Nejznámější autoportréty umělců. Leonardo da Vinci

Odpověď na otázku – proč neexistovaly žádné velké umělkyně – spočívá v povaze existujícího sociální instituce mužský svět a co zakazují nebo podporují. Ženy nesměly studovat na malířské akademii, bylo jim zakázáno studovat lidskou anatomii, byly zavřené Volný přístup na model aktu od renesance až téměř konec XIX c., ačkoli pečlivý a zdlouhavý výcvik v kresbě aktů tvořil základ uměleckého učení každého mladého umělce, nesměli se účastnit výstav a soutěží. Studentkám Královské akademie v Londýně bylo do roku 1893 povoleno navštěvovat kurzy kreslení aktů a později, pokud jim to bylo povoleno, musel být model „částečně zahalen“. Studovat mohly pouze doma nebo u svých příbuzných, a proto tak vynikající umělkyně jako Marietta Robusti, Lavinia Fontana, Artemisia Gentileschi, Elisabeth Charon, Madame Vigée-Lebrun a Angelique Kaufman byly všechny bez výjimky dcerami umělců. Berthe Morisotová měla například blízko k Manetovi a později se provdala za jeho bratra a velká část tvorby Mary Cassattové vychází ze stylu jejího blízkého přítele Degase. Žena se navíc musela potýkat s každodenním životem, dětmi, rodinnými povinnostmi, nemohla se naplno věnovat umělecké kariéře, jako to dělali muži.A přes to všechno dosáhli velký úspěch a mezi nimi bylo mnoho hodných dobrých umělců a někteří z nich, jako Sofonisba Anguissola, Angelique Kaufman a Elisabeth Vigée-Lebrun, byli pozváni k malování portrétů u dvora.

"Zábavným příkladem tohoto tabuizace setkání oblečené ženy s nahým mužem je skupinový portrét členů Královské akademie v Londýně z roku 1772 od Zoffanyho. Zoffanyho akademici jsou shromážděni ve světlé hale před dvěma nahé sedící: přítomni jsou všichni vážení členové akademie, až na jednu významnou výjimku: jediná akademička, slavná Angelika Kaufman, je zde přítomna z důvodů slušnosti v podobě jejího portrétu visícího na zdi." Linda Nochlin

Sofonisba Anguissola Autoportrét 1556 Španělsko - první slavný umělec Renesance, všech pět sester v rodině byly umělkyně.

Artemisia Gentileschi. Autoportrét. 1630 Itálie

Autoportrét Rosalba Carriera 1715 Itálie

Marietta Robusti (dcera slavného Tintaretta) Autoportrét Itálie

Anna Vaser Autoportrét. Švýcarsko

Katharina van Hemesson Belgie

Elisabetta Sirani. Autoportrét. Itálie

(žila pouhých 27 let, byla přijata na Akademii, otevřela uměleckou školu pro ženy)

Elisabeth Vigee - Libren. Autoportrét se slaměným kloboukem 1782 Francie (má mnoho nádherných autoportrétů namalovaných v různých letech svého života)

Maria Bracquemont Francie

Eva Gonzalez Francie

Giovanna Frantellini Autoportrét Itálie

Angelika Kaufman Autoportrét 1787 (byl členem mnoha evropských akademií umění)

Adelaide Labille - Giard. Autoportrét se dvěma modely, 1785. Francie

Rolinda Sharples (Chaplin) Autoportrét s matkou 1820

Margarita Gerardová. Autoportrét s kytaristou 1803

Judith Leyster 1630 Nizozemsko

Rose Bonheur Francie

Autoportrét Berthe Morisot 1885 Francie

Marie-Genevieve Boulliard Francie

Louise Hollandina je dcerou krále České republiky. Autoportrét

Tove Jansson Finsko

Frida Kahlo Mexiko

Maria Bashkirtseva - žila 23 let, zařazena do mezinárodního žebříčku umění

Sofia Sukhovo-Kobylina je první ženou, která absolvovala Akademii se zlatou medailí

Zinaida Serebryakova (mnoho autoportrétů)

Tamara de Lempicka Autoportrét

Marianna Veryovkina

Natálie Gončarová

Elizaveta Boehmová

Olga Della-Vos-Kardovskaya

Elizaveta Kruglikova Autoportrét

Maria Vorobyova-Stebelskaya (Marevna) Autoportrét 1929

Natalia Agapeva Autoportrét

Uvedl jsem zde jen malou část autoportrétů umělkyň, níže pomocí dvou odkazů můžete vidět dalších 223 autoportrétů a to samozřejmě není úplný seznam všichni umělci. Jak vidíte, umělkyň bylo vždy hodně. A je naprosto nespravedlivé, že na tolik z nich se zapomnělo, jejich ženská jména vymazány z dějin malířství a jejich kreativní dědictví ztracený.

"Přes co jen žena, která si vybrala, nemusí projítuměleckou kariéru, dokonce i nadanou a významnou,mimořádný talent? Bez ohledu na to, jak je talentovaná, vždy bude stát za průměrným umělcem avždy raději zadá objednávku terciárnímu umělciku než žena se zjevným a brilantním talentem: nějak nechytře... Možná by ji chválili i v novinách,budou o tom mluvit a poznávat to v uměleckém světě,ale nikdo se neodváží pověřit ji odpovědnou prací,pokusí se toho dosáhnout přátelským, společným úsilím.kde si nenechat ujít. V kolika takových příkladech jsem vidělživot! (...) Žena s mnohem větším talentem může postoupit jen zázrakem respzpůsoby, které nemají s uměním nic společného, ​​je jí každý krok věnován jen s neuvěřitelným úsilímmi... A kolik z nich zemře nebo zápasí celý život v chudobě! " Maria Tenisheva

Autoportrét ve světovém výtvarném umění.

Autoportrét je typický pro všechny druhy umění: spisovatele, básníky, hudebníky – všichni vzdali hold vášni pro tento žánr. Ale umění sebepoznání se díky fenoménu autoportrétu naplno projevuje především ve výtvarném umění.

Mnoho umělců se malovalo, psalo a vyřezávalo, často pomocí zrcadla, ve snaze odhadnout náladu svého umění ve svém vlastním vzhledu. Pokud je výraz pravdivý: „Oči jsou zrcadlem duše“, pak můžeme říci, že autoportrét je zrcadlem umělcovy duše.

Známý je i vzorec, že ​​při portrétování druhých umělec podvědomě přenáší své individuální rysy do vzhledu modelky (proto je v přeneseném slova smyslu celé dílo autoportrétu).

Autoportréty v širokém slova smyslu lze považovat za několik málo snímků umělce při práci v egyptštině malebné obrázky nebo na řeckých vázách (jedná se o společné obrazy, stejně jako podpisy hrnčířů jsou tovární značky). Plutarch hlásí o drzosti Fidia (snímek č. 2), který se představil mezi účastníky „Bitvy o Amazonky“. Vytvořil úžasnou, dvanáctimetrovou sochu Athény. A na štítu bohyně zobrazil scénu bitvy mezi Řeky a Amazonkami. Představte si překvapení současníků, když na obrovském štítu mezi řeckými válečníky poznali nejen svého vůdce Perikla, ale i samotného Phidiase. Nebylo těžké to rozpoznat, protože postavy válečníků byly lidské velikosti. Phidias se vyobrazoval jako postarší holohlavý muž, který ve svých vysoko zdvižených rukou drží kámen. Podle legendy se mistrovi podařilo namontovat štít tak, že po odstranění portrétních postav si štít neudržel svůj tvar a rozpadl se. Možná by jeho současníci odpustili mistrovi tak rouhavou blízkost bohům, ale Phidias měl velmi tvrdohlavý charakter a měl příliš mnoho nepřátel. Lidové shromáždění ho proto obvinilo z neúcty k bohům a také z krádeže zlata a umělce vážně odsoudilo, ale propustilo ho na kauci. Phidias musel dokončit velkou zakázku – vytvoření sochy Dia Olympského. Pak bude nazýván jedním ze sedmi divů světa. Phidiasův prohřešek však nebyl zapomenut. Mistr byl uvězněn, kde brzy zemřel.

