Известные художники америки 19 века. Американская живопись

Если вы думаете, что все великие художники остались в прошлом, то вы даже не представляете, насколько сильно ошибаетесь. В этой статье вы узнаете о самых известных и талантливых художниках современности. И, поверьте, их работы засядут в вашей памяти не менее глубоко, чем работы маэстро из прошлых эпох.

Wojciech Babski

Войцех Бабски – современный польский художник. Закончил учебу в Силезском политехническом институте, но связал себя с . В последнее время рисует, в основном, женщин. Фокусируется на проявлении эмоций, стремится к получению как можно большего эффекта простыми средствами.

Любит цвет, но часто использует оттенки черного и серого, для достижения наилучшего впечатления. Не боится экспериментировать с разными новыми техниками. В последнее время набирает всё большую популярность за рубежом, в основном, в Великобритании, где с успехом продает свои работы, которые уже можно найти во многих частных коллекциях. Кроме искусства интересуется космологией и философией. Слушает джаз. В настоящее время живет и работает в городе Катовице.

Warren Chang

Уоррен Чанг – современный американский художник. Родился в 1957 году и вырос в Монтерее, штат Калифорния, с отличием окончил колледж дизайна Арт-центр в Пасадене в 1981 году, где получил степень бакалавра изобразительных искусств в области . В течение следующих двух десятилетий он работал в качестве иллюстратора для различных компаний в Калифорнии и Нью-Йорке, прежде чем в 2009 году начать карьеру профессионального художника.

Его реалистичные картины можно разделить на две основные категории: биографические интерьерные картины и картины, изображающие работающих людей. Его интерес к подобной манере живописи уходит своими корнями к творчеству художника 16-го века Яна Вермеера, и распространяется на предметы, автопортреты, портреты членов семьи, друзей, учеников, интерьеры студии, класса и дома. Его цель заключается в том, чтобы в своих реалистичных картинах создать настроение и эмоции с помощью манипуляции светом и использовании приглушенных цветов.

Чанг стал известен после перехода к традиционному изобразительному искусству. За последние 12 лет он заработал множество наград и почетных званий, самая престижная из них – Master Signature от ассоциации художников маслом Америки, крупнейшего сообщества художников маслом в Соединенных Штатах. Лишь один человек из 50, удостаивается возможности получить эту награду. В настоящее время Уоррен живёт в Монтерее и работает в своей студии, также он преподаёт (известен как талантливый педагог) в Академии искусств Сан-Франциско.

Aurelio Bruni

Аурелио Бруни – итальянский художник. Родился в городе Блера, 15 октября 1955 года. Получил диплом по специальности сценография в институте искусства в Сполето. Как художник он самоучка, так как самостоятельно “возводил дом знаний” на фундаменте, заложенном ещё в школе. Рисовать маслом начал в возрасте 19 лет. В настоящее время живёт и работает в Умбрии.

Ранняя живопись Бруни уходит своими корнями в сюрреализм, но со временем он начинает ориентироваться на близость лирического романтизма и символизма, усиливая это сочетание изысканной утонченностью и чистотой своих персонажей. Одушевленные и неодушевленные объекты приобретают равное достоинство и выглядят, почти, гиперреалистично, но, при этом, не скрываются за занавесом, а позволяют увидеть суть своей души. Многогранность и изысканность, чувственность и одиночество, задумчивость и плодотворность являются духом Аурелио Бруни, питаемым великолепием искусства и гармонией музыки.

Alekasander Balos

Алкасандр Балос – современный польский художник, специализирующийся в области масляной . Родился 1970 года в Гливице, Польша, но с 1989 года живёт и работает в США, в городе Шаста, штат Калифорния.

В детстве он изучал искусство под руководством своего отца Яна, художника-самоучки и скульптора, поэтому уже с раннего возраста, художественная деятельность получила полную поддержку со стороны обоих родителей. В 1989 году, в возрасте восемнадцати лет, Балос уехал из Польши в США, где его школьный учитель и по совместительству художник Кэти Гагглиарди побудила Алкасандра поступить в художественную школу. Затем Балос получил полную стипендию университета в Милуоки Висконсин, где он учился живописи у профессора философии Гарри Розина.

После завершения учёбы в 1995 году и получения степени бакалавра Балос переехал в Чикаго, чтобы поступить на учёбу в школе изобразительного искусства, чьи методы основываются на творчестве Жака-Луи Давида. Фигуративный реализм и портретная живопись составляли большую часть работ Балоса в 90-х и начале 2000-х годов. Сегодня Балос использует человеческую фигуру для того, чтобы подчеркнуть особенности и показать недостатки человеческого бытия, не предлагая, при этом, никаких решений.

