Současná americká malba je na blozích to nejzajímavější. Školní encyklopedie Současní umělci Ameriky

Každá země má své hrdiny současného umění, jejichž jména jsou známá, jejichž výstavy přitahují davy fanoušků a zvědavců a jejichž díla jsou prodávána do soukromých sbírek.

V tomto článku vám představíme nejpopulárnější současné umělce ve Spojených státech.

Iva Morrisová

Americká umělkyně Iva Morris se narodila daleko od umění. velká rodina A výtvarná výchova Dostal jsem to po škole. V roce 1981 získala bakalářský titul v oboru umění na University of New Mexico. Dnes se Iva věnuje umění již více než 20 let, její díla jsou známá doma i v zahraničí a opakovaně jí přinášejí ceny a ocenění. Můžete je vidět v galeriích v Albuquerque, Sante Fe, Novém Mexiku a Madridu.

Warren Chang

Urren Cheng se narodil v roce 1957 v Kalifornii a získal BFA v malbě na Pasadena College of Design a dalších 20 let pracoval jako ilustrátor pro různé společnosti, svou kariéru profesionálního umělce začal teprve v roce 2009. Chengův malířský styl má kořeny v díle umělce 16. století Johannese Vermeera – Warren Cheng pracuje realistickým způsobem a vytváří dvě hlavní kategorie: životopisné interiérové ​​malby a obrazy zobrazující lidi při práci. V současné době vyučuje na Akademii umění v San Franciscu.

Christopher Traedy Ulrich

Umělec Christopher Ulrich z Los Angeles je ikonografický surrealista. Jeho tvorba byla velmi ovlivněna starověké mytologie. První osobní výstava Ulricha (spolupráce s umělcem Billy Shire) se konala v červnu 2009.

Michael DeVore

Mladý umělec a rodák z Oklahoma City Michael DeVore pracuje v klasické realistické tradici. K umění se dostal s pomocí a podporou své rodiny a před studiem výtvarného umění na Pepperdine University v Malibu získal ve svém rodném státě řadu ocenění. Poté umělec pokračoval ve studiu v Itálii. V současné době jsou jeho díla vystavována po celém světě a jsou v soukromých sbírkách. Michael DeVore je členem Oil Painters of America, International Guild of Realism, National Society of Oil and Acrylic Painters a Society of Portrait Painters of America.

Mary Carol Kenney

Mary Carol Kenny se narodila v Indianě v roce 1953. Vzděláním je velmi vágně příbuzná výtvarnému umění, ale od roku 2002, vedena touhou stát se umělkyní, začala navštěvovat kurzy sochařství a keramiky na Santa Barbara City College a poté začala studovat u Rickyho Shtrikha. Dnes je členkou The Santa Barbara Art Ass, cechu sochařů Santa Barbara a vítězkou mnoha ocenění v sochařství a malbě.

Patricia Watwoodová

Realistická umělkyně Patricia Watwood se narodila v roce 1971 v Missouri. Vystudovala s vyznamenáním Akademii výtvarných umění, studovala v dílně Jacoba Collinse a Teda Setha Jacobse. Styl umělce je moderního klasicismu: obrazy se prolínají mytologií, alegoriemi a moderní život. Posledních několik let Patricia přednášela o klasicismu po celé zemi a nyní žije se svou rodinou v Brooklynu.

Paula Rubino

Paula Rubino, současná americká umělkyně a spisovatelka, se narodila v roce 1968 v New Jersey a vyrostla na Floridě. Má doktorát práv. V 90. letech se přestěhovala do Mexika a zaměřila se na malbu. Studovala umění kresby v Itálii, kde dokončila svůj první román. Vyšla také série jejích povídek. V současné době žije na Floridě.

Patssi Valdezová

Patssy Valdez se narodila v Los Angeles v roce 1951 a studovala výtvarné umění na Otis Art Institute, kde byla v roce 1980 jmenována význačnou absolventkou třídy. V roce 2005 obdržel Valdez cenu Latina Award a titul „Latina of Excellence in the Cultural Arts“ od Kongresového hispánského fóra Spojených států. Proslavila se na začátku své kariéry při spolupráci s avantgardní uměleckou skupinou ASCO. Je držitelem mnoha prestižních ocenění, včetně těch udělovaných J. Paul Getty Trust for the Visual Arts a National Endowment for the Arts. Získala Brody Fellowship in Visual Arts. Valdezovy obrazy jsou součástí několika velkých sbírek.

Cynthia Grilli

Umělkyně Cynthia Grilli získala BFA na Rhode Island School of Design v roce 1992 a MFA v malbě na New York Academy of Art v roce 1994. Její práce byly publikovány v mnoha amerických publikacích, vystavovány po celé zemi a jsou součástí soukromých i firemních sbírek v Americe a Evropě. Cynthia je dvojnásobnou držitelkou nadace Elizabeth Greenshields Foundation.

Eric Fischl

Eric Fischl se narodil v New Yorku v roce 1948. V roce 1972 promoval na California Institute of the Arts a získal bakalářský titul. Po promoci nějakou dobu pracoval jako hlídač v muzeu v Chicagu. soudobé umění. Poté, co se Fischl přestěhoval do Skotska, začal učit na Nova Scotia College of Art and Design a začal přímo malovat. Jeho první osobní výstava se konala ve Skotsku. Žánry jeho děl jsou velmi rozmanité, ale především figurativní malba, epizody z moderního amerického života.

Američtí umělci jsou velmi různorodí. Někteří byli jasně kosmopolitní, jako Sargent. Původem Američan, ale téměř celý svůj dospělý život prožil v Londýně a Paříži.

Jsou mezi nimi i autentičtí Američané, kteří vylíčili životy pouze svých krajanů, jako je Rockwell.

A jsou také umělci, kteří nejsou z tohoto světa, jako Pollock. Nebo ti, jejichž umění se stalo produktem konzumní společnosti. Řeč je samozřejmě o Warholovi.

Všichni jsou však Američané. Milující svobodu, odvážný, jasný. Přečtěte si o sedmi z nich níže.

1. James Whistler (1834-1903)

Whistlera lze jen stěží nazvat skutečným Američanem. Když vyrůstal, žil v Evropě. A dětství prožil... v Rusku. Jeho otec postavil železnici v Petrohradě.

Právě tam se chlapec James zamiloval do umění, navštívil Ermitáž a Peterhof díky otcovým stykům (v té době to byly ještě paláce pro veřejnost uzavřené).

