Archiv sekce "historie jednoho obrazu". Fascinující příběhy vzniku slavných obrazů „Zahrada pozemských rozkoší“, Hieronymus Bosch
Publikace v sekci Muzea
Starořímská tragédie, která se stala triumfem Karla Bryullova
23. prosince 1799 se narodil Karl Bryullov. Syn francouzského sochaře Paula Brulleaua Karl byl jedním ze sedmi dětí v rodině. Jeho bratři Pavel, Ivan a Fedor se také stali malíři a bratr Alexander architektem. Nejznámějším však byl Karl, který v roce 1833 namaloval „Poslední den Pompejí“, hlavní dílo svého života. „Kultura.RF“ si vzpomněla, jak tento obraz vznikl.
Karlem Bryullovem. Autoportrét. 1836
Historie stvoření
Obraz byl namalován v Itálii, kam v roce 1822 umělec odjel na čtyřletou cestu do důchodu z Imperiální akademie umění. Ale žil tam 13 let.
Děj vypráví o starořímské tragédii – smrti starověkého města Pompeje, ležícího na úpatí Vesuvu: 24. srpna 79 n.l. E. Erupce sopky si vyžádala životy dvou tisíc obyvatel.
V roce 1748 zahájil vojenský inženýr Rocque de Alcubierre na místě tragédie archeologické vykopávky. Objev Pompejí se stal senzací a odrazil se v kreativitě odlišní lidé. Takže v roce 1825 se objevila opera Giovanniho Paciniho a v roce 1834 - historický román Angličan Edward Bulwer-Lytton, oddaný zničení Pompejí.
Bryullov poprvé navštívil místo vykopávek v roce 1827. Osmadvacetiletý umělec při cestě do ruin netušil, že se mu tento výlet stane osudným: "Nemůžete projít těmito ruinami, aniž byste v sobě nepocítili úplně nový pocit, díky kterému zapomenete na všechno kromě strašlivého incidentu s tímto městem.", napsal umělec.
Pocity, které Karl Bryullov prožíval při vykopávkách, ho neopustily. Tak se zrodila myšlenka plátna historické téma. Při práci na pozemku malíř studoval archeologii a literární prameny. „Tuto scenérii jsem vzal ze života, aniž bych ustupoval nebo přidal, stál jsem zády k městským branám, abych viděl část Vesuvu jako hlavní důvod» . Předlohami pro postavy byli Italové – potomci dávných obyvatel Pompejí.
Na rozhraní klasicismu a romantismu
V tomto díle se Bryullov neodhaluje jako tradiční klasicista, ale jako umělec romantického hnutí. Jeho historický děj se tedy nevěnuje jednomu hrdinovi, ale tragédii celého národa. A jako zápletku si nezvolil idealizovaný obraz nebo představu, ale skutečný historický fakt.
Pravda, Bryullov staví kompozici obrazu v tradicích klasicismu – jako cyklus jednotlivých epizod uzavřených do trojúhelníku.
Na levé straně obrázku v pozadí je několik lidí na schodech velká budova hrobky Scaurus. Žena se dívá přímo na diváka s hrůzou v očích. A za ní je umělec s krabicí barev na hlavě: toto je autoportrét Bryullova, který spolu se svými postavami prožívá tragédii.
Blíže k divákovi - manželský pár s dětmi, která se snaží uniknout z lávy a v popředí žena objímá své dcery... Vedle ní křesťanský kněz, který svůj osud již svěřil Bohu a je tedy klidný. V hloubi obrazu vidíme pohanského římského kněze, který se snaží uniknout odnesením rituálních cenností. Bryullov zde naznačuje pád starověkého pohanského světa Římanů a nástup křesťanské éry.
Na pravé straně obrázku v pozadí je jezdec na koni, který se vzepjal. A blíž k divákovi je hrůzou sevřený ženich, který se snaží držet v náručí svou nevěstu (má na sobě věnec z růží), která ztratila vědomí. V popředí dva synové nesou v náručí svého starého otce. A vedle nich je mladý muž, který prosí matku, aby vstala a utekla dál od tohoto vše pohlcujícího živlu. Mimochodem, tímto mladíkem není nikdo jiný než Plinius mladší, který skutečně utekl a zanechal své vzpomínky na tragédii. Zde je úryvek z jeho dopisu Tacitovi: "Ohlížím se zpět." Zavalila nás hustá černá mlha, která se jako potok rozlévala po zemi. Všude kolem padla noc, na rozdíl od bezměsíčné nebo zatažené: taková tma se stmívá jen v zamčené místnosti se zhasnutými světly. Ozýval se ženský, dětský i mužský křik, někteří volali na rodiče, jiní na děti či manželky a snažili se je poznat podle hlasu. Někteří truchlili nad vlastní smrtí, jiní nad smrtí blízkých, někteří se ve strachu ze smrti za smrt modlili; mnozí zvedli ruce k bohům; většina vysvětlila, že nikde nejsou žádní bohové a pro svět to byla poslední věčná noc..
Na obrázku není žádná hlavní postava, ale jsou tu ústřední: zlatovlasé dítě u padlého těla své mrtvé matky ve žluté tunice - symbol pádu starého světa a zrození nového, to je protiklad života a smrti - v nejlepších tradicích romantismu.
Na tomto obrázku se Bryullov také ukázal jako inovátor, který využívá dva světelné zdroje – horké červené světlo v pozadí, zprostředkovávající pocit blížící se lávy, a studené zelenomodré v popředí, které dodává zápletce další drama.
Jasná a bohatá barva tohoto obrázku také porušuje klasické tradice a umožňuje nám mluvit o umělci jako o romantikovi.
Obraz triumfálního průvodu
Karl Bryullov pracoval na plátně šest let - od roku 1827 do roku 1833.
Obraz byl poprvé představen veřejnosti v roce 1833 na výstavě v Miláně – a okamžitě vzbudil senzaci. Umělec byl oceněn jako římský triumf a v tisku byly o obraze napsány pochvalné recenze. Bryullov byl na ulici vítán potleskem a při jeho cestách na hranicích italských knížectví nevyžadovali pas: věřilo se, že ho každý Ital zná už od vidění.
