Prostředky uměleckého vyjádření (umění, umění). Způsoby, jak odrážet realitu v umění

Je rozšířený názor, že mezi způsoby zobrazování reality ve folklóru a in nejsou zásadní rozdíly beletrie. Realita je zde i zde zobrazena stejně věrně a pravdivě. Takže například M. M. Plisetsky ve své knize věnované historismu ruských eposů nesouhlasí s těmi, kdo tvrdí, že epos nezobrazuje události určité doby, ale její aspirace.

Ptá se, proč jsou historické události znázorněny například v písních o zajetí Kazaně, o Stepanu Razinovi, proč „Příběh Igorova tažení“ může správně vykreslit polovecké tažení proti Rusům, proč L. N. Tolstoj v románu „ Vojna a mír“ nebo A. N. Tolstoj v románu „Petr první“ by mohly vylíčit mnohé historické postavy a události, ale epos to nedokáže? "Proč to není povoleno pro eposy?" - vykřikne autor. Mezi eposy, historickými písněmi, „The Lay of Igor’s Campaign“ a historickými romány 19.–20. století tedy není zásadní rozdíl v zobrazení reality.

To je názor, ve kterém autor žádný nezohledňuje umělecké prostředkyžánry folklóru a literatury, ani společenským prostředím, které tvoří umění, ani staletým historickým vývojem lidu, je přes jeho zjevnou a poněkud primitivní ahistorickou povahu zcela typické pro řadu moderní díla. Stejně pravdivé zobrazení skutečnosti jako u epiky je dovoleno i u pohádek.

V pohádkách například hledají odrazy těch forem třídního boje, které se odehrávaly v 19. století. E. A. Tudorovskaja tedy o pohádce píše toto: „Průvodní třídní nepřátelství mezi utlačovateli-vlastníky nevolníků a utlačovaným lidem je skutečně ukázáno.“ Ale pokud jde o příklady, ukazuje se následující: „Baba Yaga, „paní“ lesa a zvířat, je zobrazena jako skutečný vykořisťovatel, utlačující své zvířecí služebníky...“. Podle E. A. Tudorovské nabývá třídní boj v pohádce „vzhled fikce“. "To poněkud omezuje realismus pohádky."

Pohádka je tedy realistická, ale má jednu nevýhodu: je to fikce, a to její realističnost snižuje a omezuje Logickým důsledkem takového názoru by bylo tvrzení, že kdyby v pohádce žádná fikce nebyla, být lepší.

Takové kuriózní názory by nestály za zmínku, kdyby byl pohled E. A. Tudorovské ojedinělý. Ostatní to ale sdílejí. V.P. Anikin tedy píše: „Přímá životní společensko-historická zkušenost je zdrojem pravdivého zobrazení reality v orální tvořivost lidé." Anikin vidí třídní boj v pohádkách o zvířatech.

Prohlašuje je za alegorie. "Sociální alegorismus je nejdůležitější vlastností lidových příběhů o zvířatech a bez tohoto alegorického významu by lidé pohádku nepotřebovali." Pohádku jako takovou tedy lid nepotřebuje.

Vše, co je potřeba, je alegorický společenský význam. Autor se snaží dokázat, že vlk je „utlačovatel lidí“. Medvěd také patří ke stejným utlačovatelům. V říši pohádek jsou Koschey a další antagonisté hrdiny klasifikováni jako utlačovatelé společenského řádu.

Spravedlnost vyžaduje poznamenat, že kniha V.P. Anikina obsahuje mnoho správných postřehů. Ale v letech, kdy byla tato kniha napsána, byly takové koncepty považovány do jisté míry za povinné a progresivní.

Nebudeme se pouštět do dalších polemik, ale pokusíme se přiblížit otázku, jak se ve folklóru zobrazuje realita, jaké k tomu má prostředky a jaké jsou konkrétní rozdíly mezi folklorem a literaturou realismu, nikoli abstraktní spekulací, ale studiem samotného materiálu.

Uvidíme, že folklór má specifické zákonitosti své poetiky, odlišné od metod profesionálních umělecká tvořivost. Otázka by měla být položena historicky; Než to však uděláte, je nutné porozumět obrazu toho, co je dnes k dispozici.

Budeme uvažovat o folklorních památkách založených na záznamech z 18.-20. století, posuneme historické studium procesu kompozice a vývoje do budoucnosti. Budeme uvažovat pouze o ruském folklóru. Taková popisná studie musí být provedena před zahájením historicko-srovnávací studie.

Existují vzory, které jsou společné všem nebo mnoha žánrům folklóru, a existují vzory, které jsou specifické pouze pro jednotlivé žánry. Budeme se zabývat problematikou žánrů, vůbec se nebudeme snažit o jejich vyčerpávající popis, ale omezíme se na rámec problému vztahu folklóru k realitě.

Studium začneme pohádkou jako žánrem, ve kterém je otázka postoje k realitě poměrně jednoduchá. Právě pohádka přitom umožňuje odhalit některé obecné zákonitosti narativních žánrů obecně.

Když už mluvíme o pohádce, je třeba si připomenout výrok V.I. Lenina: „V každé pohádce jsou prvky reality...“. K ověření správnosti tohoto tvrzení stačí nejběžnější pohled na pohádku. V pohádky Těchto prvků je méně, ale v jiných typech více.

Zvířata jako liška, vlk, medvěd, zajíc, kohout, koza a další jsou právě ta zvířata, se kterými se rolník zabývá; Ze života do pohádek přešli muži a ženy, starci a stařeny, macechy a nevlastní dcery, vojáci, cikáni, selští dělníci, kněží a statkáři.

Pohádka odráží jak pravěkou realitu, tak středověké zvyky a mravy a sociální vztahy feudální a kapitalistické časy. Všechny tyto prvky reality jsou pečlivě studovány sovětskou i zahraniční vědou a již o nich existuje velmi významná literatura.

Při bližším pohledu na Leninova slova však vidíme, že Lenin vůbec netvrdí, že se pohádka skládá výhradně z prvků skutečnosti. Říká pouze, že „jsou“ v ní. Jakmile se otočíme k otázce, co tito realistickí muži, ženy, vojáci či jiné postavy v pohádce dělají, tedy odbočíme k zápletkám, okamžitě se vrhneme do světa nemožného a fiktivního.

Stačí si vzít Aarne-Andreevův rejstřík pohádkových zápletek a otevřít tam alespoň sekci „Romantické pohádky“, abyste se okamžitě přesvědčili, že tomu tak je. Kde jsou v životě ti šašci, kteří klamou všechny na světě a nikdy nejsou poraženi? Jsou v životě takoví mazaní zloději, kteří kradou vejce zpod kachny nebo prostěradlo zpod statkáře a jeho ženy? Jsou zarputilé manželky zkrocené v reálném životě jako v pohádkách a jsou na světě takoví blázni, kteří koukají dolů z hlavně pistole, jak vyletí kulka? V ruské pohádce není jediná věrohodná zápletka.

Nebudeme zabíhat do podrobností, ale zaměříme se pouze na jeden typický příklad jako vzorek. Toto je příběh o nešťastném mrtvém muži. V obecný obrys jde to takhle. Blázen omylem zabije svou matku: spadne do pasti nebo spadne do díry, kterou blázen vykopal před domem.

Někdy ji však zabije úmyslně; Schová se v truhle, aby zjistila, o čem ten blázen mluví se svou rodinou, a on to ví a naplní truhlu vařící vodou. Uloží mrtvolu matky do saní, dá jí obruč nebo spodek, hřeben a vřeteno a odjede. Vznešená trojka se k nám řítí. Neodbočí ze silnice a srazí se.

Blázen křičí, že zabili jeho matku, královského zlatníka. Jako kompenzaci mu dají sto rublů. Jde dál a nyní ukládá mrtvolu ke knězi do sklepa; Své mrtvé matce dává džbán zakysané smetany a lžíci. Popadya si myslí, že je zlodějka, a udeří ji holí do hlavy. Blázen opět dostává sto rublů jako odškodné. Poté ji posadí do člunu a spustí jej po řece. Loď najede do sítí rybářů.

Rybáři zasáhli mrtvolu veslem, ta spadne do vody a utopí se. Blázen křičí, že se jeho matka utopila. Od rybářů dostává také sto rublů. Přijde domů s penězi a řekne svým bratrům, že prodal svou matku ve městě na bazaru. Bratři zabijí své ženy a vezmou je prodat. Četníci je odvedou do vězení a majetek bratrů připadne bláznovi. S tímto majetkem a penězi, které přinesl, začíná žít šťastně až do smrti.

Existuje ještě jedna verze této pohádky, kterou však lze považovat za jinou pohádku. Tady se věci dějí trochu jinak. Mužova žena zachází se svým milencem. Můj manžel se dívá.

Zatímco ona jde do sklepa pro máslo, její manžel zabije jejího milence a dá mu do úst palačinku, aby si mysleli, že se udusil. Pak začínají triky s mrtvolou, která se může částečně shodovat s předchozí verzí, částečně mít jinou podobu.

V tomto případě se musíte zbavit mrtvoly, abyste se zbavili podezření z vraždy. Muž opře mrtvolu o dům, kde se koná svatební hostina, a začne nadávat. Hosté vyskočí, myslí si, že muž opřený o zeď nadával, a udeřili ho do hlavy. Když ho viděli mrtvého, vyděsili se a aby se mrtvého muže zbavili, přivázali ho ke koni a nechali ho jít.

Kůň vběhne do lesa a kazí lovcovy pasti. Lovec bije mrtvého a myslí si, že ho zabil. Položí mrtvolu do člunu a akce končí, stejně jako v předchozí verzi: nešťastný mrtvý muž spadne do vody po úderu rybáře a mrtvola zmizí.

Pokud by se moderní sovětský spisovatel rozhodl napsat příběh o tom, jak byla zabita jeho matka a jak vrah následně použil mrtvolu k vymáhání peněz, pak by takový příběh nevydalo ani jedno nakladatelství, a pokud by vyšlo, způsobilo by to ospravedlnitelné rozhořčení mezi čtenáři.

Mezitím pohádka nevyvolává mezi lidmi žádné rozhořčení, přestože rolníci zacházejí s mrtvými s určitou zvláštní úctou. Tento příběh je populární nejen mezi Rusy, ale mezi mnoha evropskými národy. Dostal se i k Indiánům v Severní Americe.

Proč by se tak pobuřující příběh mohl stát populární? To se stalo možným jen proto, že tato pohádka je veselá fraška. Vypravěč ani posluchač nevztahuje příběh k realitě. Badatel to může a měl by dát do souvislosti s realitou a určit, které aspekty každodenního života tuto zápletku přivedly k životu, ale to už nepatří do oblasti uměleckého vnímání, ale vědeckého. To není redukovaný, omezený nebo pohádkový realismus, není to alegorie ani bajka, je to pohádka.

U tohoto příkladu jsme se pozastavili tak podrobně, protože je orientační a typický pro otázku vztahu pohádky ke skutečnosti.

Pohádka je záměrná a poetická fikce. Nikdy to není prezentováno jako realita. „Pohádka je zvrat, píseň je příběh,“ říká přísloví. "Příběh je krásný, píseň je krásná." Po dokončení příběhu říkají: "To je celý příběh, už nemůžete lhát." V moderním jazyce je slovo „pohádka“ synonymem pro slovo „lež“.

Co pak ale pohádku přitahuje, když jejím cílem není zobrazení reality? V první řadě zaujme neobvyklostí svého vyprávění. Nesoulad s realitou, fikcí jako takovou, přináší zvláštní potěšení.

V pohádkách je realita záměrně obrácena naruby a v tom je pro lidi celé jejich kouzlo. Pravda, mimořádné se vyskytuje i v beletrii.

V romantické próze je silnější (romány Waltera Scotta, Hugo), v realistické próze slabší (Čechov). V literatuře je neobyčejné zobrazováno jak je to možné, vyvolává emoce hrůzy nebo obdivu nebo překvapení a my věříme v možnost toho, co je zobrazeno.

V lidové próze je výjimečnost taková, že by to vlastně v životě nebylo možné. Pravda, v každodenních pohádkách ve většině případů nedochází k porušování zákonů přírody. Všechno, co se říká, se ve skutečnosti mohlo stát. Ale přesto jsou popisované události tak mimořádné, že se ve skutečnosti nikdy nemohly stát, a proto vzbuzují zájem.

V.Ya. Propp. Poetika folklóru - M., 1998

III. Hudba v dílech.

II. Jazyk děl.

Aischylova díla se vyznačovala vznešeně mytologickým, hrdinským stylem, plným metafor z oblasti války a zbraní. Není náhodou, že sám Aischylos nazval své tragédie „zbytky z Homérova stolu“. Dalším zdrojem jeho básnického stylu byl orientální umění. Toto odhaluje Euripides:

Všichni podvodníci, jak pevnosti, tak na zvonících štítech

Griffin orli, měď a lesk řečí hlavonožců, -

Jejich pochopení je ta největší práce.

Jazyk Aischylových děl je vskutku vznešený, vážný a ne vždy srozumitelný. Euripidův jazyk je jednoduchý a srozumitelný. Jeho hrdinové „nemumlají a nemluví nesmysly“. Když jde ven, vždy nejprve mluví o svém původu. Avšak soudě podle jedné z Dionýsových frází, mluvených v první části, Euripidův jazyk není příliš dobrý. Jeho díla se vyznačují naturalistickou redukcí („éter je byt Diův“) a manýrismem („tlapa času“).

Zvláštní význam mají prology díla. V Aischylovi tedy hrdina říká frázi, ve které dvě synonyma znamenají totéž, což je podle Euripida nadbytečnost řeči:

Teklo a vrátilo se – jaký je rozdíl?

"Slyšet, dbát - zde je identita nesporná." Euripides je hrdý na to, že v jeho prologech nejsou žádná zbytečná slova. Všiml si, že Aischylos je náchylný k opakování stejných ustálených frází („Proč nespěcháš pomoci unaveným?“)

Aischylos však poznamenává, že Euripidovy prology jsou konstruovány stejným způsobem, takže všechny mohou pokračovat větou „ztratila se láhev“. To je samozřejmě z Aristofanovy strany nadsázka, ne všechny tragédie jsou postaveny podle šablony, ale pouze ty, které si pro své dílo vybral. Ale mnoho z nich je ve své konstrukci opravdu podobné:

Bůh Dionýsos, který drží v ruce thyrsus

A pokrytý kůží, v záři pochodní

Tanec v Delphi... ztratil láhev.

Smrtelník nemůže být úspěšný ve všem:

Jeden, hodný, zahyne v chudobě,

Další, bezcenná... ztratil jsem láhev.

Toto jsou úryvky z neuložených tragédií „Ipsipil“ a „Stheneboea“.