Čím je Whistler známý? Ať už píše jakýmkoliv stylem, od realismu po tonalismus*, lze ho téměř okamžitě rozpoznat podle dvou charakteristik. Neobvyklé barvy a hudební tituly.

Některé jeho portréty jsou napodobeninou starých mistrů. Jako například jeho slavný portrét"Umělcova matka"

Umělec vytvořil úžasné dílo pomocí barev od světle šedé po tmavě šedou. A trochu žluté.

To ale neznamená, že Whistler takové barvy miloval. Byl to mimořádný člověk. Klidně by se mohl objevit ve společnosti ve žlutých ponožkách a v zářivém deštníku. A to bylo, když se muži oblékali výhradně do černé a šedé.

Má také mnohem lehčí díla než „Matka“. Například „Symfonie v bílé“. Obraz tak nazval jeden z novinářů na výstavě. Whistlerovi se tento nápad líbil. Od té doby téměř všechna svá díla pojmenoval hudebně.

Ale pak, v roce 1862, se veřejnosti Symfonie nelíbila. Opět kvůli Whistlerovým zvláštním barevným schématům. Lidé si mysleli, že je divné namalovat ženu v bílém na bílém pozadí.

Na obrázku vidíme Whistlerovu rusovlasou milenku. Zcela v duchu prerafaelitů. Ostatně v té době se umělec přátelil s jedním z hlavních zakladatelů prerafaelismu Gabrielem Rossettim. Krása, lilie, neobvyklé prvky (vlčí kůže). Vše je jak má být.

Ale Whistler se rychle vzdálil od prerafaelismu. Protože to pro něj nebylo důležité vnější krása ale nálada a emoce. A vytvořil nový směr - tonalismus.

Jeho krajinná nokturna ve stylu tonalismu jsou skutečně jako hudba. Jednobarevné, viskózní.

Sám Whistler řekl, že hudební tituly pomáhají soustředit se na malbu samotnou, linie a barvy. Přitom bez přemýšlení o místě a lidech, kteří jsou vyobrazeni.

Svému stylu ale zůstala věrná až do konce. Impresionismus. Jemný pastel. Matky s dětmi.

Kvůli malování Cassatt opustil mateřství. Ale její ženská stránka se stále více projevovala v tak něžných dílech jako „Spící dítě“. Je škoda, že ji konzervativní společnost kdysi postavila před takovou volbu.

3. John Sargent (1856-1925)

John Sargent si byl jistý, že bude portrétistou celý život. Moje kariéra šla dobře. Aristokraté se u něj seřadili na objednávku.

Jednoho dne ale podle společnosti umělec překročil hranici. Nyní je pro nás obtížné pochopit, co je na filmu „Madame X“ tak nepřijatelné.

Pravda, v původní verzi měla hrdinka jeden z popruhů dole. Sargent ji „vychoval“, ale nic to nepomohlo. Objednávky vyschly.

Jakou obscénní věc viděla veřejnost? A to, že Sargent ztvárnila modelku v příliš sebevědomé póze. Navíc průsvitná kůže a růžové ucho jsou velmi výmluvné.

Zdá se, že obrázek říká, že tato žena se zvýšenou sexualitou není proti přijímání návrhů jiných mužů. Navíc být ženatý.

Bohužel současníci za tímto skandálem mistrovské dílo neviděli. Tmavé šaty, světlá pleť, dynamická póza - jednoduchá kombinace, kterou najdou jen ti nejtalentovanější mistři.

Ale každý mrak má stříbro. Sargent na oplátku dostal svobodu. Začal jsem více experimentovat s impresionismem. Napište dětem v bezprostřední situaci. Tak se objevilo dílo „Karafiát, lilie, lilie, růže“.

Sargent chtěl zachytit konkrétní okamžik soumraku. Proto jsem pracoval jen 2 minuty denně, když bylo vhodné osvětlení. Pracovalo se v létě a na podzim. A když květiny uschly, nahradila jsem je umělými.

V posledních desetiletích se u Sargenta vyvinul takový vkus pro svobodu, že začal portréty úplně opouštět. I když jeho pověst už byla obnovena. Jednu klientku dokonce sprostě propustil s tím, že by byl rád, kdyby jí namaloval bránu než obličej.

Současníci se k Sargentovi chovali ironicky. Považovat to za zastaralé ve věku modernismu. Ale čas dal vše na své místo.

Nyní jeho díla nemají menší hodnotu než díla nejslavnějších modernistů. No, není co říct o lásce veřejnosti. Výstavy s jeho díly jsou vždy vyprodány.

4. Norman Rockwell (1894-1978)

Je těžké si představit populárnějšího umělce za jeho života, než je Norman Rockwell. Na jeho ilustracích vyrostlo několik generací Američanů. Miluji je z celé své duše.

Rockwell totiž ztvárnil obyčejné Američany. Ale zároveň ukazují své životy od samého pozitivní stránka. Rockwell nechtěl ukazovat ani zlé otce, ani lhostejné matky. A žádné nešťastné děti u něj nepotkáte.

Jeho díla jsou plná humoru, sytých barev a velmi zručně zachycené mimiky ze života.

Ale je iluze, že práce byla pro Rockwella snadná. Aby vytvořil jeden obraz, mohl nejprve pořídit až sto fotografií svých předmětů, aby zachytil správná gesta.

Rockwellova díla měla obrovský vliv na mysl milionů Američanů. Ostatně svými obrazy se často vyjadřoval.

Během druhé světové války se rozhodl ukázat, za co vojáci jeho země bojovali. Vytvořil také obraz „Freedom from Want“. V podobě Díkůvzdání, kde se všichni členové rodiny, dobře najedení a spokojení, radují z rodinné dovolené.

Po 50 letech v Saturday Evening Post Rockwell odešel do demokratičtějšího magazínu Look, kde mohl vyjádřit své názory na sociální otázky.

Nejvíc brilantní práce ty roky - "Problém, se kterým žijeme."

Tento opravdový příběhčernoška, ​​která chodila do bílé školy. Vzhledem k tomu, že byl přijat zákon, který stanoví, že lidé (a tedy vzdělávací zařízení) by již neměly být segregovány podle rasových linií.

Ale hněvu měšťanů se meze nekladly. Cestou do školy dívku hlídala policie. Toto je „rutinní“ moment, který Rockwell ukázal.

Pokud chcete poznat život Američanů v trochu přikrášleném světle (jak ho chtěli vidět oni sami), určitě se podívejte na Rockwellovy obrazy.

Možná ze všech malířů prezentovaných v tomto článku je Rockwell nejameričtějším umělcem.

