Cuadros para interior en estilo Art Deco. Diseño Art Déco

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Art Déco para tontos

Dónde y cómo surgió el estilo Art Déco, quién lo fundó, si fue en la joven Unión Soviética: entendemos las complejidades del estilo junto con Sofia Bagdasarova.

¿Qué es el Art Déco?

Hoja del álbum Feuillets d'Art.1919

Hoja del álbum Les choses de Paul Poiret vues de Georges Lepape. 1911

Hoja del álbum Modes et Manières d"Aujourd"hui. 1914

Art Déco, que significa "artes decorativas" en francés, es el nombre del estilo artístico que reinó en Europa y América después del Art Nouveau, entre las dos guerras mundiales. Además, reinó principalmente en el diseño industrial: moda, joyería, carteles, fachadas, interiores, muebles. Esto sucedió hasta que " arte grandioso“Los de esa época experimentaron con el expresionismo, el abstraccionismo, el constructivismo y otros ismos, que, por supuesto, son brillantes, pero no todos pueden verlos constantemente en su apartamento. Y las cosas Art Deco están destinadas específicamente a La vida cotidiana- muy rico, lujoso e imponente, pero aún así cotidiano.

¿Cómo reconocer un artículo de estilo Art Déco?

Pitilleras, polveras. Década de 1930. Instituto de Moda de Kioto

Portada de la revista Vogue con un vestido “óptico” de S. Delaunay. 1925. Servicio de prensa de los Museos del Kremlin.

Bolsos. DE ACUERDO. 1910. Instituto de la Moda de Kioto

Esta cosa definitivamente será hermosa: elegante y elegante. Está hecho de un material con una textura costosa, pero no lujosa y llamativa, sino simplemente valiosa. Los colores serán tonalidades complejas, habrá mucho negro. A menudo, el autor utilizó claramente una regla, pero al mismo tiempo logró redondear todas las esquinas con mucha elegancia. Los patrones geométricos se construyen según cuidadosas proporciones y tienen la capacidad de hipnotizar. También suele haber inclusiones de algo del antiguo Egipto o japonés, pero con algún diseño extraño: al Art Deco le encantaba reinterpretar culturas exóticas. (Por cierto, también se valoraba la "exótica rusa"). Me gustó el estilo y el progreso técnico; por eso hay trenes estilizados que vuelan a gran velocidad y hélices de aviones y barcos.

Estilo en la moda

Vestido de noche. La diseñadora de moda Madeleine Vionnet. 1927. Servicio de prensa de los Museos del Kremlin.

Vestido de noche. Casa de moda Lanvin. Hacia 1925. Servicio de prensa de los museos del Kremlin.

Vestido. Francia. Invierno de 1922. Casa de moda "Hermanas Callo"

El Art Déco es más notable en moda femenina. En la época en que reinaba este estilo, las mujeres comenzaron a cortarse el cabello, finalmente se liberaron de los rígidos corsés y crinolinas, la cintura se deslizaba hasta las caderas o subía justo debajo del pecho y la falda se acortaba a una altura que Era completamente indecente, en opinión de quienes recordaban la moral victoriana.

Los creadores del estilo, los grandes diseñadores de moda Paul Poiret, Mariano Fortuny, citaron kimonos, turbantes y pantalones árabes, túnicas y camillas antiguas y mantos medievales. Aparecieron prendas de una sola pieza, cortinas, telas pesadas, elegancia y brillo por todas partes. Con ropa tan holgada, bordada con perlas iridiscentes, cornetas, pedrería y abalorios, fue genial bailar nuevos bailes animados: foxtrot, charleston, tango. En general, recordemos la época del Gran Gatsby.

Estilo en joyería

Broche de Van Cleef y Arpels. 1930

Collar de cuello Van Cleef y Arpels. 1929

Broche estilo egipcio Van Cleef y Arpels. 1924

Las empresas Cartier y Van Cleef & Arpels, así como otras casas de joyería, trabajaron deliberadamente según los principios del Art Deco en sus obras. Después de las formas fluidas y las flores poéticas de la era Art Nouveau (también conocida como Art Nouveau), sus joyas parecían llamativas e impactantes.

El platino liviano para los engastes permitió que las joyas abandonaran la "pesada armadura" del oro. Formas geométricas puras, patrones abstractos, combinaciones innovadoras de verde y azul, selección contrastante de piedras, como el ónix negro y el rubí rojo, el uso de piedras talladas en lugar de facetadas, así como inclusiones de auténticos artefactos antiguos (escarabajos egipcios, etc.). ) - estos son los rasgos reconocibles. El ónix negro generalmente se convirtió en la piedra favorita de este período, especialmente en combinación con diamantes. Fueron acompañados de brillantes acordes de corales, lapislázuli, jades y esmalte.

¿Hubo Art Déco en Rusia?

Edificio de gran altura en el terraplén de Kotelnicheskaya. Museo Estatal de Investigación de Arquitectura que lleva el nombre de A.V. Shchusev: sitio web/institutos/7985

Estación de metro "Mayakovskaya"

Pabellón de la URSS en la Exposición Internacional de París. 1937. Museo Estatal de Investigación de Arquitectura que lleva el nombre de A.V. Shchusev: sitio web/institutos/7985

El brillante estilo Art Déco es, por supuesto, profundamente “burgués”. Este es un símbolo generación perdida, la moda de los personajes de Fitzgerald, Hemingway (así como los libros de antes de la guerra de Wodehouse y Agatha Christie). El joven Estado soviético de aquella época no tenía tiempo para este esplendor exterior. Sin embargo, ellos tenían los “locos años veinte” y nosotros teníamos la NEP. Recuerde Ellochka the Ogress: “...la brillante fotografía mostraba a la hija del multimillonario estadounidense Vanderbilt en vestido de noche. Había pieles y plumas, seda y perlas, una ligereza extraordinaria en el corte y un peinado impresionante”. Los Nepmen soviéticos, por supuesto, imitaron en sus hábitos a su libre vecino occidental, aunque esto no fue aprobado oficialmente.

Por otro lado, la huella del Art Deco se nota en una de las artes más formales: la arquitectura. La influencia del estilo importado es fácil de encontrar en el clasicismo estalinista: las fotografías de fragmentos de rascacielos de Moscú desde algunos ángulos son difíciles de distinguir de las vistas de los rascacielos de Manhattan de antes de la guerra. El amor del Art Deco por el geométrico, el uso de abstracciones: todo esto fue fácilmente absorbido por los maestros rusos en la patria del suprematismo. También era apropiado glorificar los logros técnicos de la humanidad. También hay carteles más divertidos. ¿Recuerdas que hablamos de la apelación del Art Déco a los motivos egipcios? Fue gracias a él que Tamara Lempicka se puso de pie. Autorretrato en un Bugatti verde. 1929. Colección privada

Pero la contribución de los emigrantes rusos al desarrollo del Art Deco fue mucho más significativa. Durante años revistas de moda Vogue y Harper's Bazaar se publicaron con portadas dibujadas por Erte, cuyo verdadero nombre es Roman Petrovich Tyrtov. Su "Sinfonía en negro" es una de las obras clave del estilo.

La artista abstracta Sonia Delaunay, que trabajó en la industria de la moda, enriqueció el Art Déco con el color y la energía que vimos en otras “Amazonas de la vanguardia”. La principal retratista del Art Deco, uno de los pocos artistas que logró utilizar este estilo para pinturas de caballete, es Tamara Lempicka, originaria del reino ruso de Polonia, que vivió en San Petersburgo antes de la revolución. (Pero el principal escultor de la época, Dmitry Chiparus, a pesar de un nombre tan familiar para nosotros, es rumano). Finalmente, Leon Bakst, al encontrarse en el exilio, además del teatro, logró trabajar en la industria de la moda, claramente en estilo Art Déco.

Los historiadores del arte generalmente escriben que el estilo Art Déco se inspiró originalmente en las Temporadas Rusas, que sacudieron el mundo del arte parisino en el siglo XX. Entonces, ¡gracias a Diaghilev y al Art Deco!

