Svátek hojnosti. Zátiší v malbě: typy a popisy Zátiší slavných umělců v oleji renesance

Tehdy se to hodně lidem líbilo a díla umělců mi připadají jako vynikající vizuální pomůcka při studiu barevných kombinací. Vlastně proč znovu vynalézat kolo, když velcí mistři dlouho studovali principy harmonie, kombinace odstínů a aktivně je používali při malování. Plánuji na toto téma napsat sérii příspěvků a budu čerpat z Ittenovy knihy "Umění barev".

Problém s barevnými kombinacemi často pramení z toho, že nám chybí postřeh a oko není vycvičené k vidění zdařilých kombinací, jsou vnuceny určité stereotypy a kvůli neznalosti nám chybí odvaha a sebevědomí při výběru barev. Budeme s tím bojovat :)

Itten nás ve své práci o barvě provede nejvýznamnějšími obdobími ve vývoji umění a práce s barvou a jako příklady uvádí velké umělce. A dnes začneme s umělci renesance. Jan van Eyck, Piero della Francesca, Leonardo da Vinci, Titian, Grunewald.

"Jan van Eyck začal tvořit obrazy kompoziční základ které byly určeny skutečnými barvami vyobrazených osob a předmětů. Prostřednictvím blednutí a čistoty, světlosti a temnoty těchto barev se zvuk obrazu stále více podobal realističnosti. Barva se stala prostředkem k vyjádření přirozenosti věcí.“

"Portrét manželů Arnolfiniových" je vyroben v tlumených teplých tónech tmavého podzimu

„Ghentský oltář“ je vymalován teplými barvami, ale barvy jsou již jasnější a čistší, blíž k jaru

"Piero della Francesca Maloval lidi, figury ostře obkresloval výraznými výraznými barvami, přičemž používal další barvy, které dodávaly obrazům obrazovou rovnováhu.“

"Portrét Federiga da Montefeltro a Battista Sforza" je také vyroben v teplých barvách, v barvách podzimu

"Altar of Montefeltro": velmi krásná kombinace barev, jemné odstíny, rozsah jaro-léto.

Výsledkem je kombinace tří základních tónů a dvou přízvukových tónů:

"Leonardo da Vinci opuštěné světlé barvy. Své obrazy postavil na nekonečně jemných tónových přechodech.“

"Mona Lisa"

"Klanění tří králů"

"Tizian začal usilovat o malebné modulace chladu a tepla, vybledlé a bohaté."

"Nádherný"

„Jeho barevné vlastnosti pozdní malby byla jím vytvořena na základě různých tmavých a světlých odstínů stejné barvy.“

"Korunovace trnovou korunou." Jedná se o veselý obrázek jak tématem, tak barvami. Nejlepší je v listopadu :))

Ale barevné přechody ve stejné barvě jsou velmi jasně viditelné.

"Grunewald kontrastoval jednu barvu s druhou. Z takzvané objektivně existující barevné substance věděl, jak najít svou vlastní barvu pro každý motiv obrazu.“

"Isenheimský oltář"

V rámci stejného díla použil Grunewald různá barevná schémata a obětoval celkovou harmonii kvůli předávání významu. jednotlivé díly funguje.

Zbývá uzavřít, že pokud jste Podzim, pak byste se měli podívat na další díla renesančních umělců :)

Zátiší s ovocem a pokrmy

Umělec Willem van Aelst se narodil v květnu 1627 ve městě Utrecht nebo Delft.

Willem van Aelst studoval základy malby u svého strýce, slavného umělce Everta van Aelsta. V listopadu 1643 byl mladý umělec přijat do Delftského cechu umělců svatého Lukáše.

Čtyři roky, od roku 1845 do roku 1649, umělec žil a tvořil ve Francii a poté dalších sedm let v Itálii. Willem van Aalst ve Florencii dokončil poměrně hodně práce na zakázku velkovévody toskánského Ferdinanda II. de' Medici.

Po návratu do vlasti se umělec usadil v Amsterodamu, zřídil si ateliér a přijal studenty, z nichž dnes můžeme vzpomenout na Rachel Ruysch a Marii van Oosterwijk.

Willem van Aalst byl během svého života uznáván jako vynikající mistr zátiší, který skvěle ovládal barvy a zvláštní úspěch psala látky, ptačí peří, kovy atd. V jeho zátiších se často vyskytuje nádherný modrý samet. Umělec používá šíleně drahý pigment lapis lazuli. Tato přísada byla dovezena z daleké Číny a její použití výrazně prodražilo autorovy obrazy. Ale jak modrá hraje v zátiších.

Malíř zemřel v roce 1683. Pohřben v Amsterdamu.

V dnešní době jsou k vidění díla velkého umělce největší muzea A galerie umění mír.

Obrazy umělce Willema van Aelsta

Oživení v renesanci.

Během renesance (XIV-XVI století) začalo období oživení umění květin.
Bohatý materiál květinových kompozic je prezentován na plátnech starých malířských mistrů. V oltářních skladbách 15. stol. Poměrně často můžeme vidět obraz vázy s květinami. V této době se zátiší "váza - květiny" ujal v náboženských tématech. Obrazy Hanse Memlinga (1433-1494) s náboženskou tematikou často zobrazovaly květiny ve vázách - kosatce, lilie, aranžérskou zeleň. Bílé lilie symbolizovaly panenskou čistotu Panny Marie a kosatec symbolizoval Marii, Královnu nebes. Obraz kříže na váze s monogramem Ježíše Krista slouží jako symbol Ducha svatého.

Zátiší holandské školy 15.-16. století jsou velkým zájmem aranžérů květin. a pozdější domácí škola.
Květiny byly uspořádány ve volném stylu nebo ve formě kaskády padajících čar. Přestože na první pohled působí dojmem určitého chaosu ve výstavbě květinové kompozice, při bližším zkoumání dílo zaujme harmonií linií, proporcionalitou a barevností. Kytice obsahovala 30 až 40 druhů různých rostlin: mák, kosatce, lilie, růže, tulipány, karafiáty, pivoňky, macešky, svlačec, bramborové květiny, cereálie a mnoho dalších.

Uspořádání obrazových prvků umožnilo zahrnout do zátiší ovoce, zeleninu, vycpané ptáčky, sušené motýly a hmyz.
Nejcharakterističtějšími zátišími jsou „Květiny“ Jana Van Huysuma, „Ovoce“ Abrahama Mignona, „Ovoce a váza s květinami“ Jana Davide de Hema a další pozdní práce domácí mistři F. P. Tolstoy „Kytice květin, motýl a pták“, I. F. Khrutsky „Zátiší s květinami“ atd.
Historický vývoj člověka je úzce spjat s vývojem prostředí, tradic, náboženských rituálů a nakonec i módy. Touha zdobit se objevila u člověka dříve než touha vymýšlet oblečení. Jak se společnost civilizovala, styly oblečení, různé prostředky a materiály výzdoby se sjednotily. Květiny, jedna z nejstarších módních dekorací, které prošly staletími, jsou dnes velmi oblíbené.

Ve XIV století. PROTI západní Evropa rozšířila se móda vůní. Květiny proto dostaly roli nejen zdobit dámskou toaletu, ale také jako zdroj vůně. Na účes, živůtku, výstřih a klobouk se připevňovaly boutonniéry z vonných drobnokvětých rostlin.
Muži nosili v knoflíkové dírce květinu. Móda se rychle rozšířila po evropských zemích. Na konci XV - začátek XVI století Do Evropy začal příliv nejrůznějších exotických rostlin, včetně tropických. Námořníci přivezli ze vzdálených zemí úžasné exotické rostliny, které uchvátily Evropany svým neobvyklým tvarem, barvou a ladností – byly to orchideje. Efektní, s příjemnou, rafinovanou vůní a s vysokými dekorativními vlastnostmi byly orchideje Evropany okamžitě oceněny a milovány, protože nepřipomínaly skutečné květiny, ale byly jakoby vyrobeny z hedvábí a saténu.
XVI století Pro historii aranžování květin je také příznačné, že se kytice stala nejen dekorací interiéru, ale získala i kvalitu dárku. Je to volně sestavený svazek květin a měl by mít určitou symboliku, stejně jako vyjadřovat cit dárce. Během renesance se rozvinul pohled na zákony a roli kompozice v umění.
Je to vidět na gotice, kde se umělci drželi stylu jednoduché kompozice, kde byla každá část díla stejně zdůrazněna.
Umění aranžování květin bylo také ovlivněno různými styly architektury a malířství. Gotika a pozdní renesance tak položily určitý základ pro vznikající strukturu květinového aranžmá, která později našla široké konstruktivní uplatnění jak v kytici, tak v květinové aranžmá. gotický umělecký styl, která se v pozdním středověku rozšířila po celé západní Evropě, se vyznačuje podřízením architektonických forem vertikálnímu rytmu.
Vertikální referenční čára a dovnitř soudobé umění aranžmá tvoří základ vzpřímené struktury, vyjadřuje dynamiku a aspiraci.