Сюжетные композиции его картин предназначены для того, чтобы быть самостоятельно интерпретированными зрителем, только тогда полотна приобретут свой истинный временной и субъективный смысл. В 2005 году художник переехал в Северную Калифорнию, с тех пор тематика его работ значительно расширилась и теперь включает в себя более свободные методы живописи, включая абстракцию и различные мультимедийные стили, помогающие выражать идеи и идеалы бытия через живопись.

Alyssa Monks

Алисса Монкс – современная американская художница. Родилась в 1977 году, в Риджвуде, Нью-Джерси. Начала интересоваться живописью, когда была ещё ребенком. Училась в Новой Школе в Нью-Йорке и Государственном университете Монклер, а окончив в 1999 году Бостонский колледж, получила степень бакалавра. Одновременно она изучила живопись в академии Лоренцо Медичи во Флоренции.

Затем продолжила учёбу по программе на степень магистра в нью-йоркской Академии Искусства, на кафедре Фигуративного Искусства, окончила его в 2001 году. В 2006 году она закончила колледж Фуллертона. Некоторое время читала лекции в университетах и образовательных учреждениях по всей стране, преподавала живопись в нью-йоркской Академии Искусства, а также Государственном университете Монклер и Колледже Академии Искусств Лайма.

“Используя фильтры, такие как стекло, винил, вода и пар, я искажаю человеческое тело. Эти фильтры позволяют создавать большие площади абстрактного дизайна, с проглядывающими сквозь них островами цвета – частями человеческого тела.

Мои картины меняют современный взгляд на уже сложившиеся, традиционные позы и жесты купающихся женщин. Они могли бы многое рассказать внимательному зрителю о таких, казалось бы, самих собой разумеющихся вещах, как польза плаванья, танцев и так далее. Мои персонажи прижимаются к стеклу окна душевой кабины, искажая собственное тело, осознавая, что тем самым влияют на пресловутый мужской взгляд на обнажённую женщину. Толстые слои краски смешаны так, чтобы издалека подражать стеклу, пару, воде и плоти. Однако вблизи становятся очевидны восхитительные физические свойства масляной краски. Экспериментируя со слоями краски и цветом, я нахожу момент, когда абстрактные мазки становятся чем-то еще.

Когда я только начала рисовать человеческое тело, я сразу была очарована и даже стала одержима им и считала, что должна была делать свои картины как можно более реалистичными. Я “исповедовала” реализм, пока он не начал распутывать и вскрывать противоречия в самом себе. Сейчас я исследую возможности и потенциал манеры письма, где встречаются представительская живопись и абстракция – если оба стиля могут сосуществовать в один и тот же момент времени, я это сделаю”.

Antonio Finelli

Итальянский художник – “Наблюдатель времени ” – Антонио Финелли родился 23 февраля 1985 года. В настоящее время живет и работает в Италии между Римом и Кампобассо. Его работы были выставлены в нескольких галереях в Италии и за рубежом: Риме, Флоренции, Новара, Генуя, Палермо, Стамбуле, Анкаре, Нью-Йорке, также их можно найти в частных и государственных коллекциях.

Рисунки карандашом “Наблюдателя времени ” Антонио Финелли отправляют нас в вечное путешествие по внутреннему миру человеческой временности и связанному с ним скрупулезным анализом этого мира, главным элементом которого является прохождение сквозь время и наносимые им на кожу следы.

Финелли пишет портреты людей любого возраста, пола и национальности, выражения лиц которых свидетельствуют о прохождении сквозь время, также художник надеется отыскать свидетельства беспощадности времени на телах своих персонажей. Антонио определяет свои произведения одним, общим названием: “Автопортрет”, потому что на своих карандашных рисунках он не просто изображает личность, но позволяет зрителю созерцать реальные результаты прохождения времени внутри человека.

Flaminia Carloni

Фламиния Карлони – итальянская художница 37-ми лет, дочь дипломата. У нее трое детей. Двенадцать лет жила в Риме, три года в Англии и Франции. Получила диплом в области истории искусства в школе искусств BD. Затем получила диплом по специальности реставратор произведений искусства. Прежде чем найти свое призвание и полностью посвятить себя живописи, она работала как журналист, колорист, дизайнер, актриса.

Страсть к живописи у Фламинии возникла ещё в детстве. Её основная среда – масло, потому что она любит “coiffer la pate” и также играть с материалом. Подобную технику она узнала в работах художника Паскаля Торюа. Фламиния вдохновлена великими мастерами живописи, такими как Бальтюса, Хоппер, и Франсуа Легран, а так же и различными художественными движениями: стрит-арт, китайский реализм, сюрреализм и реализм эпохи Возрождения. Её любимый художник Караваджо. Её мечта открыть терапевтическую силу искусства.

Denis Chernov

Денис Чернов – талантливый украинский художник, родился в 1978 году в Самборе, Львовская область, Украина. После окончания Харьковского художественного училища в 1998 году остался в Харькове, где в настоящее время живет и работает. Также он учился в Харьковской государственной академии дизайна и искусств, кафедра график, окончил её в 2004 году.

