Artisti della pittura. I dipinti più belli del mondo

Nel mondo dell'arte ci sono un numero enorme di opere che hanno scioccato il mondo intero e, rompendo i soliti stereotipi, hanno lasciato un segno importante nella storia. I creatori di capolavori pittorici di fama mondiale hanno lanciato una sfida unica alla società, che ha cambiato la sua idea di bellezza e ha ampliato i confini stabiliti. Poiché ci sono molte opere così rivoluzionarie nella storia dell'arte ed è impossibile elencarle tutte, abbiamo deciso di prestare attenzione alle 10 più dipinti famosi artisti di secoli diversi.

Monna Lisa (La Gioconda) - Leonardo da Vinci

Monna Lisa

Il dipinto “Mona Lisa” (“La Gioconda”) di Leonardo da Vinci è probabilmente il più bello opera famosa genio. Questo dipinto è davvero bellissimo ed impagabile. Si trova nel Museo del Louvre. Il capolavoro fu creato nel 1514-1515. Fino a poco tempo fa si presumeva che il dipinto fosse stato dipinto prima, nel 1503.

Il dipinto raffigura la moglie di un mercante di seta fiorentino, Francesco del Gioconda, Lisa Gherardini, così prima gli italiani e poi i francesi iniziarono a chiamare il dipinto “Gioconda”. Il famoso storico del XVI secolo Giorgio Vasari fu deliziato dal ritratto e nel suo libro "Le vite di eminenti architetti, scultori e artisti italiani" lo definì una versione abbreviata della parola madonna ("mia signora") - Monna Lisa.

Nel processo di lavorazione del dipinto, l'artista, attraverso un'attenta composizione, una morbida gamma di toni e tecniche pittoriche, ha raggiunto quell'armonia, grazie alla quale vediamo l'immagine come attraverso una foschia invisibile. Questo rivestimento leggero copre piccoli dettagli, ammorbidisce i contorni e crea una transizione invisibile tra forma e colori. Leonardo da Vinci ha dato molto alla nostra fantasia, così la Gioconda non smette mai di stupire gli intenditori d'arte nel corso dei secoli, guardandoci dal ritratto come se fossimo vivi.

L'immagine è molto difficile da descrivere a parole: più a lungo lo spettatore la guarda, più lo colpisce. È intriso del suo magnetismo e inizia a sentire quel fascino seducente che da secoli non smette di affascinare le persone di tutto il mondo.

Quadrato Nero - Kazimir Malevich

Il dipinto di Kazimir Malevich "Piazza suprematista nera", dipinto nel 1915, rimane ancora una delle opere più scandalose, famose e discusse dell'arte russa. Questo capolavoro fa parte della serie di opere suprematiste dell'artista, che comprendeva anche i dipinti “Cerchio Nero” e “Croce Nera”. In questo ciclo, Malevich ha cercato di esplorare il colore di base e le possibilità compositive.

La tela si presenta sotto forma di una piccola tela con una larghezza e una lunghezza di 79,5 centimetri. Lo sfondo principale dell'opera è bianco, con un'immagine al centro grande piazza colore nero. Secondo l'artista, ha lavorato sulla tela per diversi mesi.

Vale la pena notare che Malevich non è arrivato subito a dipingere il dipinto. Il lavoro sulla scenografia dell'opera "Vittoria sul sole" è stato un presagio del suo aspetto. In particolare, il maestro ha deciso di sostituire uno dei decori (il sole) con un quadrato nero. Secondo l’idea dell’artista, questa tecnica lo aiuterebbe a trasmettere l’idea del trionfo della creatività umana sulla natura.

I critici hanno reagito in modo ambiguo a quest'opera di Malevich. Alcuni di loro hanno addirittura affermato che il dipinto è un'alternativa moderna alle icone, che la tela testimonia la ricerca di qualcosa di diverso nuova religione, sul caos del mondo. Secondo l'artista stesso, “Black Square” è una sorta di simbolo dell'apice dell'arte e allo stesso tempo della sua fine.

Resta innegabile che l'immagine raffigura un misterioso abisso che affascina e regala un volo infinito di fantasia.

Autoritratto con corona di spine e colibrì - Frida Kahlo

Dipinto famoso Artista messicano L'Autoritratto di Frida Kahlo con corona di spine e colibrì è stato dipinto nel 1940. Questo autoritratto di una donna brillante esprime il forte dolore mentale che ha vissuto dopo il divorzio dal marito, l'artista Diego Rivera. Questo dolore viene trasmesso sotto forma di spine che le legano il collo. Successivamente, dopo aver rotto con suo marito, Frida Kahlo ha detto: "Ci sono stati due incidenti nella mia vita", ha detto Frida. - Il primo è un tram, il secondo è Diego. La seconda è peggio."

L'urlo - Edvard Munch

Il dipinto "L'urlo" dell'artista espressionista norvegese Edvard Munch è stato realizzato tra il 1893 e il 1910. La prima cosa che attira la tua attenzione è la figura di un uomo urlante raffigurato al centro della tela. Sul volto, contorto dall'orrore, lo spettatore vede una disperazione sconfinata sull'orlo della follia. L'artista ha trasmesso potenti emozioni umane utilizzando mezzi abbastanza semplici.

“L'Urlo” è un simbolo dell'espressionismo, una sorta di preludio all'arte del XX secolo. L'opera di Munch è ancora oggi una delle più straordinarie e misteriose della pittura mondiale. Alcuni esperti suggeriscono addirittura che la trama dell'opera sia frutto dell'immaginazione malsana di una persona malata di mente.

Anche gli spettatori lo vedono diversamente: alcuni lo personificano con una premonizione di disastro, altri credono che l'autore abbia dipinto il quadro, ispirandosi all'immagine di una mummia. Tutti vedono qualcosa di diverso in lei.

La ragazza con l'orecchino di perla - Jan Vermeer

Opera famosa Artista olandese La "Ragazza con l'orecchino di perla" di Johannes Vermeer ("La ragazza con il turbante") è spesso chiamata la Monna Lisa olandese. Il dipinto fu dipinto intorno al 1665. Di questo dipinto si sa poco. Esistono diverse versioni su chi è raffigurato nel dipinto, se l'autore lo ha dipinto su ordinazione e chi era il cliente. Secondo uno di loro, Vermeer ha raffigurato sua figlia Mary sulla tela.

Sicuramente si tratta di un lavoro insolito, con una dinamica unica. L'artista ha trasmesso nell'opera il momento in cui la modella gira la testa e guarda la persona che ha appena notato. L'autore ha attirato l'attenzione dello spettatore sull'orecchino di perla nell'orecchio della ragazza. Il maestro è riuscito a trasmettere la connessione tra la giovane donna e l'artista. La sua figura vive una vita separata e la sua testa guarda nell'altra direzione.

Autoritratto con orecchio mozzato e pipa – Vincent Van Gogh

Il suo famoso "Autoritratto con orecchio e pipa tagliati" è olandese e Artista francese Vincent van Gogh dipinse nel 1889 mentre si trovava ad Arles. L'artista ha sofferto malattia mentale a causa della sua percezione accentuata della realtà e dello squilibrio mentale.

