Současní nizozemští umělci a jejich obrazy. holandská škola malířství
Úvod
1. Malý Holanďan
holandská škola malířství
Žánrová malba
4. Symbolismus. Stálý život
Rembrandt van Rijn
Vermeer z Delft Jan
Závěr
Úvod
Účelem kontrolní práce je:
· V rozvoji tvůrčího potenciálu;
· Formování zájmu o umění;
· Upevňování a doplňování znalostí.
Nizozemské umění se zrodilo v 17. století. Toto umění je považováno za nezávislé a nezávislé, má určité formy a vlastnosti.
Až do 17. století nemělo Holandsko vlastní významné umělce v umění, protože patřil státu Flandry. V tomto období je však oslavováno jen málo umělců. Toto je umělec a rytec Luca Leydensky (1494-1533), malíř Dirk Bouts (1415-1475), umělec Skorele (1495-1562).
Postupně se různé školy mísily a mistři ztratili charakteristické rysy svých škol a zbývající umělci z Holandska přestali mít ducha národní tvořivosti. Vzniká mnoho různých a nových stylů. Umělci se snaží malovat ve všech žánrech, hledají individuální styl. Žánrové metody byly vymazány: historicita není tak nutná jako dříve. Vzniká nový žánr – skupinoví vrátní.
V začátek XVII století, kdy se rozhodovalo o osudu Holandska – Filip III. vyjednal příměří mezi Španělskem a Nizozemskem. Byla potřeba revoluce, politická nebo vojenská situace. Boj za nezávislost sjednotil lid. Válka posílila národního ducha. Podepsané smlouvy se Španělskem daly Holandsku svobodu. To podnítilo vytvoření vlastního a osobitého umění, vyjadřujícího podstatu Holanďanů.
Zvláštností holandských umělců bylo vytvořit skutečný obraz do nejmenšího detailu - projev pocitů a myšlenek. To je základ holandské školy. Stává se realistickým uměním a do poloviny 17. století dosahuje vrcholů ve všech oblastech.
Pro Holandsko je typické dělení nejen na žánry, ale i na četné podtypy. Někteří mistři malují výjevy ze života měšťanů a důstojníků - Pieter de Hooch (1495-1562), Gerard Terborch (1617-1681), Gabriel Metsu (1629-1667), jiní - od r. rolnický život- Adrian van Ostade (1610-1685), třetí - scény ze života vědců a lékařů - Gerrit Dou (1613-1675); krajináři - Jan Porcellis (1584-1632), Simon de Vlieger (1601-1653), zobrazovači lesních zákoutí - Meindert Hobbema (1638-1609), interiéroví mistři - Pieter Janssens (1623-1682). Čas od času se na uměleckých školách stane určitý žánr tradiční. Například harlemští malíři zátiší tzv. „snídaní“ - Pieter Claes (1598-1661), Willem Heda (1594-1680).
Umělci ukazují mravy a zvyky, etické a morální normy lidského chování. Často jsou zobrazovány rodinné události. Malíři krajinářů a zátiší propouštějí světlo pod pod širým nebem, v uzavřených prostorách mistrně zobrazují texturu předmětů. Domácí malba je na vrcholu zásluhou Jana Steena (1626-1679), Gerharda Terborcha (1617-1681), Pietera de Hooch (1629-1624).
1. Malý Holanďan
Malá holandská skupina umělci XVII století, ve kterém se „sjednotili“ malíři krajiny a každodenní žánrová malba malá velikost(odtud název). Takové obrazy byly určeny pro skromný interiér obytných budov. Kupovali je měšťané a rolníci. Takové obrazy se vyznačují pocitem pohodlí v obraze, jemností detailů, blízkostí mezi osobou a interiérem.
P. de Hooch, J. van Goyen (1596-1656), J. a S. van Ruisdael (1628-1682) a (1602-1670), E. de Witte (1617-1692), P. Claes, W. Heda, W. Kalf (1619-1693), G. Terborch, G. Metsu, A. van Ostade, J. Steen (1626-1679), A. Kuyp (1620-1691) atd. Každý specializovaný, zpravidla , v jednom konkrétním žánru. „Malí Holanďané“ navázali na tradice nizozemských mistrů renesance, kteří tvrdili, že umění má nejen přinášet potěšení, ale také připomínat hodnoty.
Kreativita umělců se dá rozdělit do 3 skupin:
30. léta 17. století - nastolení realismu v národním malířství (předním uměleckým centrem byl Haarlem, důležitým faktorem byl vliv F. Halse);
1640-1660 - rozkvět umělecké školy (centrum umění se stěhuje do Amsterdamu, přitahuje umělce z jiných měst, vliv Rembrandta se stává relevantním<#"justify">2. Nizozemská malířská škola
Po tři čtvrtě století pokračoval vzestup umění na severu Nizozemska, v republice Spojených provincií, zvané Holandsko. V roce 1609 získala tato republika státní status. Vznikl zde buržoazní stát.
Významnou roli v renesančním malířství měl italský umělec Caravaggio (1571-1610). Maloval své obrazy velmi realisticky a objekty a postavy měly vysokou techniku šerosvitu.
Bylo mnoho umělců a žili v malých městech: Haarlem, Delft, Leiden. Každé z těchto měst vyvinulo svou vlastní školu s vlastními žánrovými tématy, ale nejdůležitější roli ve vývoji nizozemského umění sehrál Amsterdam.
3. Žánrová malba
V Holandsku se spolu s popularitou krajinného žánru objevují nové: marina - přímořská krajina, městská krajina - veduta, obrazy zvířat - malba zvířat. Díla Pietera Bruegela měla významný vliv na krajinu (1525-1529). Holanďané malovali svou vlastní jedinečnou krásu přírody své rodné země. V 17. století se holandská malířská škola stala jednou z předních v Evropě. Okolí lidí se pro umělce stalo zdrojem inspirace. V umění této doby bylo dokončeno formování systému žánrů, které začalo v renesanci. V portrétech, každodenních obrazech, krajinách a zátiších umělci zprostředkovávali své dojmy z přírody a každodenního života. Žánr každodenní malby začal mít nový pojem – žánrová malba. Žánr všedního dne se vyvíjel ve dvou variantách – selském a měšťanském (městském) žánru. V žánrové obrazy Znázorňovaly život soukromé osoby: hody veselí, hospodářské aktivity, muzicírování. Umělci věnovali pozornost vzhledu, pózám a kostýmům. Předměty se staly součástí komfortu: mahagonový stůl, šatní skříň, křeslo čalouněné kůží, karafa a sklo z tmavého skla, ovoce. Tento žánr odrážel chování a komunikaci lidí z různých tříd.
Díla Gararda Dowa byla v té době velmi populární. Maluje skromné výjevy ze života maloměšťáka. Často zobrazuje starší ženy sedící u kolovrátku nebo čtení. Dowova zřejmá tendence je zobrazovat na svých malých obrázcích povrchy předmětů - vzory látek, vrásky na starých tvářích, rybí šupiny atd. (příloha; obr.
Žánrová malba ale prošla evolucí. V období svého vzniku nově byly distribuovány příběhy na témata rekreace, zábavy a scén ze života důstojníků. Takové obrázky se nazývaly „snídaně“, „bankety“, „společnosti“, „koncerty“. Tento obraz se vyznačoval pestrostí barev a radostnými tóny. Původním žánrem byly „snídaně“. Jedná se o typ zátiší, ve kterém byl charakter jejich majitelů přenesen prostřednictvím zobrazení pokrmů a různých pokrmů.
Žánr všedního dne je nejvýraznějším a nejoriginálnějším fenoménem nizozemské školy, který světovému umění otevřel každodenní život soukromé osoby.
Jan Steen také psal na žánrové téma umění. Se smyslem pro humor si všímal detailů každodenního života a vztahů mezi lidmi. V obraze „Revelers“ se sám umělec dívá na diváka vesele a potutelně, sedí vedle své ženy, která usnula po veselé hostině. A ve filmu skrze mimiku a gesta postav Jan Steen dovedně odhaluje zápletku imaginární nemoci.
Začátkem 30. let bylo formování nizozemského žánrového malířství dokončeno. Žánrová malba byla rozdělena podle sociálních kritérií: náměty na témata ze života buržoazie a výjevy ze života rolníků a městské chudiny.
Jedním ze slavných umělců, kteří malovali v „rolnickém žánru“, byl Adrian van Ostad. V rané období kreativita, zobrazení rolníků bylo komické. Na obrázku tedy bojovníci, osvícení ostrým světlem, jako by nebyli živí lidé, ale loutky. Kombinace studených a teplých barev, ostré kontrasty světla vytvářejí masky s rozzlobenými emocemi na tvářích.
Později umělec maluje obrazy s klidnějšími náměty, zobrazující člověka při jeho obvyklých činnostech, nejčastěji ve chvílích odpočinku. Například interiérový obraz „Vesničtí hudebníci“. Ostade vyjadřuje koncentraci „hudebníků“ a zobrazuje děti, které je s jemným humorem sledují oknem. Adrianův bratr Isaac van Ostade, který zemřel brzy, také pracoval v „rolnickém žánru“. Líčil život na venkově v Holandsku. Obraz „Zimní pohled“ představuje typickou krajinu s šedou oblohou visící nad zemí, zamrzlou řeku, na jejímž břehu se nachází vesnice.
V 50.-60. letech 17. století se náměty žánrových obrazů zužovaly a měnila jejich struktura. Stávají se klidnějšími, lyričtějšími, přemýšlivějšími. Tato etapa je zastoupena tvorbou takových umělců jako: Pieter de Hooch, Gerard Terborch, Gabriel Metsu, Peter Janssens. Jejich díla se vyznačují idealizovaným obrazem života nizozemské buržoazie. V interiéru malby „Pokoj v holandském domě“ od Pietera Janssense tedy zatopeno sluneční světloútulný pokoj se slunečními paprsky hrajícími na podlaze a stěnách. Volba kompozice zdůrazňuje jednotu člověka a jeho prostředí.
Nizozemští žánroví malíři se ve svých dílech snažili reflektovat vnitřní svět člověka. V pravidelně se vyskytujících situacích dokázali ukázat svět zážitků. Gerard Terborch tak ve filmu „Sklenka limonády“ zobrazil jemný jazyk gest, doteků rukou, očního kontaktu, který odhaluje celou řadu pocitů a vztahů mezi postavami.
Jemnost a pravdivost v obnovování reality spojují nizozemští mistři s nenápadnou a každodenní krásou. Tato vlastnost se zřetelněji projevila v zátiší. Nizozemci tomu říkali „stilleven“. V tomto chápání viděli mistři v neživých předmětech skrytý život spojený s životem člověka, s jeho způsobem života, zvyky a vkusem. Nizozemští malíři vytvořili dojem přirozeného „nepořádku“ v uspořádání věcí: ukázali nakrájený koláč, oloupaný citron s kůrou visící ve spirále, nedopitou sklenku vína, hořící svíčku, otevřenou knihu - vždy se zdá že se těchto předmětů někdo dotkl, pouze že byly použity, je cítit neviditelná přítomnost člověka.