Он регулярно участвует в художественных выставках, на данный момент их состоялось более шестидесяти, как в Украине, так и за рубежом. Большинство работ Дениса Чернова хранятся в частных коллекциях в Украине, России, Италии, Англии, Испании, Греции, Франции, США, Канаде и Японии. Некоторые работы были проданы на “Кристис”.

Денис работает в широком диапазоне графических и живописных техник. Рисунки карандашом – один из самых любимых им методов живописи, список тем его карандашных рисунков также весьма разнообразен, он пишет пейзажи, портреты, ню, жанровые композиции, книжные иллюстрации, литературные и исторические реконструкции и фантазии.

" Книги дают мне огромное чувство личного и творческого удовлетворения. Когда я работаю над книгой, я желаю, чтобы телефон никогда не звонил. Мое удовлетворение приходит от реальных следов на бумаге."

Американский иллюстратор детских книг Pinkney Jerry родился 22 декабря 1939 года в Germantown. В средней школе его любовь и талант к рисованию был замечен карикатуристом John Liney, который предложил ему продолжать карьеру художника. После окончания Dobbins Vocational School Pinkney получил полную стипендию для обучения в Philadelphia Museum College of Art. Позже он переехал в Бостон, где работал в области дизайна и иллюстрации, в конце концов он открыл собственную студию - Jerry Pinkney Studio, а позже переехал в Нью-Йорк. Pinkney Jerry по-прежнему живет и работает в Нью-Йорке, за годы своей творческой карьеры он проводил семинары в Университета, школах - искусств по всей стране.

"Я хотел показать, что может сделать афро - американский художник в этой стране на национальном уровне в изобразительном искусстве. Я хочу быть сильной ролевой моделью для моей семьи и для других афро-американцев."

Алена Вантяева

Американская пейзажная живопись девятнадцатого века была представлена двумя основными течениями: романтизмом и реализмом. С присоединением к Соединенным Штатам Америки новых территорий, в том числе с продвижением переселенцев на Запад, художникам открылись и неизвестные ранее горизонты для вдохновения. Изображение американской природы и ее национального своеобразия стало основной темой в пейзажном искусстве.

Одной из наиболее известных и влиятельных школ живописи США в девятнадцатом веке стала Школа реки Гудзон, образованная в 1850-е годы последователями творчества художника-пейзажиста Томаса Коула (расцвет его творчества пришелся на 20-40-е годы 19 века). В основном в Школу входили художники из Нью-Йоркской Национальной Академии художеств, а также других творческих объединений. На полотна художников Гудзонской школы и их эстетическое видение мира оказало влияние романтическое течение в искусстве. Основным мотивом творчества более 50-ти ее представителей было изображение дикой природы Америки, зачастую показанной в идеалистическом свете. Чаще всего объектами изображения становилась Гудзонская долина и близлежащие территории, а также горы. Гудзонская школа скорее объединяла людей, вдохновленных общей идеей, чем являлась образовательным институтом.

Картины художников Школы реки Гудзон изображали не только красоту американской природы, но и имели определенный тематический характер. На полотнах изображались сцены открытия, исследования, заселения Американского континента. Одной из особенностей изображения американского пейзажа было невероятно гармоничное, мирное сосуществование человека и природы. В работах художников природа изображалась как эталон чистоты и девственности, подчеркивалась божественность её происхождения.

Наиболее выдающимися художниками Школы реки Гуздон считаются Альберт Биерштадт (1830-1902) и Фредерик Эдвин Чёрч (1826-1902).

Среди наиболее удивительных и известных полотен, написанных Чёрчем и подчеркивающих природную красоту воды, гор и неба, можно отметить “Ниагарский водопад” и “Сердце Анд”.

“Falls of Niagara”, 1857, Corcoran Gallery of Art in Washington D.C.

“Heart of the Andes” 1859, Metropolitan Museum of Art New York

Американский художник с немецкими корнями Альберт Биерштадт поразил публику своими горными пейзажами на огромных холстах. Одним из самых впечатляющих художника является полотно “Скалистые горы”.

“The Rocky Mountains” by Albert Bierstadt, 1863, Metropolitan Museum, New York

В оппозиции к идеалистическому восприятию окружающего мира художников Гудзонской школы выступало реалистическое искусство Уинслоу Хомера (1836-1910). Он также обучался при Национальной Академии художеств, однако предметом изображения на его полотнах стали реалии середины девятнадцатого века. Во время Гражданской войны в США (1861-1865) Хомер был военным художником. Факт его участия в военных операциях повлиял на правдивость изображения военных сцен. Одной из наиболее известных является его картина “Пленные с фронта”. После окончания войны, У.Хомер писал полотна, черпая вдохновение из обыденной мирной жизни, однако и в ней он находил интересные сюжеты.

