Současní američtí umělci. Současná americká malba – to nejzajímavější na blozích

AMERICKÉ MALOVÁNÍ
První díla amerického malířství, která se k nám dostala, pocházejí ze 16. století; jedná se o náčrtky vytvořené účastníky výzkumných expedic. Profesionální umělci se však v Americe objevili až na počátku 18. století; jediným stabilním zdrojem příjmů pro ně byl portrét; tento žánr nadále zabíral vedoucí postavení v americkém malířství do počátku 19. stol.
Koloniální období. První skupina portrétů, provedená technikou olejomalby, pochází z 2. poloviny 17. století; V této době byl život osadníků relativně klidný, život se stabilizoval a objevily se možnosti pro provozování umění. Z těchto děl je nejznámější portrét paní Frickové s dcerou Mary (1671-1674, Massachusetts, Worcester Museum of Art), kterou namaloval neznámý anglický umělec. Ve třicátých letech 18. století již měla města na východním pobřeží několik umělců pracujících modernějším a realističtějším způsobem: Henrietta Johnston v Charlestonu (1705), Justus Englehardt Kuhn v Annapolis (1708), Gustav Hesselius ve Philadelphii (1712), John Watson v Perth Amboy v New Jersey (1714), Peter Pelham (1726) a John Smibert (1728) v Bostonu. Obraz posledních dvou měl významný vliv na dílo Johna Singletona Copleyho (1738-1815), který je považován za prvního velkého amerického umělce. Z rytin z Pelhamovy sbírky mladý Copley pochopil anglické slavnostní portrétování a malbu Godfreye Knellera, předního anglického mistra, který se tomuto žánru věnoval na počátku 18. století. V obraze Chlapec s veverkou (1765, Boston, Museum of Fine Arts) vytvořil Copley nádherný realistický portrét, jemný a překvapivě přesný ve zprostředkování textury předmětů. Když Copley v roce 1765 poslal toto dílo do Londýna, Joshua Reynolds mu poradil, aby pokračoval ve studiu v Anglii. Copley však zůstal v Americe až do roku 1774 a pokračoval v malování portrétů a pečlivě v nich vypracovával všechny detaily a nuance. Poté podnikl cestu do Evropy a v roce 1775 se usadil v Londýně; V jeho stylu se objevil manýrismus a rysy idealizace charakteristické pro tehdejší anglickou malbu. Mezi nejlepší díla, která Copley vyprodukoval v Anglii, patří velké formální portréty připomínající dílo Benjamina Westa, včetně Brooke Watson and the Shark (1778, Boston, Museum of Fine Arts). Benjamin West (1738-1820) se narodil v Pensylvánii; Poté, co namaloval několik portrétů Filadelfů, se v roce 1763 přestěhoval do Londýna. Zde získal slávu jako malíř historie. Příkladem jeho tvorby v tomto žánru je obraz Smrt generála Wolfa (1770, Ottawa, National Gallery of Canada). V roce 1792 West následoval Reynoldse jako prezident Britské královské akademie umění.
Válka za nezávislost a začátek 19. století. Na rozdíl od Copleyho a Westa, kteří zůstali natrvalo v Londýně, se portrétista Gilbert Stuart (1755-1828) v roce 1792 vrátil do Ameriky a udělal kariéru v Londýně a Dublinu. Brzy se stal předním mistrem tohoto žánru v mladé republice; Stewart maloval portréty téměř všech významných politických a veřejných osobností v Americe. Jeho díla jsou provedena živě, volně, útržkovitě, velmi odlišně od stylu amerických děl Copleyho. Benjamin West ochotně přijímal mladé lidi do své londýnské dílny američtí umělci; mezi jeho studenty patřili Charles Wilson Peale (1741-1827) a Samuel F. B. Morse (1791-1872). Peale se stal zakladatelem dynastie malířů a rodinného uměleckého podniku ve Filadelfii. Maloval portréty, zabýval se vědeckým výzkumem a otevřel Muzeum přírodní historie a malířství ve Filadelfii (1786). Z jeho sedmnácti dětí se mnozí stali umělci a přírodovědci. Morse, lépe známý jako vynálezce telegrafu, namaloval několik krásných portrétů a jeden z nejvelkolepějších obrazů v celé americké malbě, galerii Louvre. V tomto díle je miniaturně reprodukováno asi 37 pláten s úžasnou přesností. Tato práce, stejně jako všechny Morseovy aktivity, měla za cíl představit mladému národu velkou evropskou kulturu. Washington Alston (1779-1843) byl jedním z prvních amerických umělců, kteří vzdali hold romantismu; Na svých dlouhých cestách po Evropě maloval mořské bouře, poetické italské výjevy a sentimentální portréty. Na počátku 19. stol. Otevřely se první americké umělecké akademie, které poskytovaly studentům odbornou přípravu a přímo se podílely na pořádání výstav: Pennsylvania Academy of Arts ve Philadelphii (1805) a National Academy of Drawing v New Yorku (1825), jejímž prvním prezidentem byl S. R. Morse. . Ve 20.–30. letech 19. století namalovali John Trumbull (1756–1843) a John Vanderlyn (1775–1852) obrovské kompozice podle výjevů z americká historie, zdobící stěny rotundy Capitol ve Washingtonu. Ve 30. letech 19. století se krajina stala dominantním žánrem americké malby. Thomas Cole (1801-1848) psal o panenské přírodě severu (New York). Tvrdil, že počasím ošlehané hory a světlé podzimní lesy jsou pro americké umělce vhodnějšími náměty než malebné evropské ruiny. Cole také maloval několik krajin prodchnutých etickým a náboženským významem; jsou mezi nimi čtyři velké obrazy, Life's Path (1842, Washington, National Gallery) - alegorické kompozice zobrazující loď sjíždějící po řece, na níž sedí chlapec, potom mladý muž, pak muž a nakonec starý muž. Mnoho krajinářů následovalo Coleův příklad a ve svých dílech zobrazovalo americkou přírodu; často se spojují do jedné skupiny zvané „Hudson River School“ (což není pravda, protože pracovali po celé zemi a psali různými styly). Z amerických žánrových malířů jsou nejznámější William Sidney Mount (1807-1868), který maloval výjevy ze života farmářů na Long Islandu, a George Caleb Bingham (1811-1879), jehož obrazy jsou věnovány životu rybářů z břehů Missouri a volby v malých provinčních městech. Před občanskou válkou byl nejpopulárnějším umělcem Frederick Edwin Church (1826-1900), Coleův student. Maloval převážně velkoformátová díla a někdy používal příliš naturalistické motivy, aby zaujal a ohromil veřejnost. Kostel cestoval do nejexotičtějších a nebezpečná místa, sbírání materiálu k vyobrazení jihoamerických sopek a ledovců severních moří; jedním z jeho nejznámějších děl je obraz Niagarské vodopády (1857, Washington, Corcoran Gallery). V 60. letech 19. století vzbudila obrovská plátna Alberta Bierstadta (1830-1902) všeobecný obdiv krásou Skalistých hor, které jsou na nich vyobrazeny, s jejich průzračnými jezery, lesy a věžovitými vrcholy.

Collierova encyklopedie. - Otevřená společnost. 2000 .

Podívejte se, co je „AMERICAN PAINTING“ v jiných slovnících:

Každodenní scény a krajiny amerických umělců 20. a 30. let 20. století provedené naturalistickým, popisným způsobem. Americká žánrová malba nebyla organizovaným hnutím, byla rozšířena mezi americkými... Wikipedie

- „Selanská svatba“, 1568, Pieter Bruegel, Kunsthistorisches Museum, Vídeň ... Wikipedia

Souřadnice: 29°43′32″ N. w. 95°23′26″ západní délky d. /29,725556° n. w. 95,390556° západní délky d. ... Wikipedie

Metropolitní muzeum umění v New Yorku- Jedno z největších muzeí na světě a největší muzeum umění v USA - Metropolitan Museum of Art ( Metropolitní muzeum of Art), který se nachází v New Yorku na východní straně Central Parku na Manhattanu. Toto místo je známé jako Museum Mile... ... Encyklopedie novinářů

Wikipedia má články o dalších lidech s tímto příjmením, viz Bessonova. Marina Aleksandrovna Bessonova (22. února 1945 (19450222), Moskva 27. června 2001, Moskva) Ruská historička umění, kritička, muzejní aktivistka. Obsah 1... ...Wikipedie

Jedno z největších muzeí umění v USA. Společnost byla založena v Bostonu v roce 1870. Uchovává vynikající příklady soch ze starověkého Egypta (busta Ankhhaf, 3. tisíciletí př. n. l.), Řecka a Říma, koptské textilie, středověké umění Číny a Japonska... ... Velká sovětská encyklopedie

- (De Kooning, Willem) DE KOONING ve své dílně. (1904 1997), současný americký umělec, vedoucí školy abstraktního expresionismu. De Kooning se narodil 24. dubna 1904 v Rotterdamu. V 15 letech se přihlásil na večerní kurzy malování... ... Collierova encyklopedie

- (Chattanooga) město na jihovýchodě Spojených států (viz Spojené státy americké) (Tennessee); přístav na řece Tennessee ve Velkém Appalačském údolí; nachází se mezi Appalačským pohořím a Cumberland Plateau, na hranici se státem Georgia. Počet obyvatel 153,6 tisíce...... Zeměpisná encyklopedie

- (Chattanooga), město na jihovýchodě Spojených států, Tennessee. Přístav na řece Tennessee. 152 tisíc obyvatel (1994; s předměstími cca 430 tisíc obyvatel). Chemický, textilní, celulózový a papírenský průmysl. Hutnictví železa, strojírenství...... encyklopedický slovník

Barbara Rose (narozena 1938) je americká historička umění a kritička umění. Studovala na Smith College, Barnard College a Columbia University. V letech 1961 až 1969 byla vdaná za umělce Franka Stellu. Na... ... Wikipedii

knihy

• Anglická a americká malba ve Washingtonské národní galerii (brožovaná), E. G. Milyugina, Washingtonská národní galerie má největší světové sbírky anglického a amerického malířství vysoké umělecké úrovně. Sbírky odrážejí jak historii světového malířství, tak... Kategorie:

Američtí umělci jsou velmi různorodí. Někteří byli jasně kosmopolitní, jako Sargent. Původem Američan, ale téměř celý svůj dospělý život prožil v Londýně a Paříži.

Jsou mezi nimi i autentičtí Američané, kteří vylíčili životy pouze svých krajanů, jako je Rockwell.

A jsou také umělci, kteří nejsou z tohoto světa, jako Pollock. Nebo ti, jejichž umění se stalo produktem konzumní společnosti. Řeč je samozřejmě o Warholovi.

Všichni jsou však Američané. Milující svobodu, odvážný, jasný. Přečtěte si o sedmi z nich níže.

1. James Whistler (1834-1903)

Whistlera lze jen stěží nazvat skutečným Američanem. Když vyrůstal, žil v Evropě. A dětství prožil... v Rusku. Jeho otec postavil železnice V Petrohradě.

Právě tam se chlapec James zamiloval do umění, navštívil Ermitáž a Peterhof díky otcovým stykům (v té době to byly ještě paláce pro veřejnost uzavřené).

