Naturi moarte ale Renașterii. Natura moartă în pictură: tipuri și descriere

Natura moartă în pictură este o imagine a obiectelor statice neînsuflețite combinate într-un singur ansamblu. O natură moartă poate fi prezentată ca o pictură independentă, dar uneori devine parte a compoziției unei scene de gen sau a unui întreg tablou.

Ce este natura moartă?

O astfel de pictură este exprimată în atitudinea subiectivă a unei persoane față de lume. Aceasta arată înțelegerea inerentă a frumuseții a maestrului, care devine întruchiparea valorilor sociale și idealul estetic al vremii. Natura moartă în pictură s-a transformat treptat într-un gen semnificativ separat. Acest proces a durat sute de ani, iar fiecare nouă generație de artiști a înțeles pânzele și culoarea în funcție de tendințele epocii.

Rolul naturii moarte în compoziția unui tablou nu se limitează niciodată la simple informații, o adăugare aleatorie la conținutul principal. În funcție de condițiile istorice și de cerințele sociale, obiectele pot juca un rol mai mult sau mai puțin activ în crearea unei compoziții sau a unei imagini individuale, ascundând unul sau altul. Natura statică în pictură ca gen independent este concepută pentru a transmite în mod fiabil frumusețea lucrurilor care înconjoară o persoană în fiecare zi.

Uneori, un detaliu sau un element separat capătă brusc un sens profund, primește propriul său sens și sunet.

Poveste

Fiind un gen vechi și venerat, pictura cu natură moartă și-a cunoscut suișuri și coborâșuri. Severă, ascetică și minimalistă au contribuit la crearea unor imagini nemuritoare, monumentale, generalizate, sublim eroice. Sculptorilor le plăcea să înfățișeze obiecte individuale cu o expresivitate extraordinară. Tipuri de natură moartă în pictură și tot felul de clasificări au apărut în timpul formării criticii de artă, deși pânzele au existat cu mult înainte de a fi scris primul manual.

Tradiții iconografice și naturi moarte

În pictura antică a icoanelor rusești, un rol important l-au jucat acele câteva lucruri pe care artistul a îndrăznit să le introducă în strictul laconism al operelor canonice. Ele contribuie la manifestarea a tot ceea ce este imediat și demonstrează exprimarea sentimentelor în lucrări dedicate unui subiect abstract sau mitologic.

Tipuri de natură moartă în pictură există separat de picturile cu icoane, deși canonul strict nu interzice reprezentarea unor obiecte inerente genului.

Natura moartă renascentist

Cu toate acestea, lucrările din secolele XV-XVI joacă un rol major în timpul Renașterii. Pictorul a atras mai întâi atenția asupra lumii din jurul său și a căutat să determine semnificația fiecărui element în slujba umanității.

Pictura modernă și natura moartă ca gen popular și iubit și-au luat naștere în perioada Tricento. Obiectele de zi cu zi au dobândit o anumită noblețe și semnificație a proprietarului pe care îl slujeau. Pe pânze mari, o natură moartă, de regulă, arată foarte modestă și discretă - un borcan de sticlă cu apă, argint într-o vază elegantă sau crini delicati pe tulpini subțiri adesea înghesuiți într-un colț întunecat al imaginii, ca niște rude sărace și uitate. .

Cu toate acestea, era atât de multă dragoste în imaginea lucrurilor frumoase și apropiate în formă poetică, încât pictura modernă, natura moartă și rolul ei în ea erau deja timid vizibile prin golurile peisajelor și perdele grele ale scenelor de gen.

Moment crucial

Subiectele au câștigat un element real în picturi și un nou sens în secolul al XVII-lea - o epocă în care natura moartă cu flori era predominantă și dominantă. Picturile de acest fel au câștigat numeroși fani în rândul nobilimii și clerului. În compoziții complexe cu pronunțat literar poveste scenele și-au luat locul alături de personajele principale. Analizând operele epocii, este ușor de observat că rolul important al naturii moarte s-a manifestat în mod similar în literatură, teatru și sculptură. Lucrurile au început să „acționeze” și să „trăiască” în aceste lucrări - au fost arătate ca personaje principale, demonstrând cele mai bune și mai avantajoase aspecte ale obiectelor.

Obiectele de artă realizate de meșteri harnici și talentați poartă amprenta personală a gândurilor, dorințelor și înclinațiilor unei anumite persoane. pictura este cea mai bună teste psihologice ajută la urmărirea stării psiho-emoționale și la atingerea armoniei și integrității interne.

Lucrurile servesc cu fidelitate o persoană, preluând încântarea sa față de obiectele de zi cu zi și inspirându-i pe proprietari să dobândească noi lucruri mici, frumoase și elegante.

Renașterea flamandă

Oamenii nu au acceptat imediat pictura cu guașă și natura moartă ca gen. Istoria apariției, dezvoltării și implementării pe scară largă a diferitelor idei și principii servește ca o reamintire a dezvoltării constante a gândirii. Natura moartă a devenit faimoasă și la modă la mijlocul secolului al XVII-lea. Genul a început în Țările de Jos, în Flandra luminoasă și festivă, unde natura însăși invită la frumusețe și la distracție.

Pictura guașă și natura moartă au înflorit într-o perioadă de schimbări extraordinare, o schimbare completă a instituțiilor politice, sociale și religioase.

Curentul Flandrei

Direcția burgheză de dezvoltare din Flandra a devenit o noutate și un progres pentru întreaga Europă. Schimbari in viata politica a dus la inovații similare în cultură – orizonturile care s-au deschis artiștilor nu mai erau limitate de interdicții religioase și nu erau susținute de tradiții relevante.

Natura moartă a devenit nava amiral a unei noi arte care glorifica tot ce este natural, strălucitor și frumos. Canoanele stricte ale catolicismului nu au mai înfrânat zborul imaginației și curiozității pictorilor și, prin urmare, odată cu arta, știința și tehnologia au început să se dezvolte.

Lucrurile și obiectele obișnuite de zi cu zi, considerate anterior de bază și nedemne de menționat, s-au ridicat brusc la nivelul obiectelor de studiu atent. Pictura decorativă, natura moartă și peisajele au devenit o adevărată oglindă a vieții - rutina de zi cu zi, alimentație, cultură, idei despre frumusețe.

Proprietățile genului

De aici, dintr-un studiu conștient și aprofundat al lumii înconjurătoare, s-a dezvoltat un gen separat. pictura de uz casnic, peisaj, natură moartă.

Arta, care a dobândit anumite canoane în secolul al XVII-lea, a determinat principala calitate a genului. Un tablou dedicat lumii lucrurilor descrie proprietățile de bază inerente obiectelor care înconjoară o persoană, arată atitudinea maestrului și a contemporanului său ipotetic față de ceea ce este arătat, exprimă natura și completitudinea cunoașterii despre realitate. Artistul a transmis în mod necesar existența materială a lucrurilor, volumul, greutatea, texturile, culorile lor, scopul funcțional al obiectelor de uz casnic și legătura lor vitală cu activitatea umană.

Sarcini și probleme ale naturii moarte

Pictura decorativă, natura moartă și scenele de zi cu zi au absorbit noile tendințe ale epocii - o abatere de la canoane și, în același timp, menținând naturalismul conservator al imaginii.

Natura moartă a erei revoluționare în timpul victoriei complete a burgheziei reflectă respectul artistului pentru noile forme de viață națională a compatrioților săi, respectul pentru munca artizanilor obișnuiți, admirația pentru imagini frumoase frumuseţe.

Problemele și sarcinile genului în ansamblu, formulate în secolul al XVII-lea, nu au fost discutate în școlile europene decât la mijlocul secolului al XIX-lea. Între timp, artiștii și-au propus în mod constant sarcini noi și noi și nu au continuat să reproducă mecanic soluții compoziționale și scheme de culori gata făcute.

Pânze moderne

Fotografii cu naturi moarte pentru pictură, pregătite în studiouri moderne, demonstrează clar diferența dintre percepția lumii de către un contemporan și o persoană din Evul Mediu. Dinamica obiectelor de astăzi depășește toate limitele imaginabile, iar natura statică a obiectelor era norma pentru acea vreme. Combinațiile de culori ale secolului al XVII-lea se disting prin strălucirea și puritatea culorii. Nuanțele bogate se potrivesc armonios în compoziție și subliniază intențiile și ideile artistului. Absența oricăror canoane în cel mai bun mod posibil au influențat naturile moarte ale secolelor 20 și 21, lovind uneori imaginația cu urâțenia sau pestrița lor deliberată.

Metodele de rezolvare a problemelor naturii moarte se schimbă rapid la fiecare deceniu; metodele și tehnicile nu țin pasul cu imaginația maeștrilor recunoscuți și nu atât de recunoscuți.

Valoarea picturilor de astăzi constă în exprimarea realității prin ochii artiștilor contemporani; prin întruchiparea pe pânză, apar noi lumi care vor putea spune multe despre creatorii lor oamenilor viitorului.

Influența impresionistă

Următoarea piatră de hotar în istoria naturilor moarte a fost impresionismul. Întreaga evoluție a direcției s-a reflectat în compoziții prin culori, tehnică și înțelegere a spațiului. Ultimii romantici ai mileniului au transferat viața așa cum este pe pânză - mișcări rapide, strălucitoare și detalii expresive au devenit pietrele de temelie ale stilului.

Pictură, naturi moarte artiștii contemporani cu siguranță poartă amprenta inspirațiilor lor impresioniste prin culoare, metode și tehnici de reprezentare.

Abaterea de la canoanele standard ale clasicismului - trei planuri, o compoziție centrală și eroi istorici - a permis artiștilor să-și dezvolte propria percepție a culorii și luminii, precum și să demonstreze clar și clar zborul liber al emoțiilor către public.

