Anotace: Historie vzniku klasického tance. Mistrovská díla světové klasiky Směry moderního tance

Závěr festivalu Platonov bude ve znamení představení „Mistrovská díla moderní choreografie“ skládající se z jednoaktové balety„Sharpening to the Edge“ od Jormy Ela, „In the Forest“ od Nacho Duata, „Malá smrt“ a „Šest tanců“ od Jiřího Kyliana.

"Doostření na ostré"

Hudba - A. Vivaldi, G. Bieber

Choreograf - Jorma Elo

Světelný designér - Mark Stanley
Kostýmní výtvarnice - Holly Hines
Dirigent - Felix Korobov

"Na Floresta" (v lese)

Hudba - E. Vila-Lobos, V. Tiso
Choreograf - Nacho Duato
Umělec - Walter Nobbe
Kostýmní výtvarník - Nacho Duato

"malá smrt"(Petite Mort) "Šest tanců"(Sechs Tanze)

V dubnu 2011 byla hra oceněna cenou Národního divadla. Zlatá maska„jako nejlepší baletní výkon sezóny.

Hudba - W. A. Mozart

Choreograf - Jiří Kylian

Scénografie - Jiří Kylian
Kostýmní výtvarníci - Jiří Kylian, Jouke Visser
Hudební ředitel inscenace a dirigent - Felix Korobov

Balet "Doostření k ostrosti" zhudebněný skladateli 17.–18. století Antoniem Vivaldim a Heinrichem Biberem. Závratná kaskáda virtuózních tanců, riskantní hra na hranici možného – tak ztělesňuje svět baroka v tanci finský choreograf Jorma Elo.

Balet "Na Floresta"- choreografická skladba oslavující krásu amazonské džungle. Energie vášně naplňuje balet, činí jeho choreografii hmotně hmatatelnou a zároveň beztížnou. Úspěch hry, kterou poprvé uvedl Nacho Duato v roce 1990 v Haagu, byl fenomenální. Bezzápletková inscenace s hudbou Heitora Villa-Lobose spojuje jemnost lidské pocity a obdiv k velikosti přírody, se kterou nás spojují nerozlučná pouta.

Oba balety Jiřího Kyliana ( "Malá smrt", "Šest tanců") se dlouhodobě řadí mezi mistrovská díla. "Malá smrt" - milostné texty nejvyššího standardu. „Malá smrt“ nevypovídá o nesmrtelnosti umění o nic méně než o sexualitě a erotismu.

„Šest tanců“ je typem komického baletu, jehož humor není založen na dějových kolizích, ale na čisté choreografii. Představení má blízko k duchu divadla, které je dlouho známé svými komediálními balety a scénkami. Posílá nás do galantní věk krinolíny, paruky a pudr, Kilian manévruje s virtuozitou mezi fraškou a sofistikovanou sofistikovaností.

Jorma Elo- jeden z nejznámějších choreografů současnosti. Baletní sloupkařka New York Times Anna Kiselgoff označila jeho práci za „vzor“. Zatímco neustále spolupracuje s Boston Ballet, Jorma Elo také hraje produkce v mnoha zemích po celém světě.

Jorma Elo se narodil ve Finsku. Studoval na Finské národní baletní škole a Akademii ruského baletu. Vaganova v Petrohradě. Jako choreograf spolupracoval s Basel Ballet, Alberta Ballet, Norským národním baletem, Finským národním baletem, Nizozemským tanečním divadlem a Královským dánským baletem. Aktivně spolupracuje také s New York City Ballet, American Ballet Theatre, Hubbard Street Dance Chicago, San Francisco Ballet a dalšími americkými tanečními společnostmi.

Od roku 2005 je Jorma Elo rezidentní choreografkou Boston Ballet (USA). Zde nastudoval hry „Sharp Sideo fDark“ (2002), „Planto B“ (2004), „Carmen“ (2006), „Hold Your Eyes“ (2008), „In On Blue“ (2008), „The Rite“ jara“ (2009). Jorma Elo sám vytváří kostýmy, osvětlení a videa pro své produkce.

Vynikající choreograf Nacho Duato narozen ve Valencii (Španělsko). Studoval tanec na Rambert School v Londýně, poté pokračoval ve studiu v Bruselu na Mudra School of Maurice Bejart a na Alvin Ailey American Dance Center v New Yorku. Duatova první práce jako choreografa „Jardi Tancat“ („The Walled Garden“) mu přinesla velký úspěch a získává první cenu na Mezinárodních choreografických workshopech v Kolíně nad Rýnem. Duato pokračuje ve vystupování jako tanečník a vytváří více než deset inscenací, včetně „Dance and Ritual“, „Birds“, „Sinafay“, „Bolero“ a dalších. Spolehlivým spojencem choreografa téměř ve všech těchto dílech byl umělec Walter Nobbe.

Choreografická díla Nacho Duata jsou zařazena do repertoáru Kullberg Ballet (Švédsko), NDT, Bolshoi Ballet of Canada, Deutsche Oper Ballet, Finnish National Opera, San Francisco Ballet, American Ballet Theatre, Stuttgart Ballet, the Australský balet a další divadla. V roce 1990 vedl Nacho Duato Národní taneční divadlo Španělska, kde vytvořil desítky představení. V roce 1995 získal Nacho Duato titul rytíře francouzského Řádu umění a literatury. V roce 1998 mu španělská vláda udělila zlatou medaili za zásluhy o umění. V roce 2000 získal Nacho Duato mezinárodní baletní cenu Benois de la danse jako nejlepší choreograf roku za inscenaci baletu "Mnohostrannost. Podoby ticha a prázdnoty." Od roku 2010 vede baletní soubor. Michajlovského divadlo(Petrohrad).