Il ritratto fu dipinto dopo che Van Gogh, in un impeto di follia, si tagliò il lobo dell'orecchio dopo una lite con Gauguin per divergenze creative. Per prima cosa, Van Gogh ha lanciato un bicchiere in testa all'artista, poi si è precipitato contro di lui con un rasoio. Quella stessa sera si mutilò.

Esaminando l'immagine noteremo che lo sfondo è diviso in due parti uguali: la zona inferiore è rossa, la zona superiore è arancione con macchie gialle. L'autore si è raffigurato con lineamenti del viso distorti e uno sguardo smarrito.

L'Ultima Cena - Salvador Dalì

Il famoso maestro del surrealismo Salvador Dalì creò la sua “Ultima Cena” nel 1955. Il dipinto si trova alla Washington National Gallery. L'artista ha dipinto quest'opera utilizzando tecniche complesse utilizzando materiali fotografici. Il dipinto raffigura una trama tradizionale trasmessa da un punto di vista futuristico.

Dalì dipinse Gesù Cristo e i suoi seguaci riuniti allo stesso tavolo. Il lavoro riecheggia e contrasta vividamente con famoso dipinto pennelli di Leonardo da Vinci. Tuttavia, sulla tela di Dalì l’ambientazione e i personaggi sono diversi, raffigurati con minimalismo e autenticità.

L'immagine trasmette allo spettatore una sorta di messaggio morale. L'opera è piena di luce e leggerezza. Dalle finestre raffigurate su di esso vediamo incredibili Bel paesaggio con cieli azzurri e catene montuose argentate.

Olimpia – Edouard Manet

Olimpia – Edouard Manet

Il dipinto "Olympia" è stato dipinto dall'impressionista francese Edouard Manet nel 1863. Si colloca giustamente posto d'onore accanto ad altri capolavori della pittura mondiale.

Tuttavia, nel 1865, al Salon di Parigi, grazie a quest'opera, ci fu forte scandalo. Il fatto è che prima di Manet, le donne nude erano raffigurate nei dipinti come standard di bellezza spirituale. E quest'opera di Manet è stata riconosciuta sia fisicamente brutta che depravata. Per ragioni morali, gli artisti potevano raffigurare nude solo eroine di miti antichi, personaggi storici o biblici. Mentre l'impressionista ha infranto questa regola.

La sua Olympia fu scambiata per una rappresentante della “professione più antica” che aveva appena ricevuto un bouquet dal suo amante. Anche la società non accettò il nome del dipinto, poiché le donne corrotte venivano chiamate con questo nome e il ridicolo offensivo piovve sull'artista.

Dora Maar con un gatto - Pablo Picasso

Dora Maar con un gatto

Uno dei dipinti più costosi al mondo, “Dora Maar con un gatto” di Pablo Picasso, è stato dipinto dall'artista nel 1941. Raffigura l'amante dell'artista, Dora Maar, seduta su una sedia con un gattino sulla spalla.

In quasi tutti i dipinti di Picasso, Dora sembra inquietante, ciò è spiegato dal fatto che sono stati dipinti durante un periodo difficile della loro relazione. Oltretutto Guerra mondiale ha lasciato il segno nella vita e nell'opera del maestro spagnolo. Il rapporto tra Dora Maar e Pablo Picasso non era affatto romantico, ma piuttosto l'unione di due personalità creative.

Nell'opera “Dora Maar con un gatto”, l'artista ha sottolineato la nitidezza delle unghie attraverso l'immagine di un gatto nero.

Uno: numero 31 - Jackson Pollock

Alla fine degli anni '40, l'artista americano Jackson Pollock inventò nuova tecnologia nella pittura - dipingeva su tele di grandi dimensioni, disponendole sul pavimento. I suoi dipinti sono stati creati spruzzando vernice dai pennelli; non li ha toccati sulla tela.

Quando lavorava ai suoi dipinti, usava bastoncini, palette, coltelli e versava vernice o mescolava vernice con sabbia e vetri rotti.

Citazione del messaggio I dipinti più famosi e significativi del mondo per la storia dell'arte. | 33 capolavori della pittura mondiale.

Sotto le foto degli artisti a cui appartengono ci sono i link ai post.

I dipinti immortali di grandi artisti sono ammirati da milioni di persone. L'arte, classica e moderna, è una delle più importanti fonti di ispirazione, gusto ed educazione culturale di ogni persona, e ancor più creativa.
Di dipinti di fama mondiale ce ne sono sicuramente più di 33. Ce ne sono diverse centinaia e non tutti potrebbero rientrare in una recensione. Pertanto, per comodità di visione, abbiamo selezionato alcuni dipinti più significativi per la cultura mondiale e spesso copiati nella pubblicità. Ogni opera è accompagnata da un fatto interessante, spiegazione significato artistico o la storia della sua creazione.

Conservato nella Galleria degli Antichi Maestri di Dresda.

Il dipinto nasconde un piccolo segreto: lo sfondo, che da lontano sembra nuvole, a un esame più attento si rivelano teste di angeli. E i due angeli raffigurati nella foto qui sotto sono diventati il ​​motivo di numerose cartoline e poster.

Rembrandt "Ronda di notte" 1642
Conservato nel Rijksmuseum di Amsterdam.

Il vero titolo del dipinto di Rembrandt è “L’esibizione della compagnia di fucilieri del capitano Frans Banning Cock e del tenente Willem van Ruytenburg”. I critici d’arte che scoprirono il dipinto nel XIX secolo pensarono che le figure risaltassero su uno sfondo scuro, e fu chiamato “ La Guardia notturna" Successivamente si scoprì che uno strato di fuliggine rende l'immagine scura, ma in realtà l'azione si svolge durante il giorno. Tuttavia, il dipinto è già entrato nel tesoro dell'arte mondiale con il nome di "Night Watch".

Leonardo da Vinci "L'Ultima Cena" 1495-1498
Situato nel monastero di Santa Maria delle Grazie a Milano.

Negli oltre 500 anni di storia dell'opera, l'affresco è stato distrutto più di una volta: una porta è stata tagliata attraverso il dipinto e poi bloccata, il refettorio del monastero dove si trova l'immagine è stato utilizzato come armeria, prigione , ed è stato bombardato. Il famoso affresco restaurato almeno cinque volte, l'ultimo restauro ha richiesto 21 anni. Oggi, per vedere l'arte, i visitatori devono prenotare i biglietti in anticipo e possono trascorrere solo 15 minuti nel refettorio.

Salvador Dalì "La persistenza della memoria" 1931

Secondo lo stesso autore, il dipinto è stato dipinto a causa delle associazioni che Dalì aveva con la vista del formaggio fuso. Di ritorno dal cinema, dove si era recata quella sera, Gala predisse giustamente che nessuno, una volta visto La persistenza della memoria, l'avrebbe dimenticato.