V roce 1834 byl na pařížském salonu představen Poslední den Pompejí. francouzská kritika se ukázal být zdrženlivější než ten italský. Ale profesionálové ocenili práci a dali Bryullovovi Zlatá medaile Francouzská akademie umění.
Plátno vyvolalo v Evropě senzaci a v Rusku bylo netrpělivě očekáváno. Ve stejném roce byl poslán do Petrohradu. Když Nicholas I viděl obraz, vyjádřil touhu osobně se setkat s autorem, ale umělec šel s hrabětem Vladimírem Davydovem na výlet do Řecka a do své vlasti se vrátil až v prosinci 1835.
11. června 1836 v kulatém sále Ruská akademie kde byl vystaven obraz „Poslední den Pompejí“, sešli se čestní hosté, členové Akademie, umělci a prostě milovníci umění. Autor obrazu, „velký Karel“, byl za nadšeného křiku hostů odnesen do sálu v náručí. "Dalo by se říci, že davy návštěvníků vtrhly do sálů Akademie, aby se podívali na Pompeje.", píše současník a svědek tohoto úspěchu, jaký žádný ruský umělec nikdy nepoznal.
Zákazník a majitel obrazu Anatolij Děmidov jej daroval císaři a Mikuláš I. jej umístil do Ermitáže, kde zůstal 60 let. A v roce 1897 byl převeden do Ruského muzea.
Obrázek doslova nadchnul všechno ruská společnost A nejlepší mysli ten čas.
Umělecké mírové trofeje
Přinesl jsi to do kabiny svého otce.
A byl tu "Poslední den Pompejí"
První den pro ruský kartáč! -
básník Evgeny Boratynsky napsal o obraze.
Alexander Puškin jí také věnoval básně:
Vesuv otevřel ústa - kouř se vyvalil v oblaku, plameny
Široce vyvinutý jako bojová vlajka.
Země je rozbouřená – od třesoucích se sloupů
Idoly padají! Lidé pohánění strachem
Pod kamenným deštěm, pod zapáleným popelem,
Z města utíkají davy, staré i mladé.
Michail Lermontov také zmiňuje „Poslední den Pompejí“ v románu „Princezna Ligovskaja“: „Pokud milujete umění, pak vám mohu říci velmi dobrou zprávu: Bryullovův obraz „Poslední den Pompejí“ míří do Petrohradu. Věděla o ní celá Itálie, Francouzi ji nadávali.“ Lermontov jasně věděl o recenzích pařížského tisku.
Ruský historik a cestovatel Alexander Turgenev řekl, že tento obraz byl slávou Ruska a Itálie.
A Nikolaj Gogol věnoval malbě dlouhý článek a napsal: „Jeho štětec obsahuje poezii, kterou jen cítíte a můžete vždy rozpoznat: naše pocity vždy znají a vidí i charakteristické rysy, ale slova je nikdy neřeknou. Jeho barva je tak jasná, že téměř nikdy předtím nebyla, jeho barvy pálí a spěchají do očí. Byli by nesnesitelní, kdyby se umělec objevil na nižší úrovni než Bryullov, ale s ním jsou oděni onou harmonií a dýchají vnitřní hudbou, kterou jsou živé objekty přírody naplněny.“.
To není žádné tajemství slavných osobností dostávají do mimořádných situací častěji než ostatní životní situace a různé příběhy, které se díky očitým svědkům otiskují do jejich životopisů po staletí. Tyto příběhy jsou zpravidla anekdoticky vtipné, někdy vtipné a nepříliš příjemné a také poučné, které se staly podobenstvími. Dnes budeme mluvit o zajímavosti ze života slavných ruských a evropských klasických umělců.
Autogram umělce je desetkrát dražší než samotný obraz
Ilja Jefimovič Repin. Jednoho dne si jistá paní koupila obraz s podpisem „I. Repin“, zaplatí za to 100 rublů. Po chvíli přišla do malířova ateliéru a ukázala umělci svou akvizici. Repin se smál nešťastnému zákazníkovi a napsal na spodní stranu plátna: "To není Repin." Poté paní obraz prodala, ale za tisíc rublů. Malování je nesmrtelné
Pablo Picasso. Jeden docela slavný lékař na výstavě přišel k Picassovi a řekl důležitě: „Já vím docela dobře. anatomická struktura Lidské tělo. Mohu tedy říci, že lidé na vašich plátnech vyvolávají lítost a zmatek. "Je to docela možné," odsekl Picasso. - Ale mohu vás ujistit, že budou žít mnohem déle než vaši pacienti. Dětský individualismus
Autoportréty. Pablo Picasso ve věku 15 a 90 let. Jednou, po návštěvě výstavy dětských kreseb, Pablo Picasso zamyšleně řekl: „Když jsem byl v jejich věku, uměl jsem psát jako Raphael, ale trvalo mi celý život, než jsem se naučil kreslit jako oni.“ 
Portrét umělcovy matky (1896), maloval 15letý Picasso. Drahá kontrola
Salvador dali. Salvador Dalí měl na majitele restaurací velmi chytrý trik. Při první návštěvě zábavního podniku sbíral velká společnost přátelé a známí a celý večer se věnovali všem pokrmům a nápojům z jídelního lístku. Když přišel čas zaplatit účty, umělec vzdorovitě vypsal šek na obrovskou částku a pak... šek otočil a zadní strana napsal pár vřelých slov jako poděkování majiteli podniku a podepsal se. Mistrův výpočet byl jednoduchý a spolehlivý: Dali využil své slávy jako žijící génius a byl si jistý, že majitel restaurace by se nikdy neodvážil proplatit šek s originálním podpisem samotného Dalího! Tak se to běžně stávalo: restauratéři pochopili, že časem mohou vydělat mnohem víc více peněz za tento šek než jen částku na účtu, ale pán ušetřil spoustu peněz. Kdo se zbláznil?
