Ilustrace Valdemar Cossack. Nadpozemská krása: ženy v obrazech různých směrů „Les Demoiselles d’Avignon“ od Pabla Picassa

V umění existují věčná témata. Jedním z nich je téma ženy, téma mateřství. Každá doba má svůj ideál ženy, celá historie lidstva se odráží v tom, jak lidé viděli ženu, jaké mýty ji obklopovaly a pomáhaly ji vytvořit. Jedno je jisté – ve všech staletích a dobách Ženská postava přitahovala, přitahuje a nadále bude přitahovat zvláštní pozornost umělců.

Obrazy žen vytvořené v portrétním umění nesou poetický ideál v jeho harmonické jednotě duchovní vlastnosti a vzhled. Z portrétů můžeme soudit, jak je vzhled ženy a její mentální složení ovlivněno společenským děním, módou, literaturou, uměním a malbou jako takovou.

Představujeme vám různé obrazy žen v obrazech různých směrů

REALISMUS

Podstatou směru je zachytit realitu co nejpřesněji a nejobjektivněji. Zrod realismu v malbě je nejčastěji spojován s dílem francouzského umělce Gustava Courbeta, který si v roce 1855 otevřel v Paříži vlastní podnik. osobní výstava„Pavilon realismu“. Opakem romantismu a akademismu. V 70. letech 19. století se realismus dělil na dva hlavní směry – naturalismus a impresionismus. Přírodovědci byli umělci, kteří se snažili zachytit realitu co nejpřesněji a fotograficky.

Ivan Kramskoy "Neznámý"

Serov "Dívka s broskvemi"

AKADEMISMUS

Akademie rostla následováním vnějších forem klasického umění. Akademie ztělesňovala tradice starověké umění, ve kterém se idealizuje obraz přírody. Pro ruský akademismus první poloviny 19. století Vyznačuje se vznešenými tématy, vysokým metaforickým stylem, všestranností, vícefigurami a okázalostí. Byli populární biblické příběhy, salonní krajiny a slavnostní portréty. Přes omezený námět obrazů se díla akademiků vyznačovala vysokou technickou dovedností.

Bouguereau "Plejády"

Bouguereau "Nálada"

Cabanel "Zrození Venuše"

IMPRESIONISMUS

Představitelé stylu se snažili co nejpřirozeněji a nezaujatě zachytit skutečný svět v jeho pohyblivosti a variabilitě a zprostředkovat své prchavé dojmy. francouzský impresionismus nezvedl to filozofické problémy. Místo toho se impresionismus zaměřuje na povrchnost, plynulost okamžiku, náladu, osvětlení nebo úhel pohledu. Jejich obrazy představovaly pouze pozitivní stránky života a neporušovaly sociální problémy a vyhýbali se problémům, jako je hlad, nemoci a smrt. Biblické, literární, mytologické a historické předměty, které jsou součástí oficiálního akademismu, byly vyřazeny. Byly pořízeny předměty flirtování, tance, pobytu v kavárně a divadle, plavba lodí, na plážích a v zahradách. Soudě podle obrazů impresionistů je život sledem malých prázdnin, večírků, příjemných kratochvílí mimo město nebo v přátelském prostředí.

Boldini "Moulin Rouge"

Renoir "Portrét Jeanne Samary"

Manet "Snídaně v trávě"

Mayo "RosaBrava"

Lautrec "Žena s deštníkem"

SYMBOLISMUS

Symbolisté se radikálně změnili nejen různé druhy umění, ale i samotný postoj k němu. Jejich experimentální charakter, touha po inovacích, kosmopolitnost se staly vzorem pro většinu moderní trendy umění. Používali symboly, podceňování, narážky, tajemství, záhady. Hlavní náladou byl často pesimismus, dosahující bodu zoufalství, symbolismus na rozdíl od jiných hnutí v umění věří ve vyjádření „nedosažitelných“, někdy až mystických představ, obrazů Věčnosti a Krásy.

Redon "Ophelia"

Franz von Stuck "Salome"

Watt "Naděje"

Rosseti "Persephone"

MODERNÍ

Modernismus se snažil spojit uměleckou a užitnou funkci vytvořených děl, zapojit všechny sféry lidské činnosti do sféry krásy. V důsledku toho zájem o aplikované umění: interiérový design, keramika, knižní grafika. Art Nouveau umělci čerpali inspiraci z umění starověkého Egypta a starověkých civilizací. Nejnápadnějším rysem secese bylo opuštění pravých úhlů a linií ve prospěch hladších, zakřivených linií. Secesní umělci často brali jako základ svých kreseb ornamenty ze světa rostlin.

Klimt "Portrét Adele Bloch-Bauer I"

Klimt "Danae"

Klimt „Tři věky žen“

Fly "Ovoce"

EXPRESIONISMUS

Expresionismus je jedním z nejvlivnějších uměleckých směrů 20. století. Expresionismus vznikl jako reakce na akutní krize první čtvrtina 20. století, First světová válka a následné revoluční hnutí, ošklivost buržoazní civilizace, která vyústila v touhu po iracionalitě. Byly použity motivy bolesti a křiku, nad obrazem začal převládat princip výrazu.