Pieter Bruegel il Vecchio “Torre di Babele” 1563
Conservato nel Kunsthistorisches Museum di Vienna.

Secondo Bruegel, il fallimento che colpì la costruzione Torre di Babele, non sono colpevoli di insorgenza improvvisa secondo racconto biblico barriere linguistiche ed errori commessi durante il processo di costruzione. A prima vista, l'enorme struttura sembra piuttosto solida, ma dopo un esame più attento è chiaro che tutti i livelli sono disposti in modo non uniforme, i piani inferiori non sono finiti o stanno già crollando, l'edificio stesso è inclinato verso la città e le prospettive di l'intero progetto è molto triste.

Kazimir Malevich “Quadrato nero” 1915

Secondo l'artista, ha dipinto il quadro per diversi mesi. Successivamente, Malevich realizzò diverse copie del "Quadrato nero" (secondo alcune fonti, sette). Secondo una versione, l'artista non è riuscito a completare il dipinto in tempo, quindi ha dovuto coprire l'opera con vernice nera. Successivamente, dopo il riconoscimento pubblico, Malevich dipinse nuovi “Quadrati neri” su tele bianche. Malevich dipinse anche il “Piazza Rossa” (in due copie) e una “Piazza Bianca”.

Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin “Il bagno del cavallo rosso” 1912
Situato nella Galleria Statale Tretyakov a Mosca.

Dipinto nel 1912, il dipinto si rivelò visionario. Il cavallo rosso funge da destino della Russia o della Russia stessa, che il fragile e giovane cavaliere non è in grado di sostenere. Pertanto, l’artista ha simbolicamente predetto con la sua pittura il destino “rosso” della Russia nel XX secolo.

Peter Paul Rubens "Il ratto delle figlie di Leucippo" 1617-1618
Conservato nella Alte Pinakothek di Monaco.

Il dipinto “Il ratto delle figlie di Leucippo” è considerato la personificazione della passione virile e della bellezza fisica. Le braccia forti e muscolose dei giovani sollevano giovani donne nude per metterle a cavallo. I figli di Zeus e Leda rubano le spose dei cugini.

Paul Gauguin "Da dove veniamo? Chi siamo noi? Dove stiamo andando?" 1898
Conservato nel Museum of Fine Arts di Boston.

Secondo lo stesso Gauguin, il dipinto dovrebbe essere letto da destra a sinistra: tre gruppi principali di figure illustrano le domande poste nel titolo. Tre donne con un bambino rappresentano l'inizio della vita; gruppo centrale simboleggia l'esistenza quotidiana della maturità; nel gruppo finale, secondo il progetto dell’artista, “ vecchia, avvicinandosi alla morte, sembra riconciliata e abbandonata ai suoi pensieri”, ai suoi piedi “uno strano uccello bianco...rappresenta la futilità delle parole."

Eugene Delacroix “La libertà che guida il popolo” 1830
Conservato al Louvre di Parigi

Delacroix creò un dipinto basato sulla Rivoluzione di luglio del 1830 in Francia. In una lettera al fratello del 12 ottobre 1830, Delacroix scrive: "Se non ho combattuto per la mia patria, almeno scriverò per essa". Il seno nudo di una donna alla guida del popolo simboleggia la dedizione del popolo francese di quel tempo, che con “ a torso nudo"Stavamo andando verso il nemico.

Claude Monet "Impressione. Sole nascente" 1872
Conservato nel Museo Marmottan di Parigi.

Il titolo dell'opera è “Impression, soleil levant” con mano leggera il giornalista L. Leroy divenne il nome direzione artistica"impressionismo". Il dipinto è stato dipinto dal vero nel vecchio porto di Le Havre in Francia.

Jan Vermeer "La ragazza con l'orecchino di perla" 1665
Conservato nella Galleria Mauritshuis dell'Aia.

Uno dei dipinti più famosi dell'artista olandese Jan Vermeer è spesso chiamato la Gioconda nordica o olandese. Del dipinto si sa molto poco: non è datato e non si conosce il nome della ragazza raffigurata. Nel 2003 romanzo omonimo Tracy Chevalier è stata filmata Lungometraggio“La ragazza con l'orecchino di perla”, in cui la storia della realizzazione del dipinto viene ipoteticamente ricollocata nel contesto biografico e la vita familiare Vermeer.

Ivan Aivazovsky “La nona ondata” 1850
Conservato a San Pietroburgo nel Museo statale russo.

Ivan Aivazovsky è un pittore marino russo di fama mondiale che ha dedicato la sua vita alla rappresentazione del mare. Ha creato circa seimila opere, ognuna delle quali ha ricevuto riconoscimenti durante la vita dell'artista. Il dipinto “La Nona Onda” è incluso nel libro “100 Grandi Dipinti”.

Andrej Rublev “Trinità” 1425-1427

L'icona della Santissima Trinità, dipinta da Andrei Rublev nel XV secolo, è una delle icone russe più famose. L'icona è una tavola in formato verticale. Gli zar (Ivan il Terribile, Boris Godunov, Mikhail Fedorovich) “rivestirono” l'icona con oro, argento e pietre preziose. Oggi lo stipendio è conservato nella Riserva-Museo statale di Sergiev Posad.

Mikhail Vrubel “Demone seduto” 1890
Conservato nella Galleria Tretyakov a Mosca.

La trama del film è ispirata alla poesia di Lermontov “Il demone”. Demone: immagine del potere spirito umano, lotta interna, dubbi. Stringendo tragicamente le mani, il Demone siede con gli occhi tristi ed enormi rivolti in lontananza, circondato da fiori senza precedenti.

William Blake "Il grande architetto" 1794
Conservato al British Museum di Londra.

Il titolo del dipinto “L’Antico dei Giorni” si traduce letteralmente dall’inglese come “L’Antico dei Giorni”. Questa frase era usata come nome di Dio. Personaggio principale I dipinti mostrano Dio nel momento della creazione, che non stabilisce l'ordine, ma limita la libertà e denota i limiti dell'immaginazione.

Edouard Manet "Il bar delle Folies Bergère" 1882
Conservato al Courtauld Institute of Art di Londra.

Il Folies Bergere è uno spettacolo di varietà e cabaret a Parigi. Manet visitò spesso le Folies Bergere e finì per dipingere questo dipinto, l'ultimo prima della sua morte nel 1883. Dietro il bancone, in mezzo a una folla che beve, mangia, parla e fuma, una barista sta assorta nei suoi pensieri e osserva l'acrobata del trapezio, che può essere visto nell'angolo in alto a sinistra della foto.

Tiziano “Amore terreno e amore celeste” 1515-1516
Conservato nella Galleria Borghese a Roma.

È interessante notare che il nome moderno del dipinto non è stato dato dall'artista stesso, ma ha iniziato ad essere utilizzato solo due secoli dopo. Fino a quel momento, il dipinto aveva vari nomi: “La bellezza, abbellita e disadorna” (1613), “Tre tipi di amore” (1650), “Divino e donne mondane"(1700) e, infine, "Amore terreno e amore celeste" (1792 e 1833).

