Japonská klasická malba: nejslavnější jména. Tradiční japonská malba a rytina

Monochromatická malba Japonska je jedním z jedinečných fenoménů východního umění. Bylo tomu věnováno mnoho práce a výzkumů, ale často je vnímán jako velmi konvenční, někdy i dekorativní. Není tomu tak, duchovní svět japonského umělce je velmi bohatý a nezáleží mu ani tak na estetické složce jako na té duchovní. Umění Východu je syntézou vnějšího a vnitřního, explicitního a implicitního.

V tomto příspěvku bych chtěl věnovat pozornost nikoli historii monochromní malby, ale její podstatě. O tom si budeme povídat.

obrazovka "Pines" Hasegawa Tohaku, 1593

To, co vidíme na monochromatických obrazech, je výsledkem umělcovy interakce se základní triádou: papír, štětec, inkoust. Proto, abyste správně pochopili dílo, musíte pochopit samotného umělce a jeho postoj.

"Krajina" Sesshu, 1398

Papír pro japonského mistra to není jen materiál po ruce, který podřizuje svému rozmaru, ale naopak - je to „bratr“, a proto se k němu odpovídajícím způsobem vyvíjel postoj. Papír je součástí okolní přírody, ke které se Japonci vždy chovali s úctou a snažili se ji nepodrobit, ale v míru s ní koexistovat. Papír je strom v minulosti, který stál určitou dobu v určité oblasti, něco kolem sebe „viděl“ a vše si to uložil. Japonský umělec tak materiál vnímá. Často se řemeslníci před zahájením práce dlouho dívali Prázdná stránka(přemýšleli o tom) a teprve potom začali malovat. I nyní moderní japonští umělci, kteří praktikují techniku ​​Nihon-ga (tradiční japonská malba), pečlivě vybírají papír. Kupují to na zakázku z papíren. Každý umělec má určitou tloušťku, propustnost vlhkosti a texturu (mnoho umělců dokonce uzavírá s majitelem továrny dohodu, že tento papír nebude prodávat jiným umělcům) – proto je každý obraz vnímán jako něco jedinečného a živého.

„Čtení v bambusovém háji“ Xubun, 1446

Když už mluvíme o významu tohoto materiálu, stojí za zmínku následující slavných památek Japonská literatura jako „Notes at the Bedside“ od Sei Shonagona a „Genji Monogotari“ od Murasaki Shikibu: v „Notes“ i „Genji“ můžete najít zápletky, když si dvořané nebo milenci vyměňují zprávy. Papír, na kterém byly tyto vzkazy napsány, byl vhodného ročního období, odstínu a způsob psaní textu odpovídal jeho textuře.

"Murasaki Shikibu ve svatyni Ishiyama" Kyosen

Štětec- druhá složka je pokračováním mistrovy ruky (opět je to přírodní materiál). Štětce se proto vyráběly také na zakázku, nejčastěji však samotným umělcem. Vybral chloupky požadované délky, zvolil velikost kartáče a nejpohodlnější rukojeť. Mistr maluje pouze vlastním štětcem a žádným jiným. (Z osobní zkušenost: Byl jsem na mistrovské třídě čínského umělce Jiang Shiluna, publikum požádalo, aby ukázal, co jeho studenti, kteří byli přítomni na mistrovské třídě, dokážou, a každý z nich, zvedl mistrův štětec, řekl, že výsledek nebude co očekávali, protože kartáč ne oni, nejsou na něj zvyklí a nevědí, jak ho správně používat).

"Fuji" inkoustová skica od Katsushika Hokusai

Řasenka- třetí důležitý prvek. Řasenka se stane odlišné typy: po zaschnutí může dát lesklý nebo matný efekt, možná s příměsí stříbrných nebo okrových odstínů, proto správná volbařasenka také není nedůležitá.

Yamamoto Baitsu, konec 18. - 19. století.

Hlavním námětem monochromní malby jsou krajiny. Proč v nich nejsou žádné barvy?

Spárovaná obrazovka "Pines", Hasegawa Tohaku

Za prvé, japonského umělce nezajímá objekt samotný, ale jeho podstata, určitá složka, která je společná všemu živému a vede k harmonii mezi člověkem a přírodou. Obraz je tedy vždy náznakem, je adresován našim smyslům, nikoli zraku. Podcenění je podnětem k dialogu, a tedy spojení. Linie a skvrny jsou v obraze důležité – tvoří se umělecký jazyk. To není svoboda mistra, který zanechal tučnou stopu, kde chtěl, ale na jiném místě naopak podkreslil - vše na obrázku má svůj význam a význam a není náhodné.