Vynikající současný choreograf Jiří Kylian- absolvent Národní baletní školy v Praze. V roce 1967 Kilian získal stipendium ke studiu na Royal Ballet School v Londýně, kde se seznámil s choreografem Johnem Crankem, který mu nabídl smlouvu jako tanečník se Stuttgart Ballet. Brzy Kilian vedl taneční soubor speciálně vytvořený v divadle, který se věnoval výhradně moderní choreografii. V roce 1974 byl Kilian pozván do Nizozemského tanečního divadla (NDT). K realizaci svých nápadů Kilian vytváří choreografické workshopy v divadle a také aktivně vede mistrovské kurzy po celém světě. Od poloviny 80. let tíhl Kilianův styl k abstrakci a surrealistickým obrazům. Tak se objevily balety „Černobílá“, „Už si hrát“, „Malá smrt“, „Sarabanda“, „Pád andělů“, „Arcimboldo“ a další. Kilian a NDT iniciovali vzestup holandské taneční kultury a určili její vedoucí postavení v žánru moderního tance.

Historie baletu

Balet je poměrně mladé umění. Je to něco málo přes čtyři sta let, i když tanec zdobí lidský život už od pradávna. Balet se zrodil v severní Itálii během renesance. Italští princové milovali okázalé palácové slavnosti, ve kterých byl středem zájmu tanec. důležité místo. Venkovské tance nebyly vhodné pro dvorní dámy a pány. Jejich oděv, stejně jako sály, kde se tančilo, neumožňoval neorganizovaný pohyb. Pořádek v dvorských tancích se snažili nastolit speciální učitelé – taneční mistři. Se šlechtici předem nacvičovali jednotlivé figury a taneční pohyby a vedli skupiny tanečníků. Postupně byl tanec čím dál tím divadelnější. Termín "balet" se objevil v pozdní XVI století (z italského baletu – tančit). Tehdy to ale neznamenalo představení, ale pouze taneční epizodu přenášející určitou náladu. Takové „balety“ se obvykle skládaly z lehce propojených „výstupů“ postav – nejčastěji hrdinů řeckých mýtů. Poté, co začaly takové „výjezdy“. obecný tanec - « velký balet" Prvním baletním představením byl Queen's Comedy Ballet, uvedený v roce 1581 ve Francii. Italský choreograf Baltazarini di Belgioioso. Právě ve Francii došlo k dalšímu rozvoji baletu. Nejprve to byly maškarní balety, později pompézní melodramatické balety s rytířskými a fantastickými zápletkami, kde taneční epizody vystřídaly vokální árie a recitace poezie. Nedivte se, balet v té době nebyl jen taneční představení. Za vlády Ludvík XIV Zvláštního lesku dosáhly výkony dvorního baletu. Sám Louis se rád účastnil baletů a svou slavnou přezdívku „The Sun King“ dostal poté, co hrál roli Slunce v „Balet of the Night“. V roce 1661 vytvořil Královskou akademii hudby a tance, která zahrnovala 13 předních tanečních mistrů. Jejich povinností bylo zachovávat taneční tradice. Ředitel akademie, učitel královského tance Pierre Beauchamp, určil pět hlavních pozic klasický tanec. Brzy byla otevřena Pařížská opera a tentýž Beauchamp byl jmenován choreografem. Pod jeho vedením vznikl baletní soubor. Nejprve se skládala pouze z mužů. Ženy se objevily na scéně pařížské opery až v roce 1681. Divadlo uvedlo opery a balety skladatele Lullyho a komedie a balety dramatika Moliera. Zpočátku se jich účastnili dvořané a představení se téměř nelišila od palácových. Tancovaly se již zmíněné pomalé menuety, gavoty a pavanes. Masky, těžké šaty a vysoké podpatky bránily ženám provádět složité pohyby. Proto se tehdy mužské tance vyznačovaly větší grácií a elegancí. V polovině 18. století získal balet v Evropě velkou oblibu. Všechny aristokratické dvory Evropy se snažily napodobit přepych Francouzů královský dvůr. Ve městech se otevřely operní domy. Řada tanečníků a učitelů tance snadno našla práci. Brzy ovlivněno dámskou módou baletní kostým se stal mnohem lehčím a volnějším, pod ním byly vidět linie těla. Tanečníci opustili boty na vysokém podpatku a nahradili je lehkými botami bez podpatku. Pánský oblek se také stal méně objemným. Každá inovace učinila tanec smysluplnějším a taneční techniku vyšší. Postupně se balet oddělil od opery a stal se samostatným uměním. Přestože byla francouzská baletní škola pověstná svou grácií a plasticitou, vyznačovala se určitým chladem a formálností provedení. Choreografové a výtvarníci proto hledali jiné výrazové prostředky.

