Francouzský umělec dobré moderní obrazy. Současné umění: Francie

Francouzskou uměleckou školu přelomu 17. a 18. století lze nazvat přední evropskou školou, právě ve Francii v té době vznikaly umělecké styly jako rokoko, romantismus, klasicismus, realismus, impresionismus a postimpresionismus.

François Boucher, Antoine Watteau a Jean Honoré Fragonard pracovali v rokokovém stylu.

Ve stylu klasicismu pracovali Jean Baptiste Greuze, Nicolas Poussin, Jean Baptiste Chardin, Jean Dominique Ingres a další. Jacques-Louis David.

Francisco de Goya, Eugene Delacroix, Theodore Gericault a William Blake pracovali ve stylu romantismu.

Zrod realismu v malbě je nejčastěji spojován s dílem francouzského umělce Gustava Courbeta, který si v roce 1855 otevřel v Paříži vlastní podnik. osobní výstava„Pavilon realismu“, i když ještě před ním umělci barbizonské školy Theodore Rousseau, Jean-François Millet a Jules Breton pracovali realisticky. V 70. letech 19. století. realismus se dělil na dva hlavní směry – naturalismus a impresionismus.

Realistická malba se rozšířila po celém světě. The Itinerants pracovali ve stylu realismu se silnou sociální orientací v Rusku 19. století.

Ve stylu impresionismu pracovali Edgar Degas, Edouard Manet, Claude Monet, Camille Pissarro, Auguste Renoir, Georges Seurat, Alfred Sisley a další.

Postimpresionismus dal vzniknout takovým uměleckým hnutím, jako je expresionismus, symbolismus a modernismus.

Vincent Van Gogh, Paul Gauguin, Paul Cezanne a Toulouse-Lautrec pracovali v postimpresionistickém stylu.

Podívejme se blíže na impresionismus a postimpresionismus na příkladu tvorby jednotlivých mistrů Francie 19. století.

Počínaje historickými malbami a kompozičně striktními portréty se Degas v 70. letech 19. století sblížil s představiteli impresionismu a přešel k zobrazování moderního městského života - ulic, kaváren, divadelních představení.

V Degasových obrazech je dynamická, často asymetrická kompozice, precizní flexibilní kresba, nečekané úhly, aktivita interakce mezi figurou a prostorem je pečlivě promyšlena a ověřena.

Oblíbená pastelová technika umožnila Edgaru Degasovi plně prokázat svůj talent kreslíře. Bohaté tóny a „třpytivé“ tahy pastelu pomohly umělci vytvořit onu zvláštní barevnou atmosféru, onu duhovou vzdušnost, která tak odlišuje všechna jeho díla.

Edgara Degase lze označit za subtilního koloristu, jeho pastely jsou překvapivě harmonické, někdy jemné a lehké, někdy postavené na ostrých barevné kontrasty. Degasův styl byl pozoruhodný svou úžasnou svobodou, pastely aplikoval s výraznými, přerušovanými tahy, někdy nechal tón papíru prosvítajícího pastelem nebo přidal tahy v oleji nebo akvarelu. Barva v Degasových obrazech vychází z duhového záření, z tekoucího proudu duhových linií, které rodí formu.

Degasova pozdní díla se vyznačují intenzitou a bohatostí barev, které jsou doplněny efekty umělého osvětlení, zvětšenými, téměř plochými formami a stísněným prostorem, což jim dodává intenzivně dramatický ráz. V tomto

Je třeba poznamenat, že použití zelených, žlutých, okrových, růžových a červených tónů k zobrazení kůže šokovalo tehdejší veřejnost, nepřipravenou vnímat skutečnost, že stíny by měly být barevné, naplněné světlem.

V 80. letech 19. století začalo v Renoirově díle takzvané „období Ingres“. Většina slavné dílo tohoto období - "Velcí lazebníci". K sestavení kompozice začal Renoir poprvé používat skici a skici, linie kresby se staly jasnými a definovanými, barvy ztratily svůj dřívější jas a sytost, obraz jako celek začal působit střídměji a chladněji.

Na počátku 90. let 19. století došlo v Renoirově umění k novým změnám. Malířsky se objevuje iridescence barev, proto se toto období někdy nazývá „perleťové“, poté toto období ustupuje „červené“, pojmenované podle preference odstínů načervenalých a růžových barev.

Na obraze „Žlutý Kristus“ Gauguin zobrazil ukřižování na pozadí typické francouzské venkovské krajiny, trpícího Ježíše obklopují tři bretaňské rolnice. Klid ve vzduchu, klidné submisivní pózy žen, prosycené slunečním zářením žlutá Krajina se stromy v červeném podzimním listí, rolník zaneprázdněný v dálce svými záležitostmi se nemůže ubránit konfliktu s tím, co se děje na kříži. Prostředí je v ostrém kontrastu s Ježíšem, na jehož tváři se projevuje ono stádium utrpení, které hraničí s apatií, lhostejností ke všemu kolem něj. Rozpor mezi bezmeznými mukami přijatými Kristem a „nepozorovaností“ této oběti lidmi – to je hlavní téma toto dílo od Gauguina.

na břehu dvě sestry - právě plavaly a teď jsou jejich těla natažená na písku v ležérních smyslných pózách - když mluvíme o lásce, jedna vzpomínka způsobuje rozpor: „Jak? Jste žárlivý!".

