Druh abstraktního umění. Abstraktní umění

Abstraktní umění (lat. abstractio– odstranění, rozptýlení) popř nefigurativní umění- umělecký směr, který upustil od zobrazování forem blízkých skutečnosti v malbě a sochařství. Jedním z cílů abstraktního umění je dosáhnout „harmonizace“ zobrazením určitých barevných kombinací a geometrických tvarů, vyvolávajících v divákovi pocit úplnosti a úplnosti kompozice. Prominentní postavy: Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Natalya Goncharova a Michail Larionov, Piet Mondrian.

Příběh

Abstrakce(umění ve znamení „nulových forem“, neobjektivní umění) je umělecký směr, který se zformoval v umění první poloviny 20. století a zcela opustil reprodukci forem skutečného viditelného světa. Za zakladatele abstraktního umění je považován V. Kandinskij , P. Mondrian A K. Malevič.

V. Kandinsky vytvořil svůj vlastní typ abstraktní malby, osvobozující impresionistické a „divoké“ skvrny od jakýchkoli známek objektivity. Piet Mondrian dospěl ke své neobjektivitě geometrickou stylizací přírody iniciovanou Cézannem a kubisty. Modernistická hnutí 20. století, zaměřená na abstrakci, se zcela odklánějí od tradičních principů, popírají realismus, ale zároveň zůstávají v rámci umění. Dějiny umění zažily revoluci s příchodem abstraktního umění. Ale tato revoluce nevznikla náhodou, ale zcela přirozeně a předpověděl ji Platón! Ve svém pozdním díle Philebus psal o kráse linií, povrchů a prostorových forem samy o sobě, nezávisle na jakékoli imitaci viditelných předmětů, od jakékoli mimesis. Tento druh geometrické krásy, na rozdíl od krásy přírodních „nepravidelných“ forem, není podle Platóna relativní, ale bezpodmínečný, absolutní.

20. století a moderní doba

Po 1. světové válce 1914-18 se často projevovaly tendence k abstraktnímu umění jednotlivá díla představitelé dadaismu a surrealismu; Zároveň se objevila touha najít uplatnění pro nefigurativní formy v architektuře, dekorativním umění a designu (experimenty skupiny Style a Bauhaus). Několik skupin abstraktního umění (" Konkrétní umění", 1930; "Kruh a čtverec", 1930; „Abstrakce a kreativita“, 1931), spojující umělce různé národnosti a směry, vznikly na počátku 30. let především ve Francii. Abstraktní umění se však v té době nerozšířilo a do poloviny 30. let. skupiny se rozpadly. Během druhé světové války 1939–45 vznikla v USA škola tzv. abstraktního expresionismu (malíři J. Pollock, M. Tobey atd.), která se po válce rozvinula v mnoha zemích (pod názvem tachismus či „beztvaré umění“) a za svou metodu hlásala „čistý mentální automatismus“ a subjektivní podvědomou impulzivitu kreativity, kult neočekávaných kombinací barev a textur. .

Ve druhé polovině 50. let vznikl ve Spojených státech instalační umění a pop art, který poněkud později proslavil Andyho Warhola svým nekonečným kolováním portrétů Marilyn Monroe a konzervami psího žrádla – kolážovým abstrakcionismem. Ve výtvarném umění 60. let se prosadila nejméně agresivní, statická forma abstrakce, minimalismus. Ve stejnou dobu Barnett Newman, zakladatel amerického geometrického abstraktního umění spolu s A. Liberman, A. Held A K. Nolandúspěšně se zapojil do dalšího rozvoje myšlenek holandského neoplasticismu a ruského suprematismu.

Další směr americké malby se nazývá „chromatický“ nebo „post-malířský“ abstrakcionismus. Její představitelé se do jisté míry inspirovali fauvismem a postimpresionismem. Rigidní styl, důrazně ostré obrysy díla E. Kelly, J. Jungerman, F. Stella postupně ustoupil obrazům kontemplativní melancholické povahy. V 70. - 80. letech americká malba se vrátil k obraznosti. Navíc se rozšířil tak extrémní projev jako fotorealismus. Většina historiků umění se shoduje, že 70. léta jsou okamžikem pravdy americké umění, jelikož se v tomto období konečně osvobodila od evropského vlivu a stala se čistě americkou. Navzdory návratu tradičních forem a žánrů, od portrétu k historické malbě, však abstrakcionismus nezmizel.

Obrazy a díla „nereprezentativního“ umění vznikaly jako dříve, neboť návrat k realismu v USA nepřekonal abstrakcionismus jako takový, ale jeho kanonizace, zákaz figurativního umění, který byl ztotožňován především s naším socialistickým realismem. , a proto nemohlo být ve „svobodné demokratické“ společnosti považováno za odporné, zákaz „nízkých“ žánrů, sociální funkce umění. Styl abstraktní malby zároveň získal jistou měkkost, která mu dříve chyběla - aerodynamické objemy, rozmazané kontury, bohatost polotónů, jemné barevná řešení (E. Murray, G. Stefan, L. Rivers, M. Morley, L. Chese, A. Bialobrod).

Všechny tyto trendy položily základy rozvoje moderní abstraktní umění. V kreativitě nemůže být nic zmrazené nebo konečné, protože to by pro ni byla smrt. Ale bez ohledu na to, jakou cestou se abstrakcionismus vydá, bez ohledu na to, jakými proměnami prochází, jeho podstata zůstává vždy nezměněna. Abstrakce ve výtvarném umění je nejpřístupnějším a nejušlechtilejším způsobem, jak zachytit osobní existenci, a to formou, která je nejvhodnější – jako faksimilní tisk. Zároveň je abstrakcionismus přímou realizací svobody.