Za druhé, barva v sobě vždy nese nějakou emocionální konotaci a je vnímána jinak odlišní lidé v různých stavech proto emocionální neutralita umožňuje divákovi co nejpřiměřeněji vstoupit do dialogu, umístit ho pro vnímání, kontemplaci a myšlení.

Za třetí, jedná se o interakci jin a jang; jakýkoli monochromatický obraz je harmonický z hlediska poměru inkoustu k nedotčené ploše papíru.

Proč je většina papírového prostoru nevyužita?

"Krajina" Xubun, polovina 15. století.

Za prvé, prázdný prostor ponoří diváka do obrazu; za druhé vzniká obraz, jako by na okamžik vyplaval na povrch a chystal se zmizet – to souvisí se světonázorem a světonázorem; za třetí, v těch oblastech, kde není inkoust, vystupuje do popředí textura a odstín papíru (ne vždy je to na reprodukcích vidět, ale ve skutečnosti jde vždy o interakci dvou materiálů - papíru a inkoustu).

Sesshu, 1446

Proč krajina?

„Kontemplace o vodopádu“ Gayami, 1478

Podle japonského světonázoru je příroda dokonalejší než člověk, proto se z ní musí poučit, všemožně ji chránit a neničit a nepodrobovat. Proto v mnoha krajinách můžete vidět malé obrazy lidí, ale vždy jsou bezvýznamné, malé ve vztahu ke krajině samotné, nebo obrazy chat, které zapadají do prostoru kolem nich a nejsou ani vždy patrné - to vše jsou symboly světonázor.

"Roční období: Podzim a zima" Sesshu. "Krajina" Sesshu, 1481

Závěrem chci říci, že monochromní japonská malba není chaoticky rozstříknutý inkoust, není to rozmar vnitřního ega umělce - je to celý systém obrazů a symbolů, je to úložiště filozofického myšlení, a co je nejdůležitější, způsob komunikace a harmonizace sebe a světa kolem nás.

Zde jsou, myslím, odpovědi na hlavní otázky, které se v divákovi vynořují, když čelí monochromní japonské malbě. Doufám, že vám pomohou to nejsprávněji pochopit a vnímat, když se potkáte.

japonský klasická malba má dlouhou a zajímavý příběh. Vizuální umění Japonska je prezentováno v různých stylech a žánrech, z nichž každý je jedinečný svým vlastním způsobem. Starověké malované figurky a geometrické motivy nalezené na bronzových zvonech dotaku a střepech keramiky pocházejí z roku 300 našeho letopočtu.

Buddhistická orientace umění

Umění nástěnné malby bylo v Japonsku poměrně dobře rozvinuté, v 6. století byly obzvláště populární obrazy na téma buddhistické filozofie. V té době se v zemi stavěly velké chrámy a jejich stěny všude zdobily fresky namalované podle výjevů z buddhistických mýtů a legend. Starověké příklady nástěnných maleb jsou stále zachovány v chrámu Horyuji poblíž japonského města Nara. Nástěnné malby Horyuji zobrazují scény ze života Buddhy a dalších bohů. Umělecký styl těchto fresek je velmi blízký vizuální koncept, populární v Číně během dynastie Song.

Získal malířský styl dynastie Tang obzvláště populární uprostřed období Nara. Fresky objevené v hrobce Takamatsuzuka pocházejí přibližně ze 7. století našeho letopočtu z tohoto období. Umělecká technika, zformovaná pod vlivem dynastie Tang, následně vytvořila základ malířského žánru kara-e. Tento žánr si udržel svou popularitu až do objevení prvních děl ve stylu Yamato-e. Většina fresek a obrazů je od neznámých autorů, dnes je mnoho děl z té doby uloženo v pokladnici Sesoin.

