Malba ve stylu art deco. Art Deco, Art Nouveau, Art Nouveau - stylové prvky, příklady - obrazy, vitráže, interiéry

před 10 měsíci Enottt Komentáře k heslu Fine art Art Deco. Regionální funkce (Francie, USA) zakázáno

Zobrazení: 2 776

Art Deco (dekorativní umění) je vlivné hnutí ve výtvarném a dekorativním umění první poloviny 20. století, které se poprvé objevilo ve Francii ve 20. letech 20. století a poté se ve 30. a 40. letech 20. století stalo mezinárodně populární, projevovalo se především v architektuře, móda a malba. Jedná se o eklektický styl, syntézu modernismu a neoklasicismu. Styl Art Deco byl také významně ovlivněn takovými uměleckými směry, jako je kubismus, konstruktivismus a futurismus.

Charakteristické rysy- přísná pravidelnost, výrazné geometrické tvary, etnické geometrické vzory, provedení v polotónech, nedostatek jasných barev v designu, zatímco barevné vzory, luxusní, šik, drahé, moderní materiály (slonovina, krokodýlí kůže, hliník, vzácné dřevo, stříbro) .

• Tvary: zjednodušené, přesto jasné a grafické. Siluety mají stupňovitější tvary, hlavní zůstává ladnost a nějaká hravost.
• Linie: energické, jasné, geometrické.
• Prvky: mnoho ozdob ve formě kudrlin, spirál, vln, cikcaků.
• Barvy: kontrastní. Prolínání jemného a pastelového s křiklavým a šťavnatým.
• Materiály: drahé, exotické, bohaté. Dřevo, kůže, bronz, mramor, keramika, sklo.
• Okna: obdélníková, používaná velký prostor ze skla. Méně často klenuté nebo s barevným sklem.
• Dveře: obklopené pilastry, štíty.

V USA, Holandsku, Francii a některých dalších zemích se Art Deco postupně vyvíjelo směrem k funkcionalismu.

Příběh

Mezinárodní výstava konaná v Paříži v roce 1925 pod oficiálním názvem „Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes“ dala vzniknout pojmu „Art Deco“. Tato výstava ukázala světu luxusní zboží vyrobené ve Francii, což dokazuje, že Paříž zůstala po první světové válce mezinárodním centrem stylu.

Mezinárodní výstava současného dekorativního a průmyslového umění

Událostí, která znamenala vrchol stylu a dala mu jméno, byla Mezinárodní výstava současného dekorativního a průmyslové umění, který se konal v Paříži od dubna do října roku 1925. Oficiálně byl organizován francouzskou vládou a pokrýval plochu 55 akrů v Paříži, vedl od Grand Palais na pravém břehu k Invalidovně na levém břehu a podél břehů Seiny. Grand Palais, nejvíce Velký sál ve městě byla zaplněna exponáty dekorativního umění ze zúčastněných zemí. Bylo zde 15 000 vystavovatelů z dvaceti různých zemí, včetně Anglie, Itálie, Španělska, Polska, Československa, Belgie, Japonska a Nového Zélandu. Sovětský svaz; Německo nebylo pozváno kvůli napětí po válce a Spojené státy, které nechápaly účel výstavy, se odmítly zúčastnit. Za sedm měsíců výstavu navštívilo šestnáct milionů lidí. Pravidla výstavy vyžadovala, aby veškerá tvorba byla současná; historické slohy nebyly povoleny. Hlavním účelem výstavy byla propagace francouzských výrobců luxusního nábytku, porcelánu, skla, kovových výrobků, textilu a dalších dekorativních výrobků. Pro další propagaci produktů měly všechny hlavní pařížské obchodní domy a významní návrháři své vlastní pavilony. Vedlejším účelem expozice měla být propagace výrobků z francouzských kolonií v Africe a Asii, včetně slonoviny a exotických dřevin.

Hôtel du Riche Collectionneur byl na výstavě oblíbenou atrakcí; představila nové designové projekty Emile-Jacquese Ruhlmanna, stejně jako Art Deco látky, koberce a obrazy Jeana Dupase. Design interiéru byl založen na stejných principech symetrie a geometrických tvarů, které jej odlišovaly od secesního stylu a jasných barev, vynikajícího řemeslného zpracování vzácných a drahých materiálů, které jej odlišovaly od přísné funkčnosti modernistického stylu. Zatímco většina pavilonů byla bohatě zdobená a plná luxusního nábytku vlastní výroby, dva pavilony - Sovětský svaz a Pavilion du Nouveau Esprit, postavené časopisem toho jména pod vedením Le Corbusiera, byly postaveny v jednoduchém stylu, jednoduché bílé stěny a bez dekorace; patřily mezi nejranější příklady modernistické architektury

Výstava dekorativního umění, demonstrující vítězství konstruktivismu, dala současně vzniknout hnutí Art Deco, které se stalo exotickou směsí kubismu a secese, jinými slovy lineární stylizace a nádherné ornamentiky. Móda turbanů a aktů stylizovaných jako „Egypt“ a „Čína“ byla složitě smíchána s rytmy geometrické planimetrie.

Samotné hnutí Art Deco existovalo již před zahájením výstavy v roce 1925 – šlo o znatelný pohyb v evropském umění 20. let. K americkým břehům se dostala až v roce 1928, kde se ve 30. letech minulého století proměnila v Streamline Moderne, amerikanizovanou odnož Art Deco, která se stala charakteristickým znakem tohoto desetiletí.

Symbol Art Deco v dekorativní aplikované umění se stala sochou z bronzu a slonoviny. Francouzští a němečtí mistři, inspirováni Ďaghilevovými „ruskými ročními obdobími“, uměním Egypta a Východu, stejně jako technologickými výdobytky „strojového věku“, vytvořili jedinečný styl drobného plastického umění 20. – 30. let 20. století, který pozvedl stav dekorativní plastiky na úroveň „ vysoké umění" Za klasické představitele art deco v sochařství jsou považováni Dmitry Chiparus, Claire Jean Robert Colinet, Paul Philippe (Francie), Ferdinand Preiss, Otto Poertzel (Německo), Bruno Zack, J. Lorenzl (Rakousko).