Předními mistry holandského zátiší v první polovině 17. století byli Pieter Claes 1a Willem Hed. Oblíbeným tématem jejich zátiší jsou takzvané „snídaně“. Ve „Snídani s humrem“ od V. Khedy (příloha; obr. 16) předměty nejrůznějších tvarů a materiálů - konvička na kávu, sklenice, citron, stříbrný talíř. Předměty jsou uspořádány tak, aby ukazovaly přitažlivost a zvláštnost každého z nich. Pomocí různých technik Heda dokonale vyjadřuje materiál a specifičnost jejich textury; Odlesky světla tedy hrají na povrchu skla a kovu jinak. Všechny prvky kompozice jsou sjednoceny světlem a barvou. V „Zátiší se svíčkou“ od P. Klasse je pozoruhodná nejen přesnost reprodukce materiálních kvalit předmětů, ale kompozice a osvětlení jim dodává velkou emocionální expresivitu. Zátiší Klasse a Khedy jsou si podobná - jsou náladou intimity a pohodlí, klidu v životě měšťanského domu, kde je blahobyt. Zátiší lze považovat za jedno z důležitých témat holandského umění – téma života soukromé osoby. Své hlavní rozhodnutí dostala v žánrovém filmu.
Symbolismus. Stálý život
Všechny položky v Holandské zátiší symbolický. Sbírky vydané v průběhu 18. století<#"justify">Ó rozdrobené okvětní lístky poblíž vázy jsou známkami křehkosti;
Ó uschlý květ je náznakem mizení citů;
Ó kosatce jsou znamením Panny Marie;
Ó červené květy jsou symbolem Kristovy smírné oběti;
Ó Bílá lilie je nejen krásným květem, ale také symbolem čistoty Panny Marie;
Ó karafiát - symbol prolité krve Kristovy;
Ó bílý tulipán - falešná láska.
Ó granátové jablko - symbol vzkříšení, symbol cudnosti;
Ó jablka, broskve, pomeranče připomínaly podzim;
Ó víno ve sklenici nebo džbánu představovalo Kristovu obětní krev;
Ó oliva - symbol míru;
Ó nahnilé plody jsou symbolem stárnutí;
Ó klasy pšenice, břečťan - symbol znovuzrození a koloběhu života.
Ó sklo je symbolem křehkosti;
Ó porcelán - čistota;
Ó láhev je symbolem hříchu a opilosti;
Ó rozbité nádobí je symbolem smrti;
Ó obrácená nebo prázdná sklenice znamená prázdnotu;
Ó nůž - symbol zrady;
Ó stříbrné nádoby jsou zosobněním bohatství.
Ó přesýpací hodiny – připomínka pomíjivosti života;
Ó lebka - připomínka nevyhnutelnosti smrti;
Ó klasy pšenice - symboly znovuzrození a koloběhu života;
Ó chléb je symbolem těla Páně;
Ó zbraně a brnění jsou symbolem moci a moci, označení toho, co si nelze vzít s sebou do hrobu;
Ó klíče - symbolizují sílu;
Ó dýmka je symbolem prchavého a nepolapitelného pozemské radosti;
Ó karnevalová maska - je známkou nepřítomnosti člověka; nezodpovědné potěšení;
Ó zrcadla, skleněné koule jsou symboly marnosti, znamení odrazu, neskutečnosti.
Základy holandské realistické krajiny vznikly na počátku 17. století. Umělci zobrazili svou oblíbenou přírodu s dunami a kanály, domy a vesnicemi. Snažili se vykreslit národnost krajiny, atmosféru vzduchu a charakteristiku ročního období. Mistři stále více podřizovali všechny složky obrazu jedinému tónu. Měli bystrý smysl pro barvy a dovedně předávali přechody od světla ke stínu, od tónu k tónu.
Největším představitelem nizozemské realistické krajiny byl Jan van Goyen (1596-1656). Působil v Leidenu a Haagu. Umělec rád zobrazoval údolí a vodní hladinu řek na plátnech malých rozměrů. Goyen nechal hodně prostoru pro oblohu s mraky. Jedná se o obraz „Výhled na řeku Waal u Nijmegenu“, navržený v jemné hnědošedé škále barev.
Později, charakteristická esence krajiny se mění. Stává se trochu širší, emocionálnější. Specifičnost zůstává stejná - zdrženlivá, ale tóny získávají hloubku.
Všechny nové rysy krajinářského stylu vtělil do svých obrazů Jacob van Ruisdael (1629-1682). Tím, že stromy a keře byly zobrazeny jako objemné, vytvořilo pocit, že se posouvají do popředí a stávají se mocnějšími. S vynikajícím smyslem pro perspektivu Ruisdael dovedně zprostředkoval široké pláně a okolí Holandska. Výběr tónu a osvětlení evokuje pozornost. Ruisdael také miloval ruiny jako dekorativní detaily, které vypovídají o zkáze a křehkosti pozemské existence. „Židovský hřbitov“ představuje zanedbanou oblast. Ruisdael ve své době nebyl úspěšný. Realističnost jeho obrazů neodpovídala vkusu společnosti. Umělec, který se nyní zaslouženě těší celosvětové slávě, zemřel jako chudý muž v harlemském chudobinci.
Portrétní malba. Frans Hals
Jedním z velkých nizozemských umělců byl Frans Hals (asi 1580-1666). Narodil se v 17. století v Antverpách. Vůbec mladý umělec skončil v Haarlemu, kde vyrostl a vznikl na způsob školy Karla Van Mandera. Haarlem byl na svého umělce hrdý a do jeho studia přivedli významné hosty – Rubense a Van Dycka.
Hals byl téměř výhradně portrétistou, ale jeho umění znamenalo hodně nejen pro nizozemskou portrétní tvorbu, ale i pro formování jiných žánrů. V Halsově díle lze rozlišit tři typy portrétních kompozic: skupinový portrét, individuální portrét na zakázku a speciální typ portrétních obrazů, podobný žánrové malbě.
V roce 1616 Hals namaloval „Rutan důstojníků roty střeleckého pluku svatého Jiří“, ve kterém se zcela rozcházel s tradičním vzorem skupinového vrátného. Tím, že vytvořil velmi živé dílo, spojoval postavy do skupin a dával jim různé pózy, jako by spojil portrétování s žánrovou malbou. Práce byla úspěšná a umělec byl zavalen objednávkami.
Jeho postavy stojí na portrétu přirozeně a volně, jejich držení těla a gesta působí nestabilně a výraz jejich tváří se chystá změnit. Nejpozoruhodnějším rysem Halsova kreativního způsobu je schopnost vyjádřit charakter prostřednictvím jednotlivých výrazů obličeje a gest, jako by byl zachycen za letu – „Veselý společník při pití“, „Mulat“, „Smějící se důstojník“. Umělec miloval emoční stavy, plné reproduktory. Ale v tomto okamžiku, který Hals zachytil, to nejpodstatnější, je vždy zachyceno jádro obrazu „Cikánka“, „Malle Baba“.
V Halsových obrazech ze samého konce 30. a 40. let se však objevuje zamyšlenost a smutek, cizí jeho postavám z portrétu Willema Heythuisena, někdy v autorově postoji k nim proklouzne lehká ironie. Z umění khalsy se postupně vytrácí radostné přijímání života a člověka.
V malbě khalsy nastaly zlomy. V portrétech Halse, namalovaných v 50. a 60. letech, se snoubí hluboké zvládnutí charakterizace s novým vnitřním významem. Jedním z nejmocnějších děl zesnulého Halse je portrét muže z Metropolitního muzea umění v New Yorku (1650-1652). Kompozice portrétu je generačním obrazem postavy, jejího zasazení do jasného průčelí, pohledu směřovaného přímo na diváka, je cítit význam osobnosti. Mužův postoj odhaluje chladnou autoritu a arogantní pohrdání všemi. Sebeúcta se v něm snoubí s nesmírnou ctižádostí. Zároveň se v pohledu nečekaně zachytí nádech zklamání, jako by v tomto člověku číhala lítost nad minulostí - nad jeho mládím a mládím jeho generace, jejíž ideály jsou zapomenuty a životní pobídky vybledly.
Halsovy portréty 50. a 60. let odhalují mnohé o nizozemské realitě těchto let. Umělec žil dlouhý život a měl příležitost být svědkem degenerace nizozemské společnosti a mizení jejího demokratického ducha. Není náhodou, že umění Khalsa nyní vychází z módy. Halsova pozdní díla citlivě odrážejí ducha doby, mistrovi tak cizí, ale je v nich slyšet i jeho vlastní zklamání z okolní reality. V některých dílech z těchto let lze zaznamenat ozvěnu osobních pocitů starého umělce, který ztrácel svou bývalou slávu a už viděl konec svého života. cesta života.
Dva roky před svou smrtí, v roce 1664, Hals namaloval portréty regentů a regentů (správců) pečovatelského domu Haarlem.
V "Portrait of the Regents" všechny spojuje pocit zklamání a zkázy. Ne v regentech vitalita, jako v raných skupinových portrétech Halse. Každý je osamělý, každý existuje sám za sebe. Černé tóny s červenorůžovými skvrnami vytvářejí tragickou atmosféru.
„Portrét regentů“ se rozhoduje v jiném emocionálním klíči. V téměř nehybných pózách bezcitných stařenek, které neznají soucit, je cítit mistrova autorita a zároveň ve všech žije hluboká deprese, pocit bezmoci a zoufalství tváří v tvář blížící se smrti.
Hals si až do konce svých dnů zachoval neomylnost svých dovedností a umění osmdesátiletého malíře získalo nadhled a sílu.
6. Rembrandt van Rijn
Rembrandt (1606-1669) je největším představitelem zlatého věku nizozemského malířství. Narozen v Leidenu v roce 1606. Pro získání výtvarná výchova, umělec se přestěhoval do Amsterdamu a vstoupil do dílny Pietera Lastmana a poté se vrátil do Leidenu, kde v roce 1625 zahájil samostatný tvůrčí život. V roce 1631 se Rembrandt konečně přestěhoval do Amsterdamu a zbytek mistrova života byl spojen s tímto městem.
Rembrandtovo dílo je prodchnuto filozofickým chápáním života a vnitřního světa člověka. Jedná se o vrchol vývoje holandského umění 17. století. Rembrandtovo umělecké dědictví se vyznačuje řadou žánrů. Maloval portréty, zátiší, krajiny, žánrové scény, obrazy na historická, biblická, mytologická témata. Největší hloubky však umělcovo dílo dosáhlo v posledních letech jeho života. Uffizi má tři díla velkého mistra. Jedná se o autoportrét v mládí, autoportrét ve stáří, portrét starého muže (rabína).V mnoha svých pozdějších dílech umělec ponoří celou plochu plátna do tmy a soustředí pozornost diváka na obličeji.