Období renesance dalo vzniknout životu potvrzujícímu světonázoru a renesanční styl, který přebíral prvky řecko-římské architektury, převládal směrem k generalizovanému monumentálnímu modelu, k plastické expresivitě objemů.
Na rozdíl od gotiky renesanční umělci podřizují jednotlivé části a prvky díla tomu hlavnímu, čímž vytvářejí organické a logické propojení celé kompozice. V květinových aranžmá pozdní renesance ve stylu klasicismu je patrná monumentální forma s masivní květinovou výplní a zelení. Květy jsou velkokvěté s plně otevřenými poupaty. Vázy z porcelánu, mramoru, zlaceného bronzu.
Nový barokní umělecký styl, který jej nahradil (konec 16. - polovina 18. století), oslavující šlechtu a církev, se vyznačoval zvláštní honosností a malebností.
Progresivita stylu spočívá ve zcela nové myšlence neomezené rozmanitosti světa, jeho věčné proměnlivosti a vztahu mezi člověkem a přírodou. Styl ohromil lidskou představivost svou bohatou dekorativností a ladností forem. Interiér se vyznačoval bohatou okázalostí, zlacením, modelováním a plastikou. Barokní kompozice řezaných květin byly nepostradatelným prvkem výzdoby bohatých paláců a světských salonů. Takové kompozice měly dekorativní účinek a virtuozitu dynamické linie.
Zahradníci-malíři odrážejí koncept proměnlivosti světa a představují rostliny s různým stupněm otevírání pupenů. Květinové aranžmá zdůrazňovalo světlou a stínovou stranu a byly instalovány ve vázách vyrobených z nádherného porcelánu, zdobených nádhernou malbou a zlacením.

Nový rokokový styl (XVII - polovina XVIII století) odrážel trendy své éry. Stylový směr je spojen s dvorskou šlechtickou kulturou a vyznačuje se nádhernou výzdobou prostor. Design interiéru se vyznačuje intimitou. Květiny v interiéru jsou vnímány jako uklidňující. Hlavním požadavkem na květinovou výzdobu je rafinovaná dekorativnost, ladnost formy a vzdušnost. Směr čar bývá asymetrický. Důležitou součástí kompozice jsou porcelánové vázy, často ve tvaru mušlí.
Jistým přínosem k rozvoji květinového umění byl anglický umělec a rytec William Hogarth. Jeho „línie krásy“ je také elegantní a svěží a nadále inspiruje floristy a potěší milovníky umění.
V éře rokoka dospěla móda zdobení dámských oděvů a účesů květinami k dokonalosti a jisté „dramatičnosti“. Květiny a stuhy zdobily plesové šaty a klobouky.
Podle anglické módy (1796) byla taková dekorace ve formě girlandy z čerstvých nebo umělých květin. V tomto období účes dosahuje fantastických velikostí a tvarů. Kudrny byly stočeny a uspořádány do tvaru mušlí a celá struktura byla ozdobena boutonniérou, malou girlandou z květin, peří a šperků.
Toto říká vznešená dáma ve svých pamětech:
"Několik plochých lahviček, zaoblených a přizpůsobených tvaru hlavy, do kterých se nalije trocha vody a vloží se čerstvé květiny na stopkách. Ne vždy to šlo, ale pokud to šlo, vypadalo to moc krásně. Jaro na hlava mezi sněhově bílým práškem působila okouzlujícím dojmem“. Móda vypůjčená ze Západu se v Rusku rozšířila. Ve Francii a Německu vznikly četné dílny vyrábějící umělé květiny a ovoce jako nejmódnější doplněk k oděvům.

Je to zvláštní malba - zátiší: nutí vás obdivovat kopii
věci, jejichž originály neobdivujete.

„Umění se buď rozpadlo do samostatných žánrů, pak je spojilo dohromady a vytvořilo jakousi komplexní slitinu a v různá období historie, nyní portrét, nyní krajina, nyní historický obraz, nyní se dostal do popředí každodenní obraz. Ale pokud byl proveden velký obrazový experiment, pokud bychom mluvili o analýze světa, o jeho rozložení na složky - a o syntéze těchto složek, pak ještě předtím, než byly učiněny konečné závěry, by nový systém začínal svůj triumfální pochod světem a procházel „zkouškou zátiší“. „Mrtvá příroda“ ukázala schopnost napadnout „živoucí“ – a nejen ji ukázat, ale také vysvětlit. K rozkvětu zátiší, masivnímu zájmu umělců ze strany umělců a hlavně – schopnosti tohoto žánru shrnout vše, co umění v současnosti vyžaduje, učinit zbytek jakoby zbytečným, však došlo až tehdy, když tajemství za hrou „podvodu“, druhu, jehož strážci byly věci, bylo odhaleno něco jiného. Na rozdíl od doslovného překladu jeho názvu se v tomto případě zátiší ukázalo jako nejschůdnější ze žánrů.“

Co je příroda morte? fr. nature morte, doslova - „mrtvá příroda“, s přírodou „příroda, příroda; přirozenost; podstata, vlastnost“ a morte „smrt“; holandský stilleven, německy Stilleben, anglicky zátiší, doslova - tichý nebo nehybný život, se stále „nehybný, klidný; tichý“ (stále jako hrob „tichý jako hrob“) a život „život, existence“ (tento život, přirozený život související s „pozemskou existencí“ ); v malbě "příroda" (obraz převzatý ze života "obraz z přírody").

(především malba na stojanu), která se věnuje zobrazování věcí umístěných v jediném prostředí a organizovaných ve skupině.

Zvláštní organizace motivu(tzv inscenování) je jednou z hlavních součástí figurativního systému žánru zátiší.

Kromě neživých předmětů (například předmětů pro domácnost) zobrazuje zátiší předměty živé přírody, izolované od svých přirozených vazeb, a tím proměněné ve věc - ryby na stole, květiny v kytici atd.

Obraz živých, pohybujících se tvorů - hmyzu, ptáků, zvířat, dokonce i lidí - může být někdy zahrnut do zátiší, ale pouze doplňuje jeho hlavní motiv.

Oproti jiným žánrům se v zátiší zvyšuje význam drobných předmětů izolovaných z kontextu každodenního života.

Žánrová specifika určuje zvýšenou pozornost umělce (a diváka) na strukturu a detaily objemů, povrchovou texturu a problémy s obrazem.

Cíle zátiší jako žánr není redukováno na vyjádření symboliky, na řešení dekorativních problémů nebo na naturalisticky přesný záznam objektivní svět, ačkoli tyto úkoly do značné míry přispěly k vytvoření zátiší a jeho obrazy se často vyznačují bohatostí asociací, jasnou dekorativností a iluzorní přesností zobrazení přírody.

Zobrazení věcí v zátiší má své uměleckou hodnotu; umělec může vytvořit prostorný, mnohovrstevný obraz v zátiší, který má složité sémantické důsledky.

V historický vývoj zátiší, jeho měnící se obsah v různých dobách specificky odráží sociální podmíněnost umění jako celku.

Ve výtvarném umění zátiší (z francouzského natur morte - „mrtvá příroda“) se obvykle nazývá obraz neživých předmětů spojených do jedné kompoziční skupiny.

Zátiší může mít jak samostatný význam, tak i nedílnou součást kompozice žánrového obrazu.

Zátiší vyjadřuje postoj člověka k okolnímu světu. Odhaluje chápání krásy, které je umělci jako člověku své doby vlastní.

Umění věcí bylo dlouho, dlouho předtím, než se stalo samostatným oborem umělecké tvořivosti, nedílnou součástí jakéhokoli významného díla.

Role zátiší v malbě nikdy nebyla omezena na prosté informace, náhodné doplnění hlavního obsahu.