Vznik Art Deco úzce souvisel s rostoucím postavením dekorativních umělců, kteří před konec XIX století byli považováni pouze za řemeslníky. Termín "dekorativní dekorace" byl vynalezen v roce 1875 pro návrháře nábytku, textilu a jiných dekorací. V roce 1901 bylo vytvořeno Společenství dekorativních umělců (Society of Decorative Artists) neboli SAD a dekorativní umělci získali stejná autorská práva jako malíři a sochaři. Podobné hnutí se vyvinulo v Itálii. V roce 1902 se v Turíně konala první mezinárodní výstava věnovaná výhradně dekorativnímu umění, Esposizione international d'Arte.

V Paříži bylo založeno několik nových časopisů věnovaných dekorativnímu umění, včetně Art and Decoration a L'Art décoratif moderne. Sekce dekorativního umění byly prezentovány na výročních salonech Sociéte des artistes français a později na Salon d'automne. Francouzský nacionalismus také hrál roli v oživení dekorativního umění: francouzští designéři se cítili znevýhodněni rostoucím exportem levného německého nábytku. V roce 1911 zahrada navrhla velkou novou mezinárodní výstavu dekorativního a užitého umění v roce 1912. Nebyly povoleny žádné kopie starších stylů; pouze moderní díla. Expozice byla odložena až do roku 1914 a poté kvůli válce až do roku 1925, kdy dala jméno celé rodině stylů známé jako Deco.

Ačkoli termín Art Deco vznikl v roce 1925, nebyl běžně používán, dokud se v 60. letech nezměnily postoje k této době. Mistři stylu Art Deco nebyli součástí jediné komunity. Hnutí bylo považováno za eklektické, ovlivněné několika zdroji:

• "Vídeňská secese" rané období(Vídeňské workshopy); funkční průmyslový design.
• Primitivní umění Afriky, Egypta a středoamerických indiánů.
• Starověké řecké umění (archaické období) je nejméně naturalistické ze všech.
• „Ruská roční období“ od Sergeje Diaghileva v Paříži – náčrtky kostýmů a kulis od Leona Baksta.
• Fasetované, krystalické, fasetové formy kubismu a futurismu.
• Barevná paleta fauvismu.
• Přísné formy neoklasicismu: Boulet a Karl Schinkel.
• Věk jazzu.
• Rostlinné a zvířecí motivy a formy; tropická vegetace; zikkuraty; krystaly; koloristická černobílá stupnice klavírních kláves, motiv Slunce.
• Flexibilní a atletické formy sportovkyň, kterých je hodně; ostré úhly krátkých střihů pro představitele klubového života - klapky.
• Technologický pokrok „věky strojů“, jako jsou rádia a mrakodrapy.

Mistři Art Deco rádi používali materiály, jako je hliník, nerezová ocel, smalt, dřevěné vykládání, žraločí a zebří kůže. Aktivně se používaly klikaté a stupňovité formy, široké a energické zakřivené linie (oproti měkkým plynulým křivkám secese), motivy chevron a klávesy klavíru. Některé z těchto dekorativních motivů se staly všudypřítomnými, jako například klíčový vzor nalezený v návrzích dámských bot, radiátorů, přednáškových sálů Radio City a věže Chrysler Building. Interiéry kin a zaoceánských parníků, jako je Ile de France a Normandie, byly pohotově vyzdobeny v tomto stylu. Art Deco bylo luxusní a věří se, že tento luxus byl psychologickou reakcí na asketismus a omezení první světové války.

Francie

Pařížské obchodní domy a módní návrháři sehráli důležitou roli ve vzestupu Art Déco. Byly založeny firmy, včetně výrobce kabelek Louis Vuitton, stříbrná firma Christofle, sklářský designér René Lalique a klenotníci Louis Cartier a Boucheron, kteří začali vyvíjet výrobky v modernějších stylech. Od roku 1900 si obchodní domy najímaly dekoratéry, aby pracovali ve svých designových studiích. Výzdobu Salon d'Automne z roku 1912 zadal obchodní dům Printemps. Téhož roku Printemps vytvořil vlastní dílnu s názvem „Primavera“. Do roku 1920 Primavera zaměstnávala více než tři sta umělců. Styly se pohybovaly od aktualizované verze Ludvík XIV., Ludvík XVI. a především nábytek Ludvíka Filipa, vyrobený Louisem Süe a dílnou Primavera, až po modernější formy z dílny obchodního domu Au Louvre. Jiní designéři, včetně Émile Jacquese Ruhlmanna a Paula Foliota, odmítli použít sériovou výrobu a trvali na tom, aby každý kus byl individuálně ručně vyroben. Ve stylu raného Art Deco se vyznačovaly luxusní a exotické materiály jako eben, slonovina a hedvábí, velmi světlé barvy a stylizované motivy, zejména koše a kytice květin všech barev, dodávající modernistický vzhled.

Živé barvy Art Deco pocházely z mnoha zdrojů, včetně exotických inscenací Léona Baksta pro Ballets Russes, které způsobily v Paříži senzaci těsně před první světovou válkou. Některé barvy byly inspirovány dřívějším fauvistickým hnutím vedeným Henri Matissem; jiní od orfistů jako Sonia Delaunay; jiní hnutím známým jako Nabi a v díle symbolistického umělce Odilona Redona, který navrhl krbové zástěny a další dekorativní předměty. Zářivé barvy byly rysem tvorby módního návrháře Paula Poireta, jehož tvorba ovlivnila jak design, tak interiérový design ve stylu Art Deco.

Paříž zůstala centrem stylu Art Deco. V nábytku jej ztělesnil Jacques-Émile Ruhlmann, nejslavnější návrhář nábytku té doby a možná poslední z klasických pařížských ébéniste (skříňářů). Dále typická díla Jean-Jacquese Rateau, výrobky firmy „Süe et Mare“, paravány Eileen Gray, kované kovové výrobky Edgara Brandta, kov a smalt Švýcar židovského původu Jean Dunant, sklo skvělého Reného Lalique a Maurice Marino, stejně jako hodinky a šperky Cartier.

