Nature morte rinascimentali. La natura morta nella pittura: tipologie e descrizione

Natura morta nella pittura: immagini di oggetti statici inanimati combinati in un unico insieme. Una natura morta può essere presentata come una tela indipendente, ma a volte diventa parte della composizione di una scena di genere o di un intero dipinto.

Cos'è la natura morta?

Tale pittura si esprime nell'atteggiamento soggettivo di una persona nei confronti del mondo. Ciò mostra la comprensione intrinseca della bellezza del maestro, che diventa l'incarnazione dei valori sociali e dell'ideale estetico del tempo. La natura morta nella pittura si è gradualmente trasformata in un genere significativo separato. Questo processo durò più di cento anni e ogni nuova generazione di artisti interpretò tele e colori secondo le tendenze dell'epoca.

Il ruolo della natura morta nella composizione di un dipinto non si limita mai a semplici informazioni, un'aggiunta accidentale al contenuto principale. A seconda delle condizioni storiche e delle esigenze sociali, gli oggetti possono svolgere un ruolo più o meno attivo nella creazione di una composizione o dell'immagine di un hotel, oscurando l'uno o l'altro obiettivo. La natura morta nella pittura come genere indipendente è progettata per trasmettere in modo affidabile la bellezza delle cose che circondano quotidianamente una persona.

A volte un singolo dettaglio o elemento assume improvvisamente un significato profondo, acquisisce un significato e un suono propri.

Storia

Essendo un genere antico e venerato, la natura morta nella pittura conosceva i suoi alti e bassi. Severo, ascetico e minimalista ha contribuito a creare immagini eroiche elevate generalizzate monumentali immortali. Gli scultori con straordinaria espressività hanno apprezzato l'immagine dei singoli oggetti. Tipi di natura morta nella pittura e tutti i tipi di classificazioni hanno avuto origine durante la formazione della storia dell'arte, sebbene le tele esistessero molto prima della stesura del primo libro di testo.

Tradizioni della pittura di icone e nature morte

Nell'antica pittura di icone russa, quelle poche cose che l'artista ha osato introdurre nel rigoroso laconismo delle opere canoniche hanno avuto un ruolo importante. Contribuiscono alla manifestazione di tutto ciò che è immediato e dimostrano l'espressione dei sentimenti in un'opera dedicata a una trama astratta o mitologica.

I tipi di natura morta nella pittura esistono separatamente dalle opere di pittura di icone, sebbene un canone rigoroso non proibisca la raffigurazione di alcuni oggetti inerenti al genere.

natura morta rinascimentale

Tuttavia, le opere dei secoli XV-XVI svolgono un ruolo importante nel Rinascimento. Il pittore ha innanzitutto attirato l'attenzione sul mondo che lo circonda, ha cercato di determinare il significato di ogni elemento al servizio dell'umanità.

La pittura moderna, la natura morta come genere popolare e amato ha origine nel Tricento. Gli articoli per la casa acquisirono una certa nobiltà e significato da parte del proprietario che servivano. Su tele di grandi dimensioni, una natura morta, di regola, sembra molto modesta e discreta: un barattolo d'acqua di vetro, l'argento di un vaso elegante o gigli delicati su steli sottili, spesso rannicchiati in un angolo buio dell'immagine, come poveri e dimenticati parenti.

Tuttavia, nell'immagine delle cose belle e vicine c'era così tanto amore in forma poetica che la pittura moderna, la natura morta e il suo ruolo in essa già guardavano timidamente attraverso le lacune nei paesaggi e le pesanti tende delle scene di genere.

Momento cruciale

I soggetti acquisirono un vero e proprio elemento nei dipinti e un nuovo significato nel XVII secolo, un'epoca in cui prevaleva e dominava la natura morta con fiori. Dipinti di questo genere hanno conquistato numerosi estimatori tra la nobiltà e il clero. In composizioni complesse con un carattere letterario pronunciato trama le scene hanno trovato il loro posto insieme ai personaggi principali. Analizzando le opere dell'epoca, è facile notare che l'importante ruolo della natura morta si manifestò analogamente nella letteratura, nel teatro e nella scultura. In queste opere le cose cominciarono a "agire" e a "vivere": venivano mostrate come i personaggi principali, dimostrando gli aspetti migliori e più benefici degli oggetti.

Gli oggetti d'arte realizzati da artigiani laboriosi e di talento portano l'impronta personale dei pensieri, dei desideri e delle inclinazioni di una persona in particolare. dipingere è la cosa migliore test psicologici aiutare a monitorare lo stato psico-emotivo e raggiungere l'armonia e l'integrità interiore.

Le cose servono fedelmente una persona, adottando il suo entusiasmo per gli articoli per la casa e ispirando i proprietari ad acquistare nuove piccole cose belle ed eleganti.

Rinascimento fiammingo

La pittura a guazzo, la natura morta come genere, le persone non hanno accettato immediatamente. La storia dell'emergere, dello sviluppo e dell'implementazione diffusa di varie idee e principi serve a ricordare il costante sviluppo del pensiero. La natura morta divenne famosa e di moda a metà del XVII secolo. Il genere è iniziato nei Paesi Bassi, nelle Fiandre luminose e festive, dove la natura stessa favorisce la bellezza e il divertimento.

La pittura a guazzo, le nature morte fiorirono in un periodo di grandiosi cambiamenti, un cambiamento completo delle istituzioni politiche, sociali e religiose.

corrente delle Fiandre

La direzione borghese dello sviluppo delle Fiandre fu una novità e un progresso per l'intera Europa. Cambia in vita politica portò a innovazioni simili nella cultura: gli orizzonti che si aprirono davanti agli artisti non erano più limitati ai divieti religiosi e non erano supportati dalle tradizioni pertinenti.

La natura morta divenne il fiore all'occhiello della nuova arte, che glorificava tutto ciò che è naturale, luminoso e bello. I rigidi canoni del cattolicesimo non frenavano più il volo dell'immaginazione e la curiosità dei pittori, e quindi la scienza e la tecnologia iniziarono a svilupparsi insieme all'arte.

Le cose e gli oggetti ordinari di tutti i giorni, precedentemente considerati vili e indegni di menzione, divennero improvvisamente oggetti di studio attento. La pittura decorativa, la natura morta e i paesaggi sono diventati un vero specchio della vita: routine quotidiana, dieta, cultura, idee sulla bellezza.

Proprietà del genere

Fu da qui, da uno studio consapevole e approfondito del mondo circostante, che si sviluppò un genere separato pittura domestica, paesaggio, natura morta.

L'arte, che acquisì alcuni canoni nel XVII secolo, determinò la qualità principale del genere. L'immagine, dedicata al mondo delle cose, descrive le principali proprietà inerenti agli oggetti che circondano una persona, mostra l'atteggiamento del maestro e del suo ipotetico contemporaneo verso quanto mostrato, esprime la natura e la completezza della conoscenza della realtà. L'artista ha necessariamente trasmesso l'esistenza materiale delle cose, il loro volume, peso, consistenza, colore, lo scopo funzionale degli oggetti domestici e la loro connessione vitale con l'attività umana.

Compiti e problemi della natura morta

La pittura decorativa, la natura morta e le scene domestiche assorbirono le nuove tendenze dell'epoca: l'allontanamento dai canoni e la preservazione simultanea del naturalismo conservatore dell'immagine.

La natura morta dell'era rivoluzionaria durante la completa vittoria della borghesia riflette il rispetto dell'artista per le nuove forme di vita nazionale dei suoi compatrioti, il rispetto per il lavoro degli artigiani comuni, l'ammirazione per bellissime immagini bellezza.

I problemi e i compiti del genere formulati nel XVII secolo non furono generalmente discussi nelle scuole europee fino alla metà del XIX secolo. Nel frattempo, gli artisti si sono posti costantemente nuovi e nuovi compiti e non hanno continuato a riprodurre meccanicamente soluzioni compositive e combinazioni di colori già pronte.

Tele moderne

Le foto di nature morte per la pittura, preparate in studi moderni, dimostrano chiaramente la differenza tra la percezione del mondo da parte di un contemporaneo e di una persona del Medioevo. La dinamica degli oggetti oggi supera tutti i limiti immaginabili e la statica degli oggetti era la norma per quel tempo. Le combinazioni di colori del XVII secolo sono caratterizzate da luminosità e purezza del colore. Le tonalità sature si inseriscono armoniosamente nella composizione e sottolineano l'idea e l'idea dell'artista. L'assenza di canoni nel modo migliore hanno influenzato le nature morte del XX e XXI secolo, a volte colpendo l'immaginazione con la loro bruttezza o deliberata variegatura.

I metodi per risolvere i problemi della natura morta cambiano rapidamente ogni decennio, i metodi e le tecniche non tengono il passo con l'immaginazione di maestri riconosciuti e meno.

Il valore dei dipinti di oggi risiede nell'espressione della realtà attraverso gli occhi di artisti contemporanei; attraverso l'incarnazione sulla tela nascono nuovi mondi che possono dire molto sui loro creatori alle persone del futuro.

Influenza dell'impressionismo

La pietra miliare successiva nella storia delle nature morte fu l'impressionismo. L'intera evoluzione della direzione si è riflessa nelle composizioni attraverso i colori, la tecnica e la comprensione dello spazio. Gli ultimi romantici del millennio hanno trasferito la vita sulla tela così com'è: tratti rapidi e luminosi e dettagli espressivi sono diventati i capisaldi dello stile.

Dipinto, natura morta artisti contemporanei recano sicuramente l'impronta degli ispiratori impressionisti attraverso il colore, i modi e le tecniche dell'immagine.