Pokyny

V abstrakcionismu lze rozlišit dva jasné směry: geometrickou abstrakci, založenou především na jasně definovaných konfiguracích (Malevich, Mondrian), a lyrickou abstrakci, ve které je skladba organizována z volně aktuální formy(Kandinský). V abstraktním umění existuje také několik dalších velkých nezávislých hnutí.

Kubismus

Avantgardní hnutí ve výtvarném umění, které vzniklo na počátku 20. století a je charakteristické používáním důrazně konvenčních geometrických forem, touhou „rozdělit“ skutečné objekty na stereometrická primitiva.

regionalismus (rayismus)

Pohyb v abstraktním umění 10. let, založený na posunu světelných spekter a prostupu světla. Myšlenka vzniku forem z „průsečíku odražených paprsků různých objektů“ je charakteristická, protože to, co člověk ve skutečnosti vnímá, není samotný objekt, ale „součet paprsků pocházejících ze zdroje světla a odražených od objekt."

Neoplasticismus

Označení hnutí abstraktního umění, které existovalo v letech 1917–1928. v Holandsku a sjednocené umělce seskupené kolem časopisu „De Stijl“ („Style“). Charakteristické jsou jasné pravoúhlé tvary v architektuře a abstraktní malba v uspořádání velkých pravoúhlých rovin, malované v primárních barvách spektra.

Orfismus

Směr do Francouzská malba 10. léta 20. století. Orfisté se snažili vyjádřit dynamiku pohybu a hudebnost rytmů pomocí „pravidel“ prolínání základních barev spektra a vzájemného průniku zakřivených ploch.

Suprematismus

Hnutí v avantgardním umění založené v 10. letech 20. století. Malevich. Vyjadřovalo se v kombinacích vícebarevných rovin nejjednodušších geometrických tvarů. Kombinace pestrobarevných geometrických tvarů tvoří vyvážené asymetrické suprematistické kompozice prostoupené vnitřním pohybem.

Tachisme

Hnutí v západoevropském abstraktním umění 50.–60. let, které se nejvíce rozšířilo ve Spojených státech. Je to malba se skvrnami, které nevytvářejí obrazy reality, ale vyjadřují nevědomou aktivitu umělce. Tahy, čáry a skvrny v tachismu se aplikují na plátno rychlými pohyby ruky bez předem promyšleného plánu.

Abstraktní expresionismus

Pohyb umělců malujících rychle a na velká plátna, pomocí negeometrických tahů, velkých štětců, někdy kapání barvy na plátno k plnému odhalení emocí. Expresivní malířská metoda je zde často stejně důležitá jako malba samotná.

Abstrakce v interiéru

V Nedávno abstrakcionismus se začal přesouvat z obrazů umělců do útulného interiéru domu a výhodně jej aktualizovat. Minimalistický styl využívající jasné formy, někdy docela neobvyklé, dělá místnost neobvyklou a zajímavou. Ale je velmi snadné to přehánět s barvou. Zvažte kombinaci oranžová barva v tomto stylu interiéru.

Bílá nejlépe rozředí sytou oranžovou a jakoby ochlazuje. Díky oranžové barvě je místnost teplejší, takže trochu; nezabránit. Důraz by měl být kladen na nábytek nebo jeho design, například oranžový přehoz. V tomto případě bílé stěny přehluší jas barvy, ale zanechají místnost barevnou. V tomto případě budou obrazy stejného měřítka sloužit jako vynikající doplněk - hlavní věcí není přehánět, jinak budou problémy se spánkem.

Kombinace oranžové a modré květyškodí jakékoli místnosti, pokud se netýká dětského pokoje. Pokud zvolíte ne zářivé odstíny, budou spolu dobře ladit, dodají náladu a nebudou mít na škodu ani hyperaktivní děti.

Oranžová se hodí k zelené, vytváří efekt mandarinkového stromu a čokoládový nádech. Hnědá je barva, která se pohybuje od teplé po studenou, takže ideálně normalizuje celkovou teplotu v místnosti. Kromě toho je tato barevná kombinace vhodná do kuchyně a obývacího pokoje, kde potřebujete vytvořit atmosféru bez přetížení interiéru. Po zdobení stěn v bílých a čokoládových barvách můžete bezpečně položit oranžovou židli nebo pověsit jasný obraz s bohatou mandarinkovou barvou. Zatímco jste v takové místnosti, budete mít skvělá nálada a chuť dělat co nejvíce věcí.

Obrazy slavných abstraktních umělců

Kandinsky byl jedním z průkopníků abstraktního umění. Své hledání začal v impresionismu a teprve potom došel ke stylu abstrakcionismu. Ve své práci využil vztahu mezi barvou a formou k vytvoření estetického zážitku, který zahrnuje jak vizi, tak emoce diváka. Věřil, že úplná abstrakce poskytuje prostor pro hluboké, transcendentní vyjádření a kopírování reality do tohoto procesu pouze zasahuje.

Malování bylo pro Kandinského hluboce duchovní. Snažil se zprostředkovat hloubku lidských emocí prostřednictvím univerzálního vizuálního jazyka abstraktních tvarů a barev, který by překračoval fyzické a kulturní hranice. Viděl abstrakcionismus jako ideální vizuální mód, který dokáže vyjádřit umělcovu „vnitřní nutnost“ a zprostředkovat lidské představy a emoce. Považoval se za proroka, jehož posláním bylo sdílet tyto ideály se světem ve prospěch společnosti.

Skryté v jasných barvách a jasných černých čarách zobrazují několik kozáků s kopími, stejně jako lodě, postavy a hrad na vrcholu kopce. Jako mnoho obrazů z tohoto období si představuje apokalyptickou bitvu, která povede k věčnému míru.