Modigliani. Pomocí těl a tváří žen se snaží proniknout do duší svých postav. „Zajímám se o lidskou bytost. Obličej je největším výtvorem přírody. Neúnavně to používám,“ opakoval.

Modigliani "Spící akt"

Schiele "Žena v černých punčochách"

KUBISMUS

Kubismus je modernistické hnutí ve výtvarném umění (především malířství) 1. čtvrtiny 20. století, které zdůraznilo formální úkol designu. objemový tvar na rovině, minimalizující vizuální a kognitivní funkce umění. Vznik kubismu se tradičně datuje do let 1906-1907 a je spojen s dílem Pabla Picassa a Georgese Braquea. Obecně byl kubismus rozchodem s tradicí realistického umění, které se vyvinulo během renesance, včetně tvorby vizuální iluze svět v letadle. Dílo kubistů bylo výzvou standardní kráse salonního umění, vágním alegoriím symbolismu a nestálosti impresionistické malby. Kubismus, který vstoupil do kruhu rebelských, anarchistických, individualistických hnutí, mezi nimi vynikl svou přitažlivostí k askezi barev, k jednoduchým, těžkým, hmatatelným formám a elementárním motivům.

Picasso "Plačící žena"

Picasso "Hra na mandolínu"

Picasso" Holky z Avignonu»

SURREALISMUS

Základní koncept surrealismu, surrealita- spojení snu a reality. Aby toho dosáhli, navrhli surrealisté absurdní, rozporuplnou kombinaci naturalistických obrazů prostřednictvím koláže a přesouvání objektu z neuměleckého prostoru do uměleckého, díky čemuž je objekt odhalen z nečekané strany, vlastnosti, které nebyly zaznamenány zvenčí. objevuje se v něm umělecký kontext. Surrealisté se inspirovali radikálně levicovou ideologií, ale navrhli zahájit revoluci s vlastním vědomím. Umění považovali za hlavní nástroj osvobození. Tento směr se vyvinul pod velkým vlivem Freudovy teorie psychoanalýzy. Surrealismus měl kořeny v symbolismu a byl zpočátku ovlivněn symbolistickými umělci jako Gustave Moreau a Odilon Redon. Mnoho populární umělci byli surrealisté, včetně René Magritte, Max Ernst, Salvador Dalí, Alberto Giacometti.

Čínský umělec a fotograf Dong Hong-Oai se narodil v roce 1929 a zemřel v roce 2004 ve věku 75 let. Zanechal po sobě neuvěřitelná díla vytvořená ve stylu piktorialismu - úžasné fotografie podobné dílům tradičního Čínská malba.

Dong Hong-Oai se narodil v roce 1929 v Guangzhou, provincie Guangdong, Čína. Ze země odešel v sedmi letech po nečekané smrti svých rodičů.

Jako nejmladší z 24 dětí odešel Dong žít v čínské komunitě v Saigonu ve Vietnamu. Později Čínu několikrát navštívil, ale už v té zemi nikdy nežil.

Po příjezdu do Saigonu se Dong stal učedníkem ve fotografickém studiu čínských přistěhovalců. Tam se naučil základy fotografie. Zamiloval si také fotografování přírody, kterému se často věnoval pomocí některého z fotoaparátů z ateliéru. V roce 1950, ve věku 21 let, vstoupil na Vietnamskou národní univerzitu umění.

V roce 1979 mezi socialistická republika Mezi Vietnamem a Čínskou lidovou republikou se otevřela krvavá hranice. Vietnamská vláda zahájila represivní politiku proti etnickým Číňanům žijícím v zemi. V důsledku toho se Dong stal jedním z milionů „lodí lidí“, kteří uprchli z Vietnamu na konci 70. a na začátku 80. let.

Ve věku 50 let, když nemluvil anglicky a neměl rodinu ani přátele ve Spojených státech, přijel Dong do San Francisca. Podařilo se mu dokonce zakoupit malou místnost pro vyvolávání fotografií.

Prodejem svých fotografií na místních pouličních veletrzích si Dong dokázal vydělat dost peněz na to, aby se pravidelně vracel do Číny fotografovat.

Navíc měl možnost nějakou dobu studovat pod vedením Long Chin-San na Tchaj-wanu.

Long Chin-San, který zemřel v roce 1995 ve věku 104 let, vyvinul fotografický styl založený na tradičním čínském zobrazení přírody.

Čínští umělci po staletí vytvářeli majestátní monochromatické krajiny pomocí jednoduchých štětců a inkoustu.

Tyto obrazy neměly přesně zobrazovat přírodu, měly zprostředkovat emocionální atmosféru přírody. V minulé rokyříše písní a rané říše Yuan, umělci začali kombinovat tři na jednom plátně různé tvary umění... poezie, kaligrafie a malba.

Věřilo se, že tato syntéza forem umožňuje umělci plně se vyjádřit.

Long Chin-San, narozený v roce 1891, studoval přesně toto klasická tradice v malování. V určitém okamžiku své dlouhé kariéry začal Luhn experimentovat s přenesením impresionistického stylu umění do fotografie.