Ve starověkém řeckém umění v té době neexistovala žádná tradice psychologického portrétu a ještě více autoportrétu. Pro starověkou Helénu aktivní účast v veřejný život měst se výkon občanských práv a povinností jevil jako přirozená forma činnosti. To ho odlišovalo od otroka, dělalo z něj člena společnosti, a tedy člověka. Proto v starověké umění zájem o soukromý život člověka, o intimní svět jeho vášní a zážitků je málo rozvinutý. Veřejnost je vyšší než jednotlivec. Proto současníkům prostě nebylo jasné, proč to Phidias udělal, tedy kromě vyvyšování své vlastní osoby.

Období křesťanství se vyznačuje touhou po pokání a duchovní střízlivosti, zpověď je jedním ze základů duchovního růstu. A v autoportrétu se objevují motivy sebekritiky a „srdečné lítosti“. Izografové (jak se nazývali malíři ikon) se na ikony, fresky a malby v katedrálách, které vytvořili, nepodepisovali. Je však známo, že své obrazy často zanechávali na freskách, panelech a mozaikách. Je samozřejmě nyní velmi obtížné je identifikovat. Je pravda, že vědci se domnívají, že existují vážné důvody domnívat se, že Andrej Rublev zanechal svůj obraz na jedné z fresek katedrály Nanebevzetí Panny Marie ve Vladimiru. Tam, v jižní lodi, je kompozice „Apoštol Petr vedoucí spravedlivé do nebe“. Vedle apoštola najdeme obraz muže. Dívá se divákovi přímo do očí. Tato technika je velmi typická pro umělce rané evropské renesance, kteří se často malovali ve vícefigurálních kompozicích právě tímto způsobem. Středověk dal hodně – touhu vidět za vnější lidskou slupkou něco nesrovnatelně většího – duchovní svět.

Ke konečnému formování žánru portrétu a autoportrétu však dochází samozřejmě až v renesanci. Tehdy se formují žánrové rysy autoportrétu

Autoportréty se dělí na několik typů: 1) „vložený autoportrét“ - umělec je zařazen do skupinové kompozice; někdy je rozpuštěn v situaci 2) „symbolický autoportrét“ - umělec dává své vlastní rysy historické nebo mytologické postavě 3) „skupinový portrét“ – profesionální, rodinný, nezapomenutelný 4) „přirozený autoportrét“ – umělec se prezentuje při práci s profesionálními doplňky (nebo bez nich)).

Giotto je skvělý inovátor, který dal důstojný příklad vytvořením Castel Nuovo

v Neapoli se mezi nimi objevil cyklus „slavných lidí“. V kapli Brancacci je ve scéně z příběhu o Petrovi vidět jeden z apoštolů stojících v zadní řadě Masaccio (snímky č. 3, 4). V přeplněném a hlučném „Klanění tří králů“ zcela vpravo, v plná výška, ve třičtvrtě otáčky zastupuje on sám Botticelli (snímky č. 5,6), při pohledu nikoli na hlavní přeplněné pódium s rodinou Medici, ale na diváka.

V období renesance svědčil autoportrét o zvýšené veřejný význam umělce, o růstu jeho sebeuvědomění. Současníci věřili Leonardo da Vinci (snímek č. 7) mimořádný člověk, přičemž si všímá úžasné tvůrčí všestrannosti mistra. Pozdní a jediný „Autoportrét“ představuje skvělý výsledek cesta života velký italský malíř, teoretik a vědec, univerzální génius a filozof, který hledal nové cesty k dokonalosti malby.

Umbrijský snílek Rafael Santi (snímek č. 8,9) neměl ani Leonardovu aristokracii, ani moc Michelangela, ale měl otevřenou, vyrovnanou duši a okouzlující charakter, což oceňovali zejména jeho současníci. Všechny tyto přednosti přesvědčivě vyzařují v jeho dílech, jeho autoportréty jsou také prodchnuty vyrovnanou a veselou náladou. V „Athénská škola“ (snímek 10, 11) Raphael pod rouškou starověkých řeckých filozofů zobrazil své starší současníky: Leonarda a Michelangela a autoportrét umístil skromně do pravého dolního rohu fresky.

Během pozdní renesance objevují se autoportréty-symboly, které svým způsobem odrážely těžké přechodové období evropská kultura. Například tragická obličejová maska Michelangelo (snímek 12), což je naprosto jasně patrné v kůži odebrané hříšníkovi sv. Bartoloměje. Toto je freska Poslední soud" Nebo autoportrét Michelangelo Caravaggio (snímek č. 13) v podobě hlavy Goliáše, useknuté Davidem. (Michelangelo "David s hlavou Goliáše."). Malování „Nemocný Bakchus“ (snímek č. 14) vytvořil umělec ve věku 16 let. Předpokládá se, že jde o autoportrét umělce, namalovaný v nemocnici, když trpěl horečkou. Svědčí o tom mladíkův chorobný vzhled. Postava Bakcha se přesune do blízkosti rámu obrazu. Umělec se k tomu uchýlí, aby přiblížil postavu divákovi, aby vytvořil pocit jejich komunikace.

Autoportréty pozdně renesančních malířů svědčí o dramatičnosti tvůrců, kteří prožívali osamělost a duševní zmatek při střetu se změněnou realitou. Autoportrét Tintoretto (snímek č. 15) Několik let před jeho smrtí Tizian (snímek č. 16) napsal svůj poslední „Autoportrét“ – jedinečné vyznání odhalující duchovní svět velkého mistra. Vytočená do téměř plného profilu získává postava zvláštní odstup.

Dílo úžasného umělce 16. století Giuseppe Arcimboldo (snímek č. 17) fascinuje, překvapuje a vyvolává mnoho otázek. Je o něm velmi málo informací: narodil se v Miláně, pracoval se svým otcem na výzdobě milánské katedrály, poté žil a tvořil ve Vídni a Praze jako dvorní malíř. Rudolf2 nesl titul „Mistr festivalů“ a jako Leonardo vymýšlel, stavěl různé divy, jukeboxy(jeho paměti zmiňují jeho „slibnou loutnu“ a „barevný klavichord“).

Období, ve kterém umělec pracoval, prošlo znamením přírodní filozofie, jejíž jednou z hlavních myšlenek byla doktrína životního prostoru: roční období a prvky byly srovnávány s procesy probíhajícími v lidském těle. Vítr byl přirovnáván k dýchání, hrom k řeči, východ slunce k úsměvu; podzim byl srovnáván se středním věkem, zima se stářím atd. Arcimboldo přirovnal svých 46 let k rozkvětu lidský život a v autoportrétu „Léto“ rozvinul téma dusného odpoledne, jehož plody rostou ze zlatých klasů pšenice. Skladby Arcimbolda se těšily tak divokému úspěchu, že daly vzniknout celé řadě napodobitelů, zvaných „Arcimboldesques“.

Manýristické autoportréty se vyznačují izolovaností a složitostí vnitřního světa mistra. Autoportréty Pontorma, Parmigianino (snímek č. 18).