Salvador dali. Jednou v rozhovoru se svými přáteli Salvador Dalí řekl, že všechny katastrofy, které se v přírodě vyskytují, ho už vůbec nepřekvapují. Pak začal partner nadšeně uvádět příklad možné situace: „Dobře, tak to bude, ale kdyby se o půlnoci najednou na obzoru objevilo světlo, které by oznámilo ranní svítání? Podíváš se nahoru a vidíš vycházející slunce. Fakt by vás to nepřekvapilo? Nemyslíš si, že jsi blázen? "Naopak," řekl Dali bez zaváhání, "já bych si myslel, že se to slunce zbláznilo." Tvůrčí odbory
Isaac Levitan./„Podzimní den. Sokolniki". (1879)./ Nikolaj Čechov. Jak víte, umělec Isaac Levitan se „specializoval“ pouze na krajinomalba, ale v jeho dědictví je jedno plátno zobrazující ženská postava procházky v parku. "Podzimní den. Sokolniki“ je název tohoto obrazu, který namaloval během svých studentských let. Umělec se nikdy nezavázal kreslit lidi a spravedlivě je třeba poznamenat, že jediný obraz ženy nenamaloval sám umělec, ale jeho přítel. umělecká škola, bratr slavný spisovatel- Nikolaj Čechov. 
Ivan Ajvazovskij./ „Puškin na břehu moře.“/ Ilja Repin. To mimochodem nebyla jediná tvůrčí spolupráce v dějinách umění. Proč nepomáhat „z přátelství“ kamarádovi-umělci, kterému se nedaří? Málokdo ví, že postavu Puškina v Aivazovského obraze „Puškin na pobřeží“ namaloval Ilya Repin. 
K. A. Savitsky a I. I. Shishkin. Počátek 80. let 19. století Fotografie. / „Ráno v borovicový les" A slavné medvědy v Shishkinově obrazu „Ráno v borovém lese“ namaloval umělec Savitsky. No nevyšlo to geniální mistr krajina těchto legračních zvířat. Ale poplatek čtyři tisíce rublů z prodeje tohoto obrazu byl rozdělen bratrsky a zpočátku byly na plátně dva autogramy. Všechno je spravedlivé... Majitel obrazu Pavel Treťjakov se však rozhodl přenechat autorství Šiškininovi a Savitského podpis osobně vymazal. Písmeno "B" udělené umělcovu příjmení samotným císařem
Karl a Alexander Bryullovovi. Až do začátku 19. století příjmení Bryullov v Rusku neexistovalo. Karl Bryullov, slavný ruský umělec, se narodil do rodiny akademika ornamentálního sochařství Pavla Bryulla, jehož předkové pocházeli z Francie. Písmeno „v“ na konci příjmení bylo Karlovi a jeho bratru Alexandrovi, povoláním architektovi, uděleno nejvyšším císařským dekretem před jeho odchodem do důchodu do Itálie. Výstava jednoho mistrovského díla
Arkhip Kuindzhi. V roce 1880 došlo ve světě ruského umění k bezprecedentní události. V Petrohradě byl poprvé veřejně vystaven obraz Arkhipa Kuindzhiho „Měsíční noc na Dněpru“. Překvapivé bylo, že byla na výstavě jediná. Zvěsti o mimořádném obrazu se rozšířily po celém městě dlouho před jeho vystavením a v samotný den otevření se zdálo, že se na něj sešlo celé město. Mnoho kočárů blokovalo všechny blízké ulice a lidé se tlačili do dlouhých front u vchodu. Mnozí výstavu navštívili několikrát. 
"Měsíční noc na Dněpru." Veřejnost byla fascinována mimořádným realismem měsíčního svitu na obraze, mnozí navrhovali, že umělec použil zářící barvy, někteří se dokonce tajně dívali za obraz a snažili se zjistit, zda tam není lampa osvětlující měsíc. Modiglianiho slib
Amedeo Modigliani. Amedeo Modigliani - slavný italský umělec, - Velmi raná léta se začal zajímat o kresbu a malbu. Konečné rozhodnutí stát se umělcem učinil v jedenácti letech po těžké pohrudnici, kdy se Amedeo v deliriu rozhodl: pokud přežije, bude se věnovat malbě. A slovo dodržel. Kuindzhi a ptáci
Arkhip Kuindzhi. Arkhip Kuindzhi měl velmi rád ptáky. Dokázal sedět hodiny na střeše svého domu a „povídat si“ s holuby a vránami. A často říkal svým přátelům, že ptáci rozumí jeho slovům a snadno mu padnou do rukou. No jistě.... Každý měsíc umělec utratil spoustu peněz za krmení ptáků, koupil 60 francouzských rohlíků, až 10 kg masa a 6 pytlů ovsa. A jednou ilustrátor Pavel Shcherbov zveřejnil karikaturu, ve které Kuindzhi dává ptákovi klystýr. Říkají, že Arkhip Ivanovič, který neměl zvláštní smysl pro humor, byl svým kolegou strašně uražen. 
