¡Imágenes gráficas! Gráficos modernos. Los pintores, escultores y artistas gráficos más importantes del mundo. Pinturas al estilo de los gráficos de artistas famosos.
Clasificar más obras caras Durante mucho tiempo nos reunimos sobre el papel de los artistas de la órbita del arte ruso. El mejor motivo para nosotros fue un nuevo récord para los gráficos rusos: 2.098 millones de libras por un dibujo de Kazimir Malevich el 2 de junio.
Al publicar nuestras calificaciones, nos encanta incluir todo tipo de cláusulas para advertir posibles preguntas. Entonces, el primer principio: sólo gráficos originales. Segundo: utilizamos los resultados de subastas abiertas de obras de artistas incluidos en la órbita del arte ruso, según la base de datos del sitio (quizás las ventas de la galería fueron a precios más altos). En tercer lugar, ciertamente sería tentador poner en primer lugar 3,7 millones de dólares para Housatonic de Arshile Gorky. Como se sabe, él mismo intentó por todos los medios ser considerado un artista ruso, sin rehuir los engaños, tomó un seudónimo en honor a Maxim Gorky, etc.; En 2009, las obras de Gorka fueron mostradas en el Museo Ruso y la Galería Tretyakov en la exposición "Artistas estadounidenses del Imperio Ruso", lo incluimos en la base de datos de resultados de la subasta de IA, pero es injusto comenzar la calificación de los gráficos rusos con él. por motivos formales. Cuarto: una hoja, un resultado. En esta calificación, seleccionamos únicamente obras que constan de una hoja; un enfoque formal nos obligaría a tener en cuenta tres artículos más, cada uno de los cuales se vendió en un solo lote: 122 dibujos originales a tinta para el “Libro de la marquesa” de Konstantin Somov, dos carpetas con 58 dibujos y gouaches para “Los hermanos Karamazov ”de F. M. Dostoievski de Boris Grigoriev y parte de la colección de Yakov Peremen. Quinto: un autor, una obra. Si tomamos formalmente el top 10 por precio (excluyendo los resultados de Gorka y los lotes prefabricados), entonces habría cinco láminas de Kandinsky, tres de Chagall, una de Malevich y una de Serebryakova. Aburrido. Sexto: analizamos el período desde 2001 hasta la actualidad. Séptimo: la calificación de precios se compiló en dólares, los resultados en otras monedas se convirtieron a dólares al tipo de cambio del día de la negociación. Octavo: todos los resultados se dan teniendo en cuenta la comisión del vendedor.
El dibujo de Kazimir Malevich "Cabeza de campesino", que es un boceto preparatorio para el cuadro perdido "El funeral del campesino" de 1911, se convirtió, como era de esperar, en el lote principal de la subasta rusa de Sotheby's el 2 de junio de 2014 en Londres. Las obras de Malevich son extremadamente raras en el mercado del arte, La cabeza del campesino es la primera obra subastada desde la venta de la Composición suprematista por 60 millones de dólares en Sotheby's en 2008, y una de las últimas obras significativas del artista en colecciones privadas. Este estudio fue una de las 70 obras expuestas por el artista en Berlín en 1927 y luego abandonadas en Alemania para salvarlas de la prohibición y el olvido artificial que inevitablemente les aguardaría en Rusia. En la subasta de Sotheby's, la obra procedía de algún poderoso alemán Colección privada vanguardia rusa Casi todos los lotes de esta colección se vendieron por encima de las estimaciones, pero el dibujo de Malevich simplemente quedó fuera de competencia. Le dieron tres veces más de lo estimado: 2,098 millones de libras. Esta es, con diferencia, la obra gráfica más cara de un artista ruso.
En la lista de las obras gráficas más caras de Wassily Kandinsky hay hasta 18 dibujos originales por valor de más de un millón dólares. Sus acuarelas, en su mensaje abstracto, no son inferiores a las pinturas. Recordemos que es a partir de la obra gráfica de Kandinsky - "La primera acuarela abstracta" de 1910 - que se acostumbra contar la historia de la modernidad. arte abstracto. Según cuenta la leyenda, un día Kandinsky, sentado en la penumbra de su taller de Múnich y contemplando su obra figurativa, no pudo distinguir en ella nada más que manchas de color y formas. Y luego se dio cuenta de que debía abandonar la objetividad y tratar de captar los "movimientos del alma" a través del color. El resultado fue una obra desprovista de cualquier conexión con mundo exterior- “La primera acuarela abstracta” (París, Centro Georges Pompidou).
Los lienzos de Kandinsky son raros en el mercado y muy caros, pero los gráficos encajarán perfectamente en cualquier colección y lucirán decentemente en ella. Los gráficos en circulación pueden costar varios miles de dólares. Pero para dibujo original, que, por ejemplo, es un boceto de un cuadro famoso, tendrá que pagar muchas veces más. La acuarela más cara hasta la fecha, "Sin título" de 1922, se vendió durante el boom artístico de 2008 por 2,9 millones de dólares.