“Prisoners from the Front” by W.Homer, 1866, Metropolitan Museum in New York

Девятнадцатый век принес с собой нелегкие испытания для американского народа. Однако, несмотря на все сложности переустройства американского общества, многое было приобретено. С включением в состав США новых территорий, людям открылись новые просторы и красоты американской земли, а события Гражданской войны снабдили людей "пищей для размышления". Переживания американского народа не могли не найти своего отражения в искусстве. Вероятно, поэтому американская пейзажная живопись в девятнадцатом веке достигла своего расцвета.

В 1776 г. Америка провозгласила свою независимость, и с этого времени фактически начинается развитие национального изобразительного искусства, которое было призвано отображать историю страны.

Художники XVIII в. в большинстве своём были самоучками и основывались на стиле британского искусства.
А в XIX в. уже была создана первая школа живописи – Школа реки Гудзон.

Школа реки Гудзон

Школа реки Гудзон – так называлась группа американских художников-пейзажистов. Их творчество развивалось в стиле романтизма . Картины изображали долину реки Гудзон и её окрестности. Художники чаще всего изображали дикую природу Америки и ставили под сомнение целесообразность технического прогресса.

Томас Коул «Оксбоу» (1836). Музей Метрополитен (Нью-Йорк)
Школа реки Гудзон не была однородным явлением в живописи того времени: например, существовало ответвление в стиле импрессионизма , которое назвали люминизм . Люминизм большое внимание уделял восприятию художником света. От импрессионизма люминизм отличается тем, что здесь больше внимания уделяется деталям, делается скрытый мазок. Но в общем эти два стиля схожи.

Фитц Генри Лейн «Корабль в тумане» (1860)
Основателем Школы был художник Томас Коул. Он выехал на реку Гудзон осенью 1825 г. Затем к нему присоединился его близкий друг Ашер Браун Дюран. Другие художники Школы:

Альберт Бирштадт
Джон Уильям Касильер
Фредерик Эдвин Чёрч
Томас Коул
Сэмюэл Колмен
Джаспер Фрэнсис Кропси
Томас Доути
Роберт Скотт Данкансон
Сэнфорд Робинсон Гиффорд
Джеймс Макдугал Харт
Уильям Харт
Уильям Стэнли Хасельтайн
Мартин Джонсон Хеди др.

Живопись художников Гудзонской школы отличалась простотой и непосредственностью.

Томас Коул (1801-1848)

Томас Коул родился в Англии. В 1818 г. его семья эмигрировала в Соединённые Штаты. Азы профессии Коул получил у бродячего художника-портретиста Стейна. Но портретная живопись не была для него успешной, и он начал писать пейзажи . Удавались ему и аллегорические картины, например, серия «Путешествие жизни», состоящая из картин о четырёх периодах жизни человека: детстве, юности, зрелости и старости. Этот цикл хранится в Национальной художественной галерее (Вашингтон, США)

Т. Коул «Детство»
На первой картине художник изобразил ребенка в лодке, которая плывёт по реке жизни. Этой лодкой управляет ангел, т.к. ребёнок ещё не способен к самостоятельности. Его кругозор, как и на картине, ограничен. Фигура на носу лодки держит песочные часы, символизирующие время.

Т. Коул «Юность»
Эта же лодка, но в ней уже юноша. Он уже самостоятельно управляет лодкой, но ангел всё равно не оставляет его – наблюдает за ним с берега.

Ангел продолжает наблюдать за человеком, но тот погружён в свои проблемы, которые одолевают его – это подчёркивают мрачный колорит картины, деревья, поваленные бурей...

Т. Коул «Старость»
И вот уже жизненный путь человека подходит к концу. Фигуры с песочными часами на лодке уже нет – время земной жизни закончено. И лодка вся одряхлела...
Ангел-хранитель сошел к нему, чтобы направить его дальнейший путь в мир иной, а вдали видны другие ангелы. Коул так говорил об этой картине: «Путы телесного существования отпадают, и разум уже в состоянии узреть проблески вечной жизни».

Уинслоу Хомер (1836-1910)

Фотография 1880 г.
Американский художник и график, основоположник реалистической живописи. Наиболее известен своими морскими пейзажами. Писал маслом и акварелью. Его творчество оказало влияние на всё последующее развитие американской живописи.
Хомер испытывал влияние различных художественных течений, но основывался прежде всего на чисто американских сюжетах.
Его живопись раннего периода – светла и безмятежна, а для последнего периода характерны тёмные тона и трагические темы.

У. Хомер «Сигнал тумана». Бостонский музей изящных искусств (США)
Тема картины – борьба человека с морем, соотношение хрупкой человеческой жизни и вечной природы.

Томас Каупертуэйт Икинс (Эйкинс) (1844-1916)

Американский художник, фотограф, педагог, крупнейший представитель американской реалистической живописи.