Karikatura. Opeření pacienti (A.I. Kuindzhi na střeše svého domu). Autor: Pavel Shcherbov. Pět tisíc za stínidlo
Konstantin Egorovič Makovskij. / Dívka oblečená jako Flora. Konstantin Makovsky proslul nejen svými salonními portréty manželek zámožných manželů, ale také přemrštěnými cenami. Umělec také rád jedl chutné jídlo, takže se říká, že byl skutečným gurmánem. Jednoho dne se ale málem dostal do problémů. Baron Accurti, který právě koupil luxusní sídlo se stínidly namalovanými Makovským, ale bez jeho autogramů, pozval nejoblíbenějším umělcem posnídat v restauraci. V naději, že umělec podepíše stínidla zdarma jako projev vděčnosti. Stalo by se to, nebýt jednoho „ale“... Makovský už byl obměkčený v očekávání skvělého jídla a slíbil, že hned po něm půjde a podepíše všechna tři stínidla zdarma. A zarytý baron konečně vydal rozkaz: nařídil, aby se podával šmejd a chléb. "Koruška? Já?“ rozhořčil se na sebe Makovský. A řekl nahlas: "Pět tisíc rublů za podpis na každé stínidlo!" Valentin nebo Anton Serov
Portrét Miky Morozova. / Valentin Serov. Přátelé a rodina volali Valentin Serov Anton. Toto jméno se k němu pevně přilepilo v dětství, kdy mu rodiče z přebytečných citů k dítěti zavolali malý Valentýn Valentosh, Tosha, někdy Tonya. O něco později, v rodině Mamontovů, se Tosha proměnila v Antoshu. A dopisy, které Ilya Repin psal již dospělému Serovovi, často začínaly adresou: "Anton, Anton!" Malý vyděrač
*Dívka s broskvemi*. Autor: V. Serov. Jeho příbuzní zvláště dobře věděli, že Valentin Serov pracuje pomalu. A když se umělec rozhodl namalovat portrét jedenáctileté dcery Savvy Mamontova, Věry, (a plátno bylo určeno jako dárek k narozeninám Elizavety Mamontové, matky dívky), Serov narazil na kategorický protest z budoucnosti. Modelka. Verochka si okamžitě uvědomil důsledky souhlasu s pózováním pro umělce. Vůbec ji nelákalo sedět týdny v nehybné poloze, místo aby běhala po vesnici se svými vrstevníky. Verochka byla tvrdohlavá a Serovovi nezbývalo nic jiného, než souhlasit s jejími podmínkami: po každém sezení s ní jezdit na koni. 
*Dívka s broskvemi*. fragment. / Verochka Mamontova. Italští vědci tvrdí, že našli ostatky, které mohou patřit Lise del Giocondo. Možná bude odhaleno tajemství Mony Lisy. Na počest toho si připomeňme nejzáhadnější obrazy v historii.
1. Gioconda
První věc, která vás napadne, když jde o to tajemné malby, aneb o mysteriózních obrazech - to je „Mona Lisa“, kterou namaloval Leonardo da Vinci v letech 1503-1505. Gruye napsal, že tento obrázek může pobláznit každého, kdo se na něj dostatečně podíval a začal o něm mluvit.
V tomto da Vinciho díle je mnoho „záhad“. Umělečtí kritici píší disertační práce o naklonění ruky Mony Lisy, lékařští specialisté stanovují diagnózy (od faktu, že Mona Lisa nemá přední zuby až po fakt, že Mona Lisa je muž). Existuje dokonce verze, že Gioconda je autoportrét umělce.
Mimochodem, obzvláště populární Obraz byl získán až v roce 1911, kdy jej ukradl Ital Vincenzo Peruggio. Našli ho pomocí jeho otisku prstu. Takže „Mona Lisa“ se také stala prvním úspěchem snímání otisků prstů a obrovským úspěchem v marketingu na trhu s uměním.
2. Černý čtverec
Každý ví, že „Černý čtverec“ ve skutečnosti není černý, ani to není čtverec. Opravdu to není čtverec. V katalogu k výstavě to Malevič uvedl jako „čtyřúhelník“. A opravdu ne černé. Umělec nepoužil černou barvu.
Méně je známo, že Malevič považoval „Černé náměstí“ za své nejlepší práce. Když byl umělec pohřben, „Černý čtverec“ (1923) stál v čele rakve, Malevichovo tělo bylo pokryto bílým plátnem se šitým čtvercem, na víku rakve byl také namalován černý čtverec. Dokonce i vlak a zadní část náklaďáku měly na sobě černé čtverečky.
3. Křičet
Co je na obraze „Výkřik“ záhadné, není to, že má údajně na lidi silný vliv a nutí je téměř spáchat sebevraždu, ale že tento obraz je v podstatě realismus pro Edvarda Muncha, který v době psaní tohoto mistrovského díla trpěl maniodepresivní depresivní psychóza. Dokonce si přesně vybavil, jak viděl, co napsal.
"Šel jsem po stezce se dvěma přáteli - slunce zapadalo - najednou se nebe zbarvilo do krvava, zastavil jsem se vyčerpaně a opřel se o plot - díval jsem se na krev a plameny nad modročerným fjordem a město - moji přátelé šli dál a já jsem stál a třásl se vzrušením a cítil jsem nekonečný pláč pronikající přírodou.“
4. Guernica
Picasso namaloval Guernicu v roce 1937. Obraz je věnován bombardování města Guernica. Říká se, že když byl Picasso v roce 1940 povolán na gestapo a zeptal se na Guernicu: "Udělal jsi to?", umělec odpověděl: "Ne, udělal jsi to."
Picasso namaloval obrovskou fresku za ne více než měsíc, pracoval 10-12 hodin denně. „Guernica“ je považována za odraz hrůzy fašismu a nelidské krutosti. Ti, kteří obrázek viděli na vlastní oči, tvrdí, že vyvolává úzkost a někdy i paniku.
5. Ivan Hrozný a jeho syn Ivan
Všichni známe obraz „Ivan Hrozný a jeho syn Ivan“, který se obvykle nazývá „Ivan Hrozný zabíjí svého syna“.
Mezitím je vražda jeho dědice Ivanem Vasiljevičem velmi kontroverzní skutečností. Takže v roce 1963 byly v Archandělské katedrále moskevského Kremlu otevřeny hrobky Ivana Hrozného a jeho syna. Výzkum umožnil tvrdit, že carevič John byl otráven.
Obsah jedu v jeho ostatcích mnohonásobně převyšuje přípustný limit. Zajímavé je, že stejný jed byl nalezen v kostech Ivana Vasiljeviče. Vědci došli k závěru královská rodina je již několik desetiletí obětí otravy.
Ivan Hrozný svého syna nezabil. Právě této verze se držel například hlavní žalobce Posvátného synodu Konstantin Pobedonostsev. Když na výstavě viděl slavný obraz Repina, byl pobouřen a napsal císaři Alexandr III: "Obrázek nemůžete nazvat historickým, protože tento okamžik... je čistě fantastický." Verze o vraždě byla založena na příbězích papežského legáta Antonia Possevina, kterého lze jen stěží nazvat nezainteresovanou osobou.
Kdysi došlo k opravdovému pokusu o atentát na obraz.