V roce 1925 koexistovaly v Art Deco dvě různé konkurenční školy: tradicionalisté, kteří založili Společnost dekorativních umělců; včetně návrháře nábytku Emile-Jacquese Ruhlmanna, Jeana Dunarda, sochaře Antoina Bourdella a designéra Paula Poireta; spojili se moderní formy s tradičním řemeslem a drahými materiály. Na druhé straně stáli modernisté, kteří stále více odmítali minulost a chtěli styl založený na pokroku v nových technologiích, jednoduchosti, nedostatku dekorací, levných materiálech a hromadné výrobě.

V roce 1929 modernisté založili vlastní organizaci Francouzskou unii současných umělců". Jeho členy byli architekti Pierre Charaud, Francis Jourdain, Robert Mallett-Stevens, Corbusier a v Sovětském svazu Konstantin Melnikov; Irská návrhářka Eileen Gray a francouzská návrhářka Sonia Delaunay, klenotníci Jean Fouquet a Jean Puyforcat. Vehementně útočili na tradiční styl Art Deco, který byl podle nich vytvořen pouze pro bohaté, a trvali na tom, že dobře postavené budovy by měly být přístupné všem a forma by měla fungovat. Krása objektu nebo budovy spočívala v tom, zda byly dokonalé pro svou funkci. Moderní průmyslové metody znamenaly, že nábytek a budovy mohly být vyráběny hromadně, spíše než ručně.

Malování

Expozice z roku 1925 neměla jedinou sekci. Art Deco malba byla z definice dekorativní, určená k ozdobení místnosti nebo části architektury, takže jen málo umělců pracovalo výhradně v tomto stylu, ale dva umělci jsou úzce spojeni s Art Deco. Jean Dupas namaloval fresky ve stylu art deco pro pavilon v Bordeaux na výstavě dekorativního umění v Paříži v roce 1925 a také namaloval obraz nad krbem v Maison de la Collectioneur na výstavě v roce 1925, na které vystupovali Ruhlmann a další prominentní designéři ve stylu art deco. Jeho obrazy byly také zahrnuty do výzdoby francouzské zaoceánské lodi Normandie. Jeho tvorba byla čistě dekorativní, navržená jako pozadí nebo doprovod k dalším dekorativním prvkům. Další umělkyní úzce spojenou se stylem je Tamara de Lempicka. Narodila se v Polsku do aristokratické rodiny, po ruské revoluci emigrovala do Paříže. Tam se stala žačkou umělce Maurice Denise z hnutí zvaného „Nabi“ a kubisty Andre Lhoteho a z jejich stylů si vypůjčila mnoho stylů. Malovala téměř výhradně portréty v realistickém, dynamickém a barevném stylu Art Deco.

Grafika

Styl Art Deco se objevil v raných fázích grafického umění, v letech těsně před první světovou válkou.

válka. Objevil se v Paříži na plakátech a kostýmech Léona Baksta pro Ballet Russes a v katalozích módních návrhářů Paula Poireta. Ilustrace Georgese Barbiera a Georgese Lepepeho a obrázky v módním časopise La Gazette du bon ton dokonale zachytily eleganci a smyslnost tohoto stylu. Vzhled se změnil ve 20. letech 20. století; zvýrazněné módy byly spíše ležérní, sportovní a odvážné a ženské modelky typicky kouřily cigarety. V Německu byl nejznámějším umělcem plakátů této doby Ludwig Hohlwein, který vytvořil barevné a dramatické plakáty pro hudební festivaly, pivo a na sklonku kariéry za nacistickou stranu.

Během secese plakáty obvykle inzerovaly divadelní zboží nebo kabarety. Ve 20. letech 20. století se staly mimořádně populární cestovní plakáty vyrobené pro parníky a letecké společnosti. Styl se výrazně změnil ve 20. letech 20. století se zaměřením na produktovou reklamu. Obrázky se staly jednoduššími, přesnějšími, lineárnějšími, dynamičtějšími a často umístěny na jednobarevném pozadí. Ve Francii byli designéři ve stylu art deco Charles Lupo a Paul Colin, kteří se proslavili svými plakáty Americký zpěvák a tanečnice Josephine Baker, Jean Carloup navrhli plakáty pro filmy Charlieho Chaplina, mýdla a divadla; koncem 30. let emigroval do Spojených států, kde během světové války navrhoval plakáty na podporu válečné produkce. Designér Charles Gesmard se stal slavným autorem plakátů pro zpěvačku Mistinguett a pro Air France. Mezi nejznámější francouzské návrháře

Amerika. Moderně zefektivněte

Stylový směr, který se vyvíjel souběžně s Art Deco a byl mu blízký, byl „Streamline Moderne“ (název pochází z anglického streamline – „streamline“ – výraz z oblasti aerodynamiky). Streamline modern je ovlivněn průmyslovým lisováním a aerodynamickými technologiemi. V důsledku toho se v dílech tohoto stylu objevily obrysy letadel nebo revolverových kulek. Když se design prvního sériově vyráběného vozu Chrysler, Chrysler Airflow, ukázal jako populární, byly aerodynamické tvary dokonce použity pro ořezávátka, budovy a chladničky.

Tento architektonický styl hledá elegantní formy, zachovává dlouhé horizontální linie, které často kontrastují s vertikálními zakřivenými plochami, a dychtivě zavádí prvky vypůjčené z námořního průmyslu (zábradlí a okénka). Jeho vrcholu bylo dosaženo kolem roku 1937.

Tento styl jako první začlenil elektrické světlo do architektonické struktury.