Čím je Whistler známý? Ať už píše jakýmkoliv stylem, od realismu po tonalismus*, lze ho téměř okamžitě rozpoznat podle dvou charakteristik. Neobvyklé barvy a hudební tituly.

Některé jeho portréty jsou napodobeninou starých mistrů. Jako například jeho slavný portrét „The Artist’s Mother“.

Umělec vytvořil úžasné dílo pomocí barev od světle šedé po tmavě šedou. A trochu žluté.

To ale neznamená, že Whistler takové barvy miloval. Byl to mimořádný člověk. Klidně by se mohl objevit ve společnosti ve žlutých ponožkách a v zářivém deštníku. A to bylo, když se muži oblékali výhradně do černé a šedé.

Má také mnohem lehčí díla než „Matka“. Například „Symfonie v bílé“. Obraz tak nazval jeden z novinářů na výstavě. Whistlerovi se tento nápad líbil. Od té doby téměř všechna svá díla pojmenoval hudebně.

Ale pak, v roce 1862, se veřejnosti Symfonie nelíbila. Opět kvůli zvláštnosti barevná řešení Whistler. Lidé si mysleli, že je divné namalovat ženu v bílém na bílém pozadí.

Na obrázku vidíme Whistlerovu rusovlasou milenku. Zcela v duchu prerafaelitů. Ostatně v té době se umělec přátelil s jedním z hlavních zakladatelů prerafaelismu Gabrielem Rossettim. Krása, lilie, neobvyklé prvky (vlčí kůže). Vše je jak má být.

Ale Whistler se rychle vzdálil od prerafaelismu. Protože pro něj nebyla důležitá vnější krása, ale nálada a emoce. A vytvořil nový směr - tonalismus.

Jeho krajinná nokturna ve stylu tonalismu jsou skutečně jako hudba. Jednobarevné, viskózní.

Sám Whistler řekl, že hudební tituly pomáhají soustředit se na malbu samotnou, linie a barvy. Přitom bez přemýšlení o místě a lidech, kteří jsou vyobrazeni.

Svému stylu ale zůstala věrná až do konce. Impresionismus. Jemný pastel. Matky s dětmi.

Kvůli malování Cassatt opustil mateřství. Ale její ženská stránka se stále více projevovala v tak něžných dílech jako „Spící dítě“. Je škoda, že ji konzervativní společnost kdysi postavila před takovou volbu.

3. John Sargent (1856-1925)

John Sargent si byl jistý, že bude portrétistou celý život. Moje kariéra šla dobře. Aristokraté se u něj seřadili na objednávku.

Jednoho dne ale podle společnosti umělec překročil hranici. Nyní je pro nás obtížné pochopit, co je na filmu „Madame X“ tak nepřijatelné.

Pravda, v původní verzi měla hrdinka jeden z popruhů dole. Sargent ji „vychoval“, ale nic to nepomohlo. Objednávky vyschly.

Jakou obscénní věc viděla veřejnost? A to, že Sargent ztvárnila modelku v příliš sebevědomé póze. Navíc průsvitná kůže a růžové ucho jsou velmi výmluvné.

Zdá se, že obrázek říká, že tato žena se zvýšenou sexualitou není proti přijímání návrhů jiných mužů. Navíc být ženatý.

Bohužel současníci za tímto skandálem mistrovské dílo neviděli. Tmavé šaty, světlá kůže, dynamická póza - jednoduchá kombinace, kterou najdou jen ti nejtalentovanější řemeslníci.

Ale každý mrak má stříbro. Sargent na oplátku dostal svobodu. Začal jsem více experimentovat s impresionismem. Napište dětem v bezprostřední situaci. Tak se objevilo dílo „Karafiát, Lily, Lily, Růže“.

Sargent chtěl zachytit konkrétní okamžik soumraku. Proto jsem pracoval jen 2 minuty denně, když bylo vhodné osvětlení. Pracovalo se v létě a na podzim. A když květiny uschly, nahradila jsem je umělými.

V posledních desetiletích se u Sargenta vyvinul takový vkus pro svobodu, že začal portréty úplně opouštět. I když jeho pověst už byla obnovena. Jednu klientku dokonce sprostě propustil s tím, že by byl rád, kdyby jí namaloval bránu než obličej.

Současníci se k Sargentovi chovali ironicky. Považovat to za zastaralé ve věku modernismu. Ale čas dal vše na své místo.

Nyní jeho díla nemají menší hodnotu než díla nejslavnějších modernistů. No, není co říct o lásce veřejnosti. Výstavy s jeho díly jsou vždy vyprodány.

4. Norman Rockwell (1894-1978)

Je těžké si představit populárnějšího umělce za jeho života, než je Norman Rockwell. Na jeho ilustracích vyrostlo několik generací Američanů. Miluji je z celé své duše.

Rockwell totiž ztvárnil obyčejné Američany. Ale zároveň ukazují své životy od samého pozitivní stránka. Rockwell nechtěl ukazovat ani zlé otce, ani lhostejné matky. A žádné nešťastné děti u něj nepotkáte.

Jeho díla jsou plná humoru, sytých barev a velmi zručně zachycené mimiky ze života.

Ale je iluze, že práce byla pro Rockwella snadná. Aby vytvořil jeden obraz, mohl nejprve pořídit až sto fotografií svých předmětů, aby zachytil správná gesta.

Rockwellova díla měla obrovský vliv na mysl milionů Američanů. Ostatně svými obrazy se často vyjadřoval.

Během druhé světové války se rozhodl ukázat, za co vojáci jeho země bojovali. Vytvořil také obraz „Freedom from Want“. V podobě Díkůvzdání, kde se všichni členové rodiny, dobře najedení a spokojení, radují z rodinné dovolené.

Po 50 letech v Saturday Evening Post Rockwell odešel do demokratičtějšího magazínu Look, kde mohl vyjádřit své názory na sociální otázky.

Nejvýraznějším dílem těch let je „Problém, se kterým žijeme“.

Tento opravdový příběhčernoška, ​​která chodila do bílé školy. Vzhledem k tomu, že byl přijat zákon, že lidé (a tedy vzdělávací instituce) by již neměli být rozděleni podle ras.

Ale hněvu měšťanů se meze nekladly. Cestou do školy dívku hlídala policie. Toto je „rutinní“ moment, který Rockwell ukázal.

Pokud chcete poznat život Američanů v trochu přikrášleném světle (jak ho chtěli vidět oni sami), určitě se podívejte na Rockwellovy obrazy.

Možná ze všech malířů prezentovaných v tomto článku je Rockwell nejameričtějším umělcem.

5. Andrew Wyeth (1917-2009)

Na rozdíl od Rockwella nebyl Wyeth tak pozitivní. Od přírody samotář, nesnažil se nic přikrášlovat. Naopak zobrazoval ty nejobyčejnější krajiny a nevýrazné věci. Jen pšeničné pole, jen dřevěný dům. Ale podařilo se mu v nich zahlédnout i něco magického.

Jeho nejznámějším dílem je „Christina's World“. Wyeth ukázal osud jedné ženy, jeho sousedky. Od dětství ochrnutá se plazila po svém statku.

Na tomto obrázku tedy není nic romantického, jak by se na první pohled mohlo zdát. Když se podíváte pozorně, žena je bolestně hubená. A s vědomím, že má hrdinka ochrnuté nohy, se smutkem chápete, jak daleko to ještě má od domova.

Wyeth napsal na první pohled to nejobyčejnější. Zde je staré okno starého domu. Ošuntělý závěs, který se už začal měnit v cáry. V lese je za oknem tma.

Ale v tom všem je nějaké tajemství. Nějaký jiný pohled.

Děti tak vědí, jak se dívat na svět s otevřenou myslí. Wyatt vypadá stejně. A my jsme s ním.

Všechny Wyethovy záležitosti řešila jeho žena. Byla dobrá organizátorka. Byla to ona, kdo kontaktoval muzea a sběratele.

V jejich vztahu bylo málo romantiky. Musela se objevit múza. A stala se z ní jednoduchá, ale neobyčejného vzhledu, Helga. To je přesně to, co vidíme v mnoha zaměstnáních.

Zdálo by se, že vidíme pouze fotografický obraz ženy. Ale z nějakého důvodu je těžké se od ní odtrhnout. Její pohled je příliš komplikovaný, ramena napjatá. Jako bychom spolu s ní byli vnitřně napjatí. Snažím se najít vysvětlení pro toto napětí.

Zobrazuje realitu v každém detailu, Wyeth magicky obdařil ji emocemi, které ji nemohou nechat lhostejnou.

Umělec nebyl dlouho uznáván. Svým realismem, byť magickým, nezapadal do modernistických trendů 20. století.

Když muzejní pracovníci kupovali jeho díla, snažili se o to potichu, aniž by vzbudili pozornost. Výstavy byly organizovány zřídka. Ale k závisti modernistů měli vždy obrovský úspěch. Lidé přicházeli v houfech. A stále přicházejí.

6. Jackson Pollock (1912-1956)

Jacksona Pollocka nelze ignorovat. V umění překročil určitou hranici, po které už malířství nemohlo být stejné. Ukázal, že v umění se obecně lze obejít bez hranic. Když jsem plátno položil na zem a potřísnil ho barvou.

A tento americký umělec začínal s abstraktním uměním, ve kterém se ještě dalo vysledovat figurativní. V jeho díle ze 40. let „Stenographic Figure“ vidíme obrysy obličeje i rukou. A dokonce i symboly, které chápeme v podobě křížků a nul.

Jeho dílo bylo chváleno, ale lidé s jeho koupí nijak nespěchali. Byl chudý jako kostelní myš. A bezostyšně pil. Navzdory šťastnému manželství. Jeho žena obdivovala jeho talent a udělala vše pro úspěch svého manžela.

Ale Pollock byl zpočátku zlomená osobnost. Od mládí bylo z jeho činů zřejmé, že brzká smrt byla jeho osudem.

Tato zlomenost nakonec povede k jeho smrti ve věku 44 let. Ale bude mít čas udělat revoluci v umění a proslavit se.

A udělal to během dvou let střízlivosti. V letech 1950-1952 mohl plodně pracovat. Dlouho experimentoval, až došel k technice kapání.

Rozložil obrovské plátno na podlahu své stodoly a obešel ho, jako by byl na samotném obraze. A potřísněné nebo jednoduše nalité barvy.

Lidé od něj tyto neobvyklé obrazy začali ochotně kupovat pro jejich neuvěřitelnou originalitu a novost.

Pollocka přemohla sláva a upadl do deprese, nechápal, kam se posunout dál. Smrtící směs alkoholu a deprese mu nenechala žádnou šanci na přežití. Jednoho dne usedl za volant značně opilý. V naposledy.

7. Andy Warhol (1928-1987)

Pouze v zemi s takovým kultem konzumu jako v Americe se mohl zrodit pop-art. A jeho hlavním iniciátorem byl samozřejmě Andy Warhol.

Proslavil se tím, že vzal ty nejobyčejnější věci a proměnil je v umělecké dílo. To se stalo s plechovkou Campbellovy polévky.

Volba nebyla náhodná. Warholova matka krmila svého syna touto polévkou každý den více než 20 let. I když se přestěhoval do New Yorku a vzal s sebou i matku.

Po tomto experimentu se Warhol začal zajímat o sítotisk. Od té doby fotil popové hvězdy a maloval je různými barvami.