V konec XVIII století se zrodil nový směr v umění – romantismus, který měl silný vliv na balet. Ve snaze udělat svůj tanec vzdušnějším se umělci snažili stát na špičkách prstů, což vedlo k vynálezu špičatých bot. V budoucnu se prstová technika ženského tance aktivně rozvíjí. První, kdo použil tanec na špičatých botách jako vyjadřovací prostředky byla Maria Taglioni. Maria Taglioniová(Italština Maria Taglioniová; 23. dubna 1804, Stockholm – 22. dubna 1884, Marseille) – slavná italská balerína, ústřední postava baletu éry romantismu. Maria se narodila do rodiny choreografa a choreografa Philippa Taglioniho. Dívka neměla ani baletní postavu, ani zvláštní vzhled. Navzdory tomu se její otec rozhodl, že z ní udělá baletku. Maria studovala ve Vídni, Stockholmu a poté v Paříži u Françoise Coulona. Později její otec spolupracoval se samotnou Marií, v roce 1822 nastudoval balet „Přijetí mladé nymfy do paláce Terpsichore“, se kterým Maria debutovala ve Vídni. Tanečnice opustila těžké oblečení, paruky a make-up, které jsou neodmyslitelnou součástí baletu, a tančila pouze ve skromných lehkých šatech. Maria uchvátila pařížské publikum v roce 1827 na benátském karnevalu a od té doby často tančila ve Velké opeře v Paříži. Tam se v březnu 1832 konala premiéra baletu La Sylphide, čímž začala éra baletního romantismu. Byla to ona, kdo pak zavedl do baletu tutu a pointe.Před Marií Taglioni uchvátily diváky hezké baletky virtuózní taneční technikou a ženským šarmem. Taglioni, v žádném případě kráska, vytvořil nový typ baleríny - duchovní a tajemné. V La Sylphide ztělesnila obraz nadpozemského tvora zosobňujícího ideál, nedosažitelný sen o kráse. Ve splývavých bílých šatech, vznášejících se lehkými skoky a mrznoucích na konečcích prstů, se Taglioni stala první baletkou, která použila špičaté boty a učinila z nich nedílnou součást klasický balet. Obdivovala ji všechna hlavní města Evropy. Ve stáří Maria Taglioni, osamělá a zbídačená, učila tanec a slušné chování děti londýnských šlechticů. Na náhrobku je následující epitaf: „ Ô terre ne pèse pas trop sur elle, elle a si peu pesé sur toi„(Země, moc na ni netlač, protože po tobě chodila tak snadno). V této době se objevilo mnoho nádherných baletů, ale bohužel se stal balet romantický poslední období rozkvět tanečního umění na Západě. Od druhého poloviny 19. století století se balet, který ztratil svůj dřívější význam, stal přílohou opery. Teprve ve 30. letech 20. století započalo pod vlivem ruského baletu oživení této umělecké formy v Evropě.

V Rusku První baletní představení - „Balet Orfea a Eurydiky“ - bylo uvedeno 8. února 1673 na dvoře cara Alexeje Michajloviče ve vesnici Preobraženskoje u Moskvy. Připravil ho cizinec Nikolaj Lima (neboli Lim). Není přesně známo, kdo byl jeho původ - s největší pravděpodobností to byl Skot, který emigroval do Francie a poté přišel do Ruska jako důstojník ženijních sil. Je však zcela spolehlivý fakt, že jeho znalosti baletu byly velmi velké. Stal se vedoucím rodícího se baletního souboru, jeho učitelem, choreografem a prvním tanečníkem. Deset „filistánských dětí“ bylo posláno studovat do Limy a o rok později se jejich počet zdvojnásobil. V roce 1673 na scéně kremelského divadla Lima předvedla „francouzský tanec“ v „Baletu Orfea a Eurydiky“. Byl to balet francouzský styl, mezi kulisami pohyblivých pyramid a prvním profesionálním baletním představením na ruské scéně. Později se zvláštním výnosem císaře Petra Velikého stal tanec nedílnou součástí dvorské etikety. Ve 30. letech 18. století. V Petrohradě se na dvoře Anny Ivanovny konala pravidelná představení operních a baletních představení. Taneční scény v operách nastudovali choreografové J. B. Lande a A. Rinaldi (přezdívaný Fossano). Urozená mládež se musela učit tanci, a tak se v Petrohradě společenský tanec stal povinnou disciplínou v Gentry Cadet Corps. S otevřením letního divadla v Letní zahradě, zimního divadla v křídle Zimní palác Kadeti se začínají účastnit baletního tance. Učitelem tance ve sboru byl Jean-Baptiste Lande. Dobře chápal, že šlechtici se v budoucnu baletnímu umění věnovat nebudou, ačkoli v baletech tančí spolu s profesionály. Lande, jako nikdo jiný, viděl potřebu ruského baletního divadla. V září 1737 podal petici, ve které dokázal zdůvodnit potřebu vytvoření nové zvláštní školy, kde by dívky a chlapci jednoduchý původ bude studovat choreografické umění. Brzy bylo takové povolení uděleno. Takže v roce 1738 byla otevřena první baletní taneční škola v Rusku (nyní Akademie ruského baletu A. Ya. Vaganova). Z palácových služebníků bylo vybráno dvanáct dívek a dvanáct štíhlých chlapců, které Lande začal učit. Každodenní práce přinesla výsledky, veřejnost byla potěšena tím, co viděla. Od roku 1743 začali Landeovi bývalí studenti dostávat platy jako baletní tanečníci. Škola velmi rychle dokázala poskytnout ruské scéně vynikající baletní tanečníky a skvělé sólisty. Jména nejlepších studentů první kohorty zůstávají v historii: Aksinya Sergeeva, Avdotya Timofeeva, Elizaveta Zorina, Afanasy Toporkov, Andrei Nesterov. V začátek XIX století dosáhlo ruské baletní umění tvůrčí zralosti. Ruští tanečníci vnesli do tance expresivitu a duchovnost. A. S. Puškin, který to velmi přesně cítil, věnoval následující řádky své současné ruské baletce Avdotya Istomině:

Brilantní, polovzdušné,
Poslouchám magický luk,
Obklopen davem nymf,
Worth Istomin; ona,
Jedna noha se dotýká podlahy,
Druhý pomalu krouží,
A najednou skočí a najednou letí,
Létá jako peříčka z rtů Aeola;
Buď tábor zaseje, pak se bude rozvíjet
A rychlou nohou trefí nohu.