16. ledna 1913 ji devětadvacetiletý starověrský malíř ikon Abram Balashov třikrát bodl, načež musel Ilja Repin virtuálně namalovat tváře Ivanovů vyobrazených na obraze. Po incidentu se tehdejší kurátor Treťjakovské galerie Khruslov, když se dozvěděl o vandalismu, vrhl pod vlak.
6. Ruce mu odolávají
Obraz Billa Stonehama, namalovaný v roce 1972, nemá, upřímně řečeno, nejlepší pověst. Podle informací na E-bay byl obraz nalezen na skládce nějakou dobu po jeho koupi. Hned první noc, kdy obraz skončil v domě rodiny, která jej našla, se dcera v slzách rozběhla k rodičům a stěžovala si, že „děti na obraze se perou“.
Od té doby má obraz velmi špatnou pověst. Kim Smith, který jej koupil v roce 2000, neustále dostává rozzlobené dopisy požadující, aby obraz spálil. Noviny také psaly, že v kopcích Kalifornie se někdy objevují duchové, jako dva hrášky v lusku jako děti ze Stonehamova obrazu.
7. Portrét Lopukhiny
Konečně „špatný obraz“ - portrét Lopukhiny, namalovaný Vladimírem Borovikovským v roce 1797, po nějaké době začal mít špatnou pověst. Portrét zobrazoval Marii Lopukhinu, která zemřela krátce po namalování portrétu. Lidé začali říkat, že obraz „bere člověku mládí“ a dokonce „bere člověka do hrobu“.
Není jisté, kdo začal takovou fámu, ale poté, co Pavel Treťjakov „neohroženě“ získal portrét do své galerie, řeči o „tajemství obrazu“ utichly.
3. prosince 1961 v newyorském muzeu Soudobé umění Došlo k významné události - Matisseův obraz „Loď“, který visel vzhůru nohama 46 dní, byl řádně převěšen. Stojí za zmínku, že nejde o ojedinělou vtipnou příhodu spojenou s obrazy velkých umělců.
Pablo Picasso namaloval jeden ze svých slavných portrétů za méně než 5 minut
Jednou jeden ze známých Pabla Picassa při pohledu na jeho nová díla umělci upřímně řekl: „Promiň, ale nerozumím tomu. Takové věci prostě neexistují." Picasso na to odpověděl: „Ty a čínština Nerozumím. Ale stále existuje." Mnozí však Picassovi nerozuměli. Jednou navrhl ruskému spisovateli Ehrenburgovi, jeho dobrý přítel, namalovat jeho portrét. Ten s radostí souhlasil, ale než se stačil posadit do křesla a pózovat, umělec oznámil, že je vše připraveno.
Ehrenburg vyjádřil překvapení nad rychlostí provedení díla, protože neuplynulo ani 5 minut, na což Picasso odpověděl: „Znám tě 40 let. A celých těch 40 let jsem se učil malovat portréty za 5 minut.“
Ilya Repin pomohl prodat obraz, který nenamaloval
Jedna paní koupila na trhu za pouhých 10 rublů zcela průměrný obraz, na kterém se hrdě chlubil podpis „I. Repin“. Když znalec umění ukázal toto dílo Iljovi Efimovičovi, zasmál se, dodal „Toto není Repin“ a podepsal se. Po nějaké době prodala jedna podnikavá dáma obraz neznámého umělce s autogramem velkého mistra za 100 rublů.
Medvědy na Shishkinově slavném obraze namaloval jiný umělec
Mezi umělci platí nevyslovený zákon – odborná vzájemná pomoc. Koneckonců, každý z nich má nejen oblíbené příběhy a silné stránky, ale i slabá místa, tak proč si navzájem nepomáhat. Je tedy jisté, že pro obraz „Puškin na pobřeží“ od Aivazovského nakreslil postavu velkého básníka Repin a pro Levitanův obraz „Podzimní den. Sokolniki“ dámu v černém namaloval Nikolaj Čechov. Krajinář Šiškin, který do svých obrazů dokázal nakreslit každé stéblo trávy a jehly, při tvorbě obrazu „Ráno v borovicový les„Medvědi se vůbec neukázali. Proto Savitsky namaloval medvědy pro Shishkinův slavný obraz.
Kus sololitu, přes který se jednoduše nalila barva, se stal jedním z nejdražších obrazů
Nejdražším obrazem na světě v roce 2006 bylo číslo 5 Jacksona Pollocka z roku 1948. V jedné aukci obraz vyšel na 140 milionů dolarů. Může se to zdát legrační, ale umělec se s tvorbou tohoto obrazu opravdu „neobtěžoval“: jednoduše nalil barvu na kus dřevovláknité desky položené na podlaze.
Rubens zašifroval datum vytvoření svého obrazu pomocí hvězd.
Umělečtí kritici a vědci na dlouhou dobu se nepodařilo stanovit datum vzniku jednoho z nej slavné obrazy Rubens - obraz „Svátek bohů na Olympu“. Záhada byla vyřešena až poté, co se astronomové na snímek podívali blíže. Ukázalo se, že postavy na obrázku byly umístěny přesně ve stejném pořadí, v jakém se v roce 1602 nacházely planety na obloze.
Logo Chupa Chups nakreslil světoznámý surrealista
V roce 1961 se Enrique Bernata, majitel společnosti Chupa Chups, obrátil na umělce Salvadora Dalího s žádostí, aby přišel s obrazem pro obal na cukroví. Dali splnil požadavek. Dnes je tento obrázek, i když v mírně upravené podobě, rozpoznatelný na firemních lízátkách.
Za zmínku stojí, že v roce 1967 v Itálii s požehnáním papeže vyšla s ilustracemi Salvadora Dalího.
Nejdražší obraz Mouka přináší neštěstí
Munchův „Výkřik“ byl prodán v aukci za 120 milionů dolarů a je dnes nejdražším umělcovým obrazem. Říká se, že Munch cesta života která je sérií tragédií, vložte do ní tolik smutku, že obraz pohltil negativní energie a mstí se pachatelům.