Tak se objevila jeho slavná malovaná Marilyn Monroe.

Takových kyselých květů Marilyn bylo vyrobeno nespočet. Warhol dal umění do proudu. Jak by to mělo být v konzumní společnosti.

Warhol nepřišel s pomalovanými obličeji z ničeho nic. A opět se to neobešlo bez vlivu matky. Jako dítě, během vleklé nemoci svého syna, mu nosila balíčky omalovánek.

Tento dětský koníček přerostl v to, co se stalo jeho vizitkou a udělalo z něj pohádkové bohatství.

Maloval nejen popové hvězdy, ale i mistrovská díla svých předchůdců. Taky jsem to dostal.

„Venuše“, stejně jako Marilyn, toho udělala hodně. Exkluzivitu uměleckého díla „vymazal“ do prášku Warhol. Proč to umělec udělal?

Popularizovat stará mistrovská díla? Nebo se je naopak pokusit znehodnotit? Zvěčnit popové hvězdy? Nebo okořenit smrt ironií?

Jeho barevná díla Madonny, Elvise Presleyho nebo Lenina jsou někdy rozpoznatelnější než původní fotografie.

Ale mistrovská díla byla stěží zastíněna. Přesto zůstává nedotčená „Venuše“ k nezaplacení.

Warhol byl vášnivým party zvířetem a přitahoval spoustu marginalizovaných lidí. Narkomani, neúspěšní herci nebo prostě nevyrovnaní jedinci. Jeden z nich ho jednou zastřelil.

Warhol přežil. Ale o 20 let později na následky rány, kterou kdysi utrpěl, zemřel sám ve svém bytě.

Americký tavící kotlík

Navzdory krátké historii amerického umění je rozsah široký. Mezi americkými umělci jsou impresionisté (Sargent), magickí realisté (Wyeth), abstraktní expresionisté (Pollock) a průkopníci pop-artu (Warhol).

Američané milují svobodu volby ve všem. Stovky denominací. Stovky národů. Stovky uměleckých stylů. To je důvod, proč je to tavící kotlík Spojených států amerických.

V kontaktu s

Kluci, vložili jsme do stránek duši. Děkuji ti za to
že objevujete tuto krásu. Díky za inspiraci a husí kůži.
Přidejte se k nám Facebook A V kontaktu s

Světlé body, šplouchání světla, jiskřivý vzduch – tito umělci vidí svět jako dojemně krásný a nádherně barevný.
webová stránka nabízí pohled na svět očima těchto čarodějů. Výběr obrazů pro vaši pozornost moderní impresionisté, mistrně zvládající barvy a světlo.

Díla bulharského umělce Tsviatka Kincheva ve stylu impresionismu jsou digitální obrazy: jsou vytvořeny na počítači, v Program Photoshop. Umělcovy neuvěřitelně bujné výtvory zdůrazňují krásu a jas okolního světa.

Nizozemský umělec William Henrits pracuje s akvarelem, akrylem a pastelem. Jeho výtvory jsou úžasná něžnost, zvonivý vzduch, který dýchají jeho barvy, jeho ladné linie. Williamovo dílo je známé po celém světě v podobě vysoce kvalitních plakátů a litografií.

Jurij Petrenko se narodil v Soči. Malování se profesionálně věnuje asi 20 let. Bohaté barvy, roztomilé domečky, lodě a moře. Jeho obrazy evokují horké slunce a slaný vánek. Jeho díla jsou v soukromých sbírkách téměř ve všech zemích světa.

Arménský umělec Hovik Zohrabyan se narodil do rodiny slavného umělce a sochaře Nikoghose Zohrabyana. Za charakteristickými tahy impresionismu se objevuje unikátní styl sám umělec. Jeho útulná barevná města a světlé domy jsou plné slunce a štěstí.

Linda Wilder je kanadská umělkyně. Linda ráda maluje krajiny a paletový nůž je jedním z jejích oblíbených nástrojů. S jasnými, přesnými tahy štětcem, jemnými odstíny a liniemi jsou Lindiny obrazy ve firemních i soukromých sbírkách v Kanadě a po celém světě.

Čínsko-americký umělec Ken Hong Lung má bystrý smysl pro barvy a ví, jak zprostředkovat kouzlo míru. Jeho rybářské vesnice a pobřežní krajiny se staly senzací v hongkongských uměleckých kruzích. Ken je považován za jednoho z nejlepších světových neoimpresionistických umělců. Je nazýván mistrem kouzelných krajin, snových nálad a magických odlesků světla a barev.

Johan Messeli žije a pracuje v Belgii. Jeho obrazy odrážejí útulný svět stinných provinčních dvorů, starých bran a laskavých oken. Johan ví, jak zprostředkovat mír a tiché štěstí neopatrnými tahy. Umělec pracuje s oleji a pastely.

Jill Charuk je současná kanadská umělkyně. Dvacet let pracovala v oděvním a interiérovém průmyslu. Miluje přehánění barev a zvýraznění kontrastů. Její živé obrazy získaly mezinárodní uznání a jsou součástí sbírek současného umění v Severní Americe, Mexiku a Evropě. Jill maluje především olejem a akrylem.

Na přelomu 19. a 20. století, kdy v americkém malířství dominovala dvě komerčně úspěšná a respektovaná hnutí – impresionismus a akademický realismus, se objevila a sílila touha některých umělců reflektovat skutečný moderní život města s jeho někdy krutými momenty, zobrazit neupravený život na okraji města, děti ulice, prostitutky, alkoholiky, život v činžovních domech. Věřili, že malba může být podobná žurnalistice, ačkoli mnozí z těchto umělců byli apolitičtí a neomezovali se na odrážení neduhů a chudoby městského života.

„...Moc jsem miloval města, miloval jsem majestátnost rychlá řeka,
Všechny ženy, všichni muži, které jsem poznal, mi byli blízcí...
... A žil jsem ve světě, miloval jsem Brooklyn - bohatý na kopce, byl můj,
A toulal jsem se po Manhattanu a plaval jsem ve slaných vodách omývajících ostrov…“
(Walt Whitman. Listy trávy. Na Brooklynském trajektu.)

Ideolog tohoto hnutí Robert Henry, fanoušek poezie Walta Whitmana, požadoval od svých studentů, aby jejich „barvy byly skutečné jako špína, jako hrudky koňského lejna a sníh v zimě na Broadwayi“. Kvůli své zálibě v takových předmětech dostalo toto hnutí přezdívku „škola na popelnice“ nebo „škola na popelnice“, která mu zůstala a používá se v literatuře dějin umění. Toto hnutí se setkalo s nevraživostí mnoha kritiků, po první výstavě jeden z nich pod pseudonymem „Jeweler“ napsal: „Na této výstavě bije do očí vulgárnost... Mohlo by to být krásné umění, ukazující naše boláky? Škola Garbage Pail School je někdy ztotožňována se skupinou Group of Eight, i když ne všichni (pouze 5) jejích členů byli její součástí a tři umělci, Davis, Lawson a Prendergast, vystupovali ve zcela jiném stylu.

Robert Henry(Cozad), (1865-1929), umělec, učitel, inspirátor „Školy na odpadky“ a organizátor skupiny „Eight“,

Narodil se v Cincinnati v rodině realitního developera a gamblera. V potyčce o vlastnictví půdy otec zastřelil svého protivníka a uprchl do Denveru, kam se později celá rodina přestěhovala a změnila si jméno a příjmení. Po dvou letech studia na Akademii výtvarných umění ve Filadelfii odjel mladý Robert do Paříže na Académie Julien studovat u akademických realistů.

Po cestě do Itálie se vrátil do Philadelphie a začal učit na School of Design for Women, byl považován za přirozeného učitele. Ve věku třiceti let Henry přišel na myšlenku, že je třeba vyvinout směr v malbě, který by kombinoval realismus a prvky impresionismu, a nazval to „nový akademismus“.

Jeho přátelé a následovníci se nepovažovali za jedinou organizovanou skupinu, ale výstava v Macbeth Gallery v New Yorku v roce 1908 upozornila na umělce nového hnutí a přinesla jim slávu. V roce 1910 Henry s pomocí Sloana uspořádal výstavu nezávislých umělců, na které se prodalo jen několik obrazů; umělci tohoto směru již byli nahrazováni novým moderním uměním, jehož hlasatel a „otec“ Robert Henry lze považovat.

Následující roky přinesly Henrymu popularitu, strávil spoustu času v Irsku a Santa Fe, učil na Students' League v New Yorku a měl velký vliv na rozvoj modernistického hnutí mezi svými studentskými umělci. V roce 1929 byl New York Council of the Arts jmenován jedním ze tří nejlepších žijících amerických umělců. Klasickými prvky jeho portrétního stylu jsou silné štětce, intenzivní barevné a světelné efekty, odraz osobnosti a duchovních kvalit člověka.

John French Sloan(1871-1951), jeden ze zakladatelů školy na odpadky, člen Osmičky, výtvarník a rytec.

Jeho otec měl umělecké schopnosti a povzbuzoval k tomu své děti raného dětství ke kreslení. Kvůli otcově nemoci začal brzy pracovat a díky práci prodavače v knihkupectví měl spoustu volného času na čtení, kreslení a kopírování děl Dürera a Rembrandta, které obdivoval. Začal také vyrábět lepty a prodávat je v obchodě a jeho pohlednice a kalendáře měly úspěch. Později pracoval jako ilustrátor a začal navštěvovat večerní kurzy na Philadelphia Academy of Fine Arts, kde potkal Roberta Henryho, který ho přesvědčil, aby se obrátil k malbě.

Složitá historie jeho rodinného života (alkoholismus a psychická labilita manželky, bývalé prostitutky, se kterou se seznámil v nevěstinci), zasáhla do jeho kreativity, a přestože do roku 1903 namaloval téměř 60 obrazů, stále neměl žádné jméno. uměleckého světa a svá díla prodávali málo. Po přesídlení do New Yorku pracoval na částečný úvazek v časopisech, kreslil politické karikatury, ilustroval knihy, účastnil se výstavy v Macbeth Gallery a poté, co zorganizovala putovní výstavu, se nakonec dostavil úspěch.

Po celý svůj další život byl Sloan věrný socialistickým myšlenkám, což se jistě odrazilo v jeho díle, ale kategoricky se ohradil proti výrokům kritiků o vědomé sociální orientaci jeho malby.

Koncem dvacátých let změnil Sloan nejen techniku, ale i náměty svých maleb ve prospěch aktů a portrétů, často s použitím podmalby a stínování, a už nikdy nedosáhl takové popularity, jakou měla jeho raná tvorba.

William J. Glakkens(1870-1938), také jeden ze zakladatelů školy na odpadky, se narodil ve Philadelphii, kde žilo mnoho generací jeho rodiny. Jeho bratr a sestra se také stali umělci. Sám William, který prokázal umělecké schopnosti ještě na škole, po absolutoriu pracoval jako výtvarník pro noviny, navštěvoval večerní kurz na Akademii výtvarných umění, kde potkal mladého Sloana, který ho seznámil s Robertem Henrym.

