Artistas americanos famosos del siglo XIX. pintura americana

Si crees que todos los grandes artistas pertenecen al pasado, entonces no tienes idea de lo equivocado que estás. En este artículo aprenderás sobre los más famosos y artistas talentosos modernidad. Y créanme, sus obras permanecerán en su memoria no menos profundamente que las obras de maestros de épocas pasadas.

Wojciech Babski

Wojciech Babski – moderno artista polaco. Terminó sus estudios en Silesia. Instituto Politécnico, pero se asoció con . Últimamente pinta principalmente mujeres. Se centra en la expresión de emociones, se esfuerza por obtener el mayor efecto posible utilizando medios sencillos.

Le encanta el color, pero suele utilizar tonos de negro y gris para lograr la mejor impresión. Sin miedo a experimentar con diferentes técnicas nuevas. Últimamente ha ido ganando popularidad en el extranjero, principalmente en el Reino Unido, donde vende con éxito sus obras, que ya se pueden encontrar en muchas colecciones privadas. Además del arte, le interesan la cosmología y la filosofía. Escucha jazz. Actualmente vive y trabaja en Katowice.

Warren Chang

Warren Chang es un artista estadounidense contemporáneo. Nacido en 1957 y criado en Monterey, California, se graduó con honores en el Art Center College of Design de Pasadena en 1981, donde recibió un BFA. Durante las siguientes dos décadas, trabajó como ilustrador para varias compañías en California y Nueva York antes de emprender una carrera como artista profesional en 2009.

Sus pinturas realistas se pueden dividir en dos categorías principales: pinturas biográficas de interiores y pinturas que representan a personas trabajando. Su interés por este estilo de pintura se remonta a la obra del artista del siglo XVI Johannes Vermeer y se extiende a sujetos, autorretratos, retratos de familiares, amigos, estudiantes, interiores de estudios, aulas y hogares. Su objetivo es pinturas realistas cree estado de ánimo y emoción mediante la manipulación de la luz y el uso de colores apagados.

Chang se hizo famoso después de pasarse a las bellas artes tradicionales. Durante los últimos 12 años, ha obtenido numerosos premios y honores, el más prestigioso de los cuales es el Master Signature de Oil Painters of America, la comunidad de pintura al óleo más grande de los Estados Unidos. Sólo una persona entre 50 tiene la oportunidad de recibir este premio. Warren actualmente vive en Monterey y trabaja en su estudio, y también enseña (conocido como un maestro talentoso) en la Academia de Arte de San Francisco.

Aurelio Bruni

Aurelio Bruni – artista italiano. Nacido en Blair, el 15 de octubre de 1955. Se licenció en escenografía en el Instituto de Arte de Spoleto. Como artista, es autodidacta, ya que de forma independiente “construyó una casa de conocimiento” sobre los cimientos de la escuela. Comenzó a pintar al óleo a los 19 años. Actualmente vive y trabaja en Umbría.

Las primeras pinturas de Bruni tienen sus raíces en el surrealismo, pero con el tiempo comienza a centrarse en la proximidad del romanticismo lírico y el simbolismo, realzando esta combinación con la exquisita sofisticación y pureza de sus personajes. Los objetos animados e inanimados adquieren la misma dignidad y parecen casi hiperrealistas, pero al mismo tiempo no se esconden detrás de una cortina, sino que te permiten ver la esencia de tu alma. Versatilidad y sofisticación, sensualidad y soledad, reflexión y fecundidad son el espíritu de Aurelio Bruni, alimentado por el esplendor del arte y la armonía de la música.

Aleksander Balos

Alkasander Balos es un artista polaco contemporáneo especializado en pintura al óleo. Nacido en 1970 en Gliwice, Polonia, pero desde 1989 vive y trabaja en Estados Unidos, en Shasta, California.

De niño estudió arte de la mano de su padre Jan, un artista y escultor autodidacta, por lo que temprana edad, la actividad artística recibió pleno apoyo de ambos padres. En 1989, a la edad de dieciocho años, Balos dejó Polonia hacia los Estados Unidos, donde Profesor de escuela y la artista a tiempo parcial Katie Gaggliardi animó a Alkasander a inscribirse en la escuela de arte. Luego, Balos recibió una beca completa para la Universidad de Milwaukee, Wisconsin, donde estudió pintura con el profesor de filosofía Harry Rozin.

Después de graduarse en 1995 con una licenciatura, Balos se mudó a Chicago para asistir a la Escuela de Bellas Artes, cuyos métodos se basan en la creatividad. Jacques-Louis David. Realismo figurativo y pintura de retrato formó la mayor parte del trabajo de Balos en los años 90 y principios de los 2000. Hoy Balos utiliza la figura humana para resaltar rasgos y mostrar defectos. existencia humana sin ofrecer ninguna solución.

Las composiciones temáticas de sus pinturas están destinadas a ser interpretadas de forma independiente por el espectador, sólo entonces las pinturas adquirirán su verdadero significado temporal y subjetivo. En 2005, el artista se mudó al norte de California, desde entonces el tema de su trabajo se ha expandido significativamente y ahora incluye métodos de pintura más libres, incluida la abstracción y varios estilos multimedia que ayudan a expresar ideas e ideales de existencia a través de la pintura.