Jeden ze zaměstnanců Munchova muzea jednou omylem upustil obraz, načež začal trpět strašlivými bolestmi hlavy, které tohoto muže přivedly k sebevraždě. Další zaměstnanec muzea, který nebyl schopen držet obraz, se o několik minut později stal účastníkem hrozné autonehody. A návštěvník muzea, který si dovolil na obraz sáhnout, po nějaké době uhořel zaživa v ohni. Je však možné, že jde jen o náhody.
Malevičovo „Černé náměstí“ má „staršího bratra“
„Černý čtverec“, který je snad nejslavnějším obrazem Kazimíra Maleviče, je plátno 79,5 x 79,5 centimetrů, na kterém je na bílém pozadí vyobrazen černý čtverec. Malevich namaloval svůj obraz v roce 1915. A v roce 1893, 20 let před Malevičem, Alphonse Allais, francouzský humoristický spisovatel, namaloval svůj „černý čtverec“. Pravda, Allaisův obraz se jmenoval „Bitva černochů v hluboká jeskyně temná noc."
Kristus a Jidáš na Da Vinciho obraze mají stejnou tvář
Říká se, že vytvoření obrazu " poslední večeře„vyžadovalo titánské úsilí od Leonarda da Vinciho. Umělec rychle našel osobu, od níž byl obraz Krista namalován. Této role se ujal jeden ze zpěváků chrámového sboru. Ale da Vinci hledal „Jidáše“ tři roky.
Jednou na ulici umělec viděl opilce, který se neúspěšně pokoušel dostat ze žumpy. Da Vinci ho vzal do jednoho z nápojů, posadil ho a začal kreslit. Představte si umělcovo překvapení, když opilec otevřel své myšlenky a přiznal, že už pro něj pózoval před několika lety. Ukázalo se, že jde o stejného zpěváka.
Dnes si v každém muzeu můžete poslechnout úžasné průvodce, kteří vám podrobně poví o sbírce a umělcích v ní zastoupených. Mnoho rodičů přitom ví, že pro většinu dětí je těžké strávit v muzeu byť jen hodinu a příběhy o historii malby je celkem rychle unaví. Aby se děti v muzeu nenudily, nabízíme rodičům „podvodník“ - desítku zábavné příběhy o obrazech z Treťjakovské galerie, které zaujmou děti i dospělé.
1. Ivan Kramskoy. "Mořské panny", 1871
Ivan Kramskoy je známý především jako autor obrazu „Neznámý“ (často se mylně nazývá „Cizinec“), stejně jako řada krásných portrétů: Leo Tolstoy, Ivan Shishkin, Dmitrij Mendělejev. Pro děti je ale lepší začít se s jeho tvorbou seznamovat s kouzelným obrazem „Mořské panny“, ke kterému se váže příběh.
V srpnu 1871 byl umělec Ivan Kramskoy na návštěvě na venkovském sídle svého přítele, milovníka umění a slavného filantropa Pavla Stroganova. Když se večer procházel, obdivoval měsíc a obdivoval jeho magické světlo. Během těchto procházek se umělec rozhodl psát noční krajina a pokusit se předat veškeré kouzlo, veškeré kouzlo měsíční noci, „chytit měsíc“ – ve svém vlastním výrazu.
Kramskoy začal pracovat na obraze. Objevil se břeh řeky měsíční noc, návrší a na něm dům, obklopený topoly. Krajina byla krásná, ale něco tomu chybělo – magie se nezrodila na plátně. Kniha Nikolaje Gogola „Večery na farmě u Dikanky“ přišla na pomoc umělci, nebo spíše příběh nazvaný „Májová noc nebo utopená žena“ - báječný a trochu strašidelný. A pak se na obrázku objevily dívky z mořské panny, osvětlené měsíčním světlem.
Umělec na obraze pracoval tak pečlivě, že o něm začal snít a neustále v něm chtěl něco dotvářet. Rok poté, co ji koupil zakladatel Treťjakovské galerie Pavel Treťjakov, chtěl v ní Kramskoy znovu něco změnit a provedl drobné změny přímo ve výstavní síni.
Kramskoyovo plátno se stalo prvním „pohádkovým“ obrazem v historii ruské malby.
2. Vasilij Vereščagin. "Apoteóza války", 1871
Stalo se, že lidé vždy bojovali. Od nepaměti stateční vůdci a mocní vládci vyzbrojovali své armády a posílali je do války. Samozřejmě chtěli, aby vzdálení potomci věděli o jejich vojenských úlovcích, takže básníci psali básně a písně a umělci vytvářeli nádherné obrazy a sochy. Na těchto obrazech válka obvykle vypadala jako svátek - světlé barvy, nebojácní válečníci jdou do bitvy...
Umělec Vasilij Vereščagin věděl o válce z první ruky - účastnil se bitev více než jednou - a namaloval mnoho obrazů, na nichž zobrazoval to, co viděl na vlastní oči: nejen stateční vojáci a jejich velitelů, ale také krve, bolesti a utrpení.
Jednoho dne ho napadlo, jak ukázat všechny hrůzy války v jednom snímku, jak přimět diváky, aby pochopili, že válka je vždy smutek a smrt, jak nechat ostatní dívat se na její ohavné detaily? Uvědomil si, že nestačí namalovat obraz bitevního pole posetého mrtvými vojáky – taková plátna existovala již dříve. Vereščagin přišel se symbolem války, obrazem, jen při pohledu na který si každý dokáže představit, jak hrozná je jakákoli válka. Namaloval spálenou poušť, uprostřed níž se tyčí pyramida z lidských lebek. Kolem jsou jen suché stromy bez života a na svátek létají jen vrány. V dálce je vidět zchátralé město a divák snadno tuší, že ani tam už není život.
3. Alexej Savrasov. „Věžové dorazili“, 1871
Obraz „The Rooks Have Arrived“ zná každý od dětství a pravděpodobně každý z něj psal školní eseje. A učitelé dnes určitě budou dětem vyprávět o Savrasovových lyrických krajinách a že již v samotném názvu tohoto obrázku je slyšet radostná předzvěst rána roku a vše v něm je naplněno hlubokým, Blízko mému srdci smysl. Mezitím málokdo ví, že slavné „Věže...“, stejně jako všechna ostatní Savrasova díla, možná vůbec neexistovaly.