V roce 1895 cestoval Glakkens se skupinou umělců po Evropě, obdivoval obrazy velkých „Nizozemců“ a v Paříži se poprvé seznámil s uměním impresionistů, poté po celý život často jezdil malovat do Paříže a Jih Francie. Po návratu do Spojených států se Glakkens usadil v New Yorku a aktivně se podílel na výstavních aktivitách Garbage Pail School a Eight Group.

V jeho díle se stále více projevuje impresionistický směr, dokonce je nazýván „americkým Renoirem“ a na rozdíl od Sloana nebyl „společenským kronikářem“, ale „čistým“ umělcem, pro kterého byla umělecká forma, barva a smyslnost. prvořadý význam. Jeho paleta se v průběhu let rozjasňuje, jeho motivy mění význam, převládají krajiny, plážové scény a na sklonku života zátiší a portréty.

Jeho umění neodráží sociální problémy doby, doby Velké hospodářské krize, spíše naopak – „jeho obrazy jsou naplněny přízrakem štěstí, je posedlý rozjímáním o radosti“ (Leslie Keith, „The Persistence Williama Glackense, 1966“).

George Benjamin Lax(1867-1933) se narodil ve Williamsportu v rodině lékárníka, jeho matka byla amatérská umělkyně a hudebnice. Městečko v jižní Pensylvánii, poblíž uhelných polí, George brzy viděl chudobu a naučil se soucitu od svých rodičů, kteří pomáhali rodinám horníků.

Svůj pracovní život začal zpět v r dospívání, pracoval se svým bratrem ve vaudeville, ale velmi brzy si uvědomil, že chce být umělcem. Po krátkém studiu na Akademii výtvarných umění odešel do Evropy, studoval různé umělecké školy a stal se fanouškem španělské a nizozemské malby (zejména Velazqueze a Franse Halse) a Manetovy techniky. Po návratu do Philadelphie pracuje Lax jako ilustrátor pro noviny, setkává se s Glackensem, Sloanem a Shinnem, účastní se intelektuálních setkání s Robertem Henrym a po přestěhování do New Yorku a práci jako umělec pro Pulitzerův časopis se začíná více věnovat malbě. .

Angažuje se ve škole Garbage Pail School a Group of Eight, přispívá do debat o novém realismu a rozsáhle maluje, zobrazuje životy imigrantů, jejich etnickou rozmanitost, čerpá materiál z Lower East Side a Brooklynu. Kromě obrazů o životě v New Yorku maloval Lax krajiny a portréty, byl považován za mistra výrazných barevných a světelných efektů.

Lax byl originální osobnost, rozený rebel, hrdý na to, že ho okolí považovalo za „zlého chlapce“ amerického umění, vytvářel o sobě mýty, často pil až do bezvědomí, byl alkoholik a nakonec byl nalezen. zavražděn na chodbě v důsledku domácí rvačky.

Everett Shinn(1876-1953), narozený ve Woodstownu do kvakerské rodiny farmářů.

Jeho rané schopnosti mu umožnily začít vážně studovat základy kresby v 15 letech, o rok později navštěvovat Akademii výtvarných umění a v 17 letech začít pracovat jako výtvarník na plný úvazek v novinách. V roce 1897 se mladý Shinn přestěhoval do New Yorku a brzy se proslavil jako jeden z talentovaných realistů zobrazujících městský život, pouliční násilí, nehody a požáry.

Poté, co cestoval se svou ženou po Evropě, začal Shinn objevovat nová témata (divadlo, balet) a impresionistické prvky v malbě. Jako jediný z „Garbage Pail School“ a „Group of Eight“ má na svém kontě mnoho prací v pastelech, stejně jako nástěnné malby nejen v bytech manhattanské elity, ale také 18 nástěnných maleb pro slavné divadlo Broadway Belasco. . Shinn věřil, že „byl náhodným členem osmičky“, bez politické pozice a oddaný sociální život, ale odrážející kus americké reality počátku dvacátého století v realistickém a romantickém duchu.

Existuje předpoklad, že Everett Shinn sloužil jako prototyp pro umělce Eugena Whittlea v románu T. Dreisera „Genius“.

Ernest Lawson(1873-1939), narozen v Halifaxu, přišel do Spojených států, žil nejprve v Kansas City a poté v New Yorku, studoval na Art Students League u Touktmana, který ho přivedl k impresionismu.

Ve Francii se během studií na Julien Academy začal zajímat o plenér a setkal se se Sisley a Somersetem Maughamovými. Po návratu do Států vyvinul Lawson svůj vlastní estetický styl, hraničící s impresionismem a realismem, a byl nazýván „posledním impresionistou Ameriky“.

Hodně cestuje po zemi, maluje opuštěné krajiny, setkává se s umělci „Školy na odpadky“ a stává se členem skupiny „Eight“, ale na rozdíl od nich se vyhýbá dramatičnosti v zobrazování městského života a po účasti na výstava současného umění „Armory Show“, neodmítá realistické a impresionistické tendence, projevuje zájem o postimpresionismus, zejména Cezanna.

Lawsonovo dílo není tak známé jako jeho ostatní současníci, ale Robert Henry ho považoval za „největšího krajináře od Winslowa Hommera“. Utopil se za záhadných okolností při koupání na Miami Beach.

George Wesley Bellows(1882-1925), byl zesnulým a jediným dítětem v rodině dcery kapitána velrybářské lodi. Na Ohio State University studoval a úspěšně hrál baseball a basketbal a zároveň ilustroval univerzitní ročenku, snil o tom, že se stane profesionálním baseballovým hráčem a pracoval jako ilustrátor pro časopisy. V roce 1904, aniž by absolvoval univerzitu, se Bellows přestěhoval do New Yorku, vstoupil na School of Art, připojil se k umělcům Garbage Pail School a Group of Eight a pronajal si vlastní studio na Broadwayi.

Účast na výstavách se studenty Roberta Henryho a výuka na Art Students League mu přinesla slávu, ačkoli mnozí kritici považovali jeho práci za „hrubou“ nejen tematicky, ale také stylisticky.

Ve své tvorbě pokračoval v tématech městského života a sportu, Bellows také začal dostávat zakázky na portréty od bohaté elity a v létě maloval mořské krajiny v Maine.

Byl velmi zpolitizovaný, držel se socialistických a dokonce anarchistických názorů a pracoval jako ilustrátor pro socialistický časopis. V roce 1918 vytvořil sérii tisků a obrazů zachycujících zvěrstva spáchaná německými vojáky během invaze do Belgie.

Bellows také významně přispěl k litografii a ilustroval mnoho knih, včetně několika vydání H. G. Wellse. Zemřel ve věku 42 let na zánět pobřišnice po zpackané operaci a zanechal po sobě manželku, dvě dcery a velké množství obrazů a grafik, které jsou nyní v mnoha velkých amerických muzeích.

Následující dva umělce nelze plně přiřadit ani skupině „Popelnice“ ani skupině „Osm“, mají spíše blíže k modernistickému hnutí, jsou otevřenější experimentu, jejich tvorbu lze sledovat z dobrého důvodu považována za přechodnou fázi k postimpresionismu.

Arthur Bowen Davis(1853-1928), již v 15 letech se zúčastnil ve svém městě putovní výstavy, pořádané členy Hudson River School. Poté, co se jeho rodina přestěhovala do Chicaga, studoval na Akademii designu a po přestěhování do New Yorku studoval na Art Students League a pracoval jako ilustrátor pro časopis.

Komplex rodinné poměry(Davisova nevěra, přítomnost druhé nemanželské manželky a nemanželského dítěte) zanechaly otisk v jeho chování a tajnůstkářském charakteru, ale již v prvním roce po svatbě se Davisovy obrazy začaly úspěšně prodávat a začaly pravidelně cestovat do Evropy a díla Corota a Milleta mu pomohla zdokonalit jeho smysl pro barvy a vytvořit si svůj vlastní malířský styl.

Ve dvacátých letech byl uznáván jako jeden z nejuznávanějších a finančně nejúspěšnějších amerických umělců. Jako člen „osmičky“ byl hlavním organizátorem Armory Show, znalejší moderního umění než jeho soudruzi, působil jako poradce mnoha bohatých Newyorčanů při nákupech do jejich sbírek a pomáhal mnoha mladým umělcům s rady a peníze.

Arthur B. Davis je v americkém malířství anomálním fenoménem: jeho vlastní lyrický styl lze označit za zdrženlivý a konzervativní, ale jeho vkus a zájmy byly zcela avantgardní.

Maurice Brazil Prendergast(1858-1924) a jeho dvojče se narodili do rodiny obchodníka s obchodní poštou v Britské kolonii Severní Amerika. Po přestěhování do Bostonu se Maurice, který uměl kreslit, vyučil svým otcem jako komerční umělec, což vysvětluje jas a „plochost“ jeho práce.

Studium v ​​Paříži na Académie Colarossi a poté na Académie Julien, seznámení s tvorbou anglických a francouzských avantgardních umělců, studium děl Van Gogha a Seurata ho vlastně přivedlo k postimpresionismu. Prendergast byl jedním z prvních Američanů, kteří poznali Cézanna, pochopili jeho dílo a použili jeho expresivní metody podání formy a barvy. Po návratu do Bostonu v roce 1895 pracoval především v akvarelu.

A monotypy a po cestě do Itálie získal slávu a uznání kritiky za svá díla věnovaná Benátkám.

Setkává se s umělci ze Skupiny osmi, účastní se s nimi slavné výstavy v Macbeth Gallery v roce 1908 a Glakkens se stává jeho celoživotním přítelem. Sedm děl, které vystavoval na Armory Show, ukázalo jeho stylistickou vyspělost a konečnou oddanost postimpresionismu, jeho styl se objevil a kritiky ho výstižně popsali jako „tapisérie podobný“ nebo „mozaikový“.

Prendergast zůstal po celý život svobodným mládencem, možná kvůli přirozené plachosti, špatnému zdraví a těžké hluchotě v pozdějších letech.
Je zajímavé, že ani v následujících letech neztratil realistický trend v americké malbě na aktuálnosti a promítl se a rozvíjel v postimpresionismu, „magickém realismu“ a „regionalismu“. Ale o tom až příště.
A jako vždy promítání diapozitivů na toto téma, které obsahuje mnohem více reprodukcí.

"Hráči karet"

Autor

Paul Cezanne

Země Francie
Roky života 1839–1906
Styl postimpresionismu

Umělec se narodil na jihu Francie v malém městečku Aix-en-Provence, ale malovat začal v Paříži. Skutečný úspěch k němu přišel po osobní výstavě, kterou uspořádal sběratel Ambroise Vollard. V roce 1886, 20 let před svým odchodem, se přestěhoval na periférii rodné město. Mladí umělci nazývali výlety k němu „pouť do Aix“.

Rozměr 130 x 97 cm
1895
cena
250 milionů dolarů
prodáno v roce 2012
na soukromé aukci

Cézannova práce je snadno pochopitelná. Jediným pravidlem umělce bylo přímé přenesení předmětu nebo zápletky na plátno, takže jeho obrazy nepůsobí u diváka zmatek. Cezanne spojil ve svém umění dvě hlavní francouzské tradice: klasicismus a romantismus. Pomocí barevných textur dodal tvaru objektů úžasnou plasticitu.

Série pěti obrazů „Hráči karet“ byla namalována v letech 1890–1895. Jejich zápletka je stejná – několik lidí nadšeně hraje poker. Díla se liší pouze počtem hráčů a velikostí plátna.