L'allontanamento dai canoni standard del classicismo - tre piani, composizione centrale e personaggi storici - ha permesso agli artisti di sviluppare la propria percezione del colore e della luce, nonché di dimostrare al pubblico il libero volo delle emozioni in un modo accessibile e visivo modo.

I compiti principali degli impressionisti sono cambiare la tecnica pittorica e il contenuto psicologico dell'immagine. E oggi, anche conoscendo la situazione di quell'epoca, è difficile trovare la risposta corretta alla domanda sul perché i paesaggi impressionisti, gioiosi e non sofisticati come la poesia, provocarono un forte rifiuto e un rude ridicolo da parte di critici esigenti e di un pubblico illuminato.

La pittura impressionista non si adattava al quadro generalmente accettato, quindi le nature morte e i paesaggi erano percepiti come qualcosa di volgare, indegno di riconoscimento insieme ad altre fecce dell'arte alta.

La mostra d'arte, che divenne una sorta di attività missionaria per famosi artisti dell'epoca, riuscì a raggiungere i cuori e a dimostrare la bellezza e la grazia. arte classica. La processione trionfale dei dipinti di nature morte non si è fermata dalla fine del XIX secolo e la varietà di generi e tecniche oggi consente di non aver paura di alcun esperimento con colori, trame e materiali.

Che strano dipinto è questo, una natura morta: te ne fa ammirare una copia
quelle cose di cui non ammiri gli originali.

"L'arte o si è divisa in generi separati, poi li ha uniti insieme, formando una sorta di fusione onnicomprensiva, e in diversi periodi della storia, un ritratto, o un paesaggio, o un'immagine storica, o un'immagine di tutti i giorni sono venuti alla ribalta Ma se fosse stato organizzato un grande esperimento pittorico, se il discorso riguardasse l'analisi del mondo, la sua scomposizione in componenti - e la sintesi di questi componenti, allora anche prima che fossero tratte le conclusioni finali e stabilito il nuovo sistema iniziò la sua marcia trionfale intorno al mondo, superò il "test della natura morta". La "natura morta" mostrò la capacità di intromettersi nel "vivo" - e non solo di mostrarlo, ma anche di spiegarlo. Tuttavia, la fioritura della natura morta, il massiccio interesse per esso da parte degli artisti e, soprattutto, la capacità di questo genere di generalizzare in sé tutto ciò di cui l'arte ha bisogno in un dato momento, facendo il resto, come se non fosse necessario, si è verificato solo quando è emerso il segreto di un altro tipo è stato scoperto dietro il gioco dell '"inganno", i cui custodi si sono rivelati essere le cose. Contrariamente alla traduzione letterale del suo nome, la natura morta si è rivelata in questo caso il più vitale dei generi ".

Cos'è la natura morta? fr. nature morte, letteralmente - "natura morta", con nature "natura, natura; naturalezza; essenza, proprietà" e morte "morte"; cavolo. ancora, germe. Stilleben natura morta, letteralmente - vita tranquilla o immobile, con ancora "immobile, calmo; tranquillo" (ancora come la tomba "silenzioso come una tomba") e vita "vita, esistenza" (questa vita, vita naturale rel. "essere terreno" ) ; nella pittura "natura" (un'immagine presa dalla vita "un'immagine dalla natura").

(principalmente pittura da cavalletto), che è dedicato a rappresentare cose collocate in un unico ambiente e organizzate in gruppo.

Organizzazione speciale del motivo(cosiddetto messa in scena) è uno dei componenti principali sistema figurativo genere della natura morta.

Oltre agli oggetti inanimati (ad esempio articoli per la casa), la natura morta raffigura oggetti di fauna selvatica, isolati dalle loro connessioni naturali e quindi trasformati in una cosa: un pesce su un tavolo, fiori in un mazzo, ecc.

L'immagine di creature viventi e in movimento - insetti, uccelli, animali e persino persone - a volte può essere inclusa in una natura morta, ma solo completando il suo motivo principale.

Rispetto ad altri generi, nella natura morta aumenta il significato dei piccoli oggetti isolati dal contesto della vita quotidiana.

Specifiche del genere determina la maggiore attenzione dell'artista (e dello spettatore) alla struttura e ai dettagli dei volumi, alla struttura della superficie e ai problemi dell'immagine.

Obiettivi la natura morta come genere non si riduce all'espressione del simbolismo, alla soluzione di problemi decorativi o alla fissazione naturalisticamente accurata del mondo oggettivo, sebbene questi compiti abbiano ampiamente contribuito alla formazione della natura morta, e le sue immagini sono spesso distinte da la ricchezza di associazioni, la vivida decoratività e l'illusoria accuratezza del trasferimento della natura.

L'immagine delle cose in una natura morta ha un valore artistico autonomo; un artista può creare in una natura morta un'immagine capiente e multistrato con una complessa implicazione semantica.

IN sviluppo storico la natura morta, nel suo trasformarsi in epoche diverse Il contenuto riflette specificamente la condizionalità sociale dell'arte nel suo insieme.

Nelle belle arti la natura morta (dal francese natur morte - "natura morta") è solitamente chiamata l'immagine di oggetti inanimati combinati in un unico gruppo compositivo.

Una natura morta può avere sia un significato indipendente che essere parte integrante della composizione di un dipinto di genere.

La natura morta esprime il rapporto dell'uomo con il mondo che lo circonda. Rivela la comprensione del bello, che è insita nell'artista come uomo del suo tempo.

L'arte delle cose è stata a lungo parte integrante di qualsiasi opera significativa, molto prima che diventasse un campo indipendente di creazione artistica.

Il ruolo della natura morta in un dipinto non si è mai limitato a una semplice informazione, un'aggiunta accidentale al contenuto principale.

A seconda delle condizioni storiche e delle esigenze sociali, gli oggetti hanno più o meno partecipato alla creazione dell'immagine, sottolineando l'uno o l'altro lato dell'idea. Prima che la natura morta diventasse un genere indipendente, le cose che circondano una persona vita di ogni giorno, solo in un modo o nell'altro furono inclusi come attributo nei dipinti dell'antichità. A volte un dettaglio del genere acquisiva un significato inaspettatamente profondo, riceveva il proprio significato.

La storia della natura morta come genere.

Motivi di natura morta come dettagli di composizioni, immagini decorative e simboliche di cose si trovano già in antica arte orientale, antica e medievale. Elementi di natura morta, in cui si possono vedere i prototipi compositivi e tematici dei suoi tipi sviluppati, sono inclusi negli affreschi e nei mosaici dell'antica Roma a partire dal I secolo. Per quanto riguarda l'arte classica orientale, in particolare cinese e giapponese, è difficile parlare della natura morta stessa: la forma della visione artistica e il sistema dei generi qui differivano significativamente da quelli europei. In parte paragonabili al genere della natura morta sono le opere del cosiddetto genere "fiori e uccelli", nonché le singole immagini di frutti (Tsui Bo, 2a metà dell'XI secolo, Mu-chi, XIII secolo - in Cina; Ogata Korin, seconda metà del XVII - inizio XVIII secolo in Giappone).

La nascita della natura morta come genere indipendente è associata alla formazione generale Arte europea nuovo tempo, l'assegnazione della pittura da cavalletto e la formazione di un vasto sistema di generi. Già nelle opere dei maestri italiani e soprattutto olandesi del Rinascimento si avverte un'inedita attenzione al mondo materiale, un attaccamento alla bellezza concreta-sensuale delle cose, le cui immagini, allo stesso tempo, conservano talvolta un significato simbolico, spesso inerente alla rappresentazione di oggetti nell'arte medievale. La storia della natura morta come genere di pittura da cavalletto, e in particolare il suo tipo "trompel" oeil "(" intoppo"), si apre con "Natura morta" dell'artista italiano Jacopo de Barbari (1504), in cui l'attenzione principale è pagato al trasferimento illusionisticamente accurato di oggetti. Tuttavia, la diffusione del genere della natura morta cade nella seconda metà del XVI - inizio XVII secolo, facilitata dalle inclinazioni naturalistiche caratteristiche di quest'epoca, dall'interesse dell'arte per vita quotidiana e privacy dell'uomo, nonché lo sviluppo stesso di metodi per lo sviluppo artistico del mondo. Nei dipinti dell'olandese Peter Aartsen e dei suoi seguaci, a volte ancora religiosi nella trama, viene dato ampio spazio all'immagine di cucine e negozi con un mucchio di cibo e utensili. L'accuratezza botanica della riproduzione di vari fiori, la bellezza e la varietà delle loro forme e colori occupano il velluto fiammingo di J. Brueghel non meno del loro simbolismo. 17 ° secolo - il periodo di massimo splendore della natura morta. La varietà dei suoi tipi e forme a quel tempo è associata allo sviluppo delle scuole di pittura nazionali. La formazione della natura morta italiana è in gran parte determinata dalle riforme di Caravaggio, che hanno portato gli artisti a rivolgersi a motivi semplici, "bassi" e hanno determinato le caratteristiche stilistiche della pittura dei pittori di natura morta italiana. I temi preferiti dei maestri del N. italiano (P. P. Bonzi, M. Campidoglio, G. Recco, G. B. Ruoppolo, E. Baskenis, ecc.) sono fiori, verdura e frutta, frutti di mare, utensili da cucina, strumenti musicali e libri. In generale, la natura morta italiana è caratterizzata da una varietà ritmica di composizioni, saturazione e luminosità del colore, espressività plastica del trasferimento del mondo oggettivo. Le tradizioni del caravaggismo sono tangibili anche nella natura morta spagnola con il suo amore per la raffinata plasticità della forma, rivelata dai contrasti chiaroscurali. Immagini di cose (spesso banali) in una natura morta spagnola. si distinguono per sublime severità e significato speciale, come se distacco dalla vita quotidiana (J. Sanchez Cotan, F. Zurbaran, A. Pereda, ecc.). L'interesse per la natura quotidiana delle cose, l'intimità, spesso la democratizzazione delle immagini si manifestavano chiaramente nella natura morta olandese.