Marc Chagall fue un artista inusualmente productivo para su época. Es hoy cuando Damien Hirst y Jeff Koons cuentan con la ayuda de un ejército de asistentes, y Mark Zakharovich creó sin ayuda de nadie miles de obras gráficas originales durante 97 años de su vida, sin mencionar las obras de circulación. Nuestra base de datos de resultados de subastas de Chagall incluye más de 2.000 obras originales sobre papel. El precio de este artista aumenta constantemente y las perspectivas de inversión para comprar sus obras son obvias; lo principal es que el Comité Chagall confirme la autenticidad de la obra. De lo contrario, la obra podría casi ser quemada (esto es precisamente con lo que el Comité Chagall amenaza al propietario, que recientemente envió a París para su examen un cuadro que resultó ser falso). Por lo tanto, la elección debe hacerse sólo a favor de gráficos incondicionalmente genuinos. Su precio puede alcanzar los 2,16 millones de dólares: esto es lo que pagaron en mayo de 2013 por el dibujo "Jinetes" (papel sobre cartón, gouache, pastel, lápices de colores).
Pastel "Desnudo reclinado" no es sólo la obra gráfica más cara de Zinaida Serebryakova, sino también su obra más cara en general. El tema del desnudo. Cuerpo de mujer Fue una de las principales obras del artista. Los desnudos de Serebryakova evolucionaron desde imágenes de bañistas y bellezas rusas en un baño en el período de creatividad ruso hasta acostarse desnudas más en el espíritu de arte europeo V periodo parisino. Al observar los hermosos, sensuales e idealizados desnudos de Serebryakova, es difícil imaginar cuán trágico fue el destino de la artista: su esposo murió de tifus, dejándola con cuatro hijos en brazos; Tuve que vivir al día y, al final, emigrar a París (como resultó más tarde, para siempre), dejando a los niños en Rusia (luego lograron transportar solo a dos a Francia, los otros dos tuvieron que dejarse para más de 30 años).
Zinaida Serebryakova cultivó la belleza perfecta, eterna y clásica en sus obras. En cierto modo, el pastel transmite aún mejor su ligereza y ligereza. Imágenes de mujer, que casi siempre contienen algo de la propia artista y de sus hijos (su hija Katya era una de sus modelos favoritas).
Durante el auge del arte, en junio de 2008, se compró un pastel de bastante tamaño, "Desnudo reclinado", por 1,07 millones de libras (2,11 millones de dólares). Ningún otro trabajo desde entonces ha logrado batir este récord. Curiosamente, en el top 10 de las subastas de Zinaida Serebryakova solo hay desnudos y tres obras son solo pasteles.
En la subasta de Sotheby's en Londres del 27 de noviembre de 2012, dedicada a pinturas y gráficos de artistas rusos, el lote principal no fue una pintura, sino un dibujo a lápiz sobre papel: "Retrato de Vsevolod Meyerhold" de Yuri Annenkov. Ocho participantes pidieron trabajo en la sala y por teléfono. Como resultado, el dibujo, estimado en 30-50 mil libras, le costó al nuevo propietario varias decenas de veces más que la estimación. El resultado de 1,05 millones de libras (1,68 millones de dólares) de la noche a la mañana convirtió "Retrato de Vsevolod Meyerhold" en el gráfico más caro del autor y ocupó el tercer lugar en la lista de los precios de subasta más altos para la obra de Annenkov en general.
¿Por qué fue tan fuerte el interés por el retrato? Annenkov es un brillante retratista que dejó imágenes de las mejores figuras de la época: poetas, escritores y directores. Además, tenía mucho talento para los gráficos: su manera combinaba las técnicas del dibujo clásico con elementos vanguardistas del cubismo, el futurismo, el expresionismo... Triunfó como artista de teatro y cine, como ilustrador de libros. La atención del público fue atraída, por supuesto, por la personalidad del modelo en el retrato: director famoso Vsévolod Meyerhold. Y para colmo, este dibujo proviene de la colección del compositor Boris Tyomkin, natural de Kremenchug, que emigró a Estados Unidos y se hizo famoso. compositor americano cuatro veces ganador del Oscar por obras musicales al cine.
Uno de los principales artistas de la asociación World of Art, Lev (Leon) Bakst, por supuesto, debería haber estado en nuestra lista de los artistas gráficos de mayor éxito comercial. Su refinada obra teatral -diseños de vestuario para mejores bailarinesépocas, escenarios para producciones: nos dan hoy una idea del espectáculo lujoso que fueron las "Estaciones rusas" de Diaghilev.