Hace 10 meses Enottt Comentarios a la entrada Bellas Artes Art Déco. Características regionales (Francia, EE. UU.) desactivado

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Art Déco (artes decorativas) es un movimiento influyente en las bellas artes y las artes decorativas de la primera mitad del siglo XX, que apareció por primera vez en Francia en los años 1920 y luego se hizo popular internacionalmente en los años 1930 y 1940, manifestándose principalmente en la arquitectura. moda y pintura. Este es un estilo ecléctico, una síntesis de modernismo y neoclasicismo. El estilo Art Déco también estuvo significativamente influenciado por movimientos artísticos como el cubismo, el constructivismo y el futurismo.

Características distintivas: regularidad estricta, formas geométricas atrevidas, patrones geométricos étnicos, diseño en medios tonos, falta de colores brillantes en el diseño, mientras que los patrones coloridos, materiales lujosos, elegantes, caros y modernos (marfil, piel de cocodrilo, aluminio, maderas raras, plata ).

• Formas: estilizadas, pero claras y gráficas. Las siluetas tienen formas más escalonadas, lo principal sigue siendo la gracia y algo de alegría.
• Líneas: enérgicas, claras, geométricas.
• Elementos: muchos adornos en forma de rizos, espirales, ondas, zigzags.
• Colores: contrastantes. Entretejido de colores suaves y pastel con llamativos y jugosos.
• Materiales: caros, exóticos, ricos. Madera, cuero, bronce, mármol, cerámica, vidrio.
• Ventanas: rectangulares, aprovechando una gran extensión de cristal. Con menos frecuencia, arqueados o con vidrieras.
• Puertas: rodeadas de pilastras, frontones.

En Estados Unidos, Países Bajos, Francia y algunos otros países, el Art Deco evolucionó gradualmente hacia el funcionalismo.

Historia

Exposición Internacional, celebrada en 1925 en París y oficialmente denominada “Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes”, dio vida al término “Art Déco”. Esta exposición mostró los artículos de lujo mundiales fabricados en Francia, lo que demuestra que París siguió siendo un centro internacional de estilo después de la Primera Guerra Mundial.

Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Contemporáneas

El evento que marcó el apogeo del estilo y le dio nombre fue la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas, que tuvo lugar en París de abril a octubre de 1925. Fue organizado oficialmente por el gobierno francés y cubría un área de 55 acres en París, desde el Grand Palais en la margen derecha hasta los Inválidos en la margen izquierda y a lo largo de las orillas del Sena. Grand Palais, el más Gran salón en la ciudad, estuvo lleno de exhibiciones de artes decorativas de los países participantes. Asistieron 15.000 expositores de veinte países diferentes, entre ellos Inglaterra, Italia, España, Polonia, Checoslovaquia, Bélgica, Japón y Nueva Zelanda. Unión Soviética; Alemania no fue invitada debido a las tensiones posteriores a la guerra y Estados Unidos, al no comprender el propósito de la exposición, declinó participar. Dieciséis millones de personas visitaron la exposición en siete meses. Las reglas de la exposición exigían que todas las obras fueran contemporáneas; Los estilos históricos no estaban permitidos. El objetivo principal de la exposición era promocionar a los fabricantes franceses de muebles de lujo, porcelana, vidrio, productos metálicos, textiles y otros productos decorativos. Para promocionar aún más los productos, todos los grandes almacenes parisinos y los grandes diseñadores tenían sus propios pabellones. La exposición tenía como objetivo secundario promocionar los productos de las colonias francesas en África y Asia, incluido el marfil y las maderas exóticas.

El Hôtel du Riche Collectionneur fue una atracción popular en la exposición; presentó nuevos proyectos de diseño de Emile-Jacques Ruhlmann, así como tejidos, alfombras y cuadros Art Déco de Jean Dupas. El diseño de interiores se basó en los mismos principios de simetría y formas geométricas que lo distinguían del estilo Art Nouveau y los colores brillantes, la exquisita artesanía de materiales raros y costosos que lo distinguían de la estricta funcionalidad del estilo modernista. Si bien la mayoría de los pabellones estaban ricamente decorados y llenos de lujosos muebles hechos a mano, dos pabellones -el de la Unión Soviética y el Pabellón del Nouveau Esprit, construido por una revista del mismo nombre bajo la dirección de Le Corbusier- fueron construidos en un estilo sencillo, con paredes blancas sencillas y sin decoración; estuvieron entre los primeros ejemplos de arquitectura modernista

La Exposición de Artes Decorativas, que demostró la victoria del constructivismo, dio origen al mismo tiempo al movimiento Art Déco, que se convirtió en una mezcla exótica de cubismo y Art Nouveau, es decir, estilización lineal y ornamentación exquisita. La moda de los turbantes y los actos estilizados como “Egipto” y “China” estaba intrincadamente mezclada con los ritmos de la planimetría geométrica.

El propio movimiento Art Déco existía antes de la inauguración de la exposición en 1925: fue un movimiento notable en el arte europeo de los años 20. Sólo llegó a las costas estadounidenses en 1928, donde en la década de 1930 se transformó en Streamline Moderne, una rama americanizada del Art Déco que se convirtió en tarjeta de visita esta década.

El símbolo del Art Déco en las artes decorativas y aplicadas era la escultura realizada en bronce y marfil. Inspirándose en las "Estaciones rusas" de Diaghilev, el arte de Egipto y Oriente, así como los logros tecnológicos de la "era de las máquinas", los maestros franceses y alemanes crearon un estilo único en las pequeñas artes plásticas de los años 1920 y 1930, que elevó la estatus de escultura decorativa al nivel de " arte alto" Se consideran representantes clásicos del Art Deco en escultura a Dmitry Chiparus, Claire Jean Robert Colinet, Paul Philippe (Francia), Ferdinand Preiss, Otto Poertzel (Alemania), Bruno Zack, J. Lorenzl (Austria).

El surgimiento del Art Déco estuvo estrechamente asociado con el creciente estatus de los artistas decorativos, que hasta finales del siglo XIX eran considerados simplemente artesanos. El término "decoración decorativa" se inventó en 1875 para los diseñadores de muebles, textiles y otras decoraciones. En 1901 se creó la Mancomunidad de Artistas Decorativos (Sociedad de Artistas Decorativos) o SAD, y a los artistas decorativos se les concedieron los mismos derechos de autor que a los pintores y escultores. Un movimiento similar se desarrolló en Italia. En 1902 tuvo lugar en Turín la primera exposición internacional dedicada exclusivamente a las artes decorativas, la Esposizione international d'Arte.

En París se fundaron varias revistas nuevas dedicadas a las artes decorativas, entre ellas Arte y Decoración y L'Art decoratif moderne. Las secciones de artes decorativas se presentaron en los salones anuales de la Sociéte des Artistes français y posteriormente en el Salon d'automne. El nacionalismo francés también jugó un papel en el resurgimiento de las artes decorativas: los diseñadores franceses se sintieron en desventaja por la creciente exportación de muebles alemanes baratos. En 1911, el Jardín propuso una nueva e importante exposición internacional de artes decorativas y aplicadas en 1912. No se permitieron copias de estilos más antiguos; Sólo obras modernas. La exposición se retrasó hasta 1914 y luego, debido a la guerra, hasta 1925, cuando dio nombre a toda la familia de estilos conocida como Deco.

Aunque el término Art Déco se originó en 1925, no se usó comúnmente hasta que las actitudes hacia la época cambiaron en la década de 1960. Los maestros del estilo Art Déco no formaban parte de una única comunidad. El movimiento fue considerado ecléctico, influenciado por varias fuentes:

• "Secesión de Viena" período temprano(Talleres de Viena); Diseño industrial funcional.
• Arte primitivo de África, Egipto y los indios centroamericanos.
• El arte griego antiguo (período arcaico) es el menos naturalista de todos.
• “Estaciones rusas” de Sergei Diaghilev en París: bocetos de vestuario y escenografía de Leon Bakst.
• Formas facetadas, cristalinas y facetadas de cubismo y futurismo.
• Paleta de colores del fauvismo.
• Formas estrictas de neoclasicismo: Boulet y Karl Schinkel.
• Era del Jazz.
• Motivos y formas vegetales y animales; vegetación tropical; zigurats; cristales; escala colorista en blanco y negro de teclas de piano, motivo solar.
• Formas flexibles y atléticas de las atletas, de las cuales hay muchas; ángulos agudos de cortes de pelo cortos para representantes de la vida de club: flappers.
• Avances tecnológicos de la "era de las máquinas" como radios y rascacielos.