È caratterizzato dall'attenzione allo sviluppo pittorico dell'ambiente luminoso, alla varietà delle trame di vari materiali, alla sottigliezza dei rapporti tonali e della combinazione di colori - dalla colorazione squisitamente modesta delle "colazioni monocromatiche" di V. Kheda e P. Klas alle composizioni intensamente contrastanti e coloristicamente efficaci di V. Kalf ("Dessert"). Natura morta olandese distingue l'abbondanza di maestri che hanno lavorato in questo genere e la varietà delle tipologie: oltre a "colazioni" e "dessert", "pesce" (A. Beyeren), "fiori e frutti" (J. D. de Hem), "selvaggina battuta" " (J. Venicke, M. Hondekuter), la natura morta allegorica "vanitas" ("vanità delle vanità"), e altri. tutte queste varietà. La natura morta fiamminga (principalmente "mercati", "botteghe", "fiori e frutti") si distingue per l'ampiezza delle composizioni: sono multicomponenti, maestose e dinamiche; si tratta di inni alla fertilità e all'abbondanza (F. Snyders, J. Feit). Nel XVII secolo Si stanno sviluppando anche le nature morte tedesche (G. Flegel, K. Paudis) e francesi (L. Vozhen). Dalla fine del XVII secolo nella natura morta francese trionfavano le tendenze decorative dell'arte di corte. Accanto alla natura morta di fiori (J. B. Monnoyer e la sua scuola), alla caccia N. (A. F. Deporte e J. B. Oudry), esempi di natura morta quotidiana compaiono solo occasionalmente. Ma nel XVIII secolo in Francia, uno dei maestri più significativi delle opere di natura morta - J. B. S. Chardin, le cui opere si distinguono per la particolare profondità di contenuto, libertà di composizione e ricchezza di soluzioni cromatiche. Le sue immagini del mondo delle cose quotidiane sono di natura democratica, intime e umane, come riscaldate dalla poesia del focolare. A metà del XVIII secolo nacque il termine "nature morte", che rifletteva l'atteggiamento sprezzante nei confronti della natura morta da parte degli ambienti accademici, che preferivano generi il cui ambito era la "natura vivente" ( genere storico, ritratto, ecc.). Ma l’arte avanzata ha distrutto la gerarchia accademica dei generi, che ha ostacolato lo sviluppo della natura morta. I cliché compositivi della natura morta sono superati e le regolarità di questa forma pittorica sono state rivalutate. Nel 19 ° secolo il destino della natura morta è determinato dai principali maestri della pittura, che lavorano in molti generi e coinvolgono la natura morta nella lotta tra estetica e idee artistiche(F. Goya in Spagna, E. Delacroix, G. Courbet, E. Manet e gli impressionisti in Francia, che occasionalmente si dedicavano alla natura morta). Tuttavia, il 19 ° secolo per molto tempo non ha proposto grandi maestri specializzati in questo particolare genere di natura morta. Sullo sfondo di una normale natura morta da salotto della seconda metà del XIX secolo. spiccano, in generale, i lavori tradizionali del francese A. Fantin-Latour e dell'americano W. Harnet, che fecero rivivere in modo peculiare il tipo del "trompel" oeil.L'ascesa della natura morta è associata all'esecuzione di post -maestri impressionisti, per i quali il mondo delle cose diventa uno dei temi principali. Le possibilità espressive della natura morta, fino all'espressione drammatica della posizione sociale e morale dell'artista, sono incarnate nell'opera dell'olandese W. van Gogh. un concetto creativo che ha avuto una grande influenza sullo sviluppo della natura morta (così come della pittura in generale) nell'arte del XX secolo. Dall'inizio del XX secolo, la natura morta è stata una sorta di laboratorio creativo per pittura, rivelando le possibilità emotive, decorative ed espressive del colore e della trama, e i rappresentanti del cubismo (J. Braque, P. Picasso, H. Gris e altri), utilizzando le possibilità analitiche inerenti alle specificità della natura morta, cercano di stabilire nuovi modi di trasmettere spazio e forma. I problemi (o i motivi) della natura morta attirano anche maestri di tendenze successive - artisti che, in varia misura, combinano un orientamento verso l'eredità classica con nuove scoperte nella pittura (Picasso in Francia, A. Kanoldt in Germania, G. Morandi in Italia), ai rappresentanti del surrealismo e della "pop art", le cui opere nel loro insieme vanno oltre i confini del genere storicamente consolidato di N. Le tradizioni realistiche di N. (spesso con una tendenza sociale enfatizzata) nel XX secolo sono rappresentati dai lavori di D. Rivera e D. Siqueiros in Messico, R. Guttuso in Italia.

La natura morta apparve nell'arte russa nel XVIII secolo. insieme all'affermazione della pittura secolare, che riflette il pathos cognitivo dell'epoca e il desiderio di trasmettere in modo veritiero e accurato il mondo oggettivo ("trucchi" di G. N. Teplov, P. G. Bogomolov, T. Ulyanov, ecc.). L'ulteriore sviluppo della natura morta russa è episodico. Alcuni sorgono nella prima metà del 19° secolo. (F. P. Tolstoy, scuola di A. G. Venetsianov, I. T. Khrutsky) è associato al desiderio di vedere la bellezza nel piccolo e nell'ordinario. Nella seconda metà del XIX secolo. I. N. Kramskoy, I. E. Repin, V. I. Surikov, V. D. Polenov, I. I. Levitan si rivolgono solo occasionalmente alla natura morta di natura abbozzata; una posizione simile di una natura morta in sistema dell'arte I Wanderers seguivano la loro idea del ruolo dominante del quadro tematico della trama. L'importanza indipendente dello studio della natura morta aumenta a cavallo tra il XIX e il XX secolo. (M. A. Vrubel, V. E. Borisov-Musatov). Il periodo di massimo splendore della natura morta russa cade all'inizio del XX secolo. Al suo i migliori campioni includono: impressioniste nelle loro origini, ma diversamente arricchite con nuove tendenze artistiche, le opere di K. A. Korovin, I. E. Grabar, M. F. Larionov; le opere di artisti del "Mondo dell'Arte" (A. Ya. Golovin e altri) che giocano sottilmente con il carattere storico e quotidiano delle cose: immagini romantiche, elevate e fortemente decorative di P. V. Kuznetsov, N. N. Sapunov, S. Yu. Sudeikin , M. S. Saryan e altri pittori del circolo "Blue Rose"; brillanti e plastici N. maestri del "Fante di quadri" (P. P. Konchalovsky, I. I. Mashkov, A. V. Kuprin, V. V. Rozhdestvensky, A. V. Lentulov, R. R. Falk, N. S. Goncharova) con il loro culto dell'unità di colore e forma e il pathos del stesso processo di interpretazione della natura[...] 2.

Nei secoli 17-18. V Europa settentrionale natura morta occupata posto importante. Lo spazio della casa si organizzava intorno a lui, si “risolveva”, si “giocava” con lui. La natura morta ha preso parte attiva nel cuore della squisita cultura quotidiana del barocco, del rococò e persino del classicismo. E solo con la partenza dell '"età galante" il ruolo della natura morta nella vita di tutti i giorni diventa sempre più ornamentale e decorativo.

In relazione alla pittura, numerosi libri di stemmi svolgevano una sorta di ruolo di dizionario, da cui venivano abbondantemente tratti i simboli. Così, dopo l'arte emblematica, nasce l'arte di rappresentare cose semplici e quotidiane, dotate di un significato diverso, sublime. Emerge l'arte della natura morta. Il realismo più estremo è qui naturalmente combinato con l'allegoria più estrema, l'allegoria. E quanto più realistici sono gli oggetti, tanto più interessante è il loro enigma semantico per lo spettatore. A volte puoi sentire un'opinione su qualsiasi "spazzatura" che i maestri olandesi della natura morta dei secoli XVII-XVIII "trascinarono" nei loro dipinti. Ma questi non sono affatto “rifiuti”. La visione simbolica di oggetti di uso quotidiano, per nulla riuniti in modo casuale, fa parlare di sé cultura alta comprensione della vita nei Paesi Bassi, dilaniati da controversie religiose e ideologiche.

Nel XVII secolo nei Paesi Bassi c'erano molti maestri della natura morta. Ma, se all'inizio del secolo i dipinti degli olandesi e Maestri fiamminghi avevano più cose in comune, poi verso la fine del secolo la loro originalità si delineava. Le opere degli artisti olandesi sono più sobrie, allineate nei colori, mostrano una grande attenzione ai dettagli, a ogni singola cosa. Le opere fiamminghe sono più dinamiche, luminose e gli oggetti in esse contenuti compongono una composizione complessa. E questa non è affatto "natura morta", ma vita ribollente.

Ci sono anche vari centri di natura morta nei Paesi Bassi. Negli affari, nella borghese Haarlem, nacquero le "colazioni", nell'aristocratica Utrecht, da tempo famosa per la coltivazione dei fiori, - mazzi di fiori, nel porto dell'Aia - abbondanti composizioni di pesce, a Leida (campus universitario) - "scientifiche" nature morte (le cosiddette “Vanitas”, dedicate alla fragilità della vita).