La obra gráfica más cara de Bakst, La sultana amarilla, se creó el año en que el ballet de Diaghilev realizó por primera vez una gira por Estados Unidos. En ese momento, Bakst ya era un artista muy conocido, estilo reconocible su obras teatrales se ha convertido en una marca, su influencia se siente en la moda, el diseño de interiores y la joyería. El sensual desnudo "Yellow Sultana", que surgió de su bocetos de teatro, provocó una feroz batalla entre dos teléfonos en la subasta de Christie's el 28 de mayo de 2012. Como resultado, alcanzaron la cifra de 937.250 libras ( 1 467 810 dólares) teniendo en cuenta la comisión a pesar de que la estimación era de 350 a 450 mil libras.
El mundo de los nidos nobles que se desvanecen en el olvido, los parques inmobiliarios brumosos y las elegantes jóvenes que caminan por los callejones aparece en las obras de Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov. Algunos llaman a su estilo "una elegía en la pintura", se caracteriza por la ensoñación, la tranquila melancolía y la tristeza por una época pasada. Por Borisov-Musatov fincas nobles Eran el mundo del presente, pero hay algo de otro mundo en sus reflejos de este mundo, estos parques, terrazas y estanques parecían ser los sueños del artista. Parecía tener el presentimiento de que pronto este mundo no existiría y él mismo tampoco (una grave enfermedad se apoderó del artista a los 35 años).
La pintura al óleo Victor Borisov-Musatov prefería los pasteles y las acuarelas, ya que le daban la ligereza y la neblina necesarias. La aparición en la subasta rusa de Sotheby's en 2006 de sus pasteles "El último día" fue un acontecimiento, porque las principales obras de Borisov-Musatov se encuentran en museos, y en todo momento sólo una docena de obras han llegado a la subasta abierta. El pastel "El último día" proviene de la colección de V. Napravnik, hijo del director y compositor ruso Eduard Napravnik. Este pastel fue representado en el "Retrato de María Georgievna Napravnik" de Zinaida Serebryakova, ahora almacenado en el Chuvash. Museo de Arte. En la monografía "Borisov-Musatov" (1916), N. N. Wrangel menciona "El último día" en la lista de obras del artista. Por lo tanto, era de esperar que el artículo, sin duda auténtico, alcanzara para el artista un precio récord de 702.400 libras o 1.314.760 dólares.
Alexander Deineka fue un brillante artista gráfico, en primeras etapas su manera creativa La gráfica le atraía incluso más que la pintura, en primer lugar por su potencial propagandístico. El artista trabajó mucho como ilustrador de libros y revistas, creó carteles. Más tarde, este "trabajo de revistas y carteles" lo cansó, comenzó a trabajar cada vez más en pintura, en arte monumental, pero las habilidades adquiridas como dibujante le resultaron muy útiles, por ejemplo, al crear bocetos preparatorios para pinturas. "Niña atando una cinta en la cabeza": un boceto del cuadro "El bañista" (1951, colección de la Galería Estatal Tretyakov). Esta obra más cara de Deineka hasta la fecha pertenece a período tardío creatividad, cuando el estilo del artista procedente de las búsquedas vanguardistas de los años 20 y 30 ya había evolucionado fuertemente hacia el realismo socialista. Pero Deineka también fue sincero en el realismo socialista. El poder y la belleza de un cuerpo humano sano es uno de los temas favoritos en la obra de Deineka. "Niña atando una cinta" se refiere a sus desnudos, similares a diosas griegas, - Venus soviética, que encuentra la felicidad en el trabajo y los deportes. Se trata de un dibujo del libro de texto Deineka, por lo que no sorprende que se haya vendido por la cifra récord de 27.500.000 rublos (1.012.450 dólares) en la subasta de Sovkom.
Boris Dmitrievich Grigoriev emigró de Rusia en 1919. En el extranjero, se convirtió en uno de los artistas rusos más famosos, pero al mismo tiempo fue olvidado en casa durante muchas décadas, y sus primeras exposiciones en la URSS no tuvieron lugar hasta finales de los años 80. Pero hoy en día es uno de los autores más buscados y respetados en el mercado del arte ruso; sus obras, tanto pinturas como obras gráficas, se venden por cientos de miles y millones de dólares. El artista era sumamente trabajador, creía que podía abordar cualquier tema, cualquier orden.
Probablemente los más famosos sean sus ciclos "Rasey" y "Rostros de Rusia", muy cercanos en espíritu y que se diferencian sólo en que el primero fue creado antes de la emigración y el segundo ya en París. En estos ciclos, se nos presenta una galería de tipos ("rostros") del campesinado ruso: ancianos, mujeres y niños miran hoscamente al espectador, atraen la atención y al mismo tiempo la repelen. Grigoriev no estaba en modo alguno inclinado a idealizar o embellecer a quienes pintaba, por el contrario, a veces lleva las imágenes a lo grotesco. Uno de los “rostros”, realizado en gouache y acuarela sobre papel, se convirtió en la obra gráfica más cara de Boris Grigoriev: en noviembre de 2009, en Sotheby's, pagaron por ella 986.500 dólares.