Alyssa Monjes

Alyssa Monks es una artista estadounidense contemporánea. Nacido en 1977, en Ridgewood, Nueva Jersey. Empecé a interesarme por la pintura cuando aún era un niño. Estudió en la New School de Nueva York y Universidad Estatal Montclair y se graduó de Boston College en 1999 con un B.A. Al mismo tiempo, estudió pintura en la Academia Lorenzo de' Medici de Florencia.

Luego continuó sus estudios en el programa de maestría de la Academia de Arte de Nueva York, en el departamento de Arte Figurativo, graduándose en 2001. Se graduó de Fullerton College en 2006. Durante algún tiempo dio conferencias en universidades e instituciones educativas de todo el país, enseñando pintura en la Academia de Arte de Nueva York, así como en la Universidad Estatal de Montclair y la Lyme Academy of Art College.

“Usando filtros como vidrio, vinilo, agua y vapor, distorsiono cuerpo humano. Estos filtros le permiten crear grandes áreas diseño abstracto, con islas de color asomando: partes del cuerpo humano.

mis cuadros cambian aspecto moderno a las posturas y gestos tradicionales ya establecidos de las mujeres que se bañan. Podrían decirle mucho a un espectador atento sobre cosas aparentemente evidentes como los beneficios de nadar, bailar, etc. Mis personajes se presionan contra el cristal de la ventana de la ducha, distorsionando sus propios cuerpos, dándose cuenta de que así influyen en la notoria mirada masculina sobre una mujer desnuda. Se mezclan gruesas capas de pintura para imitar el vidrio, el vapor, el agua y la carne desde lejos. Sin embargo, de cerca, lo sorprendente propiedades físicas pintura de aceite. Al experimentar con capas de pintura y color, encuentro un punto en el que las pinceladas abstractas se convierten en algo más.

Cuando comencé a pintar el cuerpo humano, inmediatamente quedé fascinado e incluso obsesionado con él y creí que tenía que hacer mis pinturas lo más realistas posible. “Profesé” el realismo hasta que empezó a desmoronarse y revelar contradicciones en sí mismo. Ahora estoy explorando las posibilidades y el potencial de un estilo de pintura donde la pintura representacional y la abstracción se encuentran; si ambos estilos pueden coexistir al mismo tiempo, lo haré”.

Antonio Finelli

Artista italiano – “ Observador del tiempo”- Antonio Finelli nació el 23 de febrero de 1985. Actualmente vive y trabaja en Italia entre Roma y Campobasso. Sus obras han sido expuestas en varias galerías de Italia y del extranjero: Roma, Florencia, Novara, Génova, Palermo, Estambul, Ankara, Nueva York, y también se pueden encontrar en colecciones públicas y privadas.

Dibujos a lápiz " Observador del tiempo"Antonio Finelli nos lleva a un viaje eterno a través mundo interior la temporalidad humana y el análisis escrupuloso asociado de este mundo, cuyo elemento principal es el paso del tiempo y las huellas que deja en la piel.

Finelli pinta retratos de personas de cualquier edad, género y nacionalidad, cuyas expresiones faciales indican el paso del tiempo, y el artista también espera encontrar evidencia de la crueldad del tiempo en los cuerpos de sus personajes. Antonio define sus obras con un título general: “Autorretrato”, porque en sus dibujos a lápiz no sólo representa a una persona, sino que permite al espectador contemplarla. resultados reales el paso del tiempo dentro de una persona.

Flaminia Carloni

Flaminia Carloni es una artista italiana de 37 años, hija de un diplomático. Ella tiene tres niños. Vivió en Roma durante doce años y tres años en Inglaterra y Francia. Se licenció en historia del arte en la BD School of Art. Luego se graduó como restauradora de arte. Antes de encontrar su vocación y dedicarse por completo a la pintura, trabajó como periodista, colorista, diseñadora y actriz.

La pasión de Flaminia por la pintura surgió desde pequeña. Su principal medio es el óleo porque le encanta “peinar la paté” y también jugar con el material. Reconoció una técnica similar en las obras del artista Pascal Torua. Flaminia se inspira en grandes maestros de la pintura como Balthus, Hopper y François Legrand, así como en diversos movimientos artísticos: street art, realismo chino, surrealismo y realismo del Renacimiento. El favorito de ella artista caravaggio. Su sueño es descubrir el poder terapéutico del arte.

Denis Chernov

Denis Chernov es un talentoso artista ucraniano, nacido en 1978 en Sambir, región de Lviv, Ucrania. Después de graduarse de Jarkov escuela de Arte en 1998 permaneció en Jarkov, donde vive y trabaja actualmente. También estudió en Jarkov. academia estatal diseño y artes, departamento de gráfica, graduado en 2004.

Participa regularmente en exposiciones de arte, este momento Más de sesenta de ellos tuvieron lugar tanto en Ucrania como en el extranjero. La mayoría de las obras de Denis Chernov se conservan en colecciones privadas en Ucrania, Rusia, Italia, Inglaterra, España, Grecia, Francia, Estados Unidos, Canadá y Japón. Algunas de las obras se vendieron en Christie's.