Т. Икинс. Автопортрет (1902)
Окончил Пенсильванскую академию изящных искусств, далее совершенствовал своё мастерство в Европе, в основном в Париже под руководством Жана Леона Жерома. Преподавал в академии изящных искусств, был её директором.
Уделял большое внимание изучению и изображению обнажённой натуры, проявляя свободомыслие, за что был уволен. В живописи Икинса и его фотографиях обнажённое и полуобнажённое тело занимает главное место. Ему принадлежит множество изображений спортсменов. Особенный интерес Икинса вызывала передача движений человеческого тела.

Т. Икинс «Плавание» (1895)
Писал портреты в многофигурном окружении.
Самое известное произведение – «Клиника Гросса».

Т. Икинс «Клиника Гросса» (1875)
На картине изображён известный филадельфийский хирург Сэмюэл Гросс, который руководит операцией перед студентами медицинской академии. Художник изображает доктора Гросса гением человеческой мысли, но картина шокировала современников своей реалистичностью.
Т. Икинс известен также рядом значительных портретов, в том числе портрет американского поэта и публициста Уолта Уитмена (1887-1888), который сам поэт считал лучшим.

Т. Икинс. Портрет Уитмена (1887)

Джеймс Эббот Макнил Уистлер (1834-1903)

Англо-американский художник, портретист, мастер офорта и литографии . Предшественник импрессионизма и символизма .

Д. Уистлер. Автопортрет. Институт искусств (Детройт)
Родился в Лоуэлле (штат Массачусетс). Его отец, Джордж Вашингтон Уистлер, известный инженер-железнодорожник, в 1842 г. был приглашён для строительства дорог в Россию, он проектировал Николаевскую железную дорогу. В России Джеймс посещал Академию художеств. В США учился в военном училище, но был отчислен за неуспеваемость.

Д. Уистлер «Аранжировка в сером и чёрном. Мать художника (1871). Музей Орсе (Париж)
Это наиболее известная работа Джеймса Уистлера.
Учился живописи в Париже, затем в Венеции (занимался акварельными зарисовками и офортами).
В первый период творчества Уистлера сближало с импрессионизмом стремление запечатлеть первое впечатление от предмета – пейзажа или человека. Но по многим вопросам он расходился с импрессионистами: не одобрял культ пленэра, заранее обдумывал цветовую тональность. В поздних произведениях Уистлер использует крайне разведённые, по-акварельному прозрачные краски, которые передают ощущение зыбкой подвижности атмосферной среды.

Д. Уистлер «Симфония в сером и зеленом океане» (1866-1872)

Бытовой жанр

Большое развитие в американской живописи XIX в. получил бытовой жанр. Сначала этот жанр основывался на изображении провинциальной жизни с картами, танцами и т.д.

Истмен Джонсон «Счастье заброшенного дилижанса» (1871)
Но после того, как в США началась промышленная революция и урбанизация, художники стали изображать быт жителей крупных городов.

Джон Гаст «Американский прогресс» (около 1872)
На картине изображена аллегорическая Колумбия с учебником в руках. Она ведёт цивилизацию на запад вместе с американскими переселенцами, дорогой протягивая телеграфную линию. На картине показаны разные виды экономической деятельности первых поселенцев, история транспорта. Индейцы и дикие животные изображены убегающими от переселенцев.

«Школа мусорных вёдер»

На рубеже XIX и XX вв. в США наблюдался быстрый рост крупных городов. Фотоаппараты того времени ещё не могли использоваться для оперативной съёмки происшествий, поэтому новостные газеты нанимали художников для иллюстраций. Так сформировалась «Школа мусорных вёдер», в состав которой входили Роберт Генри, Гленн Колман, Джером Майерс и Джордж Беллоуз. Главными объектами зарисовок студийцев были улицы с их типичными представителями: беспризорниками, проститутками, уличными артистами и иммигрантами. Происхождение, образование и политические взгляды этих художников были различными. Но Роберт Генри считал, что быт и деятельность бедноты, пролетариата и среднего класса достойны воплощения в живописи – это реалии времени.

Джордж Беллоуз «Помощь медсестры Эдит Кавелл» (1918)
«Школа мусорных вёдер» совершила революцию в изобразительном искусстве США, она была предтечей

На рубеже 19 и 20 веков, когда в живописи США господствовали два коммерчески успешных и уважаемых направления - импрессионизм и академический реализм, зарождается и крепнет желание некоторых художников отражать реальную современную жизнь города с ее иногда жестокими моментами, изображать неприкрашенный быт городских окраин, детей улиц, проституток, алкоголиков, жизнь многоквартирных домов. Они считали, что живопись может быть сродни журналистике, хотя многие из этих художников были аполитичны и не ограничивались отражением язв и нищеты городской жизни.