Y finalmente, el décimo autor de nuestra lista de los más obras caras Gráficos rusos: Konstantin Somov. Hijo del curador de las colecciones del Hermitage y músico, el amor por el arte y todo lo bello le fue inculcado desde la infancia, después de estudiar en la Academia de Artes con Repin, Somov pronto se encontró en la sociedad World of Art, que promovía el culto. de belleza cerca de él. Especialmente este ansia de decoración y "belleza" se manifestó en sus numerosos dibujos basados en imágenes. era galante, cuyo interés se observó en la obra de otros mundos del arte (Lancere, Benois). Toldos "Somov" y caballeros galantes en citas secretas, escenas de recepciones seculares y mascaradas con arlequines y damas con pelucas nos remiten a la estética del barroco y el rococó.
Los precios de las obras de Somov en el mercado del arte comenzaron a crecer a un ritmo fenomenal y no siempre comprensible desde 2006, algunas de sus pinturas superaron la estimación en 5 o incluso 13 veces. Su pintura se vende por millones de libras. En cuanto a los gráficos, aquí está lo más mejor resultado Somov hasta ahora 620 727 dólares: este es solo uno de los dibujos de la serie "galante" "Masquerade".
El 22 de abril de 2010, en Sotheby's de Nueva York, en un único lote número 349 se vendieron 86 obras (pinturas y dibujos) de casi dos docenas de autores. Esta venta, por cierto, confunde las estadísticas de subasta de aquellos artistas cuyas obras se incluyeron en este lote. Sí, la colección es muy valiosa en sí misma, es larga, compleja y historia trágica Y, por un lado, es bueno que la colección cayera en las mismas manos. Pero, por otro lado, si algún día el propietario decide vender obras individuales, para la mayoría de los autores simplemente no hay nivel de precios. Después de la ensordecedora “preparación de artillería” que precedió a la venta de la colección, podría haber aparecido, pero no, y a la hora de revenderla resultaría en una enorme desventaja.
Si crees que todos los grandes artistas pertenecen al pasado, entonces no tienes idea de lo equivocado que estás. En este artículo, aprenderá sobre los más famosos y artistas talentosos modernidad. Y, créanme, sus obras quedarán grabadas en su memoria no menos profundamente que las obras del maestro de épocas pasadas.
Wojciech Babski
Wojciech Babski - moderno artista polaco. Graduado de Silesia instituto politecnico, pero se asoció con . EN Últimamente atrae principalmente a mujeres. Se centra en la manifestación de las emociones, busca obtener el mayor efecto posible por medios sencillos.
Le encanta el color, pero suele utilizar tonos de negro y gris para lograr la mejor impresión. Sin miedo a experimentar con nuevas técnicas. Últimamente ha ido ganando cada vez más popularidad en el extranjero, principalmente en el Reino Unido, donde vende con éxito sus obras, que ya se pueden encontrar en muchas colecciones privadas. Además del arte, le interesan la cosmología y la filosofía. Escucha jazz. Actualmente vive y trabaja en Katowice.
Warren Chang
Warren Chang - moderno artista americano. Nacido en 1957 y criado en Monterey, California, se graduó magna cum laude del Art Center College of Design en Pasadena en 1981 con una licenciatura en Bellas Artes. Durante las siguientes dos décadas, trabajó como ilustrador para varias compañías en California y Nueva York antes de comenzar su carrera como artista profesional en 2009.
Sus pinturas realistas se pueden dividir en dos categorías principales: pinturas biográficas de interiores y pinturas que representan a trabajadores. Su interés por este estilo de pintura tiene sus raíces en la obra del pintor del siglo XVI Jan Vermeer y se extiende a objetos, autorretratos, retratos de familiares, amigos, estudiantes, estudios, aulas e interiores de casas. Su propósito es pinturas realistas Cree estados de ánimo y emociones mediante la manipulación de la luz y el uso de colores apagados.
Chang se hizo famoso después de la transición a las artes visuales tradicionales. Durante los últimos 12 años, ha obtenido numerosos premios y honores, siendo el más prestigioso el Master Signature de Oil Painters of America, la comunidad de pintura al óleo más grande de los Estados Unidos. Sólo una persona de cada 50 tiene el honor de tener la oportunidad de recibir este premio. Actualmente, Warren vive en Monterey y trabaja en su estudio, también enseña (conocido como un maestro talentoso) en la Academia de las Artes de San Francisco.