A los maestros del Art Déco les encantaba utilizar materiales como aluminio, acero inoxidable, esmalte, incrustaciones de madera, piel de tiburón y cebra. Se utilizaron activamente formas en zigzag y escalonadas, líneas curvas amplias y enérgicas (a diferencia de las suaves y fluidas curvas del Art Nouveau), motivos de chevron y teclas de piano. Algunos de estos motivos decorativos se volvieron omnipresentes, como el patrón clave que se encuentra en los diseños de zapatos de mujer, radiadores, salas de conferencias de Radio City y la aguja del edificio Chrysler. Los interiores de cines y transatlánticos como Ile de France y Normandy se decoraron fácilmente con este estilo. El Art Deco era lujoso y se cree que este lujo fue una reacción psicológica al ascetismo y las restricciones de la Primera Guerra Mundial.

Francia

Los grandes almacenes parisinos y los diseñadores de moda jugaron papel importante en el auge del Art Déco. Se establecieron empresas, entre ellas el fabricante de bolsos Louis Vuitton, la firma de plata Christofle, el diseñador de vidrio René Lalique y los joyeros Louis Cartier y Boucheron, que comenzaron a desarrollar productos en estilos más contemporáneos. Desde 1900, los grandes almacenes contratan decoradores para trabajar en sus estudios de diseño. La decoración del Salón de Otoño de 1912 fue encargada por los grandes almacenes Printemps. Ese mismo año, Printemps creó su propio taller llamado "Primavera". En 1920, Primavera empleaba a más de trescientos artistas. Los estilos iban desde versiones actualizadas de los muebles Luis XIV, Luis XVI y especialmente Luis Felipe fabricados por Louis Süe y el taller Primavera hasta formas más modernas del taller de los grandes almacenes Au Louvre. Otros diseñadores, incluidos Émile Jacques Ruhlmann y Paul Foliot, se negaron a utilizar la producción en masa e insistieron en que cada pieza fuera hecha a mano individualmente. El estilo Art Déco temprano presentaba materiales lujosos y exóticos como el ébano, el marfil y la seda, colores muy brillantes y motivos estilizados, especialmente cestas y ramos de flores de todos los colores, dando un aspecto modernista.

Los colores vibrantes del Art Déco provinieron de muchas fuentes, incluidas las exóticas producciones de Léon Bakst para los Ballets Rusos, que causaron sensación en París justo antes de la Primera Guerra Mundial. Algunos de los colores se inspiraron en el movimiento fauvismo anterior dirigido por Henri Matisse; otros de orfistas como Sonia Delaunay; otros por el movimiento conocido como Nabis, y en la obra del artista simbolista Odilon Redon, quien diseñó mamparas de chimeneas y otros objetos decorativos. Los colores vibrantes fueron una característica del trabajo del diseñador de moda Paul Poiret, cuyo trabajo influyó tanto en el diseño como en el diseño de interiores Art Deco.

París siguió siendo el centro del estilo Art Déco. En muebles lo encarnó Jacques-Émile Ruhlmann, el diseñador de muebles más famoso de la época y quizás el último de los clásicos ébéniste (ebanistas) parisinos. Además, obras típicas de Jean-Jacques Rateau, productos de la empresa “Süe et Mare”, biombos de Eileen Gray, productos de metal forjado de Edgar Brandt, metal y esmalte del suizo de origen judío Jean Dunant, vidrio del gran René Lalique y Maurice Marino, además de relojes y joyas Cartier.

En 1925 convivían en el Art Déco dos escuelas diferentes en competencia: los tradicionalistas, que fundaron la Sociedad de Artistas Decorativos; entre ellos el diseñador de muebles Emile-Jacques Ruhlmann, Jean Dunard, el escultor Antoine Bourdelle y el diseñador Paul Poiret; ellos combinaron formas modernas con artesanía tradicional y materiales caros. Del otro lado estaban los modernistas, que rechazaban cada vez más el pasado y querían un estilo basado en los avances de las nuevas tecnologías, la sencillez, la falta de decoración, los materiales económicos y la producción en masa.

En 1929, los modernistas fundaron su propia organización, la Unión Francesa. artistas contemporáneos". Entre sus miembros se encontraban los arquitectos Pierre Charaud, Francis Jourdain, Robert Mallett-Stevens, Corbusier y, en la Unión Soviética, Konstantin Melnikov; La diseñadora irlandesa Eileen Gray y la francesa Sonia Delaunay, los joyeros Jean Fouquet y Jean Puyforcat. Atacaron con vehemencia el estilo tradicional Art Déco, que, según decían, fue creado sólo para los ricos, e insistieron en que los edificios bien construidos deberían ser accesibles a todos y que la forma debería funcionar. La belleza de un objeto o edificio era si era perfecto para su función. Los métodos industriales modernos permitieron producir muebles y edificios en masa en lugar de hacerlos a mano.

Cuadro

La exposición de 1925 no tenía una sola sección. La pintura Art Déco era, por definición, decorativa, destinada a decorar una habitación o pieza arquitectónica, por lo que pocos artistas trabajaron exclusivamente en este estilo, pero dos artistas están estrechamente asociados con el Art Déco. Jean Dupas pintó los frescos Art Déco para el Pabellón de Burdeos en la Exposición de Artes Decorativas de 1925 en París, y también pintó el cuadro sobre la chimenea de la Maison de la Collectioneur en la exposición de 1925 en la que participaron Ruhlmann y otros destacados diseñadores Art Déco. Sus pinturas también se incluyeron en la decoración del transatlántico francés Normandía. Su obra era puramente decorativa, pensada como fondo o acompañamiento de otros elementos decorativos. Otra artista muy asociada al estilo es Tamara de Lempicka. Nacida en Polonia en el seno de una familia aristocrática, emigró a París después de la Revolución Rusa. Allí se convirtió en alumna del artista Maurice Denis del movimiento llamado "Nabi" y del cubista André Lhote y tomó prestados muchos estilos de sus estilos. Pintó casi exclusivamente retratos en estilo Art Déco realista, dinámico y colorido.

Artes graficas

El estilo Art Déco surgió en las primeras etapas del arte gráfico, en los años previos a la Primera Guerra Mundial.

guerra. Apareció en París con carteles y vestuario de Léon Bakst para los Ballets Russes y en los catálogos de los diseñadores de moda Paul Poiret. Las ilustraciones de Georges Barbier y Georges Lepepe y las imágenes de la revista de moda La Gazette du bon ton captaron a la perfección la elegancia y sensualidad del estilo. La apariencia cambió en la década de 1920; la moda destacada era más informal, deportiva y atrevida, y las modelos femeninas solían fumar cigarrillos. En Alemania, el cartelista más famoso de este período fue Ludwig Hohlwein, quien creó carteles coloridos y dramáticos para festivales de música, cerveza y, al final de su carrera, por el Partido Nazi.

Durante el Art Nouveau, los carteles normalmente anunciaban productos teatrales o cabarets. En la década de 1920, los carteles de viajes hechos para líneas aéreas y navieras se hicieron extremadamente populares. El estilo cambió notablemente en la década de 1920, centrándose en la publicidad de productos. Las imágenes se volvieron más simples, más precisas, más lineales, más dinámicas y, a menudo, colocadas sobre un fondo de un solo color. En Francia hubo diseñadores Art Deco Charles Lupo y Paul Colin que se hicieron famosos por sus carteles. cantante estadounidense y la bailarina Josephine Baker, Jean Carloup diseñó carteles para películas, telenovelas y teatros de Charlie Chaplin; a finales de la década de 1930 emigró a Estados Unidos, donde durante la Guerra Mundial diseñó carteles para fomentar la producción bélica. El diseñador Charles Gesmar se convirtió autor famoso carteles para el cantante Mistinguett y para Air France. Entre los diseñadores franceses más famosos.