Nástěnné umění

Ve Spojených státech neexistoval žádný zvláštní styl Art Deco, ačkoli obrazy byly často používány jako dekorace, zejména ve vládních budovách a kancelářských budovách. V roce 1932 vznikl Komunitní umělecký projekt, který umožňoval umělcům pracovat bez práce, protože země byla uprostřed Velké hospodářské krize. Během jednoho roku si projekt objednal přes patnáct tisíc uměleckých děl. Slavní američtí umělci byli rekrutováni Federal Art Project, aby malovali a zdobili stěny ve vládních budovách, nemocnicích, letištích, školách a univerzitách. Některé z nejvíce slavných umělců Amerika, včetně Granta Wooda, Reginalda Marshe, Georgia O'Keefe a Maxine Albro, se programu zúčastnila. Do programu se zapojil i slavný mexický umělec Diego Rivera, který zdobil stěny. Obrazy byly v různých stylech, včetně regionalismu, sociální realismus a americké malířství.

Několik obrázků bylo také vytvořeno pro mrakodrapy ve stylu Art Deco, zejména Rockefeller Center v

New York. Pro foyer byly objednány dva obrázky od Johna Stewarta Curryho a Diega Rivery. Majitelé budovy, rodina Rockefellerů, zjistili, že komunista Rivera umístil obraz Lenina do davového obrazu a zničil ho. Obraz byl nahrazen dílem jiného španělského umělce Josého Maria Serta.

Grafika

Styl Art Deco se objevil v raných fázích grafického umění, v letech těsně před první světovou válkou. Objevil se v Paříži na plakátech a kostýmech Léona Baksta pro Ballet Russes a v katalozích módních návrhářů Paula Poireta. Ilustrace Georgese Barbiera a Georgese Lepepe a obrázky v módním časopise La Gazette du bon ton dokonale odrážejí eleganci a smyslnost tohoto stylu. Vzhled se změnil ve 20. letech 20. století; zvýrazněné módy byly spíše ležérní, sportovní a odvážné a ženské modelky typicky kouřily cigarety. Americké módní časopisy jako Vogue, Vanity Fair a Harper's Bazaar se rychle zvedly nový styl a popularizoval ji ve Spojených státech. To také ovlivnilo práci amerických knižních ilustrátorů, jako je Rockwell Kent.

Ve 30. letech 20. století ve Spojených státech během Velké hospodářské krize nový žánr plakáty. Umělecký projekt federální agentury najat američtí umělci vytvářet plakáty pro rozvoj cestovního ruchu a kulturních akcí.

Styl vyblednutí

Art Deco tiše odeznělo s nárůstem masové výroby, kdy bylo vnímáno jako křiklavé, nevkusné a falešně luxusní. Deprivace druhé světové války přinesly tomuto stylu definitivní konec. V koloniálních zemích, jako je Indie, se Art Deco stalo branou k modernismu a vymizelo až v 60. letech 20. století. Oživení zájmu o Art Deco v 80. letech bylo spojeno s grafickým designem a spojení Art Deco s filmem noir a glamour 30. let vedlo k jeho znovuobjevení ve šperkařství a módě.

Pevue: Část "Kalifornie", Maxine Albro, interiér Coit Tower v San Franciscu (1934)

V kontaktu s

Art Deco je hnutí eklektického umění, které vzniklo ve Francii na počátku 20. let 20. století. Dominoval v módním návrhářství, architektuře, užitém umění a interiérovém designu. Ve 30. a 40. letech se art deco stalo populárním po celém světě.

Příběh

Směr se objevil na počátku 20. století - v období 1907 - 1915. V této době jsou první práce zn charakteristické vlastnosti styl. Někteří badatelé poznamenávají, že díla této doby jsou prvními pokusy umělců vytvořit plátna v eklektickém stylu.

Termín se objevil po Mezinárodní výstavě v Paříži v roce 1925. Výstava představovala luxusní zboží. Účelem výstavy je ukázat přední místo Paříže ve světě módy a stylu. Do roku 1928 byl směr majetkem pouze Evropy, na počátku 30. let se objevila americká verze art deco, která měla své vlastní charakteristiky.

Historie gotického stylu v malířství

Charakteristický

Art Deco je umění, které odráží moderní technologie, charakterizovaný hladké linie, vytváření obrazů z geometrických tvarů, použití jasných, křiklavých barev v interiéru a výtvarném umění. Hnutí vzniklo jako reakce proti úsporným opatřením zavedeným během první světové války. Díla byla plná luxusu, jasu, excesů, v interiéru byly použity drahé materiály a další druhy kreativity (stříbro, křišťál, slonovina, nefrit). Po Velké hospodářské krizi se směr rozvinul, ale začal se soustředit na výrobu méně nákladných produktů se zaměřením na masovou výrobu. Byl použit chrom, plast, kov a další průmyslové materiály pro střední třídu. Art Deco bylo vždy spojováno s půvabem a jasem, ale vyznačuje se také funkčností a praktičností.

Od konce 40. let začalo být art deco vnímáno jako příliš barevné, náročné na válečné časy a strohost, a proto postupně vycházelo z módy. K prudkému nárůstu zájmu o art deco došlo v 60. letech 20. století – shoduje se s hnutím pop art. Další vývojovou etapou byla 80. léta, kdy vzrostl zájem o grafický design. Trend se stal módním v designu a oblečení.

Vlastnosti hyperrealismu jako stylu v malbě

Vyznačuje se výrazným zájmem o estetiku 20. let 20. století, vnímanou výhradně v souvislosti s módou a trendy tohoto období. Zvláštností stylu je, že představitelé nebyli sjednoceni do jediné komunity, skupiny nebo malířské školy. Art Deco je eklektické hnutí, které se smísilo velký počet kulturní vlivy.

Nápady

Umělci převzali klíčové myšlenky a principy práce od modernistů a neoklasicistů.

• Neoklasické ideály krásy s jejich charakteristickou přísností byly vlastní pracím mistrů nového hnutí.
• Použití jasných, intenzivních odstínů podle výzkumníků vychází z práce pařížských Fauves.
• Některé myšlenky jsou vypůjčeny z umění Aztéků a egyptské kultury, klasického starověku.
• Na rozdíl od secesního malířství nemělo Art Deco žádný filozofický základ – bylo to čistě dekorativní hnutí.
• Etnické ornamentální kompozice v obrazech umělců, v interiéru;
• „Ruská roční období“ nebo Ruský balet S. Diaghileva.

Surrealismus jako styl malby

Vývoj stylu v těžkých ekonomických a politických podmínkách, v období aktivního rozvoje vědy a techniky, se promítl do námětů obrazů. Díla umělců slouží dekorativním účelům, potěší oko a zvednou náladu. Malíři se nepokoušejí vyvíjet psychologický vliv nebo sdělovat své filozofické názory prostřednictvím obrazů. Cílem Art Deco je spojit nejlepší vlastnosti stylů a vytvořit něco nového a krásného.

Hlavní rysy stylu

Minimalismus jako styl malby

Použití nových materiálů, které byly použity v kombinaci, představilo Art Deco vědecký pokrok, růst technologií. Luxusní vzhled obrazů ve stylu art deco skvěle zapadne do interiéru bohatého bytu, výletní lodi nebo moderního kina. Styl přežil několik krizí díky praktičnosti, jednoduchosti, jasu a individualitě.

Umělci

Termín art deco se pro malbu nebo sochařství používá jen zřídka a dominuje v architektuře a designu, ale v meziválečném období představila svá díla řada umělců, provedená podle všech standardů stylu: Tamara Gorska nebo Tamara de Lempicka, malířství „Muzikant“ (1929), „Autoportrét“ v zeleném Bugatti“ (1925), francouzský umělec, tvůrce plakátů Adolphe Jean-Marie Muron, známý jako Cassandre, byl jedním z nejlepších grafiků, vyhrál Grand Prix na soutěž plakátů v Paříži.

Art Deco(z francouzského „art deco“) - stylové hnutí umění v Americe a dalších zemích západní Evropa XX století. Art Deco vyznačující se kombinací monumentální vážené formy; kombinace některých prvků stylů kubismu, moderny a expresionismu; pomocí výrazových forem „technického designu“. Dostal své jméno od Mezinárodní výstava v Paříži, věnovaný dekorativnímu umění a průmyslu. Právě ona se stala impulsem pro rozvoj a šíření tohoto stylu.

Art Deco se stal nejtajemnějším stylem dvacátého století a uchvátil každého svým jasem a exotikou.

Tento styl dobyl celý svět a dodnes zůstává zdrojem inspirace pro designéry. To je pravděpodobně důvod, proč Armani vytvořil svou nejnovější kolekci Casa v nejlepších tradicích art deco.

Dnes termín " Art Deco“ je mezinárodně uznávaným synonymem pro efektivitu, i když se zpočátku používal k definici dekorativního umění. Marie Laurencinová je jednou z nejvýraznějších představitelek tohoto stylu, která tímto způsobem pracovala. Tento termín označuje styl, který kombinuje symetrii, klasicismus a přímočarost. Je produktem různých zdrojů, na jedné straně kubismu a secese, na druhé straně starověkého umění Východu, Afriky, Egypta a amerických kontinentů.

Art Deco Jako umělecké hnutí se objevilo mezi lety 1906 a 1912 a vzkvétalo v desetiletí mezi lety 1925 a 1935. Art Deco začalo jako půvabná inovace a poté se vyvinulo do nápadného nekompromisního a jednoduchého životního stylu. Zástupci mnoha trendů v moderní dekorativní a výtvarné umění se snažili najít způsob, jak vyjádřit rychlost a tlak, díky kterému se měnily vlaky, auta, letadla existující svět. Snažili jsme se najít formy a barevná schémata, které by byly jednodušší než ty používané dříve.

S cílem získat popularitu v Hollywoodu, styl Art Deco trvalo to jen pár let. Zde získal jméno „star style“ a z obyčejného francouzského fenoménu se stal celosvětově uznávaným symbolem spektakularity. Termín " Art Deco“ označoval styl, který kombinuje symetrii, klasicismus, přímočarost a je pohodlnější definovat dekorativní kreativita během dvou světových válek.

Art Deco - styl hvězd

Art Deco umělci

Moje první přiznání Art Deco přijat v Evropě, ale jeho vliv se rychle rozšířil i do Spojených států. Právě tam jeho vášeň pro hollywoodský filmový průmysl přispěla k jeho obrovské popularitě. Greta Garbo z filmu MGM v kostýmu Maty vypadala jako art deco figurka z bronzu a výprava a kostýmy k filmu Kleopatra od Paramountu vyvolávaly přímou asociaci s výzdobou nového newyorského mrakodrapu.

Městské budovy, školy, obchody, paláce a pavilony Světové výstavy byly postaveny ve stylu, který byl současně aerodynamický, neoklasicistní, hravý, půvabný a monumentální.

Po celé zemi byla kina vyzdobena luxusními fasádami, nádhernými interiéry a jasnými neony ve stylu Art Deco. Unikátní a přístupnou podobu města zároveň tvořily: Empire State Building, neoklasicistní sochy Rockefellerova centra a klenutá věž Chrysler Building.

Art Deco, Art Nouveau, Art Nouveau - stylové prvky, příklady - obrazy, vitráže, interiéry

V tomto článku se podíváme na styl interiéru art deco, secese, moderní. Prvky stylu - malba, architektura, prvky vnitřního prostoru - nábytek, závěsy, lustry, obrazy atd.