Rostoucí vliv nových buddhistických škol, jako je Tendai, ovlivnil široké náboženské zaměření japonského výtvarného umění v 8. a 9. století. V 10. století, které zaznamenalo zvláštní pokrok v japonském buddhismu, žánru raigozu, se objevily „uvítací obrazy“, které znázorňovaly příchod Buddhy do Západního ráje. První příklady raigozu, pocházející z roku 1053, lze vidět v chrámu Bedo-in, který přežívá ve městě Uji v prefektuře Kjóto.

Změna stylů

V polovině období Heian byl čínský styl kara-e nahrazen žánrem Yamato-e, který se na dlouhou dobu stal jedním z nejoblíbenějších a nejžádanějších žánrů japonské malby. Nový obrazový styl se uplatnil především při malování skládacích zástěn a posuvných dveří. Postupem času se yamato-e také přesunulo na horizontální svitky emakimono. Umělci, kteří pracovali v žánru emaki, se snažili ve svých dílech zprostředkovat veškerou emocionalitu zvoleného děje. Svitek Genji Monogatari se skládal z několika epizod spojených dohromady, přičemž umělci té doby používali rychlé tahy štětcem a jasné, výrazné barvy.

E-maki je jedním z nejstarších a nejprominentnějších příkladů otoko-e, žánru reprezentace. mužské portréty. Ženské portréty jsou řazeny jako samostatný žánr, onna-e. Mezi těmito žánry jsou totiž, stejně jako mezi muži a ženami, patrné poměrně výrazné rozdíly. Styl onna-e je barevně zastoupen v designu Tale of Genji, kde hlavními tématy kreseb jsou romantické náměty a výjevy ze života u dvora. Pánský styl otoko-e je převážně umělecký obraz historické bitvy a další důležité události v životě říše.

Klasická japonská umělecká škola se stala úrodnou půdou pro rozvoj a propagaci myšlenek současného umění v Japonsku, ve kterém je jasně vidět vliv pop kultury a anime. Jeden z nejslavnějších japonských umělců naší doby může být nazýván Takashi Murakami, jehož dílo se věnuje zobrazování scén z japonského života. poválečné období a koncept maximální fúze výtvarné umění a hlavního proudu.

Od slavných japonských umělců klasická škola můžeme jmenovat následující.

Napjatý Xubun

Syubun pracoval na počátku 15. století a věnoval mnoho času studiu děl čínských mistrů dynastie Song, tento muž stál u počátků japonské vizuální žánr. Shubun je považován za zakladatele stylu sumi-e, monochromatické tušové malby. Vynaložil mnoho úsilí na popularizaci nového žánru a proměnil jej v jednu z předních oblastí japonské malby. Subunovými studenty bylo mnoho umělců, kteří se později proslavili, včetně Sesshu a zakladatele slavné umělecké školy Kano Masanobu. Mnoho krajin bylo připisováno Xubunovi, ale jeho nejslavnější dílo je tradičně považováno za „Čtení v bambusovém háji“.

Ogata Korin (1658-1716)

Ogata Korin je jedním z největších umělců v historii japonského malířství, zakladatelem a jedním z nejjasnějších představitelů umělecký styl rimpa. Korine se ve svých dílech odvážně vzdálil od tradičních stereotypů a vytvořil si vlastní vlastní styl, jehož hlavními charakteristikami byly malé formy a jasný impresionismus zápletky. Korin je známý svou zvláštní dovedností v zobrazování přírody a práci s abstraktními barevnými kompozicemi. „Plum Blossom Red and White“ je jedním z nejznámějších děl Ogaty Korina, známé jsou také jeho obrazy „Chryzantémy“, „Vlny Matsushimy“ a řada dalších.

Hasegawa Tohaku (1539-1610)

Tohaku je zakladatelem japonské umělecké školy Hasegawa. Pro rané období Tohakuova kreativita se vyznačuje vlivem slavné školy japonského malířství Kano, ale postupem času si umělec vytvořil vlastní unikátní styl. Tohakuovo dílo bylo v mnoha ohledech ovlivněno díly uznávaného mistra Sesshu, Hosegawa se dokonce považoval za pátého pokračovatele tohoto velkého mistra. Obraz Hasegawy Tohaku "Pines" obdržel světová sláva, známá jsou i jeho díla „Javor“, „Borovice a kvetoucí rostliny“ a další.