«…Я очень любил города, я любил величавую, быструю реку,
Все женщины, все мужчины, которых я узнавал, были мне близки…
… И я жил на свете, я Бруклин любил — обильный холмами, был он моим,
И я бродил по Манхэттену, и я в омывающих остров соленых водах купался…»
(Уолт Уитмен. Листья травы. На Бруклинском перевозе.)

Идеолог этого движения Роберт Генри, поклонник поэзии Уолта Уитмена, требовал от своих учеников, чтобы их «краски были так же реальны, как грязь, как комья лошадиного дерьма и снег зимой на Бродвее». За пристрастие к подобным сюжетам это направление получило прозвище «школа мусорного ведра» или «школа урны для мусора», которое закрепилось за ним и используется в искусствоведческой литературе. Многими критиками это движение было встречено в штыки, после первой выставки один из них под псевдонимом «Ювелир» писал: «Вульгарность бьет в глаза на этой выставке… Может ли быть прекрасным искусство, показывающее наши болячки?» Иногда «Школу мусорного ведра» отождествляют с группой «Восьми», хотя не все (только 5) ее членов входили в нее, а трое художников, Дэвис, Лоусон и Прендергаст выступали в совершенно ином стиле.

Роберт Генри (Cozad), (1865-1929), художник, педагог, вдохновитель «Школы мусорного ведра и организатор группы «Восьми»,

Родился в Цинциннати в семье застройщика и игрока. В стычке по поводу владения землей отец застрелил оппонента и бежал в Денвер, куда позже перебралась и вся семья, сменив имена и фамилию. Проучившись два года в Академии изящных искусств в Филадельфии, молодой Роберт отправляется в Париж в Академию Жюльена учиться у академических реалистов.

После поездки по Италии он возвращается в Филадельфию и начинает преподавать в Школе дизайна для женщин, его считали прирожденным педагогом. К тридцати годам Генри приходит к мысли о необходимости выработки такого направления в живописи, которое бы сочетало в себе реализм и элементы импрессионизма, и назвал его «новым академизмом».

Его друзья и последователи не считали себя единой организованной группой, но выставка в галерее «Макбет» в Нью-Йорке в 1908 году привлекла внимание к художникам нового направления и принесла им известность. В 1910 году Генри с помощью Слоана организует выставку Независимых художников, на которой было продано всего несколько картин, на смену художникам этого направления уже шло новое современное искусство, провозвестником и «отцом» которого можно считать и Роберта Генри.

Последующие годы принесли Генри популярность, он много времени проводил В Ирландии и Санта-Фе, преподавал в Лиге студентов в Нью-Йорке, оказал большое влияние на развитие модернистского направления у своих студенток -художниц. В 1929 году он был назван Советом искусств Нью-Йорка одним из трех лучших живущих американских художников. Классические элементы его стиля в портрете - силовая манера письма, интенсивные цветовые и световые эффекты, отражение индивидуальности и душевных качеств человека.

Джон Френч Слоан (1871-1951), один из основателей «Школы мусорного ведра», член группы «Восьми», художник и гравёр.

Его отец имел художественные способности и поощрял своих детей с раннего детства к рисованию. Он рано начал работать из-за болезни отца, работа продавцом в книжном магазине оставляла ему много свободного времени для чтения, рисования и копирования работ Дюрера и Рембрандта, которыми он восхищался. Он также начал делать офорты и продавать их в магазине, а его открытки и календари пользовались успехом. Работая позже художником-иллюстратором, он начал брать вечерние уроки в Академии изящных искусств Филадельфии, там познакомился с Робертом Генри, который и убедил его обратиться к живописи.

Тяжелая история его семейной жизни (алкоголизм и психическая нестабильность жены, бывшей проститутки, с которой он познакомился в борделе), мешала его творчеству, и хотя он написал почти 60 картин к 1903 году, но все еще не имел имени в мире искусства и мало продавал своих работ. Переехав в Нью-Йорк, он подрабатывал в журналах, рисовал политические карикатуры, иллюстрировал книги, участвовал в выставке в галерее Макбет и организовал после нее передвижную выставку, к нему пришел, наконец, успех.

Всю последующую жизнь Слоан был верен социалистическим идеям, что безусловно отражалось и в его творчестве, но он категорически возражал против высказываний критиков о сознательной социальной направленности своей живописи.

В конце 20-х Слоан изменил не только технику, но и сюжеты своих картин в пользу ню и портретов, часто используя подмалевку и штриховку, и никогда уже не достигал той популярности, которую имели его ранние работы.

Уильям Дж.Глаккенс (1870-1938), также один из основателей «Школы мусорного ведра», родился в Филадельфии, где жили многие поколения его семьи. Его брат и сестра тоже стали художниками. Сам Уильям, проявив еще в школе художественные способности, работал после окончания университета художником в газетах, посещал вечерний курс в Академии изящных искусств, где познакомился с молодым Слоаном, а тот представил его Роберту Генри.