5. Andrew Wyeth (1917-2009)

Na rozdíl od Rockwella nebyl Wyeth tak pozitivní. Od přírody samotář, nesnažil se nic přikrášlovat. Naopak zobrazoval ty nejobyčejnější krajiny a nevýrazné věci. Jen pšeničné pole, jen dřevěný dům. Ale podařilo se mu v nich zahlédnout i něco magického.

Jeho nejznámějším dílem je „Christina's World“. Wyeth ukázal osud jedné ženy, jeho sousedky. Od dětství ochrnutá se plazila po svém statku.

Na tomto obrázku tedy není nic romantického, jak by se na první pohled mohlo zdát. Když se podíváte pozorně, žena je bolestně hubená. A s vědomím, že má hrdinka ochrnuté nohy, se smutkem chápete, jak daleko to ještě má od domova.

Wyeth napsal na první pohled to nejobyčejnější. Zde je staré okno starého domu. Ošuntělý závěs, který se už začal měnit v cáry. V lese je za oknem tma.

Ale v tom všem je nějaké tajemství. Nějaký jiný pohled.

Děti tak vědí, jak se dívat na svět s otevřenou myslí. Wyatt vypadá stejně. A my jsme s ním.

Všechny Wyethovy záležitosti řešila jeho žena. Byla dobrá organizátorka. Byla to ona, kdo kontaktoval muzea a sběratele.

V jejich vztahu bylo málo romantiky. Musela se objevit múza. A stala se z ní jednoduchá, ale neobyčejného vzhledu, Helga. To je přesně to, co vidíme v mnoha zaměstnáních.

Zdálo by se, že vidíme pouze fotografický obraz ženy. Ale z nějakého důvodu je těžké se od ní odtrhnout. Její pohled je příliš komplikovaný, ramena napjatá. Jako bychom spolu s ní byli vnitřně napjatí. Snažím se najít vysvětlení pro toto napětí.

Zobrazuje realitu v každém detailu, Wyeth magicky obdařil ji emocemi, které ji nemohou nechat lhostejnou.

Umělec nebyl dlouho uznáván. Svým realismem, byť magickým, nezapadal do modernistických trendů 20. století.

Když muzejní pracovníci kupovali jeho díla, snažili se o to potichu, aniž by vzbudili pozornost. Výstavy byly organizovány zřídka. Ale k závisti modernistů měli vždy obrovský úspěch. Lidé přicházeli v houfech. A stále přicházejí.

6. Jackson Pollock (1912-1956)

Jacksona Pollocka nelze ignorovat. V umění překročil určitou hranici, po které už malířství nemohlo být stejné. Ukázal, že v umění se obecně lze obejít bez hranic. Když jsem plátno položil na zem a potřísnil ho barvou.

A tento americký umělec začínal s abstraktním uměním, ve kterém se ještě dalo vysledovat figurativní. V jeho díle ze 40. let „Stenographic Figure“ vidíme obrysy obličeje i rukou. A dokonce i symboly, které chápeme v podobě křížků a nul.

Jeho dílo bylo chváleno, ale lidé s jeho koupí nijak nespěchali. Byl chudý jako kostelní myš. A bezostyšně pil. Navzdory šťastnému manželství. Jeho žena obdivovala jeho talent a udělala vše pro úspěch svého manžela.

Ale Pollock byl zpočátku zlomená osobnost. Od jeho mládí to bylo jasné z jeho činů předčasná smrt- jeho osud.

Tato zlomenost nakonec povede k jeho smrti ve věku 44 let. Ale bude mít čas udělat revoluci v umění a proslavit se.

A udělal to během dvou let střízlivosti. V letech 1950-1952 mohl plodně pracovat. Dlouho experimentoval, až došel k technice kapání.

Rozložil obrovské plátno na podlahu své stodoly a obešel ho, jako by byl na samotném obraze. A potřísněné nebo jednoduše nalité barvy.

Tyto neobvyklé malby Začali od něj ochotně nakupovat pro jejich neuvěřitelnou originalitu a neotřelost.

Pollocka přemohla sláva a upadl do deprese, nechápal, kam se posunout dál. Smrtící směs alkoholu a deprese mu nenechala žádnou šanci na přežití. Jednoho dne usedl za volant značně opilý. Naposledy.

7. Andy Warhol (1928-1987)

Pouze v zemi s takovým kultem konzumu jako v Americe se mohl zrodit pop-art. A jeho hlavním iniciátorem byl samozřejmě Andy Warhol.

Proslavil se tím, že vzal ty nejobyčejnější věci a proměnil je v umělecké dílo. To se stalo s plechovkou Campbellovy polévky.

Volba nebyla náhodná. Warholova matka krmila svého syna touto polévkou každý den více než 20 let. I když se přestěhoval do New Yorku a vzal s sebou i matku.

Po tomto experimentu se Warhol začal zajímat o sítotisk. Od té doby fotil popové hvězdy a maloval je různými barvami.

Tak se objevila jeho slavná malovaná Marilyn Monroe.

Uvolnily se takové kyselé barvy Marilyn nesčetné množství. Warhol dal umění do proudu. Jak by to mělo být v konzumní společnosti.

Warhol nepřišel s pomalovanými obličeji z ničeho nic. A opět se to neobešlo bez vlivu matky. Jako dítě, během vleklé nemoci svého syna, mu nosila balíčky omalovánek.

Tento dětský koníček přerostl v to, co se stalo jeho vizitka a udělal z něj pohádkového bohatství.

Maloval nejen popové hvězdy, ale i mistrovská díla svých předchůdců. Taky jsem to dostal.

„Venuše“, stejně jako Marilyn, toho udělala hodně. Exkluzivitu uměleckého díla „vymazal“ do prášku Warhol. Proč to umělec udělal?

Popularizovat stará mistrovská díla? Nebo se je naopak pokusit znehodnotit? Zvěčnit popové hvězdy? Nebo okořenit smrt ironií?

Jeho barevná díla Madonny, Elvise Presleyho nebo Lenina jsou někdy rozpoznatelnější než původní fotografie.

Ale mistrovská díla byla stěží zastíněna. Přesto zůstává nedotčená „Venuše“ k nezaplacení.

Warhol byl vášnivým party zvířetem a přitahoval spoustu marginalizovaných lidí. Narkomani, neúspěšní herci nebo prostě nevyrovnaní jedinci. Jeden z nich ho jednou zastřelil.

Warhol přežil. Ale o 20 let později na následky rány, kterou kdysi utrpěl, zemřel sám ve svém bytě.