Takto se Rembrandt ztvárnil ve 23 letech.
Období stěhování do Amsterdamu bylo v Rembrandtově tvůrčí biografii poznamenáno vytvořením mnoha mužských a ženských skic
V roce 1653, který se dostal do finančních potíží, umělec převedl téměř veškerý svůj majetek na svého syna Tita, načež v roce 1656 vyhlásil bankrot. Po prodeji svého domu a majetku se umělec přestěhoval na okraj Amsterdamu, do židovské čtvrti, kde strávil zbytek života. Nejbližší osobou k němu v těch letech byl zřejmě Titus, protože jeho obrazy jsou nejpočetnější. Smrt Tita v roce 1668 byla pro umělce jednou z posledních ran osudu; sám o rok později zemřel. "Matouš a anděl" (1661). Možná byl Titus vzorem pro anděla.
Poslední dvě desetiletí Rembrandtova života se stala vrcholem jeho umění portrétního malíře. Modely jsou umělcovi soudruzi (Nicholas Breuning
7. Vermeer z Delft Jan
Holandská umělecká malba zátiší
Vermeer z Delft Jan (1632-1675) – holandský malíř, největší mistr nizozemského žánru a krajinomalby. Vermeer pracoval v Delftu. Jako umělec se rozvíjel pod vlivem Karla Fabritiuse, který tragicky zahynul při výbuchu skladu střelného prachu.
Vermeerovy rané obrazy mají vznešené obrazy ( Kristus s Martou a Marií ). Vermeerovo dílo bylo silně ovlivněno tvorbou mistra žánrové malby Pietera de Hoocha. Styl tohoto malíře byl dále rozvinut v obrazech Vermeera.
Od druhé poloviny 50. let maloval Vermeer ve stříbřitém světle interiéru domu drobné obrazy s jednou nebo více postavami ( Dívka s dopisem Pokojská se džbánem mléka ). Na konci 50. let Vermeer vytvořil dvě mistrovská díla krajinomalby: oduševnělý obraz ulice se zářivými, svěžími, čistými barvami a obrazy Pohled na město Delft . V 60. letech se Vermeerova tvorba zjemnila a jeho malba ochladla. ( Dívka s perlovou náušnicí).
Na konci 60. let umělec často zobrazoval bohatě zařízené pokoje, kde dámy a pánové hráli hudbu a galantně mluvili.
V posledních letech Vermeerova života se jeho finanční situace velmi zhoršila. Poptávka po obrazech prudce klesla, malíř byl nucen si vzít půjčky, aby uživil jedenáct dětí a další členy rodiny. To pravděpodobně urychlilo příchod smrti. Není známo, co se stalo - akutní nemoc nebo deprese kvůli financím, ale Vermeer byl pohřben v roce 1675 v rodinné kryptě v Delftu.
Vermeerovo individuální umění po jeho smrti nebylo oceněno jeho současníky. Zájem o něj byl obnoven až v 19. století díky práci kritika umění a historika umění Etienna Théophila Thorého, který Vermeera „objevil“ pro širokou veřejnost.
Závěr
Apel na realitu pomohl rozšířit umělecké možnosti nizozemského umění a obohatil jeho žánrové téma. Jestliže před 17. stoletím v evropském výtvarném umění velká důležitost měl biblické a mytologické náměty a ostatní žánry byly špatně rozvinuté, pak se v nizozemském umění vztah mezi žánry dramaticky mění. Dochází k vzestupu takových žánrů jako: každodenní život, portrét, krajina, zátiší. Samotné biblické a mytologické náměty v holandském umění do značné míry ztrácejí své předchozí formy ztělesnění a jsou nyní interpretovány jako každodenní malby.
Přes všechny své úspěchy neslo nizozemské umění také některé specifické rysy omezení – úzký okruh námětů a motivů. Další nevýhoda: jen někteří mistři se snažili najít svůj hluboký základ v jevech.
Ale v mnoha kompoziční obrazy, v portrétech jsou obrazy nejhlubší přírody a krajiny ukazují pravou a skutečnou povahu. To se stalo charakteristickým rysem holandského umění. Malíři tak učinili velké průlomy v umění, když zvládli obtížnou a komplexní dovednost malovat obrazy vnitřního světa a prožitků člověka.
Test mi dal příležitost zkontrolovat můj Kreativní dovednosti, doplňte si teoretické znalosti, zjistěte hlouběji o holandských umělcích a jejich dílech.
Doučování
Potřebujete pomoc se studiem tématu?
Naši specialisté vám poradí nebo poskytnou doučovací služby na témata, která vás zajímají.
Odešlete přihlášku uvedením tématu právě teď, abyste se dozvěděli o možnosti konzultace.
holandská malba vznikl v prvních letech 17. století. Nizozemská malířská škola byla nezávislou, velkou, nezávislou školou s jedinečnými a nenapodobitelnými vlastnostmi a identitou.
Až do 17. století se Holandsko nevyznačovalo množstvím národních umělců. Zatímco tato země byla jedním státem s Flandry, originální umělecká hnutí se intenzivně vytvářela a rozvíjela především ve Flandrech.
Ve Flandrech pracovali vynikající malíři Van Eyck, Memling, Rogier van der Weyden, kteří se v Holandsku nenašli. Na počátku 16. století lze zaznamenat pouze ojedinělé výbuchy génia v malbě, jde o umělce a rytce Lukáše z Leidenu, který je stoupencem bruggské školy. Luke z Leidenu ale žádnou školu nevytvořil. Totéž lze říci o malíři Dirku Boutsovi z Haarlemu, jehož výtvory jen stěží vynikají na pozadí stylu a způsobu jeho původu. Vlámská škola, o umělcích Mostartovi, Skorelovi a Heemskerkovi, kteří přes všechnu svou důležitost nejsou individuálními talenty, které zemi charakterizují svou originalitou.
Koncem 16. století, kdy portrétisté již vytvořili školu, se začali objevovat a formovat další umělci. Široká škála talentů vede k mnoha různým směrům a cestám pro vývoj malby. Objevují se Rembrandtovi přímí předchůdci – jeho učitelé Jan Pace a Peter Lastman. Žánrové metody se také stávají svobodnějšími — historicita není tak povinná jako dříve. Vzniká zvláštní, hluboce národní a téměř historický žánr - skupinové portréty určené pro veřejná místa– radnice, korporace, dílny a komunity.
Toto je jen začátek, samotná škola ještě neexistuje. Je jich mnoho talentovaných umělců, mezi nimi zruční řemeslníci, několik skvělých malířů: Morelse, Jan Ravestein, Lastman, Frans Hals, Pulenburg, van Schoten, van de Venne, Thomas de Keyser, Honthorst, Cape the Elder, nakonec Esayas van de Velde a van Goyen - všichni se narodili na konci 16. století.
Ve vývoji holandská malba byl to kritický okamžik. Při nestabilní politické rovnováze vše záviselo jen na náhodě. Ve Flandrech, kde bylo podobné probuzení pozorováno, naopak již existoval pocit důvěry a stability, který v Holandsku ještě nebyl. Ve Flandrech už byli umělci, kteří se zformovali nebo k tomu měli blízko.
Politické a společensko-historické poměry v této zemi byly příznivější. Flandry měly vážné důvody, aby se podruhé staly velkým centrem umění. K tomu chyběly dvě věci: několik let klidu a mistr, který by byl tvůrcem školy.
V roce 1609 bylo o osudu Holandska rozhodnuto, po smlouvě o příměří (mezi Španělskem a Nizozemskem) a oficiálním uznání Spojených provincií nastal okamžitě klid. Je úžasné, jak nečekaně a v jakém krátkém časovém úseku - ne více než třicet let - se na malém prostoru, na nevděčné pouštní půdě, v drsných životních podmínkách, objevila nádherná plejáda malířů, a k tomu velkých malířů.
Objevily se okamžitě a všude: v Amsterodamu, Dordrechtu, Leidenu, Delftu, Utrechtu, Rotterdamu, Haarlemu, dokonce i v zahraničí – jako ze semen, která padla mimo pole. Nejčasnějšími jsou Jan van Goyen a Wijnants, narození kolem přelomu století. A dále, v intervalu od začátku století do konce jeho první třetiny - Cuyp, Terborch, Brouwer, Rembrandt, Adrian van Ostade, Ferdinand Bohl, Gerard Dau, Metsu, Venix, Wauerman, Berchem, Potter, Jan Steen , Jacob Ruisdael. Další je Pieter de Hooch, Hobbema. Posledními z velikánů byli van der Heyden a Adrian van de Velde v letech 1636 a 1637. Přibližně tato léta lze považovat za dobu prvního rozkvětu holandské školy. Bylo nutné vytvořit umění pro národ.
holandská malba, byl a mohl být pouze výrazem vnějšího vzhledu, pravdivým, přesným, podobným portrétem Holandska. Hlavními prvky holandské malířské školy byly portréty, krajiny a každodenní scény. Nizozemská škola roste a funguje již celé století.
Holandští malíři našli náměty a barvy, aby uspokojili jakékoli lidské sklony a náklonnosti. Holandská paleta je docela hodná jejich kresby, odtud dokonalá jednota jejich malířské metody. Jakýkoli holandský obraz je snadno rozpoznatelný podle vzhledu. Je malé velikosti a vyznačuje se silnými, přísnými barvami. To od umělce vyžaduje velkou přesnost, pevnou ruku a hluboké soustředění.
Přesně holandská malba dává nejjasnější představu o tomto skrytém a věčném procesu: cítit, myslet a vyjadřovat. Na světě neexistuje bohatší obraz, protože jsou to Holanďané, kdo zahrnuje tolik obsahu na tak malý prostor. Proto zde vše nabývá přesné, stlačené a zhuštěné podoby.
Pro úplnější obraz holandské malby by bylo nutné podrobně zvážit prvky tohoto pohybu, vlastnosti metod a povahu palety. Popis hlavních rysů nizozemského umění nám umožňuje odlišit tuto školu od ostatních a vysledovat její původ.
Expresivním způsobem ilustrující holandská malba, je obraz Adriana van Ostadea z amsterdamského muzea „Artist's Atelier“. Toto téma patřilo mezi oblíbené nizozemské malíře. Vidíme pozorného muže, mírně shrbeného, s připravenou paletou, tenkými, čistými štětci a průhledným olejem. Píše za šera. Jeho tvář je soustředěná, jeho ruka je opatrná.
Snad jen tito malíři byli odvážnější a uměli se bezstarostněji smát a užívat si života, než lze usoudit z dochovaných obrazů.
Základ nizozemské malířské školy položili na počátku 17. století Jan van Goyen a Jan van Wijnants, kteří stanovili některé zákony malby.