В 1895 году Глаккенс путешествует с группой художников по Европе, восхищается картинами великих «голландцев», а в Париже впервые знакомится с искусством импрессионистов, потом в течение всей жизни он не раз уезжает рисовать в Париж и на Юг Франции. После возвращения в США Глаккенс поселяется в Нью-Йорке, активно участвует в выставочной деятельности «Школы мусорного ведра» и группы «Восьми».

В его творчестве все сильнее проявляется импрессионистическое направление, его даже называют «американским Ренуаром», и в отличие от Слоана он был не «социальным летописцем», а «чистым» художником, для которого художественная форма, колорит и чувственность имели первостепенное значение. Его палитра с годами светлеет, сюжеты меняют смысл, преобладают пейзажи, пляжные сцены, а в конце жизни - натюрморты и портреты.

Его искусство не отражает социальных проблем дня, времени Великой депрессии, скорее наоборот - «его картины наполнены призраком счастья, он одержим созерцанием радости» (Лесли Кейт, "Постоянство Уильяма Глаккенса, 1966).

Джордж Бенджамин Лакс (1867-1933) родился в Уильямспорте в семье фармацевта, мать была художницей-любительницей и музыкантом.После переезда в маленький городок на юге Пенсильвании, расположенный вблизи угольных месторождений, Джордж рано увидел бедность и получил уроки сострадания от родителей, помогавших семьям шахтеров.

Трудовую жизнь он начал еще в подростковом возрасте, работая вместе с братом в водевиле, но очень рано понял, что хочет быть художником. После недолгого обучения в Академии изящных искусств он отправился в Европу, изучал разные художественные школы, стал поклонником испанской и голландской живописи (особенно Веласкеса и Франса Хальса) и техники Мане. Вернувшись в Филадельфию, Лакс работает иллюстратором в газете, знакомится с Глаккенсом, Слоаном и Шинном, участвует в интеллектуальных встречах Роберта Генри, а после переезда в Нью-Йорк и работы художником в журнале Пулитцера начинает больше времени уделять живописи.

Он участвует в деятельности «Школы мусорного ведра» и группы «Восьми», содействует дебатам о Новом реализме, много рисует, передавая жизнь иммигрантов, их этническое разнообразие, черпая материал в Нижнем Ист-Сайде и Бруклине. Кроме картин о жизни Нью-Йорка, Лакс рисует пейзажи и портреты, он считался мастером сильных цветовых и световых эффектов.

Лакс был самобытной личностью, прирожденным бунтарем, гордился тем, что окружающие считали его «плохим мальчиком» американского искусства, создавал о себе мифы, часто напивался до беспамятства, был алкоголиком, и был в конце концов найден в подъезде убитым в результате бытовой драки.

Эверетт Шинн (1876-1953), родился в Вудстауне в общине квакеров в семье фермеров.

Рано проявившиеся способности позволили ему уже в 15 лет начать серьезно изучать основы рисования, через год брать уроки в Академии изящных искусств, а в 17 лет начать работать штатным художником в газетах. В 1897 году, переехав в Нью-Йорк, молодой Шинн вскоре приобрел известность как один из талантливых реалистов, изображавших городскую жизнь, уличное насилие, несчастные случаи и пожары.

После путешествия с женой по Европе у Шинна появились новые сюжеты (театр, балет) и импрессионистические элементы в живописи. Он единственный из «Школы мусорного ведра» и группы «Восьми», у которого много работ пастелью, а также фрески не только в квартирах манхэттенской элиты, но и 18 фресок для известного бродвейского Беласко-театра. Шинн считал, что «он был случайным членом восьми», не имеющим политической позиции и приверженным светской жизни, но отразившим кусочек американской действительности начала двадцатого века в реалистическом и романтическом духе.

Существует предположение, что Эверетт Шинн послужил прообразом художника Юджина Витла в романе Т.Драйзера «Гений».

Эрнест Лоусон (1873-1939), родился в Галифаксе, приехав в США, жил сначала в Канзас-Сити, а затем в Нью-Йорке, учился в Лиге студентов-художников у Тоуктмена, познакомившего его с импрессионизмом.

Во Франции, обучаясь в Академии Жюльена, увлекся пленэрной живописью, познакомился с Сислеем и Сомерсетом Моэмом. Вернувшись в Штаты, Лоусон развивает свой собственный эстетический стиль, на грани импрессионизма и реализма, его называют «последним импрессионистом Америки».

Он много ездит по стране, пишет безлюдные пейзажи, сходится с художниками «Школы мусорного ведра» и становится членом группы «Восьми», но в отличие от них избегает драматизма в изображении городской жизни и после участия в выставке современного искусства «Армори шоу», не отказываясь от реалистических и импрессионистических тенденций, проявляет интерес к постимпрессионизму, в частности к Сезанну.