Při zachování vrstveného přístupu k měřítku vyvinul metodu vrstvení negativů, která odpovídala třem úrovním vzdálenosti. Lung naučil tuto metodu Dong.

Snažit se napodobit ten tradiční ještě blíže čínský styl, Dong přidal k fotkám kaligrafii.

Dongova nová díla, založená na starých čínských obrazech, začala přitahovat kritickou pozornost v 90. letech 20. století.

Své fotografie už nemusel prodávat na pouličních veletrzích; nyní ho zastupoval agent a jeho dílo se začalo prodávat v galeriích po celých Spojených státech, Evropě a Asii.

Už se nemusel spoléhat na jednotlivé klienty; jeho dílo nyní vyhledávali nejen soukromí sběratelé umění, ale i firemní kupci a muzea. Bylo mu asi 60 let, když poprvé v životě dosáhl určitého finančního úspěchu.

Piktorialismus je pohyb ve fotografii, který se objevil kolem roku 1885 po rozsáhlé prezentaci fotografického procesu na mokré tiskové desky. Hnutí dosáhlo svého vrcholu na samém počátku 20. století a období úpadku nastalo v roce 1914, po vzniku a šíření modernismu.

Termíny „piktorialismus“ a „piktorialista“ se rozšířily po roce 1900.

Piktorialismus se zabývá myšlenkou, že umělecká fotografie by měla napodobovat malbu a rytinu tohoto století.

Většina z těchto fotografií byla v černobílých nebo sépiových tónech. Mezi použité techniky patřily: nestabilní ohnisko, speciální filtry a potahování čoček, stejně jako exotické tiskové procesy.

Cílem těchto technik bylo dosáhnout „osobního vyjádření autora“.

Navzdory tomuto cíli sebevyjádření byly nejlepší z těchto fotografií spíše paralelní s impresionistickým stylem než v souladu s moderní malbou.

Při pohledu zpět lze také vidět úzkou paralelu mezi kompozicí a obrazovým námětem žánrové obrazy a fotografie ve stylu piktorialismu.

Žánry malby se objevovaly, získávaly na oblibě, zanikaly, objevovaly se nové a v rámci stávajících se začaly rozlišovat podtypy. Tento proces se nezastaví, dokud člověk existuje a snaží se zachytit svět kolem sebe, ať už jde o přírodu, budovy nebo jiné lidi.

Dříve (do 19. století) docházelo k dělení malířských žánrů na tzv. „vysoké“ žánry (francouzský velký žánr) a „nízké“ žánry (francouzský žánr petit). Toto rozdělení vzniklo v 17. století. a byl založen na tom, jaký předmět a děj byly zobrazeny. V tomto ohledu k vysoké žánry zahrnovaly: bitevní, alegorické, náboženské a mytologické a nízké - portrét, krajina, zátiší, animalismus.

Rozdělení do žánrů je dosti libovolné, protože v obraze mohou být přítomny prvky dvou nebo více žánrů současně.

Animalistika, popř živočišný žánr

Animalismus, neboli animalistický žánr (z latinského zvíře - zvíře) je žánr, ve kterém je hlavním motivem obraz zvířete. Dá se říci, že jde o jeden z nejstarších žánrů, protože... kresby a postavy ptáků a zvířat byly již v životě přítomny primitivní lidé. Například na známém obraze I.I. Shishkin „Ráno borovicový les„Přírodu zobrazuje sám umělec a medvědy zobrazuje úplně jiný umělec, který se specializuje na zobrazování zvířat.

Jak lze rozlišit poddruh? Hipický žánr(z řeckého hroši - kůň) - žánr, ve kterém je středem obrazu obraz koně.

Portrét

Portrét (z francouzského slova portrét) je obraz, na kterém je ústředním obrazem osoba nebo skupina lidí. Portrét zprostředkovává nejen vnější podobnost, ale také odráží vnitřní svět a vyjadřuje umělcovy pocity vůči osobě, jejíž portrét maluje.

Žánr portrétu se dělí na individuální(obrázek jedné osoby), skupina(obrázek několika lidí), podle povahy obrázku - ke vchodovým dveřím když je člověk zobrazen v plná výška na výrazném architektonickém nebo krajinném pozadí a komora, kdy je osoba zobrazena po hruď nebo pas na neutrálním pozadí. Skupina portrétů, spojených nějakou charakteristikou, tvoří soubor, popř portrétní galerie. Příkladem mohou být portréty členů královské rodiny.

Vyniká samostatně autoportrét, ve kterém umělec zobrazuje sám sebe.

Portrét je jedním z nejstarších žánrů - první portréty (sochařské) byly přítomny již v r starověký Egypt. Takový portrét působil jako součást kultu o posmrtném životě a byl „dvojníkem“ člověka.

Scenérie

Krajina (z francouzského paysage - země, oblast) je žánr, ve kterém je ústředním obrazem obraz přírody - řeky, lesy, pole, moře, hory. V krajině je hlavním bodem samozřejmě děj, ale neméně důležité je zprostředkovat pohyb a život okolní přírody. Příroda je na jednu stranu krásná a vzbuzuje obdiv, ale na druhou stranu je dost těžké to odrazit na obrázku.