Su questi immagini strane gli oggetti sottratti allo spazio reale circostante costituivano un proprio mondo insolito e fortemente simbolizzato. E nel mondo in cui non esistono oggetti casuali. Già nella seconda metà del XVI secolo a Praga, alla corte dell'imperatore Rodolfo II, che amava appassionatamente l'arte, sorse una società chiamata “circolo dei Rodolfi”. Comprendeva scienziati e astrologi, alchimisti, artisti e poeti. L'obiettivo più alto qui era considerato la conoscenza dell'Universo, le sue leggi fondamentali, le connessioni eterne del mondo e dell'uomo. Molto presto questa società diventa il centro di una nuova direzione artistica: il "manierismo". Per i “Rudolphiani” non esistono oggetti o fenomeni “insignificanti”. Importante è anche il corso dei pianeti, il volo di un uccello, il movimento dei batteri al microscopio (quindi solo aperto) e la crescita della semplice erba dei campi. Ed è l'artista che deve fondere tutto questo in un'unica armonia sulla sua tela.

Ma poiché l'oggetto stesso, la sua forma, le caratteristiche contengono il suo significato, è necessario trasmettere l'oggetto sulla tela con grande cura. È così che l '"inganno" entra naturalmente nella pittura: l'illusione di un'immagine veritiera di un oggetto (di solito un insetto o una goccia d'acqua), che alla fine del XVIII secolo degenerò in un semplice trucco magico.

Allo stesso tempo, anche l'immagine esatta dell'oggetto non era affatto univoca. Al contrario, le cose, deliberatamente escluse dall'ambiente familiare, mostravano un significato completamente diverso, e spesso opposto. Così, ad esempio, le nature morte con utensili preziosi e piatti squisiti, che i contemporanei chiamavano “lussuosi”, venivano spesso “lette” da loro come un appello al rifiuto degli eccessi.

Se confrontiamo l'arte della natura morta simbolica, piena di significati stravaganti, con la letteratura, allora tra tutti generi letterari forse la poesia più adatta, forse, è la poesia lirica. Non senza ragione è già la poesia ad essere associata all'emblematico. E non per niente, parallelamente al fiorire della natura morta, è la poesia lirica a conoscere la sua ascesa nei Paesi Bassi del XVII secolo (questo è particolarmente evidente se si confronta la natura morta con la cosiddetta “poesia per l’occasione”, dove piccole parti vita). E come è impossibile descrivere una poesia lirica in modo completamente razionale, così non ce n'è una in più o in meno descrizione dettagliata simbolismo di una particolare natura morta. Allo spettatore viene offerto un gioco, basato sulle proprietà reali dell'oggetto, per indovinarne il significato simbolico nella composizione compilata dall'artista.

A volte, tuttavia, l'artista ha aiutato lo spettatore. Così nel dipinto di Aartsen “La macelleria” (1551), in primo piano c'è una tavola piena di varie varietà di carne, pesce e salsicce. Sullo sfondo, nel profondo, c'è la scena della fuga in Egitto, fuga da tutta questa ricchezza, che porta inevitabile morte.

Spesso l'artista includeva direttamente il testo nell'immagine. Ciò è stato certamente fatto nelle colte nature morte di Leida “Vanitas” (dal latino “vuoto, futilità, inutilità, falsità, insensatezza”). Qui sono diventate comuni citazioni della Bibbia o di autori antichi, dedicato all'argomento“vanità delle vanità”: “Ogni carne è erba, e tutta la sua bellezza è come il fiore del campo” (dal Libro del profeta Isaia), “I giorni dell’uomo sono come l’erba, come il fiore del campo , così fiorisce” (dal Salterio), “Passata dalle rose, non cercarne più” (da Orazio). Il testo era posto o in un bel cartiglio, o era trascritto con cura su un foglio di carta logoro (l'antichità divenne sinonimo di autenticità), o era posto su una pagina aperta di un vecchio volume, o era il titolo di un libro, come si diceva furono lanciati accidentalmente.

E ogni oggetto nell'immagine corrisponde quindi al testo: una rosa, fiori di campo, insetti sono un simbolo tradizionale di una breve esistenza umana, e farfalle e libellule sono un simbolo della salvezza dell'anima. A poco a poco, per tali nature morte furono selezionati oggetti particolarmente significativi. Una clessidra ricorda la caducità della vita, mazzi di fiori - appassiti e transitori, lampade fumanti, pipe - di breve durata e insegne reali - di tutte le ricchezze che non porterai con te in un'altra vita. In particolare spiccavano il teschio umano - un vivido simbolo di fragilità, calici di vetro vuoti (o mezzi bevuti), che significavano la fragilità dell'esistenza umana, e un mozzicone di candela - un simbolo di vita estinta.

Spesso nelle nature morte di "Vanitas" sono presenti collocatori "accidentali" di vecchi libri (già passati), strumenti di misura (non più necessari), flauti e violini ("il loro suono è così bello e fugace"). Nelle nature morte francesi, compaiono personaggi che soffiano bolle di sapone: la vita umana è paragonata alle bolle più sottili e infedeli. E in Inghilterra, dopo il 1649, in molte "Vanitas" ci sono ritratti del giustiziato Carlo I Stuart - la fine di questo re non fece altro che confermare l'idea della fragilità della felicità terrena e della precarietà del potere terreno.

Molto spesso fiori ed erbe servono come simbolo di fragilità. Soprattutto se i fiori e le erbe sono selvatici. Posizionati sullo sfondo di una finestra vuota, sottolineano ulteriormente la disperazione. A volte le foglie dei fiori vengono mangiate dagli insetti e nelle vicinanze sono sparsi gusci o noci vuoti.

In realtà le nature morte floreali erano divise in "ghirlande" e "mazzi di fiori". Particolarmente difficili da comprendere sono le "ghirlande". Nel genere delle "ghirlande" hanno scritto famosi maestri: J. Brueghel Velvet, D. Segers, Ya.D. de Heem. Particolare fama acquisì in questo campo il padre D. Seghers, monaco dell'ordine dei Gesuiti. In segno di ammirazione per la sua abilità, le persone incoronate europee gli fecero regali costosi: una croce d'oro con figure allegoriche di smalto, ossa d'oro e una tavolozza d'oro, ecc. I poeti hanno dedicato poesie ai fiori da lui dipinti.

La ghirlanda avvolta attorno all'immagine centrale (e poteva essere molto diversa, molto spesso era un ritratto realizzato da altri maestri) assomigliava al noto simbolo dell'Eternità: un serpente avvolto attorno a un orologio alato. Pertanto, tali composizioni avevano un significato glorificante. Gigli bianchi e spighe di pane erano intrecciati nella ghirlanda stessa, tradizionalmente associata a Cristo o Maria e parlavano della purezza dei glorificati. Inoltre, molto qui simboleggiava le stagioni: fiori - primavera, spighe di grano e frutta - estate, uva e verdure - autunno, limoni - inverno ("tutto cambia, solo un buon ricordo rimane immutato").

Il linguaggio dei fiori, preso in prestito dal Rinascimento dal simbolismo medievale, era comprensibile a quasi tutti gli aristocratici colti del XVII secolo. E quindi le ghirlande venivano facilmente “lette” dal pubblico. Bucaneve, arance, rose, iris erano consacrati alla Madre di Dio; il suo appello a Cristo era simboleggiato dai tulipani; un ramo di cardo - la passione di Cristo; il trionfo dell'amore celeste veniva spesso espresso dal narcisista.

Le ghirlande sono avvolte non solo nei ritratti. Spesso si tratta di orologi, di un calice eucaristico, di bicchieri di vino e persino di un cartiglio con del testo. A volte una piccola ghirlanda viene posta direttamente nel calice. Questa composizione si rifà a uno dei famosi stemmi: una coppa con un'ampia coppa piena di vino, nella quale galleggia una ghirlanda di fiori. L'iscrizione diceva: "Cosa ne pensi del destino dei mortali?" Quindi la solenne ghirlanda nel significato era collegata alla “Vanitas”.

Le nature morte sotto forma di mazzi di fiori (in un vaso, in una brocca o semplicemente sul tavolo) erano solitamente composte da tre tipi. E il focus principale dell'immagine è caduto su vari oggetti. In una composizione radiale (steli floreali aperti a ventaglio da un punto), l'immagine di un fiore posto alla convergenza degli steli diventa quella principale. Composizioni del secondo tipo, come un tappeto, riempiono l'intero spazio della tela. Quindi viene costruita una gerarchia verticale dei colori e dei loro significati. La terza varietà è compositivamente incorporata nella figura di un triangolo. Qui il fiore più significativo funge da asse centrale, e il resto dei fiori sono raggruppati simmetricamente attorno ad esso. Tuttavia, la rigorosa simmetria viene presto rotta e diventa una delle preferite, sviluppata da Ya.D. de Heem Bouquet a forma di S con graziosi riccioli, che anticipa lo stile rococò.

Esiste addirittura uno schema iconografico peculiare con una netta divisione in zone spaziali. Sotto, vicino al vaso, si trovano solitamente segni di fragilità: fiori rotti o appassiti, petali sgretolati, gusci vuoti, bruchi, mosche; al centro - simboli di modestia e purezza (media moderazione), circondati da rigogliosi fiori di breve durata (mughetti, viole, nontiscordardime, ciclamini circondati da rose, garofani, anemoni, ecc.); la composizione è coronata da un grande fiore, spesso dal significato positivo, una sorta di corona delle virtù (e addirittura circondato da farfalle e libellule). Allo stesso tempo, il vaso stesso era paragonato a un vaso fragile, ma poteva anche interpretare il corpo come “un vaso di abominio e di peccato”.