Denis trabaja en una amplia gama de técnicas gráficas y pictóricas. Los dibujos a lápiz son uno de sus métodos de pintura favoritos, una lista de sus temas. dibujos a lapiz también es muy diverso, pinta paisajes, retratos, desnudos, composiciones de género, ilustraciones de libros, reconstrucciones y fantasías literarias e históricas.

"Los libros me dan una gran sensación de satisfacción personal y creativa. Cuando estoy trabajando en un libro, desearía que el teléfono nunca sonara. Mi satisfacción proviene de hacer marcas en el papel".

La ilustradora estadounidense de libros infantiles Pinkney Jerry nació el 22 de diciembre de 1939 en Germantown. EN escuela secundaria Su amor y talento por el dibujo fueron notados por el dibujante John Liney, quien lo animó a seguir una carrera como artista. Después de graduarse de la Escuela Vocacional Dobbins, Pinkney recibió una beca completa para estudiar en el Philadelphia Museum College of Art. Más tarde se mudó a Boston, donde trabajó en diseño e ilustración, y finalmente abrió su propio estudio, Jerry Pinkney Studio, y luego se mudó a Nueva York. Pinkney Jerry todavía vive y trabaja en Nueva York a lo largo de los años. carrera creativa Dirigió seminarios en la Universidad y escuelas de arte de todo el país.

"Quería mostrar lo que un artista afroamericano puede hacer en este país a nivel nacional en Bellas Artes. quiero ser fuerte modelo a seguir para mi familia y para otros afroamericanos".

Alena Vantiaeva

Americano pintura de paisaje El siglo XIX estuvo representado por dos movimientos principales: el romanticismo y el realismo. Con la anexión de nuevos territorios a los Estados Unidos de América, incluido el movimiento de colonos hacia Occidente, se abrieron para los artistas horizontes de inspiración previamente desconocidos. La representación de la naturaleza americana y su identidad nacional se convirtió en el tema principal del arte paisajístico.

Una de las escuelas de pintura más famosas e influyentes de los Estados Unidos en el siglo XIX fue la Escuela del Río Hudson, formada en la década de 1850 por seguidores de la obra del paisajista Thomas Cole (el apogeo de su obra se produjo entre los años 20 y 40). del siglo XIX). La Escuela incluía principalmente artistas de la Academia Nacional de Artes de Nueva York, así como otros. asociaciones creativas. Las pinturas de los artistas de la Escuela de Hudson y su visión estética del mundo estuvieron influenciadas por el movimiento romántico en el arte. El motivo principal del trabajo de más de 50 de sus representantes fue la imagen de la vida silvestre estadounidense, a menudo mostrada bajo una luz idealista. La mayoría de las veces, el valle de Hudson y sus alrededores, así como las montañas, se convirtieron en los objetos de la imagen. Era más probable que la Escuela Hudson uniera a personas inspiradas por una idea común que una institución educativa.

Las pinturas de los artistas de la Escuela del Río Hudson no solo representaban la belleza de la naturaleza estadounidense, sino que también tenían un cierto carácter temático. Los lienzos representaban escenas del descubrimiento, exploración y asentamiento del continente americano. Una de las características de la representación del paisaje americano fue la increíblemente armoniosa y pacífica convivencia entre el hombre y la naturaleza. En las obras de los artistas, la naturaleza fue representada como un estándar de pureza y virginidad, y se enfatizó la divinidad de su origen.

Mayoría artistas destacados Albert Bierstadt (1830-1902) y Frederic Edwin Church (1826-1902) se consideran escuelas del río Hudson.

Entre los más sorprendentes y Pinturas famosas, escrito por Church y enfatizando la belleza natural del agua, las montañas y el cielo, podemos mencionar “Cataratas del Niágara” y “Corazón de los Andes”.

“Cataratas del Niágara”, 1857, Galería de Arte Corcoran en Washington D.C.

“Corazón de los Andes” 1859, Museo Metropolitano de Arte Nueva York

El artista estadounidense de raíces alemanas Albert Bierstadt sorprendió al público con sus paisajes montañosos plasmados en enormes lienzos. Una de las pinturas más impresionantes del artista es "Montañas Rocosas".

“Las Montañas Rocosas” de Albert Bierstadt, 1863, Museo Metropolitano, Nueva York

En oposición a la percepción idealista del mundo circundante, los artistas de la Escuela Hudson actuaron arte realista Winslow Homero (1836-1910). También estudió en la Academia Nacional de las Artes, pero las realidades de mediados del siglo XIX se convirtieron en el tema de las imágenes de sus lienzos. Durante Guerra civil En Estados Unidos (1861-1865) Homero fue un artista de guerra. El hecho de su participación en operaciones militares influyó en la veracidad de la representación de escenas militares. Uno de los más famosos es su cuadro "Prisioneros del frente". Después del final de la guerra, W. Homer pintó lienzos inspirándose en la vida cotidiana. vida pacifica Sin embargo, también encontró en él historias interesantes.

“Prisioneros desde el Front” de W. Homer, 1866, Museo Metropolitano de Nueva York

El siglo XIX trajo consigo pruebas difíciles para el pueblo estadounidense. Sin embargo, a pesar de todas las dificultades para reconstruir la sociedad estadounidense, se ganó mucho. Con la inclusión de nuevos territorios en los Estados Unidos, se abrieron a la gente nuevos espacios y bellezas del suelo estadounidense, y los acontecimientos de la Guerra Civil proporcionaron a la gente “elementos para reflexionar”. Las experiencias del pueblo estadounidense no pudieron evitar reflejarse en el arte. Probablemente esta sea la razón por la que la pintura de paisajes estadounidense alcanzó su apogeo en el siglo XIX.