Nemůžeme říci, jaký druh hudby doprovázel autorské tragédie. Ale Aischylos v komedii paroduje s pomocí tamburíny rafinované manýry hudební kompozice sborové písně Euripida. Euripides zavedl do inscenace monodii, jednohlasé árie po vzoru dithyrambické hudby

Autoři, kteří pracovali v různé éry, inherentní a různé vnímání mír. Aischylos napsal krátce po řeckém vítězství v bitvě u Marathonu. Jeho díla oslavují mýtické krále, velké činy lidí a statečné hrdiny. To po něm nemůže chtít Euripides, který tvrdí, že Aischylos ve svých tragédiích vyvedl lidi, kteří byli arogantní, arogantní větrovky. A Euripides mluvil o jednoduchých tématech, o známém, bližším životě. Jeho hrdinou byl chytrý Feramenes, který byl mezi starověkými lidmi znám jako příklad vynalézavého, ale bezzásadového politika. Dostal dokonce přezdívku „Feramen Větrník“. Euripides považuje za zásluhu, že do poezie vnesl zdravý rozum. Ale Aischylos se domnívá, že Aischylova díla měla na Athéňany špatný vliv. V komedii o Aristofanovi tvrdí, že Euripides učinil rozumné, čestné, pravdomluvní lidéšmejdi. Lidé, kteří četli jeho díla, byli ve své době hrdinové, dobře odvedeni, nezačínali hádky a vyhrávali války. Jeho díla „Sedm proti Thébám“ a „Peršané“ byla plná ducha války a vštípila Athéňanům touhu po vítězství. Na jeho dílech byl vychován slavný velitel Lamachus, který zemřel během sicilské výpravy. Pokud jde o Euripida, přivedl podle Aischyla na scénu „děvku“ Faidru (v tragédii „Hippolytus“). Obraz zamilované ženy je Aischylovu hrdinskému dílu zcela cizí. Aischylos vidí v zobrazení zamilovaných žen na jevišti úpadek morálky v Athénách. Věří, že si nezaslouží být zobrazováni. Ale Euripides vytvořil skutečné psychologické drama. Vykresluje psychologii každé z postav. V dílech Euripida se často objevovaly bezbožné výroky, v komedii se dokonce modlí k jiným bohům než Diovi. Na konci používá Dionýsos stejné výroky a jako vítěze volí Aischyla.

Aristofanova komedie "Žáby" podává velmi subjektivní charakteristiku dvou největších tragédií. Ve skutečnosti jde o kritiku Euripida, jehož dílo Aristofanés kontrastovalo s Aischylem. Aristofanés jako vzdělaný člověk samozřejmě pochopil, že nová doba vyžaduje nové myšlenky a prostředky umělecký projev, takže nemohl nevidět progresivitu Euripidovy dramaturgie. Na druhé straně Euripidův zájem o vnitřní světčlověk k vášním, které ho zaplavují, a tragickému vyústění konfliktů, k nimž vede neslučitelnost protichůdných citů, zničil i celistvost mravních základů, na nichž byla založena athénská demokracie, která dávala přednost veřejnosti před osobním, stejně jako filozofie sofistů. Aristofanés v komedii velmi podrobně popsal jejich tvůrčí principy, poetický styl a inscenační rysy.

43. Menanderovo domácí drama „Rozhodčí soud“ a jeho využití v
Římská literatura ("Tchýně" Terence).

Krátké převyprávění Menanderova komedie "The Grouch". [Předtím, než příběh začal, ale měl velká důležitost. Bohatý mladík jménem Charisius znásilnil o svátku Tauropolis jemu neznámou dívku. Ve skutečnosti si tuto dívku měl vzít, ale vše se stalo v noci, Kharisiy si nic nepamatoval a nepoznali se. Brzy se oženil s Pamfylou, která byla zneuctěna, ale on ani ona si na to nevzpomněli. Manžel někam odjel a ona porodila nemanželské dítě. Co dělat? Její manžel ji po tomhle opustí! Rozhodne se dítě vzdát. O tom se dozví manželův otrok Onesimus. Vše řekne majiteli. Podle athénských zákonů měl Charisius právo vrátit Pamfilu jejím rodičům, protože byl oklamán tím, že je dívka. Ale neodvažuje se to udělat, ale jde jednoduše ke svému sousedovi-příteli Harestratovi, aby se napil a pobavil]. Tady komedie začíná. Charisius se baví na večírku s flétnistou jménem Gabrotonon, ale ona sama tvrdí, že ji k posteli nepouští. Pamphilin otec Smikrin, který o porodu nic neví, přijede vyzvednout dceru od svého nevěrného zetě, který pouze utrácí věno a nevěnuje jí pozornost. Ale Pamphila je dívka s charakterem. Nechce opustit manžela. V této době našel opuštěné dítě pastýř Dove. Dítě mělo s sebou bohaté dary a prsten. Vzal si dítě, ale brzy zjistil, že ho nemá čím živit. Dárky nechal doma, ale chtěl dítě někomu darovat. Potkal jsem svého přítele, uhelného horníka Sirisku. Sirisk byl Harestratovým otrokem a prosil ho, aby mu dal dítě. Dal to. Ale pak ho Sirisk začal prosit, aby se vzdal svých bohatých věcí, takže kdyby se našli rodiče dítěte, mohli ho identifikovat. On nechce. Pak požádají Smikrina, aby je soudil. Smikrin, když slyšel, o co jde, nechává dárky a dítě Siriska. V tomto okamžiku Onesimus vidí prsten v rukou Sirisk. Prohlašuje, že toto je prsten jeho mistra Charisia a ztratil ho na festivalu Tauropolis. Vezme prsten, ale neodváží se ho ukázat Kharisiya, protože pak bude muset přiznat otcovství neznámého dítěte. Hetaera Gabr opouští dům Harestrat Ó Tonon a vidí Onesima s prstenem. Všechno jí řekne a ona si vzpomene, že v Tavropolis, kde byla, byla znásilněna jedna dívka. Zná ji od vidění, ale ne podle jména. Navrhuje nejprve otestovat Charisia: předstírat, že byla tou dívkou v Tavropolis, a pak, když přizná otcovství, najít svou matku. Tak to dělá. Pak jde s dítětem a potká Pamphilu, kterou pozná jako svou matku. Smikrin se snaží odvést její dceru od jejího zetě, který, jak se ukázalo, také zplodil dítě s hetaerou, ale ona odpoví, že nenechá svého manžela v nesnázích. Kharisiy zaslechne a dotčeně si uvědomí, že není hoden své ženy. Pak mu Gabrotonon oznámí, kdo je matkou dítěte. Nastává všeobecná úleva. Gabroton jako zachránce dostává svobodu.Krátké převyprávění Terenceova komedie "Tchýně". Nedávno ženatí Pamphilus a Filumena jsou nuceni se na čas oddělit. Během jejich manželství, Pamphilus, stále zamilovaný do jeho ex přítelkyně Bacchides, své ženy se nedotkne. Pamphil odchází služebně na Imbros a Filumenino dítě se narodilo předčasně. Vracející se manžel zastihne porod v domě rodičů své manželky, ke kterým se vrátila, údajně nevychází s tchyní. Pamphilus podezírá svou ženu ze zrady a už ji nechce vidět a vrací se ke své staré přítelkyni, hetaeře Bacchida. Nikomu neprozradí tajemství své ženy a říká, že se na ni zlobí, protože si neváží své tchyně Sostraty. Sostrata je připraven jít do vesnice, pokud budou šťastní jen mladí lidé. Konflikt se snaží vyřešit i Pamphilův otec Laches a otec nevěsty Phidippus. Toho dosáhne i hetaera Bacchida, které se podaří prokázat, že prsten, který Philumena nosí, jí daroval Pamphilus, který se na ní dopustil násilí před jejím sňatkem, během dovolené, když byl opilý. Komedie končí šťastně, dítě si najde otce a ze všech hrdinů, hetaery nevyjímaje, se vyklube laskaví a ušlechtilí.

Menander – poslední básník Attica porodila. Narodil se v Athénách v roce 342 před naším letopočtem. a žil dlouhý život do roku 293. Působil v helénistické době. Tento dramatik se stal tvůrcem novoattické komedie (IV-III století před naším letopočtem). V podstatě lze tento žánr označit za domácí drama s prvky tragiky a komedie. Menander nastudoval více než sto těchto komedií, ale jeho současníci ho neměli rádi. Patřil k nejvyšší aristokracii, byl předkem Solona. Po pádu athénské demokracie jeho blízký přítel Demetrius z Falerského se stal guvernérem Makedonu v Řecku.

Menander vytvořil hry smířlivého charakteru. Komedie již nevyjádřena sociální problémy, jak tomu bylo za Aristofana. Autor se zabýval myšlenkou odejít do soukromého života, prosazoval principy lidskosti - popíral kruté zacházení s otroky. Byla to měkká, humánní, inteligentní pozice. Odráželo to, co se dělo v Attice. Lidé se přestali zajímat o politiku a šli hlouběji do soukromého života. Menander byl také stoupencem Thalese, který prosazoval myšlenku rovnosti všech občanů ve státě.

Dramaturgie Menandera je dědicem antické komedie a tragédie Euripida. Jeho komedie v mnoha ohledech navazují na tradice městské zábavné hry na Dionýsově festivalu, protože navzdory všem zkouškám, které na hrdiny čekají, je konec hry vždy šťastný. Menandrovy neustálé motivy – násilí na dívce, opuštění dětí, uznání – využíval již Euripides. Ale u Euripida jsou tyto motivy spojeny s každodenním životem a v Menandrovi se přenášejí do každodenního života.

Každodenní postavy Menandera, které tak dovedně zobrazil ve své komedii, byly určeny jevy veřejný život. Lidé jsou unaveni z válek, sporů a nepokojů. Jeho postavy jsou také bez vysokých nároků. Jejich ideálem je klid rodinný život v hojnosti. Jeho díla nebyla čistě komická, mísila se zde komická a tragická. Autorův monolog a dialog představují každodenní řeč. Nejsou zde žádné archaické výrazy. Sbor komedii postupně opouští. V „Rozhodčím soudu“ jsou tedy sborové scény pouze na konci aktů, mezi jednáními.

Komedie "Rozhodčí soud". Zachován je přibližně ze dvou třetin. Datum jeho výroby není známo, ale na základě zvládnutí jeho psychologických vlastností jej vědci řadí na konec Menanderova díla. Tato komedie vyniká především mistrovským vykreslením postav. Menander vytvořil celou galerii typů, které se pak aktivně používaly ve světové literatuře. Důležité ale je, že se mu podařilo typické obrazy obohatit, učinit je živými a autentickými. Jsou to obrázky jako:

Starý muž. Dívčin spořivý, nevrlý otec. Chamtivý. U „Rozhodčího soudu“ tuto roli hraje Smicrin, otec Pamphily. Když se dozvěděl o dobrodružstvích svého zetě, rozhodne se vzít svou dceru domů, protože se bojí, že Kharisiy utratí celé věno na zábavách a heterách.

Getera. Vzdělaná žena. Uměla vést konverzaci, byla talentovaná, chytrá, vzdělaná, hlavou i rameny převyšovala běžné domácí Řeky. U „Rozhodčího soudu“ hraje roli hetaera gabrotonon- flétnista. Je typickou komediální hetaérou, ale jejími individuálními rysy jsou laskavost, poctivost a láska ke svobodě. Je nejen chytrá, ale i mazaná. Ví, jak to zařídit, aby milenci byli spolu, a ona dostala volnost. Aktivně se účastní akce a přispívá k nejrychlejšímu vyřešení konfliktu. Ve vztahu k Pamphile se chová vznešeně. Nejdřív chtěla nalezence využít pro své účely, ale pak rodinu obnovila.

Zvažoval se „rozhodčí soud“. klasický příklad nová komedie. V centru komedie je neobvyklý příběh manželský pár, před jehož domem se akce odehrává. To se děje poblíž Atén.

Důležité nápady: Když Sirisk vyzvedne Pamphilino dítě, nárokuje si práva dítěte na to, co s ním bylo hozeno. Poprvé v komedii zazněla myšlenka, že opuštěné dítě má práva. Podstatou komedie je, že štěstí lidí závisí na nich samotných a osud člověka, který není prostý náhod, je vždy určován jeho povahou. To říká také služebník Onesimus, který tvrdí, že všechny obavy bohů o lidi se skládají z rozložení postav.

Každodenní komedie, ač realistická, byla zcela umělá. Řecká společnost ztrácela kontrolu nad svým osudem. Nezbylo než stavět vzdušné zámky, komedie se vzdalovala realitě čím dál víc.

Předveďte se: Aristofanés Byzantský řekl: „Menandere a život, kdo z vás koho napodobil? “

Následné použití v římské a evropské literatuře. Menander je zakladatelem každodenního dramatu, které se poté přesunulo do římské literatury. Jeho komedie charakterizuje 5 jednání, rozvinutá intrika s různými motivy: únos dívky, opuštěné dítě, ztráta paměti. Náhoda hraje v Menanderových komediích obrovskou roli. Je to případ, který pomáhá vyřešit konflikt. Toto řešení konfliktu bylo typické pro následnou masovou literaturu.

Římští komici hojně využívali Menanderovy hry, zejména Terence, který dostal od Caesara přezdívku „Half-Menander“. Ale římští spisovatelé zacházeli se svými prameny tak svévolně, že bylo zcela nemožné zjistit původnost řeckých originálů z latinských úprav.

Publius Terentius (190–159 př. n. l.)- byl osvobozeným otrokem senátora Terence, přivezeného do Říma z Kartága. Vzdělání získal v Římě, kde se seznámil s neoattickou komedií a začal psát své hry podle jejích zápletek. Projevil velký zájem o dílo Menandera (4 z jeho komedií se vrací k Menanderovi). Nejenže kreslil zápletky, ale také se snažil znovu vytvořit jemné Menanderovy postavy a humánní orientaci svých her. Terence vytvořil imitativní komedii. Přenesl nejen děj, ale i postavy a styl novoattického dramatu. Zápletka jeho „tchyně“ se příliš neliší od „Rozhodčího soudu“. Snažil se pouze dát Menandrovým dílům životně věrohodnou věrohodnost. Pokud jsou hrdinové Menandera ideální typy, pak hrdinové Terence jsou jedinci bližší realitě. Takže v „Tchýni“ je scéna mezi otrokem Parmenonem a hetero Philotis, kde ho žádá, aby mu řekl o rozpadu Pamphilova manželství, protože bývalý milenec její přítel Bacchides. Parmenon nejprve odmítá, ale ona mu říká: „Ty sám mi o tom chceš říct! A povzdechl si: „Ano, tady je můj velký neřest" Stejně jako díla Menandera nebyly Terenceovy hry příliš populární.

Jestliže v předchozím období byl hlavní byznys pro Římany vládní činnost, pak nyní volnočasové aktivity, literatura a filozofie začaly nabývat na významu v životě Římanů. Kulturní záležitosti se vyřizovaly soukromě, doma, a ne na náměstí, jak bylo zvykem v Řecku. Terencova kreativita byla odrazem takového okruhu vzdělaných šlechticů. Tradiční římská morálka se reviduje a řecký život se stává ideálem.

V prologu k dílu "Nevlastní matka" Terence říká, že diváci dvakrát narušili představení a nechali divadlo sledovat provazové tanečnice nebo gladiátorské hry. Přestože jsou Terenceovy komedie určeny jen málokomu, jeho úspěchy v zobrazování postav jsou významné a v dějinách literatury nezůstaly beze stopy. Terence se snažil divákům zprostředkovat jemnost Menanderových postav a ladnost jazyka novoattické komedie. V jeho hrách nejsou žádné hrubé vtipy, vulgární výrazy nebo biflování. Jeho hry patří do žánru „dojemných dramat“, „slzných komedií“. Na rozdíl od Menandera má hra více filozofických momentů.

Terenceovy zápletky jsou čerpány z neo-attické komedie. V jeho hrách jsou hrdiny také zamilovaní mladíci, hetaery, svobodné dívky, přísní otcové, zavazující otroci, pasáci. Ale stejně jako Menander se snaží typické obrazy obohatit o individuální rysy. Jeden z ústřední postavy jeho díla zachycují mladého muže v sevření svých žhavých citů, jak si volí směr chování a přemýšlí, jakou cestou by se měl vydat. Problém výchovy se pro básníka ukazuje jako jeden z hlavních.

Je zajímavé, že tchyně v komedii není vůbec zlá. A je laskavá a ve všem se snaží usmířit mladé manžele.

Míša
44. Helénistický epos o Apolloniovi z Rhodu „Argonautica“.

Krátká rekapitulace:
Báseň začíná seznamem hrdinů, které Jason shromažďuje z celého Řecka, aby šli za Zlatým rounem – kůží zlatého berana, na kterém kdysi dávno prchal z Řecka princ Frixus (prchal před lidmi, nadšený zabít Frixa ' nevlastní matka). Hrdinové byli shromážděni, Arg postavil loď s 50 vesly, posadil se a plavil se přes Egejské moře. Skončili jsme na ostrově Lemnos, kde žije kmen jako Amazonky. Žili tam nějakou dobu, pak šli do Marmarského moře a tam udělali svou první zastávku. Herkulův přítel Hylas šel do pobřežního lesa, sklonil se k potoku a byl vtažen do vody nymfami. Herkules ho běžel zachránit. Zbytek přemýšlel, co dělat, pak se z moře objevila obrovská hlava a řekla, aby opustili Herkula a plavali dál. Na druhém místě v Marmarském moři se Dioscurus Polydeuces, syn Dia a Argonauta, dostal do boje s místním vůdcem a synem Poseidona, který rád namočil nově příchozí do pěstní souboj. Vůdce prohrál, kmen ho porazil a plul dál. Třetí zastávka byla také v Marmarském moři a tam zachránili starého krále-věštce Phinea před harpyjemi a poslali proti nim určité okřídlené Boready (harpyje). Phineus jim vysvětlil, jak plout dále. Dále se ukázalo, že je to to, čemu se dnes říká Bosporský průliv, ale pak tam byla mezera mezi dvěma bludnými skalami. Na radu Phinease vypustili želvu, které se podařilo proklouznout a ztratila několik peříček z ocasu. To znamená, že projdeme, rozhodli se Argonauti, strčili tam hlavy a ne bez pomoci Athény prošli a nechali v mezeře několik prken ze zádi. Skály zamrzly a staly se břehy Bosporské úžiny. V Černém moři se setkávají s různými zeměmi (kmeny Amazonek, sídla Apolla a Artemidy, hnízda měděných ptáků atd.). V Kolchide požádají o pomoc Afroditu a ta řekne Erosovi, aby přiměl dceru místního krále Médeu, aby se zamilovala do Jasona. Jason provádí od krále Eeta nemožné testy, s pomocí Medei ukradne Zlaté rouno střežené drakem, naloží ho (a Medeu zároveň) na loď a vypluje. Cestou je dostihne syn Eetus se svým lidem, zabijí ho a odplují do Circe (západní část Středozemního moře), aby odčinili svůj hřích. Pak plují téměř po Odysseově cestě (Achillova matka Thetis jim pomáhá přeskočit Skyllu a Charybdu na mořské vlně a Argonaut Orfeus svou hudbou přehluší sirény) a ve Faeacii je dostihne druhé pronásledování z Kolchidy. . Král Fajáků rozhodne, že Medea musí být vrácena, pokud ještě není Iásonovou manželkou, a v noci se v jeskyni tajně slaví svatba. Nakonec je bouře vysadí na mělčinu v Africe, vezmou loď do rukou a 12 dní a nocí plují pouští. Pak se ocitnou v oáze a soudě podle mrtvého hada a zničených skal pochopí, že Herkules už tu byl. Nakonec dorazí na místo startu a jedou domů. Zde akce básně končí.

Malíři a sochaři, designéři a architekti – všichni tito lidé vnášejí do našich životů každý den krásu a harmonii. Díky nim si prohlížíme sochy v muzeích, obdivujeme obrazy, žasneme nad krásou antických staveb. Současné výtvarné umění nás udivuje, klasické umění nás nutí přemýšlet. Ale v každém případě nás všude obklopují lidské výtvory. Proto je užitečné porozumět této problematice.

Druhy výtvarného umění

Výtvarné umění je prostorové. To znamená, že má objektivní podobu, která se v čase nemění. A právě podle toho, jak tato forma vypadá, se rozlišují druhy výtvarného umění.

Lze je rozdělit do několika kategorií. Například podle doby vzhledu. Až do 19. století byly za hlavní považovány pouze tři typy: sochařství, malířství a architektura. Dějiny výtvarného umění se ale vyvíjely a brzy se k nim přidala grafika. Později vznikly další: umění a řemesla, divadelní dekorace, design a další.

Dnes neexistuje shoda na tom, jaké druhy výtvarného umění by se měly rozlišovat. Existuje však několik základních, jejichž existence nevyvolává žádné kontroverze.

Malování

Kresba je druh výtvarného umění, ve kterém jsou obrazy přenášeny pomocí barev. Aplikují se na tvrdý povrch: plátno, sklo, papír, kámen a mnoho dalšího.

K malování se používají různé barvy. Mohou být olejové a akvarelové, silikátové a keramické. Zároveň probíhá malba voskem, smalt a další. Záleží na tom, jaké látky jsou na povrch naneseny a jak jsou tam fixovány.

V malbě existují dva směry: stojan a monumentální. První spojuje všechna ta díla, která byla vytvořena na různých plátnech. Jeho název pochází ze slova „stroj“, což znamená stojan. Ale monumentální malba je výtvarné umění, které je reprodukováno na různých architektonických strukturách. To jsou všemožné chrámy, hrady, kostely.

Architektura

Stavba je monumentální umělecká forma, jejímž účelem je stavět budovy. Jedná se prakticky o jedinou kategorii, která má nejen estetickou hodnotu, ale plní i praktické funkce. Koneckonců, architektura zahrnuje výstavbu budov a struktur pro život a činnost lidí.

Nereprodukuje realitu, ale vyjadřuje touhy a potřeby lidstva. Dějiny výtvarného umění se proto nejlépe sledují přes něj. V různých dobách se způsob života a představy o kráse velmi lišily. Právě z tohoto důvodu umožňuje architektura vysledovat útěk lidského myšlení.

Tento druh se také vyznačuje vysokou mírou závislosti na životní prostředí. Například tvar architektonických struktur je ovlivněn klimatickými a geografickými podmínkami, charakterem krajiny a mnoha dalšími.

Sochařství

Jedná se o starověké výtvarné umění, jehož vzorky mají trojrozměrný vzhled. Vyrábějí se litím, sekáním, tesáním.

K výrobě soch se používá převážně kámen, bronz, dřevo nebo mramor. Ale v Nedávno Neméně populární se staly beton, plast a další umělé materiály.

Socha má dvě hlavní varianty. Může být kruhový nebo reliéfní. V tomto případě se druhý typ dělí na vysoký, nízký a zadlabací.

Stejně jako v malířství existují i ​​v sochařství monumentální a stojanové směry. Samostatně se však rozlišují i ​​dekorativní předměty. Monumentální sochy v podobě pomníků zdobí ulice, označují důležitá místa. Stojany se používají k dekoraci místností zevnitř. A dekorativní zdobí každodenní život jako malé plastové předměty.

Grafika

Jedná se o dekorativní výtvarné umění, které se skládá z kreseb a uměleckých tištěných obrázků. Grafika se od malby liší použitými materiály, technikami a formami. K vytváření rytin nebo litografií se používají speciální stroje a zařízení k tisku obrázků. A kresby jsou vyrobeny inkoustem, tužkou a jinými podobnými materiály, které umožňují reprodukovat tvary objektů a jejich osvětlení.

Grafika může být stojanová, knižní a aplikovaná. První vzniká díky speciálním zařízením. Jedná se o rytiny, kresby, skici. Druhá zdobí stránky knih nebo jejich obaly. A třetí jsou všemožné etikety, obaly, značky.

Za první grafické práce jsou považovány skalní malby. Ale jejím největším úspěchem je malba váz ve starověkém Řecku.

umění a řemesla

Je to zvláštní druh tvůrčí činnost, která spočívá ve vytváření různých předmětů pro domácnost. Uspokojují naše estetické potřeby a často mají užitnou funkci. Navíc byly dříve vyrobeny přesně z praktických důvodů.

Ne každá výstava výtvarného umění se může pochlubit přítomností dekorativních a užitých předmětů, ale má je každý domov. Patří mezi ně šperky a keramika, malované sklo, vyšívané předměty a mnoho dalšího.

Nejvíce se odráží výtvarné a užité umění národní charakter. Faktem je, že jeho důležitou složkou je lidové umění a řemesla. A ty zase vycházejí ze zvyků, tradic, víry a způsobu života lidí.

Od divadelního a dekorativního umění až po design

V průběhu historie se objevuje stále více nových druhů výtvarného umění. Se vznikem prvního chrámu Melpomene vzniklo divadelní a dekorativní umění, které spočívá ve výrobě rekvizit, kostýmů, kulis a dokonce i make-upu.

A design jako jeden z druhů umění, i když se objevil v dávných dobách, byl teprve nedávno vyčleněn do samostatné kategorie s vlastními zákony, technikami a rysy.

Žánry výtvarného umění

Každé dílo, které pochází z mistrova pera, kladiva nebo tužky, je věnováno konkrétnímu tématu. Ostatně při jeho tvorbě chtěl tvůrce sdělit své myšlenky, pocity, nebo i děj. Právě těmito vlastnostmi se rozlišují žánry výtvarného umění.

Poprvé o nějaké systematizaci obrovské množství kulturní dědictví mysleli v Nizozemí v 16. stol. V této době se rozlišovaly pouze dvě kategorie: vysoké a nízké žánry. První zahrnovala vše, co přispělo k duchovnímu obohacení člověka. Jednalo se o díla věnovaná mýtům, náboženství a historickým událostem. A za druhé – věci související s každodenním životem. Jsou to lidé, předměty, příroda.

Žánry jsou formy zobrazení života ve výtvarném umění. A s tím se mění, vyvíjejí a vyvíjejí. Procházejí celé éry výtvarného umění, zatímco některé žánry získávají nový význam, jiné zanikají a jiné vznikají. Existuje však několik hlavních, které prošly staletími a stále úspěšně existují.

Historie a mytologie

Vysoké žánry renesance zahrnovaly historické a mytologické. Věřilo se, že nebyly určeny pro obyčejného člověka na ulici, ale pro osobu s vysoká úroveň kultura.

Historický žánr je jedním z hlavních ve výtvarném umění. Věnuje se znovuobnovení těch událostí minulosti a současnosti, které mají velký význam pro lid, zemi nebo jednotlivou lokalitu. Jeho základy byly položeny již ve starověkém Egyptě. Plně se však zformoval již v Itálii, během renesance, v dílech Uccella.

NA mytologický žánr zahrnují ta díla výtvarného umění, která odrážejí legendární témata. První jeho ukázky se objevily již ve starověkém umění, kdy se z eposů staly obyčejné poučné příběhy. Nejznámější jsou ale díla renesance. Například fresky od Raphaela nebo obrazy od Botticelliho.

Náměty uměleckých děl náboženského žánru jsou různé epizody z evangelia, bible a dalších podobných knih. V malířství byli jeho slavnými mistry Raphael a Michelangelo. Žánr se ale promítl i do rytin, sochařství a dokonce i architektury, dané stavbou chrámů a kostelů.

Válka a život

Zobrazování války v umění začalo ve starověku. Ale toto téma bylo aktivně rozvíjeno v 16. století. Všechny druhy tažení, bitev a vítězství nacházely výraz v tehdejších sochách, obrazech, rytinách a tapisériích. Pojmenujte umělecká díla na toto téma bitevní žánr. Samotné slovo má francouzské kořeny a překládá se jako „válka“. Umělci, kteří malují takové obrazy, se nazývají bitevní malíři.

Naproti tomu ve výtvarném umění existuje každodenní žánr. Představuje díla, která reflektují každodenní život. Je těžké vysledovat historii tohoto trendu, protože jakmile se člověk naučil používat nástroje, začal zachycovat jeho drsný každodenní život. Každodenní žánr ve výtvarném umění umožňuje seznámit se s událostmi, které se odehrály před tisíci lety.

Lidé a příroda

Portrét je obrazem člověka v umění. Jedná se o jeden z nejstarších žánrů. Zajímavé je, že původně měla kultovní význam. Portréty byly ztotožněny s duší zesnulého člověka. Ale kultura výtvarného umění se rozvinula a dnes nám tento žánr umožňuje vidět obrazy lidí minulých epoch. Což dává představu o oblečení, módě a vkusu té doby.

Krajina je žánr výtvarného umění, ve kterém je hlavním tématem příroda. Vzniklo v Holandsku. Ale po svém krajinomalba velmi rozmanité. Dokáže zobrazit skutečnou i fantastickou přírodu. V závislosti na typu obrazu se rozlišuje venkovská a městská krajina. Ten zahrnuje takové poddruhy jako industrial a veduta. Kromě toho hovoří o existenci panoramatických a komorních krajin.

Rozlišuje se i živočišný žánr. Jedná se o umělecká díla zobrazující zvířata.

Mořské téma

Mořské krajiny představují především rané holandská malba. Výtvarné umění této země dalo vzniknout samotnému marina žánru. Vyznačuje se odrazy moře ve všech podobách. Námořní umělci malují kypící prvky a klidné vodní plochy, hlučné bitvy a osamělé plachetnice. První obraz tohoto žánru se datuje do šestnáctého století. Cornelis Antonis na něm zobrazil portugalskou flotilu.

Přestože je marina spíše žánrem malby, vodní motivy najdete nejen v obrazech. Například dekorativní umění často používá prvky mořské krajiny. Mohou to být tapisérie, šperky, rytiny.

Položky

Zátiší je především také žánrem malby. Jeho jméno je přeloženo z francouzštiny jako „mrtvá příroda“. Ve skutečnosti jsou hrdinové zátiší různé neživé předměty. Obvykle se jedná o předměty každodenní potřeby, stejně jako zeleninu, ovoce a květiny.

Za hlavní charakteristiku zátiší lze považovat jeho zdánlivou bezdějovost. Přesto se jedná o filozofický žánr, který vždy odrážel spojení mezi člověkem a vnějším světem.

Prototypy zátiší lze nalézt na monumentální malbě Pompeje. Později se tento žánr stal součástí dalších obrazů. Například náboženské obrazy. Jméno za ním však vzniklo až v 16. století.

Výtvarné umění je způsob, jak pochopit realitu a místo člověka v ní. Umožňuje vám znovu vytvořit realitu pomocí různých vizuálních obrazů. Díla tohoto umění nacházejí své místo nejen v muzeích nebo na výstavách, ale také v ulicích měst, v domácnostech a knihovnách, v knihách a dokonce i na obálkách. Jsou všude kolem nás. A to nejmenší, co můžeme udělat, je naučit se oceňovat, chápat a uchovávat úžasné dědictví, které jsme zdědili od velkých mistrů minulých epoch.

Moderní fotografie má nejbohatší možnosti pro reflexi a pochopení reality kolem nás. Zpočátku však byla fotografie považována pouze za technický způsob záznamu živého materiálu, který je pokryt zorným úhlem objektivu fotoaparátu nebo, jak se dnes říká, „vstupuje do záběru“ a je reprodukován na fotocitlivou vrstvu. .

Toto hodnocení fotografie vycházelo ze skutečnosti, že fotografický obraz vzniká pomocí mechanického nástroje - fotoaparátu, kreslí se optickou soustavou - čočkou a následně prochází chemickým zpracováním pomocí vývojky, ustalovače a dalších roztoků.

Při určování schopností fotografie tak byly za rozhodující faktor považovány technické prostředky k získání fotografického obrazu.

Technické prostředky ale existují nejen v oblasti techniky. Existují i ​​v umění ve specifické podobě: malíř například vytváří obraz na plátně štětcem pomocí barev, které se ředí olejem. Ale co to znamená? A co to samo o sobě určuje? Pomocí stejných nástrojů řemeslník napíše znak a umělec vytvoří umělecké dílo.

Pomocí fotografické techniky ji řemeslný fotograf používá ke kopírování reality. Často zachycuje náhodné momenty, zpravidla suše, bezvýrazně fotí a svěřuje-li se vše technice, skutečně nahrazuje tvůrčí proces– technický.