Německý malíř a rytec, matematik a anatom Albrecht Durer provedl jedinečnou syntézu renesančních principů s rýnskými a holandskými charakteristikami. Na rozdíl od Itala zahrnoval jeho ideál člověka pochybnosti a tvrdé myšlenky, ztělesněné v komplikovaných, alegorických, lineárně rigidních umělecké techniky. „Autoportrét s bodlákem“(snímek č. 19) možná namaloval umělec pro svou nevěstu Agnes Frey. Dürer drží v rukou bodlák – symbol mužské věrnosti. Dürer byl obzvláště pozorný ke svým rysům a vylíčil se jako šlechtic (snímek č. 20), pak v obraze Ježíše Krista, nemluvě o přítomnosti ve všech velkých kompozicích. V Benátkách, v kostele San Bartolomeo, Durer namaloval obraz „ Svátek růžence» (snímek č. 21), kde podle zvyku italských mistrů umístil svůj obraz na prominentní místo: z hlubin pozorně sleduje diváka elegantní Durer. V rukou drží rozložený list papíru s nápisem v latině: „Za pět měsíců hotovo. Albrecht Durer, Němec, 1506"
V nejznámějším autoportrétu, „Autoportrét k obrazu Krista“ (snímek č. 22), Mistr plastickými prostředky vyjadřuje odvážnou myšlenku, že každý umělec je stvořitel, a tedy podobný Bohu. V tomto výbuchu sebepotvrzení, zbožného ztotožnění se s Kristem vytvořil více než 50 autoportrétů. U Cranach (snímek č. 23) A Holbein (snímek č. 24) byli jen jeden nebo dva.

Jan van Eyck se alespoň dvakrát uchýlil ke „skrytému autoportrétu“ Portrét manželů Arnolfiniových“ (snímek 25) a "Madona z Canon van der Paele" (snímek 26)(na štítu za sv. Jiřím je slabý odlesk postavy, možná se jedná o autoportrét Jana van Eycka). „Svatý Lukáš maluje Madonu“ od Rogiera van der Weydena(snímek 27). Obraz je věnován epizodě legendy (12. století, řecký původ) o sv. Lukáše, který namaloval portrét Madony a Dítěte Krista. Obrazy sv. Začaly se objevovat luky evropské umění ze 14. století. Umělecké cechy považovaly Lukáše za svého patrona a umisťovaly obrazy světce do svých kaplí. Možná, Rogier van der Weyden se zpodobnil v obrazu sv. Luke (Dirk Bouts, Gossaert atd. půjde touto cestou).

Portrét malíře v ateliéru se často vyskytuje v holandském malířství ( Jan Steen, Pieter Bruegel (snímek 28)) V práci „Revelers“ (snímek 29) Stan ztvárnil sebe a jeho manželku Margaret, dceru slavného holandský umělec Jan van Goyen. Majitelova tvář vyzařuje spokojenost a spokojenost. Celá scéna je zprostředkována do nejmenších detailů s velkou upřímností, vřelostí a vřelostí pocit světla ironie. Sám hlavní postava a na obrázku "Kočičí rodina"(snímek 30). Umělec, jeho žena a děti se sešli u stolu. Vládne zábava. Dívka v pozadí všem ukazuje novorozená koťata. Pro jeho díla je charakteristický humor, místy až ironie, bohatá kompozice a živá barevnost.

V některých dílech (například „Malířská dílna“ Vermeer (snímek 31) umělec je otočen zády k divákovi. Obraz měl několik názvů: „Alegorie malby“, „Umění malby“, „Umělec a model“. Kompoziční struktura, dispozice a okolí nám umožňují vnímat obraz jako symbol malířského umění. Závěs těžkého koberce je zvednutý, mladá Holanďanka, zahalená do modré látky, zobrazuje múzu historie Clio; na stěně visí mapa sedmi nizozemských provincií; sám umělec je vyobrazen zezadu, oděn ve slavnostním oděvu.

Sedmnácté století nám odkázalo brilantní umělecký dokument nefalšované lidské nebojácnosti, který nezná hranic sebezpytování, často nemilosrdný - četné autoportréty Rembrandt, které byly jakýmsi deníkem. Utváření osobnosti a rozvoj umělcovy individuality jsou velmi jasně ukázány. Toto je celá autobiografie ve vizuální podobě, která nemá obdoby. Jeho autoportrétní zpovědi, reflektující konflikt s vnějším světem, se vyznačují duchovní hloubkou a napětím. Málo věděl „Autoportrét s rostoucím vousem“ (snímek 32) napsaný v polovině 30. let 16. století. Pro Rembrandta jsou to nejšťastnější roky – doba úspěchu u veřejnosti, obdivu jeho studentů a jeho manželství s milovanou ženou Saskiou van Uylenburch. Patří do stejného období „Autoportrét se Saskiou na klíně“ (snímek 33). Umělec pozvedá sklenku vína a obrací se k divákovi a zve ho, aby se podělil o radostné jídlo a zábavu. Svěží oblečení a bohaté doplňky dotvářejí obrázek dovolené. Rembrandt maloval mystifikované kostýmované autoportréty. (snímek 34)

Velký generační autoportrét z newyorských kolekcí (snímek 35)– jedno z nejsilnějších malířových děl. Mohutná postava se tyčí jako široká pyramida. Přehozený tmavý plášť nezakrývá spodní část oděvu kaskádou malých záhybů. Po okrajích bílého šátku matně blikají pruhy brokátu. Levá ruka drží jednoduchou hůl. Hůl jako symbol moci, jako žezlo krále nebo hůl biblického patriarchy. Tvář je plná odhodlání a inteligence. Ostrý pohled prozrazuje sarkasmus a výsměch druhým a možná i sobě samému. Zdá se, že Rembrandt na portrétu stojí proti prostředí, které je mu cizí, je dost silný na to, aby z konfliktu s ním vyšel jako vítěz. (Dílo bylo napsáno v roce 1658, rok po bankrotu).

Na nejnovějších autoportrétech ( snímek 36) ohromuje unavenou, nervózní starou tvář s očima zkoumavě a bolestně nahlížejícími do světa kolem nás. To je pohled člověka, který se za cenu hořké zkušenosti naučil chápat nejdůležitější a nejhlubší stránky života.

Peter Paul Rubens – ústřední postava vlámské umění 17. století, jehož dílo se stalo typickým výrazem barokního slohu. „Autoportrét s Isabellou Brandtovou“ (snímek 37) - jeden z plnokrevných obrazů šťastného manželský pár v evropském malířství. (snímek 38)

Rubensův žák Anthony van Dyck Během svého života namaloval mnoho autoportrétů. Způsob ošetřování povrchů převzal od Rubense, ale lišil se od něj temperamentem. Van Dyck si byl vědom své přitažlivosti. Byl to nevyrovnaný, temperamentní člověk, považoval se za právo být svévolný, jednat arogantně a arogantně. Jeho nejstarší autoportrét zobrazuje 15letého teenagera. Pak autoportréty rostou ve velikosti a formátu (po prsa, vedle sebe) snímek 39), což odráží růst jeho důvěry v sebe sama a jeho portrétování. Van Dyck poté, co obdržel odměnu od anglického krále (zlatý řetěz a medailon s královským obrázkem), píše „Autoportrét se slunečnicí“ (snímek 40), kde, ukazujíc na květinu, zvedá zlatý řetízek na hrudi. Van Dyck se ukazuje jako více dvořan než tvůrce. Stejně jako se slunečnice obrací ke Slunci, tak i subjekt by měl následovat panovníka.

Autoportréty francouzského klasicisty jsou prodchnuty sebeúctou Nicolas Poussin (snímek 41).

Autoportrét Diego Velazquez (snímek 42, 43) součástí obrovské (více než 3 metry) zvané „Las Meninas“ (služky cti). Jedná se o jedinečnou a úžasně navrženou kompozici. Na obrázku je toho hodně nejasného. O kom píše Velazquez? Královský pár, který vidíme jen v zrcadle? Nebo co vidíme? Možná chce malíř vyzdvihnout malou infantku, následnici trůnu, jako významnější osobu než její rodiče? Nebo možná podstata spočívá ve Velazquezově zobrazení sebe sama? Jak se vůbec rozhodl namalovat královskou rodinu ve svém ateliéru? Ostatně dvorní umělec se měl dostavit k sezení samotnému králi či infantce. V té době byli malíři ve Španělsku stále klasifikováni jako řemeslníci. Stále více se však ozývaly hlasy ve prospěch klasifikace malířství, jako v Itálii, as svobodná umění. To znamená, že toto plátno splňuje všechny hlavní umělecké kánony a zároveň deklaruje vysoké postavení, které by měl malíř zastávat.

