehen – diese Aquarelle wirken wie misslungene Fotos, als hätte der Fotograf vergessen, vor der Aufnahme die Schärfe anzupassen.

Doch gerade dieser Ansatz verleiht den Werken des Künstlers einen außergewöhnlichen Charme und ermöglicht es, die Welt um sich herum aus einem ganz anderen Blickwinkel zu betrachten. Denn selbst wenn wir keine Details, sondern nur allgemeine Formen und Silhouetten sehen, entgeht uns die Bedeutung nicht.

Ai Xuan

Ai Xuan ist ein talentierter zeitgenössischer Künstler aus Peking, der schreibt moderne Gemälde im Stil des Realismus. Er wurde 1947 in der Stadt Chinghua geboren. Xuans Spitzname in China ist „Meister Ai“. Das Hauptthema Die Werke des Autors umfassen tibetische Themen, für die er vor allem bekannt ist – hauptsächlich Bergthemen verschneite Landschaften Tibet und einheimische Kinder.

Ai Xuan besuchte Tibet oft, was seine Arbeit stark beeinflusste – die grenzenlose Düsternis und Einsamkeit dieses Landes zwang den Künstler, seine Meinung darüber zu überdenken.

1987 studierte der Künstler ein Jahr in den USA an der University of Oklahoma. Ai Xuan traf dort auch andere zeitgenössische Künstler, der ihm half, eine Ausstellung mit persönlichen Werken zu veranstalten.

Kunstkritiker heben hervor Besonderheit Ai Xuans Herangehensweise an seine Werke: Um die Emotionen des Bildes hervorzuheben, gestaltet er den Hintergrund stets entsprechend und vermischt dabei strenge Emotionen mit geheimnisvoller Schönheit. Das Konzept seiner Bilder ist moderat, aber ausdrucksstark. Der Betrachter wird von Xuans Gemälden durch die Isolation und den Stolz der Gesichter der Figuren angezogen, trotz der Härte der natürlichen Umgebung und der Strapazen des Lebens des tibetischen Volkes.

Alexander Winogradow und Wladimir Dubossarski

Ist es möglich, ein Bild gemeinsam zu malen? Ganz! Ein Beispiel sind Dubossarsky und Vinogradov – berühmte zeitgenössische Künstler Russlands, deren kreatives Tandem Anfang der 1990er Jahre gegründet wurde und mittlerweile weltweite Popularität erlangt.

Kommentare

Sergej

2019-03-26 16:51:33

Wenn Sie verstehen, dass Sie wohltätige Hilfe benötigen, lesen Sie diesen Artikel.
Diejenigen, die ohne Ihre Beteiligung ein spannendes Geschäft verlieren könnten, haben sich hilfesuchend an Sie gewandt.
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Sie besuchen Kurse, in denen sie unter Anleitung unterrichtet werden erfahrener Trainer Erlernen Sie Schnellfahrtechniken.
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Der Sieg auf der Strecke basiert auf einer guten Qualifikation. Und natürlich ein professionelles Kart.
Kinder, die an Vereinen teilnehmen, sind vollständig auf Erwachsene angewiesen, da Geldmangel und kaputte Ersatzteile ihnen die Teilnahme an Wettbewerben nicht ermöglichen.
Wie viel Freude und neue Empfindungen erleben Kinder, wenn sie sich ans Steuer setzen und mit dem Autofahren beginnen.
Vielleicht wachsen in einem solchen Kreis nicht nur russische Meister, sondern sogar zukünftige Weltmeister in diesem Sport auf?!
Sie können der Kartabteilung für Kinder helfen, die sich in der Stadt Syzran befindet. Sie sind im Moment in einer wirklich schlimmen Situation. Alles beruht auf der Begeisterung des Anführers: Sergei Krasnov.
Lesen Sie meinen Brief und schauen Sie sich die Fotos an. Achten Sie auf die Leidenschaft, mit der meine Schüler arbeiten.
Sie lieben diesen Entwicklungssport und möchten unbedingt weiter lernen.
Ich bitte Sie, der Kart-Abteilung in der Stadt Syzran zu helfen, zu überleben.
Zuvor gab es in der Stadt ZWEI Jungtechnikerstationen mit jeweils einer Kart-Abteilung. Es gab auch Kartfahren im Palast der Pioniere. Jetzt gibt es in der Stadt keinen einzigen Bahnhof mehr und auch der Kreis im Pionierpalast wurde zerstört. Sie haben es geschlossen – das ist schwer zu sagen, sie haben es einfach zerstört!
Wir haben gekämpft, Briefe geschrieben und überall hatten sie die gleiche Antwort. Vor etwa fünf Jahren besuchte ich den Gouverneur der Region Samara zu einem Empfang. Er hat mich nicht akzeptiert, aber mein Stellvertreter hat mich akzeptiert.
Danach erhielten wir Räumlichkeiten, in denen wir ansässig waren. Wir haben viele Kinder, die Kart fahren wollen, aber die sehr schlechten materiellen Bedingungen erlauben es uns nicht, Kinder zu rekrutieren.
Und die meisten Karts müssen repariert werden. Das ist die Situation, in der sich unser Kreis befindet.
Wir haben auch den Bürgermeister der Stadt Sysran um Hilfe gebeten. Dies ist das zweite Jahr, in dem wir auf Hilfe warten. Wir haben uns entschieden, Sie über das Internet um Hilfe zu bitten.
Kontaktieren Sie mich, ADRESSE FÜR PAKETE, 446012 Gebiet Samara, Sysran, Nowosibirskaja Str. 47, Sie können mich über soziale Netzwerke SERGEY IVANOVICH KRASNOV kontaktieren oder per E-Mail schreiben [email protected] Wenn man auf der Welle des Erfolgs ist, muss man immer Werke der Barmherzigkeit tun und Almosen geben. Und wenn der Herr in schwierigen Situationen hilft, dann vergessen Sie die Dankbarkeit danach nicht. Dann wird Er Ihre Bedürfnisse nicht vergessen.