Fotograf-umělec nekopíruje život, ale vytváří umělecké obrazy reality. Jeho tvorba začíná hledáním tématu, živé zápletky, která odhaluje typické jevy naší doby. Protože umělec může dosáhnout úplnosti svého díla pouze v jednotě jeho ideového a tematického obsahu a vizuální formy, hledá fotograf kompoziční a světelné řešení rámu, zvyšující výtvarnou expresivitu fotografie. A až po tomto velkém kreativní práce, vstupuje do hry fotografická technika: provádějí se expoziční výpočty, dosahuje se zaostření, nastavuje se dělení clony objektivu atd. Tato technika není určujícím momentem: dva fotografové, kteří pracují na stejném tématu, jsou ve stejných podmínkách, i když jsou vyzbrojeni stejným vybavením, mohou získat snímky zcela odlišné kvality. Vše bude záležet na tvůrčí individualitě každého z těchto fotografů a v menší míře na tom, jaké technické prostředky byly použity a více na tom, jak byly tyto prostředky použity.

Tento pohled na fotografii otevřel široké možnosti pro její komplexní rozvoj a zdokonalování.

Sovětská fotografie je dědicem toho nejlepšího, co se událo v ruské a zahraniční fotografii na konci minulého a začátku tohoto století. Ruská fotografie se vyvíjela samostatně a můžeme s jistotou říci, že ruští fotografové byli jedni z prvních, kteří se vydali cestou realismu, objevili fotografii jako nový jedinečný druh výtvarného umění a ukázali její umělecké a vizuální schopnosti.

Slavný ruský fotograf S. L. Levitsky (1819-1898) více než jednou obdržel medaile na ruských a mezinárodních fotografických výstavách za umělecké zásluhy svých portrétních a krajinářských fotografií. Známý je skupinový portrét Gončarova, Turgeněva, L. N. Tolstého, Grigoroviče, Ostrovského a portréty dalších prominentní postavy Ruská literatura a umění S. L. Levitsky.

Vynikající mistři fotografie A. O. Karelin (1837-1906), M. P. Dmitriev (1853-1938), S. A. Lobovikov (1870-1941) a mnozí další vysoce pozdvihli umění ruské fotografie, odhalili její možnosti, našli a rozvinuli její vizuální prostředky.

S. L. Levitsky provádí své experimenty s využitím elektrického osvětlení pro focení portrétů a dosahuje zajímavých světelných obrazců a skvělé jemnosti šerosvitu. Studuje také možnosti využití elektrického a solárního světla současně, v jejich různých kombinacích.

A. O. Karelin hledá expresivní světelné efekty a do kompozice svých skupinových portrétů vnáší skutečné světelné zdroje v podobě oken, přímého slunečního světla apod. Šerosvit se stává aktivním prvkem jeho fotografií a distribuci šerosvitu podřizuje v rám k reprodukovatelným skutečným efektům. Karelin také pracuje na zlepšení fotografické optiky a používá nasazené čočky a další optická zařízení pro umělecké účely. Subtilní umělec A. O. Karelin dosahuje ve svých fotografiích mimořádně zajímavých kompozičních struktur a zejména rozvíjí na tehdejší dobu nové principy pro hluboké, mnohostranné kompozice ve fotografii.

M. P. Dmitriev, který je právem považován za zakladatele novinářské fotoreportáže v Rusku, odhaluje sílu dokumentární povahy fotografického obrazu. Zasvěcené a vysoce umělecké žánrové fotografie S. A. Lobovikova jsou plné velké společenské pravdy a plné sympatií k tíživé situaci obyčejných lidí v carském Rusku.

Ruští umělečtí fotografové, ve spojení s pokrokovou veřejností, s dílem umělců z Peredvizhniki, poskytovali nejen galerii portrétů. slavných spisovatelů, umělci a malíři, ale také se podařilo ztvárnit život ruského lidu na řadě zajímavých fotografií. Nejlepší díla mistři ruské fotografie, např. „Almužna“ od A. O. Karelina (foto 1), „Hospodář“ od S. A. Lobovikova (foto 2) a mnoho dalších, byly zařazeny do uměleckého fondu ruské a sovětské fotografie.

Foto 1. A. Karelin. Almužna

Foto 2. S. Lobovikov. Hospodyně

Již v té době se ukázalo, že fotografie může být uměním a s její pomocí lze vytvářet opravdová umělecká díla. „Fotografie neustále dělá stále větší pokrok,“ napsal v roce 1884 časopis „Art News“. obrazy nepostrádají skutečnou estetickou krásu, zachovávají harmonii tónů a obecně se vyznačují velkými, čistě uměleckými přednostmi."

Později K. A. Timiryazev, který hojně využíval fotografii ve své vědecká činnost, který ji miloval a velmi dobře znal její sílu a schopnosti, v jedné ze svých veřejných přednášek konané 18. dubna 1897 předkládá brilantní argument na obranu fotografie jako realistického umění. „Jako na obrázku za technickým umělcem lze vidět umělce v užším smyslu, umělce-tvůrce, tak za neosobní technikou fotografa by se měl objevit člověk, v něm vidět nejen přírodu, ale i Člověk, který to obdivuje.Fotografie, osvobozující ho od techniky, od všeho, co je umělci dáno školou a roky tvrdé práce, ho nezbavuje tohoto primárně lidského prvku umění.

Samozřejmě, pokud fotograf cvaká svým Kodakem doleva a doprava a fotí nenuceně“ zajímavá místa“, pak výsledkem bude jen nudně pestrý inventář živých i neživých předmětů... Takhle přistupuje ke svému úkolu opravdový umělec?

Když se fotografie vydala cestou umění, vyvinula si své vlastní specifické obrazové formy, vlastní metody práce s námětem a zápletkou a nyní plnohodnotná fotografie ukazuje typické jevy a události života kolem nás ve zobecněné, pravdivé podobě. expresivním, uměleckým a působivým způsobem. Taková dokonalá fotografie splňuje všechny požadavky na umělecký obraz, na umění.

Klasické dědictví umění fotografie poskytuje vynikající příklady autentickosti umělecké využití možnosti fotografování. Postavy sovětské fotografie se však neomezují pouze na studium dokonalých děl samotné fotografie, jejích nejlepších příkladů, zvládnutí kreativity ruských a sovětských fotografů a progresivních osobností fotografie z cizích zemí; pečlivě se seznamují s rysy a vzory jiných výtvarných umění, především malby.

Kompozice, světelné efekty a barvy v uměleckých dílech poskytují fotografům bohatý materiál. Je to o zde nejde o kopírování, napodobování či prostou reprodukci skladeb nejlepších malířských mistrů, ale o kontinuitu, pochopení ruské obrazové kultury, vnímání a kreativní rozvoj nejlepší tradice domácích a zahraniční umění. Samozřejmě, že zákony malby nelze mechanicky přenést do fotografie a u fotografických kompozic je třeba uvažovat o „malebnosti“ zcela novým způsobem.

Jemná kultura malby, její bohaté zkušenosti s koloristickým řešením barevných pláten napomáhají rozvoji a zdokonalování černobílé i barevné fotografie.

Socialistický realismus, označující nejvyšší stupeň vývoje Sovětské umění, je kreativní metoda každý umělec, tedy i fotograf, když pomocí fotografie vytvoří uměleckou fotografii.

Socialistický realismus znamená pravdivé, historicky specifické zobrazení reality v jejím revolučním vývoji s cílem komunistické výchovy mas. Toto je syntéza všeho nejlepšího, pokročilého, progresivního, co bylo nashromážděno v procesu vývoje realistického umění.

Socialistický realismus se rozvinul v rozhodném boji proti formalismu, naturalismu a dalším reakčním hnutím v umění.