Od 18. století téměř všichni mistři považovali své autoportréty za manifesty svého vlastního stylu. Spolu se sociálními charakteristikami umělci 18. Chardin (snímek 44), Reynolds (snímek 45), Gainsborough (snímek 46), Hogarth (snímek 47)) v autoportrétu zdůraznil důležitost soukromého života člověka, jeho pozornost k sobě samému.

Velké místo v umění 19. století zaujímá autoportrét, jehož představitelé potvrzovali hodnotu tvůrčí osobnosti a jejího bohatého duchovního života (počínaje klasicisty Davide(snímek 48), Ing A( snímek 49) k romantikovi Delacroix (snímek 50)) Umění romantismu vyvinulo novou myšlenku duchovní nezávislosti stvořitele, obdařeného darem zvýšené citlivosti a soucitu. Přední ruský malíř Orest Kiprensky (snímek51) psal sám opakovaně. Na „autoportrétu“ z roku 1828 se Kiprensky zobrazil s podivně zmateným výrazem. Nesmělá otázka adresovaná divákovi, pocit nejistoty, jako by umělec hledal zvenčí potvrzení správnosti své cesty. Kiprenskyho nálada vyjádřená v „Autoportrétu“ měla základ. Jeho talent se ve své vlasti nedočkal uznání a umělce nemohl najít uplatnění tvořivost, je hořce zklamán.

Autoportréty jsou prodchnuty úplně jinou náladou Gustave Courbet, francouzský realista poloviny 19. století. Courbet se maluje s úžasnou houževnatostí, jeho autoportréty se vyznačují narcismem. Courbet byl chudý a možná mu sloužil jako nejdostupnější model. Ale byla tu ještě jedna otázka, která ho trápila. Kdo to je, umělec? Courbet rozvíjí různé možnosti a zastavuje se, když ukazuje umělce (tedy sebe) jako aktivního účastníka současného společenského a uměleckého života. (snímek 52) . « Autoportrét se psem»( snímek 53) napsaný na pozadí přírody, umělec platí velká pozornost oblek, vedle něj je španěl, skicák a hůl. Mluví o své profesi, o své lásce k vlast. Zdá se, že Courbet říká: podívej se, jaký jsem – mladý, hezký a ne tak jednoduchý, jak se na první pohled zdá.

V Courbetových autoportrétech dominuje společenský patos a v obrazech Van Gogh (snímek 54)– psychologický. Na přelomu 19. a 20. století se často volil autoportrét k vyjádření osobního postoje, vlastního obrazového a plastického pojetí ( Paul Cezanne (snímek 55)), vnitřní duchovní napětí mistra. Příkladem jsou četné autoportréty Vincenta van Gogha. Jeho autoportréty se nazývají zpovědnice. Van Gogh vytvořil několik cyklů autoportrétů. Zdá se, že se umělec snaží pochopit sám sebe. Zdá se, že vede dialog sám se sebou, probírá radosti i prohry, vzestupy i pády. Van Goghovy autoportréty představují křivku umělcova duševního stavu – jde o jakýsi kardiogram, předznamenávající blížící se konec smrti.

„Autoportrét s obvázaným uchem“ (snímek 56) byl napsán po bouřlivé hádce s Gauguinem. Přátelství dvou nejtalentovanější umělci skončilo hádkou. Příliš citlivý Van Gogh to měl se sobci a hrdými velmi těžké Gauguin (snímek 57). Gauguinovo rozhodnutí opustit Arles a opustit jej však vyvolalo u Vincenta Van Gogha velmi silnou reakci. V záchvatu šílenství si Van Gogh uřízne ušní lalůček. Po opuštění nemocnice umělec maluje tento autoportrét. Všechny Van Goghovy autoportréty přitahují pozornost. Extrémní upřímnost, barevnost a technika pointilismu, v níž byly namalovány umělcovy pozdní autoportréty, diváka fascinuje. Pokusíte-li se trochu odpoutat od obvyklého duševního shonu, pak při pohledu nejen na originály, ale na dobré reprodukce jeho děl, ucítíte takové hlubiny vnitřního světa, které vám pomohou pochopit nejen tohoto úžasného člověka. , ale i sebe.

Mimochodem, psychologie již dlouho používá techniku ​​psaní autoportrétů. Psychologové se domnívají, že již samotný proces takové práce má pozitivní psychoterapeutický efekt.

V předvečer první světové války se surrealističtí umělci a představitelé nové materiality opět obrátili k autoportrétu.

René Magritte- vlastní si vytvořil šéf belgických surrealistů, textař avantgardy individuální styl. V „Autoportrét umělce při práci“ (Statistiky) (snímek 58) autor sedící u stojanu kreslí vzlétajícího ptáka, jehož obraz se jako talisman často nachází na jeho plátnech. Spojeno s volným letem kreativní duše. Malování „Pokus o nemožné“(snímek 59) je autoportrét umělce, který maluje svou ženu. Autor domaluje ruku nahé Georgette stojící před ním. Umělec si vlastně uvědomuje, že to, co se mu objeví pod štětcem, není kopií reality, ale nová realita jako by se to odehrávalo ve snu. Stvořitel je přirovnáván k Všemohoucímu a kreativita je přirovnávána ke stavu podobnému bohu.

Španělský surrealista Salvador dali upoutal představivost diváků svými autoportréty „Autoportrét s Raphaelovým krkem“ (snímek 60),„Africké dojmy“, „Nahý autoportrét“. Svou extravagantní povahou a hypertrofovanou ctižádostí vytvořil půdu pro mytologizaci vlastní osoby. Umělec obrazně mluví o své tváři na autoportrétech: „Toto je rukavice mého já.“ Obraz „Dali malba zpoza Gala...“ (snímek 61)- ztělesnění myšlenky vícerozměrného, ​​stereoskopického objemového prostoru za účelem dosažení iluze hmatatelnosti. Efekt malby v malbě. Umělec a jeho model se na sebe dívají v zrcadle, jako by byli uzamčeni v trojrozměrném prostoru, ale ve skutečnosti sami se svými myšlenkami a pocity.

Jeden z nejdůležitějších důvodů nedostatečného rozvoje autoportrétu v rané fázi dějin nového ruského malířství (s výjimkou velkolepého autoportrétu Matveeva) spočívá v postavení umělce ve společenském systému, v podmínkách jeho existence a ve zvláštnostech jeho sociálního blahobytu. Ruský malíř 18. století byl jako řemeslník, nese otisk středověkého pojetí osobnosti - korporace, daleko od myšlenky sebevyjádření. Ivan Argunov (snímek 62) a Semyon Shchedrin - drží paletu, jasně odhalují jejich zapojení do řemeslné dílny, a ne do uměleckého prostředí. Mnoho mistrů 19. a 20. století se zobrazovalo s paletou, ale tam byl význam atributu profesionální jiný: umělce naopak zařadil mezi elitu, postavil ho do netřídní situace, zařadil, tzv. mluvit v umělecké třídě. Umělec v 18. století působí jako skromný dělník, který nechce konkurovat těm, které obvykle maluje na portrétech, a jako by vždy „znal své místo“.