Americký tavící kotlík

I přes krátký příběh Americké umění, rozsah se ukázal být široký. Mezi americkými umělci jsou impresionisté (Sargent), magickí realisté (Wyeth), abstraktní expresionisté (Pollock) a průkopníci pop-artu (Warhol).

Američané milují svobodu volby ve všem. Stovky denominací. Stovky národů. Stovky uměleckých stylů. To je důvod, proč je to tavící kotlík Spojených států amerických.

V kontaktu s

AMERICKÉ MALOVÁNÍ
První díla amerického malířství, která se k nám dostala, pocházejí ze 16. století; jedná se o náčrtky vytvořené účastníky výzkumných expedic. nicméně profesionální umělci se v Americe objevil teprve na počátku 18. století; jediným stabilním zdrojem příjmů pro ně byl portrét; tento žánr nadále zabíral vedoucí postavení v americkém malířství do počátku 19. stol.
Koloniální období. První skupina portrétů provedených technikou olejomalba, pochází z 2. poloviny 17. století; V této době byl život osadníků relativně klidný, život se stabilizoval a objevily se možnosti pro provozování umění. Z těchto děl je nejznámější portrét paní Frickové s dcerou Mary (1671-1674, Massachusetts, Worcester Museum of Art), kterou namaloval neznámý anglický umělec. Ve třicátých letech 18. století již měla města na východním pobřeží několik umělců pracujících modernějším a realističtějším způsobem: Henrietta Johnston v Charlestonu (1705), Justus Englehardt Kuhn v Annapolis (1708), Gustav Hesselius ve Philadelphii (1712), John Watson v Perth Amboy v New Jersey (1714), Peter Pelham (1726) a John Smibert (1728) v Bostonu. Obraz posledních dvou měl významný vliv na dílo Johna Singletona Copleyho (1738-1815), který je považován za prvního velkého amerického umělce. Z rytin z Pelhamovy sbírky mladý Copley pochopil anglické slavnostní portrétování a malbu Godfreye Knellera, předního anglického mistra, který se tomuto žánru věnoval na počátku 18. století. Na obraze Chlapec s veverkou (1765, Boston, Museum výtvarné umění) Copley vytvořil nádherný realistický portrét, jemný a překvapivě přesný ve zprostředkování textury objektů. Když Copley v roce 1765 poslal toto dílo do Londýna, Joshua Reynolds mu poradil, aby pokračoval ve studiu v Anglii. Copley však zůstal v Americe až do roku 1774 a pokračoval v malování portrétů a pečlivě v nich vypracovával všechny detaily a nuance. Poté podnikl cestu do Evropy a v roce 1775 se usadil v Londýně; V jeho stylu se objevil manýrismus a rysy idealizace charakteristické pro tehdejší anglickou malbu. Mezi nejlepší díla, která Copley vyprodukoval v Anglii, patří velké formální portréty připomínající dílo Benjamina Westa, včetně Brooke Watson and the Shark (1778, Boston, Museum of Fine Arts). Benjamin West (1738-1820) se narodil v Pensylvánii; Poté, co namaloval několik portrétů Filadelfů, se v roce 1763 přestěhoval do Londýna. Zde získal slávu jako malíř historie. Příkladem jeho tvorby v tomto žánru je obraz Smrt generála Wolfa (1770, Ottawa, National Gallery of Canada). V roce 1792 West následoval Reynoldse jako prezident Britské královské akademie umění.
Válka za nezávislost a začátek 19. století. Na rozdíl od Copleyho a Westa, kteří zůstali natrvalo v Londýně, se portrétista Gilbert Stuart (1755-1828) v roce 1792 vrátil do Ameriky a udělal kariéru v Londýně a Dublinu. Brzy se stal předním mistrem tohoto žánru v mladé republice; Stuart maloval portréty téměř všech významných politických a veřejné osobnosti Amerika. Jeho díla jsou provedena živě, volně, útržkovitě, velmi odlišně od stylu amerických děl Copleyho. Benjamin West ochotně přijímal mladé americké umělce do svého londýnského studia; mezi jeho studenty patřili Charles Wilson Peale (1741-1827) a Samuel F. B. Morse (1791-1872). Peale se stal zakladatelem dynastie malířů a rodinného uměleckého podniku ve Filadelfii. Maloval portréty, studoval vědecký výzkum a otevřel muzeum přírodní historie a malířství ve Filadelfii (1786). Z jeho sedmnácti dětí se mnozí stali umělci a přírodovědci. Morse, lépe známý jako vynálezce telegrafu, namaloval několik krásných portrétů a jeden z nejvelkolepějších obrazů v celé americké malbě, galerii Louvre. V tomto díle je miniaturně reprodukováno asi 37 pláten s úžasnou přesností. Tato práce, stejně jako všechny Morseovy aktivity, měla za cíl představit mladý národ velkým evropská kultura. Washington Alston (1779-1843) byl jedním z prvních amerických umělců, kteří vzdali hold romantismu; Na svých dlouhých cestách po Evropě maloval mořské bouře, poetické italské výjevy a sentimentální portréty. Na počátku 19. stol. Otevřely se první americké umělecké akademie, které poskytovaly studentům odbornou přípravu a přímo se podílely na pořádání výstav: Pennsylvania Academy of Arts ve Philadelphii (1805) a National Academy of Drawing v New Yorku (1825), jejímž prvním prezidentem byl S. R. Morse. . Ve 20.–30. letech 19. století namalovali John Trumbull (1756–1843) a John Vanderlyn (1775–1852) obrovské kompozice podle výjevů z americká historie, zdobící stěny rotundy Capitol ve Washingtonu. Ve 30. letech 19. století se krajina stala dominantním žánrem americké malby. Thomas Cole (1801-1848) psal o panenské přírodě severu (New York). Tvrdil, že počasím ošlehané hory a světlé podzimní lesy jsou pro americké umělce vhodnějšími náměty než malebné evropské ruiny. Cole také maloval několik krajin prodchnutých etickým a náboženským významem; mezi nimi jsou čtyři velké obrazy Cesta života(1842, Washington, Národní galerie) - alegorické kompozice zobrazující loď sjíždějící po řece, ve které sedí chlapec, pak mladý muž, pak muž a nakonec starý muž. Mnoho krajinářů následovalo Coleův příklad a ve svých dílech zobrazovalo americkou přírodu; často se spojují do jedné skupiny zvané „Hudson River School“ (což není pravda, protože pracovali po celé zemi a psali různými styly). Z amerických žánrových malířů jsou nejznámější William Sidney Mount (1807-1868), který maloval výjevy ze života farmářů na Long Islandu, a George Caleb Bingham (1811-1879), jehož obrazy jsou věnovány životu rybářů z břehů Missouri a volby v malých provinčních městech. Před občanskou válkou byl nejpopulárnějším umělcem Frederick Edwin Church (1826-1900), Coleův student. Maloval převážně velkoformátová díla a někdy používal příliš naturalistické motivy, aby zaujal a ohromil veřejnost. Church cestoval do nejexotičtějších a nejnebezpečnějších míst a sbíral materiál k zobrazení jihoamerických sopek a ledovců severních moří; jeden z jeho nejvíce slavných děl- obraz Niagarské vodopády (1857, Washington, Corcoran Gallery). V 60. letech 19. století vzbudila obrovská plátna Alberta Bierstadta (1830-1902) všeobecný obdiv krásou Skalistých hor, které jsou na nich vyobrazeny, s jejich průzračnými jezery, lesy a věžovitými vrcholy.