America. Optimizar lo moderno

La dirección de estilo que se desarrolló en paralelo con el Art Deco y estaba cerca de él fue "Streamline Moderne" (el nombre proviene del inglés streamline - "streamline" - un término del campo de la aerodinámica). Streamline modern está influenciado por el estampado industrial y las tecnologías aerodinámicas. Como resultado, en obras de este estilo aparecieron siluetas de aviones o balas de revólver. Cuando el diseño del primer automóvil producido en serie de Chrysler, el Chrysler Airflow, se hizo popular, las formas aerodinámicas se utilizaron incluso para sacapuntas, edificios y refrigeradores.

Este estilo arquitectónico busca formas elegantes, mantiene largas líneas horizontales que a menudo contrastan con superficies curvas verticales e introduce con entusiasmo elementos tomados de la industria marítima (barandillas y ojos de buey). Su apogeo se alcanzó alrededor de 1937.

Este estilo fue el primero en incorporar la luz eléctrica a la estructura arquitectónica.

mural

No existía un estilo Art Déco particular en los Estados Unidos, aunque las pinturas se usaban a menudo como decoración, especialmente en edificios gubernamentales y de oficinas. En 1932 se creó el Proyecto de Arte Comunitario, que permitía a los artistas trabajar sin trabajo porque el país estaba en medio de la Gran Depresión. En un año, el proyecto había encargado más de quince mil obras de arte. El Federal Art Project reclutó a artistas estadounidenses famosos para pintar y decorar paredes en edificios gubernamentales, hospitales, aeropuertos, escuelas y universidades. En el programa participaron algunos de los artistas más famosos de Estados Unidos, incluidos Grant Wood, Reginald Marsh, Georgia O'Keeffe y Maxine Albro. En el programa también participó el famoso artista mexicano Diego Rivera, decorando las paredes. Las pinturas estaban en diferentes estilos, incluido el regionalismo, realismo social y pintura americana.

También se crearon varias imágenes para rascacielos Art Deco, en particular el Rockefeller Center en

Nueva York. Se encargaron dos imágenes para el vestíbulo a John Stewart Curry y Diego Rivera. Los propietarios del edificio, la familia Rockefeller, descubrieron que Rivera, un comunista, había colocado una imagen de Lenin en un cuadro de la multitud y lo destruyó. La pintura fue reemplazada por la obra de otro. artista español, José María Sert.

Artes graficas

El estilo Art Déco surgió en las primeras etapas del arte gráfico, en los años previos a la Primera Guerra Mundial. Apareció en París con carteles y vestuario de Léon Bakst para los Ballets Russes y en los catálogos de los diseñadores de moda Paul Poiret. Las ilustraciones de Georges Barbier y Georges Lepepe y las imágenes de la revista de moda La Gazette du bon ton reflejan a la perfección la elegancia y sensualidad del estilo. La apariencia cambió en la década de 1920; la moda destacada era más informal, deportiva y atrevida, y las modelos femeninas solían fumar cigarrillos. Revistas de moda estadounidenses como Vogue, Vanity Fair y Harper's Bazaar rápidamente adoptaron el nuevo estilo y lo popularizaron en Estados Unidos. También influyó en el trabajo de ilustradores de libros estadounidenses como Rockwell Kent.

En la década de 1930, surgió un nuevo género de carteles en los Estados Unidos durante la Gran Depresión. El Proyecto de Arte de la Agencia Federal contrató a artistas estadounidenses para crear carteles para promover el turismo y los eventos culturales.

Estilo de desvanecimiento

El Art Déco se desvaneció silenciosamente con el auge de la producción en masa, cuando era visto como estridente, vulgar y falso lujoso. Las privaciones de la Segunda Guerra Mundial pusieron fin definitivamente a este estilo. En países coloniales como la India, el Art Déco se convirtió en una puerta de entrada al modernismo y no desapareció hasta la década de 1960. Un resurgimiento del interés por el Art Déco en la década de 1980 estuvo vinculado al diseño gráfico, y la asociación del Art Déco con el cine negro y el glamour de la década de 1930 condujo a su resurgimiento en la joyería y la moda.

Pevue: Parte de "California", Maxine Albro, interior de la Torre Coit en San Francisco (1934)

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Art Deco, Art Nouveau, Art Nouveau - características de estilo, ejemplos - pinturas, vidrieras, interiores

En este artículo veremos el estilo interior. arte deco, Art Nouveau, moderno. Elementos de estilo: pintura, arquitectura, elementos del espacio interior: muebles, cortinas, candelabros, cuadros, etc.

Edificio de la Secesión de Viena

Estilo Art Nouveau [Art Nouveau, " tiffany" (después de Louis Comfort Tiffany) en los EE. UU., " Art Nouveau" Y " fin de siglo" en Francia, " Art Nouveau" en Alemania, " Estilo de secesión" en Austria, " estilo moderno" en Inglaterra, " estilo libertad"en Italia, " modernismo" en España, " Nuevo arte" en Holanda, " estilo abeto" (Estilo sapin) en Suiza.) se generalizó en 1918-1939 en Francia, en parte en otros países europeos y en Estados Unidos. Las formas arquitectónicas y las pinturas están dominadas por líneas sinuosas, una combinación inusual de materiales caros y exóticos, imágenes de criaturas fantásticas, formas onduladas, conchas, dragones y pavos reales, cuellos de cisne y mujeres lánguidas. Se enfatiza la asimetría en las formas. Las hojas, las flores, los troncos y los tallos, así como los contornos del cuerpo humano o animal con su inherente asimetría, son una guía para la acción y una fuente de inspiración. El estilo se basa en la tesis de que la forma en el arte es más importante que el contenido. Cualquier contenido muy prosaico se puede presentar de una forma muy artística. La fuente de esto " nueva forma"Se convirtió en naturaleza y mujer. Este estilo se caracteriza por la sofisticación, la sofisticación, la espiritualidad y la variabilidad. De esto surgió un cierto conjunto de colores: descoloridos, apagados; Predominio de líneas suaves y complejas. Un conjunto de símbolos: flores extravagantes, rarezas marinas, olas. Las propiedades estilísticas del Art Nouveau a veces se comparan con el sistema plástico del Barroco, viendo con razón cierta similitud entre ellos en el deseo de los artistas de utilizar formas de naturaleza orgánica como medio expresivo. El Art Nouveau también tomó mucho del arte asiático.

Copias de Michael Parkes, Gustav Klimt, Tamara Lempicka, Alphonse Mucha, Vrubel, Bilibin o Vasnetsov, así como obras de artistas contemporáneos que escriben en este estilo, así como gráficos estadounidenses, siempre quedan bien en estos interiores, así como en el arte. Interiores deco un tema determinado. Muchos artistas de este estilo (o período) quedaron fascinados por la pintura oriental; en las pinturas del mismo Gustav Klimt a menudo vemos personajes vestidos con ropa china o japonesa. Por lo tanto, en tales interiores, la pintura china o japonesa no estaría fuera de lugar. Aquí hay algunas obras que, en nuestra opinión, son adecuadas para interiores con estos estilos.

Art Déco (art déco)- un movimiento popular en el arte decorativo internacional de 1925-1939. Este estilo históricamente sigue inmediatamente al Art Nouveau. Tocó áreas del arte como la arquitectura, el diseño de interiores, Diseño industrial, industria de la moda, pintura, gráfica, cine. Este movimiento, hasta cierto punto, combinó muchos varios estilos y movimientos de principios del siglo XX, incluidos el neoclasicismo, el constructivismo, el cubismo, el modernismo, la Bauhaus, el art nouveau y el futurismo. Pero en en mayor medida Es moderno con un toque de neoclasicismo. Las características distintivas son patrones estrictos, patrones geométricos étnicos, materiales lujosos, elegantes, caros y modernos (marfil, piel de cocodrilo o piel de tiburón o cebra, maderas raras, plata). En Alemania y la URSS, el Art Déco pasa del Art Nouveau al “nuevo Imperio”.