Mikhail Nesterov “Visione al giovane Bartolomeo” 1889-1890
Conservato nella Galleria Statale Tretyakov di Mosca.

La prima e più significativa opera del ciclo dedicato a Sergio di Radonež. Fino alla fine dei suoi giorni, l’artista era convinto che “Vision to the Youth Bartholomew” fosse la sua opera migliore. Nella sua vecchiaia, l’artista amava ripetere: “Non sono io che vivrò. “Il Giovane Bartolomeo” vivrà. Ora, se trenta, cinquant’anni dopo la mia morte dice ancora qualcosa alla gente, vuol dire che è vivo, e vuol dire che sono vivo io”.

Pieter Bruegel il Vecchio “La parabola dei ciechi” 1568
Conservato nel Museo di Capodimonte a Napoli.

Altri titoli del dipinto sono “Il cieco”, “Parabola del cieco”, “Il cieco che guida il cieco”. Si ritiene che la trama del film sia basata sulla parabola biblica dei ciechi: "Se un cieco guida un cieco, cadranno entrambi in una fossa".

Victor Vasnetsov “Alyonushka” 1881
Conservato nella Galleria Statale Tretyakov.

È basato sulla fiaba "Su sorella Alyonushka e fratello Ivanushka". Inizialmente, il dipinto di Vasnetsov si chiamava "Fool Alyonushka". A quel tempo gli orfani venivano chiamati “folli”. “Alyonushka”, disse in seguito l'artista stesso, “sembrava aver vissuto nella mia testa per molto tempo, ma in realtà l'ho vista ad Akhtyrka, quando ho incontrato una ragazza dai capelli semplici che ha catturato la mia immaginazione. C’era così tanta malinconia, solitudine e tristezza puramente russa nei suoi occhi… Uno speciale spirito russo si diffondeva da lei”.

Vincent van Gogh "Notte stellata" 1889
Conservato nel Museum of Modern Art di New York.

A differenza della maggior parte dei dipinti dell’artista, “Notte stellata” è stato dipinto a memoria. Van Gogh si trovava in quel momento all'ospedale Saint-Rémy, tormentato da attacchi di follia.

Karl Bryullov “L'ultimo giorno di Pompei” 1830-1833
Conservato nel Museo statale russo di San Pietroburgo.

Il dipinto raffigura la famosa eruzione del Vesuvio del 79 d.C. e. e la distruzione della città di Pompei vicino a Napoli. L'immagine dell'artista nell'angolo sinistro del dipinto è un autoritratto dell'autore.

Pablo Picasso “Ragazza al ballo” 1905
Conservato nel Museo Pushkin, Mosca

Il dipinto finì in Russia grazie all'industriale Ivan Abramovich Morozov, che lo acquistò nel 1913 per 16.000 franchi. Nel 1918 la collezione personale di I. A. Morozov fu nazionalizzata. Il dipinto è attualmente nella collezione Museo statale Belle Arti intitolate ad A.S. Puškin.

Leonardo da Vinci "Madonna Litta" 1491

Conservato nell'Ermitage di San Pietroburgo.

Il titolo originale del dipinto era “Madonna col Bambino”. Il nome moderno del dipinto deriva dal nome del suo proprietario, il conte Litta, proprietario della pinacoteca di famiglia a Milano. Si presume che la figura del bambino non sia stata dipinta da Leonardo da Vinci, ma appartenga al pennello di uno dei suoi studenti. Ciò è evidenziato dalla posa del bambino, insolita per lo stile dell'autore.

Jean Ingres "Bagni turchi" 1862
Conservato al Louvre di Parigi.

Ingres finì di dipingere questo quadro quando aveva già più di 80 anni. Con questo dipinto l'artista riassume l'immagine dei bagnanti, il cui tema è presente da tempo nella sua opera. Inizialmente, la tela aveva la forma di un quadrato, ma un anno dopo il suo completamento l'artista la trasformò in un dipinto rotondo: un tondo.

Ivan Shishkin, Konstantin Savitsky “Mattina in una pineta” 1889
Conservato nella Galleria Tretyakov a Mosca

"Mattinata pineta"- dipinto degli artisti russi Ivan Shishkin e Konstantin Savitsky. Savitsky ha dipinto gli orsi, ma il collezionista Pavel Tretyakov, quando ha acquisito il dipinto, ha cancellato la sua firma, quindi ora solo Shishkin è indicato come l'autore del dipinto.

Mikhail Vrubel “La principessa del cigno” 1900
Conservato nella Galleria Statale Tretyakov

Il dipinto si basa sull'immagine scenica dell'eroina dell'opera di N. A. Rimsky-Korsakov "La storia dello zar Saltan" basata sulla trama fiaba con lo stesso nome A. S. Pushkin. Vrubel creò schizzi per le scene e i costumi per la prima dell'opera nel 1900 e sua moglie cantò il ruolo della Principessa del cigno.

Giuseppe Arcimboldo “Ritratto dell'imperatore Rodolfo II come Vertumno” 1590
Situato nel castello di Skokloster a Stoccolma.

Una delle poche opere sopravvissute dell'artista, che ha composto ritratti di frutta, verdura, fiori, crostacei, pesci, perle, strumenti musicali e di altro tipo, libri e così via. "Vertumnus" è il ritratto dell'imperatore, rappresentato come l'antico dio romano delle stagioni, della vegetazione e della trasformazione. Nella foto Rudolph è composto interamente da frutta, fiori e verdura.

Edgar Degas "Danzatrici blu" 1897
Situato nel Museo d'Arte. A. S. Pushkin a Mosca.

Sandro Botticelli "Nascita di Venere" 1486
Conservato a Firenze nella Galleria degli Uffizi

Il dipinto illustra il mito della nascita di Afrodite. Una dea nuda nuota verso la riva in una conchiglia aperta, spinta dal vento. Sul lato sinistro del dipinto, Zefiro (il vento dell'ovest), tra le braccia della moglie Clori, soffia su una conchiglia, creando un vento carico di fiori. Sulla riva, la dea incontra una delle grazie. La Nascita di Venere è ben conservata perché Botticelli l'ha applicata al dipinto strato protettivo dal tuorlo d'uovo.

La pagina presenta di più dipinti famosi Artisti russi del XIX secolo con nomi e descrizioni

La variegata pittura di artisti russi dall'inizio del XIX secolo ha attirato l'attenzione nel mondo domestico con la sua originalità e versatilità. belle arti. I maestri della pittura di quel tempo non smettevano mai di stupire con il loro approccio unico al soggetto e l'atteggiamento riverente nei confronti dei sentimenti delle persone, per natura nativa. Nel 19 ° secolo venivano spesso dipinte composizioni di ritratti con una sorprendente combinazione di un'immagine emotiva e un motivo epico e calmo.