Collierova encyklopedie. - Otevřená společnost. 2000 .

Podívejte se, co je „AMERICAN PAINTING“ v jiných slovnících:

Každodenní scény a krajiny amerických umělců 20. a 30. let 20. století provedené naturalistickým, popisným způsobem. Americká žánrová malba nebyla organizovaným hnutím, byla rozšířena mezi americkými... Wikipedie

- „Selanská svatba“, 1568, Pieter Bruegel, Kunsthistorisches Museum, Vídeň ... Wikipedia

Souřadnice: 29°43′32″ N. w. 95°23′26″ západní délky d. /29,725556° n. w. 95,390556° západní délky d. ... Wikipedie

Metropolitní muzeum umění v New Yorku- Jeden z nejvíce velká muzea na světě a největší muzeum umění v USA - Metropolitan Museum of Art ( Metropolitní muzeum umění), který se nachází v New York na východní straně Central Parku na Manhattanu. Toto místo je známé jako Museum Mile... ... Encyklopedie novinářů

Wikipedia má články o dalších lidech s tímto příjmením, viz Bessonova. Marina Aleksandrovna Bessonova (22. února 1945 (19450222), Moskva 27. června 2001, Moskva) Ruská historička umění, kritička, muzejní aktivistka. Obsah 1... ...Wikipedie

Jeden z největších umělecká muzea USA. Společnost byla založena v Bostonu v roce 1870. Uchovává vynikající příklady soch ze starověkého Egypta (busta Ankhhaf, 3. tisíciletí př. n. l.), Řecka a Říma, koptské textilie, středověké umění Číny a Japonska... ... Velký Sovětská encyklopedie

- (De Kooning, Willem) DE KOONING ve své dílně. (1904 1997), současný americký umělec, vedoucí školy abstraktního expresionismu. De Kooning se narodil 24. dubna 1904 v Rotterdamu. V 15 letech se přihlásil na večerní kurzy malování... ... Collierova encyklopedie

- (Chattanooga) město dál jihovýchodní USA (viz Spojené státy americké) (Tennessee); přístav na řece Tennessee ve Velkém Appalačském údolí; nachází se mezi Appalačským pohořím a Cumberland Plateau, na hranici se státem Georgia. Počet obyvatel 153,6 tisíce...... Zeměpisná encyklopedie

- (Chattanooga), město na jihovýchodě Spojených států, Tennessee. Přístav na řece Tennessee. 152 tisíc obyvatel (1994; s předměstími cca 430 tisíc obyvatel). Chemický, textilní, celulózový a papírenský průmysl. Hutnictví železa, strojírenství...... encyklopedický slovník

Barbara Rose (narozena 1938) je americká historička umění a kritička umění. Studovala na Smith College, Barnard College a Columbia University. V letech 1961 až 1969 byla vdaná za umělce Franka Stellu. Na... ... Wikipedii

knihy

• Anglická a americká malba ve Washingtonské národní galerii (brožovaná), E. G. Milyugina, Washingtonská národní galerie má největší světové sbírky vysoce kvalitního anglického a amerického malířství umělecká úroveň. Sbírky odrážejí jak historii světového malířství, tak... Kategorie:

Obsah článku

AMERICKÉ MALOVÁNÍ. První díla amerického malířství, která se k nám dostala, pocházejí ze 16. století; jedná se o náčrtky vytvořené účastníky výzkumných expedic. Profesionální umělci se však v Americe objevili až na počátku 18. století; jediným stabilním zdrojem příjmů pro ně byl portrét; tento žánr nadále zaujímal vedoucí postavení v americkém malířství až do počátku 19. století.

Koloniální období.

První skupina portrétů, provedená technikou olejomalby, pochází z 2. poloviny 17. století; V této době byl život osadníků relativně klidný, život se stabilizoval a objevily se možnosti pro provozování umění. Z těchto děl je nejznámější portrét Paní Frick a dcera Mary(1671–1674, Massachusetts, Worcester Museum of Art), maloval neznámý anglický umělec. Ve třicátých letech 18. století již měla města na východním pobřeží několik umělců pracujících modernějším a realističtějším způsobem: Henrietta Johnston v Charlestonu (1705), Justus Englehardt Kuhn v Annapolis (1708), Gustav Hesselius ve Philadelphii (1712), John Watson v Perth Amboy v New Jersey (1714), Peter Pelham (1726) a John Smibert (1728) v Bostonu. Obraz posledních dvou měl významný vliv na dílo Johna Singletona Copleyho (1738–1815), který je považován za prvního velkého amerického umělce. Z rytin z Pelhamovy sbírky mladý Copley pochopil anglické slavnostní portrétování a malbu Godfreye Knellera, předního anglického mistra, který se tomuto žánru věnoval na počátku 18. století. Na obrázku Chlapec s veverkou(1765, Boston, Museum of Fine Arts) Copley vytvořil nádherný realistický portrét, jemný a překvapivě přesný ve zprostředkování textury předmětů. Když Copley v roce 1765 poslal toto dílo do Londýna, Joshua Reynolds mu poradil, aby pokračoval ve studiu v Anglii. Copley však zůstal v Americe až do roku 1774 a pokračoval v malování portrétů a pečlivě v nich vypracovával všechny detaily a nuance. Poté podnikl cestu do Evropy a v roce 1775 se usadil v Londýně; V jeho stylu se objevil manýrismus a rysy idealizace charakteristické pro tehdejší anglickou malbu. Mezi nejlepší díla, která Copley vyrobil v Anglii, patří velké slavnostní portréty připomínající dílo Benjamina Westa, včetně obrazu Brooke Watson a žralok(1778, Boston, Museum of Fine Arts).

Válka za nezávislost a začátek 19. století.