El pico de popularidad del movimiento cayó en los “locos años veinte”, pero incluso en la década de 1930 era bastante fuerte en los Estados Unidos. A diferencia de otros movimientos, cuyo origen tiene sus raíces en la política o la filosofía, el art déco tenía un significado exclusivamente decorativo. Hubo un tiempo en que el estilo se percibía como una reacción a la Exposición Universal de 1900. Después de la famosa exposición varios artistas franceses creó la organización oficialmente registrada La Société des artistas decoradores (Sociedad de Arquitectos y Decoradores). Entre sus fundadores se encontraba Héctor Guimard.

París en los años 30 del siglo XIX siguió siendo el centro del estilo Art Deco. Lo plasmó en muebles. Jacques-Emile Ruhlmann- el más famoso de los diseñadores de muebles de la época y quizás el último de los clásicos parisinos ebeniste(ebanistas). Además, obras típicas de Jean-Jacques Rateau, productos de la empresa “Süe et Mare”, biombos de Eileen Gray, productos de metal forjado de Edgar Brandt, metal y esmalte del suizo de origen judío Jean Dunant, vidrio del gran René Lalique y Maurice Marino, y relojes y joyas Cartier.

El símbolo del Art Déco en las artes decorativas y aplicadas era la escultura realizada en bronce y marfil. Inspirándose en parte en las Estaciones rusas de Diaghilev, el arte de Egipto y Oriente, así como los logros tecnológicos de la "era de las máquinas", los maestros franceses y alemanes crearon un estilo único de pequeña escultura en los años 1920 y 1930, que elevó el estatus. de la escultura decorativa al nivel del "gran arte". Se consideran representantes clásicos del Art Deco en escultura a Dmitry Chiparus, Claire Jean Robert Colinet, Paul Philippe (Francia), Ferdinand Preiss, Otto Poertzel (Alemania), Bruno Zack, J. Lorenzl (Austria).

© "WM-PINTURA"

Art Nouveau(Pronunciación francesa: ​, anglicanizado a /ˈɑːrt nuːˈvoʊ/) es un estilo internacional de arte, arquitectura y artes decorativas, especialmente artes decorativas, que fue más popular entre 1890 y 1910. El estilo, una reacción al arte académico del siglo XIX, se inspiró en formas y estructuras naturales, en particular las líneas curvas de plantas y flores.

En inglés, se utiliza el nombre francés "Art Nouveau" (arte nuevo). Este estilo está relacionado, pero no es idéntico, a estilos que surgieron en muchos países europeos aproximadamente al mismo tiempo: en Austria, se lo conoce como "estilo de secesión" en honor a la "secesión vienesa"; en españa como "modernismo"; en Cataluña como "modernismo"; en la República Checa como "secesar"; en Dinamarca como "skönvirke" o "Art Nouveau"; en Alemania como "Art Nouveau", "Art Nouveau" o "estilo reformador"; en Hungría como "secesión"; en Italia como "Art Nouveau", "Estilo libertad" o "estilo floral"; en Noruega como "Art Nouveau"; en Polonia como "sexy"; en Eslovaquia como "secesa"; en Rusia como "moderno"; y en Suecia cómo "jugend".

Art Nouveau Es un estilo artístico general. Abarca una amplia gama de bellas artes y artes decorativas, que incluyen arquitectura, pintura, dibujo, diseño de interiores, joyería, muebles, textiles, cerámica, vidrio y orfebrería.

En 1910, el Art Nouveau ya había pasado de moda. Primero fue reemplazado por el Art Déco y luego por el Modernismo como estilo arquitectónico y decorativo dominante en Europa.

Origen

El nuevo movimiento artístico tuvo sus raíces en Gran Bretaña, en los diseños florales de William Morris y en el movimiento Arts and Crafts fundado por los estudiantes de Morris. Los primeros ejemplos de este estilo incluyen la Casa Roja de Morris (1859) y la Sala Peacock de James Abbott McNeil Whistler. El nuevo movimiento también estuvo fuertemente influenciado por artistas prerrafaelitas, entre ellos, Dante Gabriel Rossetti Y Edward Burne-Jones, y esto es especialmente cierto en el caso de los artistas gráficos británicos de la década de 1880, incluidos Selwyn Images, Heywood Sumner, Walter Crane, Alfred Gilbert y, más notablemente, Aubrey Beardsley.

En Francia, el estilo combinó varias tendencias diferentes. En arquitectura estuvo influenciado por el teórico e historiador de la arquitectura Eugene Violette-le-Duc, un enemigo jurado del estilo arquitectónico histórico Beaux Arts. en su libro "Entretiens sur l'arquitectura" En 1872, escribió: “Utilicemos los medios y conocimientos que nos brinda nuestro tiempo, sin tradiciones intermedias que hoy no sean viables, y así podremos descubrir una nueva arquitectura. Cada función tiene su propio material; Cada material tiene su propia forma y adorno”. Este libro influyó en una generación de arquitectos, entre ellos Louis Sullivan, Victor Horta, Hector Guimard y Antoni Gaudí.

pintores franceses Mauricio Denis , Pierre Bonnard Y Édouard Vuillard Jugó un papel importante al combinar las bellas artes de la pintura con las decorativas. “Creo que, ante todo, la pintura debe decorar”, escribió Denis en 1891. “La elección de tramas o escenas no es nada. Es a través de la relación de tonos, de las superficies pintadas y de la armonía de las líneas que puedo llegar al alma y despertar emociones”. Todos estos artistas crearon tanto tradicionales como pintura decorativa en mamparas, vidrios y otros materiales.

Otra influencia importante en el nuevo estilo fue el japonismo: una ola de interés por los grabados en madera japoneses, especialmente las obras de Hiroshige, Hokusai y Utagawa Kunisada, que se importaron a Europa a partir de la década de 1870. El emprendedor Siegfried Bing fundó la revista mensual Le Japon Artistique en 1888 y publicó treinta y seis números antes de cerrar en 1891. Influyó tanto en coleccionistas como en artistas, incluido Gustav Klimt. Los rasgos estilizados de los grabados japoneses aparecieron en gráficos, porcelana, joyería y muebles de estilo Art Nouveau.

Las nuevas tecnologías en impresión y edición permitieron que el Art Nouveau llegara rápidamente a una audiencia global. Las revistas de arte, ilustradas con fotografías y litografías en color, desempeñaron un papel importante en la popularización del nuevo estilo. El Studio en Inglaterra, Arts et idèes y Art et décoration en Francia, Jugend en Alemania permitieron que el estilo se extendiera rápidamente por todos los rincones de Europa. Aubrey Beardsley en Inglaterra y Eugene Grasset, Enrique de Toulouse-Lautrec Y Felix Vallotton han recibido reconocimiento internacional como ilustradores.

gracias a los carteles Jules Chéret para la bailarina Loie Fuller en 1893 y Alfonso Mucha Para la actriz Sarah Bernhardt en 1895, el cartel se convirtió no sólo en un anuncio, sino en una forma de arte. Toulouse-Lautrec y otros artistas han alcanzado el estatus de celebridad internacional.

Forma y carácter

Aunque el Art Nouveau adquirió tendencias muy localizadas a medida que aumentaba su extensión geográfica, ciertas características generales apuntan a su forma. Descripción publicada en la revista Pan del tapiz de pared "Cyclamen" (1894) de Hermann Obrist, describiéndolo como "fuertes curvas inesperadas formadas por el golpe de un látigo", que se hizo famoso al comienzo de la difusión del Art Nouveau. Posteriormente, no sólo la obra en sí se hizo más conocida como "Whip", sino que el propio término "whip" se aplica a menudo a las curvas características utilizadas por los artistas del Art Nouveau. Estos motivos decorativos de "latigazo cervical", formados por líneas dinámicas, onduladas y fluidas en ritmo sincopado y forma asimétrica, se encuentran en toda la arquitectura, pintura, escultura y otras formas de diseño Art Nouveau.