Aby usnadnil vývoj neobjektivního stylu malby, jak je popsán ve svém díle O duchovnu v umění (1912), Kandinskij redukuje předměty na piktografické symboly. Odstraněním většiny odkazů na vnější svět vyjádřil Kandinsky svou vizi univerzálnějším způsobem a převedl duchovní podstatu subjektu prostřednictvím všech těchto forem do vizuálního jazyka. Mnoho z těchto symbolických postav se v jeho opakovalo a zjemňovalo pozdější práce, stává se ještě abstraktnějším.

Kazimír Malevič

Malevichovy představy o formě a významu v umění nějak vedou ke koncentraci na teorii abstraktního uměleckého stylu. Malevich pracoval s různé styly v malbě, ale nejvíce se zaměřoval na studium čistých geometrických tvarů (čtverce, trojúhelníky, kruhy) a jejich vzájemného vztahu v vizuální prostor. Díky kontaktům na Západě mohl Malevich zprostředkovat své představy o malbě přátelům umělců v Evropě a Spojených státech, a hluboce tak ovlivnit vývoj moderního umění.

"Černé náměstí" (1915)

Ikonický obraz „Černé náměstí“ poprvé ukázal Malevič na výstavě v Petrohradě v roce 1915. Tato práce ztělesňuje teoretické principy Suprematismus, který rozvinul Malevich ve své eseji „Od kubismu a futurismu k suprematismu: Nový realismus v malířství“.

Na plátně před divákem je abstraktní forma v podobě černého čtverce nakresleného na bílém pozadí - to je jediný prvek kompozice. Přestože se malba zdá jednoduchá, jsou přes černé vrstvy barvy viditelné prvky jako otisky prstů a tahy štětcem.

Pro Maleviče čtverec znamená pocity a bílá znamená prázdnotu, nicotu. Viděl černý čtverec jako božskou přítomnost, ikonu, jako by se pro něj mohl stát novým posvátným obrazem neobjektivní umění. I na výstavě byl tento obraz umístěn na místě, kde bývá v ruském domě umístěna ikona.

Piet Mondrian

Piet Mondrian, jeden ze zakladatelů nizozemského hnutí De Stijl, je uznáván pro čistotu svých abstrakcí a metodickou praxi. Prvky svých obrazů dost radikálně zjednodušil, aby ne přímo, ale obrazně znázornil to, co viděl, a vytvořil na svých plátnech jasný a univerzální estetický jazyk. Nanejvýš slavné obrazy Od 20. let 20. století Mondrian redukoval formy na čáry a obdélníky a paletu na nejjednodušší. Použití asymetrické rovnováhy se stalo zásadním ve vývoji moderního umění a jeho ikonická abstraktní díla zůstávají vlivná v designu a jsou dnes známá populární kultuře.

„Šedý strom“ je příkladem Mondrianova raného přechodu ke stylu abstrakcionismus. Trojrozměrné dřevo je redukováno na nejjednodušší linie a roviny, s použitím pouze šedé a černé.

Tento obraz je jedním z řady děl Mondriana, které byly vytvořeny realističtějším přístupem, kde jsou například stromy zastoupeny naturalisticky. Zatímco více pozdní práce se staly stále více abstraktní, například linie stromu se zmenšovaly, až se tvar stromu stal sotva patrným a druhotným vzhledem k celkové kompozici vertikálních a horizontálních linií. Zde je stále vidět Mondrianův zájem opustit strukturovanou organizaci linek. Tento krok byl významný pro Mondrianův vývoj čisté abstrakce.

Robert Delaunay

Delaunay byl jedním z nejvíce raní umělci styl abstrakcionismu. Jeho tvorba ovlivnila vývoj tohoto směru, založeného na kompozičním napětí, které bylo způsobeno opozicí barev. Rychle propadl neoimpresionistickému koloristickému vlivu a velmi úzce sledoval barevnost děl v abstraktním stylu. Barvu a světlo považoval za hlavní nástroje, kterými lze ovlivňovat realitu světa.

V roce 1910 Delaunay přispěl ke kubismu ve formě dvou sérií obrazů zobrazujících katedrály a Eiffelovu věž, které kombinovaly kubické formy, dynamický pohyb a jasné barvy. Tento nová cesta k oddělení pomohlo použití barevné harmonie tento styl z ortodoxního kubismu, dostal název orfismus, a okamžitě ovlivnil evropští umělci. Delaunayova manželka, umělkyně Sonia Turk-Delone, pokračovala v malování ve stejném stylu.

Delaunayovo hlavní dílo je věnováno Eiffelova věž- slavný symbol Francie. Jedná se o jeden z nejpůsobivějších ze série jedenácti obrazů věnovaných Eiffelově věži v letech 1909 až 1911. Je natřený jasně červenou barvou, která ho okamžitě odlišuje od šedi okolního města. Působivá velikost plátna ještě umocňuje vznešenost této budovy. Jako duch se věž tyčí nad okolními domy a metaforicky otřásá samotnými základy starých pořádků. Delaunayův obraz zprostředkovává tento pocit bezbřehého optimismu, nevinnosti a svěžesti doby, která ještě nebyla svědkem dvou světových válek.

František Kupka

František Kupka je československý umělec, který maluje ve stylu abstrakcionismus, vystudoval pražskou Akademii umění. Jako student maloval především na vlastenecká témata a psal historické kompozice. Jeho rané práce byly akademičtější, nicméně jeho styl se v průběhu let vyvíjel a nakonec přešel do abstraktního umění. I jeho raná díla napsaná velmi realisticky obsahovala mystická surrealistická témata a symboly, které pokračovaly při psaní abstrakcí. Kupka věřil, že umělec a jeho dílo se jako absolutno podílí na nepřetržité tvůrčí činnosti, jejíž povaha není omezena.