Nizozemské malířství je první větví t. zv. „Nizozemská škola“, stejně jako druhá – vlámská, vznikla jako samostatná éra výtvarného umění po brutální revoluci, která skončila vítězstvím Nizozemců nad Španěly, kteří je utlačovali. Od této chvíle holandská malba okamžitě přebírá originál, úplně národní charakter a rychle dosáhne jasného a bohatého kvetení. Malba v dílech obrovského množství více či méně talentovaných umělců, kteří se objevili téměř současně, zde okamžitě nabrala směr velmi všestranný a přitom zcela odlišný od směru umění v jiných zemích! hlavní rys To, co tyto umělce charakterizuje, je láska k přírodě, touha reprodukovat ji v celé její jednoduchosti a pravdivosti, bez sebemenšího přikrášlování, aniž bychom ji podřizovali jakýmkoliv podmínkám předem vytvořeného ideálu. Jeho druhou výraznou vlastností je jemný cit pro barvu a pochopení toho, jaký silný, okouzlující dojem lze kromě obsahu obrazu vyvolat pouze věrným a mocným předáváním barevných vztahů určovaných v přírodě působením světelné paprsky, blízkost nebo rozsah vzdáleností. Holandská malba je malba, kde je smysl pro barvy a světlo a stín rozvinutý do té míry, že světlo se svými nesčetnými a rozmanitými nuancemi hraje, dalo by se říci, hlavní roli v obraze. herec a prozrazuje velký zájem o nejbezvýznamnější děj, nejnelegantnější formy a obrazy.... Představuji vám svou osobní sbírku obrazů holandských umělců! Trocha historie: Většina nizozemských umělců nehledá zdlouhavě materiál pro svou kreativitu, ale spokojí se s tím, co najdou kolem sebe. původní příroda a v životě jeho lidu - hlučná zábava společných svátků, selské hody, výjevy vesnického života popř. intimní život měšťané, původní duny, poldry a rozlehlé pláně protkané kanály, stáda pasoucí se na bohatých loukách, vesnice na březích řek, jezer a grachtů, města s jejich úhlednými domy, padací mosty a vysoké věže kostelů a radnic, přístavy přeplněné loděmi , naplnil oblohu stříbřitými nebo zlatými výpary - to vše pod štětcem žluči. řemeslníci prodchnutí láskou k vlasti a národní hrdost , přechází v obrazy plné vzduchu, světla a atraktivity. I v případech, kdy se někteří z těchto mistrů obracejí s tématy k Bibli, starověké historii a mytologii, i tehdy, aniž by se starali o zachování archeologické věrnosti, přenesou dění do prostředí Holanďanů a obklopí ho holandským prostředím. Pravda, vedle přeplněného davu takových vlasteneckých umělců stojí falanga dalších malířů, kteří hledají inspiraci za hranicemi své vlasti, v klasické zemi umění, v Itálii; v jejich dílech jsou však i rysy, které odhalují jejich národnost. Konečně, jako rys nizozemských malířů, lze poukázat na jejich zřeknutí se uměleckých tradic. Marně bychom mezi nimi hledali přísnou kontinuitu známých estetických principů a technických pravidel, a to nejen ve smyslu akademického stylu, ale i ve smyslu studentské asimilace charakteru jejich učitelů: s snad s výjimkou samotných Rembrandtových studentů, kteří více či méně úzce šli ve stopách svého geniálního mentora, téměř všichni malíři v Holandsku, jakmile pominuli svá studentská léta, a někdy i během těchto let, začali pracovat v svou vlastní cestou, v souladu s tím, kam je zavedl jejich individuální sklon a čemu je naučilo přímé pozorování přírody. Holandské umělce proto nelze dělit do škol, stejně jako to děláme s umělci z Itálie nebo Španělska. Mezitím ve všech hlavních městech Holandska existovaly organizované společnosti umělců! Avšak takové spolky, nesoucí jméno cechů sv. Lukáše, nebyly akademie, opatrovníci slavných uměleckých legend, ale svobodné korporace, podobné jiným řemeslnickým a průmyslovým cechům, od nich se strukturou a s cílem vzájemné podpory svých členů, ochrany jejich práv, příliš nelišily, péče o jejich stáří, péče o osud svých vdov a sirotků. Každý místní malíř, který splňoval požadavky mravní kvalifikace, byl do cechu přijat po předběžném potvrzení svých schopností a znalostí nebo na základě již nabyté slávy; hostující umělci byli do cechu přijímáni jako dočasní členové na dobu pobytu v daném městě. Raná díla holandských malířů se k nám dostala jen ve velmi omezeném množství, protože většina z nich zanikla v oné neklidné době, kdy reformace zdevastovala katolické kostely, rušila kláštery a opatství, podněcovala „lámače ikon“ (beelstormery), aby ničili malované a vyřezávané posvátné obrazy a lidové povstání zničilo všude portréty nenáviděných tyranů. Mnoho umělců, kteří předcházeli revoluci, známe jen podle jména; Ostatní můžeme posuzovat pouze podle jedné nebo dvou ukázek jejich práce. Mlha, která nás halí z počáteční éry holandské školy, se začíná rozplývat s tím, jak se na scéně objevil Dirk Bouts, přezdívaný Stuirbout († 1475), stejně jako Jan Mostaert (asi 1470-1556), jehož touha po naturalismu je v kombinaci s nádechem gotické legendy, vřelostí náboženského cítění s péčí o vnější eleganci. Vedle těchto vynikajících mistrů z rané éry holandského umění stojí za zmínku: Pieter Aertsen († 1516), přezdívaný pro svou vysokou postavu „ Dlouhý Petr"(Lange Pier), David Ioris (1501-56), zručný malíř skla, unesen anabaptistickými nesmysly a představující si sám sebe jako proroka Davida a syna Božího, a Dirk Jacobs (dva obrazy od posledně jmenovaného zobrazující střelecké spolky jsou v Ermitáži). Kolem poloviny stol. nejlepší tradice vlastní školy.Za hlavního šiřitele nového hnutí je třeba považovat Jana van Scorela (1495-1562), který žil dlouhou dobu v Itálii a později založil školu v Utrechtu, odkud pocházel celá řada umělci nakažení touhou stát se holandskými Raphaels a Michelangelos. V jeho stopách šli Maarten van Van, přezdívaný Heemskerk (1498-1574), Henrik Goltzius (1558-1616), Cornelis van Haarlem (1562-1638) a další patřící do dalšího období školy, jako např. Abraham Bloemaert (1564-1651) a Gerard Honthorst (1592-1662), kteří se vydali za Alpy, aby prodchli dokonalostmi osobností italského malířství, ale z velké části upadli pod vliv představitelů úpadku právě tento obraz, který v té době začínal. Vášeň k Italům, která v přechodné době často sahala až do extrému, však přinesla určitý užitek, protože do tohoto obrazu vnesla lepší, učenější kresbu a schopnost svobodněji a odvážněji spravovat kompozici. Spolu se staronizozemskou tradicí a bezmeznou láskou k přírodě se stal italismus jedním z prvků, z nichž se formovalo původní, vysoce rozvinuté umění vzkvétající éry. Počátek této éry, jak jsme již řekli, by se měl datovat na počátek 17. století, kdy Holandsko, když získalo nezávislost, začalo žít nový život. Dramatickou proměnu utlačované a chudé země právě včera v politicky významnou, pohodlnou a bohatou unii států provázela stejně dramatická revoluce v jejím umění. Ze všech stran se téměř současně objevují báječní umělci v nespočetném množství! K původním uměleckým centrům, Harlemu a Leidenu, přibývají nová - Delft, Utrecht, Dordrecht, Haag, Amsterdam atd. Všude se novým způsobem rozvíjejí staré úkoly malby - její nové větve, jejichž počátky byly v předchozím období sotva patrné, vzkvétají. Reformace vyhnala náboženské obrazy z kostelů; nebylo třeba zdobit paláce a šlechtické komnaty obrazy antických bohů a hrdinů, a proto historická malba, uspokojující vkus bohaté buržoazie, opustil idealismus a obrátil se k přesné reprodukci reality. Pokud byste chtěli mluvit o všech talentovaných portrétistech této vzkvétající éry, pak pouhý výčet jejich jmen s uvedením jejich nejlepších děl by zabral mnoho řádků; Proto se omezíme na zmínku jen několika. Takovým je například Michael Mervelt (1567-1641), předchůdce tří největších portrétistů Holandska - čaroděj šerosvitu Rembrandt van Rijn (1606-69), nesrovnatelný kreslíř, který měl úžasné umění modelovat postavy v světlý, ale Bartholomew van der byl poněkud chladný charakterem a barvou Helst (1611 nebo 1612-70) a nápadná fuga jeho štětce od Franse Halse staršího (1581-1666). Z nich jméno Rembrandt září zvláště jasně v dějinách, které si jeho současníci nejprve velmi vážili, pak jimi zapomněli, potomstvo málo doceněné a teprve v současném století povýšeno, ve vší férovosti, na úroveň světa. génius. V jeho charakteristické umělecké osobnosti se jakoby v ohnisku soustřeďují všechny nejlepší kvality nizozemského malířství a jeho vliv se odrážel ve všech jejích typech - v portrétech, historické obrazy, každodenní scény a krajina. Nejznámější z Rembrandtových studentů a následovníků byli: Ferdinand Bol (1616-80), Govert Flinck (1615-60), Gerbrand van den Eckhout (1621-74), Nicholas Mas (1632-93), Art de Gelder (1645- 1727), Jacob Backer (1608 nebo 1609-51), Jan Victors (1621-74), Carel Fabricius (asi 1620-54), Pieter de Grebber, Willem de Porter († později 1645), Gerard Dou (1613-75 ) a Samuel van Hoogstraten (1626-78). Kromě těchto umělců je třeba pro větší úplnost výčtu jmenovat také Jana Lievense (1607-30), Rembrandtova přítele ze studie P. Lastmana, Abrahama van Tempela (1622-72) a Pietera Nesona (1612-91). ), který pracoval na Zřejmě pod vlivem V. d. Helst, napodobitel Halse Johannese Versproncka (1597-1662) a Jana de Bray († 1664, † 1697). Domácí malba, jejíž první pokusy se objevily ve staré holandské škole, se ocitla v 17. století. zvláště úrodná půda v protestantském, svobodném, buržoazním, samolibém Holandsku. Zdálo se, že malé obrázky neuměle představují zvyky a život různých vrstev místní společnosti dost lidí zábavnější než velká díla vážné malby a na stejné úrovni jako krajina - vhodnější pro zdobení útulných soukromých domů. Celá horda umělců uspokojuje poptávku po takových obrazech, svědomitě reprodukují vše, s čím se ve skutečnosti setkává, zároveň projevují lásku ke své rodině, pak dobromyslný humor, přesně charakterizují zobrazené polohy a tváře a jsou sofistikovaní v mistrovství. techniky. Zatímco někteří se zabývají životem obyčejných lidí, scénami selského štěstí a smutku, pitím v krčmách a krčmách, setkáními před hostinci u cest, venkovskou dovolenou, hrami a bruslením na ledu zamrzlých řek a kanálů atd., jiní se obsah pro svá díla z elegantnějšího okruhu - malují půvabné dámy v jejich intimním prostředí, kterým se dvoří dandy gentlemani, hospodyňky rozkazující svým služkám, salonní cvičení v hudbě a zpěvu, kolotoče zlaté mládeže v domech rozkoše... V dlouhé řadě umělců první kategorie dominovali Adrian a Isaac van Ostade (1 6 10-85, 1621-49), Adrian Brouwer (1605 nebo 1606-38), Jan Steen (asi 1626-79), Cornelis Bailly (1620-64), Richart Brackenburg (1650-1702), Peter van Laer, v Itálii zvaný Bambocchio (1590-1658), Cornelis Dusart (1660-1704), Joss Drohsloot (1586-1666), Claes Molener (dříve -76), Jan Meins Molenaar (asi 1610-68), Cornelis Saftleven (1606-81). Ze stejně významného počtu malířů jsou Gerard Terborch (1617-81), Gerard Dou (1613-75), Gabriel Metsu (1630-67), Pieter de Hooch (1630-66), Caspar Netscher (1639-84). slavný.Frans van Mieris starší (1635-81), Egon van der Neer (1643-1703), Jan Verkolge (1650-93), Quiring Brekelenkamp (†1668). Jacob Ochtervelt († 1670), Dirk Hals (1589-1656) a Anthony Palamedes (1601-73). Do kategorie žánrových malířů patří umělci, kteří malovali výjevy vojenského života, ale i výjevy sokolnictví a honů. Hlavním představitelem tohoto malířského odvětví je slavný a neobyčejně plodný Philips Wouwerman (1619-68). Kromě něj byli výborně vyvinuti její bratr tohoto mistra Peter (1623-82), zmíněný Palamedes, Jacob Duke (1600 - později 1660) a Dirk Maas (1656-1717). Pro mnohé z těchto umělců hraje krajina stejně důležitou roli jako lidské postavy; ale paralelně s nimi pracuje masa malířů, kteří si to stanovili jako svůj hlavní nebo výhradní úkol. Obecně platí, že Nizozemci mají nezadatelné právo být hrdí na to, že jejich vlast je rodištěm nejen nejnovějšího žánru, ale také krajiny v tom smyslu, jak je dnes chápána. Ve skutečnosti v jiných zemích, například v Itálii a Francii, se umění o neživou přírodu příliš nezajímalo a nenacházelo v ní ani jedinečný život, ani zvláštní krásu. Holanďané jako první pochopili, že i v neživé přírodě vše dýchá životem, vše je přitažlivé, vše je schopno vyvolat myšlenku a vzrušit pohyb srdce. A to bylo zcela přirozené, protože Holanďané tak říkajíc vytvořili přírodu kolem sebe vlastníma rukama, vážili si ji a obdivovali ji, jako otec poklady a obdivuje své vlastní duchovní dítě. Mezi krajináři období rozkvětu nizozemské školy jsou respektováni zejména: Jan van Goyen (1595-1656), který spolu s Ezaiasem van de Velde (asi 1590-1630) a Pieterem Moleynem Elderem. (1595-1661), považovaný za zakladatele nizozemské krajiny; pak žák tohoto mistra Salomon van Ruisdael († 1623), Simon de Vlieger (1601-59), Jan Wijnants (asi 1600 - později 1679), milovník lepších světelných efektů Art van der Neer (1603-77), poetický Jacob van Ruisdael (1628 nebo 1629-82), Meindert Hobbema (1638-1709) a Cornelis Dekker († 1678). Mezi Holanďany bylo také mnoho krajinářů, kteří se vydávali na cesty a reprodukovali motivy cizí povahy, což jim však nebránilo v tom, aby si v malbě zachovali národní ráz. Allaert van Everdingen (1621-75) zobrazil pohledy na Norsko; Jan Both (1610-52) - Itálie; Hermann Saftleven (1610-85) - Reina; Cornelis Poulenburg (1586-1667) a skupina jeho následovníků malovali krajiny inspirované italskou přírodou, s ruinami starověkých budov, koupacími nymfami a výjevy imaginární Arkádie. Ve zvláštní kategorii můžeme vyčlenit mistry, kteří ve svých obrazech kombinovali krajinu s obrazy zvířat, přičemž upřednostňovali buď první, nebo druhou, nebo věnovali oběma částem stejnou pozornost. Nejznámějším z takových malířů venkovské idyly je Paulus Potter (1625-54); kromě něj sem patří Adrian van de Velde (1635 nebo 1636-72), Albert Cuyp (1620 - 91) a četní umělci, kteří se pro témata obraceli přednostně nebo výhradně do Itálie, jako například: Adam Peinaker (1622-73), Jan -Baptiste Weenix (1621-60), Claes Berchem (1620-83), Karel Dujardin (1622-78) aj. S krajinomalbou úzce souvisí malba architektonických pohledů, které se holandští umělci začali věnovat jako nezávislí odvětví umění teprve v polovině 17. století. Někteří z těch, kteří od té doby pracovali v této oblasti, byli důmyslní v zobrazování městských ulic a náměstí se svými budovami; to jsou Johannes Beerestraten (1622-66) a Jacob van der Ulf (1627-88). Jiní, především Pieter Sanredam († 1666) a Dirk van Delen (1605-71), malovali interiérové pohledy na kostely a paláce. Moře toho mělo tolik Důležité v životě Holandska, že její umění s ním nemohlo zacházet jinak než s největší pozorností. Mnozí z jejích umělců, kteří se zabývali krajinou, žánry a dokonce i portréty, se na chvíli odpoutali od svých obvyklých námětů, se stali námořními malíři, a pokud bychom chtěli vyjmenovat všechny malíře holandské školy, kteří zobrazovali klidné nebo rozbouřené moře , houpající se lodě, přístavy přeplněné loděmi, námořní bitvy atd., dopadlo by to velmi dlouhý seznam, která by zahrnovala jména Ya. Goyen, S. de Vlieger, S. a J. Ruisdaelovi, A. Cuyp a další již zmínění v předchozích řádcích. Omezíme-li se na ty, pro které bylo malování výhledů na moře specialitou, musíme jmenovat Willema van de Velde staršího (1611 nebo 1612-93), jeho slavného syna Willema van de Velde mladšího (1633-1707). jako Jan van de Cappelle ( † 1679). Konečně realistický směr nizozemské školy byl příčinou, že se v ní formoval a rozvíjel druh malby, který se v jiných školách do té doby nepěstoval jako zvláštní, samostatný obor, totiž malba květin, ovoce, zeleniny, živí tvorové, kuchyňské náčiní, stolní náčiní atd. – jedním slovem to, čemu se dnes běžně říká „mrtvá příroda“ (nature morte, Stilleben). V této oblasti byli z nizozemských umělců vzkvétající éry nejznámější Jan-Davids de Heem (1606-83), jeho syn Cornelis (1631-95), Abraham Mignon (1640-79), Melchior de Hondekoeter (1636). -95), Maria Oosterwijk (1630-93), Willem van Aelst (1626-83), Willem Heda (1594 - později 1678), Willem Kalf (1621 nebo 1622-93) a Jan Weenix (1640-1719). Obecně, jak vidíme, je to pravděpodobně stále hlavní charakteristický rys Vývoj nizozemského umění během všech těchto let výrazně převládal mezi všemi jeho typy malby. Obrazy zdobily domy nejen představitelů vládnoucí elity společnosti, ale i chudých měšťanů, řemeslníků a rolníků; byly prodávány na aukcích a veletrzích; někdy je umělci používali jako prostředek k placení účtů. Povolání umělce nebylo vzácné, malířů bylo hodně a mezi sebou zuřivě soupeřili. Jen málo z nich se umělo živit malováním, mnozí vystřídali různá zaměstnání: Sten byl hostinským, Hobbema úředníkem spotřební daně, Jacob van Ruisdael byl lékařem.))))) Od počátku 18. století. v nizozemském malířství se ustálil francouzský vkus a pohled na pompézní éru Ludvíka XIV. - napodobování Poussina, Lebruna, Cl. Lorrain a další svítidla francouzská škola. Hlavním šiřitelem tohoto trendu byl v Amsterodamu usazený Vlám Gerard de Leresse (1641-1711), ve své době velmi schopný umělec a vzdělaný, který měl obrovský vliv na své současníky i nejbližší potomky jak svými vychovanými pseudo- historické obrazy a díla jeho vlastního pera, mezi nimiž je jeden - " Skvělá kniha malíř“ („t groot schilderboec) – padesát let sloužil jako kód pro mladé umělce, stejně jako slavný Adrian van de Werff (1659-1722), jehož malba chladnými postavami, jakoby vyřezávanými ze slonoviny, tehdy působila jako být vrcholem dokonalosti. Mezi následovníky tohoto umělce se jako historici malíři proslavili Henrik van Limborg (1680-1758) a Philip van Dyck (1669-1729), přezdívaný „Malý van Dyck“. Z dalších malířů zvažované éry, obdařených nepochybným talentem, ale nakažených duchem doby, je třeba poznamenat Willem a Frans van Miers mladší (1662-1747, 1689-1763), Nicholas Verkolge (1673-1746 ), Constantijn Netscher (1668-1722) a Karel de Moora (1656-1738). Lesk této škole dodal Cornelis Troost (1697-1750), především karikaturista, přezdívaný holandský Gogarth, portrétista Jan Quincheed (1688-1772), malíř dekorativní historie Jacob de Wit (1695-1754) a malíř mrtvých příroda Jan van Huysum (1682). -1749). Zahraniční vliv tížil nizozemskou malbu až do dvacátých let 19. století a dokázal v ní víceméně promítnout proměny umění ve Francii, počínaje parukářstvím dob Krále Slunce a konče pseudoklasicismem Davide. Když styl posledně jmenovaného zastaral a všude v západní Evropě se místo fascinace starověkými Řeky a Římany probudila romantická touha ovládající poezii i figurativní umění, Holanďané, stejně jako jiné národy, obrátili svůj pohled k jejich starověku, a tedy k jejich slavné minulé malbě. Touha dát jí znovu lesk, kterým zářila v 17. století, začala oživovat nejnovější umělci a vrátil je k zásadám dávných národních mistrů - k přísnému pozorování přírody a vynalézavému, upřímnému přístupu k úkolům, které jsou před nimi. Zároveň se nesnažili úplně zbavit cizího vlivu, ale když šli studovat do Paříže nebo Düsseldorfu a dalších uměleckých center v Německu, odvezli si odtud jen seznámení s úspěchy. moderní technologie. Díky tomu všemu znovuobrozená holandská škola získala originalitu a posunula se v našich dnech po cestě vedoucí k dalšímu pokroku. Bez problémů dokáže postavit řadu svých nejnovějších postav do kontrastu s nejlepšími malíři 19. století v jiných zemích. Holandsko se může pyšnit několika významnými mistry poslední doby: Jacobem Eckhoutem (1793-1861), Davidem Blesem (nar. 1821), Hermanem ten Cateem (1822-1891) a vysoce talentovaným Lawrence Alma-Tademou (nar. 1836), který „opuštěni“ do Anglie. Joseph Israels (nar. 1824) a Christoffel Bissschop (nar. 1828), Anton Mauwe (1838-88) a Jacob Maris (nar. 1837), Bartholomeus van Hove (1790-1888) a Johannes Bosboom ( 1817-N), Henrik Mesdag (nar. 1831), Wouters Vershuur (1812-74) a mnoho dalších.....