Na rozdíl od Copleyho a Westa, kteří zůstali natrvalo v Londýně, se portrétista Gilbert Stuart (1755–1828) v roce 1792 vrátil do Ameriky a udělal kariéru v Londýně a Dublinu. Brzy se stal předním mistrem tohoto žánru v mladé republice; Stewart maloval portréty téměř všech významných politických a veřejných osobností v Americe. Jeho díla jsou provedena živě, volně, útržkovitě, velmi odlišně od stylu amerických děl Copleyho.

Benjamin West ochotně přijímal mladé americké umělce do svého londýnského studia; mezi jeho studenty patřili Charles Wilson Peale (1741–1827) a Samuel F. B. Morse (1791–1872). Peale se stal zakladatelem dynastie malířů a rodinného uměleckého podniku ve Filadelfii. Maloval portréty, zabýval se vědeckým výzkumem a otevřel Muzeum přírodní historie a malířství ve Filadelfii (1786). Z jeho sedmnácti dětí se mnozí stali umělci a přírodovědci. Morse, lépe známý jako vynálezce telegrafu, namaloval několik krásných portrétů a jeden z nejvelkolepějších obrazů v celém americkém malířství - Galerie Louvre. V tomto díle je miniaturně reprodukováno asi 37 pláten s úžasnou přesností. Tato práce, stejně jako všechny Morseovy aktivity, měla za cíl představit mladému národu velkou evropskou kulturu.

Washington Alston (1779–1843) byl jedním z prvních amerických umělců, kteří vzdali hold romantismu; Na svých dlouhých cestách po Evropě maloval mořské bouře, poetické italské výjevy a sentimentální portréty.

Na počátku 19. stol. Otevřely se první americké umělecké akademie, které poskytovaly studentům odbornou přípravu a přímo se podílely na pořádání výstav: Pennsylvania Academy of Arts ve Philadelphii (1805) a National Academy of Drawing v New Yorku (1825), jejímž prvním prezidentem byl S. R. Morse. . Ve 20. a 30. letech 19. století John Trumbull (1756–1843) a John Vanderlyn (1775–1852) namalovali obrovské kompozice námětů z americké historie, které zdobily stěny rotundy Capitol ve Washingtonu.

Ve 30. letech 19. století se krajina stala dominantním žánrem americké malby. Thomas Cole (1801–1848) maloval panenskou přírodu severu (New York). Tvrdil, že počasím ošlehané hory a světlé podzimní lesy jsou pro americké umělce vhodnějšími náměty než malebné evropské ruiny. Cole také maloval několik krajin prodchnutých etickým a náboženským významem; mezi nimi jsou čtyři velké obrazy Cesta života(1842, Washington, Národní galerie) - alegorické kompozice zobrazující loď sjíždějící po řece, ve které sedí chlapec, pak mladý muž, pak muž a nakonec starý muž. Mnoho krajinářů následovalo Coleův příklad a ve svých dílech zobrazovalo americkou přírodu; často se spojují do jedné skupiny zvané „Hudson River School“ (což není pravda, protože pracovali po celé zemi a psali různými styly).

Z amerických žánrových malířů jsou nejznámější William Sidney Mount (1807–1868), který maloval výjevy ze života farmářů z Long Islandu, a George Caleb Bingham (1811–1879), jehož obrazy jsou věnovány životu rybářů z r. břehy Missouri a volby v malých provinčních městech.

Před občanskou válkou byl nejpopulárnějším umělcem Frederick Edwin Church (1826–1900), Coleův student. Maloval převážně velkoformátová díla a někdy používal příliš naturalistické motivy, aby zaujal a ohromil veřejnost. Church cestoval do nejexotičtějších a nejnebezpečnějších míst a sbíral materiál k zobrazení jihoamerických sopek a ledovců severních moří; jedním z jeho nejznámějších děl je obraz Niagarské vodopády (1857, Washington, Corcoran Gallery).

V 60. letech 19. století vzbudila obrovská plátna Alberta Bierstadta (1830–1902) všeobecný obdiv ke kráse Skalistých hor s jejich průzračnými jezery, lesy a věžovitými vrcholy.

Poválečné období a přelom století.

Po občanské válce se stalo módou studovat malířství v Evropě. V Düsseldorfu, Mnichově a především Paříži bylo možné získat mnohem zásadnější vzdělání než v Americe. James McNeil Whistler (1834–1903), Mary Cassatt (1845–1926) a John Singer Sargent (1856–1925) studovali v Paříži a žili a pracovali ve Francii a Anglii. Whistler měl blízko k francouzským impresionistům; ve svých obrazech věnoval zvláštní pozornost barevným kombinacím a výrazné, lakonické kompozici. Mary Cassatt se na pozvání Edgara Degase zúčastnila impresionistických výstav v letech 1879 až 1886. Sargent maloval portréty nejvýznamnějších lidí Starého a Nového světa odvážným, překotným a povrchním způsobem.

Opačná strana stylového spektra k impresionismu v umění konce 19. století. obsazeno realistickými umělci, kteří malovali iluzionistická zátiší: William Michael Harnett (1848–1892), John Frederick Peto (1854–1907) a John Haeberl (1856–1933).

Dva významní umělci konce 19. a počátku 20. století, Winslow Homer (1836–1910) a Thomas Eakins (1844–1916), nepatřili k žádnému z tehdy módních uměleckých směrů. Homer začal svou tvůrčí kariéru v 60. letech 19. století ilustrováním newyorských časopisů; již v 90. letech 19. století měl pověst slavného umělce. Jeho rané obrazy jsou výjevy vesnického života nasyceného jasným slunečním světlem. Později se Homer začal obracet ke složitějším a dramatičtějším obrazům a tématům: v obraze Golfský proud(1899, Metropolitan) zobrazuje zoufalství černého námořníka ležícího na palubě lodi v rozbouřeném moři zamořeném žraloky. Během svého života byl Thomas Eakins vystaven tvrdé kritice za přílišný objektivismus a přímost. Nyní jsou jeho díla vysoce ceněna pro svou přísnou a jasnou kresbu; jeho štětce zahrnují obrazy sportovců a upřímné portréty prodchnuté sympatií.

Dvacáté století.

Na počátku století byly nejvíce ceněny napodobeniny francouzského impresionismu. Veřejný vkus zpochybnila skupina osmi umělců: Robert Henry (1865–1929), W. J. Glackens (1870–1938), John Sloan (1871–1951), J. B. Lax (1867–1933), Everett Shinn (1876–1953) , A. B. Davies (1862–1928), Maurice Prendergast (1859–1924) a Ernest Lawson (1873–1939). Kritici je pro jejich zálibu v zobrazování slumů a dalších prozaických témat nazývali školou „popelnice“.