Numerosi vasi di vetro, cristallo e persino argilla, con e senza fiori, erano percepiti come qualcosa di fragile, inaffidabile, pronto a rompersi. Le navi costose non facevano altro che enfatizzare questa sensazione, portando con sé un ulteriore senso dell'inutilità della ricchezza. Il contenuto dei vasi veniva interpretato in modi diversi. L'acqua è il tema del battesimo, della purificazione, il vino è il tema della comunione. Tuttavia, il vino, soprattutto quello non finito, potrebbe simboleggiare una vita non pienamente vissuta e il residuo di un lusso inutile.

Quasi sempre le nature morte floreali erano completate da oggetti sparsi sul tavolo. Molto spesso si tratta di gusci vuoti, un segno di vuoti piaceri carnali. I frutti di un limone, bello fuori, ma acido dentro. L'uovo è un segno tradizionale della Resurrezione. Il frutto del melograno che esplode è un simbolo di fertilità, Cristo e il suo sacrificio espiatorio. Le fragole sono un segno di piacere e tentazione mondani. E tutto questo insieme (fiori, vasi, oggetti) serviva a un'unica idea.

A metà del XVII secolo divennero particolarmente diffuse le nature morte raffiguranti rettili e anfibi. La loro presenza nella natura morta ne smentisce il significato di “natura morta”. Piuttosto, qui si adatta il suo nome olandese: "stilleven" ("vita tranquilla e immobile").

Più spesso di altri erano pittori italiani. Ma gli olandesi hanno anche lucertole e serpenti che strisciano nell'erba dura. Questa non è affatto la predilezione del pittore per i rettili. È solo che il serpente è stato a lungo un simbolo di inganno e male, e l'erba è stata una fragile esistenza umana. Allo stesso tempo, bacche attraenti venivano spesso poste nell'erba: "il piacere è irto di male". Anche topi, rane, ricci erano considerati animali diabolici e spesso venivano raffigurati al posto di un serpente. Una delle trame animalistiche preferite era l'immagine di un serpente che afferra una farfalla. Così il male consuma ogni speranza di salvezza.

La maggior parte dei rappresentanti della fauna morta sono insetti. Importanza qui ha un'idea tradizionale dei tre stadi dell'essere (esistenza terrena, morte, aldilà anime). L'incarnazione più sorprendente di queste idee nelle nature morte era l'immagine di un bruco, una crisalide e una farfalla. Quindi l'immagine di una farfalla, pronta a volare fuori dal guscio, “letta” inequivocabilmente come “un'anima che lascia un corpo mortale”. La stessa antinomia tra vita e morte è stata rappresentata da una farfalla accanto a un bruco o una lumaca. Una mosca o un ragno erano considerati un simbolo di male, morte, peccato, avarizia. Pertanto, una mosca posata su una mela o una pesca è tradizionalmente associata al tema dell'autunno.

Tra gli animali più grandi, lo scoiattolo, ad esempio, simboleggiava il duro lavoro, senza il quale i beni terreni sono impossibili. Ma a volte potrebbe anche rappresentare la frivolezza. La lepre è “segno di udito, sensibilità, abbondanza, timidezza, timidezza, paura”. Gamberi o aragoste sono le vicissitudini del mondo, ma anche saggezza, prudenza, lentezza. Spesso c'è l'immagine di un pappagallo. Contrariamente alla credenza popolare, nel Medioevo questo uccello era paragonato ai giusti e simboleggiava l'eloquenza, la gratitudine o rappresentava un credente. La scimmia, invece, era percepita come un animale che imita le azioni umane e simboleggia vari vizi, un peccatore e persino il diavolo stesso. Lei, legata o incatenata, è una dipendenza dai vizi e dagli affari mondani. Se la scimmia si guardava allo specchio, veniva percepita come un'immagine di vanità.

Spesso un gatto entra nel mondo della natura morta. Dietro tratti positivi questo animale – destrezza e desiderio di libertà – veniva spesso dedicato alla Madre di Dio (soprattutto con una fascia a forma di croce sul dorso). Ma di solito questo animale era associato a forze oscure, magia. Già nel Medioevo, il gatto simboleggiava il diavolo e il topo l'anima, costantemente esposta al pericolo. Nei tempi moderni, un gatto, soprattutto quando raccoglieva un grosso pezzo di carne con gli artigli, ricordava costantemente i piaceri carnali. Perché così caratteristico (soprattutto per Snyders e la sua scuola) immagini di gatti impazzire alla vista di una tavola imbandita di pesce e selvaggina. Il cane, al contrario, in quanto agli antipodi del gatto, è una guardia fedele che cerca di scacciare l'animale ladro dalla tavola abbondante.

Numerosi oggetti in oro e argento (vasi, coppe, oggetti decorativi), nonché simboli di potere (corone reali, scettri), appartengono senza dubbio al circolo della morte nelle nature morte. La sincera ammirazione dell'artista per le squisite rarità si sposa perfettamente con il moralismo. A volte, soprattutto nelle ultime nature morte, anche la piccola scultura entra nella visione del pittore. Questo è senza dubbio il campo dei personaggi mitologici. Il satiro si piegò sotto il peso dell'orologio: il tempo, vincendo l'inizio diabolico e carnale nell'uomo; Mercurio scalzato - rassicurazione da vane preoccupazioni terrene, ecc. 3.

Come un certo tipo o genere di pittura, la natura morta conosce i suoi alti e bassi nella storia dell'arte.

L'arte severa e intensamente ascetica di Bisanzio, creando immagini immortali, monumentali-generalizzate, sublimemente eroiche, utilizzava immagini di singoli oggetti con straordinaria espressività.

Nell'antica pittura di icone russa, anche quei pochi oggetti che l'artista ha introdotto nelle sue opere strettamente canoniche hanno avuto un ruolo importante. Portavano spontaneità, vitalità, a volte sembravano un'espressione aperta di sentimenti in un'opera dedicata a una trama mitologica astratta.

La natura morta ha avuto un ruolo ancora maggiore nei dipinti degli artisti del XV-XVI secolo durante il Rinascimento. Il pittore, che per primo ha prestato molta attenzione al mondo che lo circonda, ha cercato di indicare il luogo, di determinare il valore di ogni cosa che serve a una persona. Gli oggetti domestici acquisivano la nobiltà e l'orgoglioso significato del loro proprietario, colui che servivano. Su tele di grandi dimensioni, la natura morta di solito occupava un posto molto modesto: un vaso di vetro con acqua, un elegante vaso d'argento o delicati gigli bianchi su steli sottili spesso rannicchiati nell'angolo del quadro. Tuttavia, nell'immagine di queste cose c'era così tanto amore poetico per la natura, il loro significato è così altamente spiritualizzato che qui si possono già vedere tutte le caratteristiche che hanno determinato lo sviluppo indipendente dell'intero genere in futuro.

Gli oggetti, un elemento materiale, ricevettero un nuovo significato nei dipinti del XVII secolo, nell'era del genere sviluppato della natura morta. In composizioni complesse con una trama letteraria, hanno preso posto insieme ad altri eroi dell'opera. Analizzando le opere di questo periodo, si può vedere quale ruolo importante abbia iniziato a svolgere la natura morta nella foto. Le cose cominciarono ad apparire in queste opere come le principali caratteri, mostrando cosa può ottenere un artista dedicando la sua abilità a questo tipo di arte.

Gli oggetti realizzati da mani abili, industriose e sagge portano l'impronta dei pensieri, dei desideri e delle inclinazioni di una persona. Lo servono, lo deliziano, ispirano un legittimo senso di orgoglio. Non c'è da stupirsi che apprendiamo di epoche scomparse da tempo dalla faccia della terra da quei frammenti di piatti, utensili domestici e oggetti rituali che diventano per gli archeologi pagine sparse della storia dell'umanità.

scrutando il mondo, penetrando con mente curiosa nelle sue leggi, svelando gli affascinanti misteri della vita, l'artista lo riflette sempre più pienamente e multilateralmente nella sua arte. Non solo descrive il mondo che lo circonda, ma trasmette anche la sua comprensione, il suo atteggiamento nei confronti della realtà.

La storia della formazione e dello sviluppo di vari generi di pittura è una prova vivente del lavoro instancabile della coscienza umana, cercando di abbracciare l'infinita varietà di attività, di comprenderla esteticamente.

La natura morta è un genere relativamente giovane. Ha ricevuto un significato indipendente in Europa solo nel XVII secolo. La storia dello sviluppo della natura morta è interessante e istruttiva.

La natura morta fiorì in modo particolarmente completo e vivido nelle Fiandre e nei Paesi Bassi. La sua apparizione è collegata a quegli eventi storici rivoluzionari, a seguito dei quali questi paesi, dopo aver ottenuto l'indipendenza, all'inizio del XVII secolo, intrapresero la via dello sviluppo borghese. Per l’Europa dell’epoca si trattava di un fenomeno importante e progressista. Nuovi orizzonti si aprivano davanti all’arte. Condizioni storiche, nuove relazioni pubbliche richieste creative dirette e determinate, cambiamenti nella risoluzione dei problemi che il pittore deve affrontare. senza raffigurarlo direttamente eventi storici, gli artisti hanno dato uno sguardo nuovo al mondo, hanno trovato nuovi valori nell'uomo. La vita appariva regolarmente davanti a loro con un significato e una pienezza fino ad allora sconosciuti. Erano attratti dalle caratteristiche vita nazionale, natura nativa, cose che conservano l'impronta delle fatiche e dei giorni della gente comune. Fu da qui, da un interesse consapevole, approfondito e stimolato per la vita delle persone, che nacquero generi separati e indipendenti di pittura quotidiana, paesaggio e natura morta.