První léta 17. století jsou považována za zrod nizozemské školy. Tato škola patří k velkým školám malby a je nezávislou a nezávislou školou s jedinečnými a nenapodobitelnými vlastnostmi a identitou.
To má z velké části historické vysvětlení – současně vznikl nový pohyb v umění a nový stát na mapě Evropy.
Až do 17. století se Holandsko nevyznačovalo množstvím národních umělců. Možná právě proto lze v této zemi v budoucnu napočítat takové množství umělců, a to konkrétně holandských. Zatímco tato země byla jedním státem s Flandry, originální umělecká hnutí se intenzivně vytvářela a rozvíjela především ve Flandrech. Ve Flandrech pracovali vynikající malíři Van Eyck, Memling, Rogier van der Weyden, kteří se v Holandsku nenašli. Na počátku 16. století lze zaznamenat pouze ojedinělé výbuchy génia v malbě, jde o umělce a rytce Lukáše z Leidenu, který je stoupencem bruggské školy. Luke z Leidenu ale žádnou školu nevytvořil. Totéž lze říci o malíři Dirku Boutsovi z Haarlemu, jehož výtvory na pozadí stylu a způsobu vzniku vlámské školy jen stěží vynikají, o umělcích Mostertovi, Skorelovi a Heemskerkem, kteří přes všechen svůj význam nejsou individuální talenty, které je charakterizují svou originalitou země.
Poté se italský vliv rozšířil na každého, kdo tvořil štětcem – od Antverp po Haarlem. To byl jeden z důvodů, proč byly hranice rozmazané, školy smíšené a umělci ztratili svou národní identitu. Jana Skorela nepřežil ani jeden student. Poslední, nejslavnější, největší portrétista, který je spolu s Rembrandtem pýchou Holandska, umělec nadaný mocným talentem, skvěle vzdělaný, stylově pestrý, od přírody odvážný a flexibilní, kosmopolita, který ztratil vše stopy jeho původu a dokonce i jeho jméno - Antonis Moreau, (byl oficiálním malířem španělského krále) zemřel po roce 1588.
Přeživší malíři v duchu své tvorby téměř přestali být Holanďany, chyběla jim organizace a schopnost obnovit národní školu. Byli to představitelé holandského manýrismu: rytec Hendrik Goltzius, Cornelis z Haarlemu, který napodoboval Michelangela, Abraham Bloemaert, následovník Correggia, Michiel Mierevelt, dobrý portrétista, zručný, přesný, lakonický, na svou dobu trochu chladný, moderní , ale ne národní. Je zajímavé, že jen on nepodlehl italskému vlivu, který si podmanil většinu tehdejších projevů v malířství Holandska.
Koncem 16. století, kdy portrétisté již vytvořili školu, se začali objevovat a formovat další umělci. Ve druhé polovině 16. století se zrodilo velké množství malířů, kteří se stali fenoménem v malířství, to bylo téměř probuzení nizozemské národní školy. Široká škála talentů vede k mnoha různým směrům a cestám pro vývoj malby. Umělci se testují ve všech žánrech, v různých barevných schématech: někteří pracují světlým způsobem, jiní temně (zde vliv italské umělec Caravaggio). Malíři jsou oddaní světlým barvám a koloristi tmavým barvám. Začíná hledání obrazové manýry a vyvíjejí se pravidla pro zobrazování šerosvitu. Paleta se stává uvolněnější a volnější, stejně jako linie a plasticita obrazu. Objevují se Rembrandtovi přímí předchůdci – jeho učitelé Jan Pace a Peter Lastman. Žánrové postupy se také stávají svobodnějšími – historicita není tak povinná jako dříve. Vzniká zvláštní, hluboce národní a téměř historický žánr - skupinové portréty určené pro veřejná místa - radnice, korporace, dílny a komunity. Touto událostí, formou nejdokonalejší, končí 16. století a začíná 17. století.
Toto je jen začátek, zárodek školy, škola samotná ještě neexistuje. Je mnoho talentovaných umělců. Mezi nimi jsou zruční řemeslníci, několik skvělých malířů. Morelse, Jan Ravesteijn, Lastman, Frans Hals, Pulenburg, van Schoten, van de Venne, Thomas de Keyser, Honthorst, Cape the Elder a nakonec Esayas van de Velde a van Goyen – ti všichni se narodili v r. pozdní XVI století. Tento seznam zahrnuje i umělce, jejichž jména uchovala historie, ti, kteří představovali pouze jednotlivé pokusy o dosažení mistrovství, a ti, kteří se stali učiteli a předchůdci budoucích mistrů.
To byl kritický okamžik ve vývoji nizozemského malířství. Při nestabilní politické rovnováze vše záviselo jen na náhodě. Ve Flandrech, kde bylo podobné probuzení pozorováno, naopak již existoval pocit důvěry a stability, který v Holandsku ještě nebyl. Ve Flandrech už byli umělci, kteří se zformovali nebo k tomu měli blízko. Politické a společensko-historické poměry v této zemi byly příznivější. Existovala pružnější a tolerantnější vláda, tradice a společnost. Potřeba luxusu vyvolala trvalou potřebu umění. Obecně byly pro Flandry vážné důvody, aby se podruhé staly velkým centrem umění. K tomu chyběly jen dvě věci: několik let klidu a mistr, který by byl tvůrcem školy.
V roce 1609, kdy se rozhodovalo o osudu Holandska – Filip III. se dohodl na příměří mezi Španělskem a Nizozemskem – se objevil Rubens.
Vše záviselo na politické nebo vojenské náhodě. Poraženo a podrobeno by Holandsko muselo zcela ztratit svou nezávislost. Pak samozřejmě nemohly existovat dvě nezávislé školy – v Holandsku a ve Flandrech. V zemi závislé na italsko-vlámském vlivu by se taková škola a talentovaní originální umělci nemohli rozvíjet.
Aby se Nizozemci zrodili a holandské umění s nimi spatřilo světlo, byla zapotřebí revoluce, hluboká a vítězná. Zvláště důležité bylo, aby revoluce byla založena na spravedlnosti, rozumu, nutnosti, aby si lidé zasloužili to, čeho chtěli dosáhnout, aby byli rozhodní, přesvědčení, že mají pravdu, pracovití, trpěliví, zdrženliví, hrdinští a moudří. Všechny tyto historické rysy se následně projevily při formování holandské malířské školy.
Situace dopadla tak, že válka Holanďany nezruinovala, ale obohatila, boj za nezávislost jejich síly nevyčerpal, ale posílil a inspiroval. Při vítězství nad nájezdníky prokázal lid stejnou odvahu jako v boji proti živlům, nad mořem, nad zaplavováním zemí, nad klimatem. To, co mělo lidi zničit, jim dobře posloužilo. Smlouvy podepsané se Španělskem daly Holandsku svobodu a posílily jeho pozici. To vše vedlo k vytvoření vlastního umění, které oslavovalo, zduchovňovalo a vyjadřovalo vnitřní podstatu Holanďanů.
Po smlouvě z roku 1609 a oficiálním uznání Spojených provincií nastal okamžitý klid. Jako by se dotkl blahodárný teplý vánek lidské duše, oživil půdu, našel a probudil klíčky, které byly připraveny kvést. Je úžasné, jak nečekaně a v jakém krátkém časovém úseku - ne více než třicet let - se na malém prostoru, na nevděčné pouštní půdě, v drsných životních podmínkách, objevila nádherná plejáda malířů, a k tomu velkých malířů.
Objevily se okamžitě a všude: v Amsterodamu, Dordrechtu, Leidenu, Delftu, Utrechtu, Rotterdamu, Haarlemu, dokonce i v zahraničí – jako ze semen, která padla mimo pole. Nejstaršími jsou Jan van Goyen a Wijnants, narozený na přelomu století. A dále, v intervalu od začátku století do konce jeho první třetiny - Cuyp, Terborch, Brouwer, Rembrandt, Adrian van Ostade, Ferdinand Bohl, Gerard Dau, Metsu, Venix, Wauerman, Berchem, Potter, Jan Steen , Jacob Ruisdael.
Tím ale kreativní šťávy neskončily. Dále se narodil Pieter de Hooch, Hobbema. Poslední z velikánů, van der Heyden a Adrian van de Velde, se narodili v letech 1636 a 1637. V té době bylo Rembrandtovi třicet let. Přibližně tato léta lze považovat za dobu prvního rozkvětu holandské školy.
Vzhledem k tehdejším historickým událostem si lze představit, jaké by měla být aspirace, charakter a osud nové malířské školy. Co mohli tito umělci napsat v zemi, jako je Holandsko?
Revoluce, která dala Nizozemcům svobodu a bohatství, je zároveň připravila o to, co tvoří životně důležitý základ velkých škol všude. Změnila přesvědčení, změnila zvyky, zrušila obrazy antických i evangelijních scén a zastavila tvorbu velkých děl - církevních a dekorativních maleb. Vlastně každý umělec měl alternativu – být originální nebo nebýt vůbec.
Pro národ měšťanů bylo nutné vytvořit umění, které by je oslovovalo, zobrazovalo je a bylo pro ně relevantní. Byli to praktičtí podnikatelé, kteří neměli sklony ke snění, s porušenými tradicemi a protiitalskými náladami. Dá se říci, že Nizozemci měli jednoduchý a odvážný úkol – vytvořit svůj vlastní portrét.
Nizozemská malba byla a mohla být pouze výrazem vnějšího vzhledu, věrným, přesným, podobným portrétem Holandska. Byl to portrét lidí a terénu, měšťanských zvyků, náměstí, ulic, polí, moře a nebe. Hlavními prvky holandské školy byly portréty, krajiny a každodenní scény. Takový byl tento obraz od počátku své existence až do úpadku.
Může se zdát, že nic nemůže být jednodušší než objev tohoto obyčejného umění. Ve skutečnosti je nemožné si představit něco, co by se mu vyrovnalo v šíři a novosti.
Okamžitě se vše změnilo ve způsobu chápání, vidění a předávání: úhel pohledu, umělecký ideál, volba přírody, stylu a metody. Italské a vlámské malířství ve svých nejlepších projevech jsou nám stále srozumitelné, protože je stále baví, ale to jsou již mrtvé jazyky a nikdo je už nebude používat.