Poddruh krajiny je přímořská krajina nebo Marina(z francouzštiny marine, italsky marina, z latiny marinus - moře) - obraz námořní bitvy, moře nebo jiné události odehrávající se na moři. Významným představitelem námořních malířů je K.A. Aivazovský. Je pozoruhodné, že umělec napsal mnoho detailů tohoto obrazu z paměti.

Umělci se však často snaží namalovat moře ze života, například W. Turner pro svůj obraz „Blizzard. Parník u vjezdu do přístavu dává nouzový signál poté, co se dostal do mělké vody,“ strávil 4 hodiny připoután ke kapitánskému můstku lodi plující v bouři.

Vodní živel je zobrazen i v říční krajině.

Samostatně alokovat panoráma města, ve kterém jsou hlavním námětem snímku ulice a budovy města. Typ městské krajiny je Veduta– obraz městské krajiny v podobě panoramatu, kde je jistě zachováno měřítko a proporce.

Existují i ​​jiné typy krajiny - venkovské, průmyslové a architektonické. V architektonické malbě je hlavním tématem obraz architektonické krajiny, tzn. budovy, stavby; obsahuje obrázky interiérů ( vnitřní dekorace prostory). Někdy Interiér(z francouzského intérieur - interní) se rozlišuje jako samostatný žánr. Jiný žánr se vyznačuje architektonickou malbou — Capriccio(z italského capriccio, rozmar, rozmar) - architektonická fantazijní krajina.

Stálý život

Zátiší (z francouzského nature morte - mrtvá příroda) je žánr věnovaný zobrazování neživých předmětů, které jsou umístěny ve společném prostředí a tvoří skupinu. Zátiší se objevilo v 15.-16. století, ale jako samostatný žánr vzniklo až v 17. století.

Navzdory tomu, že slovo „zátiší“ je přeloženo jako mrtvá příroda, na obrazech jsou kytice květin, ovoce, ryb, zvěřiny, pokrmů – vše vypadá „jako živé“, tzn. jako skutečná věc. Od okamžiku jeho vzhledu až do dnešního dne bylo zátiší důležitý žánr v malování.

Jako samostatný poddruh můžeme rozlišit Vanitas(z latiny Vanitas - marnost, marnost) je malířský žánr, v němž ústřední místo na obraze zaujímá lidská lebka, jejíž obraz má připomínat marnost a křehkost lidského života.

Obraz F. de Champagne představuje tři symboly křehkosti existence - Život, Smrt, Čas prostřednictvím obrazů tulipánu, lebky, přesýpacích hodin.

Historický žánr

Historický žánr – žánr, ve kterém obrazy zobrazují důležité události a společensky významné jevy minulosti či současnosti. Pozoruhodné je, že obraz může být věnován nejen skutečným událostem, ale také událostem z mytologie nebo například popsaným v Bibli. Tento žánr je velmi důležitý pro dějiny, jak pro dějiny jednotlivých národů a států, tak pro lidstvo jako celek. V obrazech historický žánr Může být neoddělitelný od jiných typů žánrů - portrét, krajina, žánr bitvy.

Bitevní žánr

Žánr bitvy (z francouzského bataille - bitva) je žánr, ve kterém obrazy zachycují vrchol bitvy, vojenské operace, okamžik vítězství, výjevy z vojenského života. Pro bitevní malba charakteristický obraz v obraze velké množství lidí.

Náboženský žánr

Náboženský žánr je žánr, ve kterém hlavní příběhová linie– biblické (výjevy z Bible a evangelia). Téma se týká náboženské a ikonomalby, rozdíl mezi nimi je v tom, že obrazy náboženského obsahu se neúčastní bohoslužeb a pro ikonu je to hlavní účel. Ikonografie přeloženo z řečtiny. znamená „modlitební obraz“. Tento žánr byl omezen přísným rámcem a zákony malby, protože nemá odrážet realitu, ale zprostředkovat myšlenku Božího principu, ve kterém umělci hledají ideál. Na Rusi dosahuje ikonomalba svého vrcholu ve 12.–16. století. Většina slavných jmen malíři ikon – Theophanes the Greek (fresky), Andrei Rublev, Dionýsius.

Jak vyniká přechodová fáze od ikonomalby k portrétu Parsuna(zkomoleno z lat. persona - osoba, osoba).

Každodenní žánr

Obrazy zobrazují výjevy Každodenní život. Umělec často píše o životních okamžicích, jichž je současníkem. Charakteristické rysy Tento žánr je o realismu obrazů a jednoduchosti děje. Obraz může odrážet zvyky, tradice a strukturu každodenního života konkrétních lidí.

Mezi obrazy pro domácnost patří: slavné obrazy jako „Barge Haulers on the Volha“ od I. Repina, „Troika“ od V. Perova, „ Nerovné manželství»V. Pukireva.