L'arte della natura morta, sviluppatasi nel XVII secolo, determinò le qualità principali di questo genere. Il dipinto, dedicato al mondo delle cose, ha parlato delle proprietà fondamentali inerenti agli oggetti che circondano una persona, ha rivelato l'atteggiamento dell'artista e del suo contemporaneo nei confronti di ciò che viene raffigurato, ha espresso la natura e la completezza della conoscenza della realtà. Il pittore ha trasmesso l'esistenza materiale delle cose, il loro volume, peso, consistenza, colore, valore funzionale degli oggetti domestici, la loro connessione vivente con l'attività umana.

La bellezza e la perfezione degli utensili domestici erano determinate non solo dalla loro necessità, ma anche dall'abilità del loro creatore. La natura morta dell'era rivoluzionaria della borghesia vittoriosa rifletteva il rispetto dell'artista per le nuove forme di vita nazionale dei suoi compatrioti, il rispetto per il lavoro.

Formulati nel XVII secolo, i compiti del genere in in termini generali esisteva nella scuola europea fino alla metà del XIX secolo. Tuttavia, ciò non significa che gli artisti non si siano posti nuovi compiti, ripetendo meccanicamente soluzioni già pronte.

Nel corso delle epoche, non solo sono cambiati i metodi e i modi di dipingere una natura morta, ma si è accumulata esperienza artistica, nel processo di formazione si è sviluppata una visione del mondo più complessa e costantemente arricchente. Non un oggetto in quanto tale, ma le sue varie proprietà divennero oggetto di reincarnazione e, attraverso la rivelazione delle qualità delle cose appena comprese, si espresse il proprio atteggiamento moderno nei confronti della realtà, una rivalutazione dei valori, una misura di comprensione della realtà.

Natura morta rinascimentale

Alla fine del Rinascimento nel nord Europa la natura morta si trasformò da genere decorativo in genere affermazione filosofica nelle vernici

Secoli XVI-XVIII - Tempo d'oro nella storia della natura morta europea. In quegli anni c'erano due principali scuole d'arte che si specializzò nella raffigurazione di fiori, frutti e oggetti, - Fiammingo e olandese, - da cui sono stati guidati i maestri di altri paesi. Nonostante il fatto che le Fiandre (Belgio) e l’Olanda fossero stati vicini, i loro pittori investirono significato diverso nell'esposizione della "natura morta" (la cosiddetta natura morta nelle Fiandre), o " vita tranquilla”(come veniva chiamato nei Paesi Bassi).

l'obiettivo principale Maestri olandesi- per esprimere l'idea della "vanità delle vanità", della fragilità di tutte le cose, della vicinanza della morte. Questi temi erano di grande interesse per i teologi protestanti. Pertanto, nelle nature morte degli artisti olandesi, vediamo spesso un teschio, una candela spenta e un orologio fermo. Tutto questo è incorniciato da papaveri: simboli sonno eterno, narcisi - simboli della caducità della vita, viole - simboli della fragilità della bellezza, ecc.

Nelle Fiandre tutto era il contrario. A differenza dei Paesi Bassi protestanti, il Belgio stava vivendo una rinascita cattolica, e il compito degno di un artista non era la negazione, ma l'affermazione, la glorificazione della creazione di Dio. Come disse il mistico tedesco Paracelso: "Nelle parole, nelle piante e nelle pietre, Dio è ovunque". Pertanto, la natura morta fiamminga è una celebrazione della vita, una celebrazione della natura perfetta. Frans Snyders, collega e amico di Rubens, è considerato un virtuoso di questo genere. Nel 1618-1621 dipinse quattro tele con il titolo generale "Negozi": "Negozio del pesce", "Negozio della selvaggina" (uccello battuto), "Negozio di verdure" e "Negozio di frutta", che ora sono conservate all'Ermitage. Secondo Olga Prokhorova, impiegata del museo del candidato alla critica d'arte, questa è un'enciclopedia della natura morta fiamminga con i suoi principali temi allegorici: "Le stagioni", "Cinque sensi" (gusto, udito, olfatto, tatto, vista) e i “Quattro Elementi” (aria, acqua, fuoco, terra). Il più ricco di simboli è il Fruit Shop. "Il giro del mondo" li decifra.

Foto natura morta

Natura morta, genere artistico

Natura morta (francese nature morte, italiano natura morta, letteralmente - natura morta; olandese stilleven, tedesco Stilleben, inglese still life, letteralmente - vita tranquilla o immobile), un genere di belle arti (principalmente pittura da cavalletto), dedicato al immagine delle cose che circondano una persona, collocate, di regola, in un ambiente domestico reale e organizzate compositivamente in un unico gruppo. La particolare organizzazione del motivo (la cosiddetta messa in scena) è una delle componenti principali del sistema figurativo del genere della natura morta.

Oltre agli oggetti inanimati (ad esempio articoli per la casa), la natura morta raffigura oggetti di fauna selvatica, isolati dalle connessioni naturali e quindi trasformati in una cosa: pesci sul tavolo, fiori in un mazzo, ecc. A complemento del motivo principale, l'ancora la vita può includere immagini di persone, animali, uccelli, insetti. L'immagine delle cose in una natura morta ha un valore artistico indipendente, sebbene nel processo di sviluppo spesso servisse per esprimere contenuti simbolici, risolvere problemi decorativi o fissare con precisione il mondo oggettivo nelle scienze naturali, ecc. la vita può caratterizzare non solo le cose in sé, ma anche stato sociale, contenuto e stile di vita del loro proprietario, danno origine a numerose associazioni e analogie sociali.

Natura morta (affresco da Pompei). 63-79 anni, Napoli. Galleria Nazionale di Capodimonte

Maschere teatrali. 2 ° secolo Mosaico di Villa Adriana a TIVOLI. Conservato nel Museo Capitolino a Roma.

Motivi di natura morta come dettagli di composizioni si trovano già nell'arte dell'Antico Oriente e dell'antichità, alcuni fenomeni nell'arte medievale sono in parte paragonabili alla natura morta. Lontano est(ad esempio il cosiddetto genere “fiori-uccelli”), ma la nascita della natura morta come genere autonomo avviene in epoca moderna, quando nell'opera dell'italiano si sviluppa l'attenzione al mondo materiale, alla sua immagine concretamente sensuale e soprattutto maestri olandesi del Rinascimento. La storia della natura morta come genere di pittura da cavalletto, e in particolare il suo tipo "trompe l" oeil "(la cosiddetta blende), si apre con oggetti che ricreano illusionisticamente accuratamente" Natura morta "di l'italiano Jacopo de Barbari (1504).Il genere della natura morta si diffuse nella seconda metà del XVI - inizio XVII secoli, facilitato dalle inclinazioni scientifico-naturali caratteristiche di quest'epoca, dall'interesse dell'arte per la vita quotidiana e privata di una persona, nonché dallo sviluppo stesso di metodi per lo sviluppo artistico del mondo (le opere del l'olandese P. Aartsen, il fiammingo J. Brueghel Velvet, ecc.).

Il periodo di massimo splendore della natura morta - XVII secolo. La diversità dei suoi tipi e forme a quel tempo è associata allo sviluppo delle scuole di pittura realistiche nazionali. In Italia e Spagna, l'ascesa della natura morta fu notevolmente facilitata dall'opera di Caravaggio e dei suoi seguaci (vedi Caravaggismo). I temi preferiti della natura morta erano fiori, verdure e frutta, frutti di mare, utensili da cucina, ecc. (P. P. Bonzi, M. Campidoglio, J. Recco, J. B. Ruoppolo, E. Baskenis, ecc.). La natura morta spagnola è caratterizzata da una severità sublime e da un significato speciale dell'immagine delle cose (X. Sanchez Cotan, F. Zurbaran, A. Pereda, ecc.). L'interesse per la natura quotidiana delle cose, l'intimità, spesso la democratizzazione delle immagini si manifestavano chiaramente nella natura morta olandese. È caratterizzato da un'attenzione particolare alla trasmissione della luce ambientale, alla diversa consistenza dei materiali, alla sottigliezza dei rapporti tonali e alla combinazione di colori - dalla colorazione squisitamente modesta delle "colazioni monocromatiche" di V. Kheda e P. Klas al composizioni intensamente contrastanti e coloristicamente spettacolari di V. Kalf ("dessert"). Olandese natura morta distingue l'abbondanza di diversi tipi di questo genere: "pesce" (A. Beyeren), "fiori e frutti" (J. D. de Heem), "selvaggio battuto" (J. Venike, M. Hondekuter), natura morta allegorica "vanitas" ("vanità delle vanità"), ecc. La natura morta fiamminga (principalmente "mercati", "botteghe", "fiori e frutti") si distingue per la portata e allo stesso tempo per le composizioni decorative: sono inni alla fertilità e all'abbondanza (F. Snyders, J. Feit), XVII secolo Si stanno sviluppando anche le nature morte tedesche (G. Flegel, K. Paudis) e francesi (L. Bozhen). CON fine XVII V. nella natura morta francese trionfavano le tendenze decorative dell'arte di corte (fiori di J. B. Monnoyer e la sua scuola, natura morta di caccia di A. F. Deport e J. B. Oudry). In questo contesto, le opere di uno dei maestri più significativi della natura morta francese - J. B. S. Chardin, caratterizzate da rigore e libertà compositiva, sottigliezza delle soluzioni cromatiche, si distinguono con genuina umanità e democrazia. A metà del XVIII secolo. nel periodo della formazione finale della gerarchia accademica dei generi, nacque il termine "nature morte", che rifletteva l'atteggiamento sprezzante nei confronti di questo genere dei sostenitori dell'accademismo, che preferivano generi la cui area era la "natura vivente" (genere storico, ritratto , eccetera.).