I dipinti degli artisti russi sono magnifici nell'abilità e veramente belli nella percezione, riflettendo in modo sorprendentemente accurato il respiro del loro tempo, il carattere unico delle persone e il loro desiderio di bellezza.

Tele dei pittori russi più apprezzati: Alexander Ivanov è un rappresentante di spicco del movimento pittorico biblico, che ci racconta a colori gli episodi della vita di Gesù Cristo.

Karl Bryullov è un pittore popolare ai suoi tempi, la sua direzione pittura di storia, temi di ritratti, opere romantiche.

Il pittore marino Ivan Aivazovsky, i suoi dipinti riflettono perfettamente e si potrebbe dire semplicemente insuperabile la bellezza del mare con onde trasparenti e ondeggianti, tramonti sul mare e barche a vela.

Le opere del famoso Ilya Repin, che ha creato il genere e opere monumentali, che riflette la vita delle persone.

Dipinti molto pittoreschi e di grandi dimensioni dell'artista Vasily Surikov, la descrizione della storia russa è la sua direzione, in cui l'artista ha enfatizzato gli episodi con i colori percorso di vita Popolo russo.

Ogni artista è unico, ad esempio, il maestro pittorico di fiabe ed epiche, Viktor Vasnetsov, unico nel suo stile: si tratta sempre di tele ricche, luminose e romantiche, i cui eroi siamo tutti noi eroi famosi racconti popolari.

Ogni artista è unico, ad esempio, il maestro pittorico di fiabe ed epiche, Viktor Vasnetsov, unico nel suo stile: si tratta sempre di tele ricche, luminose e romantiche, i cui eroi sono gli eroi dei racconti popolari conosciuti da tutti noi. I dipinti dell’artista Vasily Surikov sono molto pittoreschi e di grandi dimensioni, la descrizione della storia russa è la sua direzione, in cui l’artista ha enfatizzato nella pittura gli episodi del percorso di vita del popolo russo.

Nella pittura russa del 19 ° secolo, una tendenza come realismo critico, enfatizzando il ridicolo, la satira e l'umorismo nelle trame. Naturalmente questa era una nuova tendenza, non tutti gli artisti potevano permetterselo. Artisti come Pavel Fedotov e Vasily Perov hanno deciso in questa direzione

Anche gli artisti paesaggisti dell'epoca occupavano la loro nicchia, tra cui Isaac Levitan, Alexey Savrasov, Arkhip Kuindzhi, Vasily Polenov, il giovane artista Fyodor Vasiliev, un pittoresco maestro della foresta, radure con pini e betulle con funghi, Ivan Shishkin . Tutti riflettevano in modo colorato e romantico la bellezza della natura russa, la cui varietà di forme e immagini è associata al colossale potenziale del mondo circostante.

Secondo Levitan, in ogni nota della natura russa c'è una tavolozza colorata unica, da qui l'enorme libertà creativa. Forse è proprio questo il mistero per cui le tele realizzate nelle vaste distese della Russia risaltano con una certa raffinata severità, ma, allo stesso tempo, attraggono con la loro discreta bellezza, dalla quale è difficile distogliere lo sguardo. Oppure il dipinto Denti di leone di Levitan, che non è affatto intricato e piuttosto non appariscente, sembra incoraggiare lo spettatore a pensare e vedere la bellezza nel semplice.

Magnifiche opere d'arte realizzate dalle mani di grandi maestri possono sorprendere anche le persone per le quali l'arte significa poco. Ecco perché i musei di fama mondiale sono tra le attrazioni più apprezzate e attirano milioni di visitatori ogni anno.

Per distinguersi enorme quantità dipinti dipinti nel corso della storia dell'arte, l'artista ha bisogno non solo di talento, ma anche della capacità di esprimere una trama unica in un modo insolito e molto rilevante per il suo tempo.

I dipinti presentati di seguito dichiarano a gran voce non solo il talento dei loro autori, ma anche le numerose tendenze culturali che si sono avvicendate e gli eventi storici più importanti che si sono sempre riflessi nell'arte.

"Nascita di Venere"

Questo dipinto, dipinto dal grande maestro rinascimentale Sandro Botticelli, raffigura il momento della bellissima Venere che emerge dalla schiuma del mare. Uno degli aspetti più attraenti del dipinto è la posa modesta della dea e il suo viso semplice ma bello.

"I cani giocano a poker"

Dipinta da Cassius Coolidge nel 1903, una serie di 16 dipinti raffigurano cani riuniti attorno a un caffè o a un tavolo da gioco mentre giocano a poker. Molti critici riconoscono questi dipinti come la rappresentazione canonica degli americani dell'epoca.

Ritratto di signora Récamier

Questo ritratto, dipinto Jacques-Louis David, raffigura una scintillante diva mondana in un ambiente contrastantemente minimalista e semplice, vestita in modo semplice vestito bianco senza maniche. Questo - fulgido esempio neoclassicismo nell'arte del ritratto.

№5

Questo famoso dipinto, dipinto da Jackson Pollock, è la sua opera più iconica, che raffigura vividamente il caos che infuriava nell'anima e nella mente di Pollock. Questo è uno dei più lavoro costoso mai venduto da un artista americano.

"Figlio di uomo"

"Son of Man", scritto da René Magritte, è una sorta di autoritratto, raffigurante l'artista stesso in un abito nero, ma con una mela al posto del volto.

"Numero 1" ("Royal Rosso e Blu")

Questo lavoro abbastanza recente, scritto da Mark Rothko, non è altro che pennellate di tre sfumature diverse su tela Fai da te. Il dipinto è attualmente esposto all'Art Institute di Chicago.

"Strage degli innocenti"

Basato sulla storia biblica dell'omicidio di bambini innocenti a Betlemme, Peter Paul Rubens ha creato questo dipinto inquietante e crudele che tocca le emozioni di chiunque lo guardi.

"Domenica pomeriggio sull'isola della Grande Jatte"

Creato da Georges Seurat, questo dipinto unico e molto popolare raffigura un'atmosfera rilassata del fine settimana grande città. Questo dipinto è un eccellente esempio di puntinismo, che unisce molti punti in uno solo.

"Danza"

"The Dance" di Henri Matisse è un esempio di uno stile chiamato Fauvismo, caratterizzato da colori e forme brillanti, quasi innaturali e da un'elevata dinamica.

"Gotico americano"

"American Gothic" è un'opera d'arte che simboleggia perfettamente l'immagine degli americani durante la Grande Depressione. In questo dipinto, Grant Wood raffigurava una coppia severa, probabilmente religiosa, in piedi di fronte casa semplice con finestre in stile gotico.

"Caricatore di fiori"

Questo dipinto del pittore messicano più famoso del XX secolo, Diego Rivera, raffigura un uomo che lotta per trasportare sulla schiena un cesto carico di vivaci fiori tropicali.

"La madre di Whistler"

Conosciuto anche come "Disposizione in grigio e nero. La madre dell'artista", questo è uno dei dipinti più famosi Artista americano James Whistler. In questo dipinto, Whistler raffigurava sua madre seduta su una sedia contro un muro grigio. Il dipinto utilizza solo sfumature nere e grigie.