Epicko-mytologický žánr

Epicko-mytologický žánr. Slovo mýtus pochází z řečtiny. „mythos“, což znamená tradice. Obrazy zobrazují události legend, eposů, tradic, starověkých řeckých mýtů, starověkých příběhů, zápletek lidových děl.

Alegorický žánr

Alegorický žánr (z řeckého allegoria - alegorie). Obrazy jsou malovány tak, aby měly skrytý význam. Nepodstatné myšlenky a pojmy, neviditelné očím (síla, dobro, zlo, láska), jsou přenášeny prostřednictvím obrazů zvířat, lidí a jiných živých bytostí s takovými přirozenými vlastnostmi, které mají symboliku již zafixovanou v myslích lidí a pomáhají pochopit obecný smysl práce.

Pastorační (z francouzského pastorale - pastorační, venkovské)

Žánr malby, který oslavuje a poetizuje prostý a poklidný venkovský život.

Karikatura (z italského caricare - přehánět)

Žánr, ve kterém se při vytváření obrazu vědomě uplatňuje komický efekt zveličováním a vyostřováním rysů, chování, oblečení apod. Účelem karikatury je urazit, na rozdíl např. od karikatury (z francouzského náboje), jejímž účelem je prostě udělat si legraci. S pojmem „karikatura“ úzce souvisí pojmy jako populární tisk a groteska.

Nude (z francouzštiny nu - nahý, svlečený)

Žánr, ve kterém obrazy zobrazují akt Lidské tělo, nejčastěji ženského.

Podvod, nebo trompe l'oeil (z francouzštiny. trompe-l'œil - optická iluze)

Žánr, charakterové rysy který - speciální pohyby, vytváří optickou iluzi a umožňuje člověku rozostřit hranici mezi realitou a obrazem, tzn. zavádějící dojem, že předmět je trojrozměrný, když je dvourozměrný. Někdy se blende rozlišuje jako podtyp zátiší, ale někdy jsou v tomto žánru zobrazováni i lidé.

Pro doplnění vnímání vábniček je vhodné uvažovat o nich v originále, protože reprodukce není schopna plně vyjádřit efekt, který umělec zobrazil.

Tématický obrázek

Směs tradičních žánrů malby (domácí, historická, bitevní, krajinná atd.). Jiným způsobem se tento žánr nazývá figurativní kompozice, jeho charakteristické rysy jsou: hlavní roli hraje osoba, přítomnost děje a společensky významné myšlenky, nutně se ukazují vztahy (střety zájmů/postav) a psychologické akcenty. .

.
Tento umělec, který v roce 1994 vystudoval grafický design na Tverské umělecké škole, ohromuje fantazii svým mimořádným stylem a krásnými kompozicemi.

Je tvůrcem skutečně unikátních ilustrací s retro nádechem. Waldemar Kazak je umělec se smyslem pro humor, má osobité vidění každodenního života, umí se smát každodennímu životu a často si dělá legraci z významu pohádek pro děti, politiků a moderní mládeže.

Pracuje moderní ilustrátor každodenní žánr s karikaturním zvratem. Postavy z Kazakových děl je těžké si nevšimnout a zapamatovat si je. Všechny jsou velmi barevné, výrazné a světlé.

Jeho dechberoucí kompozice jsou naplněny stylem poválečné estetiky, který se prosadil v 50. letech dvacátého století, retro lesk se projevuje doslova ve všem: od výběru námětu obrazu až po výběr barev.

Toto o svém stylu říká sám Waldemar Kazak:

Jako každý člověk (nebo umělec) mám svůj rukopis. Ale já ho nevychovám, protože se bojím propadnout manýrům. Kromě toho je na trhu poptávka po jasném individuálním psaní. Ano, vlastně už to všichni vědí.

Úžasně jasné, vzrušující, poutavé umělecké kresby v retro stylu Waldemara Kazaka nenechají nikoho lhostejným!

Gil Elvgren (1914-1980) byl významným pin-up umělcem dvacátého století. Během své profesionální kariéry, která začala v polovině třicátých let a trvala přes čtyřicet let, se stal jasným favoritem mezi sběrateli a fanoušky pin-up po celém světě. A i když je Gil Elvgren považován především za pin-up umělce, zaslouží si být považován za klasického amerického ilustrátora, který dokázal obejmout různé oblasti komerční umění.

25 let práce pro reklamu na Coca-Colu mu pomohlo prosadit se jako jeden z velkých ilustrátorů v oboru. Reklama Coca-Coly obsahovala obrázky „Elvgren Girls“ ve stylu pin-up, většina z těchto ilustrací znázorňovala typické americké rodiny, děti, teenagery – obyčejní lidé dělat každodenní činnosti. Během druhé světové války a války v Koreji Elvgren dokonce kreslil ilustrace vojenské téma pro Coca-Colu, z nichž některé se v Americe staly „ikonami“.

Elvgrenova práce pro Coca-Colu zobrazena Americký sen o bezpečném a pohodlném životě a některé ilustrace k příběhům v časopisech zobrazovaly naděje, obavy i radosti jejich čtenářů. Tyto snímky byly publikovány ve 40. a 50. letech v řadě slavných amerických časopisů, jako je McCall's, Cosmopolitan, Good Housekeeping a Woman's Home Companion. Spolu s Coca-Colou spolupracoval Elvgren také s Orange Crush, Schlitz Beer, Sealy Mattress, General Electric, Sylvania a Napa Auto Parts.