En 1776, Estados Unidos declaró su independencia y, a partir de ese momento, comenzó el desarrollo de las bellas artes nacionales, cuyo objetivo era reflejar la historia del país.

Artistas del siglo XVIII. La mayoría fueron autodidactas y se basaron en el estilo del arte británico.
Y en el siglo XIX. Ya se había creado la primera escuela de pintura: la Escuela del Río Hudson.

Escuela del río Hudson

Hudson River School era el nombre del grupo. artistas americanos-pintores de paisajes. Su trabajo se desarrolló en el estilo del romanticismo. Las pinturas representaban el valle del río Hudson y sus alrededores. Artistas representados con mayor frecuencia. fauna silvestre América y cuestionó la viabilidad del progreso tecnológico.

Thomas Cole "Oxbow" (1836). Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
La Escuela del Río Hudson no era un fenómeno homogéneo en la pintura de esa época: por ejemplo, había una rama del estilo del impresionismo, que se llamaba luminismo. Luminismo gran atención prestó atención a la percepción de la luz por parte del artista. El luminismo se diferencia del impresionismo en que aquí se presta más atención a los detalles y se realiza una pincelada oculta. Pero en general estos dos estilos son similares.

Fitz Henry Lane "Barco en la niebla" (1860)
El fundador de la Escuela fue el artista Thomas Cole. Partió hacia el río Hudson en el otoño de 1825. Luego se le unió su amigo cercano Asher Brown Durand. Otros artistas de la Escuela:

Alberto Bierstadt
Juan Guillermo Casilier
Iglesia Federico Edwin
Thomas Cole
Samuel Coleman
Jasper Francis Cropsey
Thomas Doty
Robert Scott Duncanson
Sanford Robinson
James McDougal Hart
Guillermo Hart
William Stanley Haseltine
Martin Johnson Hedy et al.

Las pinturas de los artistas de la Escuela Hudson se caracterizaron por la sencillez y la espontaneidad.

Thomas Cole (1801-1848)

Thomas Cole nació en Inglaterra. En 1818, su familia emigró a Estados Unidos. Cole aprendió los conceptos básicos de su profesión del retratista viajero Stein. Pero el retrato no le tuvo éxito y empezó a pintar paisajes. También tuvo éxito en pinturas alegóricas, por ejemplo, la serie "El viaje de la vida", que consta de pinturas sobre cuatro períodos de la vida de una persona: infancia, juventud, madurez y vejez. Este ciclo se almacena en el Registro Nacional galería de arte(Washington, EE.UU.)

T. Cole "Infancia"
En el primer cuadro, el artista representó a un niño en un barco flotando en el río de la vida. Este barco está gobernado por un ángel, porque... El niño aún no es capaz de independizarse. Sus horizontes, como en el cuadro, son limitados. La figura en la proa del barco sostiene un reloj de arena, que simboliza el tiempo.

T. Cole "Juventud"
El mismo barco, pero ya hay un joven en él. Él ya controla el barco por su cuenta, pero el ángel todavía no lo abandona: lo observa desde la orilla.

El ángel sigue observando al hombre, pero él está inmerso en sus propios problemas que lo abruman; esto se ve acentuado por el colorido sombrío del cuadro, los árboles caídos por la tormenta...

T. Cole "Vejez"
Y ahora camino de la vida el hombre está llegando a su fin. La figura del reloj de arena ya no está en el barco: el tiempo de la vida terrenal ha terminado. Y el barco quedó completamente decrépito...
Un ángel de la guarda descendió hasta él para guiarle en su camino hacia otro mundo, y otros ángeles eran visibles a lo lejos. Cole dijo sobre esta imagen: “Las cadenas de la existencia corporal desaparecen y la mente ya puede vislumbrar destellos de la vida eterna”.

Winslow Homero (1836-1910)

Foto de 1880
Artista y artista gráfico estadounidense, fundador de la pintura realista. Mejor conocido por sus paisajes marinos. Pintó al óleo y acuarela. Su obra influyó en todo el desarrollo posterior de la pintura americana.
Homero estuvo influenciado por varios movimientos artísticos, pero se basó principalmente en temas puramente americanos.
su pintura período temprano- luminoso y sereno, y el último período se caracteriza por tonos oscuros y temas trágicos.

W. Homer “Señal de niebla”. Museo de Boston Bellas Artes(EE.UU)
El tema del cuadro es la lucha del hombre con el mar, la relación entre frágiles vida humana y naturaleza eterna.

Thomas Cowperthwaite Eakins (Akins) (1844-1916)

Artista, fotógrafo, docente y destacado representante de la pintura realista estadounidense.