„Amorpha. Fuga ve dvou barvách“ (1907-1908)

Počínaje lety 1907-1908 začal Kupka malovat sérii portrétů dívky, která drží v ruce míč, jako by si s ním chtěla hrát nebo tančit. Vytvářel pak další a další schematické obrazy a nakonec dostal řadu zcela abstraktních kreseb. Byly vyrobeny v omezené paletě červené, modré, černé a bílé květy. V roce 1912 bylo na Salon d'Automne jedno z těchto abstraktních děl poprvé veřejně vystaveno v Paříži.

Moderní abstraktní umělci

Od počátku dvacátého století umělci, včetně Pabla Picassa, Salvadora Dalího, Kazemira Maleviče, Wassily Kandinského, experimentovali s tvary objektů a jejich vnímáním a také zpochybňovali existující kánony v umění. Připravili jsme výběr těch nejznámějších současných abstraktních umělců, kteří se rozhodli posunout hranice svého poznání a vytvořit si vlastní realitu.

Německý umělec David Schnell(David Schnell) se rád toulá místy, kde kdysi vládla příroda, ale nyní jsou navršeny lidskými stavbami – od dětská hřiště do závodů a továren. Vzpomínky na tyto procházky dávají vzniknout jeho jasným abstraktním krajinám. Tím, že dal volný průchod své fantazii a paměti spíše než fotografiím a videím, vytváří David Schnell obrazy, které připomínají počítač. virtuální realita nebo ilustrace pro sci-fi knihy.

Při vytváření svých rozsáhlých abstraktních obrazů americká umělkyně Christine Baker(Kristin Baker) čerpá inspiraci z historie umění a závodů Nascar a Formule 1. Nejprve dává své práci rozměr tím, že nanese několik vrstev akrylové barvy a přelepí siluety páskou. Christine jej poté opatrně sloupne, čímž odhalí spodní vrstvy barvy a povrch jejích obrazů bude vypadat jako mnohovrstevná vícebarevná koláž. Vlastně poslední etapa Ve své práci seškrábe všechny nepravidelnosti, takže její obrazy působí jako rentgen.

Ve svých dílech umělkyně řeckého původu z Brooklynu v New Yorku, Eleanna Anagnosová(Eleanna Anagnos) zkoumá aspekty každodenního života, které často unikají lidskému pohledu. Během jejího „dialogu s plátnem“ získávají běžné pojmy nové významy a aspekty: negativní prostor stává pozitivní a malé formy se zvětšují. Eleanna se snaží tímto způsobem vdechnout „život svým obrazům“ a snaží se probudit lidskou mysl, která se přestala ptát a byla otevřená něčemu novému.

Americký umělec, který na plátně zrodil jasné cákance a šmouhy barvy Sarah Spitlerová(Sarah Spitler) se ve své práci snaží reflektovat chaos, katastrofu, nerovnováhu a nepořádek. Tyto pojmy ji přitahují, protože jsou mimo lidskou kontrolu. Proto jejich destruktivní síla činí abstraktní díla Sarah Spitler silnými, energickými a vzrušujícími. Kromě. výsledný obraz na plátně z inkoustu, akrylových barev, grafitových tužek a emailu zdůrazňuje pomíjivost a relativitu toho, co se kolem děje.

Inspirován architekturou, umělec z Vancouveru v Kanadě, Jeff Dapner(Jeff Depner) vytváří mnohovrstevné abstraktní obrazy skládající se z geometrických tvarů. V uměleckém „chaosu“, který vytváří, hledá Jeff harmonii barvy, formy a kompozice. Každý z prvků v jeho obrazech je propojen a vede k dalšímu: „Moje díla zkoumají kompoziční strukturu [malby] prostřednictvím vztahů barev ve zvolené paletě...“. Podle umělce jsou jeho obrazy „abstraktními znaky“, které by měly diváky přenést na novou, nevědomou úroveň.

Jeden z hlavních trendů avantgardního umění. Hlavní princip abstraktní umění – odmítání napodobovat viditelnou realitu a operovat s jejími prvky v procesu tvorby díla. Místo realit okolního světa se objekt umění stává sadou nástrojů umělecká tvořivost– barva, linie, tvar. Děj je nahrazen plastickým nápadem. Role asociativního principu v uměleckém procesu mnohonásobně vzrůstá a pocity a nálady tvůrce je také možné vyjádřit v abstraktních obrazech, zbavených vnějšího obalu, které jsou schopny soustředit duchovní princip jevů a jevů. být jeho nositeli (teoretické práce V.V. Kandinského).

Náhodné prvky abstrakce lze ve světovém umění identifikovat v celém jeho vývoji, počínaje skalními malbami. Původ tohoto stylu je ale třeba hledat v malbě impresionistů, kteří se snažili rozložit barvu na jednotlivé prvky. Fauvismus tuto tendenci vědomě rozvinul, „odhalil“ barvu, zdůraznil její nezávislost a učinil ji objektem obrazu. Z fauvistů se abstrakci nejvíce přiblížili Franz Marc a Henri Matisse (jeho slova jsou příznačná: „všechno umění je abstraktní“) a francouzští kubisté (zejména Albert Gleizes a Jean Metzinger) a italští futuristé (Giacomo Balla a Gino Severini) také se pohyboval po této cestě. . Ale žádný z nich nebyl schopen ani ochoten překonat obraznou hranici. „Připouštíme však, že některé připomínky existujících forem by neměly být zcela zažehnány, alespoň v současnosti“ (A. Glaize, J. Metzinger. O kubismu. St. Petersburg, 1913. S. 14).

První abstraktní díla se objevila koncem 20. století – začátkem 10. let 20. století v Kandinského díle při práci na textu „O duchovnu v umění“ a za jeho první abstraktní malbu je považována „Obrazovka s kruhem“ (1911. NMG). Jeho úvahy se datují do této doby: „<...>správná je pouze ta forma, která<...>odpovídajícím způsobem zhmotňuje obsah. Všemožné vedlejší úvahy a mezi nimi i korespondence formy s tzv. „přírodou“, tzn. vnější povahy, jsou bezvýznamné a škodlivé, protože odvádějí pozornost od jediného úkolu formy - ztělesnění obsahu. Forma je materiálním vyjádřením abstraktního obsahu“ (Obsah a forma. 1910 // Kandinsky 2001. T. 1. S.84).