Elvgren vynikal nejen svými malbami a reklamní grafikou – byl také profesionálním fotografem, který ovládal fotoaparát stejně obratně jako štětec. Tím ale jeho energie a talent neskončily: navíc byl učitelem, z jehož žáků se později stali slavní umělci.

Také v raného dětství Elvgren se inspiroval obrázky slavných ilustrátorů. Každý týden vytrhával stránky a obálky z časopisů s obrázky, které se mu líbily, v důsledku čehož shromáždil obrovskou sbírku, která zanechala stopy na díle mladého umělce.

Elvgrenovo dílo bylo ovlivněno mnoha umělci, jako je Felix Octavius ​​​​Carr Darley (1822-1888), první umělec, který zpochybnil převahu anglických a evropských škol ilustrace nad americkým komerčním uměním; Norman Rockwell (1877-1978), kterého Elvgren potkal v roce 1947, a toto setkání znamenalo začátek dlouhého přátelství; Charles Dana Gibson (1867-1944), z jehož štětce vzešla ideální dívka, která spojovala „sousedku“ (dívku od vedle) a „dívku z vašich snů“, Howard Chandler Christy, John Henry Hintermeister ( 1870-1945) a další.

Elvgren pečlivě studoval jejich práci klasických umělců, v důsledku čehož vytvořil základ, na kterém byl založen další vývoj pin-up artu.

Gil Elvgren se tedy narodil 15. března 1914 a vyrostl v St. Paul Minneapolis. Jeho rodiče, Alex a Goldie Elvgrenovi, vlastnili obchod v centru města, který prodával tapety a barvy.

Po promoci střední škola Gil se chtěl stát architektem. Jeho rodiče tuto touhu schvalovali, protože si všimli jeho talentu na kreslení, když v osmi letech chlapce odstranili ze školy, protože kreslil na okraje svých učebnic. Elvgren nakonec navštěvoval University of Minnesota, aby studoval architekturu a design a zároveň navštěvoval umělecké kurzy umělecký ústav Minneapolis. Tam si uvědomil, že kreslení ho zajímá mnohem víc než navrhování budov.

Na podzim téhož roku se Elvgren oženil s Janet Cumminsovou. A tak se na Nový rok novomanželé přestěhovali do Chicaga, kde bylo mnoho příležitostí pro umělce. Samozřejmě si mohli vybrat New York, ale Chicago bylo blíž a bezpečnější.

Po příjezdu do Chicaga se Gil snažil udělat vše pro rozvoj své kariéry. Navštěvoval prestižní Americkou akademii výtvarných umění v centru města, kde se spřátelil s Billem Mosbym, uznávaným umělcem a učitelem, který byl vždy hrdý na Gilův rozvoj pod jeho vedením.

Když Gil Elvgren přišel na Akademii, byl samozřejmě talentovaný, ale nevyčníval z většiny studentů, kteří tam studovali. Ale jen jedna věc ho odlišovala od ostatních: přesně věděl, co chce. Ze všeho nejvíc snil o tom, že se stane dobrý umělec. Za dva roky studia zvládl kurz určený pro tři a půl: navštěvoval hodiny v noci, v létě. V volný čas vždy kreslil.

Byl dobrým studentem a pracoval tvrději než ostatní. Gil navštěvoval každý kurz, ve kterém mohl získat alespoň nějaké znalosti o malbě. Za dva roky udělal fenomenální pokrok a stal se jedním z nejlepších absolventů Akademie.

Gil je neuvěřitelný umělec, kterému se jen málokdo vyrovná. Silné postavy, vypadá jako fotbalista; jeho velké ruce vůbec nejsou jako ruce umělce: tužka se do nich doslova „zaboří“, ale přesnost a pečlivost jeho pohybů lze srovnávat pouze s dovedností chirurga.

Během vysoké školy Gil nikdy nepřestal pracovat. Jeho ilustrace již zdobily brožury a časopisy akademie, kde studoval.

Gil se tam setkal s mnoha umělci, kteří se stali jeho celoživotními přáteli, například: Harold Anderson, Joyce Ballantyne.

V roce 1936 se Gil a jeho žena vrátili do svého rodného města, kde si otevřeli vlastní studio. Krátce před tím dokončí svou první zaplacenou zakázku: obálku módního časopisu, která zobrazuje hezký muž, oblečená do dvouřadého saka a lehkých letních kalhot. Ihned poté, co Elvgren poslal své dílo zákazníkovi, mu zavolal ředitel společnosti, aby mu poblahopřál a objednal dalších půl tuctu krytů.