Alexej Savrasov byl synem malého moskevského galanterního zboží. Chlapcova touha zapojit se do malování nezpůsobila u rodiče potěšení, ale přesto Moskevská škola malířství a sochařství Kondrat Savrasov nechal svého syna jít. Talent poznali učitelé i spolužáci mladý umělec a předpověděla mu velkou budoucnost. Ukázalo se však, že Alexey, aniž by studoval rok, byl zřejmě kvůli nemoci své matky nucen přestat studovat. Jeho učitel Karl Rabus se obrátil o pomoc na náčelníka moskevské policie generálmajora Ivana Luzhina, který talentovanému mladíkovi pomohl získat umělecké vzdělání.
Kdyby se Luzhin nezúčastnil osudu mladý umělec, jeden z nejslavnějších obrazů v historii ruského malířství by se nikdy nezrodil.
4. Vasilij Polenov. "Moskevský dvůr", 1878
Někdy za účelem psaní krásný obrázek, umělec hodně cestuje, dlouho a úzkostlivě hledá nejvíce krásné výhledy, nakonec najde vzácné místo a čas od času tam přichází se skicákem. A také se stává, že k vytvoření nádherného díla stačí jít k vlastnímu oknu, podívat se na úplně obyčejný moskevský dvůr - a stane se zázrak, objeví se úžasná krajina plná světla a vzduchu.
Přesně takový zázrak se stal výtvarníkovi Vasilijovi Polenovovi, který se začátkem léta 1878 podíval z okna svého bytu a docela rychle namaloval, co viděl. Mraky snadno klouzají po obloze, slunce stoupá výš a výš, zahřívá zemi svým teplem, osvětluje kopule kostelů, zkracuje husté stíny... Zdálo by se, že jde o jednoduchý obrázek, který sám umělec nepořídil. zprvu vážně: napsal to a málem na to zapomněl. Pak byl ale pozván, aby se výstavy zúčastnil. Neměl nic významného a Polenov se rozhodl vystavit „Moskevský dvůr“.
Kupodivu to byl tento „bezvýznamný obrázek“, který přinesl slávu a slávu Vasiliji Polenovovi - veřejnost i kritici ho milovali: má teplo a jasné barvy a na jeho postavy se lze dívat donekonečna a vymýšlet příběh o každém z nich. .
5. Ivan Šiškin. „Ráno v borovém lese“, 1889
„Ráno v borovém lese“ od Ivana Šiškina je pravděpodobně nejznámější obraz ze sbírky Treťjakovské galerie. U nás ji zná každý, díky reprodukcím ve školních učebnicích, nebo možná díky čokolády"Medvídek."
Ale ne každý ví, že Shishkin sám namaloval pouze ranní les v mlžném oparu a nemá nic společného s medvědy. Tento obraz je plodem společné kreativity mezi Shishkinem a jeho přítelem, umělcem Konstantinem Savitským.
Ivan Shishkin byl nepřekonatelný mistr zobrazování všech druhů botanických jemností - kritik Alexander Benois Za svou vášeň pro fotografickou přesnost byl docela vyhubován, jeho obrazy nazýval nezáživnými a chladnými. Ale umělec nebyl přítelem zoologie. Říkají, že právě proto se Shishkin obrátil na Savitského s žádostí, aby mu pomohl s medvědy. Savitsky svého přítele neodmítl, ale jeho práci nebral vážně - a nepodepsal.
Později Pavel Treťjakov koupil tento obraz od Šiškina a umělec vyzval Savitského, aby na obraze zanechal podpis - koneckonců na něm pracovali společně. Savickij tak učinil, ale Treťjakovovi se to nelíbilo. Prohlásil, že obraz koupil od Šiškina, ale nechtěl nic vědět o Savickém, požadoval rozpouštědlo a vlastníma rukama smazal podpis „navíc“. A tak se stalo, že dnes v Treťjakovská galerie uveďte autorství pouze jednoho umělce.
6. Viktor Vasněcov. "Bogatyrs", 1898
Viktor Vasnetsov je považován za „nejúžasnějšího“ umělce v historii ruské malby - jsou to jeho štětce, které patří k takovým slavných děl, jako „Alyonushka“, „Rytíř na křižovatce“, „ Bogatyrský skok" a mnoho dalších. Ale jeho nejvíc slavný obrázek- „Bogatyrs“, který zobrazuje hlavní postavy ruských eposů.
Sám umělec obrázek popsal takto: „Hrdinové Dobrynya, Ilja a Aljoša Popovič jsou na hrdinské výpravě - v terénu si všímají, zda někde není nepřítel, urážejí někoho?
Uprostřed na černém koni se zpod dlaně dívá do dálky Ilja Muromec, hrdina má v jedné ruce kopí, v druhé damaškový kyj. Vlevo na bílém koni Dobrynya Nikitich vytahuje svůj meč z pochvy. Vpravo na červeném koni Aljoša Popovič drží v rukou luk a šípy. S hrdiny tohoto snímku – či spíše s jejich prototypy – se pojí kuriózní příběh.
Viktor Vasnetsov dlouho přemýšlel, jak by měl Ilya Muromets vypadat, a dlouho nemohl najít „správnou“ tvář - odvážnou, upřímnou, vyjadřující sílu i laskavost. Jednoho dne ale úplnou náhodou potkal rolníka Ivana Petrova, který přijel do Moskvy vydělávat peníze. Umělec byl ohromen - na moskevské ulici viděl skutečného Ilju Muromce. Rolník souhlasil s pózováním pro Vasnetsova a... zůstal po staletí.
V eposech je Dobrynya Nikitich docela mladá, ale z nějakého důvodu Vasnetsovův obraz zobrazuje muže středního věku. Proč se umělec rozhodl jednat tak svobodně s lidové pohádky? Řešení je jednoduché: Vasnetsov se vylíčil v obraze Dobrynya; stačí porovnat obraz s portréty a fotografiemi umělce.