T. Eakins. Autorretrato (1902)
Se graduó en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania y mejoró sus habilidades en Europa, principalmente en París, bajo la dirección de Jean Leon Gerome. Enseñó en la Academia de Bellas Artes y fue su director.
Prestó gran atención al estudio y representación de la desnudez, mostrando un librepensamiento, por lo que fue despedido. En las pinturas y fotografías de Eakins, el cuerpo desnudo y semidesnudo ocupa un lugar central. Posee muchas imágenes de deportistas. Eakins estaba particularmente interesado en transmitir los movimientos del cuerpo humano.

T. Eakins "Natación" (1895)
Pintó retratos en un entorno de múltiples figuras.
La obra más famosa es “La Clínica Gross”.

T. Eakins "Clínica bruta" (1875)
La pintura muestra al famoso cirujano de Filadelfia Samuel Gross, que dirige una operación frente a los estudiantes de la academia de medicina. El artista retrata al Dr. Gross como un genio del pensamiento humano, pero la imagen sorprendió a sus contemporáneos por su realismo.
T. Eakins también es conocido por una serie de retratos importantes, incluido un retrato del poeta y publicista estadounidense Walt Whitman (1887-1888), que el propio poeta consideraba el mejor.

T. Eakins. Retrato de Whitman (1887)

James Abbott McNeill Whistler (1834-1903)

Artista, retratista, grabador y litógrafo angloamericano. Predecesor del impresionismo y el simbolismo.

D. Whistler. Auto retrato. Instituto de Arte (Detroit)
Nacido en Lowell, Massachusetts. Su padre, George Washington Whistler, un famoso ingeniero ferroviario, fue invitado a construir carreteras en Rusia en 1842 y diseñó la Nikolaevskaya; ferrocarril. En Rusia, James asistió a la Academia de las Artes. En Estados Unidos estudió en una escuela militar, pero fue expulsado por bajo rendimiento académico.

D. Whistler “Arreglo en gris y negro. La madre del artista (1871). Museo de Orsay (París)
Esto es lo más obra famosa James Whistler.
Estudió pintura en París y luego en Venecia (estudió bocetos en acuarela y grabados).
En el primer período de su obra, Whistler estuvo cerca del impresionismo en su deseo de capturar la primera impresión de un objeto: un paisaje o una persona. Pero en muchas cuestiones no estaba de acuerdo con los impresionistas: no aprobaba el culto al plein air y pensaba de antemano en la tonalidad del color. EN trabajos posteriores Whistler utiliza pinturas transparentes muy diluidas, parecidas a las acuarelas, que transmiten la sensación de movilidad inestable del entorno atmosférico.

D. Whistler “Sinfonía en el océano gris y verde” (1866-1872)

género cotidiano

Gran desarrollo de la pintura americana del siglo XIX. recibió género cotidiano. En un principio este género se basó en la imagen. vida provinciana con cartas, bailando, etc.

Eastman Johnson, La felicidad de una diligencia abandonada (1871)
Pero después del inicio de la revolución industrial y la urbanización en los Estados Unidos, los artistas comenzaron a representar la vida de los residentes de las grandes ciudades.

John Gast "Progreso americano" (hacia 1872)
La pintura representa una Colombia alegórica con un libro de texto en las manos. Ella lidera la civilización hacia el oeste junto con los colonos estadounidenses, extendiendo una línea telegráfica a lo largo del camino. La imagen muestra diferentes tipos actividades económicas de los primeros pobladores, historia del transporte. Se representan indios y animales salvajes huyendo de los colonos.

"Escuela del cubo de basura"

En principios del siglo XIX y siglos XX Estados Unidos experimentó un rápido crecimiento de las grandes ciudades. Las cámaras de esa época aún no podían usarse para fotografiar rápidamente los incidentes, por lo que los periódicos contrataron artistas para las ilustraciones. Esto formó la Escuela Garbage Pail, que incluía a Robert Henry, Glenn Coleman, Jerome Myers y George Bellows. Los principales objetos de los bocetos del estudio fueron las calles con sus representantes típicos: niños de la calle, prostitutas, artistas callejeros e inmigrantes. Los orígenes, la educación y las opiniones políticas de estos artistas variaron. Pero Robert Henry creía que la vida y las actividades de los pobres, el proletariado y la clase media son dignas de plasmarse en la pintura: estas son las realidades de la época.

George Bellows "La ayuda de la enfermera Edith Cavell" (1918)
“The Garbage Pail School” revolucionó las artes visuales de Estados Unidos, fue la precursora

A principios de los siglos XIX y XX, cuando la pintura estadounidense estaba dominada por dos movimientos respetados y de éxito comercial: el impresionismo y el realismo académico, surgió y se hizo más fuerte el deseo de algunos artistas de reflejar el mundo real. vida moderna la ciudad con sus momentos a veces crueles, representan la vida sin adornos de las afueras de la ciudad, los niños de la calle, las prostitutas, los alcohólicos, la vida en los edificios de apartamentos. Creían que la pintura podía ser afín al periodismo, aunque muchos de estos artistas eran apolíticos y no se limitaban a reflejar los males y la pobreza de la vida urbana.

“...Amaba mucho las ciudades, amaba las majestuosas río rápido,
Todas las mujeres, todos los hombres que reconocí estaban cerca de mí...
... Y viví en el mundo, amaba Brooklyn, lleno de colinas, era mío,
Y deambulé por Manhattan y nadé en las aguas saladas que bañaban la isla ... "
(Walt Whitman. Hojas de hierba. En el ferry de Brooklyn.)