Kano Eitoku (1543–1590)

Školní styl Kano dominoval výtvarnému umění Japonska asi čtyři století a Kano Eitoku je možná jedním z nejslavnějších a nejvýraznějších představitelů této umělecké školy. Eitoku byl úřady nakloněn, patronát aristokratů a bohatých mecenášů nemohl nepřispívat k posílení jeho školy a popularitě jeho děl, bezpochyby velmi talentovaný umělec. Osmipanelová posuvná zástěna Cypress, kterou namaloval Eitoku Kano, je skutečným mistrovským dílem a zářný příklad rozsah a síla stylu Monoyama. Neméně zajímavě vypadají i další díla mistra, jako jsou „Ptáci a stromy čtyř ročních období“, „Čínští lvi“, „Poustevníci a víla“ a mnoho dalších.

Katsushika Hokusai (1760-1849)

Hokusai je největším mistrem žánru ukiyo-e (japonský dřevoryt). Hokusaiova kreativita byla přijata globální uznání, jeho sláva v jiných zemích není srovnatelná se slávou většiny asijských umělců, jeho dílo " Velká vlna in Kanagawa“ se stal něčím jako vizitkou japonského výtvarného umění na světové umělecké scéně. Na vlastní pěst kreativní cesta Hokusai používal více než třicet pseudonymů, po šedesátce se umělec věnoval výhradně umění a právě tato doba je považována za nejvíce plodné období jeho kreativita. Hokusaiova díla ovlivnila tvorbu západních mistrů impresionismu a postimpresionistického období, včetně díla Renoira, Moneta a van Gogha.

Má velmi bohatá historie; jeho tradice je rozsáhlá a jedinečná pozice Japonska ve světě výrazně ovlivňuje dominantní styly a techniky japonských umělců. Známý fakt To, že Japonsko bylo po mnoho staletí zcela izolované, je způsobeno nejen geografií, ale také dominantním japonským kulturním sklonem k izolaci, který poznamenal historii země. Během staletí existence toho, co bychom mohli nazvat „ Japonská civilizace“, kultura a umění se vyvíjely odděleně od těch ve zbytku světa. A to je dokonce patrné v praxi japonské malby. Například obrazy Nihonga patří mezi hlavní díla japonské malířské praxe. Vychází z více než tisícileté tradice a malby jsou obvykle vytvářeny štětci buď na Vashi (japonský papír) nebo Egina (hedvábí).

Japonské umění a malba však byly ovlivněny zahraničními uměleckými postupy. Za prvé to bylo čínské umění 16. století a čínská malba a čínská umělecká tradice, která byla v několika ohledech zvláště vlivná. Od 17. stol japonská malba byl ovlivněn i západními tradicemi. Zejména v předválečném období, které trvalo od roku 1868 do roku 1945, byla japonská malba ovlivněna impresionismem a Evropský romantismus. Japonci přitom významně ovlivnili i nová evropská umělecká hnutí umělecké techniky. V dějinách umění se tento vliv nazývá „japonismus“ a je významný zejména pro impresionisty, kubisty a umělce spojené s modernismem.

Dlouhý příběh Japonské malířství lze chápat jako syntézu několika tradic, které tvoří součásti uznávané japonské estetiky. Za prvé, buddhistické umění a malířské metody, stejně jako náboženská malba, zanechala výraznou stopu na estetice Japonské malby; malba krajiny vodou tuší v tradici čínské literární malby je dalším důležitým prvkem uznávaným v mnoha slavných japonských malbách; obrazy zvířat a rostlin, zejména ptáků a květin, jsou běžně spojovány s japonskými kompozicemi, stejně jako krajiny a výjevy z každodenního života. A konečně, starověké představy o kráse z filozofie a kultury měly velký vliv na japonskou malbu Starověké Japonsko. Wabi, což znamená přechodnou a drsnou krásu, sabi (krása přirozené patiny a stárnutí) a yugen (hluboká milost a jemnost) nadále ovlivňují ideály v praxi japonského malířství.

Na závěr, když se soustředíme na výběr deseti nejslavnějších japonských mistrovských děl, musíme zmínit ukiyo-e, které je v Japonsku jedním z nejpopulárnějších uměleckých žánrů, i když patří ke grafice. Dominoval japonské umění ze 17. - 19. století, přičemž umělci spadající do tohoto žánru vytvářeli dřevoryty a malby s předměty jako krásné dívky, herci Kabuki a zápasníci sumo, stejně jako scény z historie a lidových příběhů, cestovatelské scény a krajiny, flóra a fauna a dokonce i erotika.