Nel 19 ° secolo il destino della natura morta fu determinato dai principali maestri della pittura, che lavorarono in molti generi e coinvolsero la natura morta nella lotta visioni estetiche e idee artistiche (F. Goya in Spagna, E. Delacroix, G. Courbet, E. Manet in Francia). Tra i maestri dell'Ottocento specializzati in questo genere spiccano anche A. Fantin-Latour (Francia) e W. Harnet (USA). La nuova ascesa della natura morta è stata associata all'esecuzione dei maestri postimpressionisti, per i quali il mondo delle cose diventa uno dei temi principali (P. Cezanne, V. van Gogh). Dall'inizio del XX secolo. natura mortaè una sorta di laboratorio creativo di pittura. In Francia, i maestri del Fauvismo (A. Matisse e altri) seguono il percorso di un'accresciuta identificazione delle possibilità emotive ed espressive-decorative del colore e della consistenza, e rappresentanti, G. Morandi in Italia, S. Lukyan in Romania, B. Kubista e E. Filla nella Repubblica Ceca, ecc.). Le tendenze sociali nella natura morta del XX secolo sono rappresentate dal lavoro di D. Rivera e D. Siqueiros in Messico, R. Guttuso in Italia.

Nell'arte russa natura morta apparve nel XVIII secolo. insieme all'affermazione della pittura secolare, che riflette il pathos cognitivo dell'epoca e il desiderio di trasmettere in modo veritiero e accurato il mondo oggettivo ("trucchi" di G. N. Teplov, P. G. Bogomolov, T. Ulyanov, ecc.). L'ulteriore sviluppo della natura morta russa per un periodo considerevole fu episodico. Alcuni sorgono nella prima metà del XIX secolo. (F. P. Tolstoy, scuola di A. G. Venetsianov, I. T. Khrutsky) è associato al desiderio di vedere la bellezza nel piccolo e nell'ordinario. Nella seconda metà del XIX secolo. a uno schizzo di natura morta, dipinti di V. D.. Il valore indipendente dello studio di natura morta aumenta di fine del XIX e XX secoli. (M. A. Vrubel, V. E. Borisov-Musatov). Il periodo di massimo splendore della natura morta russa cade all'inizio del XX secolo. I suoi migliori esempi includono le opere impressionistiche di K. A. Korovin, I. E. Grabar; le opere degli artisti del "Mondo dell'Arte" (A. Ya. Golovin e altri) che giocano sottilmente con il carattere storico e quotidiano delle cose; immagini nettamente decorative di P. V. Kuznetsov, N. N. Sapunova, S. Yu. Sudeikin, M. S. Saryan e altri, I. I. Mashkov, A. V. Kuprin, V. V. Rozhdestvensky, A. V Lentulov, R. R. Falk, N. S. Goncharova). La natura morta sovietica, sviluppandosi in linea con l'arte del realismo socialista, si arricchisce di nuovi contenuti. Negli anni 20-30. include sia la comprensione filosofica della modernità in opere compositivamente affinate (K. S. Petrov-Vodkin), sia nature morte "rivoluzionarie" tematiche (F. S. Bogorodsky e altri), e tentativi di riconquistare tangibilmente la "cosa" rifiutata dai cosiddetti non- obiettivi attraverso esperimenti nel campo del colore e della consistenza (D. P. Shterenberg, N. I. Altman) e una ricreazione sincera della ricchezza colorata e della diversità del mondo oggettivo (A. M. Gerasimov, Konchalovsky, Mashkov, Kuprin. Lentulov, Saryan, A. A. Osmerkin e altri), così come la ricerca di una sottile armonia cromatica, la poeticizzazione del mondo delle cose (V. V. Lebedev, N. A. Tyrsa e altri). Negli anni 40-50. P. V. Kuznetsov, Yu. P. P. Konchalovsky, V. B. Elkonik, V. F. Stozharov, A. Yu Nikich stanno lavorando attivamente nella natura morta. Tra i maestri della natura morta nelle repubbliche dell'Unione spiccano A. Akopyan in Armenia, T. F. Narimanbekov in Azerbaigian, L. Svemp e L. Endzelina in Lettonia, N. I. Kormashov in Estonia. L'attrazione per una maggiore "oggettività" dell'immagine, l'estetizzazione del mondo delle cose che circondano una persona hanno determinato l'interesse per la natura morta dei giovani artisti degli anni '70 e dei primi anni '80. (Ya. G. Anmanis, A. I. Akhaltsev, O. V. Bulgakova, M. V. Leis, ecc.).

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Rinascimento (Rinascimento). Italia. Secoli XV-XVI. primo capitalismo. Il paese è governato da ricchi banchieri. Sono interessati all'arte e alla scienza.

I ricchi e i potenti raccolgono attorno a sé i talenti e i saggi. Poeti, filosofi, pittori e scultori conversano quotidianamente con i loro mecenati. Ad un certo punto, sembrava che le persone fossero governate dai saggi, come voleva Platone.

Ricorda gli antichi romani e greci. Hanno anche costruito una società di cittadini liberi, dove il valore principale è la persona (senza contare gli schiavi, ovviamente).

Il Rinascimento non è solo copiare l’arte delle antiche civiltà. Questa è una miscela. Mitologia e cristianesimo. Realismo della natura e sincerità delle immagini. Bellezza fisica e spirituale.

È stato solo un lampo. Il periodo dell'Alto Rinascimento è di circa 30 anni! Dal 1490 al 1527 Dall'inizio della fioritura della creatività di Leonardo. Prima del sacco di Roma.

Il miraggio di un mondo ideale svanì rapidamente. L’Italia era troppo fragile. Fu presto ridotta in schiavitù da un altro dittatore.

Tuttavia, questi 30 anni hanno determinato le caratteristiche principali della pittura europea per i prossimi 500 anni! Fino a .

Realismo dell'immagine. Antropocentrismo (quando il centro del mondo è l’Uomo). Prospettiva lineare. Dipinti ad olio. Ritratto. Scenario…

Incredibilmente, in questi 30 anni, diversi maestri del genio. Altre volte nascono uno ogni 1000 anni.

Leonardo, Michelangelo, Raffaello e Tiziano sono i titani del Rinascimento. Ma è impossibile non citare i loro due predecessori: Giotto e Masaccio. Senza il quale non ci sarebbe il Rinascimento.

1. Giotto (1267-1337)

XIV secolo. Protorinascimento. Il suo personaggio principale è Giotto. Questo è un maestro che da solo ha rivoluzionato l'arte. 200 anni prima dell'Alto Rinascimento. Se non fosse stato per lui, l'era di cui l'umanità è così orgogliosa difficilmente sarebbe arrivata.

Prima di Giotto c'erano icone e affreschi. Sono stati creati secondo i canoni bizantini. Facce invece di facce. figure piatte. Disadattamento proporzionale. Invece di un paesaggio, uno sfondo dorato. Come, ad esempio, su questa icona.

E all'improvviso compaiono gli affreschi di Giotto. Su di essi figure tridimensionali. Volti di persone nobili. Vecchi e giovani. Triste. Luttuoso. Sorpreso. Diverso.

Affreschi di Giotto nella Chiesa degli Scrovegni a Padova (1302-1305). A sinistra: Compianto di Cristo. Al centro: Bacio di Giuda (dettaglio). A destra: Annunciazione di Sant'Anna (madre di Maria), frammento.

La creazione principale di Giotto è un ciclo dei suoi affreschi nella Cappella degli Scrovegni a Padova. Quando questa chiesa fu aperta ai parrocchiani, vi si riversarono folle di persone. Non l'hanno mai visto.

Dopotutto Giotto ha fatto qualcosa senza precedenti. Ha tradotto le storie bibliche in un linguaggio semplice e comprensibile. E sono diventati molto più accessibili. persone normali.

Questo è ciò che sarà caratteristico di molti maestri del Rinascimento. Laconismo delle immagini. Vivi le emozioni dei personaggi. Realismo.

Maggiori informazioni sugli affreschi del maestro nell'articolo.

Giotto era ammirato. Ma la sua innovazione non fu ulteriormente sviluppata. La moda del gotico internazionale arrivò in Italia.

Solo dopo 100 anni apparirà un degno successore di Giotto.

2. Masaccio (1401-1428)

Inizio del XV secolo. Il cosidetto Primo Rinascimento. Entra in scena un altro innovatore.

Masaccio fu il primo artista ad utilizzare la prospettiva lineare. È stato progettato dal suo amico, l'architetto Brunelleschi. Ora il mondo rappresentato è diventato simile a quello reale. L’architettura dei giocattoli appartiene al passato.

Adottò il realismo di Giotto. Tuttavia, a differenza del suo predecessore, conosceva già bene l'anatomia.

Invece di personaggi a blocchi, Giotto è composto da persone meravigliosamente costruite. Proprio come gli antichi greci.

Masaccio non visse lunga vita. Morì, come suo padre, inaspettatamente. A 27 anni.

Tuttavia aveva molti seguaci. Maestri generazioni successive si recò alla Cappella Brancacci per imparare dai suoi affreschi.

Quindi l'innovazione di Masaccio fu ripresa da tutti i grandi artisti dell'Alto Rinascimento.

3. Leonardo da Vinci (1452-1519)

Leonardo da Vinci è uno dei titani del Rinascimento. Ha fortemente influenzato lo sviluppo della pittura.

Fu da Vinci a innalzare lo status dell'artista stesso. Grazie a lui, i rappresentanti di questa professione non sono più solo artigiani. Questi sono i creatori e gli aristocratici dello spirito.

Leonardo ha fatto una svolta soprattutto nella ritrattistica.

Credeva che nulla dovesse distrarre dall'immagine principale. L'occhio non deve vagare da un dettaglio all'altro. Ecco come apparivano i suoi famosi ritratti. Conciso. Armonioso.