El ideólogo de este movimiento, Robert Henry, fanático de la poesía de Walt Whitman, exigía a sus alumnos que sus “colores fueran tan reales como la tierra, como trozos de excremento de caballo y nieve en invierno en Broadway”. Debido a su predilección por estos temas, este movimiento recibió el sobrenombre de “escuela del cubo de basura” o “escuela del cubo de basura”, que se mantuvo y se utiliza en la literatura de historia del arte. Este movimiento fue recibido con hostilidad por muchos críticos; después de la primera exposición, uno de ellos, bajo el seudónimo de “Joyero”, escribió: “La vulgaridad golpea los ojos en esta exposición... ¿Podría ser? hermoso arte, mostrando nuestras llagas? La Garbage Pail School se identifica en ocasiones con el Grupo de los Ocho, aunque no todos (sólo 5) de sus miembros formaban parte de él, y tres artistas, Davis, Lawson y Prendergast, actuaron con un estilo completamente diferente.

Roberto Enrique(Cozad), (1865-1929), artista, profesor, inspirador de la “Escuela del Pail de Basura” y organizador del grupo “Ocho”,

Nacido en Cincinnati en el seno de una familia de promotores inmobiliarios y jugadores. En una escaramuza por la propiedad de la tierra, el padre disparó a su oponente y huyó a Denver, donde más tarde se mudó toda la familia, cambiando su nombre y apellido. Después de estudiar durante dos años en la Academia de Bellas Artes de Filadelfia, el joven Robert fue a París, a la Académie Julien, para estudiar con académicos realistas.

Después de un viaje a Italia, regresó a Filadelfia y comenzó a enseñar en la Escuela de Diseño para Mujeres, siendo considerada una maestra nata. A la edad de treinta años, Henry tuvo la idea de la necesidad de desarrollar una dirección en la pintura que combinara realismo y elementos del impresionismo, y lo llamó "nuevo academicismo".

Sus amigos y seguidores no se consideraban unidos grupo organizado, pero una exposición en la Galería Macbeth de Nueva York en 1908 atrajo la atención sobre los artistas del nuevo movimiento y les dio fama. En 1910, Henry, con la ayuda de Sloan, organizó una exposición de artistas independientes, en la que sólo se vendieron unas pocas pinturas. Los artistas de esta dirección ya estaban siendo reemplazados por el nuevo arte moderno, cuyo heraldo y "padre" era Robert Henry; puede ser considerado.

Los años siguientes le dieron popularidad a Henry; pasó mucho tiempo en Irlanda y Santa Fe, enseñó en la Liga de Estudiantes de Nueva York y gran influencia desarrollar la dirección modernista entre sus estudiantes artistas. En 1929 fue nombrado uno de los tres mejores artistas americanos vivos por el Consejo de las Artes de Nueva York. Los elementos clásicos de su estilo en el retrato son una pincelada poderosa, colores intensos y efectos de iluminación, un reflejo de la individualidad y las cualidades espirituales de una persona.

Juan francés Sloan(1871-1951), uno de los fundadores de la Escuela Garbage Pail, miembro de los Ocho, artista y grabador.

Su padre tenía habilidad artística y animó a sus hijos a NIñez temprana para dibujar. Comenzó a trabajar temprano debido a la enfermedad de su padre, y su trabajo como dependiente de una librería le dejó mucho tiempo libre para leer, dibujar y copiar obras de Durero y Rembrandt, a quienes admiraba. También empezó a hacer grabados y a venderlos en una tienda, y sus tarjetas y calendarios fueron un éxito. Posteriormente trabajó como ilustrador y comenzó a tomar clases nocturnas en la Academia de Bellas Artes de Filadelfia, donde conoció a Robert Henry, quien lo convenció de dedicarse a la pintura.

Su difícil historia vida familiar(el alcoholismo y la inestabilidad mental de su esposa, una ex prostituta a quien conoció en un burdel), interfirieron con su creatividad, y aunque pintó casi 60 cuadros en 1903, todavía no tenía nombre en el mundo del arte y vendió poco de su trabajar. Tras mudarse a Nueva York, trabajó a tiempo parcial en revistas, dibujó caricaturas políticas, ilustró libros, participó en una exposición en la Galería Macbeth y luego organizó una exposición itinerante;

Por el resto de su vida, Sloan fue fiel. ideas socialistas, lo que ciertamente se reflejó en su obra, pero objetó categóricamente las declaraciones de los críticos sobre la orientación social consciente de su pintura.

A finales de los años 20, Sloan cambió no sólo la técnica, sino también los temas de sus pinturas a favor de desnudos y retratos, a menudo utilizando pintura base y sombreado, y nunca más alcanzó la popularidad que su obras tempranas.

William J. Glakkens(1870-1938), también uno de los fundadores de la Garbage Pail School, nació en Filadelfia, donde vivieron muchas generaciones de su familia. Su hermano y su hermana también se convirtieron en artistas. El propio William, que mostró habilidades artísticas cuando aún estaba en la escuela, trabajó después de graduarse como artista para periódicos, asistió a un curso nocturno en la Academia de Bellas Artes, donde conoció al joven Sloan, quien le presentó a Robert Henry.