Sestavit seznam je vždy těžké nejlepší obrazy z umělecké tradice. Mnoho úžasných děl bude vyloučeno; tento seznam však obsahuje deset nejznámějších japonských obrazů na světě. Tento článek představí pouze obrazy vytvořené od 19. století do současnosti.

Japonské malířství má mimořádně bohatou historii. V průběhu staletí se japonští umělci vyvíjeli velký počet jedinečné techniky a styly, které jsou nejcennějším příspěvkem Japonska do světa umění. Jednou z těchto technik je sumi-e. Sumi-e doslova znamená „kresba tuší“ a spojuje kaligrafii a malbu tuší, aby vytvořila vzácnou krásu štětcem kreslených kompozic. Tato krása je paradoxní – starověká, ale moderní, jednoduchá a přitom složitá, odvážná a přitom tlumená, nepochybně odráží duchovní základ umění v zen buddhismu. Buddhističtí kněží zavedli do Japonska pevné inkoustové bloky a bambusové štětce z Číny v šestém století a za posledních 14 století Japonsko rozvinulo bohaté dědictví malby tuší.

Přejděte dolů a prohlédněte si 10 mistrovských děl japonského malířství

1. Katsushika Hokusai „Sen rybářovy ženy“

Jedním z nejznámějších japonských obrazů je „Sen rybářovy ženy“. Psal se rok 1814 slavný umělec Hokusai. Pokud se budete řídit přísnými definicemi, toto úžasná práce Hokusai nelze považovat za obraz, jde totiž o dřevoryt žánru ukiyo-e z knihy Mladé borovice (Kinoe no Komatsu), což je třídílná kniha šunga. Kompozice zobrazuje mladého potápěče ama sexuálně propleteného s párem chobotnic. Tento obraz byl velmi vlivný v 19. a 20. století. Dílo ovlivnilo pozdější umělce jako Félicien Rops, Auguste Rodin, Louis Aucock, Fernand Knopff a Pablo Picasso.

2. Tessai Tomioka „Abe no Nakamaro píše nostalgickou báseň při sledování Měsíce“

Tessai Tomioka je pseudonym slavného japonského umělce a kaligrafa. Je považován za posledního velkého umělce v tradici bunjingu a za jednoho z prvních významných umělců Nihonga styl. Bunjinga byla škola japonského malířství, která vzkvétala v pozdní éře Edo mezi umělci, kteří se považovali za literáty nebo intelektuály. Každý z těchto umělců, včetně Tessayi, vyvinul svůj vlastní styl a techniku, ale všichni byli velkými fanoušky čínské umění a kultura.

3. Fujishima Takeji „Východ slunce nad východním mořem“

Fujishima Takeji byl japonský umělec známý svou prací na rozvoji romantismu a impresionismu v uměleckém hnutí jógy (západního stylu) v roce konec XIX- začátek 20. stol. V roce 1905 odcestoval do Francie, kde byl ovlivněn tehdejšími francouzskými hnutími, zejména impresionismem, jak je vidět na jeho obraze Východ slunce nad východním mořem, který byl namalován v roce 1932.

4. Kitagawa Utamaro „Deset typů ženských tváří, sbírka vládnoucích krás“

Kitagawa Utamaro byl významný japonský umělec, který se narodil v roce 1753 a zemřel v roce 1806. Určitě je nejlépe známý pro sérii s názvem „Deset typů ženské tváře. Sbírka dominantních krás, velká milostná témata klasické poezie“ (někdy nazývaná „Zamilované ženy“, obsahující samostatné rytiny „Nahá láska“ a „Promyšlená láska“). Je jedním z nejvýznamnějších umělců spadajících do žánru dřevoryt ukiyo-e.

5. Kawanabe Kyosai „Tiger“

Kawanabe Kyosai byl jedním z nejznámějších japonských umělců období Edo. Jeho umění bylo ovlivněno dílem Tohakua, malíře školy Kano ze 16. století, který byl jediný umělec své doby, který maloval obrazovky celé inkoustem na jemné pozadí práškového zlata. Přestože je Kyosai známý jako karikaturista, namaloval některé z nejslavnějších obrazů Japonská historie umění 19. století století. "Tiger" je jedním z těch obrazů, které Kyosai vytvořil akvarelem a inkoustem.