V malbě bujné plnokrevné krásy tropické přírody, přírodních lidí nezkažených civilizací, Gauguin zobrazil utopický sen o pozemském ráji, o lidském životě v souladu s přírodou. Gauguinovy ​​polynéské malby připomínají panely svou dekorativní barevností, plošností a monumentalitou kompozice a obecností stylizovaného provedení.

P. Gauguin. odkud jsme přišli? Kdo jsme? Kam jdeme? 1897-1898

Obraz „Odkud jsme přišli? Kdo jsme? Kam jdeme?" Gauguin to považoval za vznešené vyvrcholení svých úvah. Podle umělcova plánu by se obraz měl číst zprava doleva: tři hlavní skupiny postav ilustrují otázky položené v názvu. Skupina žen s dítětem na pravé straně obrázku představuje začátek života; střední skupina symbolizuje každodenní existenci zralosti; v krajně levicové skupině Gauguin zobrazoval lidské stáří, blížící se smrti; modrý idol v pozadí symbolizuje onen svět. Tento obraz je vrcholem Gauguinova inovativního postimpresionistického stylu; jeho styl spojoval jasné použití barev, dekorativní barevnost a kompozici, plochost a monumentalitu obrazu s emocionální expresivitou.

Gauguinovo dílo předjímalo mnoho rysů secesního stylu, který se v tomto období objevoval a ovlivnil vývoj mistrů skupiny „Nabi“ a dalších malířů počátku 20. století.

V roce 1888 se Van Gogh přestěhoval do Arles, kde byla konečně určena jeho originalita. kreativním způsobem. Ohnivý umělecký temperament, bolestný impuls k harmonii, kráse a štěstí a zároveň strach ze sil nepřátelských člověku, jsou ztělesněny v září slunné barvy jižní krajiny („Žlutý dům“, „Údolí. Údolí La Croe“), někdy ve zlověstných obrázcích připomínajících noční můru („Cafe Terrace at Night“); dynamika barev a tahu štětce

Van Goghova tvrdá práce minulé roky doprovázené záchvaty duševní choroby, které ho zavedly do psychiatrické léčebny v Arles, poté do Saint-Rémy (1889–1890) a do Auvers-sur-Oise (1890), kde spáchal sebevraždu. Dílo posledních dvou let umělcova života je poznamenáno extatickou posedlostí, extrémně vyhroceným výrazem barevných kombinací, náhlými změnami nálad – od zběsilého zoufalství a zasmušilého vizionářství („Cesta s cypřiši a hvězdami“) až po chvějící se pocit osvícení. a mír („Krajina v Auvers po dešti“) .

V. Van Gogh. Pšeničné pole s vránami. 1890

„Wheat Field with Crows“ je obraz od Van Gogha, který umělec namaloval v červenci 1890 a je jedním z jeho nejznámějších děl. Obraz byl údajně dokončen 10. července 1890, 19 dní před jeho smrtí v Auvers-sur-Oise. Existuje verze, že Van Gogh spáchal sebevraždu v procesu malování tohoto obrazu (vyšel ven s materiálem pro malování, střelil se do oblasti srdce pistolí zakoupenou k zastrašení hejn ptáků, pak nezávisle dosáhl nemocnice, kde zemřel na ztrátu krve).

Byla to skutečná revoluce. Místo pečlivě kreslených mytologických námětů a lhostejně krásných portrétů se nyní objevují umělecké výstavy reálný život- vícebarevné, nezdobené, produkující silný dojem. Počátky nového stylu byli francouzští umělci, jejichž jména jsou dodnes uctívána po celém světě.

Zakladatelé impresionismu

Název nového hnutí, který se začal používat nejen v malířství, ale také v poezii a hudbě, měl zprvu hanlivý význam. Vytvořil jej kritik Louis Leroy, který použil název jeho obrazu „Impression. Východ slunce“ (1872) (francouzsky: Impression, soleil levan). Tito francouzští umělci, jejichž díla nebyla akad umělecká výstava v Paříži vystavovali svá díla v Salonu uprchlíků.

První výstava se konala v ateliéru fotografa Nadara na Boulevard des Capucines v dubnu až květnu 1874. Podíleli se na něm mimo jiné francouzští umělci, jejichž díla jsou považována za první příklady skutečně nové, progresivní malby. Kromě Moneta jsou to Edgar Degas (1934-1917), Camille Pissarro (1830-1903), Pierre Auguste Renoir (1841-1919), Alfred Sisley (1839-1899), Berthe Morisot (1841-1895), Frédéric Bazille (1841-1870). Zvláštní styl je uznáván pro Edouarda Maneta (1832-1883), který nikdy nevystavoval s impresionisty, ale byl s nimi v úzké interakci a vzájemný vliv. Paul Cezanne (1839-1906), účastnící se výstav, sdílel mnoho názorů svých přátel, ale pak začal hledat a našel svou vlastní cestu, kde realismus hrál mnohem menší roli. Stal se přímým předchůdcem formálních rešerší prvních avantgardních umělců 20. století.