Vídeňská secesní budova

Secesní styl [Secese, " tiffany" (po Louis Comfort Tiffany) v USA," secese" A " fin de siècle" ve Francii, " secese" v Německu, " Secesní styl"v Rakousku," moderní styl" v Anglii, " liberty styl"v Itálii, " modernismus" ve Španělsku, " Nieuwe Kunst"v Holandsku," smrkový styl" (Styl sapin) ve Švýcarsku.) se rozšířil v letech 1918-1939 ve Francii, částečně v dalších evropských zemích a USA. Architektonickým formám a malbám dominují klikaté linie, neobvyklá kombinace drahých a exotických materiálů, obrazy fantastických tvorů, tvary vln, mušle, draci a pávi, labutí krky a malátné ženy. Ve formách je zdůrazněna asymetrie. Listy, květy, kmeny a stonky, stejně jako obrysy lidského nebo zvířecího těla s jejich vlastní asymetrií, jsou vodítkem k akci a zdrojem inspirace. Styl vychází z teze, že forma je v umění důležitější než obsah. Jakýkoli velmi prozaický obsah lze podat vysoce uměleckou formou. Zdrojem této „nové formy“ byla příroda a žena. Tento styl se vyznačuje propracovaností, propracovaností, duchovností a variabilitou. Z toho vyplynula určitá sada barev - vybledlé, tlumené; převaha hladkých, složitých linií. Sada symbolů - ozdobné květiny, mořské rarity, vlny. Stylové vlastnosti secese jsou někdy srovnávány s plastickým systémem baroka, správně mezi nimi spatřují určité podobnosti v touze umělců používat vyjadřovací prostředky formy organické přírody. Secese si také hodně vzala z umění Asie.

Kopie Michaela Parkese, Gustava Klimta, Tamary Lempické, Alphonse Muchy, Vrubela, Bilibina nebo Vasnetsova, stejně jako díla současných umělců píšících v tomto stylu, stejně jako americká grafika, vypadají v takových interiérech vždy dobře, stejně jako v umění. Deco interiéry.určité téma. Mnoho umělců tohoto stylu (nebo období) bylo fascinováno orientální malbou - na obrazech stejného Gustava Klimta často vidíme postavy v čínských nebo japonských oděvech. Proto by v takových interiérech nebyla od věci čínská nebo japonská malba. Zde je pár děl, která se podle nás do interiérů v takových stylech hodí.

Art Deco (art deco)- populární hnutí v mezinárodním dekorativním umění 1925-1939. Tento styl historicky navazuje bezprostředně po secesi. Dotkl se takových oblastí umění, jako je architektura, interiérový design, Průmyslový design, módní průmysl, malba, grafika, kino. Toto hnutí do jisté míry spojovalo mnoho různých stylů a hnutí počátku 20. století, včetně neoklasicismu, konstruktivismu, kubismu, modernismu, Bauhausu, secese a futurismu. Ale v ve větší míře je moderní s nádechem neoklasicismu. Charakteristickými rysy jsou přísné vzory, etnické geometrické vzory, luxusní, šik, drahé, moderní materiály (slonovina, krokodýlí kůže nebo kůže žraloka či zebry, vzácná dřeva, stříbro). V Německu a SSSR se art deco mění ze secese na „nové impérium“.

Vrchol popularity hnutí padl v „řvoucích dvacátých letech“, ale i ve třicátých letech bylo ve Spojených státech poměrně silné. Na rozdíl od jiných směrů, jejichž původ je zakořeněn v politice nebo filozofii, mělo art deco výhradně dekorativní význam. Najednou byl styl vnímán jako reakce na Světovou výstavu z roku 1900. Po slavné výstavě několik francouzští umělci vytvořil oficiálně registrovanou organizaci La Société des artistes décorateurs (Spolek architektů a dekoratérů). Mezi jeho zakladatele patřil Hector Guimard.

Paříž ve 30. letech 19. století zůstala centrem stylu Art Deco. Ztělesnil to v nábytku Jacques-Emile Ruhlmann- nejslavnější z návrhářů nábytku té doby a možná poslední z klasických pařížských ebeniste(skříňkáři). Dále typická díla Jean-Jacquese Rateau, výrobky firmy „Süe et Mare“, paravány Eileen Gray, kované kovové výrobky Edgara Brandta, kov a smalt Švýcar židovského původu Jean Dunant, sklo skvělého Reného Lalique a Maurice Marino a hodinky a šperky Cartier.

Symbolem art deco v dekorativním a užitém umění byla socha z bronzu a slonoviny. Francouzští a němečtí mistři, částečně inspirovaní Ďagilevovými ruskými ročními obdobími, uměním Egypta a Východu, jakož i technologickými výdobytky „strojového věku“, vytvořili ve 20. a 30. letech 20. století jedinečný styl drobné plastiky, který pozvedl status dekorativního sochařství na úroveň „vysokého umění“. Za klasické představitele art deco v sochařství jsou považováni Dmitry Chiparus, Claire Jean Robert Colinet, Paul Philippe (Francie), Ferdinand Preiss, Otto Poertzel (Německo), Bruno Zack, J. Lorenzl (Rakousko).

© "WM-PAINTING"

secese(francouzská výslovnost: ​, poangličtěno na /ˈɑːrt nuːˈvoʊ/) je mezinárodní styl umění, architektury a dekorativního umění, zejména dekorativního umění, který byl nejpopulárnější v letech 1890 až 1910. Styl, reakce na akademické umění 19. století, byl inspirován přírodními formami a strukturami, zejména zakřivenými liniemi rostlin a květin.

Na anglický jazyk Používá se francouzský název „Art Nouveau“ (nové umění). Tento styl je příbuzný, ale není totožný se styly, které se objevily v mnoha evropských zemích přibližně ve stejnou dobu: v Rakousku je známý jako „sloh secese“ podle „vídeňské secese“; ve Španělsku jako "modernismus"; v Katalánsku as "modernismus"; v České republice as "secese"; v Dánsku jako "skönvirke" nebo "secese"; v Německu jako "secese", "Secese" nebo "reformní styl"; v Maďarsku jako "secessio"; v Itálii jako "Secese", "Styl svobody" nebo "style floreale"; v Norsku jako "secese"; v Polsku jako "sexy"; na Slovensku as "secesa"; v Rusku jako "moderní"; a jak ve Švédsku "jugend".

secese je obecný umělecký styl. Zahrnuje širokou škálu výtvarného a dekorativního umění, včetně architektury, malby, kresby, interiérového designu, šperků, nábytku, textilu, keramiky, skla a kovovýroby.

V roce 1910 již secese vyšla z módy. Nejprve jej nahradilo Art Deco a poté modernismus jako dominantní architektonický a dekorativní styl Evropy.