Sarcinile principale ale impresioniștilor sunt de a schimba tehnica picturii și conținutul psihologic al tabloului. Și astăzi, chiar cunoscând situația acelei epoci, este greu de găsit răspunsul corect la întrebarea de ce peisajele impresioniste, la fel de vesele și ingenue ca poezia, au evocat respingere ascuțită și ridicol grosolan din partea criticilor pretențioși și a publicului luminat.

Pictura impresionistă nu s-a încadrat în cadrul general acceptat, așa că naturile moarte și peisajele au fost percepute ca ceva vulgar, nedemn de recunoscut alături de alte deșeuri ale artei înalte.

Expoziția de artă, care a devenit un fel de activitate misionară pentru artiștii celebri ai vremii, a putut ajunge la inimi și să demonstreze frumusețe și har.Imaginile obiectelor și obiectelor prin toate mijloacele disponibile au devenit obișnuite chiar și între zidurile unor instituții formidabile care profesau doar principii. arta clasica. Procesiunea triumfală a picturilor cu natură moartă nu s-a oprit de la sfârșitul secolului al XIX-lea, iar varietatea de genuri și tehnici de astăzi permite să nu se teamă de niciun experiment cu culoare, texturi și materiale.

Ce pictură ciudată este aceasta - o natură moartă: te face să admiri copia
acele lucruri ale căror originale nu le admiri.

„Arta fie s-a rupt în genuri separate, apoi le-a îmbinat împreună, formând un fel de aliaj atotcuprinzător și, în diferite perioade ale istoriei, a apărut acum un portret, acum un peisaj, acum o imagine istorică, acum o imagine a vieții de zi cu zi. Dar dacă s-a făcut un mare experiment pictural, dacă vorbirea a fost despre analiza lumii, despre descompunerea ei în componente - și despre sinteza acestor componente, atunci chiar înainte de a fi făcute concluziile finale și noile stabilite. sistemul și-a început marșul triumfal prin lume, a fost „testat de natura moartă.” „Natura moartă” a arătat capacitatea de a invada „viul” - și nu numai de a-l afișa, ci și de a-l explica. Cu toate acestea, înflorirea încă viața, interesul masiv față de ea din partea artiștilor și, cel mai important, capacitatea acestui gen de a generaliza în sine tot ceea ce arta cere în acest moment, făcând restul ca și cum ar fi inutil, a apărut numai atunci când în spatele jocului „înșelăciunii”. " a fost descoperit un secret de alt fel, ai cărui custodii erau lucruri. Contrar traducerii literale a numelui său, natura moartă s-a dovedit a fi cea mai viabilă dintre genuri în acest caz."

Ce este natura morte? fr. nature morte, la propriu - „natura moartă”, cu natura „natura, natură; naturalețe; esență, proprietate” și morte „moarte”; olandeză totuși, germană Stilleben, engleză natura moartă, la propriu - viață liniștită sau nemișcată, cu încă „nemișcat, calm; liniștit” (încă ca mormântul „tăcut ca un mormânt”) și viață „viață, existență” (această viață, viață naturală rel. „existență pământească” ); în pictura „natură” (un tablou luat din viață „poză din natură”).

(în principal pictura de șevalet), care este dedicat reprezentării lucrurilor plasate într-un singur mediu și organizate într-un grup.

Organizarea specială a motivului(așa-zisul punerea în scenă) - una dintre componentele principale sistem figurat gen de natură moartă.

Pe lângă obiectele neînsuflețite (de exemplu, obiectele de uz casnic), natura moartă înfățișează obiecte ale naturii vii, izolate de conexiunile lor naturale și astfel transformate într-un lucru - pește pe masă, flori într-un buchet etc.

Imaginea unor creaturi vii, în mișcare - insecte, păsări, animale, chiar și oameni - poate fi uneori inclusă într-o natură moartă, dar doar completând motivul său principal.

Față de alte genuri, în natura moartă crește semnificația obiectelor mici izolate din contextul vieții de zi cu zi.

Specificul genului determină atenția sporită a artistului (și a privitorului) față de structura și detaliile volumelor, textura suprafeței și problemele de imagine.

Goluri Natura moartă ca gen nu se limitează la exprimarea simbolismului, la soluționarea problemelor decorative sau la înregistrarea exactă din punct de vedere științific a lumii obiective, deși aceste sarcini au contribuit în mare măsură la formarea naturii moarte, iar imaginile acesteia sunt adesea distinse. prin bogăția de asocieri, decorativitatea strălucitoare și acuratețea iluzorie a transferului naturii.

Reprezentarea lucrurilor într-o natură moartă are o semnificație artistică independentă; un artist poate crea o imagine încăpătoare, cu mai multe straturi, într-o natură moartă care are implicații semantice complexe.

ÎN dezvoltare istorica natura moartă, în schimbarea ei diferite epoci Conținutul reflectă în mod specific condiționarea socială a artei în ansamblu.

În artele plastice natura moartă (din franceză natur morte - „natura moartă”) este de obicei numită imaginea obiectelor neînsuflețite combinate într-un singur grup compozițional.

O natură moartă poate avea atât sens independent, cât și poate fi o parte integrantă a compoziției unei picturi de gen.

O natură moartă exprimă atitudinea unei persoane față de lumea din jurul său. Ea dezvăluie înțelegerea frumuseții care este inerentă artistului ca om al timpului său.

Arta lucrurilor a fost mult timp, cu mult înainte de a deveni un domeniu independent al creativității artistice, o parte integrantă a oricărei lucrări semnificative.

Rolul naturii moarte într-un tablou nu s-a limitat niciodată la o simplă informație, o adăugare aleatorie la conținutul principal.

În funcție de condițiile istorice și de cerințele sociale, obiectele au participat mai mult sau mai puțin la crearea imaginii, evidențiind unul sau altul aspect al designului. Înainte ca natura moartă să devină un gen independent, lucrurile care înconjoară o persoană în viata de zi cu zi, doar într-o măsură sau alta au fost incluse ca atribut în picturile antichității. Uneori, un astfel de detaliu a căpătat o semnificație neașteptat de profundă și a dobândit propriul său sens.

Istoria naturii moarte ca gen.

Motive de natură moartă ca detalii ale compozițiilor, imagini decorative și simbolice ale lucrurilor se găsesc deja în antică artă orientală, veche și medievală. Elemente de natură moartă, în care se pot vedea prototipuri compoziționale și tematice ale tipurilor sale dezvoltate, sunt incluse în frescele și mozaicurile romane antice începând din secolul I. În legătură cu arta clasică orientală, în special chineză și japoneză, este dificil să vorbim despre natura moartă în sine: forma viziunii artistice și sistemul de genuri de aici erau semnificativ diferite de cele europene. Parțial comparabile cu genul naturii moarte sunt lucrările așa-numitului gen „flori și păsări”, precum și imaginile individuale ale fructelor (Tsui Bo, a doua jumătate a secolului al XI-lea, Mu-qi, secolului al XIII-lea - în China; Ogata Korin, a doua jumătate a secolului al XVII-lea - începutul secolului al XVIII-lea în Japonia).

Nașterea naturii moarte ca gen independent este asociată cu dezvoltarea generală arta europeana timpurile moderne, identificarea picturii de șevalet și formarea unui sistem extins de genuri. Deja în lucrările maeștrilor italieni și mai ales olandezi ai Renașterii, există o atenție fără precedent pentru lumea materială, un atașament față de frumusețea senzuală concretă a lucrurilor, ale căror imagini păstrează în același timp uneori sensul simbolic adesea inerent în reprezentarea obiectelor în arta medievală. Istoria naturii moarte ca gen de pictură de șevalet, și în special tipul său de „trompel” oeil („faux pas”), se deschide cu „Natura moartă” a artistului italian Jacopo de Barbari (1504), în care principalul se acorda atentie redarii iluzionistic-precise a obiectelor.Cu toate acestea, raspandirea genului natura moarta dateaza din a doua jumatate a secolului al XVI-lea - inceputul secolului al XVII-lea, lucru facilitat de inclinatiile stiintifice naturale caracteristice acestei epoci, interesul de artă în viața de zi cu zi și intimitate om, precum și însăși dezvoltarea metodelor de explorare artistică a lumii. În picturile olandezului Peter Aertsen și ale adepților săi, uneori chiar religioși ca subiect, mult spațiu este dedicat ilustrării bucătăriilor și magazinelor cu o grămadă de alimente și ustensile. Acuratețea botanică a reproducerii diferitelor flori, frumusețea și varietatea formelor și culorilor acestora ocupă catifea flamandă J. Bruegel nu mai puțin decât simbolismul lor. secolul al 17-lea - perioada de glorie a naturii moarte. Diversitatea tipurilor și formelor sale în acest moment este asociată cu dezvoltarea școlilor naționale de pictură. Formarea naturii moarte italiene este determinată în mare măsură de reformele lui Caravaggio, care i-au determinat pe artiști să apeleze la motive simple, „scăzute” și au determinat trăsăturile stilistice ale picturii pictorilor italieni de naturi moarte. Temele preferate ale maeștrilor italianului N. (P. P. Bonzi, M. Campidoglio, G. Recco, G. B. Ruoppolo, E. Baskenis etc.) - flori, legume și fructe, fructe de mare, ustensile de bucătărie, instrumente muzicale și cărți. În general, natura moartă italiană se caracterizează printr-o varietate ritmică de compoziții, bogăție și strălucire a culorilor și expresivitate plastică în transmiterea lumii obiective. Tradițiile caravaggismului sunt palpabile și în natura moartă spaniolă, cu dragostea pentru plasticitatea rafinată a formei, relevată de contrastele clarobscurului. Imagini cu lucruri (adesea obișnuite) într-o natură moartă spaniolă. se deosebesc prin severitate sublimă și semnificație deosebită, parcă detașarea de viața cotidiană (J. Sanchez Cotan, F. Zurbaran, A. Pereda etc.). Interesul pentru natura cotidiană a lucrurilor, intimitate și, adesea, imaginile democratice s-au manifestat în mod clar în natura moartă olandeză.