Pak přišla další zajímavá zakázka, která měla namalovat Dionne Quintuplets, jejichž zrod se stal mediální senzací. Klientem byl Brown and Biglow, největší vydavatelství kalendářů. Toto dílo bylo vytištěno v kalendářích 1937-1938, kterých se prodaly miliony výtisků. Od té doby začal Elvgren kreslit nejslavnější dívky v Americe, což mu přineslo obrovský úspěch. Elvgren také začíná být zván ke spolupráci s dalšími společnostmi, například s konkurentem Brown a Biglow, společností Louis F. Dow Calendar Company. Umělcova díla se začala tisknout na brožury, hrací karty a dokonce i krabičky od sirek. Pak se v obchodech s potravinami objevilo mnoho jeho obrazů v životní velikosti vytvořených pro Royal Crown Soda. Tento rok se pro Elvgrena také stává obzvláště důležitým, protože s manželkou přivítali své první dítě, Karen.

Elvgren pokračuje v přijímání rozkazů a rozhodne se vrátit se svou rodinou do Chicaga. Brzy potkal Haddona H. Sundbloma (1899-1976), který byl jeho idolem. Sandblom má obrovský vliv na Elvgrenovu tvorbu.

Díky Sundblom se Elvgren stal umělcem reklam na Coca-Colu. Dodnes jsou tato díla ikonami v historii americké ilustrace.

Bezprostředně po bombardování Pearl Harboru byl Elvgren požádán, aby namaloval obrazy pro vojenskou kampaň. Jeho první kresba pro tuto sérii byla publikována v roce 1942 v časopise Good Housekeeping pod titulkem „She Knows What 'Freedom' Really Is“ a zobrazovala dívku oblečenou v důstojnické uniformě Červeného kříže.

V roce 1942 se narodil Gil Jr. a v roce 1943 už jeho žena čekala třetí dítě. Elvgrenova rodina se rozrostla, stejně jako jeho podnikání. Jill pracuje na reklamních projektech a také prodává svá stará díla. Užíval si života, protože sám byl již uznávaným umělcem a šťastným rodinným příslušníkem. Když se narodilo třetí dítě v jeho rodině, Elvgren už dostával asi 1000 dolarů za obraz, tzn. zhruba 24 000 dolarů ročně, což byla na tehdejší dobu obrovská částka. To znamenalo, že se Gil mohl stát nejlépe placeným ilustrátorem ve Spojených státech a přirozeně mít zvláštní místo u Browna a Bigelowa.

Než začal pracovat výhradně pro Browna a Bigelowa, přijal svou první (a jedinou) zakázku od firmy Josepha Hoovera ve Philadelphii. Aby se vyhnul problémům s Brownem a Bigelowem, přijal nabídku pod podmínkou, že obraz nebude podepsán. Za toto dílo s názvem „Dívka snů“ obdržel 2 500 dolarů, protože... byl největší, jaký kdy maloval (101,6 cm x 76,2 cm).

Spolupráce s Brownem a Bigelowem umožnila Elvgrenovi pokračovat v kreslení pro Coca-Colu, nicméně mohl pracovat pro jakoukoli jinou společnost, která neměla s Brownem a Bigelowem konflikty. V roce 1945 tak Elvgren, Brown a Bigelow zahájili spolupráci, která trvala více než třicet let.

Režisér Brown a Bigelow Charles Ward udělal z Elvgrena jméno domácnosti. Pozval Gila, aby udělal pin-up v nahém stylu, s čímž umělec souhlasil s velkým nadšením. Tento obraz ukazoval nahou blonďatou nymfu na pláži pod šeříkově modrým měsíčním světlem v barvách šeříku. Tato ilustrace byla vydána v balíčku karet spolu s dílem dalšího umělce - ZoÎ Mozert. Následující rok si Ward objednal od Elvgrena další nahý pin-up pro další karty, ale tentokrát ho kompletně provedl sám Elvgren. Tento projekt zlomil prodejní rekordy Browna a Bigelowa a byl nazván „Mais Oui by Gil Elvgren“.

První tři pin-up projekty pro Browna a Bigelowa se staly nejprodávanějšími společnosti již po několika týdnech. Tyto obrázky byly brzy použity pro hraní karet.

Do konce dekády se Elvgren stal Brownem a Bigelowovým nejúspěšnějším umělcem, díky médiím se jeho dílo dostalo do širokého povědomí veřejnosti, časopisy o něm dokonce publikovaly články. Mezi společnosti, se kterými spolupracoval, patří Coca-Cola, Orange Crush, Schlitz, Red Top Beer, Ovaltine, Royal Crown Soda, Campana Balm, General Tire, Sealy Mattress, Serta Perfect Sleep, Napa Auto Parts, Detzler Automotive Finishes, Frankfort Distilleries, Four Roses Blended Whisky, General Electric Appliance a Pangburn's Chocolates.

Tváří v tvář takové poptávce po své práci Elvgren uvažoval o otevření vlastního ateliéru, protože už bylo mnoho umělců, kteří obdivovali jeho práci a takzvanou „malbu majonézou“ (takzvaný styl Sundbloma a Elvgrena, protože malby na díla vypadala „krémově“ a hladce jako hedvábí). Ale po zvážení všech pro a proti od této myšlenky upustil.