Původ

Nové umělecké hnutí mělo své kořeny v Británii, v květinových vzorech Williama Morrise a v hnutí Arts and Crafts založeném Morrisovými studenty. Mezi rané příklady tohoto stylu patří Morris's Red House (1859) a James Abbott McNeil Whistler's Peacock Room. Nové hnutí bylo také ovlivněno silný vliv Prerafaelští umělci, počítaje v to, Dante Gabriel Rossetti A Edward Burne-Jones a to platí zejména pro britské grafiky 80. let 19. století, včetně Selwyna Images, Heywooda Sumnera, Waltera Cranea, Alfreda Gilberta a především Aubreyho Beardsleyho.

Ve Francii tento styl kombinoval několik různých trendů. V architektuře ho ovlivnil teoretik architektury a historik Eugene Viollet-le-Duc, zapřisáhlý nepřítel historické architektonický styl boz-ar. Ve své knize "Entretiens sur l"architektura" 1872 napsal: „Použijte prostředky a znalosti, které nám dala naše doba, bez přechodných tradic, které dnes nejsou životaschopné, a tímto způsobem budeme moci objevit novou architekturu. Každá funkce má svůj vlastní materiál; Každý materiál má svůj vlastní tvar a ornament.“ Tato kniha ovlivnila generaci architektů, včetně Louise Sullivana, Victora Horty, Hectora Guimarda a Antoniho Gaudího.

francouzští malíři Maurice Denis , Pierre Bonnard A Edouard Vuillard hrál důležitou roli v kombinaci výtvarného umění malby s dekorativním. "Věřím, že malba by měla především zdobit," napsal Denis v roce 1891. „Výběr zápletek nebo scén není o ničem. Právě prostřednictvím vztahu tónů, malovaných ploch a harmonie linií mohu dosáhnout duše a probudit emoce.“ Všichni tito umělci vytvořili tradiční i dekorativní malby na plátnech, skle a dalších materiálech.

Dalším důležitým vlivem na nový styl byl Japonisme: vlna zájmu o japonské dřevotisky, zejména díla Hiroshige, Hokusai a Utagawa Kunisada, která byla do Evropy dovezena od 70. let 19. století. Podnikavý Siegfried Bing založil v roce 1888 měsíčník Le Japon artistique a před uzavřením v roce 1891 vydal třicet šest čísel. Ovlivnil sběratele i umělce, včetně Gustava Klimta. Stylizované prvky japonských tisků se objevily v secesní grafice, porcelánu, špercích a nábytku.

Nové technologie v tisku a publikování umožnily secesi rychle oslovit celosvětové publikum. Umělecké časopisy, ilustrované fotografiemi a barevnými litografiemi, sehrály důležitou roli v popularizaci nového stylu. Studio v Anglii, Arts et idèes a Art et décoration ve Francii, Jugend v Německu umožnily, aby se styl rychle rozšířil do všech koutů Evropy. Aubrey Beardsley v Anglii a Eugene Grasset, Henri de Toulouse-Lautrec A Felix Vallotton dostal mezinárodní uznání jako ilustrátoři.

Díky plakátům Jules Cheret pro tanečnici Loie Fuller v roce 1893 a Alfonse Muchy pro herečku Sarah Bernhardt se v roce 1895 plakát stal nejen reklamou, ale umělecká forma. Toulouse-Lautrec a další umělci dosáhli statusu mezinárodní celebrity.

Forma a charakter

Přestože secese s rostoucím geografickým rozšířením získala vysoce lokalizované trendy, určité obecné charakteristiky poukazují na její formu. Popis uveřejněný v časopise Pan nástěnné tapisérie „Cyclamen“ (1894) od Hermanna Obrista, popisující ji jako „nečekané silné křivky vytvořené úderem biče“, která se proslavila na počátku šíření secese. Následně se nejen samotné dílo stalo známějším jako „Bič“, ale samotný termín „bič“ je často aplikován na charakteristické křivky používané secesními umělci. Takové dekorativní "bičové" motivy, tvořené dynamickými, zvlněnými a plynulými liniemi v synkopovaném rytmu a asymetrické formě, se nacházejí v architektuře, malířství, sochařství a dalších formách secesního designu.

Počátky secese jsou v zápase umělce William Morris s objemnými kompozicemi a obrozeneckými trendy 19. století a jeho teoriemi, které pomohly vytvořit hnutí Arts and Crafts. Obálka Arthura MacCurda pro The City Churches of Wren (1883) se svými rytmickými květinovými vzory je však často považována za první realizaci secese. Přibližně ve stejné době plochá perspektiva a jasné barvy japonských dřevořezů, zejména Katsushiki Hokusai, měl silný vliv na formuli secesního stylu. Japonismus, populární v Evropě v 80. a 90. letech 19. století, měl významný vliv na mnoho umělců svými organickými formami a přitažlivostí k přírodnímu světu. Umění a design inspirované Japonskem si osvojili umělci jako Emile Galle a James Abbott McNeil Whistler a prosazovali jej také obchodníci Siegfried Bean a Arthur Lasenby Liberty ve svých obchodech v Paříži a Londýně.

V architektuře jsou hyperboly a paraboly rozšířeny v oknech, klenbách a dveřích a přecházejí v dekorativní zlomy rostlinné formy. Jako většina designových stylů se i secese snažila sladit své formy. Text nad vchodem do pařížského metra využívá prvky ze zbytku kovové konstrukce.

Secesní architektura a interiérový design se vyhýbá eklektickým obrozeneckým stylům 19. století. Přestože secesní designéři vybrali a „zmodernizovali“ některé abstraktnější prvky rokokového stylu, jako jsou plameny a textury skořápky, obhajovali také použití vysoce stylizovaných organických forem jako zdroje inspirace, čímž rozšířili „přirozenou“ rozmanitost na používání mořských řas, trav a hmyzu Dalším vlivem byly měkké míchané formy knorpelwerku ze 17. století, nejlépe zastoupené v holandském stříbře.