Čtyři obrazy jsou uchovávány v muzeích v Evropě a Americe (Museum d'Orsay, Metropolitan Museum of Art, Barnes Foundation a Courtauld Institute of Art) a pátý byl donedávna ozdobou soukromé sbírky řeckého miliardáře. Georg Embirikos. Krátce před svou smrtí, v zimě 2011, se rozhodl dát ji do prodeje. Potenciálními kupci Cézannova „volného“ díla byli obchodník s uměním William Acquavella a světově proslulý galerista Larry Gagosian, kteří za něj nabídli asi 220 milionů dolarů. Výsledkem bylo, že obraz putoval královské rodině arabského státu Katar za 250 milionů.V únoru 2012 byl uzavřen největší obchod s uměním v dějinách malby. Informovala o tom novinářka Alexandra Pierceová ve Vanity Fair. Zjistila cenu obrazu i jméno nového majitele a informace pak pronikla do médií po celém světě.

V roce 2010 bylo v Kataru otevřeno Arabské muzeum moderního umění a Katarské národní muzeum. Nyní se jejich sbírky rozrůstají. Možná pátou verzi The Card Players získal šejk za tímto účelem.

Nejvícdrahé malováníve světě

Majitel
Sheikh Hamad
bin Khalifa al-Thani

Dynastie al-Thani vládne Kataru více než 130 let. Zhruba před půl stoletím zde byly objeveny obrovské zásoby ropy a plynu, které z Kataru v mžiku udělaly jednu z nejbohatších oblastí světa. Díky exportu uhlovodíků má tato malá země největší HDP na hlavu. Sheikh Hamad bin Khalifa al-Thani převzal moc v roce 1995, když byl jeho otec ve Švýcarsku, s podporou rodinných příslušníků. Zásluha současného vládce je podle odborníků v jasné strategii rozvoje země a ve vytváření úspěšné image státu. Katar má nyní ústavu a premiéra a ženy mají právo volit v parlamentních volbách. Mimochodem, byl to katarský emír, kdo založil zpravodajský kanál Al-Džazíra. Orgány arabského státu věnují kultuře velkou pozornost.

2

"Číslo 5"

Autor

Jackson Pollock

Země USA
Roky života 1912–1956
Styl abstraktní expresionismus

Jack the Sprinkler – tak přezdívala Pollockovi americká veřejnost pro jeho speciální malířskou techniku. Umělec opustil štětec a stojan a během neustálého pohybu kolem nich i uvnitř naléval barvu na povrch plátna nebo sololitu. Již od útlého věku se zajímal o filozofii Jiddu Krishnamurti, jejímž hlavním poselstvím je, že pravda je odhalena během volného „výlevu“.

Rozměry 122 x 244 cm
1948
cena
140 milionů dolarů
prodáno v roce 2006
na aukci Sotheby's

Hodnota Pollockovy práce nespočívá ve výsledku, ale v procesu. Není náhodou, že autor své umění nazval „akční malbou“. S ním lehká ruka stalo se největším bohatstvím Ameriky. Jackson Pollock smíchal barvu s pískem a rozbitým sklem a namaloval kusem lepenky, paletovým nožem, nožem a lopatkou. Umělec byl tak populární, že v 50. letech 20. století se našli napodobitelé i v SSSR. Obraz „Číslo 5“ je uznáván jako jeden z nejpodivnějších a nejdražších na světě. Jeden ze zakladatelů DreamWorks, David Geffen, jej koupil do soukromé sbírky a v roce 2006 jej prodal v aukci Sotheby's za 140 milionů dolarů mexickému sběrateli Davidu Martinezovi. Advokátní kancelář však brzy jménem svého klienta vydala tiskovou zprávu, v níž uvádí, že David Martinez není vlastníkem obrazu. Jen jedna věc je jistá: mexický finančník skutečně nedávno shromáždil díla moderního umění. Je nepravděpodobné, že by vynechal tak „velkou rybu“, jako je Pollockovo „Číslo 5“.

3

"Žena III"

Autor

Willem de Kooning

Země USA
Roky života 1904–1997
Styl abstraktní expresionismus

Rodák z Nizozemska emigroval do Spojených států v roce 1926. V roce 1948 se uskutečnilo osobní výstava umělec. Umělečtí kritici oceňovali složité, nervózní černobílé kompozice a uznávali jejich autora jako velkého modernistického umělce. Většinu života trpěl alkoholismem, ale radost z tvorby nového umění je cítit z každého díla. De Kooning se vyznačuje impulzivitou malby a širokými tahy, proto někdy obraz nezapadá do hranic plátna.

Rozměr 121 x 171 cm
1953
cena
137 milionů dolarů
prodáno v roce 2006
na soukromé aukci

V padesátých letech se na de Kooningových obrazech objevily ženy s prázdnýma očima, masivními prsy a ošklivými rysy obličeje. „Žena III“ bylo posledním dílem z této série, které bylo draženo.

Od 70. let byl obraz uchováván v Teheránském muzeu moderního umění, ale po zavedení přísných mravních pravidel v zemi se ho pokusili zbavit. V roce 1994 bylo dílo vyvezeno z Íránu a o 12 let později jeho majitel David Geffen (stejný producent, který prodal „Číslo 5“ Jacksona Pollocka) prodal obraz milionáři Stevenu Cohenovi za 137,5 milionu dolarů. Zajímavostí je, že během jednoho roku začal Geffen svou sbírku obrazů rozprodávat. To dalo vzniknout mnoha fámám: například, že se producent rozhodl koupit noviny Los Angeles Times.

Na jednom z uměleckých fór zazněl názor na podobnost „Ženy III“ s obrazem „Dáma s hranostajem“ od Leonarda da Vinciho. Za zubatým úsměvem a neforemnou postavou hrdinky znalec malby viděl ladnost osoby královské krve. Svědčí o tom i špatně nakreslená koruna korunující ženinu hlavu.

4

„Portrét AdeleBloch-Bauer I"

Autor

Gustav Klimt

Země Rakousko
Roky života 1862–1918
Styl moderní

Gustav Klimt se narodil v rodině rytce a byl druhým ze sedmi dětí. Tři synové Ernesta Klimta se stali umělci, ale pouze Gustav se proslavil po celém světě. Většinu dětství prožil v chudobě. Po smrti svého otce se stal zodpovědným za celou rodinu. Právě v této době Klimt rozvinul svůj styl. Každý divák před jeho obrazy ztuhne: pod tenkými čarami zlata je jasně vidět upřímná erotika.

Rozměry 138 x 136 cm
1907
cena
135 milionů dolarů
prodáno v roce 2006
na aukci Sotheby's

Osud obrazu, kterému se říká „rakouská Mona Lisa“, by se klidně mohl stát základem bestselleru. Umělcovo dílo vyvolalo konflikt mezi celým státem a jednou starší dámou.

Takže „Portrét Adele Bloch-Bauer I“ zobrazuje aristokratku, manželku Ferdinanda Blocha. Její poslední vůle bylo předat obrázek Rakušanovi státní galerie. Bloch však dar ve své závěti zrušil a nacisté obraz vyvlastnili. Později galerie s obtížemi koupila Zlatou Adélu, ale pak se objevila dědička - Maria Altmanová, neteř Ferdinanda Blocha.

V roce 2005 začal vysoce sledovaný proces „Maria Altmann proti Rakouské republice“, v důsledku čehož s ní film „odjel“ do Los Angeles. Rakousko přijalo bezprecedentní opatření: probíhala jednání o půjčkách, obyvatelstvo věnovalo peníze na koupi portrétu. Dobro nikdy neporazilo zlo: Altman zvýšil cenu na 300 milionů dolarů. V době soudního řízení jí bylo 79 let a do historie se zapsala jako osoba, která změnila Bloch-Bauerovu závěť ve prospěch osobních zájmů. Obraz koupil Ronald Lauder, majitel New Gallery v New Yorku, kde je dodnes. Ne pro Rakousko, pro něj Altman snížil cenu na 135 milionů dolarů.

5

"Výkřik"

Autor

Edvard Munch

Země Norsko
Roky života 1863–1944
Styl expresionismus

Munchova první malba, která se proslavila po celém světě, „Nemocná dívka“ (existuje pět kopií), je věnována umělcově sestře, která zemřela na tuberkulózu ve věku 15 let. Muncha vždy zajímalo téma smrti a osamělosti. V Německu jeho těžká maniakální malba dokonce vyvolala skandál. Navzdory depresivním tématům však jeho obrazy mají zvláštní magnetismus. Vezměte si například "Scream".

Rozměr 73,5 x 91 cm
1895
cena
119,992 milionů dolarů
prodáno v 2012
na aukci Sotheby's

Celý název obrazu je Der Schrei der Natur (přeloženo z němčiny jako „výkřik přírody“). Tvář člověka nebo mimozemšťana vyjadřuje zoufalství a paniku – stejné emoce, jaké divák prožívá při pohledu na obraz. Jedno z klíčových děl expresionismu varuje před tématy, která se v umění 20. století stala akutní. Podle jedné verze jej umělec vytvořil pod vlivem duševní poruchy, kterou trpěl celý život.

Obraz byl dvakrát ukraden z různých muzeí, ale byl vrácen. Lehce poškozená po krádeži byla The Scream obnovena a byla znovu připravena k vystavení v Munchově muzeu v roce 2008. Pro představitele popkultury se dílo stalo zdrojem inspirace: Andy Warhol vytvořil sérii jeho tištěných kopií a maska ​​z filmu „Scream“ byla vyrobena podle obrazu a podoby hrdiny obrázku.

Munch napsal čtyři verze díla pro jeden předmět: ta, která je v soukromé sbírce, je vyrobena v pastelech. Norský miliardář Petter Olsen jej dal 2. května 2012 do aukce. Kupujícím byl Leon Black, který nelitoval pro „Scream“ rekordní částka. Zakladatel Apollo Advisors, L.P. a Lví poradci, L.P. známý svou láskou k umění. Black je patronem Dartmouth College, Muzea moderního umění, Lincoln Art Center a Metropolitního muzea umění. Má největší sbírku obrazů současných umělců a klasičtí mistři minulých století.

6

"Nahý na pozadí poprsí a zelených listů"

Autor

Pablo Picasso

Země Španělsko, Francie
Roky života 1881–1973
Styl kubismus

Původem je Španěl, ale duchem a místem bydliště je skutečným Francouzem. Picasso si otevřel vlastní umělecké studio v Barceloně, když mu bylo pouhých 16 let. Poté odešel do Paříže a strávil tam většinu svého života. Proto má jeho příjmení dvojitý přízvuk. Styl, který vynalezl Picasso, je založen na popření myšlenky, že předmět zobrazený na plátně lze pozorovat pouze z jednoho úhlu.