Gil Elvgren hodně cestoval a setkal se s mnoha vlivnými lidmi. Jeho plat v Brown and Bigelow se změnil z 1 000 dolarů za plátno na 2 500 dolarů a produkoval 24 obrazů ročně plus procento z časopisů, které publikovaly jeho ilustrace. Přestěhoval se s rodinou do nový dům na předměstí Winnetka, kde začal budovat vlastní půdní ateliér, což mu umožnilo být ještě produktivnější.

Gil měl vynikající vkus a byl také vtipný. Jeho díla jsou vždy zajímavá kompozicí, barevnými schématy a pečlivě promyšlené pózy a gesta je činí živými a vzrušujícími. Jeho obrazy jsou upřímné. Gil cítil vývoj ženské krásy, což bylo velmi důležité. Proto byl Elvgren zákazníky vždy žádaný.

V roce 1956 se Gil přestěhoval se svou rodinou na Floridu. Se svým novým bydlištěm byl naprosto spokojen. Tam si otevřel vynikající ateliér, kde studoval Bobby Toombs, který se právem stal uznávaným umělcem. Řekl, že Elvgren byl vynikající učitel, který ho naučil používat všechny své dovednosti promyšleně.

Na Floridě Gil namaloval obrovské množství portrétů, mezi jeho modely patřily Myrna Loy, Arlene Dahl, Donna Reed, Barbara Hale, Kim Novak. V letech 1950-1960 by každá začínající modelka nebo herečka chtěla, aby Elvgren nakreslil dívku v její podobě, která by pak byla vytištěna na kalendářích a plakátech.

Elvgren vždy hledal nové nápady pro své obrazy. I když mu s tím pomáhala řada jeho uměleckých přátel, nejvíce se spoléhal na rodinu: své nápady probíral s manželkou a dětmi.

Elvgren působil v okruhu umělců, které učil, nebo naopak od nich studoval; kteří byli jeho přáteli, se kterými měl hodně společného. Byli mezi nimi Harry Anderson, Joyce Ballantyne, Al Buell, Matt Clark, Earl Gross, Ed Henry, Charles Kingham a další.

Gil Elvgren žil život naplno. Jako vášnivý outdoorsman rád rybařil a lovil. Dokázal trávit hodiny v bazénu, měl rád závodní auta a také sdílel svou dětskou vášeň pro sbírání starožitných zbraní.

V průběhu let měl Elvgren mnoho studiových asistentů, z nichž většina se stala úspěšnými umělci. Když byl Elvgren nucen odmítnout spolupráci od společností kvůli obrovské množství Umělečtí ředitelé souhlasili, že počkají rok nebo i déle, pokud pro ně Gil bude pracovat.

Veškerý Gilův úspěch byl ale v roce 1966 zastíněn strašlivou tragédií, která potkala jeho rodinu: Gilova žena Janet zemřela na rakovinu. Poté se ještě více vrhl do práce. Jeho obliba zůstává nezměněna, kromě výsledku své práce se nemusí o nic starat. Bylo to nejlepší období Elvgrenovy kariéry, nebýt smrti jeho ženy.

Elvgrenova schopnost zprostředkovat ženskou krásu byla nepřekonatelná. Při malování většinou seděl v křesle na kolečkách, aby se mohl snadno pohybovat a dívat se na kresbu z různých úhlů, a velké zrcadlo za ním mu umožňovalo mít přehled o celém obrazu. Hlavní věcí v jeho práci byly dívky: preferoval modelky ve věku 15-20 let, které teprve začínaly svou kariéru, protože měly spontánnost, která mizí se zkušenostmi. Když se ho zeptali na svou techniku, řekl, že přidává své vlastní doteky: prodloužení nohou, zvětšení hrudníku, zúžení pasu, plnější rty, výraznější oči, přitlačení nosu, čímž model získá větší atraktivitu. Elvgren vždy pečlivě propracovával své nápady od začátku do konce: vybíral model, rekvizity, osvětlení, kompozici, dokonce i účes byl velmi důležitý. Po všem scénu vyfotografoval a začal malovat.

Charakteristickým rysem Gilových děl bylo, že při pohledu na obrazy se zdálo, že dívky v nich ožijí, pozdraví se nebo nabídnou šálek kávy. Vypadali roztomile a plní nadšení. Vždy okouzlující, vyzbrojené přátelským úsměvem, i za války dodávaly vojákům sílu a naději na návrat domů ke svým dívkám.

Mnoho umělců snilo o malování jako Elvgren, všichni obdivovali jeho talent a úspěch.

Každým rokem maloval s větší lehkostí a profesionalitou, jeho rané obrazy působily „tvrději“ než jeho pozdější. Ve svém oboru dosáhl vrcholu dokonalosti.

29. února 1980 zemřel na rakovinu ve věku 65 let Gil Elvgren, muž, který se zasvětil tomu, aby svou kreativitou přinášel lidem radost. Jeho syn Drake našel v otcově ateliéru poslední nedokončený, ale přesto velkolepý obraz pro Browna a Bigelowa. Od Elvgrenovy smrti uplynula tři desetiletí, ale jeho umění stále žije. Elvgren se bezpochyby zapíše do historie jako umělec, který k tomu přispěl velkým dílem americké umění dvacáté století.