Balet v této době zaujímal výsadní postavení mezi ostatními formami divadelního umění. Úřady mu zaplatily velká pozornost, poskytla státní dotace. Moskevské a Petrohradské baletní soubory vystupovaly v dobře vybavených divadlech a absolvovaly divadelní školy byl každoročně doplňován kádr tanečníků, hudebníků a dekoratérů. V historii našeho baletního divadla se často nacházejí jména zahraničních mistrů, kteří se významně podíleli na rozvoji ruského baletu. Především to jsou Charles Didelot, Arthur Saint-Leon a Marius Petipa. Pomohli vytvořit ruskou baletní školu. Talentovaní ruští umělci ale také dali příležitost odhalit talenty svých učitelů. To vždy přitahovalo největší choreografy Evropy do Moskvy a Petrohradu. Nikde na světě se nemohli setkat s tak velkou, talentovanou a dobře vycvičenou skupinou jako v Rusku. V polovina 19 století se do ruské literatury a umění dostal realismus. Choreografové se horečně, ale bezvýsledně, snažili vytvořit realistická představení. Nebrali v úvahu, že balet je konvenční umění a realismus v baletu se výrazně liší od realismu v malbě a literatuře. Začala krize baletního umění. Náplň představení byla primitivní, jednoduché zápletky sloužily jen jako záminka pro velkolepé tance, ve kterých umělci předváděli své umění. Pro tanečníky bylo hlavní vytříbení formy a techniky klasického tance a v tom dosáhli virtuozity. Nová etapa v historii ruského baletu začala, když velký ruský skladatel P. Čajkovskij poprvé složil hudbu pro balet. To bylo " labutí jezero" Předtím se baletní hudba nebrala vážně. Byla považována za podřadný druh hudební kreativita, jen doprovod k tanci. Díky Čajkovskému se baletní hudba stala spolu s operou vážným uměním symfonická hudba. Dříve hudba byl zcela závislý na tanci, nyní se tanec musel podřizovat hudbě. Byly požadovány nové výrazové prostředky a nový přístup k tvorbě představení. Další vývoj Ruský balet je spojen se jménem moskevského choreografa A. Gorského, který po opuštění zastaralých technik pantomimy použil v baletním představení moderní režijní postupy. Dávání velká důležitost malebný design představení přitahoval k práci ty nejlepší umělce. Ale skutečným reformátorem baletního umění je Michail Fokin, který se vzbouřil proti tradiční konstrukci baletního představení. Tvrdil, že téma hry, její hudba a doba, ve které se akce odehrává, vyžadují pokaždé jiné taneční pohyby a jiný taneční vzorec. Při inscenaci baletu „Egyptské noci“ se Fokine inspiroval poezií V. Brjusova a starověké egyptské kresby, a obrazy baletu „Petrushka“ byly inspirovány poezií A. Bloka. V baletu Dafnis a Chloe opustil tanec na špičatých botách a oživil starověké fresky volnými, pružnými pohyby. Jeho Chopiniana oživila atmosféru romantického baletu. Fokin napsal, že „sní o vytvoření baletního dramatu z baletní zábavy a z tance do srozumitelného, mluvícího jazyka“. A uspěl.

V roce 1908 začala v Paříži každoroční představení ruských baletních tanečníků, které organizoval divadelní představitel S. P. Ďaghilev. Ruské roční období- baletní soubor založený v roce 1911 ruským divadelníkem a uměleckým kritikem Sergejem Diaghilevem. Vyrůstal z ruských sezón 1909, běžel 20 sezón až do Diaghilevovy smrti v roce 1929 a měl velký úspěch v zahraničí, zejména ve Francii a Velké Británii. Ďaghilevův podnik poskytl velký vliv o vývoji nejen ruského baletu, ale i světového choreografického umění vůbec. Jako talentovaný organizátor měl Diaghilev smysl pro talent, vychoval galaxii nadaných tanečníků a choreografů – Václava Nižinského, Leonida Massinea, Michaila Fokina, Serge Lifara, George Balanchina – a poskytoval příležitost zlepšit se již uznávaným umělcům. Jeho kolegové ze Světa umění, Leon Bakst a Alexandre Benois, pracovali na scénách a kostýmech pro Diaghilevovy inscenace. Později Diaghilev se svou vášní pro inovace přilákal přední evropské umělce jako dekoratéry - Pabla Picassa, Andre Deraina, Coco Chanel, Henri Matisse a mnoho dalších - a ruské avantgardní umělce - Natalii Goncharovou, Michaila Larionova, Nauma Gaba, Antoina Pevznera. . Neméně plodná byla spolupráce s Diaghilevem slavných skladatelů ty roky - Richard Strauss, Erik Satie, Maurice Ravel, Sergej Prokofjev, Claude Debussy - a zejména s Igorem Stravinským, který je objevil. Hlavním směrem choreografie jeho sezón byla od samého počátku touha posouvat hranice klasického baletu. Nižinského experimenty s tanečními formami předběhly dobu, a proto nebyly okamžitě přijaty publikem. Fokine dodal pohybům „bohatou plasticitu“ a Massine, který pokračoval v principech, které stanovil, obohatil choreografii o „rozbité a domýšlivé formy“. Balanchine se konečně odchýlil od pravidel akademický tanec, což jeho baletům dodává stylizovanější a expresionističtější zvuk. Ďaghilevova období – zejména první, na jejímž programu byly balety „Pták Ohnivák“, „Petruška“ a „Svěcení jara“ – sehrály významnou roli v popularizaci ruské kultury v Evropě a přispěly k etablování módy pro všechno ruské. Například angličtí tanečníci Patrick Healy-Kay, Alice Marks a Hilda Munnings převzali ruské pseudonymy (Anton Dolin, Alicia Markova a Lydia Sokolova), pod kterými vystupovali v Diaghilevově souboru. Popularita jeho sezón vedla k fascinaci mezi Evropany tradičním ruským krojem a zrodila se nová móda- dokonce i manželka britského krále Jiřího VI. se vdala v „šatech parafrázujících ruské folklorní tradice“.