Teoretický základ

Výstava v Salonu uprchlíků není začátkem odpočítávání v dějinách impresionismu, ale obdobím konečného formování tohoto hnutí. Francouzští impresionisté - umělci, kteří nesouhlasili s akademickými názory - vyjádřili své názory na zobrazování přírody ve prospěch na dlouhou dobu před. Krajiny Moneta, Sisley, Pissarra, Cezanna obsahovaly pokus zastavit se na okamžik, zprostředkovat letmý pocit obdivu ke světu plnému barev a světla. Díky tomu se jejich práce zdály nedokončené, nedbalé a příliš odlišné od obvyklých klasických příkladů.

Mezitím je zřejmý vliv díla takových mistrů minulosti jako Rubens, Velazquez, Goya, Delacroix na přední mistry impresionismu. Kromě preciznosti v kresbě, bohatých vztahů mezi světlem a stínem a propracovanosti barev se francouzští umělci naučili pečlivě sledovat přírodu a svobodu při výběru témat. Tréninkové období, kdy budoucí mistr odjíždí do Itálie, studuje muzejních sbírek Benátky a Florencie, kopie mistrovských děl renesance, jsem v biografii každého významného impresionisty.

Uplynulo mnoho času, než bylo každému jasné, že obrazy francouzských impresionistických umělců mají povahu skutečně realistické malby, že obvinění z nedbalosti a nepřesnosti, nerespektování perspektivy a použití nepřirozené barevné palety jsou v podstatě nesprávná. . Jejich plátna obsahují výzvu k pozornějšímu pohledu na své okolí, k rozlišování bohatosti linií a odstínů.

Claude Monet

Ne nadarmo to byl obraz Clauda Moneta, který dal jméno celému stylu. Tento umělec jako jeden z prvních ocenil hodnotu práce v plenéru s použitím barev v tubách, které umožňovaly zachytit krajinu v přirozeném světle, bez úprav v ateliéru. "Boulevard des Capucines" (1873), "Gare Saint-Lazare" (1877), " Katedrála v Rouenu na slunci“ (1894), „Lekníny“ (1915) jsou příklady svobody pohledu a inovativní malířské techniky, která byla na tehdejší dobu překvapivá.

Edgar Degas

Práci v ateliéru miloval a nesmířil se s touhou impresionistů pracovat pouze pod širým nebem. Své oblíbené modely nacházel v zákulisí divadel, v kavárnách, v dílnách a prádelnách... Mezi jeho zájmy patřil pastel, grafika, sochařství. Degas nikdy nepřikládal důležitost příslušnosti k určitému hnutí, ale vždy byl řazen k francouzským impresionistům. Umělci tohoto stylu byli Degasovi blízcí výběrem námětů, svěžestí a bohatostí palety a slavní „Tanečníci“ navždy zůstanou jedním z největší mistrovská díla impresionismus.

Styl, který se objevil v konec XIX století ve Francii je úžasný fenomén. Nejprve jména francouzských umělců, kteří našli nová silnice v umění byli oceněni posměšnými přídomky, definujícími je jako neschopné amatéry, chuligány ve vznešeném světě umění. Ale ukázalo se, že se vyhýbají jejich vlivu kreativní metoda Všechny následující generace umělců selhaly. Bez přítomnosti se neobejdou nejvýznamnější sbírky obrazů, muzejní i osobní francouzští impresionisté a jakékoli vystoupení na aukci je celosvětovou událostí.

Francouzští umělci jsou největší jména světové kultury. Navíc to byli francouzští mistři, kteří překonali všechny rekordy v cenách za umělecká díla na nejlepších aukcích. Je jen škoda, že se jejich autorům dostalo až posmrtné slávy, ale takové jsou peripetie osudu mnoha tvůrců krásy.

Umělci Francie: fenomén francouzského impresionismu

Takže nejdražšími, a tedy nejslavnějšími a nejuznávanějšími na světě, byli francouzští umělci 20. století. I ti zcela nezkušení výtvarné umění lidé znají jejich jména. Především jde o impresionistické umělce. Francie k nim byla za jejich života nepřátelská, ale po smrti se stali skutečnou národní hrdostí.

Největší umělci Francie, kteří získali celosvětové uznání, slávu a slávu v širokých kruzích, jsou Pierre Renoir, Edouard Manet, ‎Edgar Degas, Paul Cezanne, Claude Monet A Paul Gauguin. Všichni jsou představiteli nejslavnějšího a nejprodávanějšího hnutí v malířství dvacátého století – impresionismu. Netřeba dodávat, že toto hnutí vzniklo ve Francii a nejúplněji odhaluje své místo a význam v dějinách světového umění. Úžasná kombinace originální technologie a velká emocionální expresivita fascinovala a stále fascinuje znalce krásy po celém světě v impresionismu.

Umělci Francie: formování francouzské malby

Francouzští umělci ale nejsou jen o impresionismu. Stejně jako jinde v Evropě i zde malířství vzkvétalo v období renesance. Francie se samozřejmě nemůže pochlubit velikány jako Leonardo da Vinci nebo Raphael, ale přesto přispěla ke společné věci. Ale Italské vlivy byly příliš silné na to, aby vytvořily původní národní školu.

Prvním velkým francouzským umělcem, který se zcela oprostil od vnějších vlivů, byl Jacques Louis David, který je právem považován za zakladatele národní obrazové tradice. Nejznámějším umělcovým obrazem byl slavný jezdecký portrét císaře Napoleona s názvem „Napoleon v průsmyku Saint Bernard“ (1801).

Umělci Francie 19. století pracující realistickým směrem jsou samozřejmě méně slavní než impresionisté, ale přesto významně přispěli k rozvoji světového malířství. Ale 20. století bylo triumfem francouzské umění, a Paříž se proměnila v centrum múz. Slavná čtvrť francouzského hlavního města Montmartre, která poskytla útočiště desítkám chudých umělců, kteří se později stali součástí zlatého fondu dědictví lidstva, včetně jmen Renoir, Van Gogh, Toulouse-Lautrec, a Picasso A Modigliani, se stal centrem výtvarné umění a stále přitahuje davy turistů. Na Montmartru tradičně žijí také slavní současní francouzští umělci.

Na počátku 18. stol. se objevil ve Francii nový styl– rokoko.

V překladu z francouzštiny rokoko (rokaille) znamená „skořápka“. Jméno tohoto umělecký styl odhaluje to charakteristický rys– láska ke složitým tvarům, efektním liniím, připomínajícím půvabnou siluetu mušle.
Rokoko nemělo dlouhého trvání (asi do 40. let), ale jeho vliv na evropskou kulturu se ukázal být velmi silný.
V druhé polovině 18. stol. nový nárůst zájmu starověké kultury. Částečně za to mohly vykopávky Pompejí, které objevily unikátní umělecké památky. Na druhou stranu tento zájem podporovaly myšlenky francouzského osvícenství: ideál umění a společenského života spatřovali v historii a kultuře Starověké Řecko A Starověký Řím. Vznikl tak nový styl – neoklasicismus. Nebylo tomu tak ve všech zemích. Například v Itálii barokní styl existoval současně s rokokovým stylem, zatímco ve Francii se baroko příliš nerozvinulo. V Rusku se rokoko a neoklasicismus doplňovaly.
V 18. stol zákazníci ještě nehráli vedoucí role v osudu umělce: hlavním soudcem uměleckých děl se stal veřejný názor. Objevila se umělecká kritika: Denis Diderot, Jean-Jacques Rousseau a další.
Důležitá událost umělecký život Francie 18. století se staly veřejné výstavy – Salony. Od roku 1667 je každoročně pořádá Pařížská královská akademie malířství a sochařství za podpory královský dvůr. Úspěchem na Salonu bylo uznání pro malíře nebo sochaře. O účast na Salonech usilovali nejen Francouzi, a tak se Paříž postupně proměnila v celoevropské umělecké centrum.

Jean Antoine Watteau (1684-1721)

Rosalba Carriera. Portrét Antoina Watteaua (1721)
Antoine Watteau je francouzský malíř první třetiny 18. století, zakladatel rokokového stylu.
V malbě objevil sféru jemných emocí, ladících s lyrikou krajiny.
A. Watteau se narodil v provinčním městě v rodině pokrývače. Již v raná léta Projevily se jeho umělecké schopnosti a otec ho vyučil u místního malíře menšího nadání. Velmi brzy přestal být mentor pro budoucího umělce užitečný. Antoine Watteau proti vůli svého otce tajně opouští své rodné město Valenciennes a cestuje pěšky do Paříže, kde je najat v malířské dílně na mostě Notre Dame, jejíž majitel organizoval sériovou výrobu levných kopií obrazů v “ společný vkus“ pro velkoobchodní kupující. Watteau mechanicky kopíroval stejné populární obrazy a ve volném čase maloval ze života. Byl výjimečně pracovitý.

Antoine Watteau "The Capricious" (asi 1718). Státní muzeum Ermitáž(Petrohrad)
Brzy Watteau našel své první mecenáše – Pierra Mariettea a jeho syna Jeana, rytce a sběratele, majitele velké společnosti, která prodávala rytiny a obrazy. V Mariettes měl Watteau příležitost seznámit se s díly Rembrandta, Tiziana a Rubense. Prostřednictvím Marietteových se Watteau stává žákem umělce Clauda Gillota, mistra divadelní kulisy a tvůrce malé malby. „Od tohoto mistra Watteau získal pouze zálibu v grotesknosti a komiksu a také zálibu v moderních tématech, kterým se následně věnoval. A přesto musíme přiznat, že s Gillotem Watteau konečně pochopil sám sebe a že od té doby se známky talentu, který bylo třeba rozvíjet, staly jasnějšími“ (životopisec umělce Edme-François Gersin).

Antoine Watteau "Herci" Francouzská komedie"(kolem roku 1712). Státní muzeum Ermitáž (Petrohrad)
Ve 33 letech se Watteau stal nejoblíbenějším malířem v Paříži, což přispělo k jeho evropské slávě.

Antoine Watteau "Gilles" (1718-1719). Louvre (Paříž)
Tak o tomto obrazu mluví M.Yu Watteau. Němec, vedoucí výzkumník v Ruském muzeu: „Gilles nemá v dějinách umění prakticky žádné obdoby. Málokdo napsal herce vůbec. Navíc se nikdo neodvážil ukázat herce v naprosté nečinnosti. Pro Watteaua samotného to byl odvážný krok: namalovat postavu do samého středu plátna, většinu z něj vyplnit širokým hábitem, který zcela skrývá komediantovo tělo, a v hloubi ztvárnit tváře ostatních herců, s zábava a animace ostře kontrastující s téměř nehybnou tváří hrdiny... Bez gest a mimiky, symetricky a plošně vepsaný do plátna, klidně existuje v čase, jako by se pro něj navždy zastavil. Všechno, co je pomíjivé a pomíjivé, je mu cizí. Ruch za ním je v pohybech herců. Smích a radost publika je před ním. A zůstává vždy nehybný, s legrační a dojemnou výčitkou v jeho kulatých, láskyplných a inteligentních očích.“
Watteau, který už byl docela nemocný, vzal znamení pro starožitnictví„Velký panovník“ na mostě Notre Dame. Tento obchod patřil jeho příteli Gersenovi.

Antoine Watteau. Nápis Gersenova obchodu (1720-1721). Palác Charlottenburg (Berlín)
Watteau maloval znakový obraz na dvě samostatná plátna, která pak byla vložena do jediného rámu. Děj obrazu se přenáší z krajiny do interiéru. Na plátně je vyobrazen prostorný obchod, který se podle umělcova plánu otevírá přímo na pařížskou dlažbu.
V popředí vlevo služebnictvo umístí do krabice portrét nedávno zesnulého. Ludvík XIV. V horním rohu visí portrét jeho tchána, španělského krále Filipa IV., vpravo odborníci pečlivě studují obraz v oválném rámu; krajiny a zátiší zde koexistují s mytologickými výjevy.
Hlavním rysem této práce je její programová povaha. Podle Louise Aragona Watteau pod rouškou znamení představil dějiny malířství tak, jak je znal. Tento obraz se stal jakoby uměleckým testamentem autora. Antoine Watteau zemřel ve věku 36 let na tuberkulózu.

Památník Antoine Watteau v jeho rodné město Valenciennes (1884)
S vývojem rokokového stylu je spojeno i dílo Francoise Bouchera.

Francois Boucher (1703-1770)

F. Boucher - francouzský malíř, rytec, dekoratér. Jeho díla se vyznačují vytříbenými formami, lyricky něžnou barevností, graciézností, koketností, někdy až afektovaností.

Gustaf Lundberg. Portrét Francoise Bouchera
Boucher byl mistrem rytí, ilustroval knihy Ovidia, Boccaccia a Moliera. Vytvářel kulisy pro opery a divadelní hry, obrazy pro královské tapisérie; prováděl ornamentální malby sevreského porcelánu, maloval vějíře, vyráběl miniatury atd.
V malbě přešel k alegorickému a mytologické předměty, malované žánrové výjevy, pastorály (poetizace poklidného a prostého venkovského života), krajiny, portréty.

F. Boucher. Portrét Madame de Pompadour
Boucher získal titul dvorního umělce. Vyzdobil rezidence krále a paní de Pompadour, soukromá sídla v Paříži. V posledních letech byl ředitelem Královské akademie malířství a sochařství a „prvním královým malířem“.

F. Boucher. Portrét Marie Buzo, umělcovy manželky (1733)
Další obraz F. Bouchera ilustruje epizodu La Fontaineovy povídky „Poustevník“. Nedaleko se pod rouškou poustevníka usadí mladý muž, který se chystá svést krásnou, ale bázlivou vesnickou dívku. Podaří se mu přesvědčit dívčinu matku o své svatosti a ona sama vezme svou dceru k sobě, aby naslouchala jeho dobrému učení. Boucher předvádí originální interpretaci La Fontainova díla, ale hlavní místo v jeho kompozici zaujímá krajina.

F. Boucher „Krajina s poustevníkem. Bratr Luce“ (1742). Muzeum výtvarných umění. A. S. Pushkina (Moskva)

Demokratické názory na francouzské umění

Byly ztělesněny v díle „malíře třetího stavu“ Jean Baptiste Simeon Chardin a v portrétech Maurice Quentina de Latour.

Jean Baptiste Simeon Chardin (1699-1779)

Chardin. Autoportrét
Chardin se záměrně vyhýbal tématům charakteristickým pro umění své doby. Maloval především zátiší a každodenní výjevy, ale vyjadřoval v nich vlastní postřehy. Zajímal se o život lidí „třetího stavu“ (všech skupin obyvatelstva s výjimkou privilegovaných: duchovenstva a šlechty).
Činnost umělce Chardina navázala na tradice nizozemské a vlámští mistři a představoval rozkvět realismu v 18. století. I jeho zátiší mělo aspekt pro zobrazení reality. Nejvíc běžné předměty se pro něj staly zdroji kompozice pro zobrazení harmonické existence: džbány, staré hrnce, zelenina atd.

Chardin "Scat" (1728). Louvre (Paříž)
Umělec uměl dokonale zprostředkovat barevnou rozmanitost a cítil vnitřní provázanost objektů. Malými tahy přenášel odstíny barev a měl schopnost zahrnout do obrazu vliv slunečního světla.
Obracím se k žánrová malba, k běžným domácím scénám, Chardin přetvořil na plátně klidný, odměřený způsob každodenního života, blízký každému člověku. Právě obrazy jako tyto mu zajistily jedno z předních míst v historii. Francouzská malba. V roce 1728 se stal členem Pařížské akademie umění a v roce 1743 jejím poradcem; později se stal členem Rouenské akademie věd, literatury a výtvarných umění.
Zduchovnil nejobyčejnější předměty a činnosti: „Pradelna“ (1737), „Džbán oliv“ (1760), „Atributy umění“ (1766).

Chardin „Zátiší s uměleckými atributy“ (1766, Státní Ermitážní muzeum (Petrohrad). Obraz objednala Kateřina II. pro budovu Akademie umění ve výstavbě v Petrohradě
D. Diderot přirovnal svou zručnost k čarodějnictví: „Ach, Chardine, to nejsou ty bílé, červené a černé barvy, kterými natíráte svou paletu, ale samotná podstata předmětů; vezmete vzduch a světlo na špičku štětce a nanesete je na plátno!”

Chardin" Bublina"(1733-1734). národní galerie umění, Washington (USA)
Svérázné spojení „galantní“ malby a každodenní žánr odlišuje dílo Jean Honore Fragonarda.

Jean Honoré Fragonard (1732-1806)

Francouzský malíř a rytec. Pracoval v rokokovém stylu. Autor více než 550 obrazů (nepočítaje kresby a rytiny).

J.O. Fragonard. Autoportrét (asi 1760–1770)
Byl žákem F. Bouchera a J.B.S. Chardin. Zpočátku zájem o historická malba, a pak začal psát v duchu Watteaua a Bouchera. Často má scény intimní život, erotický obsah, dekorativní panely, portréty, miniatury, akvarely, pastely. Věnoval se také leptání, rytí.
Ale v éře klasicismu ztratil na popularitě.

J.O. Fragonard "Latch" (1777). Louvre (Paříž)
Obraz zobrazuje milostnou scénu: gentleman, aniž by spustil oči z dámy, pravá ruka sáhne ke dveřím, kde zavře horní závoru. Zdá se, že levá ruka dámy tento pohyb opakuje. Na stole leží jablko, biblický symbol pokušení a pádu.
Na historických obrazech je Fragonard málo originální. Jeho krajiny jsou docela zdobené. Ale žánrové obrazy Umělec se vyznačuje zručnou kompozicí, elegancí kresby, jemným zbarvením a jemným vkusem: „Hudební lekce“, „Pastorační“, „Koupající se“, „Spící nymfa“, „Amor sundá košili z krásy“, „Mladý Kytarista“, „Ukradený polibek“ .

J.O. Fragonard "Ukradený polibek" Ermitáž (Petrohrad)
V poloviny 18. století PROTI. Francouzské osvícenství předložilo klasické ideály jako prostředek vzdělání. V malbě se objevil sentimentální a moralizující směr, v němž vynikl umělec Jean-Baptiste Greuze.

Jean-Baptiste Greuze (1725-1805)

J.-B. Sny. Autoportrét
Grez uspěl především v žánru rodinný život se svými problémy a dramaty – zde má ve francouzském malířství málo soupeřů.

J.-B. Sny "Otcova kletba" (1777). Louvre (Paříž)
Obraz ukazuje scénu rodinné drama když syn otci oznámí, že odchází do armády, a otec ho prokleje.
Jako portrétista na tom byl také nejlépe, protože... pochopil portrétní malba jinak než jeho současníci, kteří zobrazovali muže jako Apolla a ženy jako Floru a Venuši. Jeho portréty jsou plné vnější podobnosti, plné života a pocitů.

J.-B. Sny "Portrét dívky". národní muzeum umění Ázerbájdžánu
Petrohradská Ermitáž obsahuje 11 děl Greuze.
Ve Francii v 18. stol. zvýšený zájem o přírodu a krajinomalba. Typ krajiny („architektonická fantazie“) charakteristický pro neoklasicismus vytvořil Hubert Robert.

Hubert Robert (1733-1808)

Vigée-Lebrun, Marie Elisabeth Louise. Portrét Huberta Roberta (1788) Louvre (Paříž)
francouzský krajinář; získal evropskou slávu svými velkými plátny s romantizovanými obrazy antických ruin obklopených idealizovanou přírodou. Jeho přezdívka byla „Robert z Ruins“.

Hubert Robert "Starověké ruiny" (1754-1765). Budapešť

Jacques-Louis David (1748-1825)

J.-L. Davide. Autoportrét (1794)
Francouzský malíř a učitel, významný představitel francouzského neoklasicismu v malbě. Citlivý kronikář své pohnuté doby.
Narozen do rodiny velkoobchodníkžehlička. Byl vychován převážně v rodině příbuzných. Když bylo zjištěno, že dítě umí kreslit, předpokládalo se, že se stane architektem, jako oba jeho strýcové.
David absolvoval hodiny kreslení na Akademii sv. Luke. V roce 1764 ho jeho příbuzní seznámili s Françoisem Boucherem, ale kvůli nemoci nemohl s mladíkem studovat. V roce 1766 vstoupil David na Královskou akademii malířství a sochařství a začal studovat ve Vienneově dílně. V letech 1775-1780 David studoval na Francouzské akademii v Římě, studoval antické umění a dílo renesančních mistrů.
V roce 1783 byl zvolen členem malířské akademie.
Aktivně se účastnil revolučním hnutím, byl zvolen do Národního shromáždění, připojil se k Montagnardům vedeným Maratem a Robespierrem a hlasoval pro smrt krále Ludvíka XVI. Namaloval řadu obrazů věnovaných revolucionářům: „Přísaha v tanečním sále“ (1791, nedokončeno), „Smrt Marat“ (1793). V této době také organizoval masové veřejné festivaly a vytvořil Národní muzeum v Louvru.

J.-L. David "Smrt Marat" (1793). Královská muzea výtvarné umění (Brusel)
Toto plátno je jedním z nejvíce slavné obrazy věnované Velké francouzské revoluci.
Jean Paul Marat je novinář pro radikální noviny Friend of the People, vůdce jakobínů. Když Marat onemocněl kožní chorobou, nevyšel z domu a aby zmírnil své utrpení, vykoupal se. 13. července 1793 byl ve svém bytě ubodán k smrti šlechtičnou Charlotte Cordayovou.
Nápis na dřevěném stojanu je věnováním autora: "MARATO, David." V Maratově ruce svírá kus papíru s textem: „13. července 1793, Marie Anne Charlotte Corday občanovi Maratovi. Jsem nešťastný, a proto mám právo na vaši ochranu.“ Ve skutečnosti Marat neměl čas obdržet tuto poznámku, protože... Corday ho zabil jako první.
V roce 1794 byl za své revoluční názory uvězněn.
V roce 1797 byl svědkem slavnostního vjezdu Napoleona Bonaparta do Paříže a od té doby se stal jeho horlivým podporovatelem a po nástupu k moci dvorním „prvním umělcem“. David vytváří obrazy věnované Napoleonově přechodu Alp, jeho korunovaci, ale i řadu kompozic a portrétů Napoleonových blízkých. Po Napoleonově porážce v bitvě u Waterloo v roce 1815 uprchl do Švýcarska, poté se přestěhoval do Bruselu, kde žil až do konce svého života.

J.-L. David "Bonaparte v průsmyku svatého Bernarda" (1801)
Tento Davidův obraz zahajuje éru romantismu v evropské malířství. Jde o vysoce romantizovaný jezdecký portrét generála Napoleona Bonaparta, který v květnu 1800 vedl italskou armádu průsmykem sv. Bernarda vysoko v Alpách.
Přírodní pozadí také dává obrázku romantický význam: strmé horské útesy, sníh, silný vítr a špatné počasí. Níže, když se podíváte pozorně, můžete vidět vytesaná jména tří velkých velitelů, kteří prošli touto cestou: Hannibal, Charlemagne a Bonaparte.

J.-L. David "Korunovace Napoleona" (1805-1808)
Plátno bylo vytvořeno pod dojmem Rubensova obrazu „Korunovace Marie de‘ Medici“.
Jacques-Louis David byl pohřben v Bruselu a jeho srdce bylo převezeno do Paříže a pohřbeno na hřbitově Père Lachaise.
V 18. stol Ve Francii působili historičtí malíři Jean Jouvenet, Nicolas Colombel, Pierre Subleira, portrétisté Claude Lefebvre, Nicolas Largilliere a Hyacinthe Rigaud.
V polovině 18. stol. Slavný byl rod Vanlo, zejména bratři Jean-Baptiste a Charles a další umělci.

Každá země má své hrdiny současného umění, jejichž jména jsou známá, jejichž výstavy přitahují davy fanoušků a zvědavců a jejichž díla jsou prodávána do soukromých sbírek.

V tomto článku vám představíme nejpopulárnější současné umělce ve Francii.

Malika Favre

Malika Favre byla uvedena do světa výtvarného umění její matkou umělkyní - v jejich domě nebyla televize ani videohry, tyto zábavy nahradilo kreslení. Po absolvování univerzity se Favre přestěhovala do Londýna, kde dodnes žije a pracuje. Bylo to v Londýně, po čtyřech letech práce ve studiu Airside, kde našla své povolání a stala se profesionální ilustrátorkou.

Thomas Mainardis

Thomas je francouzský samouk. Jeho obrazy, jejichž styl umělec definuje jako popový expresionismus, jsou subjektivními dojmy a momenty vytrženými z moderní popkultura a plné emocí a fantazie. V současné době umělec žije a pracuje v Městečko mezi Paříží a Lille.

Nushka

Umělec Nushka žije a pracuje v Paříži a maluje přes 10 let. Studoval malbu Nushka v Detroitu s americký umělec Zawacki, který ji naučil základy kreslení, a Maggie Siner, která ji seznámila s mechanikou květin. Studovala také u umělce Hashpy. Díky tak bohatému základu spojuje umělcova malba technickou zručnost a styl s moderními tématy.

Laurent Botella

Laurent studoval malbu v dílně Maithe Rovino v Ossonu a v umělecká škola Beaux Arts v Toulouse. Jeho obrazy jsou vytvořeny impresionistickou technikou - a tato technika je pro Laurenta prvořadá: kompozice a barevné schéma jsou zaměřeny na zdůraznění dějové složky obrazu. Od roku 1991 se Laurent Botella pravidelně účastní výstav a soutěží, na kterých opakovaně získává ceny a ocenění.

Laurent Dauptain

Laurent Dauptin má magisterský titul v malbě. Námět jeho děl je neobvyklý: umělec kreslí především vlastní portréty, experimentuje s různými technikami. Laurent si čas od času zkouší i jiné žánry, ale vždy se vrací k autoportrétu. Od roku 1981 Dopten neustále vystavuje, mnohokrát se účastnil různých soutěží a za svou práci získal řadu ocenění, z nichž nejvýznamnější jsou Grand Prix Salon Peintres de l'Armee, 2003, Taylor Prize, 2001 a zlatá medaile Salon artist of France, 1997.

Michel Delacroix

Michel Delacroix se narodil v roce 1933. Jeho láska ke kreslení začala během německé okupace Paříže. Právě Paříž, která i tehdy zůstala Paříží, je hrdinou jeho obrazů - tiché, klidné město umělcova dětství. Delacroix dlouho experimentoval se styly, až se nakonec rozhodl pro směr, který se stal jeho charakteristickým znakem – „naivní“ styl malby. Delacroix opakovaně obdržel různá ocenění, včetně Grand Prix des Amateurs d'Art, Paříž 1973, Grand Prix de la Cote d'Azur, Cannes 1976, Premier Prix de Sept Collines, Řím 1976 atd. Jeho dílo lze nalézt v několika veřejných i soukromých sbírkách, včetně Národního muzea moderního umění v Paříži a mezinárodní muzeum naivní umění.

Sylvester Evrard

Francouzský umělec Sylvester Evrard žije a pracuje v Lille. Hrdiny jeho obrazů jsou v podstatě lidé. Styl a náladu umělcových obrazů lze podle jeho vlastních slov stručně charakterizovat vyjádřením Andre Malrauxe: „Umění je přítomností v životě toho, co by mělo patřit smrti.“

Patricia Perrier-Radix

Patriciina tvorba se vyznačuje lehkostí, lehkostí a dokonalostí. Umělkyně nepřestává hledat svůj styl, své znalosti neustále obohacuje studiem různé materiály, ale inklinuje k práci v akrylu a olejomalba na plátně. Její obrazy jsou překvapivě emotivní – Patricia maluje postavy bez tváří, s přesností letmých gest a póz mistrně zprostředkovává sebemenší odstíny pocitů a nálad.

Henri Lamy

Současný francouzský figurativní umělec Henri Lamy se vyučil v olejomalbě, ale zjistil, že ho přitahuje bezprostřednost a spontánnost akrylu, přičemž svou práci vylepšuje ostrými, výraznými barvami. Henri své obrazy vytváří barvou stékající z nože, jejíž kapky se téměř okamžitě proplétají, spojují a zasychají. Zblízka mohou tyto akrylové malby vypadat abstraktně a ukázat své pravou tvář pouze pro diváka, který o pár kroků odešel.

Johanna Perdu

Joanna, mezi kolegy a milovníky umění známá také jako La D'Jo, získala diplom z výtvarného umění a věnovala se mu v celé jeho rozmanitosti, od malby po fotografii.Své nápady čerpá ze světa zábavy: hudba, tanec, divadlo, cirkus... a v centru jejích obrazů jsou vždy živí tvorové z tohoto magického světa. Dnes její obrazy najdete v galeriích v různých částech světa. Perduova záměrně naivní díla si získala pozornost kritiky a si vysloužili mnoho recenzí, obvykle nadšených.