V rané fázi abstraktní umění, reprezentované Kandinským, absolutizovalo barvu. Ve studiu barev, praktickém i teoretickém, Kandinskij rozvinul teorii barev Johanna Wolfganga Goetha a položil základy pro teorii barev v malbě (mezi ruskými umělci studovali teorii barev M.V. Matyushin, G.G. Klutsis, I.V. Klyun a další) .

V Rusku v letech 1912–1915 vznikly abstraktní malířské systémy rayonismu (M.F. Larionov, 1912) a suprematismu (K.S. Malevič, 1915), které do značné míry určovaly další vývoj abstraktního umění. Sblížení s abstraktním uměním lze nalézt v kubofuturismu a alogismu. Průlomem k abstrakci byl obraz N.S. Gončarové „Prázdnota“ (1914. Treťjakovská galerie), ale toto téma nebylo nalezeno další vývoj v umělcově díle. Dalším nerealizovaným aspektem ruské abstrakce je barevná malba O.V. Rozanova (viz: Neobjektivní umění).

Ve stejných letech se vlastními cestami k obrazové abstrakci vydali Čech František Kupka, Francouzi Robert Delaunay a Jacques Villon, Nizozemec Piet Mondrian a Američané Stanton MacDonald-Wright a Morgan Russell. První abstraktní prostorové struktury byly kontrareliéfy V.E. Tatlina (1914).

Odmítnutí izomorfismu a apel na duchovní princip daly důvod spojovat abstraktní umění s teosofií, antroposofií a dokonce i s okultismem. Ale samotní umělci nevyjadřovali takové myšlenky v prvních fázích vývoje abstraktního umění.

Po první světové válce abstraktní malba postupně získala dominantní postavení v Evropě a stala se univerzální uměleckou ideologií. Jedná se o silné umělecké hnutí, které ve svých aspiracích daleko přesahuje rámec obrazových a plastických úkolů a prokazuje schopnost vytvářet estetické a filozofické systémy a řešit sociální problémy (například Malevičovo „Suprematistické město“ založené na principech života -budova). Ve 20. letech 20. století na základě jeho ideologie např výzkumných ústavů, jako Bauhaus nebo Ginkhuk. Z abstrakce vyrostl také konstruktivismus.

Ruská verze abstrakce se nazývá neobjektivní umění.

Mnoho principů a technik abstraktního umění, které se ve dvacátém století stalo klasikou, se široce používá v designu, divadelním a dekorativním umění, kině, televizi a počítačové grafice.

Pojem abstraktního umění se postupem času měnil. Až do 10. let 20. století se tento termín používal ve vztahu k malbě, kde byly formy zobrazovány zobecněně a zjednodušeně, tzn. „abstraktní“ versus detailnější či naturalistické zobrazení. V tomto smyslu byl tento termín aplikován hlavně na dekorativní umění nebo na kompozice se zploštělými formami.

Od 10. let 20. století se však pojem „abstrakt“ používá k popisu děl, kde je forma nebo kompozice zobrazena z takového úhlu, že se původní námět mění téměř k nepoznání. Nejčastěji se tímto pojmem označuje styl umění, který je založen pouze na uspořádání vizuálních prvků - tvaru, barvy, struktury, přičemž není vůbec nutné, aby měly iniciační obraz v hmotném světě.

Pojem významu v abstraktním umění (v jeho raném i pozdějším významu) je komplexní problém, o kterém se neustále diskutuje. Abstraktní formy mohou také odkazovat na nevizuální jevy, jako je láska, rychlost nebo fyzikální zákony, spojené s odvozenou entitou („esencialismus“), s imaginárním nebo jiným způsobem oddělení od detailního, podrobného a nepodstatného, ​​náhodného. Přes nedostatek reprezentativního subjektu, in abstraktní práce lze nashromáždit enormní výraz a sémanticky bohaté prvky, jako je rytmus, opakování a barevná symbolika, naznačují zapojení do konkrétních myšlenek nebo událostí mimo samotný obraz.

Literatura:

• M.Seuphor. L'Art abstrait, ses origins, ses premiers maîtres. Paříž, 1949;
• M.Brion. Abstrakt L'Art. Paříž, 1956; D.Vallier. Abstrakt L'Art. Paříž, 1967;
• R.Capon. Představujeme abstraktní malbu. Londýn, 1973;
• C.Blok. Geschichte der abstrakten Kunst. 1900–1960. Kolín nad Rýnem, 1975;
• M. Schapiro. Povaha abstraktního umění (1937) // M. Schapiro. Moderní umění. Vybrané papíry. New York, 1978;
• K novému umění: Eseje na pozadí abstraktní malby 1910–1920. Ed. M. Compton. Londýn, 1980;
• Duchovno v umění. Abstraktní malba 1890–1985. Muzeum umění okresu Los Angeles. 1986/1987;
• Text M. Tuchman; B. Altshuler. Avantgarda ve výstavě. Nové umění 20. století. New York, 1994;
• Abstrakce v Rusku. XX století. T. 1–2. Státní ruské muzeum [Katalog] Petrohrad, 2001;
• Bezúčelnost a abstrakce. So. články. Rep. vyd. G.F.Kovalenko. M., 2011;

Abstraktní malba překonává věčný protiklad mezi subjektem a objektem. V abstraktním obraze, stejně jako v obraze namalovaném realistickým stylem, musí být předmět, ze kterého abstrakcí vzniká abstrakce. Ale takový obraz ruší vzdálenost mezi předmětem kontemplace a samotným kontemplátorem.