En 1895, Glakkens viajó con un grupo de artistas por Europa, admiró las pinturas de los grandes "holandeses", y en París conoció por primera vez el arte de los impresionistas, luego, a lo largo de su vida, fue a menudo a pintar a París y a Sur de Francia. Después de regresar a Estados Unidos, Glakkens se instaló en Nueva York y participó activamente en actividades de exposición"Escuelas de cubos de basura" y grupos de ocho.

La dirección impresionista es cada vez más evidente en su obra, incluso se le llama el “Renoir americano”, y a diferencia de Sloan, no era un “cronista social”, sino un artista “puro”, para quien la forma artística, el color y la sensualidad eran de importancia. primordial importancia. Su paleta se ilumina con los años, sus temas cambian de significado, predominan los paisajes, las escenas de playa y, al final de su vida, las naturalezas muertas y los retratos.

Su arte no refleja problemas sociales día, la época de la Gran Depresión, más bien todo lo contrario: “sus pinturas están llenas del fantasma de la felicidad, está obsesionado con la contemplación de la alegría” (Leslie Keith, “The Constancy of William Glackens, 1966).

George Benjamín Lax(1867-1933) nació en Williamsport en la familia de un farmacéutico, su madre era artista y músico aficionada. Después de mudarse a allí. pequeño pueblo En el sur de Pensilvania, cerca de los yacimientos de carbón, George vio la pobreza desde temprana edad y aprendió lecciones de compasión de sus padres, que ayudaban a las familias de los mineros.

Inició su vida laboral en adolescencia, trabajando con su hermano en vodevil, pero muy pronto se dio cuenta de que quería ser artista. Después de un breve estudio en la Academia de Bellas Artes, viajó a Europa, estudió diversos escuelas de arte Se hizo fanático del español y pintura holandesa(especialmente Velázquez y Frans Hals) y las técnicas de Manet. Al regresar a Filadelfia, Lax trabaja como ilustrador para un periódico, conoce a Glackens, Sloan y Shinn, participa en encuentros intelectuales con Robert Henry y, tras mudarse a Nueva York y trabajar como artista para la revista Pulitzer, comienza a dedicar más tiempo a la pintura. .

Participa en la Escuela Garbage Pail y el Grupo de los Ocho, contribuye a debates sobre el Nuevo Realismo y pinta extensamente, representando la vida de los inmigrantes, su diversidad étnica, dibujando material del Lower East Side y Brooklyn. Además de pinturas sobre la vida de Nueva York, Lax pintó paisajes y retratos; era considerado un maestro del color fuerte y los efectos de luz.

Lax era una personalidad original, un rebelde nato, orgulloso de que quienes lo rodeaban lo consideraban un “chico malo”. arte americano, creó mitos sobre sí mismo, a menudo se emborrachaba hasta perder el conocimiento, era alcohólico y finalmente fue encontrado muerto en la entrada como resultado de una pelea doméstica.

Everett Shinn(1876-1953), nacido en Woodstown en una familia de agricultores cuáqueros.

Sus tempranas habilidades le permitieron comenzar a estudiar seriamente los conceptos básicos del dibujo a la edad de 15 años, tomar lecciones en la Academia de Bellas Artes un año después y, a la edad de 17 años, comenzar a trabajar como artista a tiempo completo en periódicos. En 1897, tras mudarse a Nueva York, el joven Shinn pronto ganó fama como uno de los talentosos realistas que representan vida en la ciudad, violencia callejera, accidentes e incendios.

Después de viajar con su esposa por Europa, Shinn comenzó a explorar nuevos temas (teatro, ballet) y elementos impresionistas en la pintura. Es el único de la "Escuela Garbage Pail" y del "Grupo de los Ocho" que tiene muchas obras en pasteles, así como murales no solo en los apartamentos de la élite de Manhattan, sino también 18 murales para el famoso Teatro Broadway Belasco. . Shinn creía que "era un miembro accidental de los ocho" sin posición política y comprometido vida social, pero reflejando un pedazo de la realidad americana de principios del siglo XX con un espíritu realista y romántico.

Se supone que Everett Shinn sirvió como prototipo del artista Eugene Whittle en la novela "Genius" de T. Dreiser.

Ernesto Lawson(1873-1939), nacido en Halifax, llegó a Estados Unidos, vivió primero en Kansas City y luego en Nueva York, estudió en la Art Students League con Touktman, quien lo introdujo en el impresionismo.

En Francia, mientras estudiaba en la Academia Julien, se interesó por la pintura al aire libre y conoció a Sisley y Somerset Maugham. Al regresar a Estados Unidos, Lawson desarrolló su propio estilo estético, rayano en el impresionismo y el realismo, y ha sido llamado "el último impresionista de Estados Unidos".

Viaja mucho por el país, pinta paisajes desiertos, se reúne con los artistas de la “Escuela de Basura” y se convierte en miembro del grupo “Ocho”, pero a diferencia de ellos evita el drama al representar la vida de la ciudad y, después de participar en el exposición de arte contemporáneo “Armory Show”, no rechaza las tendencias realistas e impresionistas, muestra interés por el postimpresionismo, en particular por Cézanne.