Los orígenes del Art Nouveau están en la lucha del artista William Morris con composiciones voluminosas y las tendencias revivalistas del siglo XIX y sus teorías que ayudaron a crear el movimiento Arts and Crafts. Sin embargo, la portada de Arthur MacCurdo para Las iglesias de la ciudad de Wren (1883), con sus motivos florales rítmicos, a menudo se considera la primera implementación del Art Nouveau. Casi al mismo tiempo, la perspectiva plana y los colores brillantes de los grabados en madera japoneses, especialmente Katsushiki Hokusai, tuvo una fuerte influencia en la fórmula del estilo Art Nouveau. El japonismo, popular en Europa en las décadas de 1880 y 1890, tuvo una influencia significativa en muchos artistas con sus formas orgánicas y su apelación al mundo natural. Además de ser adoptado por artistas como Emile Galle y James Abbott McNeil Whistler, el arte y el diseño de inspiración japonesa también fueron defendidos por los empresarios Siegfried Bean y Arthur Lasenby Liberty en sus tiendas de París y Londres, respectivamente.

En arquitectura, las hipérbolas y parábolas están muy extendidas en ventanas, arcos y puertas, y los fragmentos decorativos se transforman en formas vegetales. Como la mayoría de los estilos de diseño, el Art Nouveau buscó armonizar sus formas. El texto sobre la entrada al metro de París aprovecha características del resto de la estructura metálica.

La arquitectura y el diseño de interiores Art Nouveau evitan los estilos renacentistas eclécticos del siglo XIX. Aunque los diseñadores del Art Nouveau seleccionaron y "modernizaron" algunos de los elementos más abstractos del estilo rococó, como las texturas de llamas y conchas, también abogaron por el uso de formas orgánicas muy estilizadas como fuente de inspiración, ampliando la variedad "natural" a el uso de algas, pastos e insectos Otra influencia fueron las formas suavemente mezcladas del knorpelwerk del siglo XVII, mejor representadas en plata holandesa.

Relación con los estilos y movimientos modernos

Como estilo artístico, el Art Nouveau tiene similitudes con los prerrafaelistas y el simbolismo, y artistas como Aubrey Beardsley, Alphonse Mucha, Edward Burne-Jones, Gustavo Klimt y Jan Toorop, se puede atribuir a más de uno de estos estilos. Sin embargo, a diferencia de la pintura simbólica, el estilo Art Nouveau tiene una apariencia distintiva; y, en contraste con el movimiento Arts and Crafts, orientado a los artesanos, los artistas del Art Nouveau adoptaron fácilmente nuevos materiales, superficies procesadas y la abstracción en aras del diseño puro.

Art Nouveau no abandonó el uso de las máquinas, como lo hizo el movimiento Arts and Crafts. Para la escultura, los principales materiales utilizados fueron el vidrio y el hierro forjado, lo que dio lugar a elementos escultóricos incluso en la arquitectura. La cerámica también participó en la creación de series de esculturas de artistas como Auguste Rodin.

La arquitectura Art Nouveau utilizó muchas de las innovaciones tecnológicas de finales del siglo XIX, especialmente hierro expuesto y grandes elementos de vidrio personalizados. Sin embargo, con el estallido de la Primera Guerra Mundial, la naturaleza estilizada del diseño Art Nouveau, que era costosa de producir, cayó en desuso en favor de un modernismo más estilizado y sencillo, que era más barato y más adecuado a la estética industrial simple que el arte Deco se convirtió.

Tendencias de estilo Art Nouveau También se infiltró en los estilos locales. Por ejemplo, en Dinamarca la tendencia fue un aspecto del skönvirke ("trabajo estético"), que a su vez está más estrechamente relacionado con el estilo Arts and Crafts. Además, los artistas adoptaron muchos motivos florales y orgánicos del Art Nouveau en el estilo Młoda Polska ("Joven Polonia") en Polonia. Sin embargo, Młoda Polska también incluyó otros estilos artísticos y abrazó un movimiento más amplio en el arte, la literatura y el estilo de vida.

El estilo Art Deco es muy popular en nuestro tiempo y está dirigido principalmente a los amantes del elitismo y el lujo, con un gusto refinado y refinado, para aquellos que aman admirar y admirar objetos exclusivos. El estilo es extremadamente popular entre mundo creativo: actores, artistas y otras celebridades.

DISEÑO EN ESTILO ART DECO

La principal diferencia entre este estilo y otros es la tendencia hacia el estilo Imperio y el cubismo. También contiene elementos del arte arcaico de culturas antiguas. Art Deco es una combinación de muchas tendencias: motivos egipcios, arcaicos griegos y arte primitivo Tribus africanas: todo se fusionó armoniosamente en un solo todo, formando una simplicidad vanguardista y al mismo tiempo una originalidad exótica. El Art Deco es una continuación del estilo “Moderno”, ya cuando nació llevaba el nombre original de “Streamlined Modern”. Aquí no se utilizan absolutamente materiales artificiales ni motivos modernos. Ninguno lineas suaves y motivos florales: sólo nitidez, angulosidad, geometría o abstracción, es decir. También hay elementos de “alta tecnología”. Anteriormente, se creaban pinturas, esculturas, muebles, así como edificios y estructuras en estilo Art Deco. Además de todo lo anterior, el estilo no está exento de motivos étnicos, es decir. El Art Déco es ecléctico.

Los principales rasgos característicos del estilo:

1. formas en zigzag (puede ser un adorno o colocar azulejos en forma de espiga);
2. Sunburst, que significa rayos de sol (se pueden encontrar en decoración, forma y decoración). Por cierto, las rayas inherentes a muchos elementos del Art Deco están asociadas con los rayos (se utiliza una decoración a rayas, las paredes se adornan con rayas o el respaldo de un sofá se divide en rayas);
3. escalonamiento (por ejemplo, la divergencia de los rayos del sol en escalones, como estructuras de múltiples etapas típicas de la arquitectura babilónica, sumeria y asiria);
4. trapezoidal (la presencia de muchos elementos interiores con forma trapezoidal, por ejemplo, muebles, espejos o decoración de puertas);
5. líneas curvas (las curvaturas de forma geométrica son más comunes, pero también hay una curvatura redondeada pronunciada);
6. Teclas de piano (en referencia a las franjas alternas claras y oscuras que se encuentran en todas partes)
7. contorno o marco (por ejemplo, una superficie decorada con una línea de color contrastante, en otras palabras, un marco que le permite enfatizar más claramente la geometría que forma el estilo)

El estilo Art Deco implica el uso de materiales:

• madera (incluida la madera con incrustaciones);
• vaso;
• cuero auténtico (incluida la piel de cebra);
• acero inoxidable;
• aluminio;
• baldosas de cerámica o piedra brillantes;
• superficies barnizadas.

En cuanto a la combinación de colores, podemos decir que en el Art Deco predominan los tonos neutros: negro, blanco, gris, plateado, beige, marrón, además de tonos tostados y metálicos. Se permite la introducción moderada y discreta de otros colores, principalmente verde, azul, dorado, rojo o burdeos.

DORMITORIO ARTE DECO

La gran mayoría de personas que eligen el estilo Art Deco para su dormitorio son personas creativas y verdaderos conocedores de la belleza. Art Deco, traducido del francés al ruso, significa "arte decorativo", y aquí el mobiliario estándar es indispensable. Para crear un dormitorio Art Deco es necesario invertir el alma, no tener miedo de experimentar en decoración, para encontrar esa línea invisible entre lo moderno y lo clásico, entre la elegancia sofisticada y el lujo monumental.

Lo clásico y lo moderno en Art Deco están unidos, en primer lugar, por los materiales naturales, las formas geométricas y la versatilidad. Un dormitorio Art Deco se caracteriza por la suavidad de las formas, lo que se verá facilitado por una cama con una cabecera suave y ornamentada, que puede tener una forma rectangular clásica o una forma ovalada moderna. Por lo general, la cabecera está decorada con tapizados costosos o toda el área de la cabecera. Se destaca con papel pintado en relieve y cortinas de tela.