Se caracterizează prin atenția la dezvoltarea pitorească a mediului luminos, la varietatea texturilor diferitelor materiale, subtilitatea relațiilor tonale și a structurii de culoare - de la colorarea extraordinar de modestă a „micului dejun monocrom” a lui V. Heda și P. Klas la compozițiile intens contrastante, eficiente din punct de vedere coloristic ale lui V. Kalfa ("Desert"). natură moartă olandeză se distinge prin abundența maeștrilor care au lucrat în acest gen și varietatea de tipuri: pe lângă „mic dejun” și „deserturi”, „pește” (A. Beyeren), „flori și fructe” (J. D. de Heem), „ucis” joc” (J. Venicke, M. Hondekoeter), natură moartă alegoric „vanitas” („deșertăciunea vanităților”) etc. Versiunea olandeză a termenului „Natura moartă” - „stilleven” (sensul original era „model staționar” ") - a apărut abia la sfârșitul secolului al XVII-lea, unind toate aceste soiuri. Natura moartă flamandă (în principal „piețe”, „magazine”, „flori și fructe”) se distinge prin amploarea compozițiilor sale: sunt multicomponente, maiestuoase și dinamice; acestea sunt imnuri către fertilitate și abundență (F. Snyders, J. Veit). În secolul al XVII-lea S-a dezvoltat și natura moartă germană (G. Flegel, K. Paudis) și franceză (L. Vozhen). De la sfârşitul secolului al XVII-lea. tendințele decorative ale artei curții au triumfat în natura moartă franceză. Alături de natura moartă a florilor (J.B. Monnoyer și școala lui), vânătoarea N. (A.F. Deporte și J.B. Oudry), exemple de natură moartă cotidiană apar doar ocazional. Dar în secolul al XVIII-lea. În Franța, unul dintre cei mai importanți maeștri ai naturii moarte - J. B. S. Chardin, ale cărui lucrări se remarcă prin profunzimea lor deosebită a conținutului, libertatea de compoziție și bogăția soluțiilor de culoare. Imaginile sale despre lumea lucrurilor cotidiene sunt democratice în esență, intime și umane, parcă încălzite de poezia vatrăi. La mijlocul secolului al XVIII-lea. a apărut termenul „nature morte”, care reflecta atitudinea disprețuitoare față de natura moartă din partea cercurilor academice, care prefera genurile a căror zonă era „natura vie” ( genul istoric, portret etc.). Dar arta avansată a distrus ierarhia academică a genurilor, ceea ce a împiedicat dezvoltarea naturii moarte. Clișeele compoziționale ale naturii moarte au fost eliminate, iar modelele acestei forme de pictură au fost reevaluate. În secolul 19 soarta naturii moarte este determinată de maeștri de frunte ai picturii, care lucrează în multe genuri și implică natura moartă în lupta dintre estetic și idei artistice(F. Goya în Spania, E. Delacroix, G. Courbet, E. Manet și impresioniștii din Franța, care s-au orientat ocazional către natura moartă). În același timp, secolul al XIX-lea. Multă vreme nu am scos în evidență mari maeștri specializați în acest gen în natura moartă. Pe fundalul unui salon de rutină natură moartă din a doua jumătate a secolului al XIX-lea. În general, se evidențiază lucrările tradiționale ale francezului A. Fantin-Latour și americanului W. Harnett, care au reînviat în mod unic tipul „trompel” oeil. Ascensiunea naturii moarte este asociată cu performanța maeștrilor post- impresionism, pentru care lumea lucrurilor a devenit una dintre temele principale.La sfârşitul secolului al XIX-lea .posibilităţile expresive ale naturii moarte până la expresia acută dramatică a poziţiei sociale şi morale a artistului sunt întruchipate în opera olandezului. W. van Gogh.Perfecțiunea plastică a picturii, fidelă atât naturii, cât și idealurilor înalte ale tabloului, este reînviată în natura moartă de francezul P. Cezanne.Acest gen devine fundamental pentru conceptul său creativ care a avut o mare influență asupra dezvoltarea naturii moarte (ca și a picturii în general) în arta secolului 20. De la începutul secolului 20 natura moartă a fost un fel de laborator de creație al picturii.În Franța, maeștrii fauvismului (A Matisse și alții) urmează calea identificării agravate a capacităților emoționale și decorativ-expresive ale culorii și texturii, iar reprezentanții cubismului (J. Braque, P. Picasso, H. Gris etc.), folosindu-se de capacitățile analitice inerente specificul naturii moarte, se străduiește să stabilească noi moduri de transmitere a spațiului și a formei. Problemele (sau motivele) naturii moarte atrag și maeștri ai mișcărilor ulterioare - de la artiști care, în diferite grade, îmbină o orientare către moștenirea clasică cu noi descoperiri în pictură (Picasso în Franța, A. Kanoldt în Germania, G. Morandi). în Italia), reprezentanților suprarealismului și „artului pop”, ale căror lucrări depășesc, în general, genul de prostii stabilit istoric. Tradițiile realiste ale nonsensului (adesea cu o tendință socială accentuată) în secolul al XX-lea. reprezentată de lucrările lui D. Rivera și D. Siqueiros în Mexic, R. Guttuso în Italia.

Natura moartă a apărut în arta rusă în secolul al XVIII-lea. împreună cu stabilirea picturii seculare, care reflectă patosul cognitiv al epocii și dorința de a transmite cu adevărat și exact lumea obiectivă („trucurile” lui G. N. Teplov, P. G. Bogomolov, T. Ulyanov etc.). Dezvoltarea ulterioară a naturii moarte rusești este episodică. A avut loc o ușoară creștere în prima jumătate a secolului al XIX-lea. (F. P. Tolstoi, școala lui A. G. Venetsianov, I. T. Hrutsky) este asociat cu dorința de a vedea frumusețea în mic și obișnuit. În a 2-a jumătate a secolului al XIX-lea. I. N. Kramskoy, I. E. Repin, V. I. Surikov, V. D. Polenov, I. I. Levitan apelează doar ocazional la natura moartă de natură schiță; poziție similară a unei naturi moarte în sistem artistic Wanderers au urmat din ideea lor despre rolul dominant al intrigii și al tabloului tematic. Semnificația independentă a schiței naturii moarte crește la începutul secolelor XIX și XX. (M. A. Vrubel, V. E. Borisov-Musatov). Perioada de glorie a naturii moarte rusești a avut loc la începutul secolului al XX-lea. La a lui cele mai bune exemple includ: impresioniste în origini, dar diferit îmbogățite cu noi tendințe artistice, lucrările lui K. A. Korovin, I. E. Grabar, M. F. Larionov; jucând subtil natura istorică și cotidiană a lucrurilor, lucrările artiștilor din „Lumea artei” (A. Ya. Golovin și alții): imagini romantice, ridicate și puternic decorative ale lui P. V. Kuznetsov, N. N. Sapunov, S. Yu Sudeikin, M. S. Saryan și alți pictori ai cercului Blue Rose; strălucitori, plastici N. maeștri ai „Jack of Diamonds” (P. P. Konchalovsky, I. I. Mashkov, A. V. Kuprin, V. V. Rozhdestvensky, A. V. Lentulov, R. R. Falk, N. S. . Goncharova) cu cultul lor al unității culorii și formei și al patosului însuși procesul de interpretare a naturii[...] 2.

În secolele XVII-XVIII. V Europa de Nord natura moartă ocupată loc important. Spațiul casei era organizat în jurul lui, ei l-au „rezolvat”, „s-au jucat” cu el. Natura moartă a luat parte activ în partea rafinată a culturii cotidiene a barocului, rococo și clasicismului. Și numai odată cu trecerea „vârstei galante” rolul naturii moarte în viața de zi cu zi devine din ce în ce mai ornamental și decorativ.

În legătură cu pictura, numeroase cărți de embleme au jucat un fel de rol de dicționar, din care simbolurile erau extrase din belșug. Astfel, după arta emblematică, apare arta de a înfățișa lucruri simple, cotidiene, înzestrate cu un alt sens, sublim. Arta naturii moartă apare. Cel mai extrem realism de aici este combinat în mod natural cu cea mai extremă alegorie, alegoria. Și cu cât obiectele sunt reprezentate mai realist, cu atât misterul lor semantic este mai interesant pentru privitor. Uneori puteți auzi păreri despre orice „murdar” pe care maeștrii olandezi de natură moartă din secolele XVII-XVIII le „trăgeau” în picturile lor. Dar asta nu este deloc „gunoi”. Viziunea simbolică a obiectelor de zi cu zi, deloc adunate la întâmplare împreună, ne face să vorbim despre cultură înaltăînțelegerea vieții din Țările de Jos, sfâșiate de disputele religioase și ideologice.

În secolul al XVII-lea existau mulți pictori de natură moartă în Țările de Jos. Dar, dacă chiar la începutul secolului picturi de olandezi și Maeștri flamand aveau trăsături mai comune, apoi până la sfârșitul secolului originalitatea lor a început să iasă la iveală. Lucrările artiștilor olandezi sunt mai restrânse, echilibrate în culori și arată o atenție deosebită la detalii, la fiecare lucru individual. Lucrările flamande sunt mai dinamice, luminoase, iar obiectele din ele formează o compoziție complexă. Și aceasta nu este deloc „natura moartă”, ci o viață clocotită.

În Țările de Jos au apărut și diverse centre de pictură cu natură moartă. În afaceri, burghezul Haarlem, s-au născut „mic dejunuri”, în aristocratul Utrecht, care a fost de multă vreme renumit pentru cultivarea florilor, - buchete de flori, în portul Haga - compoziții abundente de pește, în Leiden (un oraș universitar) - „științific ” naturi moarte (așa-numitele „Vanitas”, dedicate fragilității vieții).