6. Hiroshi Yoshida „Fuji from Lake Kawaguchi“

Hiroshi Yoshida je známý jako jedna z hlavních postav stylu Shin-hanga (Shin-hanga je umělecké hnutí v Japonsku na počátku 20. století, během období Taisho a Showa, které oživilo tradiční umění ukiyo-e, které měl své kořeny v obdobích Edo a Meidži (XVII - XIX století)). Vyučil se v tradici západní olejomalby, která byla převzata z Japonska v období Meidži.

7. Takashi Murakami „727“

Takashi Murakami je pravděpodobně nejpopulárnější japonský umělec současnosti. Jeho díla se prodávají za astronomické ceny. velké aukce a kreativita již inspiruje nové generace umělců nejen v Japonsku, ale i v zahraničí. Murakamiho umění zahrnuje celá řada prostředí a je obvykle popisován jako superplane. Jeho práce je známá tím, že používá barvy a zahrnuje motivy z japonské tradiční a populární kultury. Obsah jeho obrazů je často popisován jako „roztomilý“, „psychedelický“ nebo „satirický“.

8. Yayoi Kusama „Dýně“

Yaoi Kusama je také jedním z nejznámějších japonských umělců. Tvoří v různé techniky, včetně malby, koláže, scatové sochy, performance, environmentálního umění a instalace, z nichž většina demonstruje její tematický zájem o psychedelické barvy, opakování a vzory. Jeden z nejvíce slavný seriál tento velký umělec je série Pumpkin. Pravidelná dýně v jasně žluté barvě, pokrytá puntíkovaným vzorem, je prezentována na pozadí sítě. Všechny tyto prvky společně tvoří vizuální jazyk, který je neomylně věrný autorovu stylu a byl vyvíjen a zdokonalován po desetiletí pečlivé výroby a reprodukce.

9. Tenmyoya Hisashi „Japonský duch č. 14“

Tenmyoya Hisashi je současný japonský umělec, který je známý svými neo-nihongovými obrazy. Podílel se na oživení staré tradice japonské malby, která je úplným opakem moderní japonské malby. V roce 2000 také vytvořil svůj nový styl butouha, který demonstruje silný postoj k autoritě umělecký systém prostřednictvím jeho obrazů. "Japonský duch č. 14" byl vytvořen jako součást umělecké schéma"BASARA", vykládáno v japonská kultura jako vzpurné chování nižší aristokracie během období Válčících států s cílem zbavit úřady schopnosti dosáhnout ideální obrázekživot, oblékání do bujných a luxusních šatů a jednání ze svobodné vůle, ne v souladu s jejich společenskou třídou.

10. Katsushika Hokusai „Velká vlna z Kanagawy“

Konečně, Velká vlna z Kanagawy je pravděpodobně nejznámější japonský obraz, jaký byl kdy namalován. Tohle je vlastně nejvíc slavné dílo umění vytvořené v Japonsku. Zobrazuje obrovské vlny ohrožující lodě u pobřeží prefektury Kanagawa. Ačkoli je někdy mylně považována za tsunami, vlna, jak název obrazu napovídá, je s největší pravděpodobností prostě abnormálně vysoká. Obraz je vyroben v tradici ukiyo-e.

Každá země má své hrdiny současného umění, jejichž jména jsou známá, jejichž výstavy přitahují davy fanoušků a zvědavců a jejichž díla jsou prodávána do soukromých sbírek.

V tomto článku vám představíme ty nejoblíbenější současných umělců Japonsko.

Keiko Tanabe

Keiko se narodila v Kjótu a jako dítě vyhrála mnoho výtvarných soutěží, ale vysokoškolské vzdělání V oblasti umění jsem to vůbec nepochopil. Pracovala v oddělení mezinárodních vztahů japonské městské obchodní organizace v Tokiu, velké právnické firmě v San Franciscu a soukromé poradenské firmě v San Diegu a hodně cestovala. Počínaje rokem 2003 opustila zaměstnání a po vystudování základů akvarelu v San Diegu se věnovala výhradně umění.