Existuje názor, že v reálný život Neexistuje žádný subjekt nebo objekt, říkají, to vše je výplod lidské fantazie. Nepochybně lidské vnímání koná se. Člověk vidí jak nakousnuté jablko, tak řekněme křupavý stůl, ale abstraktní umělec nezobrazuje předmět, ale samotný proces vnímání předmětu. A protože ve vnímání je každý člověk, tak či onak, veden pěti vnějšími smysly, pak je abstraktní malba vnímána právě těmito vnitřními pocity.

Jak často lidé, kteří mají k umění daleko, nerozumí abstraktní malbě, považují ji za nepochopitelné klikyháky a provokaci, která vnáší do myslí neshody. Vysmívají se výtvorům autorů, kteří se nesnaží o přesné zobrazení svět.

Co je abstraktní umění?

Otevřeli nové příležitosti k vyjádření vlastních myšlenek a pocitů, opustili obvyklé techniky a přestali kopírovat realitu. Věřili, že na toto umění si člověk zvykne filozofický obrazživot. Malíři hledali nový jazyk vyjádřit emoce, které je přemohly, a našli je v barevných skvrnách a čistých liniích, které neovlivňují mysl, ale duši.

Stal se symbolem nová éra, je směr, který opustil formy co nejblíže realitě. Ne každému srozumitelná, dala podnět k rozvoji kubismu a expresionismu. Hlavní charakteristikou abstraktního umění je neobjektivita, to znamená, že na plátně nejsou rozeznatelné předměty a diváci vidí něco nepochopitelného a nepodléhajícího logice, za hranicemi obvyklého vnímání.

Nejslavnější abstraktní umělci a jejich obrazy jsou pro lidstvo neocenitelným pokladem. Plátna malovaná v tomto stylu vyjadřují harmonii tvarů, linií a barevných skvrn. Světlé kombinace mají svou myšlenku a význam, přestože se divákovi zdá, že v díle není nic jiného než efektní skvrny. V abstrakci však vše podléhá určitým vyjadřovacím pravidlům.

"Otec" nového stylu

Zakladatel unikátní styl Wassily Kandinsky je uznáván - legendární osobnost v umění 20. století. Ruský malíř svým dílem chtěl, aby se divák cítil stejně jako on. Zdá se to překvapivé, ale budoucí umělec byl inspirován k novému pohledu na svět důležitou událostí ve světě fyziky. Objev rozkladu atomu vážně ovlivnil vývoj nejslavnějšího abstraktního umělce.

„Ukazuje se, že vše lze rozložit na samostatné složky a tento pocit ve mně rezonoval jako zkáza celého světa,“ řekl Kandinsky, který byl vynikajícím zpěvákem doby změn. Tak jako fyzika objevila mikrosvět, tak malba pronikla do lidské duše.

Umělec a filozof

Slavný abstraktní umělec ve své tvorbě postupně ustupuje od detailů svých děl a experimentuje s barvou. Citlivý filozof posílá světlo do samých hlubin lidské srdce a vytváří plátna se silným emocionálním obsahem, kde jsou jeho barvy srovnávány s tóny krásné melodie. Na prvním místě v dílech autora není děj plátna, ale pocity. Sám Kandinskij považoval lidskou duši za vícestrunné piano a umělce přirovnal k ruce, která stisknutím určité klávesy (barevné kombinace) uvede do vibrací.

Mistr, který dává lidem rady, aby pochopili jejich kreativitu, hledá harmonii v chaosu. Maluje plátna, kde lze vysledovat tenké, ale jasné vlákno, které spojuje abstrakci s realitou. Například v práci "Improvizace 31" (" Námořní bitva") v barevných skvrnách můžete hádat obrázky lodí: plachetnice na plátně odolávají živlům a valícím se vlnám. Autor se tedy pokusil vyprávět o věčném boji člověka s vnějším světem.

Americký student

Slavní abstraktní umělci 20. století, kteří působili v Americe, jsou studenti Kandinského. Jeho tvorba měla obrovský vliv na expresivní abstraktní umění. Arménský emigrant Arshile Gorkij (Vozdanik Adoyan) tvořil v novém stylu. Vyvinul se zvláštní vybavení: rozložil na podlahu bílá plátna a nalil na ně barvu z kbelíků. Když to zmrzlo, mistr v ní škrábal čáry a dělal něco jako basreliéfy.

Gorkovy výtvory jsou plné zářivých barev. „Vůně meruněk na polích“ je typický obraz, kde jsou náčrtky květin, ovoce a hmyzu transformovány do jediné kompozice. Divák cítí pulsaci vycházející z díla, provedenou v jasně oranžových a sytě červených tónech.

Rotkovič a jeho neobvyklá technika

Když je řeč o nejslavnějších abstraktních umělcích, nelze nezmínit Marcuse Rothkoviche, židovského emigranta. Talentovaný žák Gorky ovlivnil publikum intenzitou a hloubkou barevných membrán: překryl dva nebo tři barevné obdélníkové prostory jeden na druhý. A jakoby toho člověka vtáhli dovnitř, aby prožil katarzi (očistu). Sám tvůrce neobvyklých maleb doporučoval prohlížet si je ve vzdálenosti alespoň 45 centimetrů. Řekl, že jeho dílo je cestou do neznámého světa, kam se divák pravděpodobně nevybere sám.