Jména tanečníků z Ruska - Vaslav Nižinskij, Tamara Karsavina, Adolf Bolm - se stala známá po celém světě. Ale první v této řadě je jméno nesrovnatelné Anny Pavlové. Pavlova - lyrická, křehká, s protáhlými liniemi těla, obrovskýma očima - evokovala rytiny zobrazující romantické baletky. Její hrdinky zprostředkovaly ryze ruský sen o harmonickém, zduchovněném životě nebo melancholii a smutku nad něčím nenaplněným. "The Dying Swan" vytvořil skvělá baletka Pavlova, - poetický symbol Ruský balet počátku 20. století. Tehdy se západní balet pod vlivem zručnosti ruských umělců otřásl a našel druhý dech.

Po Říjnová revoluce V roce 1917 opustilo Rusko mnoho baletních divadelníků, ale navzdory tomu škola ruského baletu přežila. Patos pohybu k novému životu, revoluční témata a hlavně prostor pro tvůrčí experimenty inspirovaly baletní mistry. Stáli před úkolem: přiblížit choreografické umění lidem, učinit je vitálnějším a přístupnějším. Tak vznikl žánr dramatického baletu. Jednalo se o představení, obvykle založená na zápletkách slavných literární práce, které byly postaveny podle zákonů dramatického výkonu. Obsah byl prezentován prostřednictvím pantomimy a figurativního tance. V Rusku neztratil balet na významu ani v letech po první světové válce a za sovětské nadvlády, i když se zdálo, že politická a ekonomická situace ohrožuje samotnou existenci Bolšoj a Mariinského (který nesl jméno po Říjnové revoluci Státní divadlo opera a balet, GOTOB a od roku 1934 - pojmenované po S.M. Kirov) divadla. Dvacátá léta byla obdobím intenzivního experimentování ve formě i obsahu baletních představení. Objevily se i inscenace Proletkultu s politickou a sociální tematikou, v Moskvě díla Kasjana Goleizovského (1892–1970) a v Petrohradě (v roce 1924 přejmenovaném na Leningrad) různé inscenace Fjodora Lopuchova (1886–1973), včetně jeho „Velikost vesmír“ (1922) na hudbu Beethovenovy Čtvrté symfonie.
„Červený mák“ na hudbu R. M. Gliera, balet inscenovaný v roce 1927 Vasilijem Tichomirovem (1876-1956) a Lvem Lashchilinem (1888-1955) v Moskvě, sloužil jako prototyp pro mnoho následujících sovětských baletů: je to multi -akt představení, jehož tématem jsou ušlechtilé vášně a hrdinské činy a speciálně napsaná hudba je ve své podstatě symfonická. Takové balety jako v roce 1932 "Plameny Paříže" Vasilije Vainonena (1901-1964) a v roce 1934 "Fontána Bachčisaraje" Rostislava Zacharova (1907-1984) - oba s hudbou Borise Asafieva, jako v roce 1939 "Laurencia" “ (hudba Alexander Crane) Vakhtang Chabukiani (1910-1992) a v roce 1940 „Romeo a Julie“ Leonida Lavrovského (1905-1967) (hudba Prokofjeva), mohou sloužit jako příklad těch estetických principů, které byly dodržovány nejen hlavními soubory - divadlem. S. M. Kirov v Leningradu a Velké divadlo v Moskvě – ale také všech asi 50 divadel, která v zemi působila.

I když se zachovaly některé objevy z 20. let, převládaly výkony zaměřené na sovětskou politickou ideologii a způsob provedení se vyznačoval cantilencí v provádění pohybů a ohebností (rysy v pažích a zádech), při současném rozvíjení vysokých skoků, akrobatických zdvihů (např. vysoký vzestup na jedné paži gentlemana) a rychlé vývrtky, které dodávaly sovětským baletům zvláštní dramatický výraz.