V roce 1913 na tzv „Armory Show“ vystavovala díla mistrů z různých oblastí postimpresionismu. Američtí umělci byli rozděleni: někteří se obrátili ke zkoumání možností barevné a formální abstrakce, jiní zůstali v lůně realistické tradice. Do druhé skupiny patřili Charles Burchfield (1893–1967), Reginald Marsh (1898–1954), Edward Hopper (1882–1967), Fairfield Porter (1907–1975), Andrew Wyeth (nar. 1917) a další. Obrazy Ivana Albrighta (1897–1983), George Tookera (nar. 1920) a Petera Blooma (1906–1992) jsou psány ve stylu „magického realismu“ (podobnost s přírodou v jejich dílech je přehnaná a realita je více připomínající sen nebo halucinaci). Jiní umělci, jako Charles Sheeler (1883–1965), Charles Demuth (1883–1935), Lionel Feininger (1871–1956) a Georgia O'Keeffe (1887–1986), kombinovali prvky realismu, kubismu a expresionismu ve svých díla a další směry evropského umění Námořní pohledy na Johna Marina (1870–1953) a Marsdena Hartleyho (1877–1943) mají blízko k expresionismu Obrazy ptáků a zvířat na obrazech Maurice Gravese (nar. 1910) si stále zachovávají spojení s viditelným světem, i když formy v jeho dílech jsou značně zkreslené a dovedené do téměř extrémních symbolických označení.

Po druhé světové válce se neobjektivní malba stala vedoucím směrem v americkém umění. Hlavní pozornost byla nyní věnována samotnému obrazovému povrchu; bylo vnímáno jako aréna pro interakci linií, hmot a barevných skvrn. Nejvýznamnější místo v těchto letech zaujímal abstraktní expresionismus. Stalo se prvním hnutím v malbě, které vzniklo ve Spojených státech a mělo mezinárodní význam. Vůdci tohoto hnutí byli Arshile Gorkij (1904–1948), Willem de Kooning (Kooning) (1904–1997), Jackson Pollock (1912–1956), Mark Rothko (1903–1970) a Franz Kline (1910–1962). Jedním z nejzajímavějších objevů abstraktního expresionismu byla výtvarná metoda Jacksona Pollocka, který kapal nebo házel barvu na plátno a vytvořil tak složitý labyrint dynamických lineárních forem. Další umělci tohoto hnutí -

Pokud si myslíte, že všichni velcí umělci jsou minulostí, pak ani netušíte, jak moc se mýlíte. V tomto článku se dozvíte o nejslavnějších a nejtalentovanějších umělcích naší doby. A věřte, že jejich díla zůstanou ve vaší paměti neméně hluboce než díla mistrů z minulých epoch.

Wojciech Babski

Wojciech Babski – moderní Polský umělec. Studium dokončil ve slezštině Polytechnický institut, ale spojil se s . V Nedávno kreslí hlavně ženy. Zaměřuje se na vyjádření emocí, snaží se jednoduchými prostředky dosáhnout co největšího účinku.

Miluje barvy, ale k dosažení nejlepšího dojmu často používá odstíny černé a šedé. Nebojte se experimentovat s různými novými technikami. V poslední době si získává stále větší oblibu v zahraničí, především ve Velké Británii, kde úspěšně prodává svá díla, která se již nacházejí v mnoha soukromých sbírkách. Kromě umění se zajímá o kosmologii a filozofii. Poslouchá jazz. V současné době žije a pracuje v Katovicích.

Warren Chang

Warren Chang je současný americký umělec. Narodil se v roce 1957 a vyrostl v Monterey v Kalifornii a v roce 1981 s vyznamenáním promoval na Art Center College of Design v Pasadeně, kde získal titul BFA. Během následujících dvou desetiletí pracoval jako ilustrátor pro různé společnosti v Kalifornii a New Yorku, než se v roce 2009 vydal na dráhu profesionálního umělce.

Jeho realistické obrazy lze rozdělit do dvou hlavních kategorií: biografické interiérové ​​obrazy a obrazy zobrazující lidi při práci. Jeho zájem o tento styl malby sahá až k dílu umělce 16. století Johannese Vermeera a sahá do námětů, autoportrétů, portrétů členů rodiny, přátel, studentů, interiérů ateliérů, tříd a domovů. Jeho cílem je realistické malby vytvářet náladu a emoce prostřednictvím manipulace se světlem a použitím tlumených barev.

Chang se proslavil po přechodu na tradiční výtvarné umění. Za posledních 12 let si vysloužil řadu ocenění a vyznamenání, z nichž nejprestižnější je Master Signature od Oil Painters of America, největší komunity olejomaleb ve Spojených státech. Pouze jeden člověk z 50 má příležitost získat toto ocenění. Warren v současnosti žije v Monterey a pracuje ve svém ateliéru a také vyučuje (známý jako talentovaný učitel) na San Francisco Academy of Art.

Aurelio Bruni

Aurelio Bruni je italský umělec. Narozen v Blair, 15. října 1955. Získal diplom ze scénografie na Institutu umění ve Spoletu. Jako umělec je samouk, protože si samostatně „postavil dům poznání“ na základech položených ve škole. V 19 letech začal malovat oleji. V současné době žije a pracuje v Umbrii.

Bruniho rané malby mají kořeny v surrealismu, ale postupem času se začíná zaměřovat na blízkost lyrického romantismu a symbolismu a tuto kombinaci umocňuje vynikající propracovaností a čistotou svých postav. Animované a neživé předměty získávají stejnou důstojnost a vypadají téměř hyperrealisticky, ale zároveň se neschovávají za oponu, ale umožňují vám vidět podstatu vaší duše. Všestrannost a sofistikovanost, smyslnost a osamělost, přemýšlivost a plodnost jsou duchem Aurelia Bruniho, živeného nádherou umění a harmonií hudby.

Aleksander Balos

Alkasander Balos je současný polský umělec specializující se na olejomalbu. Narozen v roce 1970 v polských Gliwicích, ale od roku 1989 žije a pracuje v USA, v Shasta v Kalifornii.

V dětství studoval umění pod vedením svého otce Jana, samouka a sochaře, takže odmala, umělecká činnost získal plnou podporu od obou rodičů. V roce 1989, ve věku osmnácti let, Balos odešel z Polska do Spojených států, kde byl školní učitel a umělkyně Katie Gaggliardi na částečný úvazek vyzvala Alkasandera, aby se zapsal umělecká škola. Balos poté získal plné stipendium na University of Milwaukee ve Wisconsinu, kde studoval malbu u profesora filozofie Harryho Rozina.