Aurelio Bruni
Aurelio Bruni- artista italiano. Nacido en Blair, el 15 de octubre de 1955. Licenciada en escenografía por el Instituto de Arte de Spoleto. Como artista, es autodidacta, ya que de forma independiente “construyó la casa del conocimiento” sobre los cimientos de la escuela. Comenzó a pintar al óleo a los 19 años. Actualmente vive y trabaja en Umbría.
La pintura temprana de Bruni tiene sus raíces en el surrealismo, pero con el tiempo comienza a centrarse en la cercanía del romanticismo lírico y el simbolismo, reforzando esta combinación con la exquisita sofisticación y pureza de sus personajes. Los objetos animados e inanimados adquieren la misma dignidad y parecen casi hiperrealistas, pero al mismo tiempo no se esconden detrás de una cortina, sino que te permiten ver la esencia de tu alma. Versatilidad y sofisticación, sensualidad y soledad, reflexión y fecundidad son el espíritu de Aurelio Bruni, alimentado por el esplendor del arte y la armonía de la música.
Aleksander Balos
Alkasandr Balos es un artista polaco contemporáneo especializado en pintura al óleo. Nació en 1970 en Gliwice, Polonia, pero desde 1989 vive y trabaja en Estados Unidos, en la ciudad de Shasta, California.
De niño estudió arte de la mano de su padre Jan, un artista y escultor autodidacta, por lo que desde temprana edad, actividad artística recibió pleno apoyo de ambos padres. En 1989, a la edad de dieciocho años, Balos dejó Polonia hacia los Estados Unidos, donde Profesor de escuela y la artista a tiempo parcial Cathy Gaggliardi animó a Alcasander a participar escuela de Arte. Luego, Balos recibió una beca completa para la Universidad de Milwaukee, Wisconsin, donde estudió pintura con el profesor de filosofía Harry Rosin.
Después de completar sus estudios en 1995 y recibir una licenciatura, Balos se mudó a Chicago para asistir a la escuela. Artes visuales cuyos métodos se basan en la creatividad Jacques-Louis David. El realismo figurativo y el retrato constituyeron la mayor parte del trabajo de Balos en los años 90 y principios de los 2000. Hoy, Balos utiliza la figura humana para resaltar rasgos y mostrar imperfecciones. ser humano sin ofrecer ninguna solución.
Las composiciones argumentales de sus pinturas están destinadas a ser interpretadas de forma independiente por el espectador, solo así los lienzos adquirirán su verdadero significado temporal y subjetivo. En 2005, el artista se mudó al norte de California, desde entonces el alcance de su trabajo se ha ampliado significativamente y ahora incluye métodos de pintura más libres, incluida la abstracción y varios estilos multimedia que ayudan a expresar las ideas e ideales del ser a través de la pintura.
Alyssa Monjes
Alyssa Monks es una artista estadounidense contemporánea. Nació en 1977 en Ridgewood, Nueva Jersey. Se interesó por la pintura cuando aún era una niña. Estudió en la New School de Nueva York y Universidad Estatal Montclair se graduó en Boston College en 1999 y obtuvo una licenciatura. Al mismo tiempo, estudió pintura en la Academia Lorenzo Medici de Florencia.
Luego continuó sus estudios bajo el programa de maestría de la Academia de Arte de Nueva York, en el Departamento de Arte Figurativo, graduándose en 2001. Se graduó de Fullerton College en 2006. Durante algún tiempo dio conferencias en universidades y Instituciones educacionales en todo el país, enseñando pintura en la Academia de Arte de Nueva York, así como en la Universidad Estatal de Montclair y la Facultad de Arte de la Academia Lyme.
“Usando filtros como vidrio, vinilo, agua y vapor, distorsiono cuerpo humano. Estos filtros le permiten crear grandes áreas diseño abstracto, con islas de color asomando a través de ellos: partes del cuerpo humano.
mis fotos estan cambiando aspecto moderno a las posturas y gestos tradicionales ya establecidos de las mujeres que se bañan. Podrían decirle mucho a un espectador atento sobre cosas aparentemente evidentes como los beneficios de nadar, bailar, etc. Mis personajes se presionan contra el cristal de la ventana de la cabina de ducha, distorsionando su propio cuerpo, dándose cuenta de que de ese modo influyen en la famosa mirada masculina hacia una mujer desnuda. Se mezclan gruesas capas de pintura para imitar el vidrio, el vapor, el agua y la carne desde lejos. Sin embargo, de cerca, encantador. propiedades físicas pintura de aceite. Al experimentar con capas de pintura y color, encuentro el momento en que los trazos abstractos se convierten en algo más.