Kdysi existoval zvyk myslet vznešeně a obecně, existovalo umění, které spočívalo v dovedném výběru předmětů. V jejich výzdobě, opravě. Rád ukazoval přírodu, jak ve skutečnosti neexistuje. Vše zobrazené víceméně odpovídalo osobnosti člověka, záviselo na ní a podobalo se jí. V důsledku toho vzniklo umění, ve kterém je člověk středem a všechny ostatní obrazy vesmíru byly buď ztělesněny v lidských podobách, nebo byly vágně zobrazeny jako sekundární prostředí člověka. Kreativita se vyvíjela podle určitých vzorců. Každý předmět si musel vypůjčit svou plastickou podobu ze stejného ideálu. Muž musel být zobrazován častěji nahý než oblečený, dobře stavěný a hezký, aby mohl hrát roli, která mu byla přidělena, s patřičnou vznešeností.
Nyní je úkol malování jednodušší. Bylo potřeba dát každé věci nebo jevu její pravý význam, postavit člověka na jeho správné místo a v případě potřeby se bez něj úplně obejít.
Je čas méně přemýšlet, pozorně se dívat na to, co je nejblíže, lépe pozorovat a psát jinak. Toto je obraz davu, občana, pracujícího člověka. Bylo třeba se uskromnit ke všemu skromnému, malému k malému, nenápadnému k nenápadnému, vše přijmout, aniž bych čímkoli zavrhoval či pohrdal, pronikat do skrytého života věcí, láskyplně splývajících s jejich existencí, bylo třeba být pozorný , zvídavý a trpělivý. Genialita nyní spočívá v nemít žádné předsudky. Není třeba nic přikrášlovat, zušlechťovat nebo odhalovat: to vše je lež a zbytečná práce.
Holandští malíři, tvořící v některém koutě severské země s vodou, lesy, mořskými horizonty, dokázali v miniaturách odrážet celý vesmír. Malá země, pečlivě prozkoumaná podle vkusu a instinktu pozorovatele, se promění v nevyčerpatelnou pokladnici, bohatou jako život sám, tak bohatou na vjemy, jako je na ně bohaté lidské srdce. Nizozemská škola takto roste a funguje už celé století.
Holandští malíři našli náměty a barvy, aby uspokojily jakékoli lidské sklony a náklonnosti, pro drsné a jemné povahy, vášnivé a melancholické, zasněné a veselé. Zatažené dny ustupují veselým slunečným dnům, moře je někdy klidné a jiskřivé stříbrem, jindy bouřlivé a ponuré. Podél pobřeží se tísní mnoho pastvin s farmami a mnoho lodí. A téměř vždy cítíte pohyb vzduchu nad rozlohami a silné větry od Severního moře, které vrší mraky, ohýbají stromy, roztáčí křídla mlýnů a ženou světlo a stíny. K tomu je třeba připočítat města, domácí a pouliční život, slavnosti na poutích, zobrazení různých mravů, nouzi chudých, hrůzy zimy, zahálky v krčmách s tabákovým kouřem a korbely piva. Na druhou stranu - bohatý životní styl, svědomitá práce, kavalkády, odpolední odpočinek, lov. Navíc - veřejný život, civilní obřady, rauty. Výsledkem bylo nové umění, ale s tématy starými jako čas.
Vznikla tak harmonická jednota ducha školy a nejúžasnější rozmanitost, která kdy vznikla v rámci jediného uměleckého hnutí.
Obecně se holandské škole říká žánrová škola. Rozložíme-li jej na dílčí prvky, pak v něm můžeme rozlišit krajináře, mistry skupinových portrétů, námořní malíře, malíře zvířat, umělce, kteří malovali skupinové portréty nebo zátiší. Když se podíváte podrobněji, můžete rozlišit mnoho žánrových odrůd – od milovníků malebnosti po ideology, od opisovačů přírody po její interprety, od konzervativních domácích pocestných, od těch, kteří milují a cítí humor, až po umělce, kteří se vyhýbají komedii. Vzpomeňme na obrazy Ostadeho humoru a vážnosti Ruisdaela, vyrovnanosti Pottera a výsměchu Jana Steena, vtipu Van de Veldeho a ponuré zasněnosti velkého Rembrandta.
S výjimkou Rembrandta, který musí být považován za výjimečný fenomén, jak pro svou zemi, tak pro všechny doby, se pak všichni ostatní nizozemští umělci vyznačují určitým stylem a metodou. Zákony pro tento styl jsou upřímnost, přístupnost, přirozenost a expresivita. Pokud z nizozemského umění odeberete to, co lze nazvat poctivostí, přestanete chápat jeho zásadní podstatu a nebudete schopni určit ani jeho morální charakter, ani jeho styl. V těchto umělcích, kteří si z velké části vysloužili pověst krátkozrakých opisovačů, cítíte vznešenou a laskavou duši, věrnost pravdě a lásku k realismu. To vše dává jejich dílům hodnotu, kterou věci na nich vyobrazené samy jakoby nemají.
Začátkem tohoto upřímného stylu a prvním výsledkem tohoto poctivého přístupu je dokonalá kresba. Mezi nizozemskými malíři je Potter projevem génia v přesných, ověřených měřeních a schopnosti vysledovat pohyb každé linie.
V Holandsku obloha často zabírá polovinu a někdy i celý obraz. Proto je nutné, aby se nebe na obrázku pohybovalo, přitahovalo a neslo nás s sebou. Aby byl cítit rozdíl mezi dnem, večerem a nocí, aby bylo cítit teplo a chlad, aby byl divák mrazivý a užíval si to a cítil potřebu se soustředit. I když je asi těžké nazvat takovou kresbu nejvznešenější ze všech, zkuste na světě najít umělce, kteří by namalovali nebe, jako Ruisdael a van der Neer, a svým dílem by řekli tolik a tak skvěle. Nizozemci mají všude stejný design - zdrženlivý, lakonický, přesný, přirozený a naivní, zručný a ne umělý.
Holandská paleta je docela hodná jejich kresby, odtud dokonalá jednota jejich malířské metody. Jakýkoli holandský obraz je snadno rozpoznatelný podle vzhledu. Je malé velikosti a vyznačuje se silnými, přísnými barvami. To vyžaduje od umělce velkou přesnost, pevnou ruku a hluboké soustředění, aby se dosáhlo soustředěného účinku na diváka. Umělec musí jít hluboko do sebe, aby mohl živit svou myšlenku, divák musí jít hluboko do sebe, aby pochopil plán umělce. Jsou to holandské malby, které dávají nejjasnější představu o tomto skrytém a věčném procesu: cítit, myslet a vyjadřovat. Na světě neexistuje bohatší obraz, protože jsou to Holanďané, kdo zahrnuje tolik obsahu na tak malý prostor. Proto zde vše nabývá přesné, stlačené a zhuštěné podoby.
Žádný holandská malba je konkávní, skládá se z křivek popsaných kolem jednoho bodu, který je ztělesněním konceptu obrazu a stínů umístěných kolem hlavního bodu světla. Pevná základna, běžící vršek a zaoblené rohy směřující ke středu - to vše je zvýrazněné, barevné a nasvícené v kruhu. Výsledkem je, že obraz získává hloubku a objekty na něm zobrazené se vzdalují od oka diváka. Divák je jakoby veden od popředí k poslednímu, od rámu k horizontu. Zdá se, že obýváme obraz, pohybujeme se, díváme se hluboko, zvedáme hlavu, abychom změřili hloubku oblohy. Přísnost letecké perspektivy, dokonalá korespondence barev a odstínů s místem v prostoru, které objekt zaujímá.
Pro úplnější pochopení holandské malby je třeba podrobně zvážit prvky tohoto pohybu, vlastnosti metod, povahu palety a pochopit, proč je tak chudá, téměř monochromatická a tak bohatá na výsledky. Ale všechny tyto otázky, stejně jako mnohé jiné, byly vždy předmětem spekulací mnoha historiků umění, ale nikdy nebyly dostatečně prostudovány a objasněny. Popis hlavních rysů nizozemského umění nám umožňuje odlišit tuto školu od ostatních a vysledovat její původ. Expresivním obrazem ilustrujícím tuto školu je obraz Adriaana van Ostadeho z amsterdamského muzea „Artist's Atelier“. Toto téma patřilo mezi oblíbené nizozemské malíře. Vidíme pozorného muže, mírně shrbeného, s připravenou paletou, tenkými, čistými štětci a průhledným olejem. Píše za šera. Jeho tvář je soustředěná, jeho ruka je opatrná. Jen snad byli tito malíři odvážnější a uměli se bezstarostněji smát a užívat si života, než lze usoudit z dochovaných obrazů. Jak by se jinak jejich genialita projevila v atmosféře profesionálních tradic?
Základ nizozemské školy položili van Goyen a Wijnants na začátku 17. století, když stanovili některé zákony malby. Tyto zákony se předávaly z učitelů na studenty a to po celé století nizozemští malířižil je, aniž by se odchýlil na stranu.
Holandská manýristická malba
"Měšťanské" baroko v holandském malířstvíXVII PROTI. – zobrazení každodennosti (P. de Hooch, Vermeer). "Luxusní" zátiší od Kalfa. Skupinový portrét a jeho rysy od Halse a Rembrandta. Výklad mytologických a biblických scén od Rembrandta.
Nizozemské umění 17. století
V 17. stol Holandsko se stalo vzorovou kapitalistickou zemí. Prováděla rozsáhlý koloniální obchod, měla silnou flotilu a stavba lodí byla jedním z předních průmyslových odvětví. Protestantismus (kalvinismus jako jeho nejtvrdší forma), který zcela vytlačil vliv katolické církve, vedl k tomu, že duchovenstvo v Holandsku nemělo takový vliv na umění jako ve Flandrech, a zejména ve Španělsku nebo Itálii. V Holandsku církev nehrála roli odběratele uměleckých děl: kostely nebyly vyzdobeny oltářními obrazy, protože kalvinismus odmítal jakýkoli náznak luxusu; Protestantské kostely byly architektonicky jednoduché a uvnitř nebyly nijak zdobené.
Hlavní výdobytek holandského umění 18. století. - v malířském stojanu. Člověk a příroda byli předmětem pozorování a zobrazování holandských umělců. Malování pro domácnost se stává jedním z předních žánrů, jehož tvůrci v historii dostali jméno „malí Holanďané“. Malování na evangelia a biblické příběhy je také zastoupena, ale ne v takové míře jako v jiných zemích. V Holandsku nikdy nebylo spojení s Itálií a klasické umění nehrálo takovou roli jako ve Flandrech.
Ovládnutí realistických trendů, rozvíjení určitého okruhu témat, diferenciace žánrů jako jeden proces byly završeny ve 20. letech 17. století. Nizozemská historie malba XVII PROTI. dokonale demonstruje vývoj práce jednoho z největších portrétistů v Holandsku Franse Halse (cca 1580-1666). V 10-30 letech Hals hodně pracoval v žánru skupinových portrétů. Z pláten těchto let vykukují veselí, energičtí, podnikaví lidé, jistí svými schopnostmi a budoucností („Střelecký cech sv. Adriana“, 1627 a 1633;
„Střelecký cech sv. Jiří", 1627).