Los muebles deben ser de madera o metal y tener bordes cónicos.

Los bastidores, armarios, mesitas de noche y otros muebles se seleccionan de acuerdo con este principio: si las paredes son oscuras, los muebles deben ser claros y viceversa. Es imprescindible tener un tocador y una otomana (o sillón) de forma inusual en este estilo. Los espejos hacen que el dormitorio sea espacioso y luminoso, y también agrandan visualmente la habitación, porque el art deco implica mucho espacio, luz y limpieza. En este sentido, debe haber una gran cantidad de espejos: puertas de armario, un espejo con forma de rayos de sol ubicado en la zona de la cabecera, así como un espejo grande junto al tocador.

Las paredes del dormitorio pueden ser en sí mismas una decoración interior. Dibujos y adornos - elemento principal en el diseño de paredes de este estilo, así como todo tipo de collages, adhesivos de interior o cuadros decorativos. Sin embargo, todo necesita moderación. El patrón puede ser un marco de fondo para muebles o un acento central del interior, pero debe tener tonos apagados y discretos. El estilo también permite la presencia de formas redondeadas: óvalos, ondas, círculos. Si hay un nicho en la pared, entonces, con la ayuda de paneles de yeso, puede darle la forma de una elipse y colocar allí, por ejemplo, un tocador o un televisor. Pero en este caso, se debe repetir una forma similar al terminar techos, podios de piso o puertas. Por cierto, en cuanto al techo, no sería mala idea colocarle molduras de estuco, por ejemplo, en forma de marco de lámpara de araña. Se permiten pinturas en las paredes, aunque no grandes cantidades para que el interior no se sature con varios objetos pequeños.

En cuanto al color, el dormitorio se puede realizar en tonos blanco, marrón cálido, gris, rosa y rojo. Se recomienda aplicar contraste. Los accesorios y muebles no deben fusionarse en un todo, deben destacarse. Los interiores lucen más impresionantes en combinaciones de blanco y negro, beige chocolate, gris y negro, gris y azul, blanco y burdeos. Por lo general, en la decoración de interiores se utilizan tres tonos, dos de los cuales representan el fondo (por ejemplo, blanco y negro) y uno se utiliza como elemento de lujo (oro, bronce o plata). Sería fantástico que la decoración, además de la decoración, contuviera elementos de lujo, por ejemplo, telas de seda, dorados claros o suelos de parquet. En general, las cortinas de tela sirven como decoración principal del dormitorio. Dan especial romanticismo y comodidad. Las cortinas pueden ser de seda o satén, frente a la cama: la presencia de un cuero blanco natural liso o una alfombra junto a la cama hecha de piel sintética con pelo largo y grueso. La cama está cubierta con una lujosa colcha con almohadas a juego con la suave tapicería de la otomana o las sillas.

La iluminación del dormitorio debe ser de varios niveles, como mínimo debe haber: una lámpara de araña central de cristal o vidrio multicolor, lámparas en el tocador y lámparas de pie. Para iluminar nichos, también puede utilizar iluminación LED.

SALA DE ESTAR ART DECO

Las modernas salas de estar de estilo Art Deco combinan armoniosamente formas geométricas con fachadas redondeadas, y los muebles, generalmente de madera preciosa, se combinan con inserciones de vidrio y tiradores de metal. El estilo proporciona un enorme campo de actividad en cuanto a la implementación de diversas ideas. Se puede utilizar cualquier diseño, ya sean patrones africanos, patrones cubistas, artículos de aviación o diseños con temas automotrices, porque... Los interiores de este estilo consisten en un mosaico de estilos y épocas. Como material decorativo Se utilizan maderas preciosas, cuero (incluidos cocodrilo, tiburón y mantarraya), piedras semipreciosas, marfil, bambú, etc. Por lo tanto, los materiales extravagantes ayudan enormemente a expresar toda la gama de sentimientos, especialmente porque la sala de estar Art Deco es un verdadero centro de estética. La combinación de vidrio y metal se ha generalizado y las puertas, tabiques interiores, accesorios para chimeneas y barandillas de escaleras están decorados con hierro soldado.

En cuanto a la combinación de colores, predominan los tonos oscuros, pero se permite la paleta marrón-beige, creando una nobleza especial en el interior. Pero en cuanto a las flores abigarradas, esto es inaceptable. El efecto más ventajoso se logra jugando con una saturación monótona en combinación con un patrón contrastante. El uso de superficies de vidrio con incrustaciones, metal pulido y madera pulida en la sala de estar es especialmente bienvenido, porque... Todos estos atributos realzan la impresión de lujo y nobleza.

Los muebles de un salón Art Déco también deben ser lujosos, mejor si están hechos a mano con maderas exóticas. Pero en cualquier caso, cualquier artículo está decorado adicionalmente. La forma de los muebles también es inusual, por ejemplo, el asiento de la silla puede ser trapezoidal y la tapicería puede mostrar patrones egipcios u orientales, en una palabra, una combinación de incongruentes. Es especialmente apropiado utilizar mesas elegantes con tableros con incrustaciones, así como sillas y sillones grandes, como un trono real. Pero no debemos olvidar que el estilo en sí es muy elegante y ligero, por lo que las formas en zigzag, ondas o cuellos de cisne son relevantes. Por cierto, el estilo tiene otro nombre: "artístico". Mayoría combinación ganadora Para los muebles se recomienda utilizar madera de color rojo oscuro o burdeos en combinación con cuero natural blanco, mármol o vidrio.

Las vitrinas con hermosas cosas valiosas encajarán perfectamente en el diseño interior.

Las paredes de la sala de estar suelen servir como telón de fondo agradable y discreto para muebles lujosos y elegantes y otros elementos interiores. Muy a menudo simplemente están pintados de un solo color. Aunque también son posibles inclusiones delicadas en forma de adornos de otros colores. Lo principal que hay que recordar es que la combinación de colores de las paredes y el suelo debe ser suave, pero los muebles del fondo deben ser oscuros e incluso casi negros.

También puede haber esculturas colocadas por todas partes en el interior. figuras femeninas, por ejemplo, en una pose de baile, que es símbolo de pureza y gracia. Aunque la principal decoración de este estilo siguen siendo los textiles. Las cortinas utilizadas son de terciopelo o satén grueso. Los cojines del sofá y las pantallas de las lámparas deben combinarse a juego con las cortinas. Mamparas intrincadas u otros elementos de metal forjado también serán una excelente adición al interior. Se utilizan en grandes cantidades accesorios antiguos, como cuadros únicos con el espíritu de la Edad Media, así como varios jarrones y relojes de pared y, por supuesto, lujosas alfombras. Por cierto, en cuanto a las pinturas, las pinturas de estilo Art Deco se verán excelentes, ya que representan una cierta mezcla de expresión moderna con elegancia antigua con imágenes de siluetas femeninas, animales fantásticos de cuentos de hadas o manchas abstractas.

COCINA ART DÉCO

Como se mencionó anteriormente, el estilo Art Deco es una combinación de neoclasicismo tradicional y modernismo innovador. ¿Cómo se manifiesta todo esto en el interior de la cocina? En primer lugar, su originalidad. Dado que este estilo es caro y bastante brillante, el diseño de la cocina no es una excepción, en otras palabras, no pasará desapercibido. En segundo lugar, la exclusividad en forma de antigüedades inusuales, por ejemplo, objetos de arte. En cuanto a los materiales utilizados, se utilizan los siguientes: madera (este es el principal) tanto pulida como con incrustaciones o barnizada, metal (acero inoxidable y aluminio), cuero genuino, vidrio, así como azulejos brillantes (cerámica, piedra artificial o natural). ) y, por supuesto, textiles (satén liso o seda, así como tela de rayas de cebra).

En cuanto a la combinación de colores, la combinación perfecta sería el blanco y el negro (esta es la característica principal del Art Deco). Pero también son posibles otras combinaciones de colores, por ejemplo, blanco con chocolate, plateado con negro, etc. Pero no debemos olvidar que la gama principal son los colores del metal, la tierra, la piedra o el cuero genuino. Es una buena idea decorar la zona del comedor con rayas, utilizando papel pintado textil o no tejido de la misma textura. Y el delantal de trabajo puede estar hecho de azulejos, por ejemplo, geométricos según el principio de mosaico blanco y negro. También se pueden añadir otros colores, pero en pequeñas cantidades y en tonos apagados (verde, azul, dorado y rojo).

Otro rasgo tradicional del estilo es la forma escalonada, que se extiende tanto a la decoración estampada de las paredes como a los muebles con módulos situados en los niveles diferentes, tanto en altura como en profundidad. Si el espacio de la habitación lo permite, sería bueno hacer un techo tensado de varias etapas, siempre que esté cubierto con una película blanca o negra brillante y haya mucha iluminación. El mayor efecto se puede lograr si se hace un "paso" en forma de borde de estuco, enfatizando así la naturaleza geométrica inherente a este estilo. Además, una de las opciones es decorar el comedor con papel tapiz fotográfico en forma de imágenes en varias etapas de paisajes, casas o abstracciones, siempre que los dibujos contengan formas geométricas claras y regulares.

Muy elemento significativo y un toque Art Déco importante son los rayos del sol (Sunburst). Las rayas rayadas deben estar presentes en todas partes: en tapizados de muebles, decoración y textiles. Cortinas a rayas hasta el suelo, una lámpara de araña en forma de abanico o una imitación de piel de cebra en un rincón suave: uno o dos elementos de "rayos de sol" serán suficientes. En cuanto al mobiliario, cabe destacar que requisito previo es evitar saturar el espacio, es decir Los muebles deben ser funcionales. La tapicería debe ser de terciopelo, raso, cuero y velour. Lo ideal es convertir el comedor en una mesa exquisita, siguiendo la tradición de los mejores restaurantes de élite. En general, si hablamos de una cocina ideal en estilo Art Deco, entonces debe contener muebles de madera valiosa, hechos por encargo o, opcionalmente, antigüedades restauradas. Si esto no es posible, existe otra alternativa a la madera cara: un juego lacado de dos colores, que puede ser blanco y negro, gris azulado, gris rojo, etc.), es decir. Juega con el contraste de colores y barnices, que también es lo que le encanta al Art Déco. Además, puedes utilizar muebles tapizados en acero inoxidable.

Aumenta visualmente el espacio de la habitación. Además, un espejo normal en forma de trapecio quedaría bien, o incluso mejor, en forma de sol, especialmente si se colocan focos para lograr el efecto de un juego de luces.

Es recomendable realizar los suelos con parquet barnizado, aunque, por supuesto, esta superficie no es del todo práctica para la cocina. En este sentido, la mejor alternativa son los pavimentos cerámicos (mármol o imitación de cualquier otra piedra natural). También puedes utilizar linóleo, que tiene un patrón geométrico. No debemos olvidarnos de las notas étnicas, que también deben estar presentes, por ejemplo, en forma de cuadros con paisajes o fotografías en blanco y negro colocadas en finos marcos de madera o metal. O decorar el interior con palmeras o flores exóticas. Y un matiz más: debe haber suficientes lámparas para garantizar una buena iluminación de la habitación.

Y ahora lo más importante, por así decirlo, lo más destacado de una cocina Art Deco: seguramente debe haber algo en ella que llame inmediatamente la atención (un jarrón exclusivo, una figura de bronce, candelabros de plata o, por ejemplo, un cuadro). . Es necesario pensar detenidamente y elegir uno de los elementos que puedan causar sorpresa y deleite, ya sea un espejo o una lámpara de araña.

Arte deco

Art Déco (art déco francés, literalmente "arte decorativo", del nombre de la exposición parisina de 1925 Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes, Exposición Internacional Rusa de Artes Decorativas e Industriales Contemporáneas) es un movimiento influyente en el sector fino y decorativo. El arte de la primera mitad del siglo XX, que apareció por primera vez en Francia en la década de 1920 y luego se hizo popular en las décadas de 1930 y 1940 a escala internacional, se manifestó principalmente en la arquitectura, la moda, la pintura y dejó de ser relevante en el período. después de la Segunda Guerra Mundial. Es un estilo ecléctico, que representa una síntesis del modernismo y el neoclasicismo. El estilo Art Déco también tiene una importante influencia de movimientos artísticos como el cubismo, el constructivismo y el futurismo.

Características distintivas: regularidad estricta, formas geométricas atrevidas, patrones geométricos étnicos, diseño en medios tonos, falta de colores brillantes en el diseño, mientras que los patrones coloridos, materiales lujosos, elegantes, caros y modernos (marfil, piel de cocodrilo, aluminio, maderas raras, plata ). En Estados Unidos, Países Bajos, Francia y algunos otros países, el Art Deco evolucionó gradualmente hacia el funcionalismo.

La exposición internacional celebrada en París en 1925 y oficialmente denominada "Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes" dio origen al término "Art Déco". Esta exposición mostró los artículos de lujo mundiales fabricados en Francia, lo que demuestra que París siguió siendo un centro internacional de estilo después de la Primera Guerra Mundial.

El propio movimiento Art Déco existía antes de la inauguración de la exposición en 1925: fue un movimiento notable en el arte europeo de los años 20. Sólo llegó a las costas estadounidenses en 1928, donde en la década de 1930 se transformó en Streamline Moderne, una rama americanizada del Art Déco que se convirtió en el sello distintivo de esa década.

París siguió siendo el centro del estilo Art Déco. En muebles lo encarnó Jacques-Émile Ruhlmann, el diseñador de muebles más famoso de la época y quizás el último de los clásicos ébéniste (ebanistas) parisinos. Además, se exponen las obras de Jean-Jacques Rateau, los productos de la empresa “Süe et Mare”, biombos de Eileen Gray, productos de metal forjado de Edgar Brandt, metal y esmalte del suizo de origen judío Jean Dunant, vidrio del gran René Lalique y Maurice Marino, además de relojes y joyas Cartier.

El símbolo del Art Déco en las artes decorativas y aplicadas era la escultura realizada en bronce y marfil. Inspirándose en las "Estaciones rusas" de Diaghilev, el arte de Egipto y Oriente, así como los logros tecnológicos de la "era de las máquinas", los maestros franceses y alemanes crearon un estilo único en la pequeña escultura de las décadas de 1920 y 1930, que elevó el estatus. de la escultura decorativa al nivel del "arte elevado". Se consideran representantes clásicos del Art Deco en escultura a Dmitry Chiparus, Claire Jean Robert Colinet, Paul Philippe (Francia), Ferdinand Preiss, Otto Poertzel (Alemania), Bruno Zack, J. Lorenzl (Austria).

Aunque el término Art Déco se originó en 1925, no se usó comúnmente hasta que las actitudes hacia la época cambiaron en la década de 1960. Los maestros del estilo Art Déco no formaban parte de una única comunidad. El movimiento fue considerado ecléctico, influenciado por varias fuentes.

A los maestros del Art Déco les encantaba utilizar materiales como aluminio, acero inoxidable, esmalte, incrustaciones de madera, piel de tiburón y cebra. Se utilizaron activamente formas en zigzag y escalonadas, líneas curvas amplias y enérgicas (a diferencia de las suaves y fluidas curvas del Art Nouveau), motivos de chevron y teclas de piano. Algunos de estos motivos decorativos se volvieron omnipresentes, como el patrón clave que se encuentra en los diseños de zapatos de mujer, radiadores, salas de conferencias de Radio City y la aguja del edificio Chrysler. Los interiores de cines y transatlánticos como Ile de France y Normandy se decoraron fácilmente con este estilo. El Art Deco era lujoso y se cree [fuente no especificada 1667 días] que este lujo es una reacción psicológica al ascetismo y las restricciones de la Primera Guerra Mundial.

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