El trabajo de Lawson no es tan conocido como el de sus otros contemporáneos, pero Robert Henry lo consideraba "el mejor paisajista desde Winslow Hommer". Se ahogó en circunstancias misteriosas mientras nadaba en Miami Beach.

George Wesley Bellows(1882-1925), era el difunto y único hijo de la hija del capitán de un barco ballenero. En la Universidad Estatal de Ohio, estudió y jugó con éxito béisbol y baloncesto mientras ilustraba el anuario universitario. Soñaba con convertirse en jugador de béisbol profesional y trabajaba como ilustrador para revistas; En 1904, sin graduarse de la universidad, Bellows se mudó a Nueva York, ingresó en la Escuela de Arte, se unió a los artistas de la Garbage Pail School y del Group of Eight y alquiló su propio estudio en Broadway.

Participar en exposiciones con los alumnos de Robert Henry y enseñar en la Art Students League le dio fama, aunque muchos críticos consideraron su trabajo "tosco" no sólo en el tema, sino también en el estilo.

Continuando con los temas de la vida urbana y los deportes en su obra, Bellows también comenzó a recibir encargos de retratos de la élite adinerada, y en el verano pintó paisajes marinos en Maine.

Estaba muy politizado, tenía opiniones socialistas e incluso anarquistas y trabajaba como ilustrador para una revista socialista. En 1918, creó una serie de grabados y pinturas que representan las atrocidades cometidas por los soldados alemanes durante la invasión de Bélgica.

Bellows también hizo importantes contribuciones a la litografía e ilustró muchos libros, incluidas varias ediciones de H. G. Wells. Murió a la edad de 42 años a causa de peritonitis tras una operación fallida, dejando atrás esposa, dos hijas y un gran número de pinturas y grabados se encuentran ahora en muchos de los principales museos estadounidenses.

Los siguientes dos artistas no pueden atribuirse completamente ni a la “Escuela de Basura” ni al grupo “Ocho”; están más cerca del movimiento modernista, están más abiertos a la experimentación y su trabajo se puede ver; con buena razón considerada una etapa de transición al postimpresionismo.

Arthur Bowen-Davis(1853-1928), ya a la edad de 15 años participó en exposición itinerante en su ciudad, organizado por miembros de la Hudson River School. Después de que su familia se mudó a Chicago, estudió en la Academia de Diseño y, después de mudarse a Nueva York, estudió en la Art Students League y trabajó como ilustrador para una revista.

Complejo Circunstancias familiares(La infidelidad de Davis, la presencia de una segunda esposa ilegítima y un hijo ilegítimo) dejaron una huella en su comportamiento y carácter reservado, pero ya en el primer año después de su matrimonio, las pinturas de Davis comenzaron a venderse con éxito y los viajes regulares a Europa y el Las obras de Corot y Millet le ayudaron a perfeccionar su sentido del color y a desarrollar su propio estilo pictórico.

En los años veinte fue reconocido como uno de los artistas estadounidenses más respetados y de mayor éxito económico. Como miembro de los "Ocho", fue el principal organizador del Armory Show, tenía más conocimientos de arte moderno que sus camaradas, actuó como asesor de muchos neoyorquinos adinerados a la hora de realizar compras para sus colecciones y ayudó a muchos artistas jóvenes con consejos y dinero.

Arthur B. Davis es un fenómeno anómalo en la pintura estadounidense: su propio estilo lírico puede describirse como sobrio y conservador, pero sus gustos e intereses eran completamente vanguardistas.

Maurice Brasil Prendergast(1858-1924) y su hermano gemelo nacieron en la familia de un comerciante de un puesto comercial en la colonia británica. América del norte. Después de mudarse a Boston, Maurice, que sabía dibujar, fue aprendiz de su padre con un artista comercial, lo que explica el brillo y la “planitud” de su trabajo.

Estudiar en París en la Académie Colarossi y luego en la Académie Julien, conocer la obra de los artistas de vanguardia ingleses y franceses y estudiar las obras de Van Gogh y Seurat lo llevaron al postimpresionismo. Prendergast fue uno de los primeros estadounidenses en reconocer a Cézanne, comprender su obra y utilizar sus métodos expresivos para transmitir forma y color. Al regresar a Boston en 1895, trabajó principalmente en acuarela.

Y monotipos, y tras un viaje a Italia obtuvo fama y elogios de la crítica por sus obras dedicadas a Venecia.

Conoce al Grupo de los Ocho artistas, participa con ellos en la famosa exposición de la Galería Macbeth en 1908 y Glakkens se convierte en su amigo de toda la vida. Las siete obras que exhibió en el Armory Show mostraron su madurez estilística y su máximo compromiso con el postimpresionismo, su estilo emergió y los críticos lo describieron acertadamente como “parecido a un tapiz” o “parecido a un mosaico”.

Prendergast permaneció soltero toda su vida, quizás debido a su timidez natural, su mala salud y su sordera severa. Años despues vida.
Es interesante que en los años siguientes la corriente realista en la pintura estadounidense no perdió su relevancia y se reflejó y desarrolló en el postimpresionismo, el “realismo mágico” y el “regionalismo”. Pero hablaremos más de eso la próxima vez.
Y, como siempre, una presentación de diapositivas sobre el tema, que cuenta con muchas más reproducciones.