7. Valentin Serov. "Dívka s broskvemi." Portrét V. S. Mamontové“, 1887
"Dívka s broskvemi" je jedním z nejvíce slavných portrétů v historii ruské malby, kterou napsal umělec Valentin Serov.
Dívka na portrétu je Verochka, dcera filantropa Savvy Mamontova, jehož dům umělec často navštěvoval. Zajímavostí je, že broskve ležící na stole nebyly přivezeny z teplých krajů, ale rostly nedaleko Moskvy, přímo v panství Abramcevo, což byla v 19. století věc zcela neobvyklá. Mamontovovi pracoval zahradník-kouzelník - v jeho šikovných rukou kvetly ovocné stromy ještě v únoru a sklizeň byla sklizena už na začátku léta.
Díky Serovovu portrétu se Vera Mamontova zapsala do historie, ale sám umělec si vzpomněl, jak těžké bylo přesvědčit 12letou dívku, která měla neobvykle neklidnou povahu, aby pózovala. Serov pracoval na obraze téměř měsíc a Vera každý den několik hodin tiše seděla v jídelně.
Práce to nebyla marná: když umělec představil portrét na výstavě, veřejnosti se obraz opravdu líbil. A dnes, o více než sto let později, „Dívka s broskvemi“ potěší návštěvníky Treťjakovské galerie.
8. Ilja Repin. "Ivan Hrozný a jeho syn Ivan 16. listopadu 1581," 1883-1885.
Při pohledu na ten či onen obraz si často říkáte, co bylo pro umělce zdrojem inspirace, co ho přimělo namalovat právě takové dílo? V případě obrazu Ilji Repina „Ivan Hrozný a jeho syn Ivan 16. listopadu 1581“ hádejte skutečné důvody není vůbec snadné.
Obraz zachycuje legendární epizodu ze života Ivana Hrozného, kdy v návalu hněvu zasadil smrtelnou ránu svému synovi careviči Ivanovi. Mnoho historiků se však domnívá, že ve skutečnosti k žádné vraždě nedošlo a princ zemřel na nemoc, a už vůbec ne z rukou svého otce. Mohlo by se zdát, že co mohlo umělce přinutit, aby se obrátil k takové historické epizodě?
Jak sám umělec vzpomínal, nápad namalovat obraz „Ivan Hrozný a jeho syn Ivan“ dostal po... koncertu, na kterém slyšel hudbu skladatele Rimského-Korsakova. Byla to symfonická suita „Antar“. Zvuky hudby umělce zaujaly a chtěl v malbě ztělesnit náladu, která se v něm pod vlivem tohoto díla vytvořila.
Hudba ale nebyla jediným zdrojem inspirace. Cestou po Evropě v roce 1883 se Repin zúčastnil býčího zápasu. Pohled na tuto krvavou podívanou zapůsobil na umělce, který napsal, že „když se nakazil... touto krvavostí, po příjezdu domů okamžitě zahájil krvavou scénu „Ivan Hrozný se svým synem“. A krevní obraz měl velký úspěch.“
9. Michail Vrubel. "Démon sedí", 1890
Jak někdy název obrazu znamená hodně. Co vidí divák, když se poprvé podívá na obraz Michaila Vrubela „Sedící démon“? Svalnatý mladík sedí na skále a smutně se dívá na západ slunce. Ale jakmile vyslovíme slovo „démon“, okamžitě se objeví obraz magického zlého stvoření. Mezitím démon Michaila Vrubela není vůbec zlý duch. Sám umělec nejednou řekl, že démon je duch „ne tak zlý jako utrpení a zármutek, ale zároveň mocný duch, ... majestátní“.
Tento obraz je zajímavý technikou malby. Umělec nanáší barvu na plátno ne konvenčním štětcem, ale tenkým ocelovým plátem - paletovým nožem. Tato technika umožňuje kombinovat techniky malíře a sochaře, doslova „vyřezávat“ obraz pomocí barev. Takto je dosaženo efektu „mozaiky“ - zdá se, že obloha, skály a dokonce i samotné tělo hrdiny nejsou natřeny barvou, ale jsou vyskládány z pečlivě leštěných, možná i drahých kamenů.
10. Alexandr Ivanov. "Zjevení Krista lidem (Zjevení se Mesiáše)", 1837-1857.
Obraz Alexandra Ivanova „Zjevení Krista lidem“ je jedinečnou událostí v historii ruského malířství. Není snadné o tom mluvit s dětmi, zejména 6-7letými, ale rozhodně by měly vidět toto monumentální plátno, na kterém umělec pracoval více než 20 let a které se stalo jeho životním dílem.
Děj obrazu je založen na třetí kapitole Matoušova evangelia: Jan Křtitel, křtící židovský národ na břehu Jordánu ve jménu očekávaného Spasitele, ho náhle vidí přicházet, v jehož jménu křtí lidi . O kompoziční vlastnosti obrazy, o jeho symbolech a umělecký jazyk děti to zjistí později. Při prvním seznámení stojí za to mluvit o tom, jak se jeden obraz stal životním dílem umělce.
Po ukončení studií na Petrohradské akademii umění byl Alexander Ivanov vyslán „na stáž“ do Itálie. „Zjevení se Krista lidem“ mělo být záznamem. Ale umělec bere svou práci velmi vážně: pečlivě studuje Písmo svaté, historii, tráví měsíce hledáním požadované krajiny, tráví nekonečné množství času hledáním obrazu pro každou postavu na obraze. Peníze, které mu byly přiděleny na práci, docházejí, Ivanov vede bídnou existenci. Namáhavá práce na obraze vedla k poškození zraku umělce a jeho dlouhodobé léčbě.
Když Ivanov dokončil své dílo, italská veřejnost obraz nadšeně přijala, byl to jeden z prvních případů evropského uznání ruského umělce. V Rusku to nebylo okamžitě oceněno - teprve po smrti umělce k němu přišla skutečná sláva.
Při práci na obraze Ivanov vytvořil více než 600 skic. V místnosti, kde je vystavena, si některé z nich můžete prohlédnout. Je zajímavé použít tyto příklady ke sledování toho, jak umělec pracoval na kompozici, krajině a obrazech postav na obrázku.
Výběr záznamů