Pe acestea poze ciudate obiectele îndepărtate din spațiul real înconjurător și-au format propria lume neobișnuită și puternic simbolizată. Și în acea lume nu există obiecte aleatorii. În a doua jumătate a secolului al XVI-lea, la Praga, la curtea împăratului Rudolf al II-lea, care iubea cu pasiune arta, a luat naștere o societate numită „cercul Rudolfin”. Ea a inclus oameni de știință și astrologi, alchimiști, artiști și poeți. Cel mai înalt obiectiv aici a fost considerat a fi cunoașterea Universului, a legilor sale de bază și a legăturilor eterne dintre lume și om. Foarte curând această societate devine centrul unei noi mișcări artistice - „Manerismul”. Pentru „rudolfinieni” nu există obiecte sau fenomene „nesemnificative”. Mișcarea planetelor, zborul unei păsări, mișcarea bacteriilor la microscop (deschis doar la acel moment) și creșterea ierbii simple de câmp sunt importante. Și artistul este cel care trebuie să îmbine toate acestea într-o singură armonie pe pânza sa.

Dar, deoarece obiectul în sine, forma și trăsăturile sale conțin sensul său, atunci este necesar să transmiteți obiectul pe pânză cu mare grijă. Așa intră în mod natural „înșelătoria” în pictură - o imagine veridică a unui obiect până la iluzie (de obicei o insectă sau picături de apă), care până la sfârșitul secolului al XVIII-lea degenerase într-o simplă șmecherie.

În același timp, chiar și imaginea exactă a obiectului nu era deloc lizibilă. Dimpotrivă, lucrurile, deconectate în mod deliberat de împrejurimile lor obișnuite, au arătat un sens complet diferit și adesea opus. De exemplu, naturile moarte cu ustensile prețioase și feluri de mâncare rafinate, pe care contemporanii le-au catalogat drept „luxoase”, erau mai des „citite” de ei ca un îndemn la renunțarea la excese.

Dacă comparăm arta simbolică a naturii moartă, plină de semnificații capricioase, cu literatura, atunci dintre toate genuri literare Poate că poezia lirică este cea mai potrivită. Nu fără motiv poezia este deja asociată cu emblematice. Și nu fără motiv, în paralel cu înflorirea naturii moarte, poezia lirică își cunoaște ascensiunea în Țările de Jos din secolul al XVII-lea (acest lucru este evident mai ales când comparăm natura moartă cu așa-numita „poezie pentru ocazie, ” care a descris în detaliu piese mici viata de zi cu zi). Și la fel cum este imposibil să descrii un poem liric complet rațional, tot așa nu există unul mai mult sau mai puțin descriere detaliata simbolismul unei naturi moarte specifice. Privitorul este invitat să se joace - pe baza proprietăților reale ale obiectului, să ghicească semnificația sa simbolică în compoziția compilată de artist.

Uneori, însă, artistul a ajutat privitorul. Astfel, în tabloul lui Artsen „The Butcher Shop” (1551), primul plan arată o masă încărcată cu diverse tipuri de carne, pește și cârnați. Pe fundal, chiar în adâncuri, există o scenă de fuga în Egipt - fuga din toată această bogăție, care aduce moartea inevitabilă.

Adesea, artistul a inclus direct text în pictură. Acest lucru s-a făcut cu siguranță în învățatele naturi moarte din Leiden „Vanitas” (în latină: „gol, inutilitate, inutilitate, falsitate, lipsă de sens”). Citatele din Biblie sau din autori antici au devenit comune aici, dedicat subiectului„deșertăciunea deșertăciunilor”: „Orice făptură este iarbă și toată frumusețea ei este ca floarea câmpului” (din Cartea Profetului Isaia), „Zilele omului sunt ca iarba, ca floarea câmpului, așa înflorește” (din Psaltire), „Cel ce a trecut pe lângă trandafiri, nu o mai căuta” (din Horațiu). Textul a fost plasat fie într-un cartuș frumos, fie a fost scris cu grijă pe o foaie de hârtie ponosită (antichitatea a devenit sinonimă cu autenticitatea), fie așezat pe pagina deschisă a unui volum antic, fie a fost titlul unei cărți aparent aruncate accidental. .

Și fiecare obiect din imagine corespunde apoi textului: un trandafir, flori sălbatice, insecte sunt un simbol tradițional al unei scurte existențe umane, iar fluturii și libelurile sunt un simbol al mântuirii sufletului. Treptat, pentru astfel de naturi moarte au fost selectate obiecte deosebit de semnificative. Clepsidra amintea de trecătoarea vieții, buchete de flori - de decolorare și trecăre, lămpi fumegătoare, țevi - de scurtă durată și regalii regale - de toate bogățiile pe care nu le poți lua cu tine într-o altă viață. Deosebit de proeminent a fost craniul uman - un simbol viu al fragilității, paharele de sticlă goale (sau pe jumătate beate), care semnifică fragilitatea existenței umane și ciotul unei lumânări - un simbol al vieții stinse.

Adesea, în naturile moarte ale „Vanitas” există împrăștieri „aleatorie” de cărți vechi (de o epocă trecută), instrumente de măsură (nu mai sunt necesare), flaute și viori („sunetul lor este atât de frumos și trecător”). În naturile moarte franceze, personajele apar suflând bule de săpun - viața umană este asemănată cu cele mai subțiri și mai infidele bule. Și în Anglia, după 1649, portretele executatului Carol I Stuart au apărut în multe „Vanitas” - moartea acestui rege nu a făcut decât să confirme ideea fragilității fericirii pământești și a precarității puterii pământești.

Foarte des, florile și ierburile servesc ca simbol al mortalității. Mai ales dacă florile și ierburile sunt sălbatice. Așezate pe fundalul unei ferestre goale, ele subliniază și mai mult lipsa de speranță. Uneori, frunzele de flori sunt mâncate de insecte, iar cochilii goale sau nuci sunt împrăștiate în apropiere.

De fapt, naturile moarte cu flori erau împărțite în „ghirlande” și „buchete”. „Girlandele” sunt deosebit de greu de înțeles. Maeștri celebri au scris în genul „ghirlandelor” - J. Bruegel Velvetny, D. Segers, J.D. de Hem. Călugărul Ordinului Iezuit, părintele D. Seghers, a câștigat o faimă deosebită în acest domeniu. În semn de admirație pentru priceperea sa, capete europene încoronate i-au oferit cadouri scumpe - o cruce de aur cu figuri alegorice din email, oase de aur și o paletă de aur etc. Poeții au dedicat poezii florilor pe care le-a pictat.

Ghirlanda înfășurată în jurul imaginii centrale (și putea fi foarte diferită, cel mai adesea era un portret realizat de alți maeștri) semăna cu celebrul simbol al Eternității - un șarpe împletit în jurul unui ceas înaripat. De aceea astfel de compoziții aveau o semnificație glorificatoare. Crinii albi și spicele de pâine au fost țesute în ghirlanda însăși, asociate tradițional cu Hristos sau Maria și vorbind despre puritatea celui care este glorificat. În plus, multe lucruri aici simbolizau anotimpurile: florile - primăvara, spicele de porumb și fructele - vara, strugurii și legumele - toamna, lămâile - iarna („totul se schimbă, doar memoria bună rămâne neschimbată”).

Limbajul florilor, împrumutat de Renaștere din simbolismul medieval, era de înțeles pentru aproape orice aristocrat educat în secolul al XVII-lea. Și, prin urmare, ghirlandele au fost ușor „citite” de către public. Ghioceii, portocalele, trandafirii și irisii erau închinați Maicii Domnului; apelul ei la Hristos era simbolizat de lalele; o ramură de ciulin - patima lui Hristos; triumful iubirii cerești era adesea exprimat de narcisist.

Ghirlandele nu sunt doar înfășurate în jurul portretelor. Adesea acestea sunt un ceas, o ceașcă euharistică, pahare de vin și chiar un cartuș cu text. Uneori, o coroană mică este plasată direct în pahar. Această compoziție se întoarce la una dintre emblemele celebre: un pahar cu un vas larg umplut cu vin, în care plutește o coroană de flori. Inscripția scria: „De ce nu te gândești la soarta muritorilor?” Astfel, ghirlanda solemnă, în sensul său, este legată de „Vanitas”.

Naturile moarte sub formă de buchete (în vază, ulcior sau pur și simplu pe masă) erau de obicei compuse din trei tipuri. Și accentul principal din imagine a căzut pe diverse obiecte. Într-o compoziție radială (tulpinile florilor care se învârtesc dintr-un punct), imaginea principală este floarea plasată în punctul în care tulpinile converg. Compozițiile de al doilea tip, ca un covor, umplu întreg spațiul pânzei. Apoi se construiește o ierarhie verticală a culorilor și a semnificațiilor acestora. A treia varietate este încorporată compozițional în figura unui triunghi. Aici cea mai semnificativă floare servește ca axă centrală, iar florile rămase sunt grupate simetric în jurul ei. Cu toate acestea, simetria strictă este în curând ruptă, iar cea dezvoltată de Ya.D. devine favorită. de Hem buchet în formă de S cu bucle grațioase, anticipând stilul rococo.

Există chiar și o schemă iconografică unică, cu o împărțire clară în zone spațiale. Mai jos, lângă vază, sunt de obicei semne de fragilitate - flori sparte sau ofilite, petale prăbușite, cochilii goale, omizi, muște; în centru - simboluri de modestie și puritate (moderație medie), înconjurate de flori luxuriante de scurtă durată (crinii, violete, nu-mă-uita, ciclami înconjurat de trandafiri, garoafe, anemone etc.); Compoziția este încununată cu o floare mare, care are adesea un sens pozitiv, un fel de coroană a virtuții (și chiar înconjurată de fluturi și libelule). Vaza în sine a fost asemănată cu un vas fragil, dar ar putea avea și o interpretare a corpului ca un „vas al urâciunii și al păcatului”.

Numeroase vase de sticlă, cristal și lut, cu și fără flori, au fost percepute ca ceva fragil, infidel, gata să se spargă. Vasele scumpe nu fac decât să sublinieze acest sentiment, purtând o semnificație suplimentară a inutilității bogăției. Conținutul vaselor a fost interpretat diferit. Apa este tema botezului, purificarea, vinul este tema comuniunii. Cu toate acestea, vinul, în special vinul neterminat, ar putea simboliza atât o viață netraită pe deplin, cât și rămășița unui lux inutil.