Jednou z učitelek, která přispěla k rozvoji tohoto stylu, byla Agrippina Vaganova (1879-1951). Bývalá tanečnice v Mariinském divadle začala po ukončení své herecké kariéry učit. Poté, co se stala učitelkou na Leningradské choreografické škole, vyvinula Vaganová program a učebnici klasického tance a vycvičila své studenty tak, aby mohli hrát jak velké romantické balety minulosti, tak ty nové sovětské s jejich virtuózní technikou. V celém Sovětském svazu, stejně jako ve východní Evropě, byl systém Vaganova používán jako základ pro výcvik.
Diváci v západní Evropa a Spojené státy prakticky neznaly sovětský balet až do poloviny 50. let, kdy baletní soubory Divadla. Kirov a Velké divadlo se poprvé vydali na turné na Západ. Zájem o něj vzbudila úžasná dovednost baletek Velkého divadla Galiny Ulanové (1910-1998), která s oduševnělou lyrikou zprostředkovala pocity „Giselle a Julie“, a Mayi Plisetské, která ohromila svou brilantní technikou v roli Odette-Odile ve filmu Labutí jezero. Zatímco Velké divadlo ztělesňovalo ty nejúžasnější rysy sovětský styl Klasická čistota tanečníků Kirovského divadla našla výraz v umělcích jako Natalya Dudinskaya a Konstantin Sergeev, kteří přispěli k oživení tradic Petipy. Dosáhl velkého úspěchu další generace umělci: Jekatěrina Maksimová, Vladimir Vasiliev, Natalya Bessmertnova a Vjačeslav Gordějev ve Velkém divadle, Irina Kolpakova, Alla Sizova a Jurij Solovjov v Kirovově divadle. V roce 1961 Nurejev, jeden z předních tanečníků Kirovova divadla, zůstal na Západě během turné souboru ve Francii. Totéž udělali další dva významní umělci stejného divadla - Natalja Makarová a Michail Baryšnikov (Makarova - v Londýně 1970, Baryšnikov - v Kanadě 1974).
V 80. letech správní a politický tlak na umění v Sovětském svazu oslabil, Olega Vinogradova, který vedl baletní soubor divadla. Kirov od roku 1977 začal zavádět do repertoáru balety Balanchina, Tudora, Maurice Bejarta a Robbinse. Méně nakloněný inovacím byl Jurij Grigorovič, který od roku 1964 stojí v čele baletu Velkého divadla. Jeho rané inscenace –“ Kamenný květ"(hudba Prokofjev, 1957) a "Spartacus" (hudba A.I. Chačaturjana, 1968) jsou typicky sovětská představení. Grigorovič sází na velkolepé efekty, sebevědomě ovládá velkou masu energicky se pohybujících tanečníků, hojně využívá lidový tanec, preferuje hrdinské zápletky.

Na scéně Velkého divadla se dlouhá léta hrály téměř výhradně Grigorovičovy balety nebo jeho adaptace dobových her jako Labutí jezero. Do konce 80. let Irek Mukhamedov a Nina Ananiashvili z Velkého divadla, stejně jako Altynai Asylmuratova a Farukh Ruzimatov z divadla. Kirov dostal povolení vystupovat s předními baletními soubory na Západě a poté se stal součástí těchto skupin. I Vinogradov a Grigorovič začali hledat možnosti, jak ukázat svůj talent mimo Rusko, kde se státní financování divadel výrazně omezilo po rozpadu SSSR v roce 1991. V roce 1995 Grigoroviče nahradil ve funkci ředitele baletu Velkého divadla Vladimír Vasiliev. .
Dalšími soubory v Petrohradě jsou balety Malého divadla opery a baletu. M. P. Musorgského (do roku 1991 pod názvem Maly Theatre of Opera and Ballet), petrohradské „Boris Eifman Ballet Theatre“, které vede choreograf Boris Eifman (nar. 1946), soubor Choreographic Miniatures, vytvořený Leonidem Yakobsonem (1904- 1975), který pracoval v divadle. Kirov v letech 1942-1969, jehož díla se proslavila na Západě. Soubor Hudebního divadla pojmenovaný po. K.S. Stanislavského a V.I. Nemiroviče-Dančenka, Divadlo klasického baletu. Pozornost si zaslouží skupina „Experiment“, kterou v Permu vytvořil Evgeny Panfilov.
Rozpad Sovětského svazu a následná hospodářská krize přinesly baletním souborům, které předtím štědře dotoval stát, obrovské potíže. Mnoho tanečníků a učitelů opustilo zemi, aby se usadili v USA, Anglii, Německu a dalších západních zemích.

Moderní tanec

Moderní tanec je směr v tanečním umění, který se objevil na počátku 20. století v důsledku odklonu od přísných norem baletu ve prospěch tvůrčí svobody choreografů.
Balet se inspiroval volným tancem, o který se tvůrci tolik nezajímali nová technologie tanec nebo choreografie, stejně jako tanec jako zvláštní filozofii, která může změnit život. Toto hnutí, které vzniklo na počátku dvacátého století (Isadora Duncan je považováno za jeho zakladatelku), posloužilo jako zdroj mnoha trendů v moderním tanci a dalo podnět k reformě samotného baletu.

Na závěr bych rád citoval slova naší vynikající baletky Mayy Plisetské, která v jednom ze svých rozhovorů řekla: „Myslím, že balet je umění s velkou a vzrušující budoucností. Určitě bude žít, hledat, rozvíjet se. Určitě se to změní. Ale jak přesně, kterým směrem se bude ubírat, je těžké s naprostou přesností předvídat. nevím. Vím jednu věc: my všichni – jak interpreti, tak choreografové – musíme pracovat velmi tvrdě, vážně, nešetřit se. Lidé, jejich víra v umění, jejich oddanost divadlu dokážou zázraky. A o tom, jaké budou tyto „zázraky“ baletu budoucnosti, rozhodne život sám.“

„Mistrovská díla světové klasiky.

Tanec, který se zapsal do dějin“

Moskva symfonický orchestr

Dirigent - Andrey Yakovlev

V programu: A. P. Borodin I. F. Stravinskij, S. S. Prokofjev, A. I. Chačaturjan, M. de Falla, M. I. Glinka, C. Saint-Saens, J. Bizet, L. Bernstein.