"La persistenza della memoria"

Questa è un'opera iconica del non meno iconico Salvador Dalì, il surrealista spagnolo di fama mondiale che ha portato questo movimento in prima linea nell'arte.

Ritratto di Dora Maar

Pablo Picasso è uno dei più popolari e influenti Pittori spagnoli. È il fondatore di uno stile sensazionale ai suoi tempi, chiamato cubismo, che cerca di frammentare qualsiasi oggetto e trasmetterlo con forme geometriche chiare. Questo dipinto è il primo ritratto in stile cubista.

"Ritratto di artista senza barba"

Questo dipinto di Van Gogh è un autoritratto e unico, poiché raffigura l'artista senza la solita barba. Inoltre, questo è uno dei pochi dipinti di Van Gogh venduti a collezioni private.

"Terrazza del bar notturno"

Dipinto da Vincent van Gogh, questo dipinto raffigura uno spettacolo familiare in un modo completamente nuovo, utilizzando colori sorprendentemente vivaci e forme insolite.

"Composizione VIII"

Wassily Kandinsky è riconosciuto come il fondatore arte astratta- uno stile che utilizza forme e simboli invece di oggetti e persone familiari. "Composizione VIII" è uno dei primi dipinti dell'artista realizzati esclusivamente in questo stile.

"Bacio"

Una delle prime opere d'arte in stile Art Nouveau, questo dipinto è quasi interamente realizzato in tonalità dorate. Il dipinto di Gustav Klimt è una delle opere più sorprendenti di questo stile.

"Ballo al Moulin de la Galette"

Il dipinto di Pierre Auguste Renoir è una rappresentazione vibrante e dinamica della vita cittadina. Inoltre, questo è uno dei dipinti più costosi al mondo.

"Olimpia"

Nel dipinto "Olympia" Edouard Manet ha creato una vera e propria contraddizione, quasi uno scandalo, poiché una donna nuda con lo sguardo è chiaramente un'amante, non velata dai miti periodo classico. Questo è uno dei primi lavori nello stile del realismo.

"Il 3 maggio 1808 a Madrid"

In quest'opera, Francisco Goya descrisse l'attacco di Napoleone agli spagnoli. Questo è uno dei primi dipinti spagnoli che dipingono la guerra in una luce negativa.

"Las Meninas"

Il dipinto più famoso di Diego Velázquez raffigura l'Infanta Margarita di cinque anni sullo sfondo del ritratto dei suoi genitori di Velázquez.

"Ritratto dei coniugi Arnolfini"

Questa immagine è una delle opere più antiche pittura. È stato dipinto da Jan van Eyck e raffigura l'uomo d'affari italiano Giovanni Arnolfini e sua moglie incinta nella loro casa a Bruges.

"Grido"

Un dipinto dell'artista norvegese Edvard Munch raffigura il volto di un uomo distorto dalla paura su uno sfondo cielo rosso sangue. Il paesaggio sullo sfondo aggiunge fascino oscuro a questo dipinto. Inoltre, "L'Urlo" è uno dei primi dipinti realizzati nello stile dell'espressionismo, dove il realismo è ridotto al minimo per consentire maggiore libertà alle emozioni.

"Ninfee"

"Ninfee" di Claude Monet fa parte di una serie di 250 dipinti raffiguranti elementi del giardino dell'artista. Questi dipinti sono esposti in vari musei d'arte pace.

"Notte stellata"

La "Notte stellata" di Van Gogh è una delle immagini più famose cultura moderna. Attualmente è esposto al Museo arte contemporanea a New York.

"La caduta di Icaro"

Questo dipinto, dipinto Artista olandese Pieter Bruegel, mostra l'indifferenza dell'uomo verso la sofferenza del suo prossimo. Qui viene mostrato abbastanza un forte tema sociale in modo semplice, usando l'immagine di Icaro che annega sott'acqua e le persone ignorano la sua sofferenza.

"La Creazione di Adamo"

La Creazione di Adamo è uno dei tanti magnifici affreschi di Michelangelo che adornano il soffitto della Cappella Sistina nel Palazzo Vaticano. Raffigura la creazione di Adamo. Oltre a rappresentare l'ideale forme umane, l'affresco è uno dei primi tentativi nella storia dell'arte di rappresentare Dio.

"Ultima cena"

Questo affresco del grande Leonardo raffigura ultima cena Gesù prima del suo tradimento, arresto e morte. Oltre alla composizione, alle forme e ai colori, le discussioni su questo affresco sono piene di teorie a riguardo simboli nascosti e la presenza di Maria Maddalena accanto a Gesù.

"Guernica"

Guernica di Picasso raffigura l'esplosione dell'omonima città spagnola durante la dominazione spagnola guerra civile. Questo - pittura in bianco e nero, raffigurando negativamente il fascismo, il nazismo e le loro idee.

"La ragazza con l'orecchino di perla"

Questo dipinto di Johannes Vermeer è spesso chiamato la Monna Lisa olandese, non solo per la sua straordinaria popolarità, ma anche perché l'espressione del viso della ragazza è difficile da catturare e spiegare.

"Decollazione di Giovanni Battista"

Il dipinto di Caravaggio raffigura in modo molto realistico il momento dell'omicidio di Giovanni Battista in prigione. La semioscurità del dipinto e le espressioni facciali dei suoi personaggi ne fanno un vero capolavoro classico.

"La ronda di notte"

"La ronda di notte" è uno dei dipinti più famosi di Rembrandt. Raffigura un ritratto di gruppo di una compagnia di fucilieri guidata dai suoi ufficiali. Un aspetto unico del dipinto è la semioscurità, che dà l'impressione di una scena notturna.

"Scuola di Atene"

Dipinto da Raffaello nel suo primo periodo romano, questo affresco raffigura famosi filosofi greci come Platone, Aristotele, Euclide, Socrate, Pitagora e altri. Molti filosofi sono raffigurati come contemporanei di Raffaello, ad esempio Platone - Leonardo da Vinci, Eraclito - Michelangelo, Euclide - Bramante.

"Monna Lisa"

Probabilmente il dipinto più famoso al mondo è La Gioconda di Leonardo da Vinci, meglio conosciuta come La Gioconda. Questa tela è un ritratto della signora Gherardini, che attira l'attenzione con un'espressione misteriosa sul viso.

"Ogni ritratto dipinto con sentimento è, in sostanza, il ritratto dell'artista e non della persona che ha posato per lui." Oscar Wilde

Cosa serve per essere un artista? Una semplice imitazione di un'opera non può essere considerata arte. L'arte è qualcosa che viene da dentro. L'idea, la passione, la ricerca, i desideri e i dolori dell'autore, che sono incarnati nella tela dell'artista. Nel corso della storia dell’umanità sono stati dipinti centinaia di migliaia e forse milioni di dipinti. Alcuni di loro sono veri e propri capolavori, conosciuti in tutto il mondo, li conosce anche chi non ha nulla a che fare con l'arte. È possibile identificare i 25 più importanti tra questi dipinti? Il compito è molto difficile, ma ci abbiamo provato...