Formalismus odděluje umění od společenského života a formu uměleckého díla od jeho obsahu, přičemž formu považuje za jediný důležitý prvek v umění. Když formalisté odškrtli hlavní důvod, proč umělecké dílo existuje – obsah – vnesli do fotografie neopodstatněné úhly, svévolné světelné konstrukce, přitažené kompoziční techniky a triky. A čím neobvyklejší fotografie vypadala, tím více „umělecky“ připadala formalistům. Takové fotografické fotografie vlastně vedly k přímému zkreslení reality, byly to často rébusy, hádanky, diváka nijak neobohacovaly, nerozvíjely jeho představy o životě, umělecký vkus.

V portrétní fotografii formalisté opustili potřebu získat podobnost mezi obrazem a předlohou a uchýlili se zde k použití neobvyklých úhlů, které deformují plastický tvar obličeje, k vykonstruovaným světelným efektům, které udivují diváka svou paradoxností, ke kompozičnímu struktury založené na zobrazení pouze části obličeje člověka v rámečku atd. V umění tak postupně bylo krásné nahrazováno ošklivým a ošklivým.

Příklady takových formalistických obrázků zahrnují fotografii 3, kde se ztrácí veškerý zdravý rozum; foto 4, kde byla nalezena extrémně nesrozumitelná obrazová forma rozvíjející téma „Deštivý den“, jehož celá charakteristika je redukována na podivný tvar kapek vody, který divák hned nepozná.

Foto 3. Ukázka formalistické fotografie

Foto 4. Ukázka formalistické fotografie

A není náhodou, že nakonec formalisté dospěli k úplným abstrakcím, v nichž fotografický obraz reálných předmětů nahradily nepochopitelné kombinace tónových skvrn a linií (foto 5).

Foto 5. Ukázka formalistické fotografie

Výše uvedené fotografie jasně ukazují, že odmítnutí obsahu a vášeň pro tzv. „čistou formu“, porušení dialektického spojení mezi formou a obsahem v uměleckém díle nevyhnutelně vede formalisty ke zničení formy samotné.

Jedno z hlavních ustanovení marxisticko-leninské estetiky, její nauka o formě a obsahu v uměleckém díle se stává zcela jasným: bezobsahová forma neexistuje, umělecká forma může existovat pouze jako nositel určitého obsahu, určité myšlenky. ; jinými slovy, obsah je nezbytnou podmínkou existence umělecká forma v uměleckém díle.

Dalším falešným trendem v umění fotografie byl naturalismus.

Nejčastěji je za určující znak naturalismu považována hojnost a zobrazení detailů, tedy přenesení nejmenších detailů zobrazovaného předmětu a čistě protokolární kopírování reality bez jakéhokoli výběru materiálu, bez dělení prvků ztvárnění. obraz na hlavní a vedlejší. Jsou to však pouze vnější projevy naturalismu, jeho podstata spočívá v touze postavit do středu pozornosti umění to malé, partikulární, nepodstatné, což vede ke snahám vnutit tomuto malému a bezvýznamnému významu, pro něj neobvyklému.

Naturalismus věří, že umění by nemělo propagovat ani odsuzovat jevy reality, ani je vybírat či interpretovat ve svých dílech, ale je povoláno pouze konstatovat, tedy slepě zaznamenávat to, co přichází do zorného pole umělce. Naturalismus se proto vyznačuje pasivním postojem k realitě, ignorováním typických jevů života.

Naturalismus, stejně jako formalismus, je cizí a nepřátelský vůči sovětskému fotografickému umění, protože bagatelizuje realitu, dává o ní pouze jednostrannou představu, a tak často vede k jejímu zkreslení.

Formalismus a naturalismus jsou proti ideologický obsah umění, ale formalismus vede tento boj otevřeně a naturalismus se často snaží jednat pod rouškou realismu, maskovaný tím, že údajně usiluje o „úplnou podobnost“ předmětu zobrazeného na plátně či fotografii se skutečným předmětem. Přesné kopírování a slepé lpění na přírodě však nejsou předpokladem pro vytvoření uměleckého díla, neboť s takovým přístupem k úkolům umění se stává bezkřídlým, ztrácí sílu zobecňování a vzdaluje se chápání reality.

Jaký je rozdíl mezi naturalismem a realismem, který také nezapře potřebu detailovat obraz, individualizovat obraz?

V realistickém uměleckém díle se detail používá pouze ke konkretizaci, rozvinutí a objasnění obecného. Předpokládá se tedy, že k úplnému a komplexnímu vyjádření myšlenky se umělec uchýlí k podrobné ukázce toho, co se děje, určití lidé, specifická situace pouze za účelem jejich expresivního zobrazení prostřednictvím uměleckých prostředků.

Zakladatelé marxismu učí, že pouze pochopení společenského významu událostí může umělci pomoci zobrazit realitu v jejích nejvýznamnějších, nejdůležitějších projevech, ale rozhodně bojovali proti takové individualizaci obrazu, „...která vede k drobné chytrosti. a je základním rysem vyčerpané literatury epigonů.“

Naturalistické tendence jsou realistickému směru sovětské fotografie cizí. Jeho hlavním principem je ukázat hlavní, vůdčí, typické rysy reality.

Naturalismus ve fotografii se však někdy neprojevuje jako vědomý tvůrčí postoj, ale jako důsledek špatné dovednosti: neznalosti základů konstrukce fotografického obrazu, zásad výběru materiálu, kompozice rámu a primitivního použití osvětlení.

Neschopnost vybrat podstatné rysy reality, najít jasnou a expresivní epizodu, která odhaluje podstatu toho, co se děje, správně umístit akcenty, jasně postavit fotografii, expresivně osvětlit předmět, použít lineární a tonální perspektivu k odhalit téma často vede k tomu, že fotograf pouze mechanicky kopíruje realitu a zachycuje na fotografii vše, co spadá do zorného pole objektivu.

Nedomyšlený bod focení, nevýrazné světelné podmínky a svévolné ořezávání rámečku dělají z takové fotky do značné míry náhodné, a tudíž nepřesvědčivé.

To potvrzují fotografie 6 a 7. Obě se věnují stejnému tématu a mají společný název „Stream“, na první je však téma řešeno špatně graficky a na druhé vizuální prostředky a vyjadřovací možnosti fotografie jsou používány správně.

Foto 6. Proud (příklad naturalistické fotografie)

Foto 7. N. Danshin (VGIK). Creek

V prvním případě si autor nevybral materiál pro svou budoucí kompozici, ale s lhostejností zaznamenal vše, co se dostalo do zorného pole objektivu: to hlavní zde není zvýrazněno, sekundární materiál zatěžuje rám a obraz se reprodukuje nutné a náhodné se stejným naturalismem. Rám je přeplněný mnoha zbytečnými detaily, rozptýlené světlo rovnoměrně osvětluje celý motiv. Fotka se ve výsledku ukázala jako pestrá a zároveň nudná a nezajímavá. Z toho je zřejmé, že mechanické kopírování reality, naturalistická fixace tématu fotografie mají k opravdovému umění daleko.

Druhá fotografie dokládá autorův tvůrčí přístup k řešení daného tématu. Správně zvolený bod střelby a vysoký horizont v záběru umožňují vidět klikaté koryto potoka, jehož linie je zdařile vepsána do rámu rámu. Správně je určena i velikost plánu. Světelné podmínky byly zvoleny dobře: protisvětlo výrazně odráží texturu vodní hladiny, slunce je zakryto průsvitnou vrstvou mraků, a proto jsou odlesky na vodě měkké a harmonicky se snoubí s celkovou poněkud tlumenou tonalitou fotografie . Při komponování rámu spojil autor jeho sémantické a vizuální centrum: to hlavní – proud – zaujímá centrální část obrazu a k tomu patří i světelný akcent.

Díky této konstrukci rámu je pozornost diváka okamžitě připoutána k hlavnímu objektu obrazu a vedlejší prvky krajiny, přestože se podílejí na celkovém řešení tématu, zaujímají jim odpovídající místo.

Na obrazovém řešení fotografie tedy závisí její výraznost, srozumitelnost a míra přesvědčivosti.