Badatelé někdy nazývají Halsovy jednotlivé portréty kvůli zvláštní specifičnosti obrazu žánrovými. Hulseův útržkovitý styl, jeho odvážné psaní, kdy tah štětcem vyřezává tvar i objem a vyjadřuje barvu.
V portrétech Halse pozdní doby (50-60. léta) mizí bezstarostná zdatnost, energie a intenzita v postavách zobrazovaných osob. Ale bylo to v pozdním období kreativity, kdy Hals dosáhl vrcholu mistrovství a vytvořil nejhlubší díla. Barevnost jeho obrazů se stává téměř monochromní. Dva roky před svou smrtí, v roce 1664, se Hals znovu vrátil ke skupinovému portrétu. Maluje dva portréty regentů a regentů pečovatelského domu, v jednom z nich sám našel na sklonku života útočiště. V portrétu vladařů není duch kamarádství předchozích skladeb, modelky jsou nejednotné, bezmocné, mají tupé pohledy, ve tvářích je napsaná zkáza.
Halsovo umění mělo na svou dobu velký význam, ovlivnilo vývoj nejen portrétů, ale i každodenních žánrů, krajiny a zátiší.
Krajinářský žánr z Holandska XVII století obzvláště zajímavé. Holandsko zobrazuje Jan van Goyen (1596-1656) a Salomon van Ruisdael (1600/1603-1670).
Rozkvět krajinomalby v holandské škole spadá do poloviny 17. století. Největším mistrem realistické krajiny byl Jacob van Ruisdael (1628/29-1682), jeho díla jsou obvykle plná hlubokého dramatu, ať už zobrazuje lesní houštiny („Forest Swamp“),
krajina s vodopády („Vodopád“) nebo romantická krajina se hřbitovem („Židovský hřbitov“).
Ruisdaelova povaha se objevuje v dynamice, ve věčné obnově.
Animalistický žánr úzce souvisí s nizozemskou krajinou. Oblíbeným motivem Alberta Cuypa jsou krávy u napajedla („Západ slunce na řece“, „Krávy na břehu potoka“).
Zátiší dosahuje brilantního vývoje. Holandské zátiší je oproti vlámskému obrazem intimního charakteru, skromného co do velikosti i motivů. Pieter Claes (asi 1597-1661), Billem Heda (1594-1680/82) nejčastěji zobrazovali tzv. snídaně: pokrmy se šunkou nebo koláčem na poměrně skromně prostřeném stole. Khedovy „snídaně“ jsou nahrazeny Kalfovými luxusními „dezerty“. Jednoduché nádobí nahrazují mramorové stolky, kobercové ubrusy, stříbrné poháry, nádoby z perleťových mušlí, křišťálové sklenice. Kalf dosahuje úžasné virtuozity při přenášení textury broskví, hroznů a křišťálových povrchů.
Ve 20-30 letech 17. stol. Holanďané vytvořili zvláštní typ drobné malby malých figur. 40.-60. léta byla rozkvětem malby, oslavující klidný měšťanský život Holandska, měřenou každodenní existenci.
Adrian van Ostade (1610-1685) zpočátku zobrazuje stinné stránky života rolnictva („Boj“).
Od 40. let jsou satirické poznámky v jeho díle stále více nahrazovány humornými („Ve vesnické krčmě“, 1660).
Někdy jsou tyto malé obrazy kolorovány s velkým lyrickým cítěním. Ostadeův „Malíř v ateliéru“ (1663), v němž umělec oslavuje tvůrčí práci, je právem považován za mistrovské dílo Ostadeho malby.
Hlavním tématem „malých Holanďanů“ ale stále není život selský, ale život měšťanský. Obvykle se jedná o obrazy bez fascinující zápletky. Nejzábavnějším vypravěčem ve filmech tohoto druhu byl Jan Stan (1626-1679) („Revelers“, „Game of Backgammon“). Ještě většího mistrovství v tom dosáhl Gerard Terborch (1617-1681).
Interiér „malých Holanďanů“ se stává obzvláště poetickým. Skutečným zpěvákem tohoto tématu byl Pieter de Hooch (1629-1689). Jeho pokoje s pootevřeným oknem, s náhodně pohozenými botami nebo zanechaným koštětem, jsou často zobrazovány bez lidské postavy.
Nová etapa žánrové malby začíná v 50. letech a je spojena s tzv. delftskou školou se jmény takových umělců jako Carel Fabricius, Emmanuel de Witte a Jan Wermeer, známý v dějinách umění jako Wermeer z Delftu (1632-1675 ). Zdá se, že Vermeerovy obrazy nejsou nijak originální. Jsou to stejné obrazy zamrzlého měšťanského života: čtení dopisu, rozmlouvání gentlemana s dámou, služebné vykonávající jednoduché domácí práce, výhledy na Amsterdam nebo Delft. Tyto obrazy jsou jednoduché v akci: „Dívka čte dopis“,
"Pán a dáma u spinetu"
"Důstojník a smějící se dívka" atd. - jsou plné duchovní jasnosti, ticha a míru.
Hlavní přednosti Vermeera jako umělce jsou v přenosu světla a vzduchu. Rozpouštění předmětů ve světlovzdušném prostředí, schopnost vytvořit tuto iluzi, předurčilo především uznání a slávu Vermeera právě v 19. století.
Vermeer udělal něco, co v 17. století nikdo neudělal: maloval krajiny ze života („Ulice“, „Výhled na Delft“).
Lze je nazvat prvními ukázkami plenérové malby.
Vrcholem nizozemského realismu, výsledkem obrazových výdobytků nizozemské kultury v 17. století, je Rembrandtovo dílo. Harmens van Rijn Rembrandt (1606-1669) se narodil v Leidenu. V roce 1632 odešel Rembrandt do Amsterdamu, centra umělecké kultury v Holandsku, což mladého umělce přirozeně přitahovalo. 30. léta byla dobou jeho největší slávy, cestu k níž malíři otevřel velký objednaný obraz z roku 1632 – skupinový portrét, známý také jako „Anatomie doktora Tulpa“ nebo „Lekce anatomie“.
V roce 1634 se Rembrandt oženil s dívkou z bohaté rodiny, Saskiou van Uylenborch. Začíná nejšťastnější období jeho života. Stává se slavným a módním umělcem.
Celé toto období je zahaleno romancí. Rembrandtův pohled na svět těchto let nejzřetelněji vyjadřuje slavný „Autoportrét se Saskiou na kolenou“ (kolem roku 1636). Celé plátno je prostoupeno upřímnou radostí ze života a jásotem.
Barokní jazyk má nejblíže k vyjádření vysokých nálad. A Rembrandt byl v tomto období do značné míry ovlivněn italským barokem.
Postavy na obraze z roku 1635 „Abrahámova oběť“ se před námi objevují ze složitých úhlů. Kompozice je vysoce dynamická, postavená podle všech pravidel baroka.
Ve stejných 30. letech se Rembrandt poprvé začal vážně zabývat grafikou, především leptem. Rembrandtovy lepty jsou převážně biblické a evangelické náměty, ale ve svých kresbách se jako správný holandský umělec často obrací k žánru. Na přelomu raného období umělcovy tvorby a jeho tvůrčí zralosti se před námi objevuje jeden z jeho nejslavnějších obrazů, známý jako „Noční hlídka“ (1642) – skupinový portrét střelecké roty kapitána Banninga Cocka.
Rozšířil záběr žánru a podal spíše historický obraz: na poplachový signál se Banning Cockův oddíl vydává na kampaň. Někteří jsou klidní a sebevědomí, jiní jsou nadšeni očekáváním toho, co přijde, ale všichni nesou výraz všeobecné energie, vlasteneckého nadšení a triumfu občanského ducha.
Skupinový portrét namalovaný Rembrandtem se vyvinul do hrdinského obrazu éry a společnosti.
Obraz již potemněl natolik, že byl považován za zobrazení noční scény, odtud jeho nesprávný název. Stín, který vrhá postava kapitána na poručíkovo světlé oblečení, dokazuje, že není noc, ale den.
Se smrtí Saskie ve stejném roce 1642 došlo k Rembrandtově přirozenému rozchodu s patricijskými kruhy, které mu byly cizí.
40. a 50. léta jsou dobou tvůrčí zralosti. V tomto období se často obrací k předchozím dílům, aby je předělal novým způsobem. Tak tomu bylo například u „Danae“, kterou namaloval již v roce 1636. Tím, že se umělec obrátil k obrazu ve 40. letech, umocnil svůj emocionální stav.
Ústřední část s hrdinkou a služebnou přepsal. Dal Danae nové gesto zdvižené ruky a zprostředkoval jí velké vzrušení, výraz radosti, naděje, přitažlivosti.
Ve 40-50 letech Rembrandtovo mistrovství neustále rostlo. K interpretaci si vybírá ty nejlyričtější, nejpoetičtější aspekty lidské existence, onoho lidství, které je věčné, všelidské: mateřská láska, soucit. Písmo svaté mu poskytuje nejvíce materiálu az něj - výjevy ze života Svaté rodiny. Rembrandt zobrazuje jednoduchý život, obyčejné lidi, jako v obraze „Svatá rodina“.
Posledních 16 let je nejtragičtějšími roky Rembrandtova života; je zničený a nemá žádné příkazy. Ale tato léta byla plná úžasné tvůrčí činnosti, v jejímž důsledku vznikaly malebné obrazy, výjimečné svým monumentálním charakterem a duchovností, hluboce filozofická díla. I drobná Rembrandtova díla z těchto let vytvářejí dojem mimořádné velkoleposti a skutečné monumentality. Barva získává zvučnost a intenzitu. Jeho barvy jako by vyzařovaly světlo. Portréty pozdního Rembrandta se velmi liší od portrétů 30. a dokonce 40. let. Jedná se o extrémně jednoduché (poloviční či generační) obrazy lidí blízkých umělci svou vnitřní strukturou. Rembrandt dosáhl největší jemnosti charakterizace ve svých autoportrétech, kterých se k nám dostalo asi sto. Posledním dílem v historii skupinových portrétů bylo Rembrandtovo zobrazení starších soukenické dílny - tzv. „Sindics“ (1662), kde Rembrandt skrovnými prostředky vytvořil živé a zároveň odlišné lidské typy, ale co je nejdůležitější, dokázal zprostředkovat pocit duchovní jednoty, vzájemného porozumění a propojení mezi lidmi.
Během svých zralých let (převážně v 50. letech) vytvořil Rembrandt své nejlepší lepty. Jako lept nemá ve světovém umění obdoby. Ve všech mají obrazy hluboký filozofický význam; vyprávějí o záhadách existence, o tragédii lidského života.
Hodně kreslí. Rembrandt po sobě zanechal 2000 kreseb. Patří sem skici ze života, skici k obrazům a přípravy na lepty.
V poslední čtvrtině 17. stol. začíná úpadek holandské malířské školy, ztráta její národní identity a s začátek XVIII století znamená konec velké éry holandského realismu.