La principale innovazione di Leonardo è che ha trovato il modo di rendere le immagini... vive.

Davanti a lui i personaggi dei ritratti sembravano manichini. Le linee erano chiare. Tutti i dettagli sono disegnati con cura. Un disegno dipinto non potrebbe essere vivo.

Leonardo ha inventato il metodo dello sfumato. Ha offuscato le linee. Ha reso il passaggio dalla luce all'ombra molto morbido. I suoi personaggi sembrano avvolti da una foschia appena percettibile. I personaggi hanno preso vita.

Sfumato entrerà nel vocabolario attivo di tutti i grandi artisti del futuro.

Spesso si ritiene che Leonardo, ovviamente, sia un genio, ma non sapesse come portare a termine nulla. E spesso non finiva di dipingere. E molti dei suoi progetti sono rimasti sulla carta (a proposito, in 24 volumi). In generale, è stato gettato nella medicina, poi nella musica. Anche l'arte del servire un tempo era appassionata.

Tuttavia, pensa per te. 19 dipinti - ed è il più grande artista di tutti i tempi e di tutti i popoli. E qualcuno non è nemmeno vicino alla grandezza, pur scrivendo 6.000 tele in una vita. Ovviamente, chi ha un'efficienza maggiore.

Di se stessa famoso dipinto leggi la procedura guidata nell'articolo.

4. Michelangelo (1475-1564)

Michelangelo si considerava uno scultore. Ma era un maestro universale. Come gli altri suoi colleghi del Rinascimento. Pertanto, la sua eredità pittorica non è meno grandiosa.

È riconoscibile principalmente da personaggi fisicamente sviluppati. Ha raffigurato un uomo perfetto in cui la bellezza fisica significa bellezza spirituale.

Pertanto, tutti i suoi personaggi sono così muscolosi, resistenti. Anche donne e anziani.

Michelangelo. Frammenti dell'affresco Ultimo Giudizio” nella Cappella Sistina, Vaticano.

Spesso Michelangelo dipingeva il personaggio nudo. E poi ho aggiunto dei vestiti sopra. Per rendere il corpo il più in rilievo possibile.

Dipinse da solo il soffitto della Cappella Sistina. Anche se si tratta di poche centinaia di cifre! Non permetteva nemmeno a nessuno di strofinare la vernice. Sì, era poco socievole. Aveva un carattere duro e litigioso. Ma soprattutto era insoddisfatto di... se stesso.

Michelangelo visse una lunga vita. Sopravvissuto al declino del Rinascimento. Per lui è stata una tragedia personale. Le sue opere successive sono piene di tristezza e dolore.

In generale, il percorso creativo di Michelangelo è unico. I suoi primi lavori sono l'elogio dell'eroe umano. Libero e coraggioso. Nelle migliori tradizioni dell'Antica Grecia. Come il suo David.

Negli ultimi anni di vita: queste sono immagini tragiche. Una pietra volutamente sbozzata. Come se davanti a noi ci fossero monumenti alle vittime del fascismo del 20 ° secolo. Guarda la sua "Pietà".

Sculture di Michelangelo all'Accademia di Belle Arti di Firenze. A sinistra: Davide. 1504 A destra: Pietà di Palestrina. 1555

Com'è possibile? Un artista ha attraversato tutte le fasi dell'arte dal Rinascimento al XX secolo in una sola vita. Cosa faranno le prossime generazioni? Seguire la propria strada. Sapendo che l’asticella è stata fissata molto in alto.

5. Raffaello (1483-1520)

Raffaello non è mai stato dimenticato. Il suo genio è stato sempre riconosciuto: sia durante la vita che dopo la morte.

I suoi personaggi sono dotati di bellezza sensuale e lirica. È lui che è giustamente considerato il più bello immagini femminili mai creato. La bellezza esteriore riflette la bellezza spirituale delle eroine. La loro mitezza. Il loro sacrificio.

Le famose parole “La bellezza salverà il mondo” dicevano proprio Fëdor Dostoevskij. Era la sua foto preferita.

Tuttavia, le immagini sensoriali non sono le uniche forte Raffaello. Ha pensato molto attentamente alla composizione dei suoi dipinti. Fu un architetto insuperabile nella pittura. Inoltre, ha sempre trovato la soluzione più semplice e armoniosa nell'organizzazione dello spazio. Sembra che non possa essere altrimenti.

Rafael visse solo 37 anni. È morto improvvisamente. Da raffreddori presi ed errori medici. Ma la sua eredità non può essere sopravvalutata. Molti artisti idolatravano questo maestro. E moltiplicarono le sue immagini sensuali in migliaia di loro tele..

Tiziano fu un colorista insuperabile. Ha anche sperimentato molto con la composizione. In generale, era un audace innovatore.

Per un talento così brillante, tutti lo amavano. Chiamato "il re dei pittori e il pittore dei re".

Parlando di Tiziano, voglio mettere un punto esclamativo dopo ogni frase. Dopotutto, è stato lui a portare dinamica nella pittura. Pathos. Entusiasmo. Colore brillante. Brillantezza dei colori.

Verso la fine della sua vita sviluppò una tecnica di scrittura insolita. I tratti sono veloci e spessi. La vernice è stata applicata con un pennello o con le dita. Da questo, le immagini sono ancora più vive, respiranti. E le trame sono ancora più dinamiche e drammatiche.

Questo non ti ricorda niente? Certo, è una tecnica. E tecnica artisti del 19 secolo: Barbizon e. Tiziano, come Michelangelo, vivrà 500 anni di pittura in una sola vita. Ecco perché è un genio.

DI famoso capolavoro leggi la procedura guidata nell'articolo.

Gli artisti del Rinascimento sono detentori di un grande sapere. Per lasciare una tale eredità è stato necessario studiare molto. Nel campo della storia, dell'astrologia, della fisica e così via.

Pertanto, ciascuna delle loro immagini ci fa pensare. Perché viene mostrato? Qual è il messaggio crittografato qui?

Non sbagliano quasi mai. Perché hanno pensato a fondo al loro lavoro futuro. Hanno utilizzato tutto il bagaglio delle loro conoscenze.

Erano più che artisti. Erano filosofi. Ci hanno spiegato il mondo attraverso la pittura.

Ecco perché saranno sempre profondamente interessanti per noi.

Poi è piaciuto a tanti, e le opere degli artisti mi sembrano ottime aiuto visivo nel processo di studio delle combinazioni di colori. In realtà, perché reinventare la ruota se i grandi maestri hanno studiato a lungo i principi dell'armonia, le combinazioni di sfumature e li hanno utilizzati attivamente durante la pittura. Ho intenzione di scrivere una serie di post sull'argomento e attingerò al libro di Itten The Art of Color.

Spesso il problema con le combinazioni di colori deriva dal fatto che non abbiamo abbastanza osservazione e l'occhio non è allenato a vedere combinazioni riuscite, alcuni stereotipi si sovrappongono, dall'ignoranza non c'è abbastanza coraggio e fiducia nella scelta dei colori. Combattiamolo :)

Itten, nel suo lavoro sul colore, ci accompagna attraverso le epoche più significative dello sviluppo dell'arte e del lavoro con il colore, citando come esempio grandi artisti. E oggi inizieremo con gli artisti del Rinascimento. Jan van Eyck, Piero della Francesca, Leonardo da Vinci, Tiziano, Grunewald.

"Jan van Eyck iniziò a creare dipinti, la cui base compositiva era determinata dai colori reali delle persone e degli oggetti raffigurati. Attraverso lo sbiadimento e la purezza, lo schiarimento e l'oscuramento di questi colori, il suono dell'immagine si avvicinava sempre di più a un suono realisticamente simile. Il colore è diventato un mezzo per trasmettere la naturalezza delle cose."

"Ritratto dei coniugi Arnolfini" è realizzato nei colori tenui e caldi dell'autunno scuro

"Pala d'altare di Gand" è dipinto con colori caldi, ma i colori sono già più chiari e puliti, più vicini alla primavera

"Piero della Francesca Dipinse le persone, delineando nettamente le figure con colori espressivi distinti, utilizzando colori complementari che fornivano un equilibrio pittoresco ai dipinti.

Anche il "Ritratto di Federigo da Montefeltro e Battista Sforza" è realizzato in tinte calde, nei colori dell'Autunno

"Altare del Montefeltro": un bellissimo accostamento di colori, tonalità tenui, gamma primavera-estate.

Risulta una combinazione di tre toni base e due toni accentati:

"Leonardo Da Vinci abbandonato i colori vivaci. Ha costruito i suoi dipinti su transizioni tonali infinitamente sottili."

"Monna Lisa"

"Adorazione dei Magi"

"Tiziano cominciò a cercare modulazioni pittoresche di freddo e caldo, sbiadito e saturo.

"Bellissimo"

"Il suo colore caratteristico dipinti tardiviè stato formato da lui, sulla base di varie tonalità scure e chiare dello stesso colore.

"Incoronazione di spine". Un'immagine così allegra sia nel tema che nei colori. La cosa migliore a novembre :)

D'altra parte, le transizioni di colore all'interno dello stesso colore sono molto chiaramente visibili.

"Grunewald mettevano a confronto un colore con un altro. Dalla cosiddetta sostanza cromatica oggettivamente esistente è riuscito a trovare il proprio colore per ogni motivo dell'immagine.

"Altare di Isenheim"

Nell'ambito di un'opera, Grunewald ne ha utilizzati diversi combinazioni di colori e sacrificato l'armonia generale per il bene di trasmettere significato parti separate lavori.

Resta da concludere che se sei autunno, allora dovresti guardare altre opere di artisti del Rinascimento :)