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"La persistenza della memoria", Salvador Dalì

Grazie a questo dipinto Dalì divenne piuttosto famoso in giovane età, aveva 28 anni. Il dipinto ha molti altri titoli: "Soft Hours", "Hardness of Memory". Questo capolavoro ha attirato l'attenzione di molti critici d'arte. Fondamentalmente, erano interessati all'interpretazione del dipinto. Si dice che l'idea alla base del dipinto di Dalì sia legata alla teoria della relatività di Einstein.

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"Danza", Henri Matisse

Henri Matisse non è sempre stato un artista. Ha scoperto il suo amore per la pittura dopo aver conseguito la laurea in giurisprudenza a Parigi. Ha studiato arte con così tanto zelo che è diventato uno dei più grandi artisti del mondo. Questo dipinto ha ricevuto pochissime critiche negative da parte dei critici d'arte. Riflette una combinazione di rituali pagani, danza e musica. La gente balla in trance. Tre colori: verde, blu e rosso, simboleggiano la Terra, il Cielo e l'Umanità.

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"Il bacio", Gustav Klimt

Gustav Klimt fu spesso criticato per la nudità nei suoi dipinti. "Il bacio" è stato notato dalla critica poiché fondeva tutte le forme d'arte. Il dipinto potrebbe essere una rappresentazione dell'artista stesso e della sua amante Emilia. Klimt dipinse questo dipinto sotto l'influenza dei mosaici bizantini. I bizantini usavano l'oro nei loro dipinti. Allo stesso modo, Gustav Klimt mescolò l'oro nei suoi colori per creare i suoi proprio stile pittura.

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"Zingaro dormiente", Henri Rousseau

Nessuno, tranne lo stesso Rousseau, potrebbe descrivere meglio questo quadro. Ecco la sua descrizione: “una zingara nomade che canta le sue canzoni con l'accompagnamento di un mandolino, dorme per terra per la stanchezza, la sua brocca di acqua potabile si trova nelle vicinanze. Un leone che passava si avvicinò per annusarla, ma non la toccò. Tutto è inondato dalla luce della luna, un’atmosfera molto poetica.” È interessante notare che Henri Rousseau è autodidatta.

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"Il Giudizio Universale", Hieronymus Bosch

Senza ulteriori indugi, l'immagine è semplicemente magnifica. Questo trittico è il più grande dipinto sopravvissuto di Bosch. L'ala sinistra mostra la storia di Adamo ed Eva. La parte centrale è " giorno del giudizio"da parte di Gesù - chi dovrebbe andare in paradiso e chi dovrebbe andare all'inferno. La terra che vediamo qui sta bruciando. L'ala destra raffigura un'immagine disgustosa dell'inferno.

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Tutti conoscono Narciso da mitologia greca- un uomo ossessionato dal suo aspetto. Dalì scrisse la sua interpretazione di Narciso.

Questa è la storia. Il bellissimo giovane Narciso spezzò facilmente il cuore di molte ragazze. Gli dei intervennero e, per punirlo, gli mostrarono il suo riflesso nell'acqua. Il narcisista si innamorò di se stesso e alla fine morì perché non riuscì mai ad abbracciarsi. Allora gli dei si pentirono di avergli fatto questo e decisero di immortalarlo sotto forma di un fiore di narciso.

Sul lato sinistro dell'immagine c'è Narciso che guarda il suo riflesso. Dopo di che si innamorò di se stesso. Il pannello di destra mostra gli eventi accaduti dopo, incluso il fiore risultante, il narciso.

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La trama del film è basata sul massacro biblico dei bambini a Betlemme. Dopo che la nascita di Cristo fu conosciuta dai Magi, il re Erode ordinò l'uccisione di tutti i bambini maschi e neonati di Betlemme. Nella foto, il massacro è al culmine, gli ultimi bambini, sottratti alle madri, attendono la loro morte spietata. Sono visibili anche i cadaveri dei bambini, per i quali tutto è già alle spalle.

Grazie all'uso di rich gamma di colori, il dipinto di Rubens è diventato un capolavoro di fama mondiale.

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Il lavoro di Pollock è molto diverso da quello di altri artisti. Posò la sua tela a terra e si mosse attorno alla tela, facendo gocciolare la vernice dall'alto sulla tela utilizzando bastoncini, pennelli e siringhe. Grazie a questa tecnica unica, è stato soprannominato “Sprinkler Jack” negli ambienti artistici. Per qualche tempo questo dipinto ha mantenuto il titolo di dipinto più costoso del mondo.

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Conosciuto anche come "Ballando al Moulin de la Galette". Questo dipinto è considerato uno dei dipinti più gioiosi di Renoir. L'idea del film è mostrare agli spettatori il lato divertente della vita parigina. Dopo un esame più attento del dipinto, puoi vedere che Renoir ha posizionato sulla tela molti dei suoi amici. Poiché il dipinto appare leggermente sfocato, fu inizialmente criticato dai contemporanei di Renoir.

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La trama è tratta dalla Bibbia. Il dipinto “L’Ultima Cena” raffigura l’ultima cena di Cristo prima del suo arresto. Aveva appena parlato ai suoi apostoli e aveva detto loro che uno di loro lo avrebbe tradito. Tutti gli apostoli sono rattristati e gli dicono che, ovviamente, non sono loro. È stato questo momento che Da Vinci ha rappresentato magnificamente attraverso la sua vivida rappresentazione. Il grande Leonardo impiegò quattro anni per completare questo dipinto.

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Le "Ninfee" di Monet si trovano ovunque. Probabilmente li hai visti su carta da parati, poster e copertine di riviste d'arte. Il fatto è che Monet era ossessionato dai gigli. Prima di iniziare a dipingerli, coltivò innumerevoli quantità di questi fiori. Monet costruì nel suo giardino un ponte in stile giapponese sopra uno stagno di ninfee. Era così soddisfatto di ciò che aveva ottenuto che disegnò questa trama diciassette volte in un anno.

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C'è qualcosa di sinistro e misterioso in questa immagine; c'è un'aura di paura attorno ad essa. Solo un maestro come Munch è stato in grado di rappresentare la paura sulla carta. Munch realizzò quattro versioni dell'Urlo ad olio e pastello. Secondo le annotazioni del diario di Munch, è abbastanza chiaro che lui stesso credeva nella morte e negli spiriti. Nel dipinto "L'urlo" ha raffigurato se stesso nel momento in cui un giorno, mentre camminava con gli amici, ha provato paura ed eccitazione, che voleva dipingere.

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Il dipinto, che di solito viene menzionato come simbolo della maternità, non avrebbe dovuto diventarlo. Si dice che il modello di Whistler, che avrebbe dovuto posare per il dipinto, non si sia presentato e lui abbia deciso di dipingere invece sua madre. Possiamo dire che qui è raffigurata la triste vita della madre dell’artista. Questo stato d'animo è dovuto ai colori scuri utilizzati in questo dipinto.