Rozměr 130 x 162 cm
1932
cena
106,482 milionu dolarů
prodáno v roce 2010
na aukci Christie's

Během své práce v Římě se umělec setkal s tanečnicí Olgou Khokhlovou, která se brzy stala jeho manželkou. Skoncoval s tulákem a nastěhoval se k ní do luxusního bytu. Do té doby uznání našlo hrdinu, ale manželství bylo zničeno. Jeden z nejdražších obrazů na světě vznikl téměř náhodou - podle Velká láska, který, jako vždy u Picassa, měl krátké trvání. V roce 1927 se začal zajímat o mladou Marii-Therese Walterovou (bylo jí 17 let, jemu 45). Tajně od své manželky odešel se svou milenkou do města nedaleko Paříže, kde namaloval portrét, zobrazující Marii-Therese v podobě Daphne. Plátno koupil newyorský dealer Paul Rosenberg a v roce 1951 ho prodal Sidneymu F. Brodymu. Brodyovi obraz ukázali světu jen jednou a to jen proto, že umělci bylo 80 let. Po smrti svého manžela dala paní Brodyová dílo v březnu 2010 do aukce v Christie’s. Za šest desetiletí se cena zvýšila více než 5000krát! Neznámý sběratel ho koupil za 106,5 milionu dolarů. V roce 2011 se v Británii konala „výstava jednoho obrazu“, kde byl uveden již podruhé, ale jméno majitele je stále neznámé.

7

"Osm Elvisů"

Autor

Andy Warhole

Země USA
Roky života 1928-1987
Styl
populární umění

„Sex a večírky jsou jediná místa, kde se musíte objevit osobně,“ řekl kultovní pop-artový umělec, režisér, jeden ze zakladatelů časopisu Interview, designér Andy Warhol. Spolupracoval s Vogue a Harper's Bazaar, navrhoval obaly desek a navrhoval boty pro společnost I.Miller. V 60. letech se objevily obrazy zobrazující symboly Ameriky: polévku Campbell's a Coca-Cola, Presleyho a Monroe - což z něj udělalo legendu.

Rozměry 358 x 208 cm
1963
cena
100 milionů dolarů
prodáno v roce 2008
na soukromé aukci

Warhol 60s bylo jméno dané éře pop artu v Americe. V roce 1962 pracoval na Manhattanu ve studiu Factory, kde se sešli všichni bohémové z New Yorku. Její významní představitelé: Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote a další známé osobnosti světa. Warhol zároveň vyzkoušel techniku ​​sítotisku – opakované opakování jednoho obrázku. Tuto metodu použil také při tvorbě „Osm Elvisů“: divák jako by viděl záběry z filmu, kde hvězda ožívá. Zde je vše, co umělec tak miloval: oboustranně výhodný veřejný obraz, stříbrná barva a předtucha smrti jako hlavní poselství.

Warholovo dílo dnes na světovém trhu propagují dva obchodníci s uměním: Larry Gagosian a Alberto Mugrabi. První jmenovaný utratil v roce 2008 200 milionů dolarů na získání více než 15 Warholových děl. Druhý kupuje a prodává své obrazy jako vánoční přání, jen za vyšší cenu. Ale nebyli to oni, ale skromný francouzský umělecký poradce Philippe Segalot, kdo pomohl římskému znalci umění Annibale Berlinghierimu prodat „Osm Elvisů“ neznámému kupci za rekordní částku pro Warhola – 100 milionů dolarů.

8

"Oranžový,Červená žlutá"

Autor

Mark Rothko

Země USA
Roky života 1903–1970
Styl abstraktní expresionismus

Jeden z tvůrců barevného pole malby se narodil v ruském Dvinsku (dnes Daugavpils, Lotyšsko) do velké rodiny židovského lékárníka. V roce 1911 emigrovali do USA. Rothko studoval na katedře umění na Yaleově univerzitě a získal stipendium, ale antisemitské nálady ho donutily studia opustit. Umělečtí kritici navzdory všemu umělce zbožňovali a muzea ho pronásledovala celý život.

Rozměr 206 x 236 cm
1961
cena
86,882 milionů dolarů
prodáno v roce 2012
na aukci Christie's

První Rothkovy umělecké experimenty byly surrealistického zaměření, ale postupem času zjednodušil děj na barevné skvrny, čímž je zbavil jakékoli objektivity. Nejprve měly jasné odstíny a v 60. letech se staly hnědými a fialovými, které v době umělcovy smrti zhoustly do černé. Mark Rothko varoval před hledáním jakéhokoli smyslu v jeho obrazech. Autor chtěl říci přesně to, co řekl: pouze barva rozpouštějící se ve vzduchu a nic víc. Doporučil prohlížet díla ze vzdálenosti 45 cm, aby byl divák „vtažen“ do barvy jako do trychtýře. Pozor: nahlížení podle všech pravidel může vést k efektu meditace, tedy uvědomění si nekonečna, úplného ponoření se do sebe, postupně přichází relaxace a očista. Barva v jeho obrazech žije, dýchá a má silný emocionální dopad (říká se, že někdy léčí). Umělec prohlásil: „Divák by měl při pohledu na ně plakat,“ a takové případy se skutečně staly. Podle Rothkovy teorie v tuto chvíli lidé prožívají stejnou duchovní zkušenost jako on při práci na obraze. Pokud jste to dokázali pochopit na tak jemné úrovni, nebudete překvapeni, že tato díla abstraktního umění bývají kritiky přirovnávána k ikonám.

Dílo „Oranžová, červená, žlutá“ vyjadřuje podstatu malby Marka Rothka. Jeho počáteční cena na aukci Christie’s v New Yorku je 35–45 milionů dolarů. Neznámý kupec nabídl cenu dvojnásobnou oproti odhadu. Jméno šťastného majitele obrazu, jak se často stává, není zveřejněno.

9

"triptych"

Autor

Francis Bacon

Země
Velká Británie
Roky života 1909–1992
Styl expresionismus

Dobrodružství Francise Bacona, úplného jmenovce a také vzdáleného potomka velkého filozofa, začala, když se ho jeho otec zřekl, nedokázal přijmout synovy homosexuální sklony. Bacon šel nejprve do Berlína, pak do Paříže, a pak se jeho stopy po celé Evropě zamotaly. Za jeho života byla jeho díla vystavována ve vedení kulturních center světa, včetně Guggenheimova muzea a Treťjakovské galerie.

147,5 x 198 cm (každý)
1976
cena
86,2 milionů dolarů
prodáno v roce 2008
na aukci Sotheby's

Prestižní muzea se snažila vlastnit Baconovy obrazy, ale prvotřídní anglická veřejnost s hledáním takového umění nijak nespěchala. Legendární britská premiérka Margaret Thatcherová o něm řekla: „Muž, který maluje tyto děsivé obrazy.

Sám umělec považoval poválečné období za výchozí období ve své tvorbě. Po návratu ze služby se znovu pustil do malby a vytvořil velká mistrovská díla. Před účastí na „Triptychu, 1976“ byla Baconova nejdražší práce „Studie k portrétu papeže Inocence X“ (52,7 milionů dolarů). V „Triptychu, 1976“ umělec ztvárnil mýtickou zápletku pronásledování Oresta běsy. Orestes je samozřejmě sám Bacon a Fúrie jsou jeho muka. Více než 30 let byl obraz v soukromé sbírce a neúčastnil se výstav. Tato skutečnost mu dává zvláštní hodnotu a v důsledku toho zvyšuje náklady. Co je ale pár milionů pro znalce umění, a ještě k tomu štědrého? Roman Abramovich začal vytvářet svou kolekci v 90. letech 20. století, ve které ho výrazně ovlivnila jeho přítelkyně Dasha Zhukova, která se stala módní galeristkou v moderním Rusku. Podle neoficiálních údajů podnikatel osobně vlastní díla Alberta Giacomettiho a Pabla Picassa zakoupená za částky přesahující 100 milionů dolarů. V roce 2008 se stal majitelem Triptychu. Mimochodem, v roce 2011 bylo získáno další cenné dílo Bacona - „Tři náčrty pro portrét Luciana Freuda“. Skryté zdroje říkají, že kupcem se opět stal Roman Arkadyevič.

10

"Jezírko s lekníny"

Autor

Claude Monet

Země Francie
Roky života 1840–1926
Styl impresionismus

Umělec je uznáván jako zakladatel impresionismu, který si tuto metodu „patentoval“ na svá plátna. Prvním významným dílem byl obraz „Luncheon on the Grass“ (původní verze díla Edouarda Maneta). V mládí kreslil karikatury a skutečné malování vzal během svých cest podél pobřeží a dále venku. V Paříži vedl bohémský způsob života a neopustil ho ani po službě v armádě.

210x100 cm
1919
cena
80,5 milionu dolarů
prodáno v roce 2008
na aukci Christie's

Kromě toho, že byl Monet velkým umělcem, byl také nadšený pro zahradničení a miloval divoká zvěř a květiny. V jeho krajinách je stav přírody momentální, objekty jako by byly rozmazané pohybem vzduchu. Dojem umocňují velké tahy, od určité vzdálenosti se stávají neviditelnými a splývají v texturovaný, trojrozměrný obraz. V obrazech pozdního Moneta zaujímá téma vody a života v ní zvláštní místo. Ve městě Giverny měl umělec vlastní rybník, kde pěstoval lekníny ze semínek, které si speciálně přivezl z Japonska. Když jejich květy rozkvetly, začal malovat. Série „Lekníny“ se skládá ze 60 děl, která umělec maloval téměř 30 let až do své smrti. Jeho zrak se věkem zhoršoval, ale nepřestával. V závislosti na větru, roční době a počasí se podoba rybníka neustále měnila a Monet chtěl tyto změny zachytit. Pečlivou prací došel k pochopení podstaty přírody. Některé z obrazů v sérii jsou uloženy v předních galeriích na světě: národní muzeum Western Art (Tokio), Orangerie (Paříž). Verze dalšího „Jezírka s lekníny“ šla do rukou neznámého kupce za rekordní částku.

11

Falešná hvězda t

Autor

Jasper Johns

Země USA
Rok narození 1930
Styl populární umění

V roce 1949 Jones vstoupil na designovou školu v New Yorku. Spolu s Jacksonem Pollockem, Willemem de Kooningem a dalšími je uznáván jako jeden z hlavních umělců 20. století. V roce 2012 obdržel prezidentskou medaili svobody, nejvyšší civilní vyznamenání ve Spojených státech.

137,2 x 170,8 cm
1959
cena
80 milionů dolarů
prodáno v roce 2006
na soukromé aukci

Stejně jako Marcel Duchamp i Jones pracoval se skutečnými předměty, zobrazoval je na plátně a v sochařství plně v souladu s originálem. Pro svá díla používal jednoduché a srozumitelné předměty: pivní láhev, vlajku nebo karty. Ve filmu Falešný start není jasná kompozice. Zdá se, že umělec si hraje s divákem, často „špatně“ označuje barvy na obraze a převrací samotný koncept barvy: „Chtěl jsem najít způsob, jak barvu zobrazit, aby ji bylo možné určit jinou metodou.“ Jeho nejvýbušnější a „nejistý“ obraz podle kritiků získal neznámý kupec.

12

"Sedětaktna gauči"

Autor

Amedeo Modigliani

Země Itálie, Francie
Roky života 1884–1920
Styl expresionismus

Modigliani byl od dětství často nemocný, v horečnatém deliriu poznal svůj umělecký osud. Studoval kresbu v Livornu, Florencii, Benátkách a v roce 1906 odešel do Paříže, kde jeho umění vzkvétalo.