18. listopadu na pódiu Dobrá hala Moskevská konzervatoř bude hostit koncert zcela věnovaný prvku tance a jeho lomu v dílech významných skladatelů různých dob a světových kultur. „Mistrovská díla světové klasiky. Tanec, který se zapsal do dějin“ - vzrušující hudební plátna, která se vyznačují svým konceptuálním významem, jasnou barevností, nepochybným melodickým kouzlem a spontánní dynamikou. Od rozmarné a vyzývavě okouzlující Habanery a Seguidilla z opery „Carmen“ Georgese Bizeta až po postupně se rozhořící „Rituální tanec ohně“ z baletu „Love the Enchantress“ Španěla Manuela de Fally, z půvabné groteskní scény Saint-Saënsův „Tanec smrti“ na lehký zápalný tanec „Mambo“ z amerického muzikálu „West Side Story“ slavný dirigent a skladatel Leonard Bernstein. Moskevský symfonický orchestr a Andrej Jakovlev představí všem posluchačům tohoto nádherného večera bohatou paletu vynikajících klasických tanců, choreografických scén, baletních čísel, které se vyznačují skutečně ohnivým temperamentem a jedinečnou melodickou bohatostí, stejně jako rytmickým reliéfem a rozmanitostí orchestrálního zabarvení. .

Kromě uvedených děl zaujímají v koncertním programu velké místo díla ruských skladatelů - to je báječný, ironický a triumfální „Pochod Černomoru“ z brilantního „Ruslan a Lyudmila“ od Glinky a stepní divoký, dravý „Polovské tance“ velkého mistra, účastníka „ Mocná parta» Alexandr Porfirievič Borodin. Skutečně energicky silné, plné komplexních perkusivních rytmů, které přenášejí divoký archaický prvek Stravinského tanců - démonický „Filthy Dance of Koshcheev's Kingdom“ (z „Pták Ohnivák“) a „Hra o únos“ z legendárního „Svěcení jara“. “ se budou střídat s baletními tanci velkých rusko-sovětských skladatelů: Prokofjeva a Chačaturjana. Orientální, jásavě barevná chuť Kavkazské tance v „Gayane“: slavný „Sabre Dance“ a nespoutaná „Lezginka“ využívající lidový buben a velká scéna Adagio ze „Spartaca“ s božskou lyrickou melodií dosahující ve vyvrcholení extatické apoteózy seznámí posluchače s uměním světoznámého klasika arménské hudby; a tragický, plný divadelního patosu, Smrt Tybalta největší balet„Romeo a Julie“ je dílem ruského génia Prokofjeva. Vrcholným představením večera bude choreografická scéna „Bolero“ Maurice Ravela – dílo, které umožňuje mnoho interpretací – od imitace španělského lidového tance až po koncept postupného, od variace k variaci, formování určitého osudová síla.

Nápaditá rozmanitost programu, jeho bohatost a důstojné provedení jsou dobrým důvodem k návštěvě tohoto nádherného koncertu.

Klasický tanec je dnes základem každého tanečního směru. Jeho prvky byly tvořeny po mnoho let a nejlepšími učiteli baletní školy mír. Tímto směrem začínají všichni začátečníci, kteří se ocitnou v nádherném světě tance.

Klasický tanec je především zábava, krása a ten správný základ pro každého taneční pohyb. Nezáleží na tom, jakým směrem se bude tanečník vyvíjet, měl by s ním začít lekce.

Klasický tanec jsou pohyby, které byly spojeny do jednoho systému. Ale aby tento systém fungoval, je potřeba ho oživit. Jedna věc je, když tanec existuje jen tak, druhá, když pomáhá odhalit pocity a malý příběh, jako je „Labutí jezero“.

Historie vývoje v Rusku

Takový směr jako klasický tanec se v Rusku objevil díky Petrovi I. Dekret o schůzkách z roku 1718 zahrnoval povinné pořádání tanců. O něco později byl tanec přítomen v maškarádách a vystoupeních. A v roce 1773 byla v Moskvě otevřena první baletní škola v Rusku.

Od té doby až dodnes tyto školy daly světu tanečníky, kteří svým talentem oslavují svou vlast.

Umění klasického tance má nejvíce vysoký tvar v choreografii zvané balet. Jedná se o příběh, který se zrodil díky hudbě, ale byl odhalen v choreografii. Je rozdělen na 2 části: charakteristický a klasický tanec. Je také rozdělen do následujících žánrů:

Komedie;

Symfonie;

Tragédie.

Podmínky

Každý tanečník musí znát pojmy klasického tance. Je jich velké množství, ale níže jsou uvedeny pouze ty hlavní.

Adagio znamená v italštině „pomalý“. Toto cvičení zahrnuje pozice, ohyby, rotace a kroucení, které se provádějí v pomalu. hlavním úkolem adagio - učí tanečníky plynule přecházet z jednoho pohybu do druhého, poslouchat hudbu a rozvíjet stabilitu.

Allegro - přeloženo z italštiny jako „radostné“. Jedná se o malé skoky, které se provádějí na konci rozcvičky.

Entrechat - z francouzštiny znamená „překřížený“. Jedná se o cvičení, při kterém se během skoku nohy tanečníka několikrát roztáhnou a zkříží v rychlém tempu. Tato technika ukazuje, jak virtuózní je interpret.

Pas de bure - pohyb se skládá z malých kroků.

Grand - přeloženo z francouzštiny znamená "velký". Existuje například takový pohyb jako Grand Batman Jeté, ve kterém je noha vyhozena do maximální výšky pro tanečníka.

Par terr - "na zemi." Pohyby s takovými názvy znamenají, že se provádějí pouze na podlaze.

Příprava - přeloženo z francouzštiny jako „vaření“. Jakýkoli pohyb, skok nebo rotace začíná přípravou.

Baletní sbor jsou umělci, kteří tančí hromadná čísla.

Fondue je plynulý pohyb, při kterém se nohy ohýbají a uvolňují.