Vztah k moderním stylům a pohybům

Jako umělecký styl má secese podobnosti s prerafaelity a symbolismem a umělci jako Aubrey Beardsley, Alphonse Mucha, Edward Burne-Jones, Gustav Klimt a Jan Toorop, lze připsat více než jednomu z těchto stylů. Na rozdíl od symbolické malby má však secesní styl osobitý vzhled; a na rozdíl od řemeslně orientovaného hnutí Arts and Crafts umělci secese ochotně přijali nové materiály, zpracované povrchy a abstrakci v zájmu čistého designu.

secese neopustila používání strojů, jako to udělalo hnutí Arts and Crafts. Pro sochařství byly hlavními materiály sklo a tepané železo, což vedlo k sochařským prvkům i v architektuře. Keramika se také podílela na tvorbě sérií soch umělců, jako je Auguste Rodin.

Secesní architektura využívala mnoho technologických inovací z konce 19. století, zejména odhalené železo a velké, zakázkové skleněné prvky. Po vypuknutí 1. světové války se však stylizovaná povaha secesního designu, jehož výroba byla nákladná, přestala používat ve prospěch efektivnějšího, přímočarého modernismu, který byl levnější a vhodnější pro jednoduchou průmyslovou estetiku, kterou umění Deco se stalo.

Stylové trendy secese také infiltroval místní styly. Například v Dánsku byl trend jedním z aspektů skönvirke („estetické práce“), která sama o sobě více souvisí se stylem Arts and Crafts. Kromě toho umělci přejali mnoho květinových a organických motivů ze secese do stylu Młoda Polska ("Mladé Polsko") v Polsku. Młoda Polska však zahrnovala i další umělecké styly a přijala širší pohyb v umění, literatuře a životním stylu.

Art deco neuniklo vlivu dalšího významného fenoménu umění dvacátého století – abstrakcionismu. Inovace abstraktního umění jsou spojeny především se zásluhami Wassily Kandinského, který v letech 1896 až 1914 žil a tvořil v Mnichově. Postupným odstraňováním tématu ze svých obrazů umělec zajistil, aby získaly zdání úplné abstrakce.

Toto je také dílo Kazimíra Maleviče, který byl zakladatelem suprematismu, který zjednodušil obraz na superpozici jednoho bílého čtverce na druhý. Konstruktivismus jako styl měl významný vliv na západní umění. Konstruktivismus byl založen na přesvědčení, že umění má sloužit společenským účelům a že je odrazem spíše osobní než společenské zkušenosti. Konstruktivističtí umělci vytvářeli díla, která připomínala části strojů složené z geometrických tvarů a ovlivnila grafiku ve stylu art deco.

Inovace vyvíjející se v té době nemohly ovlivnit samotný styl Art Deco, který byl výsledkem jejich smíchání. I v uměleckém smyslu znatelný vliv Art Deco bylo ovlivněno kubismem, zejména jeho způsobem členění předmětů a analýzou jejich geometrických složek. Kubistická vize předmětů se objevuje v dílech Pabla Picassa a Georgese Braquea kolem let 1908-1909. Art Deco bylo hluboce ovlivněno zacházením kubistů s letadly a jejich technikou používání barev.

Talentovaný malíř a sochař, italský umělec Amadeo Modeliani ovlivnil vývoj Art Deco. Zobrazoval živé, převážně ženské formy, záměrně protahující proporce těla a rysy obličeje, což byl prototyp elegantní stylizace charakteristické pro Art Deco.

Slavný pařížský návrhář Paul Poiret, který se stal na mnoho let trendsetterem, udělal hodně pro propagaci exotického a barevného stylu Art Deco, který začal ruskými sezónami. Tvrdily modely Paula Poireta dokonalý obraz bohatá a módně oblečená moderní žena. P. Poiret změnil módu „revolučním“ způsobem: zničil korzet a silueta jeho modelů se tak stala rovnou a přirozenější. To bylo první, ještě nesmělé ve srovnání s tím, co se stane po první světové válce, ale již její zjevné osvobození. Po nošení rovných a volných tunikových šatů s jasnými ozdobnými vzory se chování ženy stalo přímějším a přirozenějším, méně roztomilým a domýšlivým. Ve známém hotelu Martin, otevřeném v roce 1911, kde pracovaly zcela nevyučené mladé dívky, které vytvářely návrhy látek, nábytku a tapet. Takový neobvyklá metoda zrodila díla plná svěžesti a živosti vnímání a nedostatek technických znalostí kompenzovali dobře vyškolení řemeslníci, kteří kresby dívek převáděli na látku a jen mírně korigovali. Studio Martin vyrábělo tapety, nástěnné panely a látky zcela pokryté obrovskými zářivými květinami. Oblíbeným tématem nastupujícího art deca se tak staly květiny (zejména růže, jiřiny, sedmikrásky, cínie), velmi dekorativní a nekonečně vzdálené přírodním (skutečným).

V malířství je mezi obrazy meziválečného období velmi obtížné odlišit čistý styl Art Deco. Většina umělců používala techniky vypůjčené od kubistů. Art Deco malba nepatřila mezi avantgardu uměleckých směrů, navíc neměl aplikovaný charakter, navržený tak, aby vyhovoval základním principům dekorace.

Obrazy polské rodačky Tamary de Lempické, jejíž tvorbě dominují módní portréty a erotické ženské akty, jsou považovány za typického představitele malby ve stylu art deco. Techniku ​​psaní De Lempické lze definovat uplatněním jejího vlastního tvrzení v době strojů, že umělkyně „nesmí zapomínat na přesnost. Obraz musí být čistý a upravený." (S. Sternow. Art Deco. Lety umělecké fantazie. Belfax, 1997).

Celkově lze sochu ve stylu Art Deco rozdělit do dvou velkých skupin: díla hromadné výroby pro domácí trh a díla „ výtvarné umění" Kvalitní sochařství a levné masové výrobky, vytvořené tehdejšími avantgardními umělci a sochaři, šly ruku v ruce – vedle plastových a keramických suvenýrů existoval mramor a bronz. V oblasti sochařství se styl Art Deco projevoval všude, od vysokého umění až po kýč.