Pár slov o autoportrét Matvejeva (snímek 63). Byla napsána po více než deseti letech studia malby v Holandsku, nese jemné rysy nastupujícího rokoka a je zároveň vyzrálou tvorbou národního malířská škola. Bezprecedentní v té době byl obraz státník, ale soukromá osoba, navíc sám umělec a jeho manželka Irina Stepanovna, dcera kováře.

Ale v ruském romantismu rozkvétá autoportrét s mimořádnou silou. V Kiprenskyho autoportrétech se dá hodně vyčíst. Z nich získáte představu o malbě začátek XIX století, Několik děl soustředilo hlavní trendy ve vývoji ruského portrétování na počátku století. Autoportréty Orlovského a Bryullova slouží jako jedny z nejlepších příkladů ruské malby 40. let. Orlovský (snímek 64) nebyla nouze o kostýmy. Mimochodem, sám navrhoval uniformy pro různé druhy vojsk a ochotně se oblékal zejména do čerkeského kroje - ne proto, aby dal obrazu slavnostní formy, ale kvůli oslavě svého vlastního obrazu. Taková glorifikace byla jakýmsi kostýmem, jak dokládá slavný grafický autoportrét v červeném plášti (1809). Celkový ruský autoportrét romantický čas inklinuje k pesimistickému pojetí. Svědčí o tom jak evoluce Kiprenského, tak poslední akt veškerého romantismu – Bryullov autoportrét 1848 (snímek 65)

Bryullov namaloval svůj portrét během vážné nemoci, která se později stala osudnou. Bylo by ale špatné vysvětlovat tragický výraz „Autoportrét“ pouze jako předtuchu blízké smrti. Zdá se, že Bryullov zde shrnuje celý svůj život.
Celé petrohradské období jeho života (1836-1849), navenek zdánlivě plné úspěchů a poznamenané hlučnou slávou, bylo ve skutečnosti hluboce tragické. Bryullov se dusil v umrtvující, oficiální atmosféře Nikolajeva Petrohradu. Talent úžasný umělec Nemohl jsem pro sebe najít důstojné využití. Výměnou za svobodnou kreativitu byl Bryullov požádán, aby namaloval katedrálu svatého Izáka. Historický film „Obležení Pskova“, ve kterém Bryullov viděl hlavní dílo svého života, byl umístěn pod oficiální dohled a byl opakovaně podroben radikální revizi. Nikdy nebylo dokončeno. Pocit hořké nespokojenosti umělce neopouštěl, bolestný pocit závislosti spoutal jeho sílu. Krach jeho nejlepších plánů vysvětluje onu krutou beznaděj, tragický patos, kterým je „Autoportrét“ prostoupen.
Bryullovův student uvádí zajímavé informace o této práci:
„Následně jsem se od samotného Bryullova dozvěděl, že strávil dvě hodiny vytvářením svého portrétu. Bryullov vypadal jako tento portrét velmi krátce... Několik minut jsem v něm nacházel velkou podobnost s originálem, ale tato podobnost mi neustále unikala a byla nahrazena něčím mimozemským.“

V době romantismu je umělec dost zaneprázdněn sám sebou, má možnost se na sebe podívat do zrcadla, aniž by takovou činnost balancoval se „společensky užitečnými“ úkoly. I „společensky povinný“ klasicista Shebuev (66) zapomíná na přísná pravidla a kreslí se v kostýmu ze 17. století vedle věštkyně předpovídající jeho osud. Pravda, autora pronásleduje potřeba tradiční demonstrativnosti. Spolu s romantismem se formoval směr, který v zahraničních dějinách umění dostal název raný realismus. Představuje se v Rusku Tropinin (snímek 67), Venetsianov, jeho studenti a umělci blízcí tomuto okruhu. Ochotně malovali autoportréty – jednoduše, bez přetvářky, dokonce prozaicky, věcně.

Obrátíme-li se do druhé poloviny 19. století, pak najdeme příklad, který lze postavit vedle výše uvedeného - autoportrét Kramskoy (snímek 68), která sdružuje důležitá témata umění 60. a 70. let. Prosťáček, bojovník za pravdu, energická postava, přísný soudce, tak vypadá mistr na plátně. Autoportrét si přitom zachovává obchodní charakter. Nejvýraznější jsou díla, kde Kramskoy oslovuje diváka. Jeho pohled do vás vrtá, dívá se zpod obočí – přísně, úzkostlivě, náročně, vyčítavě. Téměř všechny autoportréty – obrazové i grafické – mají podobnosti právě v tomto bodě. Přísný vzhled Kramskoy od té doby neodmyslitelně patří puberta a která v té době neměla žádný programový význam, se později změnila ve formuli demokratických požadavků.

Přelom století opět dává podnět k rozkvětu autoportrétů. A přestože již nesoustřeďuje hlavní směry historického a uměleckého procesu, jak tomu bylo v malbě raného ruského romantismu, ukázalo se toto propuknutí velmi významné. Je spojena s novým systémem uměleckého myšlení, kde se role samotného umělce stala obrovskou, touha po sebevyjádření je nebývalá a po individuálním tvůrčím stylu je silnější než kdy jindy.

Když se podíváte na vývoj autoportrétu na přelomu 19. a 20. století, okamžitě si všimnete jeho všestrannosti, rozmanitosti forem, v nichž se umělec představuje. Zde je nejvíce nalezené místo různé možnosti. Těžká vybíravost v sebeúctě - na začátku Serova (snímek 69).Autoportréty Borisová-Musatová, Nesterová (snímky 70, 71) Glubokoye lidské utrpení, smíšené s nadlidskou pýchou - v pozd Vrubel (snímek 72). Na Somovově tváři je maska ​​spokojenosti, za níž se skrývá zhroucení. Sekulární póza – v Bakstově autoportrétu. Kuzněcov má mystické sebevědomí. mentální koncentrace - Petrova-Vodkina (snímek 73). Všude je autoportrét faktem historie samotné malby – kvalitou i charakterem obrazu. K jejímu vyhodnocení nejsou potřeba žádné přesuny z jedné oblasti do druhé. Autoportréty Řepina, Suríková (snímky 74, 75)
Pak se před námi malíř může objevit v masce „velkého umělce“ ( Lentulov)(snímek 76), jako boxer, zápasník nebo vzpěrač ( Maškov a Končalovskij)(snímek 77), parník nebo námořník (Maškov nebo Tatlin (snímek 78), který byl ve skutečnosti dlouhou dobu námořníkem), voják (Larionov, který byl vlastně vojákem), houslista (Lentulov), letící nad městem milence (Chagall)(snímek 79).

Když se řekne Končalovskij, někdo si představí sportovce z „Autoportrétu Ilji Maškova s ​​portrétem Petra Končalovského“, někomu se vybaví nadýchané kytice šeříků nebo krajiny a zátiší ve stylu Cézanna. Je známý jako rebelský umělec, jeden ze zakladatelů společnosti „Jack of Diamonds“, která otřásla základy „ tradiční malba“, a jako realista oblíbenec sovětských vůdců. Jeho štětec patří ke slavným „Autoportrét s manželkou“ (snímek 80)

Renegát, proletář duševní práce, tulák, chuligán, blázen - tak se často ukázal umělec nebo básník na obrazovém, grafickém nebo literárním autoportrétu 10.

Rozmanitost avantgardního autoportrétu odpovídá podstatě nejnovější umění. Umělec zobrazuje sám sebe novými a novými způsoby, jak vymýšlí nové formy umění. Tím, že odmítá vymýšlet, zůstává mimo moderní hnutí. Autoportrét je navíc jakousi deklarací, kreativní platformou. Množství možností je pro obě sféry stejně typické. Přímá analogie spočívá v jedné z nejcharakterističtějších linií ruského avantgardního umění. A nejen ruský.
Autoportrét na obraze je v umění běžným jevem již od středověku a renesance. Umělec si sám sebe často představoval jako dárce, svědka té či oné události. Tato tradice byla sice postupem času upravována, přesto byla zachována. V Rusku umění 19. století století se často setkáváme se zařazením autoportrétu do obrazu.