Základní pózy

Jakákoli póza klasického tance s sebou nese úkol. Spojuje je ale jeden cíl – rozvoj koordinace pohybů. Nejzákladnější pozice, které se tanečníci učí v prvním roce tréninku, jsou:

Epalman vykročil vpřed. Ruce jsou zvednuté do první polohy, zatímco hlava je mírně nakloněna k levému uchu a pohled směřuje k pravé ruce. Poté se pravá noha pomalu posune dopředu s nataženým prstem. Současně s nohou pracují i paže: levá je posunuta do polohy III, pravá do polohy II. Díváme se na pravou ruku.
Epalman croisé zpět. Princip pohybu je stejný jako u první možnosti, pouze zde se levá noha pomalu posune dozadu, přičemž levá ruka plynule přechází z polohy I do polohy III, pravá ruka do polohy II. Hlava sleduje pohyb pravé ruky.
Effase vpřed. Aniž bychom ji zvedli z podlahy, posuneme pravou nohu dopředu. Levá ruka plynule se přesune z polohy I do polohy III a pravá změní polohu do polohy II. Když jsou ruce v první pozici, hlava by měla vypadat rovně a pohled by měl směřovat do rukou.
Effase zpět. Levá noha se plynulým pohybem posune dozadu. Ruce přitom provádějí všechny pohyby jako ve verzi vpřed.

Nechybí ani klasická taneční póza zvaná arabeska. Ale protože je to obtížnější, začátečníci to provádějí poté, co důkladně prostudovali dříve zobrazené pozice.

Lidový tanec

Lidové klasické tance jsou veselá, pulzující a slavnostní forma umění. Tento tanec nevznikl díky nejlepší choreografové, jako v případě baletu, ale ze všeho, co nás obklopuje.

Klasický lidový tanec, který je prastarým uměním, umožňuje tanečníkovi během několika minut proměnit se z vášnivého španělského macha na svobodu milujícího cikána. Studiem lidových tanců člověk chápe kulturu každé národnosti a také rozlišuje širokou ruskou duši a snadnost pohybu národů Irska, vzrušení ukrajinský hopak a moudrost Japonska.

Lidový tanec dává tanečníkovi vynikající příležitost navštívit jakoukoli zemi, aniž by opustil zdi tanečního sálu.

Nejoblíbenější druhy klasického lidového tance:

Gopak (Ukrajina);

Sirtaki (Řecko);

Hava Nagila (Izrael);

Kalinka (Rusko);

Csardas (Maďarsko).

Pozice nohou

Hlavní zbraní tanečníka jsou nohy. Pro vytočení nohou existuje jakákoli pozice klasického tance. Nejde o to, abyste prsty u nohou pěkně směřovali různými směry, ale aby byla celá noha od kyčle až po prsty správně natočena. A abyste toho dosáhli, musíte cvičit denně.

K dispozici je 5 pozic:

1. Paty k sobě a prsty vytočené tak, aby chodidla tvořila na podlaze přímku.

2. Stejně jako 1, pouze vzdálenost mezi patami by měla být přibližně 30 cm.

3. Pata jedné nohy by se měla dotýkat středu chodidla druhé nohy. Tato poloha je v tanečním světě používaná a vzácná.

4. Nohy vytočené a vzájemně rovnoběžné. Váha tanečníka je tedy přesně ve středu, to znamená, že nespočívá na jedné z nohou.

5. Tato poloha je podobná pozici 4, pouze zde by měla být chodidla pevně přitlačena k sobě.

Polohy rukou

1 pozice. Ramena jsou mírně zaoblená a na úrovni bránice. Dlaně směřují dovnitř, ramena dolů. Ruce a lokty by měly tvořit ovál.

2. pozice. Paže otevřené do stran by měly být na úrovni mírně pod rameny. Lokty jsou mírně pokrčené, prsty jsou vtažené a dlaně a hlava směřují dopředu.

3. pozice. Paže jsou mírně zaoblené a zvednuté nad hlavou. Štětce by měly být blízko, ale neměly by se navzájem dotýkat. Dlaně se dívají dolů a hlava vypadá rovně.

Moderní taneční směry

Moderní klasický tanec, jako každý jiný žánr v tomto oboru, má mnoho druhů a směrů. Je považována za největší část v choreografii. Každý směr moderního tance má své vlastní charakteristiky a způsoby. Díky tomu je ještě zajímavější a lákavější.

Jazz je taneční směr se objevil již v 19. století. Má své vlastní větve, které mají své manýry a pohyby. Tap, freestyle, afro-jazz, klasický jazz, funk, Broadway jazz, soul - to je jen malá část z celkového počtu typů. Duše je považována za nejvirtuóznější formu. Je velmi podobný společenskému tanci a zahrnuje obrovské množství složité pohyby a triky.

Moderní - zcela opustil kánony klasického tance a má svůj vlastní filozofický přístup ke každému pohybu. Důležitý je zde vztah tanečníka k rytmu a hudbě.

Společenský tanec

Tento směr si zaslouží zvláštní pozornost. To není jen soubor pohybů k hudbě – je to sport, historie, láska a vášeň, spojené dohromady.

Partneři spolu komunikují pomocí pohybů, dotyků a pohledů. Společenský program zahrnuje 10 tanců, které jsou rozděleny do 2 skupin: evropské a latinskoamerické.

Valčík je nejušlechtilejší ze všech tanců a jediný, který během taneční revoluce neprošel změnami.

Tango je smyslný tanec, kde hlavní roli hraje partner. Tanec plný vášně a harmonicky kombinující rychlé, ostré a plynulé pohyby.

Rumba je tanec vzrušující jako tango, ale zároveň velmi jemný a klidný.

Cha-cha-cha je úžasný tanec, který je založen na pohybu boků a nohou. Jeho rytmus nelze zaměnit s žádným jiným (1,2, cha-cha-cha).