Aproape întotdeauna, naturile moarte florale erau completate de obiecte împrăștiate pe masă. Cel mai adesea, acestea sunt cochilii goale - un semn al plăcerilor carnale goale. Fructul unei lămâi, care este frumos pe dinafară, dar acru pe dinăuntru. Oul este un semn tradițional al Învierii. Fructul izbucnit al unei rodii este un simbol al fertilităţii, al lui Hristos şi al sacrificiului său ispăşitor. Căpșunile sunt un semn al plăcerii și ispitei lumești. Și toate acestea împreună (flori, vase, obiecte) au servit unei singure idei.

La mijlocul secolului al XVII-lea au devenit deosebit de răspândite naturile moarte cu imagini de reptile și amfibieni. Prezența lor în natura moartă îi respinge sensul de „natura moartă”. Mai degrabă, numele său olandez se potrivește aici - „stilleven” („viață liniștită, nemișcată”).

Cel mai adesea erau formați din pictori italieni. Dar olandezii au și șopârle și șerpi care se târăsc în iarba aspră. Aceasta nu este deloc predilecția pictorului pentru reptile. Doar că șarpele a fost mult timp un simbol al înșelăciunii și al răului, iar iarba - existența umană fragilă. Adesea, fructele de pădure atractive erau așezate în iarbă - „plăcerea este plină de rău”. De asemenea, șoarecii, broaștele și aricii erau considerați animale diavolești și erau adesea reprezentați în locul șerpilor. O temă animalistică preferată a fost imaginea unui șarpe care apucă un fluture. Astfel, răul mistuie orice speranță de mântuire.

Majoritatea reprezentanților faunei naturii moarte sunt insecte. Important aici are o idee tradițională a trei etape ale existenței (existența pământească, moartea, viata de apoi suflete). Cea mai frapantă întruchipare a acestor idei în naturile moarte a fost imaginea unei omizi, pupă și fluture. Astfel, imaginea unui fluture gata să fluture din coajă a fost în mod clar „citită” ca „un suflet care părăsește un corp muritor”. Aceeași antinomie a vieții și a morții a fost înfățișată de un fluture lângă o omidă sau un melc. O muscă sau un păianjen era considerat un simbol al răului, al morții, al păcatului și al zgârceniei. Prin urmare, o muscă așezată pe un măr sau pe piersică este asociată în mod tradițional cu tema Căderii.

Dintre animalele mai mari, veverița, de exemplu, simbolizează munca grea, fără de care binecuvântările pământești sunt imposibile. Dar uneori, ea ar putea reprezenta și frivolitatea. Iepurele este o „comemorare a auzului, a sensibilității, a abundenței, a timidității, a timidității, a fricii”. Racii sau homarii sunt vicisitudinile lumii, dar și înțelepciunea, prudența și încetineala. O imagine a unui papagal este adesea găsită. Contrar credinței populare, în Evul Mediu această pasăre era asemănată cu drepții și simboliza elocvența, recunoștința sau reprezenta un credincios. Maimuța era percepută ca un animal care imita acțiunile omului și simboliza diverse vicii, păcătosul și chiar diavolul însuși. Ea, legată sau înlănțuită, este o dependență de vicii și treburile lumești. Dacă maimuța se uita în oglindă, era percepută ca o imagine a vanității.

Adesea, o pisică intră în lumea naturii moarte. In spate trăsături pozitive Acest animal - agilitate și dorință de libertate - a fost adesea dedicat Maicii Domnului (mai ales cu o dungă în formă de cruce pe spate). Dar, de obicei, acest animal a fost asociat cu forțele întunecate și magie. Deja în Evul Mediu, pisica simbolizează diavolul, iar șoarecele simbolizează sufletul, expus constant pericolului. În vremurile moderne, o pisică, în special una care ridicase o bucată mare de carne cu ghearele sale, era o reamintire constantă a plăcerilor carnale. De aceea sunt atât de caracteristici (în special pentru Snyders și școala lui) imagini cu pisici, tulburat la vederea unei mese îngrămădite cu pește și vânat. Un câine, dimpotrivă, este ca opusul unei pisici - un păzitor fidel care încearcă să alunge animalul hoț de la masa abundentă.

Numeroase obiecte din aur și argint (vaze, cupe, obiecte decorative), precum și simboluri ale puterii (coroane regale, sceptre), aparțin, fără îndoială, cercului morții în naturile moarte. Admirația sinceră a artistului pentru raritățile rafinate este perfect combinată cu moralizarea. Uneori, mai ales în naturile moarte de mai târziu, micile sculpturi intră și în câmpul vizual al pictorului. Acesta este, fără îndoială, un domeniu al personajelor mitologice. Satirul aplecat sub greutatea ceasului este timpul, cucerind principiul diavolesc, trupesc, din om; Mercur își scoate pantofii - calm din grijile pământești deșarte etc. 3.

Ca tip sau gen specific de pictură, natura moartă își cunoaște ascensiunea și căderea în istoria artei.

Arta aspră, intens ascetică a Bizanțului, creând imagini nemuritoare, monumental generalizate, sublim eroice, a folosit imagini ale obiectelor individuale cu o expresivitate extraordinară.

În pictura antică a icoanelor rusești, un rol important l-au jucat și acele puține obiecte pe care artistul le-a introdus în lucrările sale strict canonice. Au adus spontaneitate, vitalitate și uneori păreau o expresie deschisă a sentimentului într-o lucrare dedicată unui complot mitologic abstract.

Natura moartă a jucat un rol și mai mare în picturile artiștilor din secolele al XV-lea - al XVI-lea în timpul Renașterii. Pictorul, care a acordat pentru prima dată o atenție deosebită lumii din jurul său, a căutat să indice locul și să determine valoarea fiecărui lucru care servește omului. Obiectele de uz casnic au căpătat noblețea și semnificația mândră a proprietarului lor, cel pe care îl slujeau. Pe pânzele mari, natura moartă ocupa de obicei un loc foarte modest: un vas de sticlă cu apă, o vază elegantă de argint sau crini albi delicati pe tulpini subțiri înghesuite adesea în colțul tabloului. Cu toate acestea, în descrierea acestor lucruri a existat atât de multă dragoste poetică pentru natură, sensul lor a fost atât de spiritualizat încât aici puteți vedea deja toate trăsăturile care au determinat ulterior dezvoltarea independentă a întregului gen.

Obiectele și elementele materiale au primit un nou sens în picturi în secolul al XVII-lea - în epoca genului dezvoltat de natură moartă. În compoziții complexe cu un complot literar, ei și-au luat locul împreună cu alți eroi ai operei. Analizând lucrările acestei epoci, se poate observa ce rol important a început să joace natura moartă în pictură. Lucrurile au început să apară în aceste lucrări ca principale personaje, arătând ce poate realiza un artist dedicându-și priceperea acestui tip de artă.

Obiectele realizate de mâini pricepute, muncitoare și înțelepte poartă amprenta gândurilor, dorințelor și înclinațiilor unei persoane. Îl servesc, îl încântă și îl inspiră un sentiment legitim de mândrie. Nu degeaba aflăm despre epoci care au dispărut de mult de pe fața pământului din acele cioburi de vase, ustensile de uz casnic și obiecte rituale care devin pagini împrăștiate ale istoriei omenirii pentru arheologi.

Privind în lumea, pătrunzându-și legile cu o minte iscoditoare, dezvăluind misterele fascinante ale vieții, artistul o reflectă mai deplin și mai cuprinzător în arta sa. El nu numai că înfățișează lumea din jurul său, dar își transmite și înțelegerea, atitudinea față de realitate.

Istoria formării și dezvoltării diferitelor genuri de pictură este o dovadă vie a muncii neobosite a conștiinței umane, străduindu-se să îmbrățișeze varietatea nesfârșită de activități și să le înțeleagă din punct de vedere estetic.

Natura moartă este un gen relativ tânăr. A căpătat o semnificație independentă în Europa abia în secolul al XVII-lea. Istoria dezvoltării naturii moarte este interesantă și instructivă.

Natura moartă a înflorit mai ales pe deplin și luminos în Flandra și Țările de Jos. Apariția sa este legată de acele evenimente istorice revoluționare, în urma cărora aceste țări, dobândind independența, au intrat pe calea dezvoltării burgheze la începutul secolului al XVII-lea. Pentru Europa de la acea vreme, acesta era un fenomen important și progresiv. Noi orizonturi s-au deschis pentru artă. Condiții istorice, noi relații publice solicitări creative dirijate și determinate, schimbări în rezolvarea problemelor cu care se confruntă pictorul. Fără a descrie direct evenimente istorice, artiștii au aruncat o nouă privire asupra lumii, au găsit noi valori în om. Viața, viața de zi cu zi, le-a apărut în fața lor cu o semnificație și o completitudine necunoscute până acum. Au fost atrași de trăsături viata nationala, natură nativă, lucruri care poartă amprenta lucrărilor și zilelor oamenilor de rând. De aici, dintr-un interes conștient și profund pentru viața oamenilor, determinat de însuși sistem, au apărut genuri separate și independente de pictură cotidiană, peisaj și natură moartă.

Arta naturii moarte, care s-a dezvoltat în secolul al XVII-lea, a determinat principalele calități ale acestui gen. Pictura, dedicată lumii lucrurilor, a vorbit despre proprietățile de bază inerente obiectelor din jurul unei persoane, a dezvăluit atitudinea artistului și a contemporanului său față de ceea ce este reprezentat și a exprimat natura și completitudinea cunoașterii realității. Pictorul a transmis existența materială a lucrurilor, volumul, greutatea, textura, culoarea, valoarea funcțională a obiectelor de uz casnic, legătura lor vie cu activitatea umană.

Frumusețea și perfecțiunea ustensilelor de uz casnic au fost determinate nu numai de necesitatea lor, ci și de priceperea creatorului lor. Natura moartă a erei revoluționare a burgheziei învingătoare reflecta respectul artistului pentru noile forme de viață națională a compatrioților săi și respectul pentru muncă.

Formulat în secolul al XVII-lea, sarcinile genului în schiță generală a existat în școala europeană până la mijlocul secolului al XIX-lea. Totuși, asta nu înseamnă că artiștii nu și-au propus noi sarcini, repetând mecanic soluții gata făcute.

De-a lungul epocilor, nu numai metodele și metodele de a picta o natură moartă s-au schimbat, dar s-a acumulat experiența artistică, iar în procesul de formare s-a dezvoltat o viziune mai complexă și constant îmbogățită asupra lumii. Nu un obiect ca atare, ci diferitele sale proprietăți au devenit obiectul reîncarnării și, prin dezvăluirea calităților nou înțelese ale lucrurilor, a fost exprimată propria atitudine modernă față de realitate, o reevaluare a valorilor, o măsură a înțelegerii realității.

Natura moartă renascentist

La sfârșitul Renașterii în nordul Europei, natura moartă s-a transformat dintr-un gen decorativ în afirmație filozoficăîn culori

secolele XVI-XVIII - epocă de aurîn istoria naturii moarte europene. În acei ani au existat două școli principale de artă, care s-a specializat în înfățișarea florilor, fructelor și obiectelor - flamand și olandez, - după care s-au ghidat maeștrii din alte țări. În ciuda faptului că Flandra (Belgia) și Olanda erau state vecine, pictorii lor au investit sens diferitîn afișarea „naturii moarte” (cum era numită natura moartă în Flandra) sau „ viata linistita„(așa îi spuneau ei în Țările de Jos).

obiectivul principal maeștri olandezi- exprimă ideea de „deșertăciune a deșertăciunii”, fragilitatea tuturor lucrurilor, apropierea morții. Aceste subiecte i-au îngrijorat cel mai mult pe teologii protestanți. De aceea, în naturile moarte ale artiștilor olandezi vedem adesea un craniu, o lumânare stinsă și un ceas oprit. Toate acestea sunt încadrate de maci - simboluri somn etern, narcise - simboluri ale efemerității vieții, violetele - simboluri ale fragilității frumuseții etc.

În Flandra totul era invers. Spre deosebire de Țările de Jos protestante, Belgia trecea printr-o renaștere catolică, iar sarcina demnă de un artist nu era negarea, ci afirmarea și glorificarea creației divine. După cum a spus misticul german Paracelsus: „În cuvinte, plante și pietre, Dumnezeu este peste tot.” Prin urmare, natura moartă flamandă este o sărbătoare a vieții, un triumf al naturii perfecte. Frans Snyders, un coleg și tovarăș cu Rubens, este considerat un virtuoz al acestui gen. În 1618–1621, el a pictat patru pânze sub titlul general „Magazine”: „Magazin de pește”, „Magazin de vânat” (păsări ucise), „Magazin de legume” și „Fructerie”, care acum sunt păstrate în Schit. Potrivit Olga Prokhorova, un angajat al muzeului, candidat la istoria artei, aceasta este o enciclopedie a naturii moarte flamande cu principalele sale teme alegorice - „Anotimpuri”, „Cinci simțuri” (gust, auz, miros, atingere, viziune) și „Patru Elemente” (aer, apă, foc, pământ). „Magazinul de fructe” este cel mai bogat în simboluri. „În jurul lumii” le descifrează.

Fotografie natură moartă

Natura moartă, gen de artă plastică

Natura moartă (franceză nature morte, italiană natura morta, literalmente - natură moartă; olandeză stilleven, germană Stilleben, engleză still life, literalmente - viață liniștită sau nemișcată), un gen de artă plastică (în principal pictură de șevalet), care este dedicat reprezentării a lucrurilor care înconjoară o persoană, plasate, de regulă, într-un mediu real de zi cu zi și organizate compozițional într-un singur grup. Organizarea specială a motivului (așa-numita punere în scenă) este una dintre componentele principale ale sistemului figurativ al genului natură moartă.

Pe lângă obiectele neînsuflețite (de exemplu, obiectele de uz casnic), natura moartă înfățișează obiecte ale naturii vii, izolate de conexiunile naturale și astfel transformate într-un lucru - pește pe masă, flori într-un buchet etc. Completând motivul principal, natura moartă poate include imagini cu oameni, animale, păsări, insecte. Reprezentarea lucrurilor într-o natură moartă are o semnificație artistică independentă, deși în procesul de dezvoltare a servit adesea la exprimarea conținutului simbolic, la rezolvarea problemelor decorative sau la surprinderea cu precizie a lumii obiective din istoria naturală etc. În același timp, un alambic viața poate caracteriza nu numai lucrurile în sine, ci și statut social, conținutul și stilul de viață al proprietarului lor, dau naștere a numeroase asociații și analogii sociale.

Natura morta (fresca de la Pompei). 63-79, Napoli. Galeria Națională din Capodimonte

Măști de teatru. secolul II Mozaic al vilei lui Hadrian de la TIVOLI. Păstrată la Muzeul Capitolin din Roma.

Motive de natură moartă ca detalii ale compozițiilor se găsesc deja în arta Orientului antic și în antichitate; unele fenomene din arta medievală sunt parțial comparabile cu natura moartă. Orientul îndepărtat(de exemplu, așa-numitul gen „flori-păsări”), dar nașterea naturii moarte ca gen independent are loc în timpurile moderne, când în lucrările maeștrilor italieni și mai ales olandezi ai Renașterii, atenția acordată lumii materiale , până la imaginea sa concretă, senzuală se dezvoltă.Istoria naturii moarte ca gen de pictură a picturii de șevalet, și în special tipul său de „trompe l’oeil” (așa-numitul trompe l’oeil), se deschide cu o acuratețe iluzionistică. recrearea obiectelor „Natura moartă” de italianul Jacopo de Barbari (1504). Răspândirea genului natură moartă are loc în a doua jumătate a secolului al XVI-lea - începutul anului XVII secole, care a fost facilitată de înclinațiile științifice naturale caracteristice acestei epoci, interesul artei pentru viața de zi cu zi și viața privată a unei persoane, precum și însăși dezvoltarea metodelor de explorare artistică a lumii (operele olandezului P. Aertsen, flamandul J. Bruegel Velvetny etc.).

Perioada de glorie a naturii moarte - secolul al XVII-lea. Diversitatea tipurilor și formelor sale în acest moment este asociată cu dezvoltarea școlilor naționale realiste de pictură. În Italia și Spania, ascensiunea picturii cu natură moartă a fost mult facilitată de opera lui Caravaggio și a adepților săi (vezi Caravaggism). Temele preferate ale naturii moarte au fost florile, legumele și fructele, fructele de mare, ustensilele de bucătărie etc. (P. P. Bonzi, M. Campidoglio, G. Recco, G. B. Ruoppolo, E. Baskenis etc.). Natura moartă spaniolă se caracterizează printr-o rigoare sublimă și o semnificație deosebită în reprezentarea lucrurilor (X. Sanchez Cotan, F. Zurbaran, A. Pereda etc.). Interesul pentru natura cotidiană a lucrurilor, intimitate și, adesea, imaginile democratice s-au manifestat în mod clar în natura moartă olandeză. Se caracterizează printr-o atenție deosebită acordată transferului mediului de lumină, textura variată a materialelor, subtilitatea relațiilor tonale și a structurii de culoare - de la colorarea extraordinar de modestă a „micului dejun monocrom” ale lui V. Kheda și P. Klas până la compoziții intens contrastante, eficiente din punct de vedere coloristic ale lui V. Kalf ("deserturi") "). olandeză natură moartă distins prin abundența diferitelor tipuri ale acestui gen: „pește” (A. Beyeren), „flori și fructe” (J. D. de Heem), „joc mort” (J. Wenicke, M. Hondekoeter), natură moartă alegoric „vanitas”. ” ( „deșertăciunea vanităților”) etc. Natura moartă flamandă (în principal „piețe”, „magazine”, „flori și fructe”) se remarcă prin amploarea și, în același timp, decorativitatea compozițiilor: acestea sunt imnuri către fertilitate şi abundenţa (F. Snyders, J. Veit), V sec. XVII S-a dezvoltat și natura moartă germană (G. Flegel, K. Paudis) și franceză (L. Bozhen). CU sfârşitul XVII-lea V. în natura moartă franceză au triumfat tendințele decorative ale artei curții („flori” de J. B. Monnoyer și școala sa, natură moartă de vânătoare de A. F. Deporte și J. B. Oudry). Pe acest fond, lucrările unuia dintre cei mai semnificativi maeștri ai naturii moarte franceze, J. B. S. Chardin, se remarcă prin umanitate și democrație autentică, marcate de rigoarea și libertatea compozițiilor, precum și de subtilitatea soluțiilor coloristice. La mijlocul secolului al XVIII-lea. În perioada formării definitive a ierarhiei academice a genurilor a apărut termenul „nature morte”, care reflecta atitudinea disprețuitoare față de acest gen a susținătorilor academicismului, care preferau genurile a căror zonă era „natura vie” (genul istoric). , portret etc.).

În secolul 19 soarta naturii moarte a fost determinată de maeștri de frunte ai picturii, care au lucrat în multe genuri și au implicat natura moartă în luptă vederi esteticeși idei artistice (F. Goya în Spania, E. Delacroix, G. Courbet, E. Manet în Franța). Printre maeștrii secolului al XIX-lea care s-au specializat în acest gen se remarcă și A. Fantin-Latour (Franța) și W. Harnett (SUA). Noua ascensiune a picturii cu natura moartă a fost asociată cu performanța maeștrilor postimpresionismului, pentru care lumea lucrurilor a devenit una dintre temele principale (P. Cezanne, V. van Gogh). De la începutul secolului XX. natură moartă este un fel de laborator de pictură creativă. În Franța, maeștrii fauvismului (A. Matisse și alții) urmează calea identificării sporite a posibilităților emoționale și decorativ-expresive ale culorii și texturii, iar reprezentanții G. Morandi în Italia, S. Lucian în România, B. Kubista. şi E. Filla în Cehia etc.). Tendințele sociale în natura moartă ale secolului al XX-lea sunt reprezentate de lucrările lui D. Rivera și D. Siqueiros în Mexic, R. Guttuso în Italia.

În arta rusă natură moartă apărut în secolul al XVIII-lea. împreună cu stabilirea picturii seculare, care reflectă patosul cognitiv al epocii și dorința de a transmite cu adevărat și exact lumea obiectivă („trucurile” lui G. N. Teplov, P. G. Bogomolov, T. Ulyanov etc.). Dezvoltarea în continuare a naturii moarte rusești pentru o perioadă considerabilă a fost episodică. Creșterea sa ușoară în prima jumătate a secolului al XIX-lea. (F. P. Tolstoi, școala lui A. G. Venetsianov, I. T. Hrutsky) este asociat cu dorința de a vedea frumusețea în mic și obișnuit. În a doua jumătate a secolului al XIX-lea. la o schiță de natură moartă, pictură V.D. Semnificația independentă a schiței naturii moarte crește cu începutul secolului al XIX-leași secolele XX (M. A. Vrubel, V. E. Borisov-Musatov). Perioada de glorie a naturii moarte rusești a avut loc la începutul secolului al XX-lea. Cele mai bune exemple ale sale includ lucrările impresioniste ale lui K. A. Korovin, I. E. Grabar; lucrări ale artiștilor din „Lumea artei” (A. Ya. Golovin și alții) jucând subtil natura istorică și cotidiană a lucrurilor; imagini decorative ascuțite ale lui P. V. Kuznetsov, N. N. Sapunov, S. Yu. Sudeikin, M. S. Saryan și alții, I. I. Mashkov, A. V. Kuprin, V. V. Rozhdestvensky, A. V. Lentulov, R. R. Falk, N. S. Goncharova). Natura moartă sovietică, care se dezvoltă în conformitate cu arta realismului socialist, este îmbogățită cu conținut nou. În anii 20-30. include o înțelegere filozofică a modernității în lucrări ascuțite în compoziție (K. S. Petrov-Vodkin) și naturi moarte tematice „revoluționare” (F. S. Bogorodsky și alții) și încearcă din nou să găsească în mod tangibil „lucru” respins de așa-numitul non. -oameni fără obiect.prin experimente în domeniul culorii și texturii (D. P. Shterenberg, N. I. Altman) și o recreare plină de sânge a bogăției colorate și diversității lumii obiective (A. M. Gerasimov, Konchalovsky, Mashkov, Kuprin. Lentulov, Saryan). , A. A . Osmerkin etc.), precum și căutarea armoniei coloristice subtile, poetizarea lumii lucrurilor (V.V. Lebedev, N.A. Tyrsa etc.). În anii 40-50. Naturile moarte, semnificativ diverse ca stil, reflectând trăsăturile esențiale ale erelor moderne, au fost create de P. V. Kuznetsov, Yu. I. Pimenov și alții. În anii 60-70. P. P. Konchalovsky, V. B. Elkonik, V. F. Stozharov, A. Yu. Nikich lucrează activ în natura moartă. Dintre maeștrii naturii moarte din republicile Uniunii se remarcă A. Akopyan în Armenia, T. F. Narimanbekov în Azerbaidjan, L. Svemp și L. Endzelina în Letonia, N. I. Kormashov în Estonia. Tendința către „obiectivitatea” crescută a imaginii, estetizarea lumii lucrurilor din jurul unei persoane, a dus la un interes pentru natura moartă în rândul tinerilor artiști din anii 70 și începutul anilor 80. (Ya. G. Anmanis, A. I. Akhaltsev, O. V. Bulgakova, M. V. Leis etc.).

Lit.: B. R. Vipper, Problema și dezvoltarea naturii moarte. (Viața lucrurilor), Kazan, 1922; Yu. I. Kuznetsov, Natura moartă vest-europeană, L.-M., 1966; M. M. Rakova, natură moartă rusească sfârşitul XIX-lea- începutul secolului al XX-lea, M., 1970; I. N. Pruzhan, V. A. Pușkarev, Natura moartă în pictura rusă și sovietică. L., ; Yu. Ya. Gerchuk, Living Things, M., 1977; Natura moartă în pictura europeană din secolul al XVI-lea - începutul secolului al XX-lea. Catalog, M., 1984; Sterling Ch., La nature morte de l'antiquité a nos jours, P., 1952; Dorf B., Introduction to still life and flower painting, L., 1976; Ryan A., Still-life painting techniques, L. , 1978.

Renaștere (Renaștere). Italia. Secolele XV-XVI. Capitalismul timpuriu. Țara este condusă de bancheri bogați. Sunt interesați de artă și știință.

Cei bogați și puternici adună în jurul lor pe cei talentați și înțelepți. Poeții, filozofii, artiștii și sculptorii au discuții zilnice cu patronii lor. La un moment dat, părea că oamenii sunt conduși de oameni înțelepți, așa cum dorea Platon.

Ne-am amintit de vechii romani și greci. Au construit și o societate de cetățeni liberi, în care valoarea principală este oamenii (fără a număra sclavii, desigur).

Renașterea nu înseamnă doar copierea artei civilizațiilor antice. Acesta este un amestec. Mitologia și creștinismul. Realismul naturii și sinceritatea imaginilor. Frumusețe fizică și spirituală.

A fost doar un fulger. Perioada Înaltei Renașteri este de aproximativ 30 de ani! Din anii 1490 până în 1527 De la începutul perioadei de glorie a creativității lui Leonardo. Înainte de jefuirea Romei.

Mirajul unei lumi ideale a dispărut rapid. Italia s-a dovedit a fi prea fragilă. Curând a fost înrobită de un alt dictator.

Cu toate acestea, acești 30 de ani au determinat principalele trăsături ale picturii europene pentru 500 de ani de acum înainte! Pâna la .

Realismul imaginii. Antropocentrismul (când centrul lumii este Omul). Perspectivă liniară. Vopsele de ulei. Portret. Decor…

Incredibil, în acești 30 de ani au creat mai multe maeștri străluciți. Alteori se nasc o data la 1000 de ani.

Leonardo, Michelangelo, Rafael și Tițian sunt titanii Renașterii. Dar nu putem să nu amintim de cei doi predecesori ai lor: Giotto și Masaccio. Fără de care nu ar exista Renaștere.

1. Giotto (1267-1337)

secolul al XIV-lea. Proto-Renaștere. Personajul său principal este Giotto. Acesta este un maestru care de unul singur a revoluționat arta. Cu 200 de ani înainte de Înalta Renaștere. Dacă nu ar fi fost el, cu greu ar fi venit epoca de care umanitatea este atât de mândră.

Înainte de Giotto existau icoane și fresce. Au fost create conform canoanelor bizantine. Fețe în loc de fețe. Cifre plate. Nerespectarea proporțiilor. În loc de peisaj există un fundal auriu. Ca, de exemplu, pe această pictogramă.

Și deodată apar frescele lui Giotto. Pe ei cifrele volumetrice. Chipuri de oameni nobili. Batran si tanar. Trist. Dolitor. Uimit. Diferit.

Frescuri de Giotto în Biserica Scrovegni din Padova (1302-1305). Stânga: Plângerea lui Hristos. Mijloc: Sărutul lui Iuda (fragment). Dreapta: Buna Vestire a Sfintei Ana (Maica Maria), fragment.

Opera principală a lui Giotto este ciclul frescelor sale din Capela Scrovegni din Padova. Când această biserică s-a deschis pentru enoriași, mulțimi de oameni s-au revărsat în ea. Nu văzuseră niciodată așa ceva.

La urma urmei, Giotto a făcut ceva fără precedent. El a tradus poveștile biblice într-un limbaj simplu și ușor de înțeles. Și au devenit mult mai accesibile oameni normali.

Acesta este tocmai ceea ce va fi caracteristic multor maeștri ai Renașterii. Imagini laconice. Emoții vii ale personajelor. Realism.

Citiți mai multe despre frescele maestrului în articol.

Giotto era admirat. Dar inovația sa nu a fost dezvoltată mai departe. Moda pentru goticul internațional a venit în Italia.

Abia după 100 de ani va apărea un succesor demn al lui Giotto.

2. Masaccio (1401-1428)

Începutul secolului al XV-lea. Asa numitul Renașterea timpurie. Un alt inovator intră în scenă.

Masaccio a fost primul artist care a folosit perspectiva liniară. A fost proiectat de prietenul său, arhitectul Brunelleschi. Acum lumea înfățișată a devenit asemănătoare cu cea reală. Arhitectura jucăriilor este de domeniul trecutului.

A adoptat realismul lui Giotto. Cu toate acestea, spre deosebire de predecesorul său, el cunoștea deja bine anatomia.

În loc de personaje blocate, Giotto a construit oameni frumos. La fel ca grecii antici.

Masaccio nu a trăit viata lunga. A murit, ca și tatăl său, pe neașteptate. La 27 de ani.

Cu toate acestea, a avut mulți adepți. masterat generațiile următoare a mers la Capela Brancacci pentru a studia din frescele sale.

Astfel, inovația lui Masaccio a fost preluată de toți marii artiști ai Înaltei Renașteri.

3. Leonardo da Vinci (1452-1519)

Leonardo da Vinci este unul dintre titanii Renașterii. A avut o influență extraordinară asupra dezvoltării picturii.

Da Vinci a fost cel care a ridicat statutul artistului însuși. Datorită lui, reprezentanții acestei profesii nu mai sunt doar artizani. Aceștia sunt creatori și aristocrați ai spiritului.

Leonardo a făcut o descoperire în primul rând în portrete.