Ge PROTI "Poslední večeře""(snímek 81) se již nepředstavuje jako svědek, ale jako účastník (apoštol Petr). Sám vystupuje jako historická postava hájící pravdu.

Pro Fedotová Tuto cestu usnadňuje fakt, že jeho tvorba je v podstatě autoportrét. V sérii sépiových obrazů se více než jednou zobrazil. V pozdější roky nejenže připodobňuje osobní situaci k situaci svých hrdinů („Kotva, více kotvy“), ale staví se i do pozice ústřední postavy (ve filmu „Hráči“) (snímek 82).

Autoportrét se znovu objevuje v malbě 60. let, mezi sovětskými umělci tzv. drsného stylu. Jsou nápadní svou ostrou sebeanalýzou, někdy nemilosrdnou ironií a bezohledností svého úsudku nad sebou samými. To vše však nevylučuje rozmanitost moderní portrét a filozoficky chápat život a přísně ho analyzovat a vyjadřovat lyrický, poetický pocit radosti z bytí O. Filatchev"Autoportrét v červené košili" „Autoportrét s matkou“ (snímek 83). V autoportrétu „Otcův kabát“ (snímek 84) od Viktora Popkova vidíme příklad jemné umělecké metafory, korelace mezi minulostí a budoucností. Mistr má mnoho autoportrétních obrazů: „Dílo je hotovo“ (1971), „Pavel, Igor a já“, „ Matka a syn» (snímek 85),„Hádka“, „Pojďte mě navštívit“ atd. Jazyk těchto obrazů je symbolický. V „Father’s Overcoat“ je zbarvení alarmující, tmavě zelená s modrofialovou; komplexně laděná červená – v obraze „Matka a syn“.
Autoportrét byl oblíbený mezi umělkyněmi ( Artemisia Giantileschi (snímek 86), Rosalba Carriera, Elisa Vigée-Lebrun (snímek 87), později Käthe Kollwitz, Marie Laurencin, Berthe Morisot (snímek 88), Natalia Gončarová (snímek 89), Frida Kahlo (snímek 90) atd.).

V dějinách umění jsou případy, kdy to byl autoportrét, který dal umělci impuls pro budoucí oblibu jeho děl. Toto se stalo s Zinaida Serebryakova (snímky 91, 92, 93).V roce 1910 předvedla tehdy velmi mladá a neznámá umělkyně na výstavě Svazu ruských umělců svůj autoportrét „Na záchodě“, krajiny, portréty známých a skici rolníků. Její práce se mi moc líbila. Autoportrét vzbudil zvláštní obdiv.

Tvůrčí a osobní osud Z. Serebryakové nebyl vůbec jednoduchý. Ale můj mentální síla a vždy zůstávala optimistická. V jejím autoportrétu je tedy nejen zručnost báječné umělkyně, ale i ona vnitřní svět. Serebryakovy autoportréty nám stále dávají pocit optimismu a radosti ze života, jako by s námi umělkyně sdílela své duchovní síly.

Téma autoportrétu ve světovém umění je prostě nevyčerpatelné. Nejzajímavějším fenoménem jsou autoportréty, které po nich zůstaly slavných spisovatelů. Například: nebo M. Voloshin. Autoportréty mohou pozornému divákovi říci mnohé, možná ještě více než životopisy, dopisy a svědectví současníků.

Seznam použité literatury:

1. N. Kalitina. Francouzský portrét 19. století. "Umění", L. 1986

2. Komp. I. Mosin. Mistři Severní renesance. S-P., "Crystal" 2006

3. Populární encyklopedie umění. M., "Sovětská encyklopedie", 1986

4. V. Vlasov. Nový encyklopedický slovník výtvarné umění. Svazek 1, S-P., ABC-Classics., 2007

5. K. Egorová. Portrét v dílech Rembrandta. M., Art.1975

6. D. Sarabjanov. Ruská malba. Probuzení paměti. M., sovětský umělec. 1976.

7. I. Antonova. Mistrovská díla Puškinova muzea im. . M., sovětský umělec. 1985

8. N. Nikulin. Zlatý věk holandského malířství. M., Ast. 1999

Autoportrét - (z řeckého autos-self a francouzského portrétu - portrét, anglicky autoportrét, francouzsky autoportrait, německy Selbstbildnis) - obrazový, grafický nebo sochařský obraz umělce, zhotovený jím sám pomocí jednoho zrcadla nebo soustavy zrcadel. Obsahuje zhodnocení vlastní osobnosti, role ve veřejném životě a umění a deklaraci tvůrčích zásad. Umělec může být zastoupen v různých podobách, v různých šatech.

Autoportrét vyžaduje od umělce umění sebepoznání. Autoportrét lze nalézt ve všech druzích umění: v literatuře, hudbě, výtvarném umění.
Předpokládá se, že žánr autoportrétu se vyvinul během renesance. Před příchodem abstrakce byly autoportréty vytvářeny pomocí zrcadel - to je jediný způsob, jak se znázornit, když se nevidíte. Jde o určitý druh narcismu: reflexe je na přání autora utvářena tak, jak chce sám sebe vidět.

Helmut Newton

Umělci starověku při vytváření autoportrétu dokonale přenesli vnější podobnost, ale vnitřní, duchovní svět jim byl nepřístupný. Období křesťanství se vyznačuje touhou po pokání a vyznání. V autoportrétu se objevují motivy sebekritiky. V období renesance se formovaly žánrové rysy autoportrétu. Pravděpodobně dobře znáte autoportréty takových umělců jako Leonardo da Vinci, Tintoretto, El Greco, Rembrandt, Rubens, Titian, Van Gogh, Picasso a mnoho dalších.

Na autoportrétu můžete vidět spoustu zajímavých věcí o postoji člověka k sobě samému, jeho představě o jeho vlastnostech, schopnostech, vzhledu, společenském významu a emočním sebevědomí. Autoportrét je pochopení vlastní duchovní podoby, pochopení vlastního charakteru, náklonností a sklonů, silných a slabých stránek, názorů na svět, člověka, přírodu a sebekritika.

Žánr autoportrétů je ve fotografii velmi oblíbený. Vyfotit se, když se poprvé objevil fotografický žánr, nebylo snadné. Moderní technologie výrazně usnadňuje vyjádření sebe sama prostřednictvím autoportrétu. Je složitější nahlédnout do sebe, analyzovat se, ocitnout se na druhé straně kamery a ocitnout se v roli sledovaného. Pohled na sebe zvenčí není příliš jednoduchý.

André Kertész

Jednou z možností, jak se pozorovat zvenčí, je fotografování přes zrcadlo. Zrcadlo bylo často využíváno umělci při kreslení autoportrétů, sloužilo jako realistický odraz pro kresbu ze života, pomáhalo umělci ukázat se v roli role. Jakmile si začneme zkoušet role, buď do tohoto procesu vstoupíme a zůstaneme v obraze, nebo se začneme od rolí osvobozovat a jednu po druhé odstraňujeme filtry, přes které se díváme na realitu.

Druhým způsobem je studium, hledání vnitřního záchytného bodu, vnitřní podstaty sebe sama.

Brassaï

Více technická otázka- co lze nazvat autoportrétem? Co když ruka jiné osoby stiskne spoušť fotoaparátu? Kdo je autorem fotografie? Za autoportrét lze považovat jakoukoli fotografii v režii samotného fotografa. Moderní technické možnosti jsou takové, že není potřeba cizí pomoci.