Ikenaga Yasunari

Japonský umělec Ikenaga Yasunari maluje portréty moderní ženy ve starověku Japonská tradice malba pomocí štětce Menso, minerálních pigmentů, sazí, inkoustu a lnu jako podkladu. Její postavy jsou ženy naší doby, ale díky Nihonga stylu máte pocit, že k nám přicházely odnepaměti.

Abe Toshiyuki

Abe Toshiyuki je realistický umělec, který dokonale ovládá techniku ​​akvarelu. Abe lze nazvat umělcem-filozofem: zásadně nemaluje slavné památky, dává přednost subjektivním kompozicím, které odrážejí vnitřní stavy osoba, která je sleduje.

Hiroko Sakai

Kariéra umělkyně Hiroko Sakai začala na počátku 90. let ve městě Fukuoka. Po absolvování univerzity Seinan Gakuin a francouzská škola Nihon interiérový design v oblasti designu a vizualizace, založila "Atelier Yume-Tsumugi Ltd." a úspěšně řídil tento ateliér 5 let. Mnoho jejích děl zdobí vestibuly nemocnic, kanceláře velkých korporací a některé městské budovy v Japonsku. Po přestěhování do Spojených států začala Hiroko malovat oleji.

Riusuke Fukahori

Trojrozměrná díla Riusukiho Fukahoriho připomínají hologramy. Jsou hotové akrylová barva, nanášený v několika vrstvách, a průhledná pryskyřičná kapalina - to vše, bez vyloučení tradičních metod, jako je kreslení stínů, změkčování hran, kontrola průhlednosti, umožňuje Riusukimu vytvářet sochařské malby a dává dílům hloubku a realismus.

Natsuki Otani

Natsuki Otani je talentovaný japonský ilustrátor žijící a pracující v Anglii.

Makoto Muramatsu

Makoto Muramatsu si jako základ pro svou kreativitu vybral téma, které je pro všechny strany výhodné – kreslí kočky. Jeho obrázky jsou oblíbené po celém světě, zejména v podobě hlavolamů.

Tetsuya Mishima

Většina obrazů současného japonského umělce Mishimy je provedena v olejích. Profesionálně maluje od 90. let, má za sebou několik samostatných výstav a velké množství společných výstav, japonských i zahraničních.

Japonská malba je naprosto unikátní hnutí ve světovém umění. Existuje již od pradávna, ale jako tradice neztratila na oblibě a schopnosti překvapit.

Pozor na tradice

Východ není jen o krajině, horách a vycházejícím slunci. To jsou také lidé, kteří vytvořili jeho příběh. Právě tito lidé po mnoho staletí podporovali tradici japonské malby, rozvíjeli a zdokonalovali své umění. Ti, kteří se významně zapsali do historie, jsou japonští umělci. Díky nim si moderní zachovaly všechny kánony tradiční japonské malby.

Způsob provádění obrazů

Na rozdíl od Evropy japonští umělci preferovali malbu blíže grafice než malbě. V takových obrazech nenajdete hrubé, nedbalé olejové tahy, které jsou tak charakteristické pro impresionisty. Jaká je grafická povaha takového umění, jako jsou japonské stromy, skály, zvířata a ptáci - vše na těchto obrazech je nakresleno co nejjasněji, s pevnými a sebevědomými inkoustovými liniemi. Všechny objekty v kompozici musí mít obrys. Vyplnění uvnitř obrysu se obvykle provádí vodovými barvami. Barva se vymyje, přidají se další odstíny a někde zůstane barva papíru. Dekorativnost je přesně to, co odlišuje japonské malby od umění celého světa.

Kontrasty v malbě

Kontrast je další charakteristickou technikou používanou japonskými umělci. Může to být rozdíl v tónu, barvě nebo kontrastu teplých a studených odstínů.

Umělec se k této technice uchýlí, když chce zvýraznit nějaký prvek předmětu. Může to být žíla na rostlině, samostatný okvětní lístek nebo kmen stromu proti obloze. Poté je znázorněno světlo, osvětlená část předmětu a stín pod ní (nebo naopak).

Přechody a barevná řešení

Při malování japonských obrazů se často používají přechody. Mohou být různé: například od jedné barvy k druhé. Na okvětních lístcích leknínů a pivoněk si můžete všimnout přechodu od světlého odstínu k syté, jasné barvě.

Přechody jsou také použity v obrazu vodní hladiny a oblohy. Plynulý přechod od západu slunce do tmavého, prohlubujícího se soumraku vypadá velmi krásně. Při kreslení mraků se také používají přechody z různých odstínů a reflexů.