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Picasso ha incontrato Dora Maar a Parigi. Dicono che fosse intellettualmente più vicina a Picasso di tutte le sue precedenti amanti. Usando il cubismo, Picasso è stato in grado di trasmettere movimento nel suo lavoro. Sembra che il volto di Maar si giri a destra, verso il volto di Picasso. L'artista ha reso quasi reale la presenza della donna. Forse voleva sentire che lei era lì, sempre.

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Van Gogh scrisse Notte stellata mentre era in cura, dove gli era permesso dipingere solo mentre le sue condizioni miglioravano. All'inizio dello stesso anno, si tagliò il lobo dell'orecchio sinistro. Molti consideravano l'artista pazzo. Di tutta la collezione di opere di Van Gogh, Notte stellata è la più famosa, forse per l'insolita luce sferica attorno alle stelle.

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In questo dipinto Manet ha ricreato la Venere di Urbino di Tiziano. L'artista aveva una cattiva reputazione per aver raffigurato le prostitute. Sebbene i signori a quel tempo visitassero abbastanza spesso le cortigiane, non pensavano che qualcuno si sarebbe messo in testa di dipingerle. Quindi era preferibile che gli artisti dipingessero quadri storici, mitici o temi biblici. Tuttavia Manet, andando contro le critiche, ha mostrato al pubblico la sua contemporaneità.

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Questo dipinto - pittura storica, che raffigura la conquista della Spagna da parte di Napoleone.

Avendo ricevuto un ordine per dipinti raffiguranti la lotta del popolo spagnolo contro Napoleone, l'artista non dipinse tele eroiche e patetiche. Ha scelto il momento in cui i ribelli spagnoli furono fucilati dai soldati francesi. Ciascuno degli spagnoli vive questo momento a modo suo, alcuni si sono già rassegnati, ma per altri la battaglia principale è appena arrivata. Guerra, sangue e morte, questo è ciò che Goya ha effettivamente rappresentato.

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Si ritiene che la ragazza raffigurata lo sia figlia più grande Vermeer, Maria. Le sue caratteristiche sono presenti in molte delle sue opere, ma sono difficili da confrontare. Un libro con lo stesso titolo è stato scritto da Tracy Chevalier. Ma Tracy ha una versione completamente diversa di chi è raffigurato in questa foto. Afferma di aver affrontato questo argomento perché ci sono pochissime informazioni su Vermeer e sui suoi dipinti, e questo particolare dipinto emana un'atmosfera misteriosa. Successivamente è stato realizzato un film basato sul suo romanzo.

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Il titolo esatto del dipinto è "Esibizione della compagnia di fucilieri del capitano Frans Banning Cock e del tenente Willem van Ruytenburg." La Rifle Society era una milizia civile chiamata a difendere la città. Oltre alla milizia, Rembrandt aggiunse alla composizione diverse persone extra. Considerando che mentre dipingeva questo quadro ha acquistato una casa costosa, può anche essere vero che ha ricevuto un compenso enorme per I Guardiani della notte.

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Sebbene il dipinto contenga un'immagine dello stesso Velázquez, non è un autoritratto. personaggio principale dipinti - Infanta Margherita, figlia del re Filippo IV. Questo raffigura il momento in cui Velazquez, lavorando su un ritratto del re e della regina, è costretto a fermarsi e guardare l'Infanta Margarita, che è appena entrata nella stanza con il suo seguito. Il dipinto sembra quasi vivo, suscitando curiosità nel pubblico.

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Questo è l'unico dipinto di Bruegel dipinto ad olio anziché a tempera. Ci sono ancora dubbi sull'autenticità del dipinto, principalmente per due motivi. In primo luogo, non ha dipinto ad olio e, in secondo luogo, studi recenti hanno dimostrato che sotto lo strato di pittura c'è un disegno schematico Pessima qualità, che non appartiene a Bruegel.

Il dipinto raffigura la storia di Icaro e il momento della sua caduta. Secondo il mito, le piume di Icaro erano attaccate con la cera e poiché Icaro si alzava molto vicino al sole, la cera si sciolse e cadde in acqua. Questo paesaggio ispirò W. H. Auden a scrivere la sua poesia più famosa sullo stesso argomento.

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La Scuola di Atene è forse l'affresco più famoso Artista italiano Rinascimento, Raffaello.

In questo affresco della Scuola di Atene, tutti i grandi matematici, filosofi e scienziati si sono riuniti sotto lo stesso tetto, condividendo le loro teorie e imparando gli uni dagli altri. Tutti gli eroi vivevano lì tempo diverso, ma Raffaello li collocò tutti in una stanza. Alcune delle figure sono Aristotele, Platone, Pitagora e Tolomeo. Uno sguardo più attento rivela che questo dipinto contiene anche un autoritratto dello stesso Raffaello. Ogni artista vorrebbe lasciare il segno, l'unica differenza è la forma. Anche se forse si considerava una di queste grandi figure?

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Michelangelo non si è mai considerato un artista, si è sempre considerato più uno scultore. Ma è riuscito a creare un affresco straordinario e squisito di cui il mondo intero è in soggezione. Questo capolavoro si trova sul soffitto della Cappella Sistina in Vaticano. Michelangelo fu incaricato di dipingere diverse storie bibliche, una delle quali era la creazione di Adamo. In questa immagine lo scultore di Michelangelo è chiaramente visibile. Corpo umano Adam è reso con incredibile precisione utilizzando colori vibranti e forme muscolose precise. Quindi possiamo essere d'accordo con l'autore, dopotutto è più uno scultore.

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"La Gioconda", Leonardo da Vinci

Nonostante sia il dipinto più studiato, la Gioconda resta comunque il più misterioso. Leonardo ha detto che non ha mai smesso di lavorarci. Solo la sua morte, come si suol dire, ha completato il lavoro sulla tela. "Mona Lisa" è il primo ritratto italiano in cui la modella è raffigurata dalla vita in su. La pelle di Monna Lisa sembra brillare grazie all'uso di diversi strati di oli trasparenti. Essendo scienziati Leonardo da Vinci ha utilizzato tutta la sua conoscenza per rendere realistica l'immagine della Gioconda. Per quanto riguarda chi sia raffigurato esattamente nel dipinto, rimane ancora un mistero.

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Il dipinto mostra Venere, la dea dell'amore, che fluttua su una conchiglia nel vento, soffiata da Zefiro, il dio del vento dell'ovest. Sulla riva viene accolta da Ora, la dea delle stagioni, pronta a vestire la neonata divinità. La modella di Venere è considerata Simonetta Cattaneo de Vespucci. Simonetta Cattaneo morì a 22 anni e Botticelli volle essere sepolto accanto a lei. Era legato a lei da un amore non corrisposto. Questo dipinto è l'opera d'arte più squisita mai creata.

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Conclusione

Questo era un articolo TOP 25 dipinti più famosi al mondo. Grazie per l'attenzione!