Po promoci v roce 1995 s bakalářským titulem se Balos přestěhoval do Chicaga, kde studoval na School of Fine Arts, jejíž metody vycházejí z díla Jacquese-Louise Davida. Figurální realismus a portrétní malba tvořil většinu Balosovy tvorby v 90. letech a na počátku 21. století. Dnes Balos používá lidskou postavu, aby zvýraznil rysy a ukázal nedostatky. lidská existence aniž by nabízel nějaké řešení.

Námětové kompozice jeho obrazů jsou určeny k samostatné interpretaci divákem, teprve pak obrazy získají svůj pravý časový a subjektivní význam. V roce 2005 se umělec přestěhoval do severní Kalifornie, od té doby se námět jeho tvorby výrazně rozšířil a nyní zahrnuje volnější malířské metody, včetně abstrakce a různých multimediálních stylů, které pomáhají vyjádřit myšlenky a ideály existence prostřednictvím malby.

Alyssa Monksová

Alyssa Monks je současná americká umělkyně. Narozen v roce 1977 v Ridgewood, New Jersey. O malování jsem se začal zajímat, když jsem byl ještě dítě. Studoval na New School v New Yorku a Státní univerzita Montclair a absolvoval Boston College v roce 1999 s titulem B.A. Současně studovala malbu na akademii Lorenza de' Medici ve Florencii.

Poté pokračovala ve studiu v magisterském studijním programu na New York Academy of Art, na katedře figurativního umění, kterou absolvovala v roce 2001. Vystudovala Fullerton College v roce 2006. Nějakou dobu přednášela na univerzitách a vzdělávacích institucích po celé zemi, vyučovala malbu na New York Academy of Art a také na Montclair State University a Lyme Academy of Art College.

„Pomocí filtrů, jako je sklo, vinyl, voda a pára, deformuji lidské tělo. Tyto filtry umožňují vytvářet velké plochy abstraktní design s barevnými ostrůvky prokukujícími části lidského těla.

Moje obrazy mění moderní pohled na již zavedené, tradiční pózy a gesta koupajících se žen. Pozornému divákovi by mohly leccos říci o tak zdánlivě samozřejmých věcech, jako jsou výhody plavání, tance a podobně. Moje postavy se tisknou na sklo sprchového okna, deformují svá vlastní těla a uvědomují si, že tím ovlivňují notoricky známý mužský pohled na nahou ženu. Silné vrstvy barvy se mísí tak, aby z dálky napodobovaly sklo, páru, vodu a maso. Zblízka se však projeví úžasné fyzikální vlastnosti. olejomalba. Experimentováním s vrstvami barev a barev nacházím bod, kdy se abstraktní tahy štětcem stávají něčím jiným.

Když jsem poprvé začal malovat lidské tělo, byl jsem jím okamžitě fascinován a dokonce i posedlý a věřil jsem, že své obrazy musím udělat co nejrealističtější. Realismus jsem „vyznával“, dokud se nezačal rozplétat a odhalovat rozpory sám o sobě. Nyní zkoumám možnosti a potenciál stylu malby, kde se střetává reprezentativní malba a abstrakce – pokud mohou oba styly koexistovat ve stejný okamžik, udělám to.“

Antonio Finelli

Italský umělec –“ Pozorovatel času“ – Antonio Finelli se narodil 23. února 1985. V současné době žije a pracuje v Itálii mezi Římem a Campobassem. Jeho díla byla vystavena v několika galeriích v Itálii i v zahraničí: Řím, Florencie, Novara, Janov, Palermo, Istanbul, Ankara, New York a lze je nalézt také v soukromých i veřejných sbírkách.

Kresby tužkou" Pozorovatel času„Antonio Finelli nás vezme na věčnou cestu skrz vnitřní svět lidská dočasnost a s tím spojená pečlivá analýza tohoto světa, jejímž hlavním prvkem je průchod časem a stopy, které na kůži zanechává.

Finelli maluje portréty lidí jakéhokoli věku, pohlaví a národnosti, jejichž mimika naznačuje průchod časem, a umělec také doufá, že na tělech svých postav najde důkazy o nemilosrdnosti času. Antonio definuje svá díla jedním obecným názvem: „Autoportrét“, protože ve svých kresbách tužkou nejen zobrazuje člověka, ale umožňuje divákovi kontemplovat skutečné výsledky plynutí času uvnitř člověka.

Flaminia Carloniová

Flaminia Carloni je 37letá italská umělkyně, dcera diplomata. Má tři děti. Dvanáct let žila v Římě a tři roky v Anglii a Francii. Vystudovala dějiny umění na BD School of Art. Poté získala diplom restaurátorky umění. Než našla své povolání a plně se věnovala malování, pracovala jako novinářka, koloristka, návrhářka a herečka.

Flaminiaina vášeň pro malování vznikla v dětství. Jejím hlavním médiem je olej, protože miluje „coiffer la pate“ a také si hraje s materiálem. Podobnou techniku ​​poznala v dílech umělce Pascala Toruy. Flaminia je inspirována velkými mistry malby, jako jsou Balthus, Hopper a François Legrand, a také různými uměleckými směry: street art, čínský realismus, surrealismus a realismus renesance. Její oblíbený umělec Caravaggio. Jejím snem je objevit terapeutickou sílu umění.

Denis Černov

Denis Chernov je talentovaný ukrajinský umělec, narozený v roce 1978 v Sambir, Lvovská oblast, Ukrajina. Po absolvování Charkova umělecká škola v roce 1998 zůstal v Charkově, kde v současnosti žije a pracuje. Studoval také v Charkově státní akademii design a umění, obor grafika, absolvoval v roce 2004.

Pravidelně se účastní výtvarných výstav, k dnešnímu dni jich bylo na Ukrajině i v zahraničí více než šedesát. Většina děl Denise Černova je uložena v soukromých sbírkách na Ukrajině, v Rusku, Itálii, Anglii, Španělsku, Řecku, Francii, USA, Kanadě a Japonsku. Některá díla byla prodána v Christie's.

Denis pracuje v široké škále grafických a malířských technik. Kresby tužkou patří k jeho nejoblíbenějším malířským metodám, výčet námětů jeho kresby tužkou je také velmi pestrý, maluje krajiny, portréty, akty, žánrové kompozice, knižní ilustrace, literární a historické rekonstrukce a fantazie.