65x100 cm
1917
cena
68,962 milionů dolarů
prodáno v roce 2010
na aukci Sotheby's

V roce 1917 se Modigliani setkal s 19letou Jeanne Hebuterne, která se stala jeho modelkou a poté manželkou. V roce 2004 byl jeden z jejích portrétů prodán za 31,3 milionu dolarů, což byl poslední rekord před prodejem „Nude Seated on a Sofa“ v roce 2010. Obraz byl zakoupen neznámým kupcem za maximální cenu pro Modiglianiho v tuto chvíli. Aktivní prodej děl začal až po umělcově smrti. Zemřel v chudobě, nemocný tuberkulózou, a další den Jeanne Hebuterne, která byla v devíti měsících těhotenství, také spáchala sebevraždu.

13

"Orel na borovici"

Autor

Qi Baishi

Země Čína
Roky života 1864–1957
Styl Guohua

Zájem o kaligrafii přivedl Qi Baishi k malbě. Ve věku 28 let se stal žákem umělce Hu Qingyuan. Čínské ministerstvo kultury mu udělilo titul „Velký umělec čínského lidu“ a v roce 1956 obdržel Mezinárodní cenu míru.

10x26 cm
1946
cena
65,4 milionu dolarů
prodáno v roce 2011
na aukci China Guardian

Qi Baishi se zajímal o ty projevy okolního světa, kterým mnozí nepřikládají důležitost, a to je jeho velikost. Muž bez vzdělání se stal profesorem a vynikajícím tvůrcem historie. Pablo Picasso o něm řekl: „Bojím se jít do vaší země, protože v Číně je Qi Baishi. Skladba „Orel na borovici“ je uznávána jako největší dílo umělce. Kromě plátna obsahuje dva hieroglyfické svitky. Pro Čínu představuje částka, za kterou bylo dílo zakoupeno, rekord – 425,5 milionu jüanů. Jen svitek starověkého kaligrafa Huang Tingjian se prodal za 436,8 milionů.

14

"1949-A-No. 1"

Autor

Clyfford Still

Země USA
Roky života 1904–1980
Styl abstraktní expresionismus

Ve 20 letech jsem navštívil Metropolitní muzeum umění v New Yorku a byl jsem zklamán. Později se přihlásil do kurzu Studentské umělecké ligy, ale odešel 45 minut po začátku třídy - ukázalo se, že to „není pro něj“. První osobní výstava vyvolala ohlas, umělec našel sám sebe a s ním i uznání

Rozměr 79 x 93 cm
1949
cena
61,7 milionu dolarů
prodáno v roce 2011
na aukci Sotheby's

Všechna svá díla, více než 800 pláten a 1600 děl na papíře, přesto odkázal americkému městu, kde bude otevřeno muzeum pojmenované po něm. Takovým městem se stal Denver, ale samotná výstavba byla pro úřady drahá a k jejímu dokončení byla čtyři díla dána do aukce. Stillova díla se pravděpodobně nebudou znovu dražit, což předem zvýšilo jejich cenu. Obraz „1949-A-No.1“ byl pro umělce prodán za rekordní částku, ačkoli odborníci předpovídali prodej maximálně za 25–35 milionů dolarů.

15

"Suprematistické složení"

Autor

Kazimír Malevič

Země Rusko
Roky života 1878–1935
Styl Suprematismus

Malevich studoval malbu na Kyjevské umělecké škole a poté na Moskevské akademii umění. V roce 1913 začal malovat abstraktní geometrické obrazy ve stylu, který nazval suprematismus (z latiny „dominance“).

Rozměr 71 x 88,5 cm
1916
cena
60 milionů dolarů
prodáno v roce 2008
na aukci Sotheby's

Obraz byl asi 50 let uchováván v amsterdamském městském muzeu, ale po 17 letech sporu s Malevichovými příbuznými jej muzeum vydalo. Umělec namaloval toto dílo ve stejném roce jako „Manifest suprematismu“, takže Sotheby’s ještě před aukcí oznámila, že se neprodá za méně než 60 milionů dolarů. soukromá sbírka. A tak se také stalo. Je lepší se na to dívat shora: postavy na plátně připomínají letecký pohled na zemi. Mimochodem, o několik let dříve titíž příbuzní vyvlastnili další „suprematistickou kompozici“ z muzea MoMA, aby ji prodali v aukci Phillips za 17 milionů dolarů.

16

"koupači"

Autor

Paul Gauguin

Země Francie
Roky života 1848–1903
Styl postimpresionismu

Do svých sedmi let žil umělec v Peru, poté se s rodinou vrátil do Francie, ale vzpomínky na dětství ho neustále hnaly k cestování. Ve Francii začal malovat a spřátelil se s Van Goghem. Strávil s ním dokonce několik měsíců v Arles, dokud mu Van Gogh během hádky neuřízl ucho.

Rozměr 93,4 x 60,4 cm
1902
cena
55 milionů dolarů
prodáno v roce 2005
na aukci Sotheby's

V roce 1891 Gauguin zorganizoval prodej svých obrazů, aby výtěžek použil na cestu hluboko na ostrov Tahiti. Tam vytvořil díla, ve kterých je cítit jemné spojení přírody a člověka. Gauguin žil v doškové chýši a na jeho plátnech kvetl tropický ráj. Jeho manželkou byla 13letá tahitská Tehura, což umělci nezabránilo v promiskuitních vztazích. Poté, co se nakazil syfilidou, odešel do Francie. Na Gauguina tam však bylo plno a vrátil se na Tahiti. Toto období se nazývá „druhý Tahitian“ - tehdy byl namalován obraz „Koupající se“, jeden z nejluxusnějších v jeho díle.

17

"Narcisy a ubrus v modrých a růžových tónech"

Autor

Henri Matisse

Země Francie
Roky života 1869–1954
Styl fauvismus

V roce 1889 utrpěl Henri Matisse záchvat apendicitidy. Když se zotavoval po operaci, matka mu koupila barvy. Matisse nejprve z nudy kopíroval barevné pohlednice, pak kopíroval díla velkých malířů, které viděl v Louvru, a na začátku 20. století přišel se stylem - fauvismem.

Rozměr 65,2 x 81 cm
1911
cena
46,4 milionu dolarů
prodáno v roce 2009
na aukci Christie's

Obraz „Narcisy a ubrus v modré a růžové tóny» na dlouhou dobu patřil Yves Saint Laurent. Po smrti návrháře přešla celá jeho umělecká sbírka do rukou jeho přítele a milence Pierra Bergera, který se ji rozhodl dát do aukce v Christie’s. Perličkou prodávané kolekce byl obraz „Narcisy a ubrus v modrých a růžových tónech“, malovaný na obyčejný ubrus místo plátna. Jako příklad fauvismu je naplněn energií barev, barvy jako by explodovaly a křičely. Ze slavné série obrazů malovaných na ubrusy je dnes toto dílo jediné, které je v soukromé sbírce.

18

"Spící dívka"

Autor

RoyiZávětří

htenstein

Země USA
Roky života 1923–1997
Styl populární umění

Umělec se narodil v New Yorku a po absolvování školy odešel do Ohia, kde absolvoval umělecké kurzy. V roce 1949 Lichtenstein získal titul Master of Fine Arts. Záliba v komiksech a schopnost používat ironii z něj udělaly kultovního umělce minulého století.

Rozměr 91 x 91 cm
1964
cena
44,882 milionů dolarů
prodáno v roce 2012
na aukci Sotheby's

Jednoho dne padla Lichtensteinovi do rukou žvýkačka. Obraz z přílohy překreslil na plátno a stal se slavným. Tento příběh z jeho biografie obsahuje celé poselství pop-artu: konzum je nový bůh a neexistuje žádný obal na bonbóny. méně krásy než v Mona Lisa. Jeho obrazy připomínají komiksy a karikatury: Lichtenstein hotový obraz jednoduše zvětšil, nakreslil rastry, použil sítotisk a sítotisk. Obraz „Spící dívka“ patřil téměř 50 let sběratelům Beatrice a Philipu Gershovým, jejichž dědicové jej prodali v aukci.

19

"Vítězství. Boogie Woogie"

Autor

Piet Mondrian

Země Holandsko
Roky života 1872–1944
Styl neoplasticismus

Když se umělec v roce 1912 přestěhoval do Paříže, změnil své skutečné jméno, Cornelis, na Mondrian. Spolu s umělcem Theo van Doesburgem založil hnutí neoplasticismus. Programovací jazyk Piet je pojmenován po Mondrianovi.

Rozměr 27 x 127 cm
1944
cena
40 milionů dolarů
prodáno v roce 1998
na aukci Sotheby's

„Nejmuzikálnější“ výtvarník 20. století se živil akvarelovými zátišími, i když proslul jako neoplastický umělec. Ve 40. letech se přestěhoval do USA a strávil tam zbytek života. Nejvíce ho inspiroval jazz a New York! Obraz „Vítězství. Boogie Woogie" - nejlepší příklad. Charakteristické úhledné čtverce byly dosaženy pomocí lepicí pásky, Mondrianova oblíbeného materiálu. V Americe byl nazýván „nejslavnějším přistěhovalcem“. V šedesátých letech uvedl Yves Saint Laurent světově proslulé „Mondrian“ šaty s velkými kostkovanými potisky.

20

"Složení č. 5"

Autor

BazalkaKandinského

Země Rusko
Roky života 1866–1944
Styl avantgarda

Umělec se narodil v Moskvě a jeho otec pocházel ze Sibiře. Po revoluci se snažil spolupracovat s Sovětská moc, ale brzy pochopil, že zákony proletariátu nebyly vytvořeny pro něj, a ne bez potíží emigroval do Německa.

Rozměr 275 x 190 cm
1911
cena
40 milionů dolarů
prodáno v roce 2007
na aukci Sotheby's

Kandinskij byl jedním z prvních, kdo zcela opustil malbu objektů, za což získal titul génia. Během nacismu v Německu byly jeho obrazy klasifikovány jako „degenerované umění“ a nebyly nikde vystaveny. V roce 1939 přijal Kandinsky francouzské občanství a v Paříži se svobodně účastnil uměleckého procesu. Jeho obrazy „znějí“ jako fugy, a proto se mnohým říká „kompozice“ (první byla napsána v roce 1910, poslední v roce 1939). „Kompozice č. 5“ je jedním z klíčových děl tohoto žánru: „Slovo „kompozice“ mi znělo jako modlitba,“ řekl umělec. Na rozdíl od mnoha svých následovníků plánoval, co zobrazí na obrovském plátně, jako by si psal poznámky.

21

„Studie ženy v modrém“

Autor

Fernand Léger

Země Francie
Roky života 1881–1955
Styl kubismus-postimpresionismus

Léger získal architektonické vzdělání a poté navštěvoval Ecole des Beaux-Arts v Paříži. Umělec se považoval za stoupence Cézanna, byl zastáncem kubismu a ve 20. století byl úspěšný i jako sochař.

Rozměr 96,5 x 129,5 cm
1912–1913
cena
39,2 milionu dolarů
prodáno v roce 2008
na aukci Sotheby's

David Norman, prezident mezinárodního oddělení impresionismu a modernismu v Sotheby's, považuje ohromnou částku zaplacenou za „Dámu v modrém“ za zcela oprávněnou. Obraz patří do slavné Légerovy sbírky (umělec namaloval tři obrazy na stejné téma, poslední z nich je dnes v soukromých rukou - pozn. red.) a povrch plátna se dochoval v původní podobě. Sám autor toto dílo předal galerii Der Sturm, poté skončilo ve sbírce německého sběratele moderny Hermanna Langa a nyní patří neznámému kupci.