Cuando comencé a pintar el cuerpo humano, inmediatamente quedé fascinado e incluso obsesionado con él y sentí que tenía que hacer mis pinturas lo más realistas posible. "Profesé" el realismo hasta que empezó a desmoronarse y deconstruirse. Ahora estoy explorando las posibilidades y el potencial de un estilo de pintura donde la pintura representacional y la abstracción se encuentran; si ambos estilos pueden coexistir al mismo tiempo, lo haré”.
Antonio Finelli
artista italiano - observador del tiempo”- Antonio Finelli nació el 23 de febrero de 1985. Actualmente vive y trabaja en Italia entre Roma y Campobasso. Sus obras han sido expuestas en varias galerías de Italia y del extranjero: Roma, Florencia, Novara, Génova, Palermo, Estambul, Ankara, Nueva York, y también se pueden encontrar en colecciones públicas y privadas.
Dibujos a lápiz " vigilante del tiempo” Antonio Finelli nos envía a un viaje eterno a través mundo interior la temporalidad humana y el análisis riguroso de este mundo asociado a ella, cuyo elemento principal es el paso del tiempo y las huellas que éste provoca en la piel.
Finelli pinta retratos de personas de cualquier edad, género y nacionalidad, cuyas expresiones faciales indican el paso del tiempo, y el artista también espera encontrar evidencia de la crueldad del tiempo en los cuerpos de sus personajes. Antonio define sus obras con un título general: “Autorretrato”, porque en sus dibujos a lápiz no sólo representa a una persona, sino que permite al espectador contemplarla. resultados reales paso del tiempo dentro de una persona.
Flaminia Carloni
Flaminia Carloni es una artista italiana de 37 años, hija de un diplomático. Ella tiene tres niños. Doce años vivió en Roma, tres años en Inglaterra y Francia. Se licenció en historia del arte en la BD School of Art. Luego recibió un diploma en la especialidad de restauradora de obras de arte. Antes de encontrar su vocación y dedicarse por completo a la pintura, trabajó como periodista, colorista, diseñadora y actriz.
La pasión de Flaminia por la pintura surgió desde niña. Su principal medio es el óleo porque le encanta “coiffer la pate” y también juega con el material. Aprendió una técnica similar en las obras del artista Pascal Torua. Flaminia se inspira en los grandes maestros de la pintura como Balthus, Hopper y François Legrand, así como en diversos movimientos artísticos: street art, realismo chino, surrealismo y realismo renacentista. El favorito de ella pintor caravaggio. Su sueño es descubrir el poder terapéutico del arte.
Denis Chernov
Denis Chernov es un talentoso artista ucraniano, nacido en 1978 en Sambir, región de Lviv, Ucrania. Después de graduarse de Jarkov escuela de Arte en 1998 permaneció en Jarkov, donde vive y trabaja actualmente. También estudió en Jarkov. academia estatal diseño y artes, departamento de gráfica, graduado en 2004.
Participa regularmente en exhibiciones de arte, en este momento Había más de sesenta, tanto en Ucrania como en el extranjero. La mayoría de las obras de Denis Chernov se conservan en colecciones privadas en Ucrania, Rusia, Italia, Inglaterra, España, Grecia, Francia, Estados Unidos, Canadá y Japón. Algunas de las obras se vendieron en Christie's.
Denis trabaja en una amplia gama de técnicas gráficas y pictóricas. Los dibujos a lápiz son uno de sus métodos de pintura favoritos, una lista de sus temas. dibujos a lapiz también muy diverso, pinta paisajes, retratos, desnudos, composiciones de género, ilustraciones de libros, reconstrucciones y fantasías literarias e históricas.
Los graficos son los mejores. vista antigua Artes visuales. Primero obras graficas consideró dibujos rupestres hombre primitivo mostrando su visión de el mundo. Los libros de papiro de los antiguos egipcios contenían símbolos gráficos (jeroglíficos) e ilustraciones. Desde la antigüedad nos han llegado bellos ejemplos de gráfica en forma de pinturas sobre jarrones y vasijas de cerámica.
Durante mucho tiempo, sólo la escritura y la caligrafía se clasificaron como gráficos. Durante la Edad Media se generalizó gráficos de libros: los libros escritos a mano fueron decorados con magníficos dibujos y miniaturas, y la creación de fuentes se convierte en un área separada del arte.
Artistas gráficos destacados y sus obras destacadas.
El mayor maestro del Renacimiento de Europa occidental, Alberto Durero, es uno de los fundadores del grabado. Sus obras más famosas sobre cobre son El caballero, la muerte y el diablo (1513), St. Jerónimo en la celda" y "Melancolía" (1514).
El gran artista y científico del Renacimiento italiano Leonardo da Vinci fue un dibujante inimitable. Su vasto patrimonio gráfico incluye: dibujos preparatorios para pinturas, imágenes de animales y plantas, ilustraciones para desarrollos técnicos, dibujos para tratados.
Técnica y tipos de gráficos.