V závislosti na historických podmínkách a společenských požadavcích se na tvorbě obrazu více či méně podílely předměty, které zvýrazňovaly ten či onen aspekt designu. Než se zátiší vyvinulo v samostatný žánr, věci obklopující člověka každodenní život, jen do té či oné míry byly zahrnuty jako atribut do maleb starověku. Někdy takový detail získal nečekaně hluboký význam a získal svůj vlastní význam.

Historie zátiší jako žánru.

Motivy zátiší jako detaily kompozic, dekorativní a symbolické obrazy věcí se nacházejí již v starověké orientální, starověké a středověké umění. Prvky zátiší, v nichž lze vidět kompoziční a tematické předobrazy jeho rozvinutých typů, jsou obsaženy ve starořímských freskách a mozaikách od 1. století. Ve vztahu ke klasickému orientálnímu, zejména čínskému a japonskému umění je těžké hovořit o zátiší samotném: podoba uměleckého vidění a systém žánrů se zde výrazně lišily od evropských. Částečně srovnatelné s žánrem zátiší jsou díla tzv. žánru „květiny a ptáci“ i jednotlivé obrazy ovoce (Tsui Bo, 2. polovina 11. století, Mu-qi, 13. století – v Číně; Ogata Korin, 2. polovina 17. – začátek 18. století v Japonsku).

Zrod zátiší jako samostatného žánru je spojen s obecným vývojem evropského umění moderní doby, vznikem malířského stojanu a formováním rozsáhlého systému žánrů. Již v dílech italských a zejména nizozemských mistrů renesance se projevuje nebývalá pozornost k materiálnímu světu, lpění na konkrétní smyslové kráse věcí, jejichž obrazy si zároveň někdy zachovávají symbolický význam často vlastní zobrazování předmětů ve středověkém umění. Dějiny zátiší jako žánru malířského stojanu, a zejména jeho "trompel" oeil (typ "trompe l'oeil"), začíná "Zátiší" italský umělec Jacopo de Barbari (1504), ve kterém je hlavní pozornost věnována iluzionisticky-přesnému ztvárnění objektů. K rozšíření žánru zátiší však došlo ve 2. polovině 16. - počátkem 17. století, k čemuž přispěly přírodovědné sklony charakteristické pro tuto dobu, zájem o umění o každodenní život a Soukromíčlověka, stejně jako samotný vývoj metod uměleckého zkoumání světa. V obrazech Nizozemce Petera Aertsena a jeho následovníků, někdy i nábožensky zaměřených, je velký prostor věnován zobrazení kuchyní a obchodů s hromadou jídla a nádobí. Botanická přesnost reprodukce různých květin, krása a rozmanitost jejich tvarů a barev zaměstnává vlámský samet J. Bruegel neméně než jejich symbolika. 17. století - rozkvět zátiší. Rozmanitost jeho typů a forem v této době souvisí s rozvojem národních malířských škol. Utváření italského zátiší je do značné míry určováno reformami Caravaggia, které vedly umělce k jednoduchým, „nízkým“ motivům a určovaly stylistické rysy malby italských malířů zátiší. Oblíbená témata mistrů italské N. (P. P. Bonzi, M. Campidoglio, G. Recco, G. B. Ruoppolo, E. Baskenis aj.) - květiny, zelenina a ovoce, mořské plody, kuchyňské náčiní, hudební nástroje a knih. Obecně se italské zátiší vyznačuje rytmickou rozmanitostí kompozic, bohatostí a jasem barev a plastickou expresivitou při zprostředkování objektivního světa. Tradice caravaggismu jsou patrné i ve španělském zátiší s jeho láskou k vytříbené plasticitě formy, kterou odhalují kontrasty šerosvitu. Obrazy věcí (často obyčejných) ve španělském zátiší. se vyznačují vznešenou přísností a zvláštním významem, jakoby odtržením od každodenního života (J. Sanchez Cotan, F. Zurbaran, A. Pereda aj.). V holandském zátiší se zřetelně projevoval zájem o všední věci, intimitu a často i demokratické obrazy.

Vyznačuje se pozorností k malebnému vývoji světelného prostředí, k rozmanitosti textur různé materiály, jemnost tonálních vztahů a barevná struktura - od nádherně střídmé barevnosti „monochromních snídaní“ V. Khedy a P. Klase až po intenzivně kontrastní, koloristicky efektní kompozice V. Kalfa („dezerty“). Holandské zátiší se vyznačuje množstvím mistrů, kteří pracovali v tomto žánru, a rozmanitostí typů: kromě „snídaní“ a „dezertů“ „ryby“ (A. Beyeren), „květiny a ovoce“ (J. D. de Heem ), „zabitá hra“ ( J. Venicke, M. Hondekoeter), alegorické zátiší „vanitas“ („marnost marností“) atd. Nizozemská verze výrazu „Zátiší“ – „stilleven“ (původní význam byl "stacionární model") - vznikl až na konci 17. století. kombinující všechny tyto odrůdy. Vlámské zátiší (hlavně „trhy“, „obchody“, „květiny a ovoce“) se vyznačuje rozsahem svých kompozic: jsou vícesložkové, majestátní a dynamické; to jsou chvalozpěvy na plodnost a hojnost (F. Snyders, J. Veit). V 17. stol Rozvíjelo se i německé (G. Flegel, K. Paudis) a francouzské (L. Vozhen) zátiší. Od konce 17. stol. dekorativní tendence dvorského umění triumfovaly ve francouzském zátiší. Vedle květinového zátiší (J.B. Monnoyer a jeho škola), loveckého N. (A.F. Deporte a J.B. Oudry) se ukázky každodenního zátiší objevují jen občas. Ale v 18. stol. Ve Francii jeden z nejvýznamnějších mistrů zátiší - J. B. S. Chardin, jehož díla vynikají zvláštní hloubkou obsahu, svobodou kompozice a bohatostí barevných řešení. Jeho obrazy světa všedních věcí jsou ve své podstatě demokratické, intimní a humánní, jakoby zahřáté poezií krbu. V polovině 18. stol. vznikl pojem „nature morte“, který odrážel přezíravý postoj k zátiší ze strany akademických kruhů, které upřednostňovaly žánry, jejichž oblastí byla „živá příroda“ ( historický žánr, portrét atd.). Ale pokročilé umění zničilo akademickou hierarchii žánrů, což brzdilo rozvoj zátiší. Byla eliminována kompoziční klišé zátiší a byly přehodnoceny vzory této malířské formy. V 19. stol Osud zátiší určují přední mistři malby, pracující v mnoha žánrech a zapojující zátiší do zápasu estetických a uměleckých idejí (F. Goya ve Španělsku, E. Delacroix, G. Courbet, E. Manet a impresionisté ve Francii, který se občas obrátil k zátiší). Ve stejné době 19. stol. Dlouho jsem v zátiší nevyzdvihoval významné mistry specializující se na tento žánr. Na pozadí rutinního salonního zátiší 2. poloviny 19. století. Obecně vynikají tradiční díla Francouze A. Fantina-Latoura a Američana W. Harnetta, kteří jedinečně oživili typ oeil „trompel.“ Vzestup zátiší je spojen s vystoupením mistrů postimpresionismu. , pro kterého se svět věcí stal jedním z hlavních témat.Koncem 19. století .výrazové možnosti zátiší až po prudce dramatický výraz společenského a morální pozice umělce jsou ztělesněny v díle Nizozemce V. van Gogha. Plastickou dokonalost malby, věrnou přírodě i vysokým ideálům malby, oživuje v zátiší Francouz P. Cezanne. Tento žánr se stává základem jeho tvůrčího konceptu, který měl dopad velký vliv o vývoji zátiší (ale i malby obecně) v umění 20. století. Od počátku 20. stol. zátiší je jakousi kreativní laboratoří malby. Ve Francii jdou mistři fauvismu (A. Matisse a další) cestou akutní identifikace emocionálních a dekorativně-výrazových schopností barvy a textury a představitelé kubismu (J. Braque, P. Picasso, H. Gris, atd.), využívající specifika zátiší neodmyslitelné, analytické schopnosti, usilují o vytvoření nových způsobů zprostředkování prostoru a formy. Problémy (či motivy) zátiší přitahují i ​​mistry pozdějších směrů – od umělců, kteří v různé míře spojují orientaci na klasické dědictví s novými objevy v malbě (Picasso ve Francii, A. Kanoldt v Německu, G. Morandi v Itálii), představitelům surrealismu a „pop-artu“, jejichž díla obecně přesahují historicky ustálený žánr nonsensu, realistické tradice nonsensu (často se zdůrazněnou společenskou tendencí) ve 20. století. zastoupena díly D. Rivery a D. Siqueirose v Mexiku, R. Guttusa v Itálii.

Zátiší se v ruském umění objevilo v 18. století. spolu s etablováním sekulární malby, odrážející kognitivní patos doby a touhu pravdivě a přesně zprostředkovat objektivní svět („triky“ G. N. Teplova, P. G. Bogomolova, T. Uljanova aj.). Další vývoj ruského zátiší je epizodický. K mírnému vzestupu došlo v 1. polovině 19. století. (F. P. Tolstoj, škola A. G. Venetsianova, I. T. Khrutsky) je spojena s touhou vidět krásu v malém a obyčejném. Ve 2. pol. 19. stol. I. N. Kramskoy, I. E. Repin, V. I. Surikov, V. D. Polenov, I. I. Levitan se jen občas obrací k zátiší skicového charakteru; Tato pozice zátiší v uměleckém systému Putujících vycházela z jejich představy o dominantní roli předmětově-tematického obrazu. Samostatný význam skici zátiší narůstá na přelomu 19. a 20. století. (M. A. Vrubel, V. E. Borisov-Musatov). Rozkvět ruského zátiší nastal na počátku 20. století. K jeho nejlepší příklady patří: svým původem impresionistická, ale jinak obohacená o nové umělecké směry, díla K. A. Korovina, I. E. Grabara, M. F. Larionova; díla umělců „Světa umění“ (A. Ya. Golovin a další): romantizované, povýšené a ostře dekorativní obrazy P. V. Kuzněcova, N. N. Sapunova, S. Yu Sudeikin, M. S. Saryan a další malíři z okruhu Modrá růže; světlí, plastickí N. mistři „Jack of Diamonds“ (P. P. Končalovskij, I. I. Maškov, A. V. Kuprin, V. V. Rožděstvenskij, A. V. Lentulov, R. R. Falk, N. S. Gončarová) se svým kultem jednoty barvy a formy a patosu samotný proces interpretace přírody[...] 2.

V 17.-18. stol. V severní Evropě zaujímalo zátiší důležité místo. Prostor domu byl kolem něj uspořádán, „řešili“ ho, „hráli“ si s ním. Zátiší se aktivně zapojovalo do vytříbené každodenní kultury baroka, rokoka a klasicismu. A teprve s odezněním „galantního věku“ se role zátiší v každodenním životě stává stále více okrasnou a dekorativní.

Ve vztahu k malbě sehrály jakousi roli slovníku četné emblémové knihy, z nichž se hojně čerpaly symboly. Po emblematickém umění tak vzniká umění zobrazovat jednoduché, každodenní věci obdařené jiným, vznešeným významem. Objevuje se umění zátiší. Nejextrémnější realismus se zde přirozeně snoubí s nejextrémnější alegorií, alegorií. A čím realističtěji jsou předměty zobrazeny, tím zajímavější je jejich sémantická tajemnost pro diváka. Občas můžete slyšet názory na jakékoli „špinavosti“, které do svých obrazů „zatáhli“ holandští mistři zátiší 17.-18. století. Ale to vůbec není „odpad“. Symbolické vidění každodenních předmětů, které nejsou vůbec náhodně shromážděné, nás nutí mluvit vysoká kultura porozumění životu v Nizozemsku, zmítaném náboženskými a ideologickými spory.

V 17. století bylo v Nizozemsku mnoho malířů zátiší. Pokud však na samém počátku století měly obrazy holandských a vlámských mistrů více společných rysů, pak se na konci století začala objevovat jejich originalita. Díla nizozemských umělců jsou střídmější, barevně vyvážená a je v nich věnována velká pozornost detailu, každé jednotlivé věci. Vlámská díla jsou dynamičtější, jasnější a objekty v nich tvoří komplexní kompozici. A to vůbec není „mrtvá příroda“, ale kypící život.

Různá centra malby zátiší vznikla také v Nizozemsku. V podnikání, buržoazním Haarlemu, se zrodily „snídaně“, v aristokratickém Utrechtu, který je již dlouho známý pěstováním květin, - květinové kytice, v přístavu Haag - bohaté rybí kompozice, v Leidenu (univerzitní město) - „vědecké “ zátiší (tzv. „Vanitas“, věnované křehkosti života).

V těchto podivných obrazech předměty vyjmuté z reálného okolního prostoru tvořily svůj vlastní neobvyklý a silně symbolizovaný svět. A v tom světě nejsou žádné náhodné předměty. Ještě ve druhé polovině 16. století v Praze na dvoře císaře Rudolfa II., který vášnivě miloval umění, vznikl spolek zvaný „Rudolfinský kruh“. Zahrnoval vědce a astrology, alchymisty, umělce a básníky. Za nejvyšší cíl zde bylo považováno poznání Vesmíru, jeho základních zákonů a věčných spojení mezi světem a člověkem. Velmi brzy se tato společnost stane centrem nového umělecký směr- „manýrismus“. Pro „rudolfinisty“ neexistují žádné „bezvýznamné“ předměty nebo jevy. Důležitý je pohyb planet, let ptáka, pohyb bakterií pod mikroskopem (pouze v té době otevřený) a růst jednoduché polní trávy. A je to umělec, kdo to vše musí na svém plátně sloučit do jediné harmonie.

Ale protože předmět sám, jeho forma a rysy obsahují svůj význam, je nutné přenášet předmět na plátno s velkou opatrností. Tak přirozeně vstupuje do malby „podvod“ – až iluze. pravdivý obrázek předmět (obvykle hmyz nebo kapky vody), který se koncem 18. století zvrhl v prosté lstí.

Přitom ani přesný obraz objektu nebyl vůbec jasně čitelný. Naopak věci, záměrně odpojené od svého obvyklého prostředí, vykazovaly zcela jiný a často opačný význam. Například zátiší s drahocenným nádobím a znamenitým nádobím, která současníci klasifikovali jako „luxusní“, jimi častěji „četli“ jako výzvu, aby se zřekli excesů.

Srovnáme-li symbolické umění zátiší, naplněné rozmarnými významy, s literaturou, pak ze všech literární žánry Nejvhodnější je snad lyrika. Ne nadarmo je poezie již spojována s emblematikou. A ne nadarmo paralelně s rozkvětem zátiší zažívá v Nizozemí 17. století svůj vzestup i lyrická poezie (obzvlášť patrné při srovnání zátiší s tzv. „poezií pro příležitost“, “, který je podrobně popsán malé části každodenní život). A stejně jako nelze zcela racionálně popsat lyrickou báseň, tak není o jednu více ani méně Detailní popis symbolika konkrétního zátiší. Divák je vyzván ke hře – na základě skutečných vlastností předmětu hádat jeho symbolický význam v kompozici sestavené umělcem.

Občas však výtvarník divákovi pomohl. Na Artsenově obraze „Řeznictví“ (1551) je tedy v popředí stůl naložený různými druhy masa, ryb a klobás. V pozadí, v samotných hloubkách, je scéna útěku do Egypta – útěk před vším tím bohatstvím, které přináší nevyhnutelnou smrt.

Často umělec přímo vložil text do obrazu. To se jistě dělo v učených leidenských zátiších „Vanitas“ (latinsky „prázdnota, marnost, zbytečnost, faleš, nesmyslnost“). Častými jsou zde citace z Bible nebo od antických autorů na téma „marnosti marnosti“: „Všechno tělo je tráva a všechna jeho krása je jako polní květ“ (z Knihy proroka Izaiáše), "Dny člověka jsou jako tráva, jako polní květ." , tak kvete" (z žaltáře), "Kdo prošel kolem růže, už ji nehledej" (od Horatia). Text byl umístěn buď v krásné kartuši, nebo byl pečlivě napsán na opotřebovaný list papíru (starověk se stal synonymem autenticity), nebo byl umístěn na otevřenou stránku starověkého svazku, nebo tvořil název knihy, která měla byl hozen náhodou.

A každý předmět na obrázku pak odpovídá textu: růže, divoké květiny, hmyz jsou tradičním symbolem krátké lidské existence a motýli a vážky jsou symbolem spásy duše. Postupně byly pro takováto zátiší vybírány zvláště významné předměty. Přesýpací hodiny připomínaly pomíjivost života, kytice květin - blednutí a pomíjivosti, kouřící lampy, dýmky - krátkého trvání a královské klenoty - všechno bohatství, které si nemůžete vzít s sebou do jiného života. Obzvláště výrazná byla lidská lebka - živý symbol křehkých, prázdných (nebo napůl vypitých) sklenic, označujících křehkost lidské existence, a pahýl svíčky - symbol vyhaslého života.

V zátiších „Vanitas“ jsou často „nahodilé“ rozptýlení starých knih (minulé éry), měřicích přístrojů (již nepotřebných), fléten a houslí („jejich zvuk je tak krásný a pomíjivý“). Ve francouzských zátiších se objevují postavy, které nechaly bublina- lidský život je přirovnáván k nejtenčím a nejnevěrnějším bublinám. A v Anglii se po roce 1649 v mnoha „Vanitas“ objevily portréty popraveného Karla I. Stuarta - smrt tohoto krále jen potvrdila myšlenku křehkosti pozemského štěstí a vratkosti pozemské moci.

Květiny a bylinky velmi často slouží jako symbol smrtelnosti. Zvláště pokud jsou květiny a bylinky divoké. Umístěny na pozadí prázdného okenního otvoru ještě více zdůrazňují beznaděj. Někdy jsou listy květů sežrány hmyzem a poblíž jsou rozptýleny prázdné skořápky nebo ořechy.

Ve skutečnosti byla květinová zátiší rozdělena na „věnce“ a „kytice“. "Girlandy" jsou obzvláště obtížné pochopit. Psali v žánru „věnce“. slavných mistrů- J. Bruegel Velvet, D. Segers, J.D. de Hem. Zvláštní slávu v tomto oboru získal mnich jezuitského řádu otec D. Seghers. Na znamení obdivu k jeho dovednostem mu daly korunované evropské hlavy drahé dárky- zlatý kříž s alegorickými postavami ze smaltu, zlatých kostí a zlaté palety atd. Básníci věnovali básně květinám, které maloval.

Věnec obtočený kolem centrálního obrazu (a mohl být velmi odlišný, nejčastěji to byl portrét jiných mistrů) připomínal slavný symbol Věčnosti - hada propleteného kolem okřídlených hodin. Proto měly takové skladby oslavný význam. Do samotné girlandy byly vetkány bílé lilie a klasy chleba, tradičně spojované s Kristem nebo Marií a hovořící o čistotě oslavovaného. Kromě toho zde mnoho věcí symbolizovalo roční období: květiny - jaro, klasy a ovoce - léto, hrozny a zelenina - podzim, citrony - zima („všechno se mění, jen dobrá paměť zůstává nezměněna“).

Řeč květin, kterou si renesance vypůjčila ze středověké symboliky, byla v 17. století srozumitelná téměř každému vzdělanému aristokratovi. A proto byly girlandy snadno „čtené“ publikem. Sněženky, pomeranče, růže a kosatce byly zasvěceny Matce Boží; její odvolání ke Kristu bylo symbolizováno tulipány; větev bodláku - umučení Kristovo; triumf nebeská láskačasto vyjádřen jako narcista.

Girlandy se neomotávají pouze kolem portrétů. Často jsou to hodiny, eucharistický pohár, sklenice vína a dokonce kartuše s textem. Někdy je malý věnec umístěn přímo v poháru. Tato kompozice sahá až k jednomu ze slavných emblémů: číši s širokou mísou naplněnou vínem, ve které se vznáší květinový věnec. Nápis zněl: "Proč nepřemýšlíš o osudu smrtelníků?" Slavnostní girlanda je tedy ve svém významu spojena s „Vanitas“.

Zátiší v podobě kytic (ve váze, džbánu nebo prostě na stole) byla většinou složena ze tří druhů. A hlavní důraz na obrázku padl na různé předměty. V radiální kompozici (stonky květu se vějířovitě rozevírají z jednoho bodu) je hlavním obrazem květ umístěný v místě, kde se stonky sbíhají. Kompozice druhého typu, jako koberec, vyplňují celý prostor plátna. Poté se buduje vertikální hierarchie barev a jejich významů. Třetí varieta je kompozičně zabudována do figury trojúhelníku. Zde je nejvíce smysluplná květina slouží jako centrální osa a zbývající květy jsou kolem ní symetricky seskupeny. Přísná symetrie je však brzy narušena a ta, kterou vyvinul Ya.D., se stává oblíbenou. de Hem Kytice ve tvaru písmene S s půvabnými kadeřemi, předvídající rokokový styl.

Nechybí dokonce ani unikátní ikonografické schéma s jasným rozdělením do prostorových zón. Dole v blízkosti vázy jsou obvykle známky křehkosti - rozbité nebo uschlé květiny, rozpadající se okvětní lístky, prázdné skořápky, housenky, mouchy; ve středu - symboly skromnosti a čistoty (průměrná umírněnost), obklopené svěžími krátkodobými květinami (konvalinky, fialky, pomněnky, brambořík obklopený růžemi, karafiáty, sasanky atd.); Kompozice je korunována velkým květem, který má často pozitivní význam, jakousi korunou ctnosti (a dokonce obklopenou motýly a vážkami). Samotná váza byla přirovnávána ke křehké nádobě, ale mohla mít také výklad těla jako „nádobu ohavnosti a hříchu“.

Četné skleněné, křišťálové a hliněné nádoby s květinami i bez nich byly vnímány jako něco křehkého, nevěrného, ​​připraveného k rozbití. Drahé lodě tento pocit jen zdůrazňovaly a nesly další význam marnosti bohatství. Obsah nádob byl interpretován různě. Voda je tématem křtu, očisty, víno je tématem přijímání. Víno, zvláště nedopité, však mohlo symbolizovat jak život ne zcela prožitý, tak i pozůstatek zbytečného luxusu.

Téměř vždy květinová zátiší doplňovaly předměty rozházené na stole. Nejčastěji se jedná o prázdné skořápky - znamení prázdných tělesných potěšení. Plod citronu, který je zvenku krásný, ale uvnitř kyselý. Vejce je tradičním znamením vzkříšení. Trhavý plod granátového jablka je symbolem plodnosti, Krista a jeho smírné oběti. Jahody jsou znamením světského potěšení a pokušení. A to vše dohromady (květiny, nádoby, předměty) sloužilo jedinému nápadu.

V polovině 17. století se rozšířila zejména zátiší s vyobrazením plazů a obojživelníků. Jejich přítomnost v zátiší vyvrací jeho význam jako „mrtvá přirozenost“. Spíše se sem hodí jeho holandský název – „stilleven“ („tichý, nehybný život“).

Nejčastěji je tvořili italští malíři. Holanďané mají ale také ještěrky a hady lezoucí v hrubé trávě. To vůbec není malířova záliba v plazech. Je to tak, že had je již dlouho symbolem klamu a zla a tráva - křehká lidská existence. Často byly do trávy umístěny atraktivní bobule - „potěšení je plné zla“. Myši, žáby a ježci byli také považováni za ďábelská zvířata a často byli zobrazováni místo hadů. Oblíbeným zvířecím tématem byl obrázek hada, který chytal motýla. Tak zlo pohltí veškerou naději na spasení.

Většinu zástupců fauny zátiší tvoří hmyz. Důležité zde existuje tradiční představa o třech fázích existence (pozemská existence, smrt, posmrtný život duše). Nejvýraznějším ztělesněním těchto myšlenek v zátiších byl obraz housenky, kukly a motýla. Obraz motýla připraveného vyletět ze své ulity byl tedy jasně „čten“ jako „duše opouštějící smrtelné tělo“. Stejnou antinomii života a smrti zobrazoval motýl vedle housenky nebo hlemýždě. Moucha nebo pavouk byli považováni za symbol zla, smrti, hříchu a lakomosti. Proto je muška sedící na jablku nebo broskvi tradičně spojena s tématem Pádu.

Z větších zvířat symbolizovala například veverka tvrdou práci, bez níž se neobejde pozemská požehnání. Ale někdy mohla také představovat lehkovážnost. Zajíc je „připomenutím sluchu, citlivosti, hojnosti, bázlivosti, bázlivosti, strachu“. Raci nebo humři jsou peripetiemi světa, ale také moudrostí, rozvážností a pomalostí. Často se vyskytuje obraz papouška. Na rozdíl od všeobecného přesvědčení byl tento pták ve středověku přirovnáván ke spravedlivému a symbolizoval výmluvnost, vděčnost nebo představoval věřícího. Opice byla vnímána jako zvíře, které napodobovalo lidské jednání a symbolizovalo různé neřesti, hříšníka a dokonce i samotného ďábla. Ona, svázaná nebo připoutaná, je závislá na neřestech a světských záležitostech. Pokud se opice podívala do zrcadla, bylo to vnímáno jako obraz marnosti.

Často kočka vstupuje do světa zátiší. Za pozitivní vlastnosti Toto zvíře - mrštnost a touha po svobodě - bylo často zasvěceno Matce Boží (zejména s pruhem v podobě kříže na zádech). Ale obvykle bylo toto zvíře spojováno s temnými silami a magií. Již ve středověku kočka symbolizovala ďábla a myš zase duši, neustále vystavenou nebezpečí. V moderní době byla kočka, zvláště ta, která svými drápy sebrala velký kus masa, neustálou připomínkou tělesných potěšení. Proto jsou tak charakteristické (zejména pro Snyderse a jeho školu) obrázky koček, rozrušený při pohledu na stůl plný ryb a zvěřiny. Pes je naopak jako protiklad kočky – věrný strážce, který se snaží zahnat zlodějské zvíře od bohatého stolu.

Do okruhu smrti v zátiších bezesporu patří četné zlaté a stříbrné předměty (vázy, poháry, ozdobné předměty), ale i symboly moci (královské koruny, žezla). Umělcův upřímný obdiv k nádherným raritám se dokonale snoubí s moralizováním. Někdy, zejména v pozdějších zátiších, se do malířova zorného pole dostávají i drobné plastiky. To je nepochybně pole mytologických postav. Satyr skloněný pod tíhou hodin je čas, porážející v člověku ďábelský, tělesný princip; Merkur zouvá boty - klid od marných pozemských starostí atd. 3.

Jako specifický druh či žánr malby zná zátiší svůj vzestup a pád v dějinách umění.

Drsné, intenzivně asketické umění Byzance, vytvářející nesmrtelné, monumentálně zobecněné, vznešeně hrdinské obrazy, využívalo obrazy jednotlivých předmětů s mimořádnou expresivitou.

Ve starověké ruské ikonomalbě také velkou roli hrál těch několik objektů, které umělec zavedl do svých přísně kanonických děl. Přinášely spontánnost, vitalitu a někdy působily jako otevřené vyjádření citu v díle věnovaném abstraktní mytologické zápletce.

Ještě větší roli hrálo zátiší na obrazech umělců 15. - 16. století v období renesance. Malíř, který poprvé bedlivě sledoval svět kolem sebe, se snažil naznačit místo a určit hodnotu každé věci, která slouží člověku. Domácí potřeby získaly vznešenost a hrdý význam svého majitele, toho, komu sloužily. Na velkých plátnech zaujímalo zátiší obvykle velmi skromné ​​místo: skleněná nádoba s vodou, elegantní stříbrná váza nebo jemné bílé lilie na tenkých stoncích často schoulené v rohu obrazu. V zobrazení těchto věcí však bylo tolik poetické lásky k přírodě, jejich význam byl tak vysoce zduchovněn, že již zde jsou vidět všechny rysy, které později určovaly samostatný vývoj celého žánru.

Předměty a hmotné prvky dostaly v malbě nový význam v 17. století - v éře rozvinutého žánru zátiší. V komplexní kompozice s literární zápletkou zaujali své místo spolu s dalšími hrdiny díla. Při analýze děl této doby je vidět, jakou důležitou roli v malbě začalo hrát zátiší. Věci se v těchto dílech začaly objevovat jako hlavní postavy, ukazující, čeho může umělec dosáhnout, když věnuje své dovednosti tomuto druhu umění.

Předměty vyrobené zručnými, pracovitými a moudrými rukama nesou otisk myšlenek, tužeb a sklonů člověka. Slouží mu, těší ho a inspirují ho oprávněným pocitem hrdosti. Ne nadarmo se o epochách, které už dávno zmizely z povrchu zemského, dozvídáme z těch úlomků nádobí, domácího náčiní a rituálních předmětů, které se pro archeology stávají roztroušenými stránkami lidské historie.

Nahlížení do svět, pronikající zvídavou myslí do jeho zákonitostí, odhalující fascinující tajemství života, umělec jej plněji a komplexněji odráží ve svém umění. Nejen, že zobrazuje svět kolem sebe, ale také vyjadřuje své porozumění, svůj postoj k realitě.

Dějiny utváření a vývoje různých žánrů malby jsou živým dokladem neúnavné práce lidského vědomí, snažícího se obsáhnout nekonečnou rozmanitost činností a esteticky je pojmout.

Zátiší je poměrně mladý žánr. Samostatný význam v Evropě získal až v 17. století. Historie vývoje zátiší je zajímavá a poučná.

Obzvláště plně a jasně vzkvétalo zátiší ve Flandrech a Nizozemsku. Jeho vznik je spojen s těmi revolučními historickými událostmi, v jejichž důsledku tyto země na počátku získaly nezávislost XVII století nastoupil cestu buržoazního rozvoje. Pro Evropu to byl v té době významný a progresivní jev. Umění se otevřely nové obzory. Historické podmínky, nové vztahy s veřejností usměrněné a určené tvůrčí požadavky, změny v řešení problémů, kterým malíř čelí. Bez přímého zobrazení historických událostí se umělci podívali na svět a nalezli v člověku nové hodnoty. Život, každodennost, se před nimi objevil s dosud neznámým významem a úplností. Přitahovaly je zvláštnosti národního života, původní příroda, věci, které nesou otisk děl a dnů obyčejných lidí. Právě odtud, z vědomého, hloubkového zájmu o život lidí, podníceného samotným systémem, vznikly samostatné a nezávislé žánry každodenní malby, krajiny a zátiší.

Umění zátiší, které se rozvinulo v 17. století, určilo hlavní kvality tohoto žánru. Obraz, věnovaný světu věcí, vyprávěl o základních vlastnostech předmětů obklopujících člověka, odhaloval postoj umělce a jeho současníka k tomu, co je zobrazeno, a vyjadřoval povahu a úplnost poznání reality. Malíř zprostředkoval hmotnou existenci věcí, jejich objem, váhu, texturu, barvu, funkční hodnotu předmětů v domácnosti, jejich živou souvislost s lidskou činností.

Krásu a dokonalost domácích potřeb určovala nejen jejich nutnost, ale také zručnost jejich tvůrce. Zátiší revoluční éry vítězné buržoazie odráželo umělcovu úctu k novým formám národního života jeho krajanů a úctu k práci.

Úkoly žánru, formulované v 17. století, obecně existovaly v evropské škole až do poloviny 19. století. To však neznamená, že si umělci nekladli nové úkoly a mechanicky opakovali hotová řešení.

V průběhu staletí se nejen metody a metody malby zátiší měnily, ale i hromadily umělecký zážitek, v procesu formování se rozvinul komplexnější a neustále obohacující pohled na svět. Předmětem reinkarnace se stal ne jeden předmět jako takový, ale jeho různé vlastnosti a prostřednictvím odhalení nově pochopených kvalit věcí se projevil vlastní, moderní postoj k realitě, přehodnocení hodnot, míra chápání reality.

Renesanční zátiší

Na konci renesance v severní Evropě zátiší o dekorativní žánr se v barvách proměnilo ve filozofický výrok

XVI-XVIII století - Zlatý čas v dějinách evropského zátiší. V těch letech bylo dvě hlavní umělecké školy , který se specializoval na zobrazování květin, ovoce a předmětů - vlámský a holandský, - kterými se řídili mistři z jiných zemí. Navzdory skutečnosti, že Flandry (Belgie) a Holandsko byly sousední státy, jejich malíři vkládali různé významy do zobrazení „mrtvé přírody“ (jak se ve Flandrech nazývalo zátiší), nebo „ Tichý život"(tak tomu říkali v Nizozemsku).

hlavním cílem nizozemští mistři - vyjádřit myšlenku „marnosti marností“, křehkosti všech věcí, blízkosti smrti. Tato témata nejvíce znepokojovala protestantské teology. Proto v zátiších holandských umělců často vidíme lebku, zhaslou svíčku a zastavené hodiny. To vše rámují vlčí máky – symboly věčný spánek, narcisy - symboly pomíjivosti života, fialky - symboly křehkosti krásy ad.

Ve Flandrech všechno bylo naopak. Na rozdíl od protestantského Nizozemska zažívala Belgie katolické probuzení a úkol hodný umělce, nebylo to popření, ale potvrzení, oslava Božského stvoření. Jak řekl německý mystik Paracelsus: "Slovy, rostlinami a kameny je Bůh všude." Proto je vlámské zátiší oslavou života, triumfem dokonalé přírody. Frans Snyders, kolega a soudruh Rubens, je považován za virtuosa tohoto žánru. V letech 1618–1621 namaloval čtyři plátna pod obecným názvem „Obchody“: „Obchod s rybami“, „Obchod s hrami“ (zabitá drůbež), „Obchod se zeleninou“ a „Obchod s ovocem“, která jsou nyní uložena v Ermitáži. Podle Olgy Prokhorové, pracovnice muzea, kandidátky dějin umění, jde o encyklopedii vlámského zátiší s hlavními alegorickými tématy - „Roční období“, „Pět smyslů“ (chuť, sluch, čich, hmat, zrak) a „Čtyři živly“ (vzduch, voda, oheň, země). „Ovocný obchod“ je nejbohatší na symboly. „Around the World“ je dešifruje.

Foto zátiší

Zátiší, žánr výtvarného umění

Zátiší ( francouzsky nature morte , italsky natura morta , doslova - mrtvá příroda ; holandsky stilleven , německy Stilleben , anglicky still life , doslovně - tichý nebo nehybný život ), žánr výtvarného umění (hlavně stojanová malba), který se věnuje zobrazování věcí obklopujících člověka, umístěných zpravidla v reálném každodenním prostředí a kompozičně organizovaných do jediné skupiny. Zvláštní organizace motivu (tzv. inscenace) je jednou z hlavních součástí figurativního systému žánru zátiší.

Kromě neživých předmětů (např. domácích potřeb) zobrazuje zátiší předměty živé přírody, izolované od přírodních souvislostí, a tím proměněné ve věc - ryby na stole, květiny v kytici apod. Hlavní motiv doplňuje tzv. zátiší může obsahovat obrazy lidí, zvířat, ptáků, hmyzu. Zobrazování věcí v zátiší má samostatný výtvarný význam, i když v procesu vývoje často sloužilo k vyjádření symbolického obsahu, řešení dekorativních problémů nebo přesného zachycení objektivního světa v přírodopisu apod. Přitom zátiší život může charakterizovat nejen věci samy o sobě, ale také sociální status, obsah a životní styl jejich majitele dávají vzniknout četným asociacím a společenským analogiím.

Zátiší (freska z Pompejí). 63-79, Neapol. národní galerie Capodimonte

Divadelní masky. II století Mozaika z Hadriánovy vily v TIVOLI. Uchováváno v Kapitolském muzeu v Římě.

Motivy zátiší jako detaily kompozic se již nacházejí v umění Starověký východ a starověku jsou některé jevy ve středověkém umění Dálného východu částečně srovnatelné se zátiším (například tzv. žánr „květiny-ptáci“), ale ke zrodu zátiší jako samostatného žánru dochází až v moderní době, kdy se v dílech italských a zejména nizozemských mistrů renesance rozvíjí pozornost k materiálovému vývoji do světa, k jeho konkrétnímu, smyslnému obrazu Historie zátiší jako žánru malířského stojanu, a zejména jeho typu „trompe l „oeil“ (tzv. trompe l'oeil), otevírají iluzionisticky přesně rekonstruované objekty „Zátiší“ od Itala Jacopa de Barbari (1504), žánr zátiší spadá do 2. poloviny 16. století - začátek XVII století, což bylo usnadněno přírodovědnými sklony charakteristickými pro tuto dobu, zájmem o umění o každodenní život a soukromý život člověka, jakož i samotným rozvojem metod uměleckého zkoumání světa (díla Holanďana P. Aertsen, Vlámský J. Bruegel Velvetny atd.).

Doba rozkvětu zátiší - 17. století. Rozmanitost jeho typů a forem v této době souvisí s rozvojem národních realistických malířských škol. V Itálii a Španělsku byl vzestup malby zátiší značně usnadněn dílem Caravaggia a jeho následovníků (viz caravaggismus). Oblíbenými náměty zátiší byly květiny, zelenina a ovoce, mořské plody, kuchyňské náčiní aj. (P. P. Bonzi, M. Campidoglio, G. Recco, G. B. Ruoppolo, E. Baskenis aj.). Španělské zátiší se vyznačuje vznešenou přísností a zvláštním významem v zobrazování věcí (X. Sanchez Cotan, F. Zurbaran, A. Pereda aj.). V holandském zátiší se zřetelně projevoval zájem o všední věci, intimitu a často i demokratické obrazy. Vyznačuje se mimořádnou pozorností k přenosu světelného prostředí, pestrou texturou materiálů, jemností tonálních vztahů a barevnou strukturou - od nádherně střídmé barevnosti „monochromatických snídaní“ V. Khedy a P. Klase až po intenzivně kontrastní, koloristicky efektní kompozice V. Kalfa („dezerty“)“. holandský stálý život vyznačují se hojností různé typy tohoto žánru: „ryby“ (A. Beyeren), „květiny a ovoce“ (J. D. de Heem), „mrtvá hra“ (J. Wenicke, M. Hondekoeter), alegorické zátiší „vanitas“ („marnost marností“ ) atd. Vlámská zátiší (hlavně „trhy“, „obchody“, „květiny a ovoce“) se vyznačují rozsahem a zároveň dekorativností skladeb: jde o hymny na plodnost a hojnost (F. Snyders, J Veit), v 17. stol. Rozvíjelo se také německé (G. Flegel, K. Paudis) a francouzské (L. Bozhen) zátiší. S konec XVII PROTI. ve francouzském zátiší triumfovaly dekorativní tendence dvorského umění („květiny“ J. B. Monnoyera a jeho školy, lovecké zátiší A. F. Deporte a J. B. Oudry). Na tomto pozadí vynikají díla jednoho z nejvýznamnějších mistrů francouzského zátiší J. B. S. Chardina nefalšovanou lidskostí a demokracií, vyznačující se přísností a svobodou kompozic a jemností koloristických řešení. V polovině 18. stol. V období definitivního formování akademické hierarchie žánrů vznikl pojem „nature morte“, který odrážel přezíravý postoj k tomuto žánru příznivců akademismu, kteří upřednostňovali žánry, jejichž oblastí byla „živá příroda“ (historický žánr , portrét atd.).

V 19. stol Osud zátiší určovali přední mistři malby, kteří pracovali v mnoha žánrech a zapojili zátiší do boje estetické názory a umělecké myšlenky (F. Goya ve Španělsku, E. Delacroix, G. Courbet, E. Manet ve Francii). Mezi mistry 19. století, kteří se na tento žánr specializovali, vynikají také A. Fantin-Latour (Francie) a W. Harnett (USA). Nový vzestup malby zátiší byl spojen s vystoupením mistrů postimpresionismu, pro které se svět věcí stal jedním z hlavních témat (P. Cezanne, V. van Gogh). Od počátku 20. stol. stálý život je jakousi laboratoří kreativní malby. Ve Francii jdou mistři fauvismu (A. Matisse a další) cestou zvýšené identifikace emocionálních a dekorativně-výrazových možností barvy a textury a představitelé G. Morandi v Itálii, S. Lucian v Rumunsku, B. Kubista a E. Filla v ČR atd.). Sociální trendy v zátiší 20. století reprezentují díla D. Rivery a D. Siqueirose v Mexiku, R. Guttusa v Itálii.