El credea că nimic nu ar trebui să distragă atenția de la imaginea principală. Privirea nu trebuie să rătăcească de la un detaliu la altul. Așa au apărut celebrele sale portrete. Laconic. Armonios.

Principala inovație a lui Leonardo este că a găsit o modalitate de a face imagini... vii.

Înaintea lui, personajele din portrete arătau ca manechine. Liniile erau clare. Toate detaliile sunt desenate cu grijă. Desenul pictat nu putea fi viu.

Leonardo a inventat metoda sfumato. A umbrit liniile. A făcut trecerea de la lumină la umbră foarte moale. Personajele lui par a fi acoperite cu o ceață abia perceptibilă. Personajele au prins viață.

Sfumato va fi inclus în vocabularul activ al tuturor marilor artiști ai viitorului.

Există adesea o părere că Leonardo, desigur, este un geniu, dar nu a știut să completeze nimic. Și adesea nu terminam picturile. Și multe dintre proiectele lui au rămas pe hârtie (în 24 de volume, de altfel). Și în general a fost aruncat fie în medicină, fie în muzică. La un moment dat chiar m-a interesat arta de a servi.

Totuși, gândește-te singur. 19 picturi - și el este cel mai mare artist al tuturor timpurilor. Și cineva nici măcar nu se apropie în ceea ce privește măreția, totuși a pictat 6.000 de pânze în viața sa. Este evident cine are eficiența mai mare.

Despre ea însăși tablou faimos citeste maestrul in articol.

4. Michelangelo (1475-1564)

Michelangelo se considera sculptor. Dar era un maestru universal. Ca și ceilalți colegi ai săi din Renaștere. Prin urmare, moștenirea sa picturală nu este mai puțin grandioasă.

El este recunoscut în primul rând după personajele sale dezvoltate fizic. El a portretizat un om perfect în care frumusețea fizică înseamnă frumusețe spirituală.

De aceea toți eroii săi sunt atât de musculoși și rezistenți. Chiar și femeile și bătrânii.

Michelangelo. Fragmente din frescă” Judecata de Apoi” în Capela Sixtină, Vatican.

Michelangelo a pictat adesea personajul gol. Și apoi a adăugat haine deasupra. Pentru ca corpul sa fie cat mai sculptat.

A pictat singur tavanul Capelei Sixtine. Deși acestea sunt câteva sute de cifre! Nici măcar nu a permis nimănui să frece vopsea. Da, era nesociabil. Avea un caracter dur și certăreț. Dar mai ales era nemulțumit de... el însuși.

Michelangelo a trăit o viață lungă. A supraviețuit declinului Renașterii. Pentru el a fost o tragedie personală. Lucrările sale ulterioare sunt pline de tristețe și tristețe.

În general, calea creativă a lui Michelangelo este unică. Lucrările sale timpurii sunt o sărbătoare a eroului uman. Liber și curajos. În cele mai bune tradiții ale Greciei Antice. Cum îl cheamă David?

În ultimii ani de viață acestea sunt imagini tragice. Piatră cioplită în mod intenționat. Parcă ne uităm la monumentele victimelor fascismului secolului XX. Uită-te la Pietà lui.

Sculpturile lui Michelangelo la Academia de Arte Frumoase din Florența. Stânga: David. 1504 Dreapta: Pietatea Palestrinei. 1555

Cum este posibil acest lucru? Un artist într-o singură viață a trecut prin toate etapele artei de la Renaștere până în secolul al XX-lea. Ce ar trebui să facă generațiile următoare? Mergi pe drumul tău. Dându-și seama că ștacheta este foarte sus.

5. Rafael (1483-1520)

Rafael nu a fost niciodată uitat. Geniul lui a fost întotdeauna recunoscut: atât în ​​timpul vieții, cât și după moarte.

Personajele sale sunt înzestrate cu o frumusețe senzuală, lirică. El este considerat pe drept cel mai frumos imagini feminine creat vreodată. Frumusețea exterioară reflectă și frumusețea spirituală a eroinelor. Blândețea lor. Sacrificiul lor.

Fiodor Dostoievski a spus celebrele cuvinte „Frumusețea va salva lumea”. Acesta era tabloul lui preferat.

Cu toate acestea, imaginile senzoriale nu sunt singurele punct forte Rafael. S-a gândit foarte atent la compozițiile picturilor sale. A fost un arhitect de neîntrecut în pictură. Mai mult, a găsit întotdeauna cea mai simplă și armonioasă soluție în organizarea spațiului. Se pare că nu poate fi altfel.

Rafael a trăit doar 37 de ani. A murit brusc. De la o răceală și o eroare medicală. Dar moștenirea lui este greu de supraestimat. Mulți artiști l-au idolatrisit pe acest maestru. Și i-au multiplicat imaginile senzuale în mii de pânze.

Titian a fost un colorist de neegalat. De asemenea, a experimentat mult cu compoziția. În general, a fost un inovator îndrăzneț.

Toată lumea l-a iubit pentru atât de strălucirea talentului său. Numit „regele pictorilor și pictorul regilor”.

Vorbind despre Tizian, vreau să pun un semn de exclamare după fiecare propoziție. La urma urmei, el a fost cel care a adus dinamica picturii. Patos. Entuziasm. Culoare aprinsa. Strălucirea culorilor.

Spre sfârșitul vieții, a dezvoltat o tehnică de scriere neobișnuită. Mijloacele sunt rapide și groase. Am aplicat vopseaua fie cu o pensula, fie cu degetele. Acest lucru face imaginile și mai vii și mai respirabile. Iar intrigile sunt și mai dinamice și mai dramatice.

Îți amintește asta de ceva? Desigur, aceasta este tehnologie. Și tehnologie artiști ai secolului XIX secole: Barbizonieni și. Titian, ca și Michelangelo, ar trece prin 500 de ani de pictură într-o singură viață. De aceea este un geniu.

DESPRE faimoasa capodopera Citiți maestrul în articol.

Artiștii Renașterii sunt deținătorii unei mari cunoștințe. Pentru a lăsa o astfel de moștenire, au fost multe de învățat. În domeniul istoriei, astrologiei, fizicii și așa mai departe.

Prin urmare, fiecare imagine a lor ne pune pe gânduri. De ce este înfățișat asta? Care este mesajul criptat aici?

Nu au greșit aproape niciodată. Pentru că s-au gândit temeinic la munca lor viitoare. Ne-am folosit toate cunoștințele.

Erau mai mult decât artiști. Erau filozofi. Ne-au explicat lumea prin pictură.

De aceea, vor fi întotdeauna profund interesante pentru noi.

Multora le-a plăcut atunci, iar lucrările artiștilor mi se par grozave și mie ajutor vizualîn procesul studierii combinaţiilor de culori. De fapt, de ce să reinventeze roata dacă marii maeștri au studiat de mult principiile armoniei, combinațiile de nuanțe și le-au folosit activ atunci când pictează. Plănuiesc să scriu o serie de postări pe această temă și mă voi baza pe cartea lui Itten „Arta culorii”.

Adesea problema combinațiilor de culori vine din faptul că ne lipsește observația și ochiul nu este antrenat să vadă combinații reușite, se impun anumite stereotipuri, iar din ignoranță ne lipsește curajul și încrederea în alegerea culorilor. Ne vom lupta cu asta :)

Itten, în lucrarea sa despre culoare, ne poartă prin cele mai semnificative epoci ale dezvoltării artei și lucrului cu culoarea și citează ca exemple mari artiști. Și astăzi vom începe cu artiștii Renașterii. Jan van Eyck, Piero della Francesca, Leonardo da Vinci, Titian, Grunewald.

"Jan van Eyck a început să creeze picturi, a căror bază compozițională a fost determinată de culorile reale ale oamenilor și ale obiectelor reprezentate. Prin decolorarea și puritatea, luminozitatea și întunericul acestor culori, sunetul imaginii a devenit din ce în ce mai realist similar. Culoarea a devenit un mijloc de a transmite naturalețea lucrurilor.”

„Portretul cuplului Arnolfini” este realizat în tonuri calde și întunecate de toamnă întunecată

„Retalul din Gent” este pictat cu culori calde, dar culorile sunt deja mai clare și mai pure, mai aproape de primăvară

"Piero della Francesca El a pictat oameni, conturând ascuțit figurile cu culori expresive distincte, folosind în același timp culori suplimentare care au oferit tablourilor un echilibru pictural.”

„Portretul lui Federigo da Montefeltro și Battista Sforza” este realizat și în culori calde, în culorile toamnei

„Altar de Montefeltro”: o combinație foarte frumoasă de culori, nuanțe moi, gama primăvară-vară.

Rezultatul este o combinație de trei tonuri de bază și două tonuri de accent:

"Leonardo da Vinci abandonate culorile strălucitoare. Și-a construit picturile pe tranziții tonale infinit de subtile.”

"Mona Lisa"

„Adorarea magilor”

"Titian a început să se străduiască pentru modulații pitorești de rece și cald, decolorate și bogate.”

"Minunat"

„Caracteristicile de culoare ale acestuia tablouri târzii a fost format de el pe baza diferitelor nuanțe închise și deschise de aceeași culoare.”

„Încoronarea cu o coroană de spini”. Aceasta este o imagine veselă atât în ​​temă, cât și în culori. Cel mai bun lucru este in noiembrie :))

Dar tranzițiile de culoare în cadrul aceleiași culori sunt foarte clar vizibile.

"Grunewald a contrastat o culoare cu alta. Din așa-numita substanță de culoare existentă în mod obiectiv, el a știut să-și găsească propria culoare pentru fiecare motiv al imaginii.”

„Altarul din Isenheim”

În cadrul unei lucrări, Grunewald a folosit diverse scheme de culoriși a sacrificat armonia generală de dragul de a transmite sens piese individuale lucrări.

Rămâne de concluzionat că, dacă ești toamnă, atunci ar trebui să te uiți la alte lucrări ale artiștilor renascentiste :)