La base de todo tipo de artes gráficas es el dibujo. Por lo general, una imagen gráfica se ejecuta en una hoja de papel, que desempeña el papel de espacio. Para crear su obra, el artista puede utilizar todo un arsenal de herramientas: lápiz, bolígrafo, carboncillo, tinta, tinta, sanguina (lápices de color marrón rojizo hechos de caolín y óxidos de hierro), tizas de colores, salsa (uno de los tipos de pasteles), acuarela, gouache.
El principal instrumento del dibujo europeo del gótico tardío y del Renacimiento fue la pluma. A finales del siglo XVII se empezaron a utilizar lápices de grafito para crear dibujos, dibujos y bocetos. En gráficos prácticamente no se utiliza lienzo, ya que pinturas de acuarela y el gouache no le queda bien. El color en las imágenes gráficas se utiliza mucho menos que en pinturas. Los principales medios visuales de los gráficos son la línea, la mancha, el claroscuro, el trazo y el punto.
La gráfica tiene la misma variedad de géneros que la pintura. Pero aquí los géneros de retratos y paisajes son más comunes, en menor medida: naturaleza muerta, histórica, doméstica y otros. La gráfica se divide tradicionalmente en gráfica monumental (carteles, gráficos murales), de caballete (dibujos y grabados), gráfica de libros (ilustraciones, postales), así como gráfica por computadora, que, sin embargo, se destaca porque no utiliza materiales tradicionales.
El arte gráfico se distingue por una amplia variedad de técnicas que el artista utiliza en su forma pura o en diversas combinaciones. Según la técnica de la gráfica, se distinguen dos tipos: dibujo y gráfica impresa (print). El dibujo se crea solo en una única copia. En la antigüedad, los artistas utilizaban papiro, pergamino y a partir del siglo XIV empezaron a dibujar sobre papel.
Los gráficos impresos, por el contrario, existen en muchas copias. Para la replicación, se utiliza un grabado: un dibujo sobre un material sólido, que se cubre con pintura y luego se imprime en una hoja de papel. Dependiendo del material, existen diferentes tipos y técnicas de grabado: xilografía (grabado en madera), linograbado (dibujo cortado sobre linóleo), aguafuerte (grabado sobre metal), litografía (grabado sobre piedra). Con la llegada del grabado, surgió el libro impreso y comenzó a desarrollarse la gráfica para libros. Hoy en día, el desarrollo de los gráficos no se detiene, aparecen nuevos géneros y técnicas, pero, como en la antigüedad, los gráficos siguen siendo un componente importante de las bellas artes en nuestras vidas.
) en sus expresivas y amplias obras supo preservar la transparencia de la niebla, la ligereza de la vela, el suave balanceo del barco sobre las olas.
Sus pinturas sorprenden por su profundidad, volumen, saturación y la textura es tal que es imposible quitarles la vista de encima.
Cálida sencillez Valentina Gubareva
Artista primitivo de Minsk Valentin Gubarev no perseguir la fama y simplemente hacer lo que ama. Su obra es tremendamente popular en el extranjero, pero casi desconocida para sus compatriotas. A mediados de los años 90, los franceses se enamoraron de sus bocetos cotidianos y firmaron un contrato con el artista por 16 años. Las pinturas, que, al parecer, sólo deberían ser comprensibles para nosotros, los portadores del "modesto encanto del socialismo subdesarrollado", gustaron al público europeo y se iniciaron exposiciones en Suiza, Alemania, Gran Bretaña y otros países.
Realismo sensual de Sergei Marshennikov
Serguéi Marsénnikov tiene 41 años. Vive en San Petersburgo y crea en las mejores tradiciones de la escuela clásica rusa de realismo. pintura de retrato. Las heroínas de sus cuadros se muestran tiernas e indefensas en sus mujeres semidesnudas. En muchos de los Pinturas famosas Están representadas la musa del artista y su esposa, Natalia.
El mundo miope de Philip Barlow
EN era moderna fotos alta resolución Y en el apogeo del hiperrealismo, la obra de Philip Barlow (Philip Barlow) inmediatamente llama la atención. Sin embargo, se requiere un cierto esfuerzo por parte del espectador para obligarse a mirar siluetas borrosas y puntos brillantes en los lienzos del autor. Probablemente, así es como las personas que padecen miopía ven el mundo sin gafas ni lentillas.
Conejitos soleados de Laurent Parcelier
El cuadro de Laurent Parcelier es mundo maravilloso en el que no hay tristeza ni desaliento. No encontrarás en él imágenes lúgubres y lluviosas. En sus lienzos hay mucha luz, aire y colores brillantes, que el artista aplica con trazos característicos y reconocibles. Esto crea la sensación de que las pinturas están tejidas con miles de rayos de sol.