Творчество Лоусона не так известно, как других его современников, но Роберт Генри считал его «самым большим пейзажистом после Уинслоу Хоммера». Он утонул при загадочных обстоятельствах, плавая на Майами-Бич.

Джордж Уэсли Беллоуз (1882-1925), был поздним и единственным ребенком в семье дочери капитана китобойного судна. В университете штата Огайо он учился и успешно играл в бейсбол и баскетбол при условии иллюстрирования университетского ежегодника, мечтал стать профессиональным бейсболистом работал иллюстратором в журналах. В 1904 году, не закончив университет, Беллоуз переезжает в Нью-Йорк, поступает в Школу Искусств, присоединяется к художникам «Школы мусорного ведра и группе «Восьми», снимает собственную студию на Бродвее.

Участие в выставках вместе с учениками Роберта Генри и преподавание в Лиге студентов-художников приносят ему известность, хотя многие критики считали его работы «грубыми» не только по сюжетам, но и стилистически.

Продолжая темы городской жизни и спорта в своем творчестве, Беллоуз также начинает получать заказы на портреты от богатой элиты, а летом пишет морские пейзажи в штате Мэн.

Он был очень политизирован, придерживался социалистических и даже анархистских взглядов, работал иллюстратором в социалистическом журнале. В 1918 году он создал серию гравюр и картин, изображавших зверства, совершенные германскими солдатами при вторжении в Бельгию.

Беллоуз внес также значительный вклад в литографию, иллюстрировал множество книг, в том числе несколько изданий Герберта Уэллса. Он умер в возрасте 42 лет от перитонита после неудачной операции, оставив после себя жену, двух дочерей и большое количество картин и гравюр, находящихся сегодня во многих крупных американских музеях.

Следующих двух художников нельзя в полной мере отнести ни к «Школе мусорного ведра», ни к группе «Восьми», они уже скорее ближе к модернистскому направлению, они более открыты для экспериментов, их творчество можно с полным основанием считать переходным этапом к постимпрессионизму.

Артур Боуэн Дэвис (1853-1928), уже в 15 лет принял участие в передвижной выставке в своем городе, организованной членами «Школы реки Гудзон». После переезда семьи в Чикаго он учился в Академии дизайна, а переехав в Нью-Йорк, обучался в Лиге студентов-художников и работал иллюстратором в журнале.

Сложные семейные обстоятельства (неверность Дэвиса, наличие второй незаконной жены и внебрачного ребенка) накладывали отпечаток на его поведение и скрытный характер, но уже в первый год после его женитьбы картины Дэвиса стали успешно продаваться, а регулярные поездки в Европу и работы Коро и Милле помогли ему отточить свое чувство цвета и выработать свою живописную манеру.

В двадцатых годах он был признан одним из самых уважаемых и финансово успешных американских художников. Будучи членом группы «Восьми», он был главным организатором Армори-шоу, более осведомленным в современном искусстве, чем его товарищи, выступал в качестве советника многих богатых жителей Нью-Йорка при совершении покупок для своих коллекций, помогал многим молодым художником советом и деньгами.

Артур Б.Дэвис - аномальное явление в американской живописи: его собственный лирический стиль можно охарактеризовать как сдержанно-консервативный, но его вкусы и интересы были совершенно авангардными.

Морис Брэзил Прендергаст (1858-1924) и его брат-близнец родились в семье торговца фактории в Британской колонии Северной Америки. После переезда в Бостон, отец отдал способного к рисованию Мориса в обучение к коммерческому художнику, что объясняет яркость и «плоскость» его работ.

Обучение в Париже в Академии Коларосси, а потом и в Академии Жюльена, знакомство с творчеством английских и французских авангардных художников, изучение работ Ван Гога и Сера привели его фактически к постимпрессионизму. Прендергаст был одним из первых американцев, признавших Сезанна, понимавших его творчество и использовавших его выразительные методы передачи формы и цвета. Вернувшись в 1895 году в Бостон, он работает в основном в технике акварели

И монотипии, а после поездки в Италию получил известность и признание критики за свои работы, посвященные Венеции.

Он знакомится с художниками группы «восьми», участвует с ними в знаменитой выставке в Макбет-галерее в 1908 году, а Глаккенс становится его другом на всю жизнь. Семь работ, представленных им на «Армори-шоу», показали его стилистическую зрелость и окончательную приверженность постимпрессионизму, его стиль сформировался и был метко охарактеризован критиками как «гобеленоподобный» или «мозаичный.

Прендергаст всю жизнь оставался холостяком, возможно из-за природной застенчивости, слабого здоровья и сильной глухоты в поздние годы жизни.
Интересно, что и в последующие годы реалистическое направление в американской живописи не утеряло своей актуальности и получило свое отражение и развитие в постимпрессионизме, «магическом реализме» и «регионализме». Но об этом в следующий раз.
И, как всегда, слайд шоу по теме, в котором представлено гораздо больше репродукций.