Marianne Breslauerová

Jak se na natáčení připravit a kde začít? Jako v každém jiném žánru fotografie – od vytvoření obrazu a kompozice. Přemýšlejte o tom, co chcete divákovi ukázat. Celovečerní vážný mladý muž v obleku, probuzení mladé dívky v romantickém prostředí polštářů a hedvábného prádla na posteli, zamyšlená nálada u okna s výhledem na svět kolem vás nebo něco abstraktního s motýly, srdíčky a víly. Před natáčením si promyslete, jak se chcete ukázat a jakými prostředky můžete tuto náladu zprostředkovat.

Takže za prvé- koncept a myšlenka fotografie.

Jakmile určíte téma své fotografie, můžete přejít k jeho realizaci. Nejprve se musíte rozhodnout, které rekvizity budete pracovat a Kde budete střílet (určete místo natáčení ). Fotografie je malování světlem. Proto je dalším krokemvýběr a příprava osvětlení (okenní světlo, přirozené venkovní světlo nebo záblesky). A nakonec příprava vybavení pro natáčení.

Ré Soupault

Zařízení

Fotoaparát

Optimální je mít digitální fotoaparát s časovačem (se zpožděním několika sekund) a automatickým ostřením, pokud fotíte se studiovým světlem, potřebujete možnost se s ním synchronizovat.

Objektiv

Volba ohniskové vzdálenosti závisí na měřítku portrétu. Optimální je mít portrétní objektiv s měkkým ostřením.

Stativ

K pořízení autoportrétu budete určitě potřebovat stativ. K upevnění fotoaparátu můžete použít jakýkoli jiný povrch, ale pouze se stativem zaručeně získáte ostré fotografie.

Světlo

Můžete fotografovat venku s přirozeným světlem. Zde budete potřebovat reflektor a v některých případech i difuzér. Bílé stěny a jiné bílé povrchy mohou sloužit jako reflektor. Při focení světlem z okna je vhodné použít i reflektor (alternativou jsou bílé stěny a plochy). Pokud chcete fotit se studiovým osvětlením, musíte mít blesky a synchronizátor.

Dálkové ovládání

Při fotografování na digitální fotoaparát může stačit vestavěná samospoušť, ale pokud nezaostřujete ručně, dojde po stisknutí spouště fotoaparátu k automatickému zaostření. Autofokus může dělat chyby a ostrost nemusí být ve vašich očích, ale někde jinde.

Dálkové ovládání je mnohem pohodlnější dálkové ovládání. Pomocí dálkového ovládání získáte větší mobilitu: nebudete muset běhat mezi kamerou a místem natáčení, abyste mohli pořídit jeden záběr (běh je zdraví prospěšný, ale běhat sem a tam není příjemné; být schopen se správně soustředit na náladu a obraz). Dálkový ovladač je navíc malý a při natáčení se dá snadno schovat do ruky nebo do kapsy. Nejlepší jsou rádiové dálkové nebo IR dálkové ovladače. Ke kameře vás nepřipojí dráty a mají dosah desítky metrů. Můžete také použít kabelovou sponu.

Richard Avedon

Tipy pro pořízení autoportrétu

Se zaměřením

Jednou z možností je, že fotoaparát v režimu autofokusu předem zaostří na místo, kde se očekává, že se bude nacházet obličej. Na místě obličeje může být jakýkoli předmět. Poté se vypne automatické ostření nebo se fotoaparát přepne do režimu ostření na nehybný předmět (tedy je vypnuto sledování autofokusu, nezapomeňte vypnout všechny stabilizátory a gyroskopy na objektivu). Zaměřte se na oči a portréty je nejlepší fotografovat s malou hloubkou ostrosti. Ale v případě autoportrétu je malá hloubka ostrosti téměř nemožná, takže clona by měla být od f\8 a užší. Aby fotoaparát správně zaostřil, musí být na obličeji dostatečné množství světla.

Možnosti natáčení

Existuje mnoho možností, jak pořídit autoportrét. První, se kterým se často setkáváme na sociálních sítích. sítí. „Fotograf“ vezme fotoaparát a natočí se na délku paže. Takto natočené přátelské karikatury-autoportréty známe všichni.

Druhým způsobem je natočit odraz v zrcadle. Při fotografování se zrcadlem můžete ovládat svou pózu, výraz obličeje, pohled atd.

Nejobtížnější a nejzajímavější způsob natáčení autoportrétu je fotografování s předběžnou přípravou. K tomu si připravíte místo focení, postavíte fotoaparát na stativ, předem zkomponujete záběr, připravíte světlo a zvolíte expozici. Samozřejmě je lepší mít asistenta, který nastaví světlo a určí expozici.

Při fotografování autoportrétu musíte zpravidla sledovat výsledky po pořízení několika snímků. To znamená, že vyfotografujete několik snímků, podíváte se na výsledky, upravíte kompozici snímku, pózu, světlo, expozici atd. a fotografujete dále. V kompozici je velmi důležité, aby vaše póza byla pohodlná a přirozená. Pokud natáčíte vsedě, najděte si oporu pro nohy a ruce (polštáře, knihy, područky atd.) Při natáčení váš pohled nemusí směřovat do kamery. Vše záleží na vaší představě a na tom, zda chcete s divákem vést přímý dialog, dívat se do kamery, nebo se chcete ukázat v myšlenkách, snech, vzpomínkách.

Pořízení autoportrétu je složitý, ale velmi vzrušující a zajímavý proces. Naučíte se rozumět sami sobě.

Willy Ronis

Ugo Mulas

Ed van der Elsken

Stanley Kubrick

Lee Friedlander

Cecil Beaton

Lee Friedlander

Autoportrét

(z řeckého Autos - sám, francouzský portrét,

z lat. portatore - „přenést, aplikovat, doručit)

Autoportrét je grafický, obrazový, sochařský obraz umělce, zhotovený jím, nejčastěji pomocí zrcadla. Autoportrét vyjadřuje umělcovo hodnocení jeho osobnosti a jeho tvůrčích principů. Umělec může v autoportrétu usilovat o objektivitu sebeúcty, povznést se či obnažit se, prezentovat se v různých podobách, mytologizovat svůj obraz atd.

Autoportrét je pro nás dnes stejně známý žánr jako každý jiný. Ale právě před nějakými 500-600 lety v Evropě a v Rusku ještě méně - před 280 lety - byl autoportrét jediným a inovativním fenoménem, ​​potvrzující hodnotu tvůrčí osobnosti a její právo na památku potomků.

Vznik a rozvoj tohoto žánru je spojen především s přehodnocením samotného postavení umělce v 15. století. Skryté autoportréty existovaly již dříve - umělec se ztvárnil pod maskou vedlejší a anonymní postavy ve scéně nebo obdařil zcela specifickou postavu svými vlastními rysy. Na konci středověku se objevil nesporný autopos.portréty, tedy individualizované tváře, všechny početnější a zastoupené nejvíce různými způsoby. To je doprovázeno dvěma paralelními jevy: novými obrazovými prostředky,povoleno italských a nizozemských umělcůkam jasně zobrazují rysy obličeje a podpis, který upozorňuje diváka na autora díla. A zlepšení arozšířené používání zrcadel, zejména benátskýchnebes kdo od konce století XIV byly velmi vysoce ceněny. V jakémkoli autoportrétu, který lze nazvat zobrazeno „a specchio“ („pomocí zrcadla“) prezentovaná ve tříčtvrtečním pohledu a směřuje svůj pohled ven, kompozice má asymetrický charakter.

Jako samostatný žánr se však autoportrét objevuje v renesanci, protože „Renesance objevila člověka“ (J. Burchard).

Existuje několik typů autoportrétů:

1. "Vložený autoportrét" - je představen umělec skupinové složení, s výrazným znakem nebo bez něj, někdy se v situaci rozpustí(„skrytý autoportrét“, například „Adorace v "lkhvo" od S. Botticelliho, "Poslední den Pompejí" od K. Bryullova) nebo oddělené od ji (D. Velazquez „Las Meninas“).

2. „Reprezentativní nebo symbolický vůzportrét“ - umělec dává své vlastní rysytorické popř pohádková postava, někdy to vede k předchozímu vzorci nebo ke specifikůmchesická kompozice (Rogier van der Weyden „Sv. Lukáš maluje Madonu“dobře") a někdy končí prostým převlečením.

3. „Skupinový portrét“ – profesionální, rodinnény, nezapomenutelný (P. Rubens „Čtyři filozofové“, „Autoportrét s mantovskými přáteli“).

4. „Oddělené nebo přirozené autoportrét“ – umělec je zobrazen při prácinebo bez profesionálních potřeb, zázemí může sahat od neutrálního nebo dílenského interiéru až po propracovanější, někdy dokonce fantastický.

První dva typy jsou starší a často se vyskytují v 15. a 16. století, ale objevují se Xia a později. Ostatní dva vstali XV-XVI století a byly vyvinuty v 18. a 19. století.

Prvním umělcem, pro kterého se autoportrét stal ikonickým žánrem, byl Albrecht Durer (1471-1528). Jeho autoportréty (Dürer vytvořil více než 50 autoportrétů)tvoří jedinečnou sérii. Před Rembrandtem Západoevropské malířství Nikdo jiný nic takového neudělal.

V jeho autoportrétech se odrážel renesanční přístup k interpretaci osobnosti umělce, který by měl být od nynějška považován nikoli za skromného řemeslníka, ale za člověka s vysokým společenským postavením. Tyto trendy vyvrcholily autoportrétem z roku 1500. Mistr se namaloval tak, jak chtěl, aby byl viděn, a uvažoval o velkém povolání umělce: slavnostní frontální póza a idealizace rysů, odhalující podobnost s Kristem.Na černé pole tohoto autoportrétu napsal Dürer dva nápisy ve zlatě: vlevo umístil datum a svůj podpis-monogram a vpravo, symetricky s nimi, napsal: „Já, Albrecht Dürer, Norimberk , namaloval jsem se tímto způsobem věčnými barvami.“

Rembrandtovo dílo stojí stranouta (1606-1669), který provedl více než 60 autoportrétů, které jako Dürer, jsou jakýmsi deníkem umělce a provázejí celý jeho tvůrčí život. Umělcův pohled na sebe sama odráží všechny fáze jeho vnitřního vývoje: experiment – ​​v raném leidenském období, divadelně tajný – ve 30. letech 17. století a upřímný – ke konci života. Sám je vlastně jeho oblíbeným námětem, se kterým pracuje, skicami pro další obrazy, které vytvořil v malbě a grafice.

Jeden z oblíbených motivů autoportrétů - klidný obraz umělce v interiéru ateliéru, před stojanem - se odráží v tvorbě mnoha umělců. Naiplněji a zároveň jednodušeji přetvořil J. Chardoupě. Toto téma se objeví mnohokrát opakoval s různými odstíny v 19. století. až do P. Cézannovi a A. Matissovi.

Od 18. stol téměř všichni malíři si mysleli své autoportréty jako jakýsi manifest jejich stylu a temperamentu (Mengs, David, Ingres, Corot). Později autoportrét začal vyjadřovat obraz umělce (Uistler, Böcklin, Meissonnier, Pissarro, Monet). V autěCourbetovým portrétům dominuje společenský patos a in obrazy Van Gogha („Autoportrét s uříznutým uchem“) a až po Corinth a Beckmann - psychologické.

Poslední významné epizody v dějinách evropského autoportrétu v klasickém smyslu jsou spojeny s dílem Paula Cézanna a Henri Rousseau ("Autoportrét-krajina"),jejichž autoportréty jsou populární, téměř pohádková postava.

V předvečer první světové války surrealističtí umělci a představitelé „nové materiality“ ty“ se opět obrátil k autoportrétu, ale interpretoval ho v kritičtějším duchu (skupinový portrétMax Ernst "Setkání přátel", 1922,autoportréty Bellmera a Dixe).

Pak po dlouhém zapomnění kvůli věku pod vlivem abstraktní estetiky a touhy zobrazovat konstruktivní prvky v malběvy, autoportrét se znovu objevuje v 60. letech. na malíři nové figurace, pop-artu a různých realismy. V díle je patrný vliv fotografiePopírání E. Warhola a Fromange. Od konce 60. let mnoho umělců zasvětili svou kreativitu zkoumání své vlastní individualita (body art a „individuální mytologie"). Přemýšlíte o své identitě,jejich tělo, jejich minulost a budoucnost, kterou vytvořili vytvářeli vlastní snímky, často pomocí fotografie.

V Rusku se autoportrét jako umělecký žánr objevil na počátku 18. století. „Autoportrét s manželkou“ z roku 1729 od Andreje Matveeva – skromný obraz manželského páru – se stal inovativním fenoménem jako první ruský autoportrét umělkyně, potvrzující hodnotu tvůrčí osobnosti a její právo na vzpomínka na potomky, a jako komorní typ portrétu představující soukromou osobu.

Jeden z nejdůležitějších důvodů nedostatečného rozvoje autoportrétu v rané fázi dějin nového ruského malířství spočívá v postavení umělce ve společenském systému, v podmínkách jeho existence a ve zvláštnostech společenského blahobytu. -bytost. Ruský malíř 18. století byl jakoby řemeslníkem, nese otisk středověkého pojetí osobnosti - korporace, neodhalené v individuálních aspiracích, daleko od myšlenky sebevyjádření. Ruský malíř v 18. století necítil právo zabývat se sám sebou.

Ale v ruském romantismu v první polovině 19. stol. autoportrét se stává nápadným fenoménem (O. Kiprensky, K. Bryullov). Nejsilnější rozkvět ruského autoportrétu ale nastal na přelomu 19.-20. století, kdy se v evropském autoportrétu nedělo téměř nic zajímavého.

Tento rozkvět je spojen s novým systémem uměleckého myšlení, kde se role samotného umělce stala obrovskou, touha po sebevyjádření je nebývalá a po individuálním tvůrčím stylu je silnější než kdy jindy. Všechny tyto okolnosti postavily tvůrčí osobnost do středu tvůrčího aktu, který nevyhnutelně musel autoportrét oživit. Autoportrét je druh deklarace, umělcova tvůrčí platforma. Součástí výstavy je reprodukce autoportrétu N. Gončarové „Autoportrét se žlutými liliemi“, 1907.Deformace vzhledu, jednoduchost a zhrubnutí formy, záměrná nepravidelnost kresby, to vše znělo jako výzva stylizovanému umění, jako protest proti salonní kráse, často přítomné v ženských portrétech.

V autoportrétu se zázračně mísí a prolínají autor a téma, předmět obrazu a jeho obsah, vždy je nesmírně bohatý na tajné či zjevné významy, v nichž je důležitý každý prvek, a osobnost člověka. vyobrazený je odhalen i v rozporu s autorovými záměry. Z toho plyne neustálý zájem diváka o žánr autoportrétu.

V roce 1664 začal s vědeckou systematikou shromažďovat sbírku autoportrétů největší sběratel rodu Medicejských, Leopoldo Cosimo II. Za tímto účelem pořizoval nebo dostal darem autoportréty již slavných mistrů, sháněl portréty současníků prostřednictvím agentů či přátel v různých zemích, vládnoucích osob evropských dvorů a cestovatelů. Díky tomu tvůrce sbírky získal za 11 let 80 obrazů. Sbírka se zdvojnásobila za jeho nástupce Cosima III., který se postaral o její umístění v galerii Uffizi ve Florencii. V současné době sbírka autoportrétů galerie Uffizi zahrnuje 2300 obrazů. Tato sbírka obsahuje autoportréty ruských umělců (např. B. Kustodiev, M. Chagall).