Základní motivy japonské malby

V umění je vše propojeno s reálný život, s pocity a emocemi těch, kdo se na tom podílejí. Stejně jako v literatuře, hudbě a dalších projevech kreativity je i v malbě několik věčná témata. Jsou to historické náměty, obrazy lidí a přírody.

Japonské krajiny přicházejí v mnoha variantách. Na obrazech jsou často obrazy rybníků - oblíbený kus nábytku pro Japonce. Ozdobné jezírko, několik leknínů a bambus v okolí - tak vypadá typický obrázek 17.-18. století.

Zvířata v japonské malbě

Zvířata jsou také často se opakujícím prvkem v asijské malbě. Tradičně je to slídící tygr nebo kočka domácí. Obecně jsou Asiaté velmi rádi, a proto se jejich zástupci nacházejí ve všech formách orientálního umění.

Svět fauny je dalším tématem, kterým se japonská malba řídí. Ptáci - jeřábi, dekorativní papoušci, luxusní pávi, vlaštovky, nenápadní vrabci a dokonce i kohouti - to vše se nachází na kresbách orientálních mistrů.

Ryby - nic méně aktuální téma pro japonské umělce. Koi kapři jsou japonskou verzí zlaté rybky. Tito tvorové žijí v Asii ve všech rybnících, dokonce i v malých parcích a zahradách. Koi kapr je druh tradice, která patří specificky do Japonska. Tyto ryby symbolizují boj, odhodlání a dosažení vašeho cíle. Ne nadarmo jsou zobrazeny plovoucí proudem, vždy s ozdobnými hřebeny vln.

Japonské malby: zobrazení lidí

Lidé v japonské malbě jsou zvláštním tématem. Umělci zobrazovali gejši, císaře, válečníky a starší.

Gejši jsou zobrazovány obklopené květinami, vždy na sobě mají propracovaný hábit s mnoha záhyby a prvky.

Mudrci jsou zobrazeni, jak sedí nebo něco vysvětlují svým studentům. Obraz starého vědce je symbolem historie, kultury a filozofie Asie.

Válečník byl zobrazen jako impozantní, někdy děsivý. Ty dlouhé byly detailně nakreslené a vypadaly jako drát.

Obvykle jsou všechny detaily brnění objasněny pomocí inkoustu. Nazí válečníci jsou často zdobeni tetováním zobrazujícím východní drak. Je symbolem japonské síly a vojenské síly.

Panovníci byli zobrazováni pro císařské rodiny. Krásné oblečení a ozdoby v mužských vlasech jsou tím, čím taková umělecká díla oplývají.

Krajiny

Tradiční japonská krajina - hory. Asijským malířům se podařilo zobrazit různé krajiny: dokážou zobrazit stejný vrchol rozdílné barvy, s jinou atmosférou. Jediné, co zůstává nezměněno, je povinná přítomnost květin. Obvykle spolu s horami umělec znázorní nějakou rostlinu v popředí a detailně ji nakreslí. Hory a třešňové květy. A pokud malují padající okvětní lístky, obraz vzbuzuje obdiv k jeho smutné kráse. Kontrast v atmosféře obrazu je další nádhernou kvalitou japonské kultury.

hieroglyfy

Kompozice obrazu v japonské malbě je často kombinována s psaním. Hieroglyfy jsou uspořádány tak, aby kompozičně vypadaly krásně. Obvykle jsou nakresleny vlevo nebo vpravo od malby. Hieroglyfy mohou představovat to, co je na obraze zobrazeno, jeho název nebo jméno umělce.

Japonsko je jednou z nejbohatších zemí na historii a kulturu. Japonci jsou po celém světě obecně považováni za pedanty, kteří nacházejí estetiku naprosto ve všech projevech života. Japonské malby jsou proto vždy velmi harmonické v barvě a tónu: pokud tam jsou cákance nějaké světlé barvy, je to pouze v sémantických centrech. Na příkladu obrazů asijských umělců můžete studovat teorii barev, správnou reprezentaci formy pomocí grafiky a kompozici. Technika provádění japonských obrazů je tak vysoká, že může sloužit jako příklad pro práci s akvarelem a provádění „mytí“ grafických prací.