Brilantní Pollock

Na konci 40. let minulého století vynalezl jeden z nejznámějších abstraktních umělců Jackson Pollock nová technologiešplouchání barvy - kapání, které se stalo skutečnou senzací. Rozdělila svět na dva tábory: na ty, kteří uznávali autorovy obrazy jako geniální, a na ty, kteří je nazývali mazanicemi nehodnými označení umění. Tvůrce unikátních výtvorů nikdy plátna nenatahoval na plátno, ale umisťoval je na zeď nebo podlahu. Chodil kolem se sklenicí barev smíchanou s pískem, postupně se ponořil do transu a tančil. Zdá se, že omylem rozlil pestrobarevnou tekutinu, ale každý jeho pohyb byl promyšlený a smysluplný: umělec vzal v úvahu gravitační sílu a absorpci barvy plátnem. Výsledkem byl abstraktní zmatek skládající se ze skvrn různých velikostí a linií. Pollock byl přezdíván „Jack the Sprinkler“ pro svůj vynalezený styl.

Nejslavnější abstraktní umělec nedával svým dílům názvy, ale čísla, aby měl divák svobodu představivosti. "Plátno č. 5", umístěné v soukromá sbírka, na dlouhou dobu byl skryt před zraky veřejnosti. Kolem mistrovského díla, zahaleného tajemstvím, začíná rozruch a nakonec se objeví v Sotheby’s a okamžitě se stává nejdražším mistrovským dílem té doby (jeho cena je 140 milionů dolarů).

Najděte svůj vzorec pro pochopení abstraktního umění

Existuje nějaký univerzální vzorec, který umožní divákovi vnímat abstraktní umění? Možná si v tomto případě každý bude muset najít své vlastní pokyny, na základě kterých osobní zkušenost, vnitřní pocity a velká touha objevovat nepoznané. Pokud chce člověk objevit tajná poselství autorů, určitě je najde, protože je tak lákavé nahlédnout za vnější slupku a spatřit myšlenku, která je důležitou složkou abstrakcionismu.

Je těžké přeceňovat revoluci v tradičním umění, kterou vytvořili slavní abstraktní umělci a jejich obrazy. Přinutili společnost dívat se na svět novým způsobem, vidět v něm různé barvy, oceňovat neobvyklé tvary a obsah.

V minulém století se abstraktní hnutí stalo skutečným průlomem v dějinách umění, ale bylo to zcela přirozené - lidé neustále hledali nové formy, vlastnosti a nápady. Ale i v našem století vyvolává tento styl umění mnoho otázek. Co je abstraktní umění? Promluvme si o tom dále.

Abstraktní umění v malbě a umění

Ve stylu abstrakcionismus umělec používá vizuální jazyk tvarů, obrysů, linií a barev k interpretaci předmětu. To kontrastuje s tradičními uměleckými formami, které berou literárnější interpretaci předmětu – zprostředkovávají „realitu“. Abstrakcionismus jde co nejdále od klasiky výtvarné umění, co nejvíc to půjde; je objektivní svět vůbec ne jako v reálném životě.

Abstraktní umění je výzvou pro mysl pozorovatele i jeho emoce – aby mohl plně ocenit umělecké dílo, musí se pozorovatel osvobodit od potřeby porozumět tomu, co se umělec snaží říci, ale musí sám pro sebe cítit emoci odezvy. Všechny aspekty života se hodí k interpretaci prostřednictvím abstraktního umění – víra, strachy, vášně, reakce na hudbu nebo přírodu, vědecké a matematické výpočty, atd.

Toto hnutí v umění vzniklo ve 20. století spolu s kubismem, surrealismem, dadaismem a dalšími, i když přesný čas neznámý. Za hlavní představitele abstraktního uměleckého stylu v malbě jsou považováni umělci jako Wassily Kandinsky, Robert Delaunay, Kazimir Malevich, František Kupka a Piet Mondrian. O jejich kreativitě a důležitých obrazech si povíme dále.

Obrazy slavných umělců: abstraktní umění

Wassily Kandinsky

Kandinsky byl jedním z průkopníků abstraktního umění. Své hledání začal v impresionismu a teprve potom došel ke stylu abstrakcionismu. Ve své práci využil vztahu mezi barvou a formou k vytvoření estetického zážitku, který zahrnuje jak vizi, tak emoce diváka. Věřil, že úplná abstrakce poskytuje prostor pro hluboké, transcendentní vyjádření a kopírování reality do tohoto procesu pouze zasahuje.

Malování bylo pro Kandinského hluboce duchovní. Snažil se zprostředkovat hloubku lidských emocí prostřednictvím univerzálního vizuálního jazyka abstraktních tvarů a barev, který by překračoval fyzické a kulturní hranice. Viděl abstrakcionismus jako ideální vizuální mód, který dokáže vyjádřit umělcovu „vnitřní nutnost“ a zprostředkovat lidské představy a emoce. Považoval se za proroka, jehož posláním bylo sdílet tyto ideály se světem ve prospěch společnosti.

"Složení IV" (1911)

Skryté v jasných barvách a jasných černých čarách zobrazují několik kozáků s kopími, stejně jako lodě, postavy a hrad na vrcholu kopce. Jako mnoho obrazů z tohoto období si představuje apokalyptickou bitvu, která povede k věčnému míru.

Aby usnadnil vývoj neobjektivního stylu malby, jak je popsán ve svém díle O duchovnu v umění (1912), Kandinskij redukuje předměty na piktografické symboly. Odstraněním většiny odkazů na vnější svět vyjádřil Kandinsky svou vizi univerzálnějším způsobem a převedl duchovní podstatu subjektu prostřednictvím všech těchto forem do vizuálního jazyka. Mnohé z těchto symbolických postav byly v jeho pozdějších dílech opakovány a zjemněny a staly se ještě abstraktnějšími.

Kazimír Malevič

Malevichovy představy o formě a významu v umění nějak vedou ke koncentraci na teorii abstraktního uměleckého stylu. Malevich pracoval s různými styly malby, ale nejvíce se soustředil na studium čistých geometrických tvarů (čtverce, trojúhelníky, kruhy) a jejich vzájemného vztahu v obrazovém prostoru.