22

„Pouliční scéna. Berlín"

Autor

Ernst LudwigKirchner

Země Německo
Roky života 1880–1938
Styl expresionismus

Pro německý expresionismus se Kirchner stal ikonickou osobou. Místní úřady ho však obvinily z lpění na „degenerovaném umění“, což tragicky ovlivnilo osud jeho obrazů i život umělce, který v roce 1938 spáchal sebevraždu.

Rozměr 95 x 121 cm
1913
cena
38,096 milionu dolarů
prodáno v roce 2006
na aukci Christie's

Po přestěhování do Berlína Kirchner vytvořil 11 skic pouličních scén. Inspiroval ho zmatek a nervozita velkoměsto. Na obraze, prodaném v roce 2006 v New Yorku, je úzkostný stav umělce obzvláště silně cítit: lidé na berlínské ulici připomínají ptáky - půvabné a nebezpečné. Bylo to poslední dílo ze slavné série prodané v aukci, zbytek je uložen v muzeích. V roce 1937 zacházeli nacisté s Kirchnerem tvrdě: 639 jeho děl bylo odstraněno z německých galerií, zničeno nebo prodáno do zahraničí. Umělec to nemohl přežít.

23

"Výletník"tanečník"

Autor

Edgar Degas

Země Francie
Roky života 1834–1917
Styl impresionismus

Historie Degase jako umělce začala jeho prací jako opisovač v Louvru. Snil o tom, že se stane „slavným a neznámým“, a nakonec se mu to podařilo. Na konci svého života, hluchý a slepý, 80letý Degas nadále navštěvoval výstavy a aukce.

Rozměr 64 x 59 cm
1879
cena
37,043 milionů dolarů
prodáno v roce 2008
na aukci Sotheby's

"Baleríny pro mě vždy byly jen záminkou k zobrazení látek a zachycení pohybu," řekl Degas. Zdá se, že scény ze života tanečnic byly špehovány: dívky pro umělce nepózují, ale prostě se stávají součástí atmosféry zachycené Degasovým pohledem. „Resting Dancer“ byl prodán za 28 milionů $ v roce 1999 a o necelých 10 let později byl koupen za 37 milionů $ – dnes je to nejdražší dílo umělce, jaké kdy bylo dáno do aukce. Degas věnoval rámům velkou pozornost, sám je navrhoval a zakázal je měnit. Zajímalo by mě, jaký rám je nainstalován na prodávaném obrazu?

24

"Malování"

Autor

Joan Miro

Země Španělsko
Roky života 1893–1983
Styl abstraktní umění

Během španělské občanské války byl umělec na republikánské straně. V roce 1937 uprchl před fašistickým režimem do Paříže, kde žil v chudobě se svou rodinou. V tomto období Miro namaloval obraz „Pomoc Španělsku!“, čímž upozornil celý svět na dominanci fašismu.

Rozměry 89 x 115 cm
1927
cena
36,824 milionu dolarů
prodáno v roce 2012
na aukci Sotheby's

Druhý název obrazu je „Modrá hvězda“. Umělec jej namaloval ve stejném roce, kdy oznámil: „Chci zabít malbu“ a nemilosrdně se posmíval plátnům, škrábal barvu hřebíky, lepil peří na plátno, pokrýval díla odpadky. Jeho cílem bylo vyvrátit mýty o záhadě malby, ale když se s tím Miro vyrovnal, vytvořil svůj vlastní mýtus - surrealistickou abstrakci. Jeho „Obraz“ patří do cyklu „obrazů snů“. V aukci o něj bojovali čtyři kupci, ale jeden inkognito telefonát spor vyřešil a „Obraz“ se stal nejdražším malířovým obrazem.

25

"Modrá růže"

Autor

Yves Klein

Země Francie
Roky života 1928–1962
Styl monochromatická malba

Umělec se narodil do malířské rodiny, ale studoval orientální jazyky, navigaci, řemeslo zlacení rámů, zen buddhismus a mnoho dalšího. Jeho osobnost a drzé dovádění byly mnohokrát zajímavější než monochromní obrazy.

Rozměry 153 x 199 x 16 cm
1960
cena
36,779 milionu dolarů
prodáno v roce 2012
na aukci Christie's

První výstava jednobarevných žlutých, oranžových a růžových děl zájem veřejnosti nevzbudila. Klein se urazil a příště představil 11 stejných pláten, natřených ultramarínem smíchaným se speciální syntetickou pryskyřicí. Tuto metodu si dokonce nechal patentovat. Barva vešla do historie jako „mezinárodní Kleinova modrá“. Umělec také prodával prázdnotu, vytvářel obrazy vystavováním papíru dešti, zapalováním kartonu, otiskováním lidského těla na plátno. Jedním slovem, experimentoval jsem, jak nejlépe jsem mohl. K vytvoření „Blue Rose“ jsem použil suché pigmenty, pryskyřice, oblázky a přírodní houbu.

26

„Při hledání Mojžíše“

Autor

Sir Lawrence Alma-Tadema

Země Velká Británie
Roky života 1836–1912
Styl neoklasicismus

Sám sir Lawrence přidal ke svému příjmení předponu „alma“, aby mohl být uveden na prvním místě v uměleckých katalozích. Ve viktoriánské Anglii byly jeho obrazy tak žádané, že umělec získal rytířský titul.

213,4 x 136,7 cm
1902
cena
35,922 milionů dolarů
prodáno v roce 2011
na aukci Sotheby's

Hlavním tématem Alma-Tademovy tvorby byla antika. Ve svých obrazech se snažil do nejmenších detailů vykreslit éru římské říše, prováděl proto dokonce archeologické vykopávky na Apeninském poloostrově a ve svém londýnském domě reprodukoval historický interiér těchto let. Mytologické předměty se pro něj stal dalším zdrojem inspirace. Umělec byl za svého života extrémně žádaný, ale po jeho smrti byl rychle zapomenut. Nyní zájem ožívá, o čemž svědčí cena obrazu „Hledá se Mojžíš“, která je sedmkrát vyšší, než předprodejní odhad.

27

„Portrét spícího nahého úředníka“

Autor

Lucian Freud

Země Německo,
Velká Británie
Roky života 1922–2011
Styl figurativní malba

Umělec je vnukem Sigmunda Freuda, otce psychoanalýzy. Po nastolení fašismu v Německu jeho rodina emigrovala do Velké Británie. Freudova díla jsou v muzeu Wallace Collection v Londýně, kde dosud žádný současný umělec nevystavoval.

219,1 x 151,4 cm
1995
cena
33,6 milionu dolarů
prodáno v roce 2008
na aukci Christie's

sbohem módní umělci 20. století vytvořilo pozitivní „barevné skvrny na zdi“ a prodalo je za miliony, Freud maloval extrémně naturalistické obrazy a prodával je za ještě více. "Zachycuji výkřiky duše a utrpení blednoucího těla," řekl. Kritici věří, že toto vše je „dědictvím“ Sigmunda Freuda. Obrazy byly tak aktivně vystavovány a úspěšně prodávány, že odborníci začali pochybovat: mají hypnotické vlastnosti? Portrét nahého spícího úředníka, prodaný v aukci, podle Sunu koupil znalec krásy a miliardář Roman Abramovič.

28

"Housle a kytara"

Autor

Xjeden Gris

Země Španělsko
Roky života 1887–1927
Styl kubismus

Narodil se v Madridu, kde vystudoval Školu umění a řemesel. V roce 1906 se přestěhoval do Paříže a vstoupil do okruhu nejvlivnějších umělců té doby: Picassa, Modiglianiho, Braqueho, Matisse, Légera a spolupracoval také se Sergejem Diaghilevem a jeho souborem.

5x100 cm
1913
cena
28,642 milionů dolarů
prodáno v roce 2010
na aukci Christie's

Gris se podle svých vlastních slov zabýval „planární barevnou architekturou“. Jeho obrazy jsou precizně promyšlené: nezanechal jediný náhodný tah, díky čemuž je kreativita podobná geometrii. Umělec vytvořil svou vlastní verzi kubismu, ačkoli velmi respektoval Pabla Picassa, zakladatele hnutí. Nástupce mu dokonce věnoval své první dílo v kubistickém stylu „Pocta Picassovi“. Obraz „Housle a kytara“ je v umělcově díle uznáván jako vynikající. Během svého života byl Gris slavný a oblíbený u kritiků a uměleckých kritiků. Jeho díla jsou vystavována v největších světových muzeích a jsou uchovávána v soukromých sbírkách.

29

"PortrétEluardova pole"

Autor

Salvador dali

Země Španělsko
Roky života 1904–1989
Styl surrealismus

"Surrealismus jsem já," řekl Dalí, když byl vyloučen ze surrealistické skupiny. Postupem času se stal nejznámějším surrealistickým umělcem. Dalího práce je všude, nejen v galeriích. Byl to například on, kdo vymyslel obal pro Chupa Chups.

25 x 33 cm
1929
cena
20,6 milionu dolarů
prodáno v roce 2011
na aukci Sotheby's

V roce 1929 přijel básník Paul Eluard a jeho ruská manželka Gala navštívit velkého provokatéra a rváče Dalího. Setkání bylo začátkem milostného příběhu, který trval více než půl století. Během této historické návštěvy byl namalován obraz „Portrét Paula Eluarda“. „Cítil jsem, že mi byla svěřena zodpovědnost zachytit tvář básníka, z jehož Olympu jsem ukradl jednu z múz,“ řekl umělec. Než se setkal s Galou, byl panna a byl znechucen při pomyšlení na sex se ženou. Milostný trojúhelník existovala až do smrti Eluarda, po které se stala duetem Dali-Gala.

30

"Výročí"

Autor

Marc Chagall

Země Rusko, Francie
Roky života 1887–1985
Styl avantgarda

Moishe Segal se narodil ve Vitebsku, ale v roce 1910 emigroval do Paříže, změnil si jméno a sblížil se s předními avantgardními umělci té doby. Ve 30. letech 20. století během uchopení moci nacisty odešel s pomocí amerického konzula do Spojených států. Do Francie se vrátil až v roce 1948.

Rozměr 80 ​​x 103 cm
1923
cena
14,85 milionu dolarů
prodáno 1990
na aukci Sotheby's

Obraz „Výročí“ je uznáván jako jedno z nejlepších děl umělce. Obsahuje všechny rysy jeho díla: fyzikální zákony světa jsou vymazány, v kulisách měšťáckého života je zachován pocit pohádky a v centru děje je láska. Chagall nečerpal lidi ze života, ale pouze z paměti nebo představ. Obraz „Výročí“ zachycuje samotného umělce a jeho manželku Belu. Obraz byl prodán v roce 1990 a od té doby se nedražil. Zajímavé je, že New York Museum of Modern Art MoMA sídlí přesně to samé, jen pod názvem „Narozeniny“. Mimochodem, to bylo napsáno dříve - v roce 1915.

připravil projekt
Taťána Palašová
hodnocení bylo sestaveno
podle seznamu www.art-spb.ru
časopis tmn č. 13 (květen–červen 2013)