V ruském umění stálý život se objevil v 18. století. spolu s etablováním sekulární malby, odrážející kognitivní patos doby a touhu pravdivě a přesně zprostředkovat objektivní svět („triky“ G. N. Teplova, P. G. Bogomolova, T. Uljanova aj.). Další vývoj ruského zátiší po značnou dobu byl epizodický. Její mírný vzestup v první polovině 19. století. (F. P. Tolstoj, škola A. G. Venetsianova, I. T. Khrutsky) je spojena s touhou vidět krásu v malém a obyčejném. V druhé polovině 19. stol. ke skice zátiší, malba V.D. Samostatný význam náčrtu zátiší se zvyšuje přelomu 19. století a 20. století (M. A. Vrubel, V. E. Borisov-Musatov). Rozkvět ruského zátiší nastal na počátku 20. století. Mezi jeho nejlepší příklady patří impresionistická díla K. A. Korovina, I. E. Grabara; díla umělců ze „světa umění“ (A. Ya. Golovin a další) nenápadně rozehrávající historickou a každodenní povahu věcí; ostře dekorativní obrazy P. V. Kuzněcova, N. N. Sapunova, S. Ju. Sudeikina, M. S. Sarjana a dalších, I. I. Maškova, A. V. Kuprina, V. V. Rožděstvenského, A. V. Lentulova, R. R. Falka, N. S. Gončarové). Sovětské zátiší, rozvíjející se v souladu s uměním socialistického realismu, je obohaceno o nový obsah. Ve 20-30 letech. zahrnuje filozofické chápání moderny v kompozičně vyhrocených dílech (K. S. Petrov-Vodkin), tematických „revolučních“ zátiších (F. S. Bogorodskij a další) a pokusy znovu hmatatelně nalézt „věc“, kterou odmítli tzv. -bezobjektoví lidé. prostřednictvím experimentů v oblasti barev a textur (D. P. Shterenberg, N. I. Altman) a plnokrevným oživením barevného bohatství a rozmanitosti objektivního světa (A. M. Gerasimov, Končalovskij, Maškov, Kuprin. Lentulov, Saryan , A. A . Osmerkin aj.), stejně jako hledání jemné koloristické harmonie, poetizace světa věcí (V.V. Lebeděv, N.A. Tyrsa aj.). Ve 40-50 letech. zátiší, která jsou výrazně stylově různorodá a odrážejí významné rysy moderní doby, kterou vytvořili P.V. Kuzněcov, Yu.I. Pimenov a další.V 60.-70. P. P. Konchalovsky, V. B. Elkonik, V. F. Stozharov, A. Yu. Nikich aktivně pracují v zátiší. Mezi mistry zátiší ve svazových republikách vynikají A. Akopyan v Arménii, T. F. Narimanbekov v Ázerbájdžánu, L. Svemp a L. Endzelina v Lotyšsku, N. I. Kormashov v Estonsku. Tendence ke zvýšené „objektivitě“ obrazu, estetizace světa věcí kolem člověka vedla u mladých umělců 70. a počátku 80. let k zájmu o zátiší. (Ya. G. Anmanis, A. I. Achalcev, O. V. Bulgakova, M. V. Leis aj.).

Lit.: B. R. Vipper, Problém a vývoj zátiší. (Život věcí), Kazaň, 1922; Yu.I. Kuzněcov, Západoevropské zátiší, L.-M., 1966; M. M. Rakova, ruské zátiší konec XIX- počátek 20. století, M., 1970; I. N. Pružan, V. A. Pushkarev, Zátiší v ruském a sovětském malířství. L.,; Yu, Ya Gerchuk, Living Things, M., 1977; Zátiší v evropské malířství XVI - začátek XX století. Katalog, M., 1984; Sterling Ch., La nature morte de l'antiquité a nos jours, P., 1952; Dorf B., Úvod do malby zátiší a květin, L., 1976; Ryan A., Techniky malby zátiší, L. , 1978.

Na konci renesance v severní Evropě se zátiší z dekorativního žánru proměnilo ve filozofickou výpověď v malbě

16.–18. století bylo zlatým obdobím v historii evropského zátiší. V těchto letech existovaly dvě hlavní umělecké školy, které se specializovaly na zobrazování květin, ovoce a předmětů – vlámská a holandská – na které navázali mistři z jiných zemí. Navzdory skutečnosti, že Flandry (Belgie) a Holandsko byly sousední státy, jejich malíři vkládali různé významy do zobrazení „mrtvé přírody“ (jak se zátiší nazývalo ve Flandrech) nebo „tichého života“ (jak se tomu říkalo v Nizozemsku).

Hlavním cílem holandských mistrů je vyjádřit myšlenku „marnosti marnosti“, křehkosti všech věcí, blízkosti smrti. Tato témata nejvíce znepokojovala protestantské teology. Proto v zátiších holandských umělců často vidíme lebku, zhaslou svíčku a zastavené hodiny. To vše rámují vlčí máky - symboly věčného spánku, narcisy - symboly pomíjivosti života, fialky - symboly křehkosti krásy atd.

Ve Flandrech to bylo naopak. Na rozdíl od protestantského Nizozemska zažívala Belgie katolické probuzení a úkolem důstojným umělce nebylo popření, ale potvrzení a oslava Božího stvoření. Jak řekl německý mystik Paracelsus: "Slovy, rostlinami a kameny je Bůh všude." Proto je vlámské zátiší oslavou života, triumfem dokonalé přírody. Frans Snyders, kolega a soudruh Rubens, je považován za virtuosa tohoto žánru. V letech 1618-1621 namaloval čtyři plátna pod obecným názvem „Obchody“: „Obchod s rybami“, „Obchod s hrami“ (zabitá drůbež), „Obchod se zeleninou“ a „Obchod s ovocem“, která jsou nyní uložena v Ermitáži. Podle Olgy Prokhorové, pracovnice muzea, kandidátky dějin umění, jde o encyklopedii vlámského zátiší s hlavními alegorickými tématy - „Roční období“, „Pět smyslů“ (chuť, sluch, čich, hmat, zrak) a „Čtyři živly“ (vzduch, voda, oheň, země). „Ovocný obchod“ je nejbohatší na symboly. „Around the World“ je dešifruje.

Prodavačka a paní Podle Olgy Prokhorové představují jejich postavy poklidný život(na dalších obrazech cyklu tuto roli hraje orající rolník a molo).
(1)Ruka s meruňkou Symbolizuje hmat.
Meruňka Symbol soběstačnosti (je to samosprašný strom).
(2) Váhy „Jako každý kovaný předmět,“ říká Olga Prokhorová, „symbolizují oheň (zatímco ryba symbolizuje vodu, zbitý pták symbolizuje vzduch a kořeny symbolizují zemi).
(3) Fík Symbol štědrosti (vytváří velmi hojné ovoce).
(4) Štěkající pes „Symbol sluchu (ucho vnímá štěkání), říká Olga Prokhorová. "Na jiných Snydersových obrazech také vidíme symboly chuti (maso, ryby) a čichu (hra na čichání psa."
(5) Opice Symbolizuje chuť.
(6) Šišky z borovice (italské borovice). Symbol naděje na štěstí ve věčnosti (borovice je stálezelený strom).
(7) Chřest Symbol mírumilovnosti (ve středověku se používal jako sedativum).
(8) Veverka Symbol tvrdé práce potřebné k pěstování této hojnosti.
(9) Artyčok Symbol pozemské lásky (věřilo se, že pomáhá otěhotnět).

Ovoce symbolizuje léto (byliny byly symboly jara, zvěř symboly podzimu a ryby symboly zimy; jsou vyobrazeny na dalších třech obrazech ze Snydersova cyklu).
(10) Citron Symbol věrnosti a lásky (nese ovoce po celý rok).
(11) Granátové jablko Symbol univerzální církve (spojuje tolik lidí, kolik je zrnek v plodech granátového jablka).
(12) Oranžová Symbol čistoty a nevinnosti (jeho bílé květy často zdobí Pannu Marii).
(13) Ostružiník Symbol čistoty Panny Marie. „Věří se,“ říká Olga Prokhorová, „že Hořící keř, který se zjevil Mojžíšovi a působí jako prototyp mateřství a panenství Panny Marie, byl ostružina. Proto o Matce Boží řekli: „Porodila plamen božské lásky, aniž by hořela chtíčem“.
(14) Malina Symbol laskavosti (sv. Martin nakrmil chudé malinami).
(15) Jablko Symbol spásy a vykoupení (v této funkci bylo ve středověku často zobrazováno v rukou malého Ježíše).
(16) Hrozny Symbol Krista („Já jsem pravý vinný kmen a můj Otec je vinař,“ Jan 15:1).
(17) Třešeň Symbol krve Ježíše.
(18) Švestka byla považována za symbol věrnosti, ale v závislosti na barvě nabývala dalších významů. Tmavě fialová švestka ukazuje na utrpení a smrt Krista, žlutá na Ježíšovu čistotu, červená na jeho milosrdenství a bílá na jeho pokoru.
(19) Třešeň Symbol nebeské milosti.
(20) Dýně Symbol vzkříšení a spásy (podle Bible vyrostla dýně z vůle Boží, aby dala stín proroku Jonášovi).
(21) Hruška Symbol sladkosti ctnosti.
(22) Broskev Symbol Trojice (skládá se ze tří částí: plod, pecka a jádro pecky).