Díky kontaktům na Západě mohl Malevich zprostředkovat své představy o malbě přátelům umělců v Evropě a Spojených státech, a hluboce tak ovlivnit vývoj moderního umění.

"Černé náměstí" (1915)

Ikonický obraz „Černé náměstí“ poprvé ukázal Malevič na výstavě v Petrohradě v roce 1915. Tato práce ztělesňuje teoretické principy suprematismu vyvinuté Malevičem ve své eseji „Od kubismu a futurismu k suprematismu: nový realismus v malířství“.

Na plátně před divákem je abstraktní forma v podobě černého čtverce nakresleného na bílém pozadí - to je jediný prvek kompozice. Přestože se malba zdá jednoduchá, jsou přes černé vrstvy barvy viditelné prvky jako otisky prstů a tahy štětcem.

Pro Maleviče čtverec znamená pocity a bílá znamená prázdnotu, nicotu. Viděl černý čtverec jako božskou přítomnost, ikonu, jako by se mohl stát novým posvátným obrazem pro nefigurativní umění. I na výstavě byl tento obraz umístěn na místě, kde bývá v ruském domě umístěna ikona.

Piet Mondrian

Piet Mondrian, jeden ze zakladatelů nizozemského hnutí De Stijl, je uznáván pro čistotu svých abstrakcí a metodickou praxi. Prvky svých obrazů dost radikálně zjednodušil, aby ne přímo, ale obrazně znázornil to, co viděl, a vytvořil na svých plátnech jasný a univerzální estetický jazyk.

Ve svých nejslavnějších obrazech z 20. let Mondrian redukoval své formy na čáry a obdélníky a svou paletu na nejjednodušší. Použití asymetrické rovnováhy se stalo zásadním ve vývoji moderního umění a jeho ikonická abstraktní díla zůstávají vlivná v designu a jsou dnes známá populární kultuře.

"Šedý strom" (1912)

„Šedý strom“ je příkladem Mondrianova raného přechodu ke stylu abstrakcionismus. Trojrozměrné dřevo je redukováno na nejjednodušší linie a roviny, s použitím pouze šedé a černé.

Tento obraz je jedním z řady děl Mondriana, které byly vytvořeny realističtějším přístupem, kde jsou například stromy zastoupeny naturalisticky. Zatímco pozdější práce se stávaly stále abstraktnějšími, například linie stromu jsou redukovány, až je tvar stromu sotva znatelný a druhotný vzhledem k celkové kompozici vertikálních a horizontálních linií.

Zde je stále vidět Mondrianův zájem opustit strukturovanou organizaci linek. Tento krok byl významný pro Mondrianův vývoj čisté abstrakce.

Robert Delaunay

Delaunay byl jedním z prvních umělců abstraktního uměleckého stylu. Jeho tvorba ovlivnila vývoj tohoto směru, založeného na kompozičním napětí, které bylo způsobeno opozicí barev. Rychle propadl neoimpresionistickému koloristickému vlivu a velmi pečlivě sledoval barevnost děl ve stylu abstrakcionismu. Barvu a světlo považoval za hlavní nástroje, kterými lze ovlivňovat realitu světa.

V roce 1910 Delaunay přispěl ke kubismu ve formě dvou sérií obrazů zobrazujících katedrály a Eiffelovu věž, které kombinovaly kubické formy, dynamický pohyb a jasné barvy. Tento nový způsob použití barevné harmonie pomohl odlišit styl od ortodoxního kubismu, stal se známým jako orfismus, a okamžitě ovlivnil evropské umělce. Delaunayova manželka, umělkyně Sonia Turk-Delone, pokračovala v malování ve stejném stylu.

"Eiffelova věž" (1911)

Delaunayovo hlavní dílo je věnováno Eiffelově věži, slavnému symbolu Francie. Jedná se o jeden z nejpůsobivějších ze série jedenácti obrazů věnovaných Eiffelově věži v letech 1909 až 1911. Je natřený jasně červenou barvou, která ho okamžitě odlišuje od šedi okolního města. Působivá velikost plátna ještě umocňuje vznešenost této budovy. Jako duch se věž tyčí nad okolními domy a metaforicky otřásá samotnými základy starých pořádků.

Delaunayův obraz zprostředkovává tento pocit bezbřehého optimismu, nevinnosti a svěžesti doby, která ještě nebyla svědkem dvou světových válek.

František Kupka

František Kupka je československý umělec, který maluje ve stylu abstrakcionismus, vystudoval pražskou Akademii umění. Jako student maloval především na vlastenecká témata a psal historické kompozice. Jeho raná díla byla spíše akademická, nicméně jeho styl se v průběhu let vyvíjel a nakonec přešel do abstraktního umění. I jeho raná díla napsaná velmi realisticky obsahovala mystická surrealistická témata a symboly, které pokračovaly při psaní abstrakcí.

Kupka věřil, že umělec a jeho dílo se jako absolutno podílí na nepřetržité tvůrčí činnosti, jejíž povaha není omezena.

„Amorpha. Fuga ve dvou barvách“ (1907-1908)

Počínaje lety 1907-1908 začal Kupka malovat sérii portrétů dívky, která drží v ruce míč, jako by si s ním chtěla hrát nebo tančit. Vytvářel pak další a další schematické obrazy a nakonec dostal řadu zcela abstraktních kreseb. Byly vyrobeny v omezené paletě červené, modré, černé a bílé.

V roce 1912 bylo na Salon d'Automne jedno z těchto abstraktních děl poprvé veřejně vystaveno v Paříži.

Styl abstrakcionismu neztrácí svou popularitu v malbě 21. století - milovníci moderního umění nemají odpor k tomu, aby si vyzdobili svůj domov takovým mistrovským dílem, a díla v tomto stylu jdou pod kladivem na různých aukcích za pohádkové sumy.

Následující video vám pomůže dozvědět se ještě více o abstrakci v umění: