Русская музыка XIX века. Особенности русской музыки XIX века

Характеристика русской музыкальной культуры
19 века.
Русская музыка 19 в. – это яркая и блистательная эпоха
в развитии музыкальной культуры. Она связана с
формированием национальной композиторской и
исполнительской школы, имеющей мировое значение.
Приобщение к лучшим музыкальным достижения Западной
Европы благотворно сказалось на общем характере её
развития, а самобытность и оригинальность во многом
определяло следование народным традициям.
В 19 в. сложились новые жанры вокальной и
симфонической музыки. Большие успехи были достигнуты
в оперном искусстве. Творчество таких замечательных русских
композиторов, как М.И.Глинка, М.П. Мусоргский,
А.П. Бородин, Н.А.Римский-Корсаков, П.И.Чайковский,
вошло в сокровищницу мировой музыкальной культуры.

Михаил Иванович Глинка – основоположник русской музыкальной классики

музыка к трагедии «Король Лир», симфонические поэмы «Тамара» на стихи М.Ю. Лермонтова, «Русь» и «В Чехии», «Испанская увертюра», «Увертюра н

Единственная опера «Князь Игорь», над которой Бородин работал 18 лет, стала одним из самых ярких достижений русского оперного искусства. Ос

Чайковский сумел обрести свой неповторимый и оригинальный стиль, определивший его особе место в истории мировой музыкальной культуры. В о

Ответы теста.

Музыкальная жизнь этого периода тоже отличалась бурностью событий и частой сменой направлений, напряженным поиском новых средств выразительности в музыкальном искусстве. Нередко эти поиски были связаны с поисками в других видах искусства. Направления, родившиеся в литературе или изобразительном искусстве постепенно захватывали другие виды искусства, в частности музыку.

В музыке новый период начинается с выдвижения символической школы , другие называют это музыкой импрессионизма из-за богатства и причудливой смены полутонов близкой живописи импрессионистов. Она возникла во Франции, и ее последователи скоро заявили о себе по всей Европе. Символисты выступили против повсеместно господствующего академизма и неоромантики в духе Вагнера. «Нужно искать пути после Вагнера, а не идти по стопам Вагнера», утверждал Клод Дебюсси. Символисты обратились к неразработанным богатствам музыкального фольклора Испании, Дальнего Востока, скандинавских народов, освежают музыку оригинальной ритмикой, необычайной тембровой окраской. Стремясь преодолеть мощное влияние Вагнера, они развивают традиции XVIII в. - Рамо и Моцарта.

Символизм (импрессионизм) раньше всего заявил о себе в фортепианных миниатюрах и романсах 90-х гг. Клода Дебюси. А прелюдия «Послеполуденный отдых фавна» (1894) считается манифестом музыкального символизма (импрессионизма). Это произведение построено на прихотливых ассоциациях, отличается яркой экзотической красочностью, богатством тонких оттенков, оно полностью свободно от всех академических условностей. Возникнув в среде художников, импрессионизм как направление вскоре захватил скульпторов, а затем и композиторов, и был наиболее устойчивым направлением конца XIX в.

Клод Дебюсси (1862-1918)

Итак, основателем импрессионизма в музыке стал французский композитор Клод Дебюсси (1862-1918). Творческое наследие Дебюсси не очень обширно. Начал с сочинений, в которых чувствовалось влияние русской школы Мусоргского, Римского-Корсакова. Но в таких произведениях, как «Послеполуденный отдых фавна», «Ноктюрны» (1899), «Образы», опера «Пеллеас и Мелизанда» (1902), фортепианные пьесы, он выступает как яркий новатор.

Три симфонические пьесы под общим названием «Ноктюрны» для скрипки с оркестром были написаны для известного бельгийского скрипача Эжена Изаи, симфонический вариант был закончен в 1899 г. К первому исполнению, в 1900 г. автор написал комментарий, где подчеркнул, что под ноктюрном имеется в виду не привычная форма, а впечатления и ощущения от света. К содержанию первой пьесы из цикла «Облака» композитор написал: «Это вечный образ неба с медленно и меланхолично плывущими облаками, умирающими в серой дымке, нежно оттененной белым светом.» (У Шарля Бодлера есть одноименное стихотворение в прозе, очень близкое к музыке Дебюсси.) Вторая пьеса - «Празднества» - это движение, пляшущий ритм атмосферы с внезапными вспышками яркого света, здесь также эпизод шествия (ослепительное и призрачное видение), проходящего сквозь праздник и сливающегося с ним; но фон остается все время - это праздник, это смешение музыки со светящейся пылью, составляющее часть общего ритма. Третья пьеса - «Сирены» - это море и его безгранично многообразный ритм; среди посеребренных луной волн возникает, рассыпается смехом и удаляется таинственное пение сирен. Из этих объяснений композитора видно, что Дебюсси создавал музыку утонченных образов, которой свойственны полутона настроений, изысканность гармоний. Гармония его музыки возникала совершенно из другого звукоощущения, чем гармония прежней музыки.

Морис Равель (1875-1937)

Вторым замечательным представителем музыки импрессионизма был французский композитор Морис Равель (1875-1937). Его музыка отличается большей, чем у Дебюсси, энергией и динамикой. Недаром так велики его достижения в жанре балета. Его «Болеро» и «Вальс» называют симфоническими поэмами танца.

Две характерные черты творчества Равеля сказались в «Болеро»: любовь к танцу и глубокий интерес к испанской музыке. «Болеро» представляет собой одну цепь непрерывного динамического нарастания. «Чудом композиторского мастерства» назвал С. Прокофьев эту балетную пьесу.

Расцвечивая тему бесконечно меняющимися красками, излагая ее в «Тысячах различных нарядов» (С. Прокофьев), Равель виртуозно использовал возможности современного оркестра, создав ослепительно инструментованное произведение.

Гротесковое начало проявилось в таких вещах Равеля, как опера-буфф «Испанский час» (1907) и хореографическая поэма «Вальсы» (1920). Это сближает Равеля с экспрессионистами.

Равель смог найти свою индивидуальную манеру высказывания, еще более расширить звукоизобразительные колористические возможности музыки. Красочность и живописность его музыки никогда не заслоняла содержания. От мечтательно-поэтической музыки Дебюсси его музыка отличалась ослепительной яркостью и броскими красками испанского фольклора. Одной из вершин его творчества явился балет «Дафнис и Хлоя», написанный в 1909 г. по заказу С. Дягилева для выступлений в Париже русской балетной труппы.

Модернизм в музыке

Музыкальные пейзажи импрессионистов остаются непревзойденными по тонкости и изысканности красок, по существу столь же характерными для французской художественной культуры .

Поколение французских композиторов, выступавших вслед за импрессионистами (уже после первой мировой войны) - А. Онеггер, Д. Мийо, Ж. Оик, Ф. Пуленк и другие - отвернулось от своих предшественников, их утонченность и изысканность оказались не соответствующими новому времени. А в 1918 г. увидела свет книга Жана Кокто «Петух и Арлекин». Ее автор - известный в то время французский поэт, художник и музыкальный критик - писал: «...Довольно облаков, туманов, аквариумов и ароматов ночи, нам нужна музыка земная, музыка повседневная!..» Этот год некоторые считают годом рождения модернизма в музыке .

Ранее всего модернистические тенденции проявились в творчестве немецких композиторов-экспрессионистов - представителей новой венской школы (об этом чуть ниже). Во многом противостоял романтической традиции и крупнейший композитор того времени Рихард Штраус (1864-1949). В музыке Штрауса заметны черты натурализма. Он чрезмерно увлекался жизнеподобием и прямой имитацией, звукоподражанием. В его музыкальных драмах «Саломея» (1905) и «Электра» (1909, на сюжет Гофвансталя) ощущается воздействие декаданса. Но в 1911 г. появляется великолепная комическая опера «Кавалер роз». Будучи вплоть до 1918 г. директором Берлинской оперы, композитор немало сделал для обновления ее репертуара.

Классические традиции в музыке

Классические бетховенские традиции нашли свое развитие в творчестве австрийского симфониста Густава Малера (1860-1911), который был выдающимся дирижером, а в 1897-1907 гг. руководил Венской оперой.

Между 1888 и 1909 гг. Малер создает 10 симфоний, каждая из которых становится событием в музыкальной жизни Европы. Он резко поднял общественное звучание музыкальных произведений, возродил на новой основе традиции философской симфонии-исповеди . Малер смело использовал в симфониях вокальное и хоровое начала, добивался гармонического единства сложнейших музыкальных тем с бесхитростными мелодиями фольклора. Малер шел от традиций Бетховена и Шуберта, ему были чужды символические и натуралистические увлечения.

Натурализм в музыке

Натурализм же получил развитие в итальянской музыке под названием веризма . Его последователями здесь выступили

• Джакомо Пуччини (1858-1924),
• Пьетро Масканьи (1863-1945),
• Реджеро Леонкавалло (1857-1919).

Как писатели-веристы они посвящали свои музыкальные драмы жизни бедных людей, смело вводили прозаические музыкальные ситуации . В музыке отказывались от вокальных «ударных номеров» и тяготели к декламации, к использованию имитации шумов, пения птиц, звуков прибоя и т. п. «Богема» (1896) и «Тоска» (1900) Пуччини положили начало камерной лирической драме на оперных подмостках. Этот жанр нашел высшее воплощение в «Чио-Чио-Сан» (1904).

Экспрессионизм в музыке

Проведенная веристами оперная реформа доказала свою плодотворность в последующем развитии музыкально-драматического искусства в Европе.

Главной болезнью XX в. стала утрата положительного идеала. Как и в искусстве, так и в музыке нередко образы зла и разрушения показаны более ярко, чем силы добра и созидания. Это сказалось в творчестве и Густава Малера , оказавшего сильное влияние на искусство XX в. Одно из самых замечательных его произведений - вокально-симфоническая «Песнь о земле», полна глубокой безысходной печали, печали прощания с жизнью. Показательна уже первая фраза, которая могла бы стать эпиграфом: «Жизнь темна, темна и смерть». В начале XX в. для немецких композиторов было характерно увлечение экспрессионизмом - стремление к обостренной, преувеличенной выразительности. В этой области искали Арнольд Шенберг (1874-1951), Альбан Берг (1885-1935), Антон фон Веберн (1883-1945) и другие представители новой венской школы.

«Печаль становится обреченностью, депрессией, отчаяние превращается в истерию, лирика кажется разбитой стеклянной игрушкой, юмор становится гротеском... Основное направление - крайняя боль,» - так характеризовал положение в музыке немецкий композитор Ганс Эйслер (ученик Шенберга), который посвятил свой талант немецкому и международному рабочему движению. Шенберг и Берг создали большие художественные ценности критического характера, имеющие значение приговора над действительностью.

Шенберг - отец музыкального модернизма - создал новую музыкальную технику, отвергающую полностью ладомузыкальную основу, получившую название додекафония (от греч. dodeka - двенадцать и phone - звук) - метод музыкальной композиции, при котором отрицаются ладовые связи (тяготения) между звуками и каждый из 12 тонов хроматического звукоряда (звуки в пределах октавы) считаются равноправными без различия тонов на устойчивые и неустойчивые.

Творчество и учение Шенберга произвели переворот в многовековой практике композиции. Впервые реформа музыкального языка отвергла преемственность с музыкой прошлого. Шенберг и его преемники полностью порывают с ладотональной системой. Сочинение музыки, согласно Шенбергу, представляет собой чисто умозрительное конструирование, подобное решению задач математической логики.

В годы первой мировой войны Берг создал оперу «Воццек» о судьбе молодого солдата (от издевательств в казарме доходит до психоза и преступления). Это произведение считают вершиной творчества экспрессионистов , оно стоит в одном ряду с антивоенными произведениями Ремарка и Хемингуэя. После 1-й мировой войны композиторы обратятся к поиску потерянного идеала.

Авангардизм в музыке

Еще большим отходом от традиций классического музыкального наследия отмечено течение авангардизма , основанного на принципах нововеновской школы с привнесением других элементов композиции. Авангардисты включали в звуковую ткань произведения различного рода шумы, звуки электронных синтезаторов, отметим это, забегая вперед.

Одной из разновидностей музыкального авангардизма стала алеоторика (лат. alea - игральная кость, случайность) - течение в современной музыке, возникшее в 50-е гг. XX в. в ФРГ и во Франции; основано исключительно на применении принципа случайности как в процессе создания произведения, так и его исполнения. В Хаотичном звукосочетании авангардисты применяли принцип сонорности (лат. sonorus - звонкий, звучный, шумный) - композиторская техника, построенная на использовании красочных созвучий.

Неоклассицизм в музыке

Представителями неоклассицизма считают русского Игоря Стравинского и немца Пауля Хиндемита (1895-1963). Опору для своих творческих исканий эти крупнейшие композиторы XX в. искали в музыке добаховского и баховского времени. Балеты Стравинского и опера «Художник Матисс» (1938) Хиндемита по праву вошли в золотой фонд музыки XX в.

Выводы

В заключении отметим, что музыка ярчайшего новатора Шенберга, полностью перевернувшего традиционное представление о музыкальном языке, в наши дни почти не звучит и представляет интерес как историческая веха в развитии приемов композиторского письма, а музыка Рахманинова, писавшего старомодно, звучит сегодня широко и представляет неотъемлемую часть искусства сегодняшнего дня. Возникнув в среде художников, импрессионизм как направление вскоре захватил скульпторов, а затем и композиторов, и был наиболее устойчивым направлением конца XIX в.

Федеральное агентство по образованию

Уфимская государственная академия экономики и сервиса

Кафедра Туризма и гостеприимства

КУРСОВАЯ РАБОТА

по дисциплине «Мировая культура и искусство»

на тему: Русская музыкальная культура XIX века и ее мировое значение

выполнила: студентка гр. СД-21

Михайлова И.В.

проверила: к.и.н., доцент

Котова Т.П.

Введение

Исторический фон

Развитие песенной культуры России в XIX веке

Русская композиторская школа

·Михаил Иванович Глинка

·Александр Сергеевич Даргомыжский

·«Могучая кучка»

·Гениальный Петр Ильич Чайковский

Заключение

Список литературы

Приложения

Введение

Без музыки жизнь была бы ошибкой. (Фридрих Ницше)

Музыка - это разум, воплощенный в прекрасных звуках. (Иван Сергеевич Тургенев)

Музыка - посредница между жизнью ума и жизнью чувств. (Людвиг ван Бетховен)

Русское слово «музыка» - греческого происхождения. Музыка из всех видов искусств наиболее непосредственно воздействует на восприятие человека, «заражает эмоциями». Язык души, так принято говорить о музыке именно потому, что она обладает сильным воздействием на подсознательном уровне на область чувств человека, но нельзя исключить при этом и воздействия на область разума. Дать исчерпывающе точное определение явлению (или субстанции), называемому «музыка» невозможно.

Неизмеримо богатство русской музыки. На протяжении свыше десяти столетий складывались и развивались ее традиции в тесном соприкосновении с музыкальной культурой других стран и в постоянном взаимодействии с другими видами художественного творчества.

Русская музыка - важнейшая часть русской культуры. Подобно русской литературе, поэзии, живописи, театру, она ярко отражает все этапы общественной жизни, становление русской философской и эстетической мысли. В ее многообразных жанрах и формах нашли свое воплощение история народа, его освободительная борьба, характер русского человека, своеобразие русской природы и быта.

В своей курсовой работе я решила показать музыкальное развитие России XIX века, которое происходило на фоне важнейших исторических событий - Отечественная война, восстание декабристов, отмена крепостного права и т.д.

Задача работы - проанализировать состояние музыкальной культуры России XIX века, выявить ее особенности, рассказать о композиторах этого столетия и об их произведениях, а также выявить значение русской музыки 19 века для мировой культуры.

В своей курсовой работе будут задействованы такие методы исследования как изучение и анализ литературы и документов, обобщение, анализ продуктов деятельности, описание.

При изучении данной темы я буду использовать литературу: Энциклопедия «Кругосвет», Русская музыкальная литература Э.Смирновой, Никитина Л.Д. История русской музыки и др.

Исторический фон

музыкальная песенная культура композитор

XIX век в России связан с крупнейшими политическими и социальными изменениями, и большую роль в этом играла война 1812 года и отмена крепостного права. В литературе, поэзии, музыке, живописи ярко обострилась тема социального неравенства.

Уже в первой половине XIX века русская культура достигает блестящего, ослепительно яркого расцвета. Освобождаясь от элементов подражательности, она находит оригинальные и самобытные формы выражения для разнообразнейшего, широчайшего по охвату содержания и создает великие непреходящие ценности общечеловеческого значения. Творчество таких ее гениальных представителей, как Пушкин, Лермонтов, Гоголь в литературе, Глинка в музыке составляет одну из высочайших вершин не только русского, но и мирового искусства.

Сильный толчок подъему общественной инициативы дала Отечественная война 1812 г. Патриотизм русских людей проявляется в возрастающей тревоге об общенародном благе, в широком осознании единых интересов нации, в стремлении поднять уровень национальной культуры и благосостояния.

Значительное влияние на развитие русской культуры XIX века оказало восстание декабристов. Все эмоции, мысли, переживания нашли отражение во многих музыкальных произведениях того времени. Эпоха декабристов положила начало развитию революционной песни в России. Большие заслуги в этом отношении принадлежат деятелям декабристского движения - Рылееву и Бестужеву. Традиции революционной песни, заложенные поэтами-декабристами, были подхвачены и развиты их современниками. Темы свободолюбия и протеста, борьбы против социального гнета глубоко проникли и в бытовую песню.

По мере роста и распространения освободительных идей, усиливалось и противодействие, оказываемое им правительством. Уже во вторую половину царствования Александра I определяется этот реакционный курс, выражающийся в разгромах университетов, усилении цензуры. Длительная полоса небывало жестокой, глухой и беспощадной реакции воцаряется в русской жизни после подавления декабристского восстания, вместе с восшествием на престол Николая I. Существование демократической публицистики, а тем более политических организаций, ведущих практическую революционную деятельность, было невозможно в России.

В этих условиях особенно большое значение приобретает литература, произведения Пушкина, Гоголя, Лермонтова становятся основным рупором освободительной мысли.

Все сказанное создает предпосылки для образования классических школ русской национальной литературы и искусства.

В развитии русской музыки Глинка сыграл роль, во многом аналогичную той, которая принадлежит Пушкину в развитии русской литературы. Как и Пушкин, Глинка широчайшим образом воспринял и претворил различные элементы современной ему художественной культуры. Усваивая все ценное и жизнеспособное из наследия своих предшественников, Глинка преодолевает их ограниченность и достигает огромного богатства, полноты содержания и совершенства художественного воплощения. По своей внутренней уравновешенности, идеальной гармонической цельности и законченности творчество Глинки оказалось для последующих поколений таким же неоспоримым образцом и классической нормой, как и пушкинская поэзия. Глинка положил своим творчеством начало ее мировому влиянию. По пути Глинки идет в своем творчестве Даргомыжский. Он вносит в русскую музыку элементы большей социальной остроты, бытовой и психологической характеристичности, сатиры и юмора, подготавливая многое из того, что получит ясное оформление в творчестве молодой национальной школы 60-х годов. Глинка положил своим творчеством начало ее мировому влиянию.

Сообщения о русской музыке начинают все чаще появляться с этого времени в иностранной печати. За несколько месяцев до появления статей Берлиоза о Глинке известный французский музыковед Фетис писал о молодом еще Даргомыжском, как об оригинальном многообещающем музыкальном даровании России.

Исторический период 60-80 гг. 19 века принято называть пореформенным - в 1861 году царским указом было отменено крепостное право, что повлекло за собой либерализацию русской общественной жизни. Этот этап отмечен высоким расцветом художественной культуры как цельного и самобытного явления. Именно тогда в искусстве сформировалась определенная система духовно-эстетических ценностей, которые воплотились в литературе и театре, в живописи и музыке.

Развитие песенной культуры России в XIX веке

«Век был песен» - так сказал об эпохе Просвещения поэт Г.Р. Державин. Облик песенной культуры того времени был необычайно многообразен и даже многоязычен. В быту причудливо переплелись песни российские и французские, цыганские и немецкие, крестьянские и городские, любительские и профессиональные. Песня звучала со страниц литературных произведений и публиковалась в специальных сборниках «в удовольствие многих любителей», исполнялась в домах аристократов.

В XIX в. огромное внимание продолжили уделять изучению фольклора. Русские композиторы считали народную музыку источником вдохновения. Они собирали народные песни и часто использовали их в своих произведениях, при этом не теряя своеобразия собственного музыкального языка.

Возникают некоторые новые жанры, старые формы (обиходные песни, песни на тему скитаний, сатирические песни) эволюционируют под влиянием нового жизненного содержания, меняется характер образов и интонационно-выразительных средств. Бытовая народная песня откликается на крупные политические и социальные события общенационального значения.

Широкое отражение получает в ней Отечественная война 1812 г. До нас дошел целый цикл песен о двенадцатом годе, связанных с устной фольклорной традицией. По своему содержанию и музыкально-поэтическим формам они очень разнообразны. Иногда в них используются приемы старых традиционных видов народно-песенного творчества.

Отечественная война вызвала также появление выразительных лирических

песен, в которых запечатлены глубокая народная скорбь, печаль и горе, вызывавшиеся тяжкими бедствиями отчизны, опустошением родного края, утратой близких.

Русская народная песня стала пользоваться исключительно широкой популярностью, распространяясь во множестве различных обработок - для хора, голоса с сопровождением и отдельных инструментов. С 1806 по 1815 года сборник Прача выходит вторым и третьим изданием. На его основе создавались песенные сборники общедоступного типа.

Широко известен был своими обработками народных песен талантливый русский музыкант, вышедший из крепостных крестьян, Данила Кашин. В 1833-1834 гг. вышел в свет его сборник «Русские народные песни» в трех частях. Для своего времени он является столь же характерным, как «Собрание» Прача для рубежа XVIII и XIX столетий. В начале 40-х годов появилось второе издание кашинского сборника, что свидетельствовало о его популярности и большом спросе на него. В приемах обработки Кашина ясно заметно стремление к подчеркнутой чувствительности, иногда несколько надрывного характера.

По одинаковому с Кашиным пути взаимопроникновения народно-песенных и городских романсных интонаций шел другой известный собиратель песен, по происхождению крепостной крестьянин, Иван Рупин, являвшийся также талантливым певцом-исполнителем (фамилия его произносилась современниками с итальянским окончанием - Рупини) и составителем популярного песенного сборника, изданного в 1831 г.

Рядом с различными бытовыми преломлениями русской народной песни развивается лирический сентиментальный романс, пользовавшийся также исключительно широкой популярностью в самых разнообразных слоях общества. Как и «российская песня» XVIII века, русский романс в преобладающей своей части был связан со сферой домашнего музицирования В музыкальном языке бытового романса простота средств сочетается с искренней непосредственностью и душевностью выражения. Важную роль в развитии русского романса XIX века сыграли композиторы Алябьев, Варламов, Гурилев, Верстовский (см. приложение 1).

Александр Александрович Алябьев (1787-1851) родился в старинной дворянской семье. В молодости он служил в армии, участвовал в Отечественной войне 1812г. Впоследствии оставил военную службу и посвятил себя творческой деятельности. Алябьев - автор известных романсов: «Я вас любил», «Зимняя дорога» (оба на стихи Александра Сергеевича Пушкина), «Соловей»и других. «Соловей » - одна из любимых и наиболее распространенных песен Алябьева. Всё в ней скромно и просто. Песне предшествует оживленное фортепианное вступление в духе гитарного наигрыша. С первых же интонаций вокальной партии развертывается пленительно мягкая, задумчивая мелодия. Широкая и плавно закругленная, она сразу же захватывает и покоряет своей строгой красотой.

Композитор Александр Егорович Варламов (1801-1848) - автор популярных романсов. Всего он создал около двухсот произведений этого жанра, преимущественно на стихи русских поэтов («Красный сарафан», «Вдоль по улице метелица метёт», «На заре ты её не буди», «Белеет парус одинокий» и др.). Варламов был известен также как певец, гитарист, дирижёр и педагог. Он написал одно из первых русских учебных пособий для вокалистов - «Полная школа пения» (1840 г.).

Александр Львович Гурилёв (1803-1858) был сыном крепостного музыканта (в 1831 г. он вместе с отцом получил вольную). Композитор, пианист, скрипач, альтист и педагог, Гурилёв прославился как автор песен и романсов. Наиболее известны его песни «Матушка голубушка», «Колокольчик», «Сарафанчик», «Вьётся ласточка» и романсы «Разлука», «Вам не понять моей печали». Помимо вокальной лирики композитор работал в жанрах фортепианной музыки, собирал и обрабатывал народные песни.

Творчество Алябьева, Варламова и Гурилева - ценный вклад в сокровищницу русской музыки. Лучшие их песни и романсы входят в концертный репертуар певцов и хоров, они с любовью поются в народе и в наше время.

Русская композиторская школа XIX века

Михаил Иванович Глинка

Без сомнения самым ярким представителем композиторской школы первой половины XIX века является Михаил Иванович Глинка (1804-1857). Творчество Михаила Ивановича Глинки стоит у истоков русской композиторской школы, а его произведения, методы работы, отношение к музыкальным жанрам и традициям воспринимались в XIX столетии как образцовые. Получив серьёзное музыкальное образование в Европе, Глинка сумел первым глубоко осознать особенности русской национальной музыки, и во многом благодаря этому мастеру европейские жанры получили в России оригинальную трактовку. Детские впечатления Глинки отразились на его творчестве. Первые годы жизни прошли в имении отца среди деревенской природы Смоленского края. Там он узнал и полюбил народные песни, заслушивался ими. Во впечатлительную детскую душу маленького Глинки глубоко запали сказки крепостной няни Авдотьи Ивановны, нежно и преданно любившей его.

Огромное впечатление произвели на Глинку события 1812 года. Спасаясь от нашествия наполеоновской армии, семья Глинки покинула имение. Много рассказов о героизме партизан услышал мальчик и навсегда проникся любовью и уважением к русскому народу, его могучей силе и душевной красоте.

В домашнем быту у родных Глинки часто звучала музыка. У дяди, жившего неподалеку, был хороший оркестр, состоявший из крепостных музыкантов. Музыка производила на мальчика потрясающее впечатление, после концертов он ходил рассеянный. «Музыка - душа моя» - сказал он однажды. Крепостной оркестр дяди исполнял разные произведения, были среди них и народные песни. Вспоминая свои детские впечатления, Глинка писал: «...Может быть, эти песни, слышанные мною в ребячестве, были первою причиной того, что впоследствии я стал разрабатывать преимущественно русскую народную музыку».

Композиторское мастерство Глинки ярче всего проявилось в двух операх - «Жизнь за царя » («Иван Сусанин») и «Руслан и Людмила ». Он создал образцы национальной русской оперы - героико-эпическую оперу и оперу-сказку. Последующее развитие этих жанров связано с теми принципами, которые заложил Глинка.

Опера «Жизнь за царя» (в СССР в 30-80 х гг. было принято название «Иван Сусанин»; 1836 г.) написана на историко-патриотический сюжет. Композитор обратился к событиям начала XVII в. - борьбе русского народа против польских завоевателей. Сюжет произведения - подвиг Ивана Сусанина - предложил Глинке поэт Василий Андреевич Жуковский.

«Жизнь за царя» - первая русская опера без разговорных диалогов; она основана на непрерывном музыкальном развитии. Музыкальную ткань сочинения пронизывают хоровые сцены. В частности, они открывают (хор «Родина моя») и завершают произведение (заключительный ликующий победный хор «Славься»).

В центре оперы - образ русского крестьянина Ивана Сусанина. Композитор подчёркивает нравственную силу героя. Для его музыкальной характеристики использованы интонации народных мелодий. Антонида, дочь Сусанина, - светлый и поэтичный («нежно-грациозный», по определению самого Глинки) образ русской девушки. Собинин, жених Антониды, - ополченец, удалой, бесстрашный человек, Ваня - приёмный сын Сусанина, - «простосердечный», по словам Глинки, мальчик тринадцати лет. Образы молодых членов семьи Сусанина - Вани, Антониды, Собинина нарисованы в традициях и интонациях бытовой песни романса.

Русским образам противостоит враждебный лагерь поляков. Развёрнутая хореографическая картина представляет «польский акт» оперы - пышный бал в старинном замке. Эта симфоническая композиция передаёт блеск, изящество и гордость шляхты - польской знати. Звучат мелодии и ритмы полонеза, мазурки, краковяка. Красота музыки завораживает, но в целом простота и задушевность «русских» сцен противопоставлена показной пышности «польского акта».

Наконец два лагеря сталкиваются непосредственно - польский отряд приходит в село Домнино к Сусанину и требует, чтобы тот провёл их к месту, где находится царь Михаил Романов. Сцена Сусанина с поляками в лесной чаще, куда он завёл их на погибель, - кульминация оперы. Развязка трагична - главный герой отдаёт жизнь за Россию. Ночью, в лесу Сусанин исполняет свой предсмертный монолог речитатив «Чуют правду», переходящий в арию молитву «Ты взойди, моя заря», в которой герой просит у Бога сил встретить последний час. В ней звучит и глубокая скорбь, и надежда. Музыка - медленная по темпу, строгая и сосредоточенная по настроению - напоминает церковные песнопения.

Опера «Жизнь за царя» с большим успехом была исполнена 27 ноября 1836 года на сцене большого театра в Петербурге. Передовые люди русского общества высоко оценили ее.

Сознание творческой победы вдохновило композитора на новые замыслы, и через несколько лет появилась опера сказка «Руслан и Людмила » (1842 г.). Она написана на сюжет одноимённой поэмы А. С. Пушкина. Неторопливость развития музыкального действия напоминает древние былины и сказания. В опере есть и народные обрядовые сцены, и красочные картины природы, и фантастические образы. Миру русских богатырей (Руслан, Ратмир), песнопевца Бояна, князя Владимира противостоит сказочный мир волшебников - Черномора и Наины. Богатыри показаны с былинной серьёзностью и эпической величавостью. Черномор и Наина (как и незадачливый соперник Руслана - Фарлаф) нарисованы с несомненной долей юмора; автор как бы говорит слушателю: это всего лишь сказочные персонажи, скорее комические, чем злые. Главная характеристика Черномора, властелина волшебного замка, - полушутливый марш. В создании образов большую роль играет оркестр. Рисуя царство Черномора, композитор использует интонации музыки Востока. Перед слушателем проходят турецкий и арабский танцы, лезгинка. Заканчивается опера «Руслан и Людмила», как и любая сказка, победой добра над злом и торжеством любви.

Романсы и песни Глинки - гордость русской классики. Композитор писал их на протяжении всей жизни. Лирические романсы Глинки - это своего рода исповедь его души. В некоторых из них запечатлены картины русской природы и быта. В романсах Глинка обобщил и развил все лучшее, что было создано его предшественниками и современниками - авторами бытового романса. Многие известные романсы, например «Я здесь, Инезилья», «Я помню чудное мгновенье», написаны на стихи А. С. Пушкина. Обращался Глинка и к творчеству В. А. Жуковского, А. А. Дельвига и других русских поэтов. На слова популярного в то время поэта Нестора Васильевича Кукольника композитор создал цикл из двенадцати романсов «Прощание с Петербургом» (1838 г.), а также знаменитый романс «Сомнение», который любил исполнять выдающийся русский певец Фёдор Иванович Шаляпин.

Для оркестра Глинка писал одно частные симфонические увертюры фантазии. Лучшие его произведения в этом жанре - «Камаринская» (1848 г.), «Арагонская хота» (1845 г.) и «Ночь в Мадриде» (1851 г.). «Камаринская», по общему мнению русских композиторов, положила начало отечественной симфонической музыке. «Испанские» увертюры «Арагонская хота» и «Ночь в Мадриде» - блестящий пример освоения Глинкой интонаций и стиля испанской музыки. Пьеса для оркестра «Вальс фантазия» (1856г.) подготовила по явление симфонических вальсов П. И. Чайковского.

Благодаря творчеству Михаила Ивановича Глинки русская музыкальная школа достигла признания в Европе. Последующие поколения композиторов, да и просто любителей музыки, всегда высоко ценили вклад мастера в культуру России.

Александр Сергеевич Даргомыжский (1813-1869)

Даргомыжский - младший современник и последователь Глинки. В историю русской музыки вошел как «великий учитель музыкальной правды», смелый новатор.

Взгляды Даргомыжского сложились в период 30-40х.гг. XIX столетия, время бурного развития русской культуры. Он чутко откликался на все передовое, прогрессивное в русском искусстве. В своем творчестве он был близок к демократическим писателям и художникам России. Особенно тесны связи вокальной музыки Даргомыжского с Пушкиным, Гоголем, Лермонтовым. Не случайно лучшие творения Даргомыжского написаны на стихи Пушкина и Лермонтова.

В творчестве Даргомыжского центральное место занимают романсы и оперы . Камерно вокальную музыку композитор сочинял на протяжении всей жизни: он написал свыше ста романсов, песен, вокальных ансамблей. Эти жанры были для Даргомыжского своеобразной творческой лабораторией - в них формировался его музыкальный язык. Самые известные романсы - «Я вас любил» (на стихи А. С. Пушкина), «И скучно и грустно», «Мне грустно"»(на стихи Михаила Юрьевича Лермонтова). Они проникнуты тонким лиризмом, настроением одиночества.

В творчестве А. С. Даргомыжского появился новый жанр вокальной лирики - сатирическая песня . Яркие примеры подобных произведений - песни «Червяк» и «Титулярный советник» (обе 50 е гг.). Используя речитатив, приближающийся к естественной речи, композитор нарисовал выразительные социальные портреты.

К лучшим произведениям Даргомыжского относится опера «Русалка» (1855 г.). Опираясь на текст одноимённой незаконченной пьесы А. С. Пушкина, композитор сам написал либретто. «Русалка» - первая русская опера в характере психологической бытовой музыкальной драмы. Основная задача, поставленная композитором, - отражение духовного мира героев, их переживаний и характеров.

В 60х гг. Даргомыжский получил широкое общественное признание. С большим успехом прошли премьеры его опер, композитор был избран членом комитета Петербургского отделения Русского музыкального общества.

«Могучая кучка»

Вторая половина XIX века - пореформенное время, отмена крепостного права, либерализация общественной жизни, расцвет революционных настроений в русском обществе. Этот этап отмечен высоким расцветом художественной культуры как цельного и самобытного явления. Именно тогда в искусстве сформировалась определенная система духовно-эстетических ценностей, которые воплотились в литературе и театре, в живописи и музыке.

Музыкальное искусство не осталось в стороне от жгучих вопросов современности. Народнические позиции характерны для мировоззрения многих композиторов, уверовавших в мессианскую роль русского народа, в торжество его исторического духовного подвига. Музыка отразила весь спектр напряженных нравственных исканий русской интеллигенции тех лет, воплотила в музыкальных образах навеянные временем идеалы. Одни мастера идеализировали русскую историю, чистоту народной жизни, другие верили в самосовершенствование личности на основе законов народной этики, иные же стремились воплотить в творчестве некий прообраз народной культуры, рожденной из вечно живого источника - первозданной природы.

Жанровое своеобразие русской музыки тесно связано с «литературоцентризмом», характерным для художественной культуры пореформенной эпохи. Порожденный эстетикой реализма, он выразился в приоритетной роли слова, художественного и публицистического. Ведущим жанром музык в это время является опера - историческая, эпическая, лирическая, драматическая. Продолжают развиваться и другие синтетические музыкальные жанры - романс, песня. Вокальная музыка пополняет собой «музыкальную энциклопедию» русской поэзии, обогащая ее социально-обличительными и лирико-психологическими образами.

Вторая половина XIX века - время возникновения товарищества, получившее с легкой руки критика В.В. Стасова, наименование «Могучая кучка» . В него входили М.А. Балакирев, Ц.А. Кюи, М.П. Мусоргский, Н.А. Римский-Корсаков, А.П. Бородин.

«Могучая кучка» - выдающееся явление русского искусства. Она оставила глубокий след во многих сферах культурной жизни России - и не только России. В следующих поколениях музыкантов - вплоть до нашего времени -немало прямых наследников Мусоргского, Бородина, Римского-Корсакова, Балакирева. Объединявшие их идеи, их прогрессивные воззрения явились образцом для передовых деятелей искусства на долгие годы.

Главой и руководителем «Могучей кучки» был Милий Алексеевич Балакирев (1836/37-1910). Он является одним из основателей (1862) и руководитель (1868-73 и 1881-1908) Бесплатной музыкальной школы. С 1867 года по 69 год - дирижер Русского музыкального общества, а с 1883 по 1894 управляющий Придворной певческой капеллой. Самые известные его произведения - это «Увертюра на темы трех русских песен»(1858), симфонические поэмы «Тамара» (1882), «Русь» (1887), «В Чехии» (1905), восточная фантазия для фортепиано «Исламей» (1869), романсы, обработки русских народных песен и др.

Среди композиторов «Могучей кучки» Модест Петрович Мусоргский (1839-1881) был наиболее ярким выразителем в музыке революционно-демократических идей 60х. гг. XIX века. Именно Мусоргский как никогда другой смог многосторонне, с большой обличительной силой раскрыть в музыке суровую правду жизни русского народа, воссоздать, как сказал В.В.Стасов, «весь океан русских людей, жизни, характеров, отношений, несчастья, невыносимой тягости, приниженности». Что бы ни писал Мусоргский: оперы, песни, хоры, - всюду он выступает гневным и страстным обличителем социальной несправедливости.

В 1863 г. композитор приступил к сочинению оперы «Саламбо» (по одноимённому роману французского писателя Гюстава Флобера), а в 1868 г. - к опере «Женитьба» (на неизменённый текст комедии Н. В. Гоголя). Обе работы остались незавершёнными, но подготовили Мусоргского к созданию оперы «Борис Годунов» (1869 г.), ставшей значительным явлением в русской музыке.

Вся сила таланта Мусоргского раскрылась в опере «Борис Годунов» по трагедии Пушкина. В этой трагедии Мусоргского привлекла возможность показать в опере пробуждение силы народа, которая выливается в открытое недовольство, а под конец - в стихийное восстание. Основная идея оперы - это конфликт между преступным царем Борисом и народом, приводящий к восстанию. Внимание композитора было сосредоточено на раскрытии основного замысла: столкновение царя и народа. Народ в опере Мусоргского - главное действующее лицо. Несмотря на большое значение массовых сцен, главное внимание в опере уделено характеристике внутреннего мира героев. На первом плане, безусловно, образ Бориса, который раскрывается через развёрнутые сцены-монологи. Блестяще владея техникой речитатива, Мусоргский передаёт в музыке душевное состояние героя - смутную тревогу, скорбь и подавленность, мучительные терзания совести, страх и даже галлюцинации. Очень сложна в опере партия оркестра. Он гибко следует за голосом, добавляя в вокальную партию важные психологические нюансы. Эта опера близка по духу революционно-демократическим настроениям, которые были в Российском обществе в 60-70 гг. XIX века.

В 1872 г. композитор начал работу над оперой «Хованщина», которую сам назвал «народной музыкальной драмой». Одновременно он писал произведение совсем иного плана - лирико-комедийную оперу «Сорочинская ярмарка» по повести Н. В. Гоголя (осталась незаконченной).

По отзывам современников, Мусоргский был превосходным пианистом. Как дань любимому инструменту он создал большую фортепианную сюиту из десяти пьес «Картинки с выставки» (1874 г.). Замысел сюиты сложился под впечатлением от посмертной выставки работ его друга, художника и архитектора Виктора Александровича Гартмана. Цикл начинается со вступления, которое становится лейтмотивом произведения. Автор назвал его «Прогулка» не случайно: оно передаёт движение посетителя по залам выставки. Далее следуют отдельные «картинки»: «Гном», «Старый замок», «Тюильрийский сад», «Быдло», «Балет невылупившихся птенцов и др. Музыка вступления периодически повторяется, и благодаря этому цикл обретает единство и воспринимается как цельное сочинение.

Мусоргский - автор известных песен и романсов. Первая опубликованная песня «Где ты, звёздочка...» (слова поэта и переводчика Николая Порфирьевича Грекова) дала начало лирической теме в вокальном творчестве композитора, до стигшей вершины в романсе фантазии «Ночь» (слова А. С. Пушкина). Забавные зарисовки русскогого родского быта представлены в романсах «Но если бы с тобою я встретиться могла» (слова поэта Василия Степановича Курочкина) и «Светик Савишна» и «Семинарист» (слова композитора).

Мусоргский - композитор подлинно народный, посвятивший все свое творчество рассказу о жизни, горестях и надеждах русского народа. Его творчество было настолько самобытным и новаторским , что до сих пор оказывает сильнейшее воздействие на композиторов разных стран.

Александр Порфирьевич Бородин (1833-1887) - неповторимо своеобразный композитор. В музыке продолжал во многом традиции Глинки. В своей музыке Бородин воплотил величие и мощь русского народа, героические черты характера русских людей, величавые образы национального былинного эпоса. И наряду с этим в творчестве Бородина встречаются образы лирические, задушевные, полные страсти и нежности.

Бородин - один из создателей русской классической симфонии (2-я, «Богатырская », 1876, открывшая героико-эпическое направление в русском симфонизме; симфоническая картина «В Средней Азии», 1980), русского классического струнного квартета. Мастер вокальной лирики («Для берегов отчизны дальней»); ввел в романс образы богатырского эпоса, воплотил освободительные идеи 60-х гг. 19 в. («Спящая княжна», «Песня темного леса»).

Замечательно произведение древней русской литературы XII века - «Слово о полку Игореве» - увлекло Бородина увлекло его и вдохновило на создание оперы. В «Слове» рассказывалось о неудачном походе отважного князя Игоря на половцев. Автор призывал князей к объединению, и в этой патриотической направленности произведения заключалась его прогрессивная роль. На этот сюжет Бородин создал свою грандиозную оперу «Князь Игорь» (завершена Римским-Корсаковым в 1890 году).

«Князь Игорь» - лирико-эпическая опера в 4х действиях с прологом. Музыка оперы во многом основана на интонациях народных песен - русских и восточных. Яркими красками написаны народные сцены, как русские, так и восточные. В этом Бородин был последователем Глинки, который для изображения стана врагов также находил художественно убедительную характеристику.

Николай Андреевич Римский-Корсаков(1844-1908). Среди композиторов «Могучей кучки» Римский-Корсаков занимает особое место. С его творчеством пышным цветом расцвела в русской музыке сказка . Вся его жизнь - это беззаветное и бескорыстное служению искусству, верность своим идеалам.

Круг тем и сюжетов, воплощённых Римским-Корсаковым, широк и многообразен. Как и все «кучкисты», композитор обращался к русской истории, картинам народной жизни, образам Востока, он также затронул область бытовой драмы и лирико-психологическую сферу. Но с наибольшей полнотой дарование Римского-Корсакова выявилось в произведениях, связанных с миром фантастики и разнообразными формами русского народного творчества. Сказка, легенда, былина, миф, обряд определяют не только тематику, но и идейный смысл большинства его сочинений. Выявляя философский подтекст фольклорных жанров, Римский-Корсаков раскрывает мировоззрение народа: его извечную мечту о лучшей жизни, о счастье, воплощённую в образах светлых сказочных стран и городов (Берендеево царство в «Снегурочке», город Леденец в «Сказке о царе Салтане»); его нравственные и эстетические идеалы, олицетворением которых служат, с одной стороны, пленительно-чистые и нежные героини опер (Царевна в «Кащее бессмертном»), с другой - легендарные певцы (Лель, Садко), эти символы неувядаемого народного искусства; его преклонение перед животворной мощью и вечной красотой природы; наконец, неистребимую веру народа в торжество светлых сил, справедливости и добра - источник оптимизма, присущего творчеству Римского-Корсакова.

Особенности стиля и художественного метода композитора с наибольшей полнотой раскрылись в оперном творчестве . 15 опер Римского-Корсакова представляют необычайное разнообразие жанровых, драматургических, композиционных и стилистических решений. Среди них - сочинения, тяготеющие к номерной структуре («Майская ночь», «Снегурочка», «Царская невеста») и к непрерывному развитию («Моцарт и Сальери», «Кащей бессмертный», «Сказание о невидимом граде Китеже», «Золотой петушок»); оперы с широкими массовыми сценами («Псковитянка», «Майская ночь», «Снегурочка», «Млада», «Садко», «Китеж» и без них («Моцарт и Сальери», «Вера Шелога», «Kaщей бессмертный»), с развёрнутыми законченными ансамблями («Царская невеста») и без ансамблей («Moцарт и Сальери», «Золотой петушок»). В каждом конкретном (случае выбор жанра, принципы драматургического и стилистического решения обусловлены сюжетными предпосылками. Я никогда не верил и не верю, - подчёркивал Римский-Корсаков, - в одну единую истинную оперную форму, считая, что сколько на свете сюжетов, столько (почти столько) должно быть и соответствующих самостоятельных оперных форм . Утверждая взгляд на оперу как на произведение прежде всего музыкальное, Римский-Корсаков предъявлял в то же время высокие требования к её поэтической основе, единству и выдержанности литературного стиля. Он активно направлял работу либреттистов. Ряд оперных либретто композитор написал сам.

Симфоническое творчество Римского-Корсакова в сравнении с оперным не столь масштабно и многообразно. Однако и в эту область он внёс яркий и своеобразный вклад. Образная конкретность музыкального мышления композитора определила его склонность к программному (главным образом, живописному, изобразительному) и жанровому (связанному с народным песенным и танцевальным тематизмом) симфонизму. Отсюда характерный выбор жанров и форм - увертюра (фантазия), симфоническая картина, сюита и определённая направленность стиля - тяготение к вариационности, орнаментике в развитии материала, особое внимание к колористическим возможностям гармонии и оркестровки.

Римский-Корсаков оставил огромное творческое наследие почти во всех музыкальных жанрах. Его произведения разнообразны по своему содержанию, но основная черта их - глубокое проникновение в жизнь и быт народа, его думы и чаяния.

Гениальный Петр Ильич Чайковский (1840-1893гг.)

Среди русских композиторов-классиков выделяется имя Чайковского. Оно дорого любителям музыки всего мира. Произведения его в равной мере захватывают и волнуют всех людей - музыкантов-профессионалов и широкого слушателя. Свое творчество Чайковский посвятил человеку, его любви к Родине и русской природе, его стремлениям к счастью, мужественной борьбе с темными силами зла. В музыке композитора - вся жизнь человека с ее радостью, скорбью, надеждами, борьбой, отчаяньем. И о чем бы ни говорил Чайковский - он всегда правдив и искренен.

Стиль музыки Чайковского сложился в контексте нетрадиционных представлений композитора о природе национальной самобытности. В трактовке «национального» и «народного» он шел иным путем, нежели приверженцы «кучкизма». Русский фольклор не был для него универсальным источником, первоосновой музыкального языка. С помощью обобщенных, опосредованных народно-песенных интонаций Чайковский воплотил национальный образ «русскости», России, российскую действительность в ее современной многогранности. Поэтому композитор не ставил своей задачей использовать в музыке конкретные жанры подлинного крестьянского фольклора, а обращался к «интонационному словарю» окружающего его городского музыкального быта. Привычные городские интонации в сочетании с эмоциональной открытостью, искренностью и мелодичностью сделали музыку Чайковского понятной и доступной самому широкому слушателю и в России, и за границей. Именно поэтому произведения Чайковского быстро завоевали симпатии европейцев, способствовали международному признанию русской музыки во всем мире.

Чайковский писал почти во всех жанрах и в каждом из них сказал свое новое слово гениального художника. Но, пожалуй, самым любимым для него жанром была опера. В ней Чайковский явился подлинным реформатором. Оперу композитор представлял себе как самый демократичный жанр. «Опера, - писал он, - и именно только опера, сближает вас с людьми, роднит вашу музыку с настоящей публикой...». В основе оперного действия - сильные человеческие чувства и переживания. Большое внимание уделял Чайковский содержанию своих опер, отдавая при этом всегда предпочтение сюжету из русской жизни, поскольку именно русского человека он по-настоящему хорошо знал и понимал.

Одно из лучших произведений Чайковского опера «Евгений Онегин». Еще задолго до решения написать оперу на сюжет «Евгения Онегина» Чайковский горячо увлекся стихами Пушкина. Одним из его любимых мест стихотворного романа было письмо Татьяны к Онегину, и композитор мечтал сочинить музыку на эти слова. Первое исполнение оперы по желанию композитора состоялось силами студентов Московской консерватории под руководством Н.Рубинштейна 17 марта 1879 года.

Свою оперу Чайковский назвал «лирическими сценами». Все внимание композитор сосредоточил на раскрытии внутреннего, душевного мира своих героев.

Опера «Евгений Онегин» - одно из высоких достижений русского оперного искусства. Правдивые образы Пушкинского романа помогли разрешить задачу создания «интимной, но сильной драмы», действующими лицами которой являлись «настоящие живые люди». Личная драма героев разворачивается на фоне бытовых картин. Разнохарактерные бытовые сцены придают опере особенную прелесть.

Новаторство «Лебединого озера»- необычность и непохожесть его на все предшествующее - если и было не до конца сразу понято, то сразу же отмечено и публикой и критикой, хотя порой и вызывало недоумение просвещенных меломанов. Одни упрекали композитора в бедности творческой фантазии, однообразии тем и мелодий, в некоторой монотонности. Другие считали, что музыка прекрасна, более того - даже слишком хороша для балета. Тем не менее премьера балета в московском Большом театре (20 февраля 1877 года) прошла с успехом, и спектакль оставался в репертуаре до 1883 года, когда пришли в полную негодность декорации этой постановки.

Первый отзыв в прессе, где создание нового балета было оценено по достоинству, принадлежал Г.А. Ларошу: «По музыке "Лебединое озеро" - лучший балет, который я когда-нибудь слышал... Мелодии, одна другой пластичнее, певучее и увлекательнее, льются как из рога изобилия; ритм вальса, преобладающий между танцевальными номерами, воплощен в таких разнообразных грациозных и подкупающих рисунках, что никогда мелодическое изображение даровитого и многостороннего композитора не выдерживало более блистательного испытания...»

Вместе с тем важное место в творчестве Чайковского занимает и симфоническая музыка. Им написаны 6 симфоний и программная симфония «Манфред», три концерта для фортепиано с оркестром, один для скрипки и ряд оркестровых сюит. Из симфонических одночастных пьес особенно выделяются фантазия «Франческа да Римини» и программные пьесы на сюжеты Шекспира (увертюра-фантазия «Ромео и Джульетта», фантазия «Буря»).

Диапазон творческих интересов композитора необычайно широк. В его наследии десять опер («Евгений Онегин», «Ундина», «Кузнец Вакула», «Пиковая дама» и др.), три балета (« Лебединое озеро», «Спящая красавица», «Щелкунчик»), семь симфоний, более десяти оркестровых сочинений, инструментальные концерты, хоровая и фортепианная музыка, камерно-вокальные произведения. В каждой области Чайковский был новатором, хотя к реформаторству никогда не стремился. Используя традиционные жанры, композитор находил возможности для их обновления.

«Я желал бы всеми силами души, - писал Чайковский, - чтобы музыка моя распространялась, чтобы увеличивалось число людей, любящих ее, находящих в ней утешение и подпору» . Желание композитора сбылось.

Творчество Чайковского - вершина мировой музыкальной культуры XIX века - вечно живой и драгоценный родник, из которого не перестают черпать вдохновение композиторы XX века и наши современники.

Заключение

XIX век дал русской и мировой музыке замечательные сочинения. «Руслан и Людмила» и «Иван Сусанин», «Евгений Онегин» и «Лебединое озеро» составляют гордость русской культуры. В золотой фонд русской музыки вошли произведения Бородина, романсы Балакирева, Римского-Корсакого, Бородина, Кюи.

Русские композиторы начали выезжать за границу. Там они общались с видными мастерами музыкального искусства, а главное - получали европейское музыкальное образование. Россия вызвала в Европе ответный интерес, и на протяжении столетия немало выдающихся музыкантов гастролировали в Москве и Петербурге. Приобщение к европейской культуре не только повысило интеллектуальный и профессиональный уровень русских композиторов и исполнителей, но и помогло им глубже понять традиции национальной музыки, лучше узнать самих себя.

Кто самый любимый русский композитор в Америке в наши дни? Конечно же, Чайковский. Многие американцы даже считают Петра Ильича американским композитором. Он в Америке дирижировал своими сочинениями, когда был приглашён на открытие знаменитого Карнеги-Холла в Нью-Йорке. Его музыка почти ежедневно звучит в Америке по радио, особенно 4-я и 6-я симфонии и 1-й концерт для фортепиано с оркестром. Любимым балетом американцев является «Щелкунчик».

Творчество композиторов-классиков Глинки, Даргомыжского, Бородина, Римского-Корсакова, Чайковского - подлинное сокровище русской культуры XIX века. Их традиции нашли претворение и развитие в произведениях композиторов конца XIX-начала XX столетия - Танеева и Глазунова, Лядова и Аренского, Калиникова, Скрябина и Рахманинова. Все они - достойные преемники своих великих предшественников.

В своей курсовой работе я показала музыкальное развитие России XIX века, проанализировала состояние музыкальной культуры, выявила ее особенности, рассказала о композиторах этого столетия и об их произведениях, а также выявила значение русской музыки 19 века для мировой культуры.

Русская музыкальная культура XIX века через слияние с европейской культурой, через ее преобразование приобрела самобытные особенные черты и стала в свою очередь оказывать на нее существенное влияние, развиваясь и по сей день.

Список литературы

1.Большая советская энциклопедия

2.Левашова О., Келдыш Ю. История русской музыки-М.,1980

Энциклопедия Кругосвет

Смирнова Э. Русская музыкальная литература - М.,2001

Никитина Л.Д. История русской музыки-М., 1999

Рапацкая Л.А. История русской музыки: От Древней Руси до «серебряного века»-М.,2001

7.www.rimskykorsakov.ru

Приложение 1

Гурилев, Варламов,Алябьев, Верстовский

Федор Иванович Глинка

Эскиз костюма Светозара. Опера «Руслан и Людмила»

Приложение 2

Петр Ильич Чайковский

Балет «Щелкунчик» при участии актеров Большого театра

Репетиторство

Нужна помощь по изучению какой-либы темы?

Наши специалисты проконсультируют или окажут репетиторские услуги по интересующей вас тематике.
Отправь заявку с указанием темы прямо сейчас, чтобы узнать о возможности получения консультации.

I ПОЛОВИНА XIX ВЕКА

Исторический фон. Правление Александра I, война с Наполеоном, восстание декабристов и почти 30 лет реакции, Николай I. Таким образом, эпоха общественного подъема сменяется эпохой реакции. Это отражается во всех видах искусства, классические тенденции постепенно сменяются романтическими.

В литературе – сначала Пушкин и его современники: Дельвиг, Жуковский, Языков, Баратынский, поэты-декабристы. В 30-40-е годы – Лермонтов, Гоголь, критические статьи Белинского.

В живописи в недрах классицизма зарождается и расцветает романтизм (Карл Брюллов – «Последний день Помпеи»).

Архитектура и прикладное искусство – поздний классицизм, ампир (империя – эпоха Наполеона).

В музыке первые 20 лет в традициях XVIII века. В эпоху национального подъема всегда усиливается роль оперы. Музыкальный театр этого периода постепенно развивается, и к 20-м годам уже существуют разные жанры:

1) Драма, или трагедия с музыкой (Козловский, Титов, Давыдов).

2) Водевиль (от времен французской революции) – это легкая комедия с куплетами (Алябьев, Варламов, Верстковский).

3) Историческая опера (итальянец Катерино Кавос написал оперу «Иван Сусанин», которая шла до середины 30-х годов).

4) Сказочно-фантастическая опера («Леста – днепровская русалка», Давыдов, Кавос).

5) Балет. В основном с иностранными артистами. Писали Титов, Кавос, Давыдов.

Кульминация 1-й половины XIX века – творчество Глинки, заложившего основы русской музыкальной классики. Золотое соединение этой эпохи – поэзия Пушкина и музыка Глинки.

Последний период (40-е-50-е годы): позднее творчество Глинки. Расцвет творчества Даргомыжского – первая вершина реализма в русской музыке. Глинка и Даргомыжский по-своему выразили романтизм своего времени.

^ Общественная музыкальная жизнь.

1) Это время расцвета частных музыкальных салонов в домах русских аристократов (например, салон Одоевского, который был просвещенным музыкантом и глубоким музыкальным критиком; его салон посещали и выдающиеся европейские музыканты-гастролеры, в т. ч. Лист).

2) Продолжают существовать крепостные оркестры и театры; популярна музыка Моцарта, Гайдна, Россини и т. д.

3) Растет плеяда русских музыкантов-исполнителей.

4) В 1802 году открывается первая концертная организация в России – Филармони-ческое общество. Начинается первый период расцвета РМК, когда завершается формирова-ние русского классического музыкального стиля. Кульминация этого периода – творчество Глинки.

Русский классический музыкальный стиль впитал различные истоки:

1) русский и украинский фольклор;

2) традиции духовного хорового пения;

3) русская городская песня и бытовой романс (очень важно влияние цыганской исполнительской манеры);

4) традиционный интерес к музыкальным культурам других народов: восточных (ориентализм), а также польской и испанской музыки;

5) традиции венской симфонической школы;

6) опыт итальянской оперы.

60-Е-70-Е ГОДЫ XIX ВЕКА

1) Историческая обстановка: Александр II, поражение в крымской войне, критика самодержавия, национальный подъем и отмена крепостного права {1861 г.). Ведущая роль демократически настроенной интеллигенции.

2) ^ Эстетика и философия: преемники Белинского – Чернышевский и Добролюбов; идеи народничества, равенства, коммун. Интерес к русской истории, социальным проблемам, жизни народа.

3) Литература: золотой век – Достоевский, Тургенев, Толстой, Островский, Салтыков-Щедрин, круг журнала «Современник». Расцвет реализма в литературе. Глубокий психоло-гизм и социальная тематика, сатира.

4) ^ Изобразительное искусство: схожий круг тем. Возникает оппозиция Академии художеств – Артель петербургских художников, стоящих на принципах реализма. С 70-х гг. действует «Товарищество передвижных выставок»: Крамской («Незнакомка»), Перов («Тройка», «Охотники на привале»), Репин («Иван Грозный и сын его Иван», «Бурлаки на волге»), Васнецов («Аленушка»,«Богатыри»), Суриков («Боярыня Морозова», «Утро стрелецкой казни»), Саврасов(«Грачи прилетели»), пейзажи Шишкина, Куинджи.

5) Наука: выдающиеся открытия в естествознании. Сеченов, Тимирязев, Менделеев. Музыкальная наука – Стасов, Серов, Кюи, Ларош.

6) ^ Вьдающиеся исполнители: братья Рубинштейны; Г. Венявский, Л. Ауэр – скрипа-чи. К. Ю. Давыдов – дирижер и виолончелист. Э. Ф. Направник – композитор и дирижер. Осип Петров, Ю. Ф. Платонова и др.

7) ^ Общественная музыкальная жизнь: от частных салонов к массовым и демокра-тичным формам. Филармоническое общество. Продолжает работать Придворная певческая капелла. В 1859 году в Петербурге, а через год и в Москве открывается РМО. Основал его Антон Рубинштейн. На базе РМО открываются консерватории: в 1862 году – в Петербурге, в 1866 году – в Москве. Впервые в России музыканты получают высшее профессиональное образование. С другой стороны, Балакирев открывает (с помощью Стасова и Ломакина) бесплатную музыкальную школу для народных масс и проведения концертов. Эти 2 школы находятся в оппозиции (консерватории поддерживаются императором). Балакирев много дирижирует, в том числе в странах восточной Европы, что укрепляет славянские связи. В Россию приезжают крупнейшие музыканты Европы: Шуман, Лист, Вагнер, Берлиоз. Компо-зиторы этого периода с большим интересом изучают РНП, обрабатывают и издают сборники (Балакирев, Римский-Корсаков, Чайковский).

8) ^ Основные музыкальные объединения и крупнейшие композиторы:

Балакиревский кружок (Новая русская музыкальная школа – «Могучая кучка»). В Европе ее называют «Пятерка». Продолжение традиций Глинки и Даргомыжского + интерес к русской истории, фольклору, а также демократические идеи. Основные чле-ны Могучей кучки: Балакирев, Мусоргский, Кюи Римский-Корсаков, Бородин (времен-но примыкали также Гуссаковский, Ладыженский, Щербачев). Стасов – идейный вдох-новитель, выдающийся искусствовед. Он помогал работе кружка, поддерживал мо-лодых композиторов, снабжал их литературными и историческими материалами для работы над операми.

Круг Антона Рубинштейна – РМО, консерватории и профессура. Они стремились приблизить русскую музыку к западно-европейским традициям.

Серов – композитор, публицист, аналитик.

Артистический кружок во главе с Н. Рубинштейном, драматургом Островским, критиком Одоевским + артисты Малого театра. К ним примыкал молодой Чайковский. Он писал музыку к спектаклям «Гроза», «Снегурочка» (Москва).

9) ^ Основные музыкальные жанры: 1. Развиваются песня и романс, углубляется психологизм, усложняется музыкальный язык, большое место занимает социальная тема (Мусоргский). 2. Опера: преобладают 3 основных направления – историческая, лирико-психологическая и комическая. 3. Балет переживает второе рождение в творчестве Чайковского. 4) Симфоническая музыка – «Могучая кучка» развивает народно-жанровый и эпический симфонизм.

«Раек» – музыкальная шутка (1870, слова Мусоргского).

Посвящено Стасову (он подал идею). Жанр – музыкальный памфлет. Галерея пародий.

№1, Заремба – старомодный и консервативный профессор-теоретик, директор Петербургской консерва-тории. Музыка – подражание оратории Генделя «Маккавей»; «moll-тон - грех прародительский, dur-тон - греха искупление».

№2, Ростислав – критик и композитор Феофил Толстой (Мусоргский сократил его имя до «Фиф») Он был слабым критиком, но также был фанатом итальянской оперы. Музыка – пародия на Патон – салонный вальс.

№3, музыкальный критик Фоминцев. С ним Стасов вел полемику в печати (отсюда намек на «неприлич-ное пятно»). Его же Мусоргский изобразил в «классике».

№4, композитор и критик Серов. Здесь Мусоргский цитирует фанфары из его «Рогнеды», намекает на его преклонение перед Вагнером. Серов возмущался в печати, что ему не дают бесплатного места на концертах РМО, что Берлиоз не позвал его не обед, который давал «Могучей кучке», что его не ставят директором РМО.

Затем явление Эвтерпы – намек на великую княгиню Елену Павловну, которая покровительствовала РМО и консерватории, а также поддерживала музыкально критический журнал Серова.

№5, гимн Музе – поют все вместе (№1 – №4) на тему «Дураковой песни» из «Рогнеды». Суть иронии: все надеются на субсидии (прославление Евтерпы не бескорыстно).

Трусова А.А. Развитие русской музыкальной культуры в 19 веке // Международный журнал гуманитарных и естественных наук. – 2017. – №6. – С. 4-9

РАЗВИТИЕ РУССКОЙ МУЗЫКАЛЬНОЙ КУЛЬТУРЫ В 19 ВЕКЕ

А.А. Трусова

Краснояружской СОШ №2

(Россия, пгт . Красная Яруга)

Аннотация. В статье рассматривается музыкальная культура 19 века, ее основные направления. Проводятся исследование влияния быта на содержание произведений, кул ь туры русского романса, элегии, песни. Осуществляется оценка композиторов и их прои з ведений на примере . Детально рассмотрен романс Ча й ковского «Евгений Онегин».

Ключевые слова. Музыкальная культура, композитор, вокальное произведение, романс, элегия, бытовая песенная лирика, музыкальный театр .

19 век – время подъема русской муз ы кальной культуры. В ее развитии в начале 19 века выделяют 2 этапа, разграниченные событиями 14 декабря 1825 года – первый период Отечественной войны, вызревание декабризма и второй период – последека б ристский. На идеологии декабристов в ы росло творчество Пушкина, Грибоедова; осуществился решающий сдвиг в области музыки: наступает подъем романсовой л и рики, впервые появляются романтические оперы, формируется новый жанр романса-монолога.

Музыкальная жизнь России первой п о ловины 19 века протекала в условиях п о мещичьего крепостнического государства, которое не заботилось о музыкальном о б разовании. Развитие национальных тво р ческих сил тормозила ориентация на З а пад. В дворянском быту был установлен поверхностный взгляд на музыку как «у с лаждение слуха». Занятие музыкой как профессией считалось несовместимым с достоинством дворянина. Поэтому муз ы канты-профессионалы, вышедшие из дв о рянской среды, официально именовали себя «любителями». В первом десятилетии 19 века концертная и театральная жизни приносят первые успехи. Важными муз ы кальными центрами становятся лицеи, университеты, пансионы, а также литер а турно-художественные кружки. Большие заслуги в развитии русской музыкальной культуры принадлежат музыкантам, в ы шедшим из среды крепостной интеллиге н ции Д.Н. Кашину и С.А. Дегтяреву. В Ро с сию приезжали гастролеры с Запада, кот о рые вели здесь активную концертную жизнь. Однако, в связи с особыми соц и альными условиями крепостнической Ро с сии, их концерты не были доступны для широкой публики. Все это возмещалось домашним бытовым музицированием, о х ватившем города, поместья и усадьбы. Привычным явлением в домашнем обих о де становятся музыкальные инструменты: скрипка, арфа, фортепиано, гитара. Муз ы кальные собрания устраиваются не только в аристократических кругах, но и в среде мелкопоместного дворянства, чиновников и мещан. Собираясь по вечерам, любители музыки составляли небольшие ансамбли, играли и пели под аккомпанемент, беря за основу русскую народную песню, которая разрабатывается в виде вариаций, сольных песен или дуэтов. В такой атмосфере скл а дывался и развивался самый распростр а ненный и любимый всеми жанр того вр е мени – вокальная лирика, а также каме р ная инструментальная музыка, камерный анс амбль, смычковое и фортепианное и с полнительство. 19 век стал веком подъема русской культуры, а именно музыкального искусства.

В данной работе, автором более по д робно рассматривается быт провинциал ь ного и столичного дворянства того врем е ни именно с точки зрения музыкального искусства и его проявление в опере П.И. Чайковского «Евгений Онегин». Это произведение занимает центральное место в творчестве композитора и дает полное представление об идеалах и нравах людей, живших в начале 19 века.

В «Евгении Онегине» герои живут и действуют в обстановке русской действ и тельности того времени. В произведениях дается широчайшая картина жизни Ро с сии: общественно-политическая, эконом и ческая и, в том числе, культурная обст а новка.

Песня и романс

Первая половина 19 века была врем е нем расцвета бытовой песни и бытового романса. Русская городская песня, впит ы вая широкое, разностороннее содержание, обогащалась вместе с развитием городской жизни. В самом распространенно м жанре музыки – песне-романсе – осуществлялась связь между композиторским и народным творчеством. Композиторы брали матер и ал из бытовых песен. В то же время их собственные песни входили в быт, стан о вясь народными, как, например, «Красный сарафан» Варламова, «Соловей» Алябьева , «Колокольчик» Гурилева . Отечественная война 1812 года положила начало новым песням – героическим, походным, суто ч ным, сатирическим и популярной рекру т ской песне. Они получили широкое ра с пространение в народе, так как были по л ны скрытого протеста, позволяющего п о нять настроение декабристских лет. Числу любимых городских произведений пр и надлежат «Сторона ль моя, сторонушка», «Не белы снеги », «Не кукушечка во сером бору». Цензура запрещала печать песен, в которых отражалось противостояние с а модержавию. Но именно поэтому они и г рали важную роль в становлении револ ю ционного сознания русског о общества.

Большие заслуги в появлении револ ю ционной песни принадлежат деятелям д е кабристского движения – Рылееву и Бе с тужеву. В созданных ими песнях проявл я ется сатира, вызов самодержавию: «Царь наш, немец прусский», «Ах, где те остр о ва», «Ты скажи, говори, как в России цари правят». Традиции революционной песни, позднее были развиты их современниками. Глубоко проникли в бытовую песню и в творчество русских поэтов пуш кинской поры темы свободолюбия.

Большую популярность в городском быту приобретает украинская песенная лирика, а также цыганская песня, любимая во всех слоях русского общества. В песнях «детей вольности» люди видели проявл е ние смелого человеческого чувства. Ц ы ганские хоры (в состав которых, помимо певцов, входили гитаристы и плясуны) и с полняли русские народные песни в пр и вычной им темпераментной манере.

На основе бытовой песенной лирики развивалось насыщенное романсовое творчество. Расцвету романсовой лирики сопутствовал высокий подъем русской п о эзии. Творчество Жуковского, Пастушк о ва , Баратынского, Дельвига и особенно Пушкина создало благотворную почву для развития русского романса. Романс чутко отображал стилистическую эволюцию русской поэзии, ее образный покой и т е матику, которая позднее (в пушкинскую эпоху) очень углубляется и становится б о лее содержательной.

Вокальная лирика соответствовала всем эстетическим нормам и потребностям ра з личных социальных групп. За достаточно большой срок романсовая лирика развив а ется от сентиментального романса до пс и хологически насыщенных произведений.

В русский музыкальный обиход вошел термин «романс» только в 19 веке. Романс – лирическое вокальное произведение с инструментальным аккомпанементом. В это же время формировался близкий к фольклору, жанр вокальной камерной м у зыки – «русская песня», который разв и вался благодаря огромному влиянию и н тереса к народному творчеству. Поэтому «русские песни» композиторов Алябьева , Варламова, Гурилева стали народными – так поэтично и тонко были претворены в них черты народной песенной лирики.

Пушкинская эпоха вызвала поток р о мансового творчества. Поэтому сочинение песен и романсов в этот период – повс е дневное явление, как в столичном, так и в провинциальном дворянстве. Это спосо б ствует возникновению анонимных люб и тельских романсов бытового характера. Именно этот, простейший на первый взгляд, жанр положил основу развития и н теграционного принципа русской мелодии, ее стиля и языка. Постепенно в романсе выработалась стройная классическая фо р ма. Двухчастная форма – один из ее на и более распространенных видов.

Мелодия русского бытового романса типически вокальна , имеет плавность и широкую интонационную мягкость, что указывает на связь с народно-песенными истоками. Еще одной характерной особе н ностью жанра бытового романса является присутствие внутрислоговых распевов, мягких окончаний фраз, а также наличие томных хроматизмов.

Особое значение в русской музыке 20-30 — х годов приобретает характерный жанр лирико-философского романса – элегия – романс-размышление. Ее основным отл и чием являются такие факторы, как разм е ренный ритм и сосредоточенное выраж е ние чувств. Романс этого жанра сложились под влиянием философских стихотворений Пушкина, Жуковского, Баратынского.

Стремление к яркости и определенн о сти национального колорита все чаще пр о является в вокальной лирике 30-х годов, что является явственным примером поя в ления новых романтических тенденций, также связанных с поэзией. Композиторы стремятся воплотить в песни типические черты характера и быта различных нар о дов. Благодаря этому появляются новые разнообразные типы национально-жанрового романса: испанские серенады, итальянские баркаролы, восточные песни, героические романсы в ритме марша или полонеза. Особенно наглядным примером романтического влияния на музыкальные произведения, увлечения таинственной фантастикой, образами старинных легенд и преданий 20-х годов является жанр ба л лада, как своеобразная повествовательно-драматическая песня, выходящая по х а рактеру выразительных средств за рамки камерно-бытовой романсовой лирики. Сложная по композиционному постро е нию баллада являлась прототипом разве р нутого драматического монолога в св о бодной форме. Ее содержание требовало от певца ясного, и, главное, выразительн о го текста; мрачно-фантастическая сюж е тика находила яркое отражение в жив о писно-изобразительных средствах акко м панемента.

Традиционный жанр застольной песни, соприкасавшийся с боевыми (походными), занимал очень значимое место в бытовом репертуаре столичных и, особенно, пр о винциальных дворян. Застольные песни были изложены в форме куплетов, отлич а лись напевом солиста и припевом хора.

Если посмотреть на проявление жанра бытового романса в опере Чайковского «Евгений Онегин», то уже в первой карт и не первого действия мы можем наблюдать за сценой бытового музицирования .

Усадьба Лариных. Вечереет. Из дома доносится пение Татьяны и Ольги. Звучит их дуэт (« Слыхали ль вы за рощей глас ночной / Певца любви, певца печали?»). В этом дуэте прослеживаются все главные черты, характерные для бытового романса. Во-первых, мелодия: специфически в о кальна , в ней слышны народно-песенные истоки, присутствуют внутрислоговые распевы, которые подчеркивают пла в ность, томные хроматизмы и мягкие око н чания. Во-вторых, форма этого романса – куплетная. В-третьих, романс передает сентиментально-лирическое настроение. В-четвертых, оркестр, сопровождающий дуэт, создает эффект звучания фортепиано и арфы, что свойственно для бытового м у зицирования .

Культура русского романса оказала н е сомненное воздействие на развитие ру с ской классической оперы. В связях быт о вой песенной традиции кроется одна из причин широкой доступности русской классической оперы.

Инструментальная музыка

В первой трети 19 века в формах быт о вого музицирования преобладает тенде н ция камерности, что дает этому искусству почву для развития в условиях русского быта всех слоев общества (в особенности дворян). Камерное творчество быстрыми темпами набирало обороты и процветало. Этому способствовало появление конце р тов в учебных заведениях, любительские музыкальные вечера и другие проявления этого искусства в повседневной жизни. Камерное творчество 19 века в свою оч е редь подразделяется на две основные те н денции: разработка народно-песенного н а ционального материала и применение классических принципов, основанных на общеевропейских традициях.

Первая тенденция развивается и нах о дит полное выражение в вариациях (как известно, вариации являются излюбленной музыкальной формой того времени). Что касается метода общеевропейского кла с сического инструментального стиля, то он находит свое проявление и развивается в основном в произведениях циклической формы – сольных сонатах и камерных а н самблей.

Многие произведения, основанные на подлинных народных мелодиях, открыто выражают «фольклорный» характер, как, например, вариации на народные темы и з вестного скрипача Г.А. Рачинского.

В сложнейшем жанре струнного кварт е та, оценить который может лишь профе с сионально подготовленная музыка, поя в ляется, «академичное» направление. Св и детельством этого являются квартеты Ве р кольского и Ласковского .

Фортепианная музыка, тесно связанная с музыкально-общественной жизнью, с условиями быта дворян и прочих классов, приобретает совершенно другое значение; В своих истоках русская фортепианная м у зыка связана с вокальными жанрами песни и бытового романса. Специфика русского пианистического стиля на ранней стадии определяется широкой напевностью. Этот стиль, подобно романсу, прежде всего, складывался в сфер е лирических настро е ний (так как мягкий и напевный звук фо р тепиано ассоциировался с лиризмом, с тонким ощущением и с томным, романт и ческим состоянием души).

В 15-30-е годы русской фортепианная музыка достигает пика; виртуозный блеск, рост исполнительской техники и профе с сионального мастерства свидетельствую об этом. Все большую роль пианистич е с кий стиль играет в быте дворян.

Смена стилистических направлений, несомненно, отразилась во всех направл е ниях искусства. В начале 19 века произв е дения русских авторов еще несут на себе печать эпохи классицизма. В них выраб а тывается установленный жанр точных классических вариаций с превосходством фактурного развития. Новые романтич е ские тенденции, появляющиеся в творч е стве композиторов старшего поколения, открыто проявились в русской фортепиа н ной музыке 20-30-х годов.

Возрастает и усиливается жанровый диапазон фортепианной музыки, появл я ются новые, свойственные романтическ о му направлению того времени, жанры – ноктюрн, баркарола, колыбельная, прел ю дия, экспромт. Свой отблеск в русской м у зыке эпохи романтизма нашел ход поэт и зации и идеализации бытового танца (Ш у берт, Шопен). Несмотря на то, что танец утрачивает прикладное значение, в на и лучших идеалах фортепианной миниат ю ры он приобретает утонченно-лирический облик (вальсы Грибоедова).

Заметный перелом, вызванный усиле н ным ростом разных форм музицирования (бытового и концертного), наблюдается в 19 веке. Особое значение в искусстве з а нимает симфоническая музыка и ее формы – симфонии, симфониетты, увертюры, сюиты, концерты, симфонические поэмы, фантазии, рапсодии, легенды, каприччио, скерцо, различные симфонические танцы, вариации, попурри и т.д., которые неп о средственно вплотную связаны с оперой и театральной традицией. Оркестровая м у зыка не вышла на самостоятельный путь из-за незначительной развитости концер т ной жизни, но отразила эволюция русского творчества той эпохи. Яркие по оркес т ровке и выразительные по тематизму увертюры Козловского, Давыдова подг о товили симфонические принципы Глинки. В них проявился тернистый путь, который преодолела русская музыка от классици з ма 17 века через «неистовую романтику» к «реалистическому симфонизму».

Инструментальная музыка звучала на балах в виде различных танцевальных жанров. В начале 19 века торжества, балы открывались польским танцем – полон е зом, позже на его смену пришел менуэт.

Один из распространенных бальных танцев – вальс – пользовался в 20-е годы репутацией непристойного, даже вульга р ного танца. Он противо по ставлялся уст а новленным строгими нормами классики танцам и являлся «модным и молоде ж ным». Вскоре он был «запущен» на балы Европы, как дань новой эпохе. Мазурка была в эпицентре всеобщего внимания на балах и означала его кульминацию. Ос о бенностью этого танца наблюдалась те н денция многочисленных причудных фигур и мужского соло. Котильон – вид кадрили – один из заключающих бал танцев. И с полнялся на мотив вальса и изображал с о бой «танец-игру», являлся самым непр и нужденным, разнообразным и шаловл и вым танцем.

У Чайковского в «Евгении Онегине» в первых картинах второго и третьего де й ствий инструментальная музыка первой половины 19 века представлена в виде танцевальных жанров.

Второе действие. Бал в доме Лариных. Празднуются именины Татьяны. Действие открывается вальсом. Молодежь танцует, среди них Онегин и Татьяна. Пожилые гости в это время сидят группами и разг о варивают, наблюдая за танцующими. Это подтверждает, что вальс в те времена я в лялся молодежным танцем. Позже Онегин с Ольгой танцуют танец французского происхождения – котильон. Чайковский осознано выбрал для этой сцены «шало в ливый танец». В нем присутствует момент, когда дама садиться на колени к своему партнеру. Не удивительно, что Ленский приревновал свою возлюбленную: «Ах! Что такое! Глазам не верю! Ольга! Боже, что со мной!»; это и послужило поводом для развития дальнейших роковых соб ы тий. На закате торжества, как и положено, звучит мазурка.

В третьем действие на балу у одного из петербургских сановников гости танцуют полонез. Этот танец свидетельствует о том, что бал только начался, а также по д черкивает возвышенный характер праз д ника. На этом балу звучат также два экос е за – весёлый парно-групповой танец быс т рого темпа, в двудольном размере (при Петре I назывался «английским танцем»).

Процесс развития инструментальной культуры первой половины 19 века, как видно из нашего обзора, протекал нера в номерно. Резкий сдвиг произошел в дека б ристский период 20-х годов. Как и в др у гих жанрах, сдвиг этот был закономерен.

Музыкальный театр

Начало 19 века – эпоха больших, р е шающих сдвигов в истории русского теа т ра. В годы Отечественной войны, дека б ризма театр сохраняет свое просветител ь ское значение и мощно расширяет свое влияние на русское общество. Он прик о вывает к себе внимание широких кругов зрителей, становится объектом литерату р ных дискуссий и споров.

Самовыражается на сцене театра 1800-1810-х годов героико-патриотическая те н денция. Идут трагедии на русские истор и ческие сюжеты, которые затрагивают па т риотические чувства зрителей. Особым успехом пользовались французские «оп е ры спасения» (о событиях французской революции 1789 года) композиторов М е гюля и Лесюера .

В комедийных жанрах, таких, как ком е дии, водевили и комические оперы затр а гивались глубочайшие вопросы совреме н ности. Очевидным проявлением в соц и альном обществе 20-х годов становится театральная критика. Одними из самых ярчайших критиков этого времени были Гнедич , Катенин , Кюхельбекер. В теа т ральном «резерве» 10-20-х годов было достаточно и пустых пьес. Позднее, в 30-40 годы значительное место отводилось пьесам официально-монархического с о держания.

С такими отрицательными тенденциями русского театра активно боролись русские писатели и критики. Центральная роль в этой борьбе принадлежит Белинскому. Со своими сторонниками, он видел в театре гениальное, грандиозное преобразующее искусство – мир правды и поэзии, которые возвышают сущность человека. Белинский призывал к разработке народного русского театра – театра «действительной жизни». Все это оказало влияние на развитие м у зыкального театра. Вместив в себя разли ч ные стили и направления – классицизм, сентиментализм и романтизм, русская опера пришла к реалистическому искусс т ву Глинки.

19 век ознаменован поисками идеала оперного театра, привычной непостоянн о стью жанров и форм; и только Глинки смог урегулировать эту задачу и найти ее решение – создать русскую классическую оперу.

Заключение

Исходя из моей работы, можно сделать вывод, что новый взгляд на фольклор, п о явление новых структурных и жанровых форм, обращение к художественно-выразительным приемам других видов и с кусства – все это обусловило высокую р е зультативность развития музыкальной культуры первой половины 19 века.

Музыкальная культура того времени служит неиссякаемым источником вдо х новения и по сей день. Свойственные ей черты нашли свое продолжение в творч е стве таких композиторов, как Чайковский, Глазунов, Лядов и Рахманинов. Именно поэтому я обратилась к опере Чайковского «Евгений Онегин»; в ней он использует традиционные формы интересующего нас времени (различные инструментальные жанры и показывает сцену домашнего м у зицирования ). Это вносит в музыкальный спектакль необходимую «дозу» зрелища. Вся опера «Евгений Онегин» связана с природой русского романса. По выраж е нию Б.В. Асафьева, «романсное, как лир и ческое высказывание, проникает собою каждую из «лирических сцен».

Библиографический список

1 . Келдыш, Ю.В. История русской музыки. Т. 3. – М.: МУЗГИЗ, 1954. – 531 с.

2. Комиссарская, М.А. Русская музыка XIX века. – М.: Изд-во Знание, 1974. – 208 с .

3. Соболева, Г. Г. Русский романс. – М.: Знание, 1980. – 112 с .

4. Петру ганская , Р. И. Музыка и поэзия. – М.: Знание, 1984. – 56 с .

DEVELOPMENT OF RUSSIAN MUSICAL CULTURE IN THE 19 CENTURY. SONG AND ROMANCE. MUSICAL THEATRE

A.A. Trusova

Krasnoyaruzhskaya school №2

(Russia, Krasnaya Yaruga )

A bstract . The article considers the musical culture of the 19th century, its main directions. A study is being made of the influence of everyday life on the content of works, the culture of the Russian romance, elegy, and song. The composers and their works are evaluated by the example of Alyabyev , Varlamov , Gurilev . Tchaikovsky’s romance «Eugene Onegin » is considered in d e tail.

Keywords . m usical culture, composer, vocal work, romance, elegies, everyday song lyrics, mus i cal theater.