Dinámica urbana en las obras de Jeremy Mann
Óleo sobre paneles de madera del artista estadounidense Jeremy Mann pinta retratos dinámicos de una metrópolis moderna. "Formas abstractas, líneas, contrastes de puntos claros y oscuros: todo crea una imagen que evoca la sensación que una persona experimenta en la multitud y el bullicio de la ciudad, pero que también puede expresar la tranquilidad que surge al contemplar la belleza tranquila", dice el artista.
El mundo ilusorio de Neil Simon
En las pinturas del artista británico Neil Simone (Neil Simone) no todo es lo que parece a primera vista. “Para mí, el mundo que me rodea es una serie de formas, sombras y límites frágiles y en constante cambio”, dice Simon. Y en sus pinturas todo es realmente ilusorio y está interconectado. Las fronteras desaparecen y las historias fluyen unas sobre otras.
El drama amoroso de Joseph Lorasso
El artista estadounidense contemporáneo nacido en Italia, Joseph Lorusso, traslada al lienzo las escenas que vio en La vida cotidiana la gente común. Abrazos y besos, impulsos apasionados, momentos de ternura y deseo llenan sus emotivos cuadros.
La vida del pueblo de Dmitry Levin.
Dmitry Levin es un reconocido maestro del paisaje ruso, que se ha consolidado como un talentoso representante de la escuela realista rusa. La fuente más importante de su arte es su apego a la naturaleza, a la que ama con ternura y pasión y de la que se siente parte.
Este brillante Valery Blokhin
En Oriente todo es diferente: diferentes colores, diferentes aires, diferentes valores de vida y la realidad es más fabulosa que la ficción, eso es lo que él piensa artista contemporáneo Valeri Blokhin. En pintura, a Valery le encanta el color sobre todo. Su obra es siempre un experimento: no surge de una figura, como la mayoría de los artistas, sino de una mancha de color. Blokhin tiene su propia técnica especial: primero coloca puntos abstractos en el lienzo y luego remata la realidad.
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Puntos brillantes, toques de luz, aire chispeante: estos artistas ven el mundo como una belleza conmovedora y de colores deliciosos.
sitio web ofrece mirar el mundo a través de los ojos de estos magos. Su atención a una selección de cuadros. impresionistas modernos que son maestros del color y la luz.
Las obras del artista búlgaro Tsviatko Kinchev en estilo impresionista son pintura digital: se hacen en una computadora, en Photoshop. Las creaciones increíblemente jugosas del artista enfatizan la belleza y el brillo del mundo circundante.
El artista holandés William Henrits trabaja en acuarela, acrílico y pastel. Sus creaciones sorprenden por la ternura, el aire resonante que respiran sus colores, sus líneas gráciles. El trabajo de William es conocido en todo el mundo en forma de carteles y litografías de alta calidad.
El lugar de nacimiento de Yuri Petrenko es Sochi. Se dedica profesionalmente a la pintura desde hace unos 20 años. Colores jugosos, lindas casas, barcos y el mar. De sus cuadros se respira sol ardiente y brisa salada. Sus obras se encuentran en colecciones privadas en casi todos los países del mundo.
El artista armenio Hovik Zohrabyan nació en la familia del famoso artista y escultor Nikoghos Zohrabyan. Detrás de los toques característicos del impresionismo, aparece el estilo único del propio artista. Sus acogedoras ciudades coloridas, sus casas luminosas están llenas de sol y felicidad.
Linda Wilder es una artista canadiense. A Linda le encanta pintar paisajes y la espátula es una de sus herramientas favoritas. Trazos brillantes y precisos, matices y líneas sutiles: las pinturas de Linda se encuentran en colecciones corporativas y privadas en Canadá y en todo el mundo.
El artista chino-estadounidense Ken Hong Lung tiene un sutil sentido del color y es capaz de transmitir la magia de la paz. Sus pueblos pesqueros y su paisaje costero se han convertido en una sensación en los círculos artísticos de Hong Kong. Ken es considerado uno de los mejores pintores neoimpresionistas del mundo. Se le considera el maestro de los paisajes encantados, los estados de ánimo de ensueño y los reflejos mágicos de luz y color.
Johan Messeli vive y trabaja en Bélgica. Sus pinturas reflejan el acogedor mundo de los sombreados patios provinciales, las antiguas puertas y las amables ventanas. Johan sabe transmitir paz y felicidad tranquila con trazos descuidados. El artista trabaja al óleo y al pastel.
Jill Charuk es una artista canadiense contemporánea. Lleva veinte años trabajando en el sector de la confección y el interior. Le encanta exagerar los colores, realzar los contrastes. Su fotos brillantes consiguió reconocimiento internacional, están en colecciones arte contemporáneo V América del norte, México y Europa. Jill pinta principalmente al óleo y acrílico.
